WandaVision - Por Jackie O.

“Solo desea vivir una vida normal”. 

Con una buena puesta en escena ya llevamos 4 capítulos de WandaVision, y desde el primero ha sido un gran acierto la forma y fondo con que lo han presentado.

Comenzamos al estilo de los años 50, tipo comedia antigua en blanco y negro (los bilingües o seudos le dicen sitcom: comedia de situaciones), luego pasamos de un salto a los 60 y el color de los 70. Y con un promedio de 30 minutos para deleitarnos y dejarnos con muchas ganas de más.

Siempre me gustó esta pareja. Así como otras, tienen una gran química y son muy agradables ver y escuchar, por lo que entiendo lo que nuestra querida Wanda está viviendo; yo tampoco podría lidiar con el hecho de que Vision...

En fin, sigo.

Desde el primer capítulo nos dejaron miguitas de personajes y mensajes subliminares, y la cosa era el que captaba, captaba, y el que no, esperaba los spoiler y las múltiples de teorías que salieran en las redes. Se vinieron a la mente Avengers Infinity War, Capitana Marvel, Ant-Man, Thor, Spider-man, algunos comics, etc. y seguimos esperando más novedades.

Mi consejo: mirar detenidamente y escuchar atentos, volver a ver los capítulos para captar cada sombra, cada letra, cada imagen que no está puesta al azar, cada dulce que nos lanza esta miniserie que consta de 9 capítulos de acuerdo a lo que han informado hasta ahora.

Cada personaje, por mínima, que sea su participación, está acertado, y veremos que muchos tienen una razón de ser más de lo que vemos.

Comenzarán a aparecer más personajes, y este cuarto capítulo aclaró en algo algunas teorías y dudas que mantuvimos en los tres primeros. Ya la cosa va encaminada de forma más clara, pero la emoción no debe parar.

Y si nos ponemos más profundos, no deja de ser un tema “la pérdida”. Cuando no podemos hacer ese duelo, pasa mucho, y muchos necesitan ayuda de profesionales para lidiar con ese dolor. En fin, retomaremos ese y otros temas en un futuro alternativo no muy lejano.

Veamos qué sucederá en estos próximos capítulos, no nos adelantemos, solo disfrutemos estos bocados de a poco.

Disponible en Disney +

Ficha técnica

Primer episodio: 15 de enero-2021
Último episodio: 5 de marzo- 2021
Total episodios: 9
Director: Matt Shakman
Protagonistas: Elizabeth Olsen y Paul Bettany

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 29 de Enero 2021

El periodista Jose Luis Nicolas conversa con Jackie O. y Alejandro Caro en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección Cine con SIGNIS Chile.

Canción sin nombre - Por Carlos Correa

Esta película, Ganadora del Premio Signis en el SANFIC 15, es realmente conmovedora. Basada en hechos reales, la cinta se introduce en el Perú profundo del año 1988 donde se vive un conflicto social y político de envergadura. La historia corresponde a Georgina Condori, una joven andina que da a luz una bebé que desaparece misteriosamente. En medio del caos de la época, Pedro Campos, un joven periodista limeño, toma a su cargo la investigación del caso y emprende junto a ella una desesperada búsqueda.

Ópera prima de su directora Melina León, la película destaca por un magnífico trabajo de fotografía a cargo de Inti Briones. Con un blanco y negro plagado de matices, las escenas resultan intensas y elocuentes. La ausencia de sonido en puntos clave tensa aún más la narración que profundiza en muchísimos de los subtextos que se encuentran insertos en el guion.

Es desgarrador ver caminar a “Geo”. Sube y baja los cerros desde y hacia su casa. Transita junto a su marido rumbo a su informal trabajo de feriante callejera en el centro de Lima, en una travesía propia de un migrante dentro de su propio país. Visiblemente embarazada, el esfuerzo es en ocasiones el doble o el triple. Ella no alcanza a comprender lo que vive, menos entiende la situación política del país junto a las condiciones sociales que rodean esos años durísimos y complejos de Perú a fines de los años 80..

Las temáticas que aborda el relato son extensas. No solo la situación de Georgina es impactante. Hay una vulneración de la pobreza en todos los ambientes. La marginación social, sobre todo la que se muestra en forma explícita con una representante andina, se repite también en otras esferas. Los anuncios de radio ofreciendo servicios gratuitos de maternidad fácilmente son aceptados como lícitos cuando existe necesidad imperiosa de ayuda y no hay mayor información disponible. Este abuso de poder, aprovechando las pocas herramientas de educación de la población más vulnerable, facilita un ilícito que además es encubierto por el poder transversal que entrega una sociedad que se enfrenta a divisiones, violencia y también al terrorismo.

La situación del periodista no es muy distinta. Pedro, si bien trabaja en un diario reconocido, es un llanero solitario. No solo le afecta su situación personal, también sus ideales corresponden a su propia búsqueda de identidad y de verdad. El guion se interna en Pedro, en lo que vive, en su propia represión y lo desnuda a su manera, con una sutil delicadeza.

El marido de Georgina tampoco escapa al conflicto. Vive al día y de los trabajos esporádicos que le ofrecen. Pasa largas temporadas fuera de casa para intentar encontrar el sustento familiar. Por ello, cuando una nueva oferta de trabajo es oscura y difusa, la acepta sin pensar en las consecuencias de acciones que pueden poner en riesgo incluso a su propia comunidad.

La cultura indígena está también siempre presente en el relato con celebraciones, fiestas, música, danza y procesiones; hay un alma subterránea que se encuentra en la base de la historia.

La marginación es brutal, la división horrorosa y el abuso inaceptable. La cinta se basa en hechos reales, en el secuestro de bebés, hecho ampliamente difundido incluso en la prensa de la época. Y no solo se trata de una denuncia sino también una prueba innegable del sufrimiento al que están condenados quienes no suscriben al régimen imperante y de todos aquellos que de una u otra forma no encajan con el sistema.

Con toda razón esta cinta ha tenido éxito en sus primeras presentaciones. Estrenada en la Quincena de realizadores del Festival de Cannes 2019 y también reconocida a su paso en otros festivales, es una película que se transforma en necesaria. Su relato está dibujado perfectamente y el magnetismo que provoca su confección mantiene máxima tensión durante todo su metraje. Sin duda, “Cancion sin nombre” es de las mejores realizaciones del último tiempo en nuestra región y aún puede obtener otros reconocimientos, que sin lugar a dudas, tendrá ampliamente merecidas.

Ficha técnica

Título original: Canción sin nombre
Año: 2019
Duración: 97 minutos
País: Perú
Productora: Coproducción Perú-Suiza-Estados Unidos; Bord Cadre Films / La Vida Misma Films / MGC / Torch Films
Género: Drama | Años 80. Secuestros / Desapariciones
Guion: Melina León, Michael J. White
Música: Pauchi Sasaki
Fotografía: Inti Briones (B&W)
Reparto: Pamela Mendoza, Tommy Párraga, Lucio Rojas
Dirección: Melina León

Fireball: visitantes de mundos oscuros - Por Carlos Correa

Disponible en Apple TV+ 

Este documental de Apple TV+ resulta fascinante. De la mano de Werner Herzog y Clive Oppenheimer, la cinta explora el tema de los meteoritos y las estrellas fugaces y cómo han dejado -y siguen dejando- sus marcas en la historia de la humanidad.

Hay al menos tres aspectos por los que este trabajo llama la atención. Primero, el tono de voz del relato. Werner Herzog, locución en off en la casi totalidad del metraje, es tan cadenciosa, amable, directa y mordaz, que resulta imposible resistirse. Es, sin duda, como dejarse guiar por el sabio de la Tribu. En segundo lugar, la elección de las locaciones resulta particularmente especial porque no se trata de las típicas y cuidadas entrevistas. Vemos tomas con mucho viento de fondo, en sectores impensados como en la Antártica, en el medio del hielo, en amplios techos, o en los cráteres que han dejado algunos de los impactos de las más famosas rocas extraterrestres. Gracias a la mencionada producción, la diversidad de espacios y visiones logra un perfecto e inusual equilibrio. Y en tercer lugar, el acierto de conseguir abrir mágicamente el tema expuesto sin dictar cátedra, haciendo que crezca nuestro interés y fascinación en la medida que avanzan los minutos.

El trabajo realizado por Herzog y Oppenheimer se siente cercano. Tal vez por lo mismo resulta asombroso. Sencillo y con abundantes toques de humor, aparecen diferentes imágenes y entrevistas, concatenadas tan precisamente, que desarrollan un ritmo estupendo. Claro, apreciamos aquí la sabiduría de Werner Herzog para construir una historia que, una vez que nos atrapa, no nos deja espacio para nada más que no sea seguir profundizando en ella.

Tomar conciencia de nuestra humanidad al observar las pequeñas rocas que se muestran en varios de los ejemplos es algo significativo. Percibir la emoción de los involucrados, el amor y la pasión con la que desarrollan su trabajo, constituye un sentimiento que atraviesa la cámara, la imagen y también traspasa nuestro propio televisor. Y allí está la clave, en la transmisión de esas emociones, porque nos involucran directamente con los investigadores y científicos, nos toca parte de su fibra, vibramos con sus logros, realmente nos sentimos impactados.

Hay tanto por descubrir todavía. ¡Quién diría que pequeñas rocas pueden tener tanta información, aun por clasificar, aun por entender! Este trabajo no pretende ser conclusivo bajo ningún aspecto. Es solo una ventana, un tenue luz. Si observamos que un gran meteorito chocó contra la Tierra hace millones de años y los dinosaurios se extinguieron, tal vez podamos dimensionar lo que significan estas señales, incluso algunas de ellas todavía ocultas, y lo que pueden ofrecer para comprender la historia y por qué no también, nuestro futuro.

La capa de misterio que trae consigo esta temática es enorme y por cierto sigue siendo un gran desafío. Reconforta, eso sí, que muchas personas trabajen en el tema y dediquen sus talentos y conocimientos a extraer información de estos “visitantes de oscuros mundos”, como reza el subtítulo. Ellos no solo colaboran para entender el pasado sino que realizan una gran contribución para comprender el estado actual en el que estamos, sobre todo pensando en la supervivencia de nuestro planeta y sus condiciones. Entenderlo a tiempo puede marcar la diferencia entre la subsistencia o la extinción.

Ficha técnica

Título original: Fireball: Visitors From Darker Worlds
Año: 2020
Duración: 97 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Sandbox Films, Spring Films, Werner Herzog Filmproduktion (Distribuidora: Apple TV+)
Género: Documental
Guion: Werner Herzog
Reparto: Documental, (intervenciones de: Werner Herzog, Clive Oppenheimer)
Dirección: Werner Herzog, Clive Oppenheimer

Los principios del cuidado - Por Jackie O.

“Los límites que tenemos en la vida, solo están en nuestra mente”. 

Ben es un escritor retirado que decide dedicarse a cuidar enfermos tras pasar una tragedia personal. Después de 6 semanas de formación conoce a su primer cliente, Trevor, un deslenguado chico de 18 años con distrofia muscular.

Otra película de cuidadores y discapacitados… Sí, otra más, llena mensajes y valores que siempre son agradables de ver y comentar.

Acá conoceremos a Trevor un joven sarcástico y muy ansioso, a quien le gusta mucho las “atracciones diferentes” que ve por TV y a su nuevo cuidador.

Un día Ben le sugiere que hagan un viaje, es decir, sacar de la zona de confort a este joven.

Por lo que al poco tiempo se embarcan con sus parálisis respectivas, uno emocional y el otro física, en un viaje improvisado con el fin de recorrer todos los sitios que más le ha llamado la atención a Trevor y que veía en la TV, que era su única compañía.

Por el camino recogen a una chica embarazada, y a otra muy deslenguada que ha escapado de casa. Ellas los ayudarán a aprender a sobrevivir fuera de sus calculadas rutinas, mientras van entendiendo la importancia de la esperanza y la amistad.

Es un film dramático pero con su buena dosis de humor negro, que lo hace ligero y entretenido, a la vez emotivo y con un valor a la amistad.

De fondo, cada personaje mantiene sus dramas internos y su lucha personal. Una película que lanza el mensaje de superación, de seguir adelante y que nos muestra que la vida es para vivirla.

En esta película, si bien se expone lo sentimental, no llega a ser empalagoso y puede parecer que es de esos largometrajes predecible, hasta que llegas al final y cambia todo.

En cuanto a las actuaciones, Paul Rudd da una buena mezcla de dramatismo con humor negro. Craig Roberts, como el chico con distrofia, lo hace muy bien. Selena Gómez, a pesar de no destacar mucho su actuación, pone su cuota de frescura y cierto humor necesario.

Buen guion en términos generales, en especial el que van manteniendo estos principales, y la transformación que desarrollan en el camino.

Destacamos cosas que, a pesar de saberlas, nunca están de más mencionarlas una y otra vez, como aceptar el cariño que nos rodea, creer en las buenas segundas oportunidades, ser tolerantes con lo diferente y, principalmente, el cuidado personal, es decir, si no nos cuidamos nosotros, no podremos cuidar a los demás.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: The Fundamentals of Caring
Dirección: Rob Burnett
Guion: Rob Burnett
Basada en Los fundamentos revisados del cuidado (en inglés "The Revised Fundamentals of Caregiving") de Jonathan Evison
Género: Comedia Y Drama
Duración: 93 minutos 

Año: 2016
Reparto:
Paul Rudd como Ben.
Craig Roberts como Trevor.
Selena Gomez como Dot.
Jennifer Ehle como Elsa.
Megan Ferguson como Peaches.
Julia Denton como Janet.

Marshall - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 

Escrita por Michael y Jacob Koskoff, “Marshall” es una película biográfica sobre Thurgood Marshall -Chadwick Boseman-, primer afroestadounidense que llega a integrar la Corte Suprema de los Estados Unidos. El relato se centra en sus inicios como abogado cuando, recorriendo el país como miembro de la NAACP, debe defender a personas de color injustamente acusadas por causas raciales.

En esta cinta observamos claramente los prejuicios y las discriminaciones de la época. Corre el año 1940 y Thurgood es enviado a Bridgeport, Connecticut, para construir la defensa de Joseph Spell -Sterling K. Brown-, un conductor acusado de violación por su jefa blanca, Eleanor Strubing -Kate Hudson-, un caso relevado por la prensa y de gran repercusión. Pero Marshall no puede ejercer en solitario la defensa porque no pertenece al registro de la ciudad. Por esa razón, su oficina contacta al abogado especialista en seguros, Sam Friedman -Josh Gad-, para conformar un equipo y permitir que el joven abogado se haga parte como litigante.

La película se concentra en el juicio. Thurgood Marshall es un ejemplo de sagacidad, prestancia, estudio y vocación. Su vibrante fuerza interior se contrapone a la resistencia que ofrece Friedman desde un comienzo. Claro, no es su especialidad y además pone en riesgo su prestigio. Sin embargo, el abogado local cede ante la insistencia de Marshall y finalmente colabora lealmente. La dupla funciona, juntos se rebelan a lo establecido por el Tribunal y elaboran una defensa sólida y argumentada.

El relato dirigido por Reginald Hudlin es dinámico. Además, posee varios toques de humor e ironía que permiten soltar la tensión dramática de la narración. A pesar de su formato clásico, la cinta se hace amena gracias a una ágil edición y una interesante banda sonora compuesta por Marcus Miller.

Los principios y valores fundantes resaltan en el centro de los alegatos. El objetivo es conseguir la mejor justicia posible a pesar de las adversas condiciones imperantes. La valentía, el riesgo y la resiliencia ante la adversidad que muestran ambos abogados se transforma en algo fundamental. Lo que sucede en este caso es un reflejo social. La injusticia en la corte, evidenciada por las acciones y decisiones del Juez Foster -James Cromwell-, hace que todo sea más complicado y cuesta arriba. Surgen entonces la paciencia, la serenidad y también la aceptación, actitudes vitales para lograr configurar y llevar a cabo la compleja estrategia de defensa.

La película logra caracterizar muy bien a sus personajes. Boseman y Gad sacan chispas en sus diálogos, se entienden muy bien y entregan solidez a sus roles. También los secundarios, en especial la elaboración de Sterling K. Brown como acusado, quien con el correr del metraje adquiere rumbo propio, interpretando un excelente rol de soporte. Menos profundas se observan las relaciones familiares de los dos abogados. En el caso de Marshall, se vislumbran sus problemas producto de su ausencia prolongada del hogar, pero no se añade mucho más. Es breve, intercalado y, la verdad, cuesta entregarle la debida importancia. Sobre Friedman y su familia también hay pinceladas, como su origen judío y la persecución nazi en Europa. Tampoco se decide entrar demasiado en ese tema, ratificando que la cinta posee un enfoque orientado hacia el mundo profesional más que una elaboración acabada del entorno humano que rodea a los protagonistas.

“Marshall” acierta al concentrarse en la búsqueda de la verdad, en oponerse a la injusticia, en entregar esperanza cuando las condiciones están absolutamente en contra. Y lo hace con sinceridad, la misma que busca Thurgood Marshall cuando le pregunta a Joseph Spell si es culpable o inocente. Esto es clave, porque solo está dispuesto a defender a un inocente. La honestidad es lo primero.

A través de este juicio particular, observamos el carácter y decisión del abogado, configuramos su personalidad y conocemos también sus muchos atributos. No sorprende, entonces, su ascenso hasta la Corte Suprema. Su magnético carisma, voluntad, tenacidad y gran capacidad de trabajo presumen rasgos que dan cuenta de un gran carácter y Chadwick Boseman se luce al interpretar todas y cada una de esas características.

En ocasiones solo basta un ejemplo para entender una vida entera. Así, esta cinta consigue un nuevo sitial para Thurgood Marshall.

Ficha técnica

Título original: Marshall
Año: 2017
Duración: 118 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Chestnut Ridge Productions, China Wit Media, Starlight Media
Género: Drama | Biográfico
Guion: Jacob Koskoff, Michael Koskoff
Música: Marcus Miller
Fotografía: Newton Thomas Sigel
Reparto: Chadwick Boseman, Josh Gad, Kate Hudson, Dan Stevens, James Cromwell, Sterling K. Brown, Jussie Smollett, Rozonda 'Chilli' Thomas, Marina Squerciati, Keesha Sharp, Jeremy Bobb, Josie DiVincenzo, Sophia Bush, Derrick Baskin, Robert S. Bates, Jeffrey DeMunn, Ahna O'Reilly
Dirección: Reginald Hudlin

Amor a la Carta - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en YouTube.

Hermosa y sensible historia de amor ambientada en Bombay.

Muy ajena a los espectaculares, y kilométricos, melodramas musicales que a veces nos llegan de Bollywood (la gran industria cinematográfica de la India).

Allá existe una empresa llamada “Dabbawalas” cuya labor es repartir comida a domicilios u oficinas. Se enorgullece de su eficiencia.

En este caso se produjo un error. La vianda preparada por una señora - Ila - le llegó a un oficinista viudo - Saajan Fernandes (fogueado actor Irrfan Khan). La reiteración del equívoco origina un intercambio de notitas, escritas a mano, colocadas en alguna de las cacerolas vacías.

Nos enteramos que Ila (adorable Nimrat Kaur), madre de una niña pequeña, sabe que su marido tiene una amante. Además, su padre agoniza. Se siente sola y desdichada. Por su parte, Sajaan está pronto a jubilar. El futuro carece de ilusión. Su carácter es agrio.

Los accidentales papelillos generan un intercambio de fantasías que los van uniendo en sus tristezas.

Llegará el momento en que desearán conocerse en persona. Pero la incertidumbre del encuentro, y la inseguridad de Sajaan por sentirse tanto mayor que ella, dará origen a un clímax rico en sensatez y fragilidad.

El final abierto confirma la sentencia del proceso: “A veces un tren equivocado nos llevará al destino más conveniente”.

El mérito del relato está en la sutileza de las expresiones. Diálogos breves y precisos. Silencios elocuentes que hablan por las miradas y las pequeñas torsiones de comisuras.

Mantiene un ritmo estable, sin apurarse ni tampoco crear inquietantes misterios. Evita cualquier idea trascendente. Se limita a las simples reacciones humanas cuando va despertando el bichito del amor.

Reaparece el tenue rayo de luz que devuelve la esperanza.

Se apoya, primordialmente, en sólo 3 personajes. El tercero - Shaikh (Nawazuddin Siddiqui) - es un joven empleado que con majadería, como el Coro de las tragedias griegas, va guiando sin darse cuenta el proceso sanador de los enamorados.

Hay una tía (Bharati Achrekar) que vive en el departamento superior, que nunca aparece, pero aporta diálogos fundamentales.

El joven guionista/director Ritesh Batra, demuestra con este, su primer largometraje, que además de cuidar los detalles con exquisito cuidado (y pícaro humor), otorga a sus personajes una decantada madurez de vida.

Demuestra cómo el amor - y la delicadeza - pueden transformar a las personas más disímiles.

CON BAJO PRESUPUESTO TAMBIÉN SE HACEN BELLÍSIMAS PELÍCULAS. 

Ficha técnica

Título Original: The Lunchbox

2013 Drama, romance India, Francia, Alemania, EE.UU., Canadá - 1,44 hrs 

Fotografía: Michael Simmonds 

Edición: John F. Lyons 

Música: Max Richter 

Diseño Prod.: Shruti Gupte 

Actores: Irrfan Khan, Nimrat Kaur, Nawazuddin Siddiqui 

Guionista y Director: Ritesh Batra

Zona de Riesgo - Por Jackie O.

“Llenar y llenar, sin profundidad”. 

Una película de ciencia ficción protagonizada por un oficial con inteligencia artificial muy avanzada que trabaja con un piloto de drones para detener una catástrofe global.

Es una buena premisa, pero veamos qué pasa.

Desde que comenzó esta pandemia, Netflix ha lanzado varias películas y series, algunas buenas, muy buenas, otras malas, y las que solo sirven de relleno usando a grandes rostros como protagonistas para poder llamar nuestra atención. ¿Y esta película, a qué grupo pertenecería?

Estamos en el año 2036, y la convivencia de humanos y máquinas es normal. El teniente Thomas Harp, un oficial que trabaja en la sección de drones, desobedece una orden de su superior, considerando que es mejor que mueran dos soldados en vez de muchas personas más. Debido a ello, la corte lo traslada al “campo”, lugar donde nunca había estado, lugar que solo miraba a través de una pantalla. Ahí debe trabajar con el Capitán Leo, un oficial militar con inteligencia artificial, que tiene la misión de llevar unas vacunas a un lugar peligroso. Pero además, capturar a un ruso que trama atentar con algo mayor.

Ahí Harp conoce de primera mano lo que es arriesgar la vida en batalla, arriesgarse por otros y el trabajo en equipo. Pero Leo tiene sus propios planes.

La película tiene una estética buena, sin caer en la exageración de efectos. Siendo una película de ciencia ficción, los androides están bien diseñados y encuadran con la trama. Pero las actuaciones son forzadas, poco creíbles, están desaprovechadas, además que las acompaña un guion poco elaborado.

Las peleas coreográficas entretienen por ratos, pero por muy bueno que sea el diseño de arte, el guion decae mucho a medida que vamos avanzando y eso hace que pierda fuerza e intereses.

La película trata muchos temas, pero no profundiza en ninguno. Pudieron haber trabajado mucho en la ética laboral, la moral, el deber, el futuro bélico con androides, etc. pero no, quisieron hacer algo de relleno a la rápida, no muy bueno.

Los personajes no mantienen ninguna profundidad en su rol por lo que no llegas a tener empatía ni nada con ellos. Anthony Mackie hace el mismo rol que hace casi siempre, pero en términos generales bien actuado. Mala elección para este rol de Damson Idris y muy mal que hayan desaprovechado al antagonista Pilou Asbæk.

Esta película solo sirve para pasar el rato, una película para matar el tiempo.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Outside the Wire
Año: 2021 

Duración: 1h 55m 
Director: Mikael Håfström
Escrita por: Rowan Athale
Idioma: Inglés.
Anthony Mackie como el Capitán Leo.
Damson Idris como el teniente Thomas Harp.
Emily Beecham como Sofiya
Michael Kelly como el coronel Eckhart
Pilou Asbæk como Victor Koval

Canción sin nombre - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Es la historia de Georgina Condori (Pamela Mendoza), joven que vive en los Andes y cuya hija recién nacida es robada en una clínica falsa. En medio del caos político que se encuentra el Perú en el año 1988. Pedro Campos (Tommy Párraga) un joven periodista limeño, casi obligado toma a su cargo la investigación y emprende junto a ella la desesperada búsqueda.

Ópera prima de la directora peruana Melina León que ha sido preseleccionada para la mejor película internacional del Premio Oscar del 2021 y que competirá entre otras con: “El agente topo”, Chile; “Ya no estoy aquí”, México; “Los sonámbulos”, Argentina.

Este filme ha sido presentado en más de 40 festivales, comenzando por Cannes y obteniendo importantes premios en su recorrido.

Cine Noir por su estética, tanto por su fotografía, música y toda su puesta en escena, hace de un relato verosímil, no busca el maquillaje, ni edulcora una historia recogida de la vida real. El filme no habría sido lo mismo, si no se presentara como lo hace. Podemos tener repararos en su guion, pero le concedo que no busca ser más de lo que es, así sus personajes carecen de una profunda elaboración, porque León desea dar verosimilitud en su construcción, que sean lo que tienen que ser.

Visto lo anterior, lo relevante son las tres historias que corren paralelas complementándose. La primera, la joven madre a la que le es robada su hija, - que más perverso que eso le podría suceder a una madre-, donde el sistema de protección social, policial y judicial corrupto, la deja en total desamparo. Aunque esto sucedió en Perú, recordemos que en Chile pasó lo mismo, donde habían involucrados algunos servicios de menores, abogados e incluso sacerdotes y religiosas en el trafico de recién nacidos. Hoy existe una agrupación de Hijos y Madres del Silencio en Chile, hay un reportaje completo en Ciperchile.cl: "Adopciones ilegales II: la ruta del tráfico de niños enviados al extranjero".

Como podemos ver, este filme toca la vena misma del ser mujer y madre y en forma desgarradora cómo es el robo de un hijo/a y, para que eso suceda, un sistema legal, judicial que colabora con un negocio muy lucrativo.

La otra historia, que va a la par con la anterior, es la vida del periodista y su “coqueteo” con su homosexualidad aun no asumida, lo cual, incluso lo llevará a marcharse hacia otro lugar, de alguna manera escapando de un mundo amenazante y poco tolerante, como esos años 80.

El tercer relato es el contexto donde se desarrollan las historias y que no son otros de marginación, sobrevivencia y abusos de poder, producto de la dictadura imperante en el Perú.

Es una magnífica obra fílmica para ver, alertándonos de un drama humano de suyo perverso y devastador, donde se trafican las personas sin ningún escrúpulo y una invitación a ser más empáticos colocándonos en el lugar del Otro, en todos los aspectos.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Canción sin nombre 

Año: 2019 

Duración: 97 minutos

País: Perú 

Dirección: Melina León 

Guion: Melina León, Michael J. White 

Música: Pauchi Sasaki 

Fotografía: Inti Briones (B&W) 

Reparto: Pamela Mendoza, Tommy Párraga, Lucio Rojas, Ruth Armas, Maykol Hernández, Bruno Odar 

Productora: Co-production Perú-Suiza-Estados Unidos; Bord Cadre Films, La Vida Misma Films, MGC, Torch Films 

Género: Drama | Años 80. Secuestros / Desapariciones

En las rocas - Por Carlos Correa

Disponible en Apple TV+. 

“On the Rocks” sigue a Laura -Rashida Jones- y a Dean -Marlon Wayans-, un joven matrimonio que vive en Nueva York junto a sus dos pequeñas hijas, Maya y Theo. Ella es novelista y él un emprendedor. Sus vidas giran en torno a su núcleo familiar pero el peso diario recae en Laura debido a que Dean viaja demasiado, absorto en mejores resultados para sus negocios de tecnología. Laura trata de escribir una novela ya comprometida pero no hay caso, la página en blanco la asalta una y otra vez.

Ciertas actitudes de su esposo generan desconfianza. Parece alejado, un poco ajeno, desganado. Llevan algunos años de matrimonio y la magia parece estar en retirada. Entonces aparece Felix -Bill Murray-, padre de Laura, un comerciante de arte, un hombre de mundo, vividor, dueño de una personalidad que ve en cada mujer una posible conquista. Laura le confiesa sus temores y Felix no tiene dudas; Dean tiene un amorío, más que mal, todos los hombres son iguales a él, tienen el engaño como norte, algo prácticamente marcado a fuego como patrón único de conducta. Entonces le sugiere a su hija seguir a Dean, investigar, y así confirmar las sospechas por dolorosos que sean los hechos.

La directora Sofia Coppola arremete con un relato liviano y profundo a la vez, una comedia dramática que es cotidiana y actual, narrada en forma fresca y asertiva. El guion, también de su autoría, ofrece una pluma ágil, sin ataduras, y que fluye en todo momento. Diálogos e imágenes se entrelazan dando cuerpo a una historia natural, sin moldes, cercana, que provoca reflexiones sobre nuestras propias experiencias y vivencias.

Cuando despiertas al otro día o dos días después con imágenes de la película, con alguna frase o con algún gesto de uno de sus protagonistas, es porque la cinta ha desarrollado algo especial. Sofia Coppola nos toma de la mano y nos conduce al interior de una rutina que tal vez hemos visto muchas veces, esta vez revestida de un ropaje que no impide transmitir su esencia íntima y profunda. Con personajes perfectamente delineados -Laura apagada, Dean vital-, concentra una rutina matrimonial donde las hijas son demandantes y la carga de la responsabilidad hogareña se encuentra en desequilibrio.

Pero lo que se ve como crisis es tal vez solo rutina y las dudas surgen producto del anodino día a día, de la ausencia de una conversación más profunda o de una conexión emocional más sincera. O bien puede ser la punta del iceberg, los síntomas de una ruptura sentimental en proceso, con una aventura en ciernes, un escape de la realidad, un amorío que seguramente supondría la separación de la pareja. Y acá está el talento de Sofia Coppola, porque nos entrega pistas, vueltas y giros que no permiten concluir nada en forma anticipada. Debemos ser testigos de la historia para comprenderla, y por supuesto, gracias a ello observar lo más interesante del trabajo que es la forma que adquiere su abordaje y desarrollo.

“En las rocas” habla de lazos filiales. Laura busca a su padre. Su relación no es tan clara, desconocemos lo que ha pasado entre ellos, sin embargo existe confianza y sin duda esos brazos pueden entregar refugio en momentos inciertos. Felix también busca a su hija, quiere lo mejor para ella, pero su experiencia personal se transforma en algo que acrecienta las dudas y revive sus fantasmas. No puede evitarlo. Él, que ha vivido su vida a concho, transpira su conducta y la extrapola. ¿O aquello es solo para enmascarar errores del pasado, errores cometidos con la madre de Laura que quiere ahora enmendar?

En esta cinta hay caricaturas, sin duda, pero mayormente vemos personajes que expresan emociones. Murray se luce en su papel, cómodo, desafiante, con una soltura encomiable. Algo en su mirada -¿cierto vacío?- no refleja comodidad, sin embargo sus otras actitudes corporales no dejan dudas del lugar principal que ocupa en el relato. Rashida Jones logra atraparnos con su tono menor oscuro y aproblemado. No brilla, porque su personaje necesita aire y espacio, está agobiado, requiere apoyo, un soporte que la contenga. Marlon Wayans cumple con su parte porque no logramos visualizar cuál es su rol, nos confunde, nos divide planteando más interrogantes.

“On the Rocks” dura 95 minutos en pantalla pero queda resonando por días. La primera capa es agradable, sin embargo las que surgen posterior a la reflexión tienden a ser un poco menos amables, quizá incluso hasta un poco amargas. Y puede ser que en esta fase pase algo similar al Whisky, que cuesta apreciarlo de buenas a primeras. Por esa madurez que posee, en las primeras incursiones es difícil de saborear e incluso puede confundir. Tal vez con las entrañas de esta cinta sucede algo parecido y debemos dejar que respire para que surja lo mejor de sus profundidades. “En las rocas” permite eso, que sigamos bebiendo lentamente, descifrando sus mensajes, comprendiendo sus signos y descubriendo convicción en esta particular mirada de la realidad.

Ficha técnica

Título original: On the Rocks
Año: 2020
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos
Productora: A24. Distribuida por A24, Apple TV+
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática
Guion: Sofia Coppola
Música: Phoenix
Fotografía: Philippe Le Sourd
Reparto: Bill Murray, Rashida Jones, Marlon Wayans, Jenny Slate, Barbara Bain, Natia Dune, Jessica Henwick, Nadia Dajani, Sophia Zalipsky, Melania Zalipsky, Victoria Zalipsky, Evangeline Young, Jules Willcox, Alexandra Mary Reimer, Mike Keller, Ximena Lamadrid, Grayson Eddey, Zoe Bullock
Dirección: Sofia Coppola

Horror Story - Por Jackie O.

“Bollywood y las ganas de asustar”. 

Sinopsis: 7 amigos de la universidad aceptan el desafío de pasar la noche en un hotel abandonado para comprobar si está embrujado. 

Historia de fantasmas hemos visto muchas películas, varias de ellas basadas en leyendas urbanas. Y muchos “cazadores” de este tipo de historias hemos sabido que se han aventurado para inmiscuirse en estos mundos. Hay muchas y seguirá habiendo.

Hay películas Indias muy interesantes pero ésta, que está catalogada de terror, según yo, queda lejos de provocar lo que quiere, y te cuento:

Un grupo de amigo se reúne para despedir a una de ellas en un bar. Con conversaciones cotidianas y antes de que se cierre el local, ven en TV el suicidio de un conocido sujeto en un hotel abandonado donde surgen muchas leyendas de fantasmas y muertes.

Debido a la adrenalina provocada por el alcohol, se aventuran en ir a dicho lugar pero, específicamente, a una habitación, la habitación donde supuestamente ocurren hechos paranormales.

La premisa es buena, pero la ejecución es donde fallaron. 

Los protagonistas respecto a sus actuaciones fue de novatos sobreactuados. Al hablar lo hacían en un tipo “Hinglish”, ósea una mala mezcla de Hindi e Inglés, que hasta se escucha muy mal y molesta.

La odisea en dicho hotel pudo haber sido trabajada mejor ya que se reunían todos los elementos necesarios. Las desapariciones y muertes, o los heridos, eran tratados de forma algo inverosímil. Pudieron incluso haber generado algún tipo de mensaje positivo ante tanta maldad, pero nada.

La música, demasiado alta, que trataba de dar suspenso que no lograba, con unos movimiento de cámaras y primeros planos de los jóvenes que eran muy poco creíbles.

La forma de saber que sucedió en el lugar, que fantasma hay y por qué, fue repentina y mal editada.

Sí, la ambientación estaba buena, pero algunos fantasmas no muy bien trabajados en imagen.

La verdad, es una película que no asusta ni genera empatía con los angustiantes jóvenes.

Y como dato, se inspiraron en la película 1412 de Stephen King.

Disponible en YouTube y Netflix. 

Ficha técnica

Año: 2013 

País: India. 
Director: Ayush Raina
Idioma: Hindi Duración: 1, 30 min.
Género: Terror/Bollywood
Música: Amar Mohile
Guion: Vikram Bhatt, Sukhmani Sadana y Mohan Azaad

Fragmentos de una mujer - Por Jackie O.

“Dolor indescriptible”. 

Sinopsis: La vida de una pareja se transforma, luego de perder a su bebé durante un parto en su hogar tras la negligencia cometida por una partera, quien es denunciada ante los tribunales. 

Una película dura, y no puedes dejar de empatizar con la protagonista MARTHA, quien junto a su marido esperan ansiosos a su primer hijo. Pero ella ha decidido tener a su hija en casa con una partera conocida. Las razones específicas del por qué no ir a un hospital no se saben, así ella lo quiere.

Mantiene un embarazo sin contratiempos, hasta que llega el día del parto y su partera de confianza, con quien acordó este momento, no está disponible y manda a dicho hogar a una partera amiga, desconocida por este matrimonio, pero ya que la manda su amiga, confían y la dejan actuar.

Al momento de sentir las contracciones no se siente bien y es llevada a una tina de agua tibia para luego pasar a la cama y comenzar el proceso. El marido es algo torpe y no colabora como se debiera.

La partera hace lo que debe o así lo cree, hasta que la bebé nace y es entregada a su madre. El padre saca y saca fotos mientras Martha está dichosa, pero la partera nota algo raro en la bebé pero no puede salvarle la vida.

Ahí comienza el proceso de luto de esta mujer, una mujer que saca fuerzas de flaqueza, donde la actuación de Vanessa Kirby para representarla es increíble.

La película nos muestra hechos que ocurren una vez al mes. La primera en septiembre con el parto, y pasamos a una fecha determinada en octubre donde ella va a trabajar, lo necesita a pesar de que pasaron dos o tres semanas del trágico evento. Todos la observan con pena, ella ignora, quiere retormar su vida con calma.

Siempre es un gusto ver a Ellen Burstyn, acá personificando a la madre de Martha, que cree que ayuda a su hija pero en verdad no lo hace, sus actos no ayudan, y se manda un buen monologo en un momento. Lo mismo pasa con la hermana y qué decir del marido, son más un estorbo para el proceso que pasa esta mujer.

Los primeros 30 minutos son duros en la película, impresionantes y conmovedores, Vanessa pareciera que estaba pariendo de verdad y sintiendo posteriormente el dolor. Respecto al resto de actuaciones, Shia LaBeouf es sobreactuado, tal vez su rol era que sintiéramos desagrado por él ante su actuar en todo, quién sabe.

Las actuaciones en general, no logré sensibilizarme con ninguno de los personajes, salvo Martha.

La cinta la podemos dividir en 3 partes; la primera con el colapso, la segunda el proceso y el final con la toma de decisiones. En la parte del proceso, su guion fue decayendo y comienza a repuntar muy levemente.

La película cuenta con algunos simbolismos que podemos detallarlos de acuerdo a lo que cada quien entienda. Puede que hayan sido puestos de forma específica por el director (en este caso creo que sí), y en otras oportunidades el espectador tiende a buscarlos o necesitar tenerlos.

Nadie sabe cómo actuar en hechos tan terribles. Pero no hay que encerrase, hay que pedir ayuda, el resto debe no presionar con preguntas y tantas palabras de pésame, eso a veces no ayuda. Un abrazo en silencio, preguntar de vez en cuando si necesita algo y estar cerca siempre, ayuda mucho más.

Y aunque sea difícil, y contando con la ayuda necesaria, debemos tener la confianza de que al final del oscuro camino está la luz, donde una semilla bien cuidada puede dar buenos frutos.

Por lo menos, así creo debiera ser.

Al finalizar los pos créditos, hay un pequeño pero potente mensaje.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Año: 2020 

Duración: 128 minutos
Director: Kornél Mundruczó
Género: drama, familia.
Guion: Kata Wéber
Guion: Kata Wéber
Música: Howard Shore
Fotografía: Benjamin Loeb
Reparto: Vanessa Kirby, Shia LaBeouf, Ellen Burstyn, Molly Parker, Iliza Shlesinger, Jimmie Fails, Domenic Di Rosa, Alain Dahan, Sarah Snook, otros.

Arica - Por José Blanco Jiménez

Un documental que denuncia la contaminación en “la ciudad de la eterna primavera”, que ha sido posible por la colusión de los gobiernos de Chile y el poder de una multinacional. Se puede ver en https://festival.aricadoc.cl/film/arica/ 

Al comienzo de La República de Platón, Trasímaco sostiene que la justicia es la utilidad del más fuerte. Sócrates trata de demostrar lo contrario en 10 libros y lo consigue desde el punto de vista dialéctico. Han pasado casi 25 siglos y Trasímaco sigue teniendo razón. Y ya no se trata sólo de la fortaleza muscular (como era en su época), sino de la del dinero y del control de la economía.

Lars Edman, un joven nacido en Chile y criado en Suecia, realizó – junto al sueco William Johansson Kalén – el documental Toxic Playground (2006), que produjo revuelo y dio origen a un juicio que es el que muestra precisamente este documental, realizado con mucha sobriedad y equilibrio.

Tal vez todos los chilenos no lo sepan, pero la empresa sueca Boliden arrojó 20 mil toneladas de desechos industriales, contaminados con trióxido de arsénico, en un barrio periférico de Arica. Todo con el beneplácito de las autoridades y un acuerdo con la empresa Promel, que debía neutralizar sus efectos.

Las películas norteamericanas nos han acostumbrado a creer que los que no pertenecen a la Unión son todos malos (y la base de sus películas ha sido siempre el enemigo de turno), pero aquí se ve que no todos los suecos son malos. De hecho, son juristas y especialistas suecos los que llevan adelante la acción legal. El único chileno es un poblador representante de 796 víctimas de la contaminación. El Estado de la República de Chile brilla por su ausencia: según parece, venir a contaminar el territorio del país no es un problema estatal, sino de empresas privadas.

El filme es de una belleza fotográfica incomparable (sobre todo en las tomas nocturnas) y describe muy claramente el paisaje desértico que determina la vida de las personas, con los niños que crecen jugando con la tierra contaminada. Se ve también, entre otros testimonios, a una muchachita que le aparecieron varios pezones y hubo que extirpárselos. Y es posible seguir la vida de una jovencita, Jocelyn Tudesca, que ahora es madre de tres hijos y creció entre esa basura.

El juicio es seguido “en la medida de lo posible”, puesto que se desarrolla en inglés y en sueco, no están permitidas las cámaras y sólo se puede registrar el audio. Pero igual se asiste a la farsa de todas estas acciones que parten de “la presunción de la inocencia”: el arsénico no fue introducido por “el material con valor negativo” (así se le dice ahora), sino que es culpa del pescado y del cochachuyo que los ariqueños comen. Pero resulta que, como no lo comen porque es muy caro, la culpa hay que darla a otras circunstancias. Finalmente, ante la evidencia, otra carta bajo la manga: el porcentaje en gramos de arsénico en la orina – según la ley sueca – no es cancerígeno.

Spoiler o no, no se trata aquí de una película de suspenso de la que no se puede contar lo que ocurre. Son hechos conocidos, aunque parece que al Gobierno de Chile no le ha interesado mayormente. En la apelación se reconoció un dictamen de la Corte Suprema acerca del porcentaje cancerígeno, pero… ¡pero el delito ya está prescrito! O sea que los tan cacareados derechos humanos siguen siendo un chiste.

El capítulo no está cerrado, porque quedan pendientes las costas del procedimiento judicial, pero mientras tanto las víctimas siguen sufriendo.

El despertar del diablo (de Alexandre Aja, 2006, remake de The Hills Have Eyes, de Wes Craven, 1977) es una película acerca de mutantes producidos por desechos radioactivos. Aterroriza y se acepta como una ficción. Pero aquí no es una ficción la entrevista a la dueña de casa que relata cómo sus vecinos han ido muriendo, uno tras otro, por diferentes de tipos de cáncer.

Hubo una película que vi con los otros críticos comienzos del año 2020 y que después no se estrenó debido a la pandemia: El precio de la verdad (Dark Waters, de Todd Haynes, 2019), que trata un abogado al que aplastaron los que querían ocultar los daños que causaba la contaminación y que me hizo recordar el drama Un enemigo del pueblo (de Henrik Ibsen, 1882) en el que la verdad de un médico se estrellaba contra los intereses creados. Nada ha cambiado por lo tanto.

Al comienzo la cámara muestra desde lo alto la panorámica de una ciudad y lo es: se trata de una necrópolis. Es el cementerio donde yacen las víctimas del desastre ecológico, mudos testigos de la injusticia. Sólo el remolino que hace rotar el viento deja una esperanza en una vida mejor.

(Arica. Suecia / Chile / Bélgica / Noruega / Gran Bretaña, 2020).

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 22 de Enero 2021

El periodista Jose Luis Nicolas conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección Cine con SIGNIS Chile.

Fragmentos de una mujer - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 

Martha y Sean viven en Boston. Esperan una hija y han decidido traerla al mundo en su propia casa. Cuando Martha -Vanessa Kirby- comienza el trabajo de parto, llaman a su matrona de cabecera, Bárbara, pero ella no está disponible en ese momento. En su lugar acude Eva -Molly Parker- quien colabora en el nacimiento pero no puede evitar la posterior muerte de la bebé. ¿Negligencia? La denuncia llega a tribunales en espera un juicio público y mediático, mientas la pareja vive semanas tormentosas de angustia y sufrimiento.

Dirigida por Kornél Mundruczó, la cinta es dramáticamente intensa. Describe una tragedia mayor, algo inimaginable, indescriptible, que implica una inevitable transformación personal. La vida de ambos padres está destrozada. Se extravía el sentido y el rumbo, se pierde cualquier horizonte posible. ¿Cómo se puede vivir después de algo así? El relato se concentra en Martha, en su agobio, en su extrema tristeza. No es que Sean -Shia LaBeouf- viva algo distinto, es solo que el foco está puesto sobre la madre. La búsqueda de una explicación se transforma en el norte a seguir, para poder avanzar, tal vez para intentar salir adelante, sin embargo esto trae consecuencias; como pareja comienzan a distanciarse.

Martha tiene una madre poderosa, fuerte y dominante. Elizabeth -Ellen Burstyn- opera como matriarca, guía los pasos de su hija -de todos en realidad- y se impone por sobre cualquier circunstancia. De hecho, desprecia a Sean, nunca lo ha aceptado. La hermana de Martha está algunos metros atrás por lo que no alcanza a ser un soporte emocional. La protagonista debe tomar opciones, casi sin saberlo ni proponérselo. ¿De qué manera recorre este arduo camino que enfrenta? ¿Con su pareja, con su familia? Es en ese momento en el que se erige un muro entre Martha y Sean, la emocionalidad diverge, más duro resulta todo; las diferencias se acrecientan.

La cinta posee simbolismos. El puente -en el que Sean se desempeña como parte del equipo de operarios de la construcción- se va completando con el paso del tiempo. También la separación por capítulos, correspondiente a las fechas en las que se desarrollan los diferentes segmentos. La herida permanece abierta, el paso del tiempo se refleja en el metraje. ¿Será posible alcanzar la sanación?

La actuación de Vanessa Kirby es sólida, muy real, emotiva y a la vez sencilla. Sus lágrimas brotan en forma natural, transmite su pena, su frustración y demuestra infructuosos intentos por sobreponerse. Es creíble; intenta ser fuerte, pararse, volver a trabajar en su rol de ejecutiva. También se propone mantenerse entera, de una pieza, pero naturalmente se quiebra, se fragmenta. Los roles masculinos pasan a ser irrelevantes, ni siquiera alcanzan a configurar un papel secundario. Sean es una pareja muy cercana al comienzo pero después se va diluyendo. Lentamente se transforma en un hombre casi desconocido, cada vez más lejano, menos presente, menos necesario.

La filmación que realiza Kornél Mundruczó es cercana y la música de Howard Shore, sugerente. Los movimientos de cámara que ejecuta el director resultan muy interesantes, revelando ángulos y encuadres muy precisos. Ofrece variadas perspectivas, tomas en espejo, al interior del auto, tomas en movimiento. La textura de la cinta juega entre nebulosas y planos borrosos, en asociación explícita con lo que vive Martha.

La secuencia inicial, los primeros 30 minutos, es de lo mejor que he observado en este último tiempo. Junto con resultar impactante, está muy bien actuada y muy bien filmada. El plano secuencia del parto deja sin aliento y provoca un nivel de atención único, que no decae en ningún momento, con tensión extrema y consecuencias emocionales. Esta apertura tiene una compensación en los créditos finales, que bien vale la pena observar con detención. Se trata de contemplar una personal reflexión sobre lo que significa el ciclo de la vida.

Ficha técnica

Título original: Pieces of a Woman
Año: 2020
Duración: 128 minutos
País: Canadá
Productora: Co-production Canadá-Hungría; Bron Studios, Creative Wealth Media Finance (Productor: Martin Scorsese)
Género: Drama | Familia
Guion: Kata Wéber
Música: Howard Shore
Fotografía: Benjamin Loeb
Reparto: Vanessa Kirby, Shia LaBeouf, Ellen Burstyn, Molly Parker, Iliza Shlesinger, Jimmie Fails, Domenic Di Rosa, Alain Dahan, Sarah Snook, Ben Safdie, Vanessa Smythe, Sean Tucker, Tyrone Benskin, Dusan Dukic, Noel Burton, Letitia Brookes, Leisa Reid, Joelle Jeremie
Dirección: Kornél Mundruczó

El Club de los Genios - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en YouTube.

Suspenso y encierro para plantear problemas existenciales.

Armand - genio experto en lluvia radioactiva- es un desquiciado que prefiere autodenominarse “revolucionario” más que “terrorista”.

Como ha sido incapaz de resolver las grandes interrogantes de la humanidad, puso una bomba de muchos megatones en el subterráneo de la Casa Blanca de EE.UU.

Para evitar la muerte de billones de criaturas, emplaza al Presidente de la nación a convocar a las 7 máximas inteligencias del país a una reunión en que deberán responder a sus preguntas y acertijos. Tienen plazo de pocas horas para sugerir soluciones a los principales problemas de mundo.

Es imposible desactivar la bomba. El tiempo corre inexorablemente. Si fracasan, será el fin de la vida en el planeta.

Entre los siete reclutados hay hombres y mujeres, de diversas razas y profesiones. Sólo los une su elevadísimo coeficiente intelectual.

Armand se comunicará con ellos desde una central televisiva imposible de detectar por los expertos cibernéticos.

Después de lanzar acertijos juguetones para cerciorarse que los genios están con sus plenas facultades, se inicia la cascada de preguntas fundamentales.

Cómo impedir la miseria y el hambre, evitar las guerras, curar el cáncer, acabar con el terrorismo, con los tacos de tránsito, con los políticos corruptos y con los imbéciles ilustrados.

Desde su angustia, los miembros de la sala van proponiendo soluciones que nacen de sus propios complejos y debilidades personales.

Cada respuesta acertada irá acumulando puntos. Sólo si llegan a 1000 se salvará la especie humana, animal y vegetal.

Y como todavía falta mucho por ahondar, vendrán los dilemas más difíciles: qué es la Felicidad, discusión sobre la naturaleza de Jesucristo y de Dios (hermosa prueba de la existencia de Dios dada por una científica de color). Importancia del Perdón por encima de Odio (es más fácil construir bombas letales que resolver los conflictos con generosidad).

¿Cuál es el sentido de la Vida? ¿Vale la pena la Humanidad? Tal vez…

Más, cuando ya se cumple por completo el dantesco certamen, a costa de la catarsis de casi todos sus miembros, surge la más misteriosa e impenetrable de las preguntas: ¿QUÉN SOY?

Y es aquí donde el drama nos entrega el giro más inesperado.

Por fortuna prevalece la cordura y la sobriedad en un filme que pudo caer en lo “mensajoso” o predicante.

El suspenso está bien manejado, y las actuaciones, en especial de Tom Sizemore, como Armand, y de Stephen Baldwin, como el máximo genio (un simple repartidor de pizzas), nos comprueban que, después de todo, hay equilibrio en la Naturaleza, y que en ese equilibrio hay Justicia.

SUSPENSO EFECTIVO, BIEN ACTUADO, PARA PLANTEAR DILEMAS UNIVERSALES DE TODOS LOS TIEMPOS.

Ficha técnica     

Título Original: The Genius Club

2006 Drama, suspenso EE.UU. - 1,59 hrs. 

Fotografía: Tyler Allison 

Música: Daniel Bijan 

Diseño Prod.: Steve Arnold 

Actores: Tom Sizemore, Stephen Baldwin, Carol Abney 

Editor, Guionista y Director: Timothy A. Chey

Gambito de Dama - Por Jackie O.

“Jaque mate”.

Basada en la novela del mismo nombre de 1983, de Walter Tevis.

Netflix nos trae esta historia como miniserie donde nos cuenta la historia de una niña que, con 9 años, queda huérfana, y con su inteligencia luchó en un mundo destinado más a hombres.

Cuando llega al orfanato se ve que no la tratan mal, y hace de una buena amiga, pero lamentablemente a sus cortos 9 años se hace adicta a las drogas, es decir a las “vitaminas” que en dicho lugar les daban a todas.

Durante su estadía conoce al conserje del lugar quien siempre jugaba ajedrez solo, y ella le pide que le enseñe. Y así lo hizo, pero no de inmediato. Todos los trucos, todas las formas, donde ella desarrolló esa inteligencia innata que siempre tuvo.

Hasta que a sus 15 años, la directora miente en su edad haciéndola pasar por 13 años, la adopta un matrimonio, donde ella es más cercana a la jovencita.

Esta madre la acompañó a todos sus torneos, convirtiéndose en la mejor compañera; ambas se sienten muy a gusto.

Pero lamentablemente seguía adictas a esas drogas, la hacían alucinar con esos partidos de ajedrez y se sentía con más confianza. Además se convirtió en su adolescencia en alcohólica, como su madre, quien al poco tiempo la deja.

Así transcurre su vida, entre la fama, adicciones, amistades, amores, y también penas.

Y vemos cómo va transformándose de niña a mujer, dándose cuenta que no necesitaba esas drogas, era talento puro.

Una extraordinaria miniserie que te atrapa en cada capítulo, nos muestra un mundo ajeno para muchos que es el ajedrez, que se muestra hasta aburrido a veces, y acá lo vemos de una forma muy atrayente. Conoceremos a jóvenes y adultos con sus dudas, miedos, penas, triunfos, derrotas y alegrías.

Con un vestuario bellísimos en esta década del 50 y 60 en la cual está ambientada la vida de nuestra fabulosa BETH, vemos como va transformándose no solo psicológicamente, sino que también en aspecto a medida que va ganado partidas. Por ejemplo, sin ese dinero habría vestido la misma horrenda ropa. Su vestuario, cada uno más bello que el otro, muy femenino, a la moda, de colores cálidos algunos, aunque más negro y gris. Con formas geográficas algunos, al igual que el decorado.

Una muy buena puesta en escena, diseño técnico impresionante, guion cautivador, y actuaciones muy bien ejecutadas.

Nuestra protagonista, muy acertada su elección, fabulosa, deslumbrante, elegante, y con unos ojos que el acertado maquillaje aumentó en su profundidad y candidez.

Una muy buena alternativa para ver, por si, como yo, no la viste cuando se estrenó.

Ficha técnica

Título original: The Queen's Gambit. 
Género Drama
Dirección: Scott Frank
Escrito por Scott Frank, Allan Scott y Walter Tevis
Año: 2020 

Miniserie de 7 capítulos. 
Reparto:
Anya Taylor-Joy como Beth Harmon.
Isla Johnston como la joven Beth.
Annabeth Kelly como Beth más pequeña.
Bill Camp como William Shaibel, el conserje.
Marielle Heller como Alma Wheatley.
Thomas Brodie-Sangster como Benny Watts.
Moses Ingram como Jolene.
Harry Melling, como Harry Beltik.

Poco Ortodoxa - Por Jackie O.

“Romper cadenas”.

Una joven judía de 17 años, es casada bajo la tradición de su pueblo con otro joven de la comunidad.

Aunque están en una ciudad muy cosmopolita como Nueva York, ellos no dejan de respetar sus estrictas costumbres, dirigiendo los más viejos las vidas de las personas de su comunidad, en especial de las mujeres tanto cuando están solteras y más cuando están casadas, lo que abruma la vida de esta frágil muchacha, quien toma la decisión de huir de esa comunidad, que tan mal le está haciendo.

Antes de pensar en huir, ella sí quería casarse, siempre fue respetuosa de las tradiciones con las cuales se crió, no quería ser como su madre quien la dejó y renegar de su comunidad (lo que le contaron).

Pero una vez casada, se convierte en un matrimonio frustrante tanto en lo emocional como en lo sexual. Su marido es bueno con ella, no es un mal sujeto, simplemente es torpe porque fue criado en una cultura donde no sabe cómo actuar y se deja llevar por las decisiones que toma su madre.

A los 18 años, habiendo soportado casi un año de casada, decide huir a Berlín, por su tan ansiada libertad. Y aunque enterándose de que está embarazada y le dan en Berlín la opción de abortar, ella de forma inmediata y aunque no fue feliz en su matrimonio, da un NO rotundo. Es su hijo y lo tendrá.

En solo 4 episodios, es suficiente para sumergirnos en la vida de esta joven, en sus frustraciones y la liberación de las cadenas emocionales que la tienen atada.

Tampoco la idea es que debemos juzgar una cultura por muy en desacuerdo que estemos, pues de esas hay muchas otras, que crían a su gente con reglas irrisorias para nosotros, pero mientras a dicha comunidad no se les imponga o mejor, se les enseñe otra cosas, seguirán en lo mismo. Es su estilo y su mundo.

Me pareció un buen acierto que mantuviera el idioma en gran parte de la trama, del “jiddish”, la elecciones de los actores y actrices muy creíbles todos en sus roles, pero nuestra pequeña protagonista es espectacular. Solo quieres contenerla y protegerla, su inocencia e ímpetu traspasa la pantalla. La ambientación muy bien cuidada, y la música muy acorde, en especial para diferenciar las culturas y espacios.

Una miniserie que da para hablar muchos temas como la libertad mental, liberación sexual, deseos y frustraciones, vivir en comunidad, familia, libertad de acción, decisiones en base a lo que queremos, a decidir qué vestir, qué mostrar, responsabilidad de nuestros actos, etc.

El mundo está lleno de pequeñas y profundas historias, y la realidad supera mucho la ficción.

Esta historia está basada en un libro autobiográfico de Deborah Feldman «Unorthodox: The Scandalous Rejection of My Hasidic Roots», de 2012.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título Original: Unorthodox
Fecha de estreno: Marzo de 2020
Directora: Maria Schrader
Idioma: Yidis 

Episodios: 4
Elenco:
Shira Haas como Esther "Esty" Shapiro
Jeff Wilbusch como Moishe Lefkovitch
Amit Rahav como Yanky Shapiro
Alex Reid como Leah Mandelbaum
Ronit Asheri como Malka Schwartz
Gera Sandler como Mordechai Schwartz
Dina Doron como la abuela de Esty ("Bubbe")
Aaron Altaras como Robert
Tamar Amit-Joseph como Yael Roubeni
Aziz Deyab como Salim

Un Sueño Extraordinario - Por Jackie O.

“Vivir al máximo, aunque sea lo último”. 

Augus es un hombre de 75 años, jubilado, constructor civil, viudo, muy lúcido y agradable sujeto, pero su corazón falla un poco y lo hace delicado en ello. Además siente que es una molestia para su familia (vive con su hija, el marido y su nieto preadolescente) y tienen problemas económicos, por lo que Augus se va.

Pero es unido con su familia a pesar de todo, solo están pasando por un momento complicado.

Hasta que un día se entera que habrá un viaje al espacio, algo que se le ocurre a un millonario filántropo, él se entusiasma y su nieto lo apaña en eso, así es que se inscribe para ir. Claro que miente en sus datos ya que quieren gente de cierta edad y sana. Y obvio, que él queda dentro de los seleccionados.

Cuando le toca su turno de entrevista, le viene un colapso nervioso y queda eliminado.

Pero por casualidad descubre una falla en el lugar que puede perjudicar el lanzamiento para quienes vayan al espacio. Así es que comienza a hacer sus averiguaciones ayudado de su nieto.

Y adelanto sin ser spoiler, esta es una película con final feliz, y a pesar de que es muy predecible, es agradable verla. Podemos ver a una familia que, a pesar de los problemas, es unidad, que nacen las confianzas y el respeto, los anhelos de sueños y el apoyo. También conocemos a un grupo de ancianos que al conocer a Augus cambian sus vidas.

Una historia sensible pero también divertida. Agradable para ver.

Disponible en www.cinemarl.cl www.cinhoyts.cl

Ficha técnica

Título Original: Astronaut
Directora: Shelagh McLeod
Música compuesta por: Virginia Kilbertus
Guion: Shelagh McLeod
Reparto: Richard Dreyfuss , Krista Bridges, Lyriq Bent.
País de Origen: Reino Unido. 

Año: 2019
Distribuida por BF

Un Sueño Extraordinario - Por Juan Pablo Donoso

BFDistribution.

Grata, amena y estimulante para toda la familia.
El anciano Angus (Richard Dreyfuss) es ingeniero civil jubilado, viudo, pero aún con mucha vitalidad.

Como siente que molesta viviendo en casa de su hija, acepta de malas ganas trasladarse a un elegante hogar para ancianos.

Allí se entera que un filántropo billonario (Colm Feore), abre concurso para enviar al espacio al que gane en una tómbola. Como es de suponer, nuestro anciano resulta favorecido.

Contra los consejos de sus parientes, pero con las ínfulas de su pequeño nieto, sigue adelante con la posibilidad.

Cuando está a punto de ser escogido, sufre un colapso nervioso y lo eliminan del proyecto. Hasta aquí sólo fue el chispazo de una quimera que añoraba desde niño.

Pero, como sucede en casi todas las películas optimistas, el destino quiso que, por casualidad, notara que la pista de despegue de la nave tenía una falla peligrosa para la misión.

Aunque ya sin esperanza de viajar, se empeñó en advertir a los empresarios del eminente peligro. Tras mucho insistir, accedieron a revisarla una vez más, reconociendo que la aventura habría sido catastrófica.

En retribución, lo premiaron permitiéndole ser pasajero astronauta, y cumplir así el máximo anhelo de su vida.

Por la bonhomía de sus familiares y amigos, y la inicial tozudez de sus opositores, para culminar en un clásico “final feliz”, bien pudo ser otra película taquillera de la empresa Disney. Después de una triste decepción, vino el giro inesperado que dejó a todos los espectadores felices.

La gracia de esta aventura descansa, primordialmente, en el carisma, y talento, del actor Richard Dreyfuss, secundado con sobriedad por los demás personajes. Se nota que el famoso intérprete (el kinético Dr. Hooper de TIBURÓN) disfrutó haciendo este filme. Y ello trasciende la pantalla.

Bastante efectivo en su género para ser el primer largometraje dirigido y escrito por la actriz Shelagh McLeod (Doctors, teleserie 2003-2011).

GRATIFICANTE TRIUNFO DE UNA ILUSIÓN. IDEAL PARA DISFRUTARLA EN UN VIAJE AÉREO.

Ficha técnica

Título Original: Astronaut 

Tragicomedia familiar Canadá - 1,37 hrs. 

Fotografía:AA Scott McClellan 

Edición: Tiffany Beaudin 

Música: Virginia Kilbertus 

Diseño Prod.: Helen Kotsonis 

Guion: Shelagh McLeod, Carolyn Saunders 

Actores: Richard Dreyfuss, Lyriq Bent, Krista Bridges 

Dirección: Shelagh McLeod

El dilema de Aziz - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 

No sé muy bien por qué esta comedia turca llamó mi atención. Tal vez fue la necesidad de ver algo más liviano o el interés por revisar algo diferente a lo habitual. ¿Qué encontré?

Aziz -Engin Günaydın-, un hombre maduro que trabaja en una agencia de publicidad, se siente agobiado por su vida. Quiere romper con su novia Burcu -İrem Sak-, y no puede porque ella le reclama por no llevar puesto un collar que él no sabe dónde está. Su hermana, con cuñado y sobrino incluidos, lleva seis meses en su casa y no se va nunca. En la oficina, su jefe Alp -Öner Erkan-, lo insta a despegarse del mundo, le invita a su casa, fiestas, chicas… pero no parece seducirle la idea. Además, se aburre en su trabajo. Solo conecta con Erbil -Haluk Bilginer-, un colega viudo hace un tiempo, y en cuyo departamento se queda a veces para escapar de la aplastante rutina.

¿Y qué sucede? Nada en particular. El guion avanza de forma inconexa entre diferentes situaciones que son absurdas, otras ridículas y otras que no tienen ni pies ni cabeza. ¿Humor? Si lo hay, es extraño; no me convence. ¿Personalidades? Las hay variadas pero no consiguen captar mi atención. ¿Hacia dónde va la cinta? Ni idea, aun trato de encontrar el camino elegido y no lo encuentro.

Tratando de no ser lapidario, lo que observo, en el fondo, son situaciones que se presentan y que no necesariamente tienen una solución satisfactoria. Es decir, al menos una resolución que a mí me deje conforme porque para ser justos, algunas sí se logran resolver.

Podría resumir, brevemente, lo que me deja la película: el recuerdo de tres personas abrumadas por diferentes causas. Y además, esas tres personan conectan entre sí de modos distintos. Las motivaciones son diferentes y por supuesto algunas de ellas son básicas y no aportan mayores detalles. Podríamos, incluso, apelar a una catarsis grupal. El extremo es Alp, que vive básicamente de las apariencias. En un plano intermedio está Aziz, el protagonista, que divaga sin rumbo claro, perdido en un mar cotidiano de dificultades que no sabe cómo enfrentar. Y el más interesante -y no por ello se entiende mejor- es Erbil, tal vez el único que intenta avanzar y sobreponerse a la vida aunque está fuertemente amarrado a su pasado.

“Azizler” me desencantó. Tal vez no la entendí, pero no logré conectar ni con la forma ni con el relato. Lo que sí rescato es que es algo diferente, así es que si se animan a verla, ¡suerte con el viaje!

Ficha técnica

Título original: Azizler
Año: 2021
Duración: 96 minutos
País: Turquía
Productora: Imaj Film (Distribuidora: Netflix)
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática
Guion: Durul Taylan, Yagmur Taylan, Berkun Oya
Fotografía: Burak Kanbir
Reparto: Engin Günaydin, Haluk Bilginer, Binnur Kaya, Öner Erkan, Fatih Artman, Irem Sak, Gülçin Santýrcýoðlu, Hülya Duyar, Ilker Aksum, Göktug Yildirim, Helin Kandemir
Dirección: Durul Taylan, Yagmur Taylan

Hernán - Por Alejandro Caro

Sinopsis: La conquista de México. Cada episodio está contado por alguien que conoció de cerca al conquistador Hernán Cortés, que con unos cuantos cientos de soldados, doblegó a un imperio de guerreros. Cortés, enviado a una misión de reconocimiento termina transformándose en un conquistador, con hábil manejo político y de negociación frente a sus enemigos.

Esta historia está ambientada en 1519, bastante fiel a los hechos, aunque no es un documental, pero se buscó reconstruir la historia. Primero sus locaciones, hechas en México, para la elaboración del guion y el relato se recurrió a fuentes originales, cartas, códices y escritos de los primeros cronistas del s.XVl y XVll, así como referencias antropológicas, buscando ser los más fiel posible a la realidad. Los protagonistas debieron estudiar durante algunos meses las lenguas maya y náhuatl.

Los aspectos técnicos, un guion dinámico con flashback para dar sentido a la historia que se está contando, una ambientación, fotografía y una musicalización prehispánica, hacen que con este relato nos involucremos emocionalmente. Ese un logro de una buena obra cinematográfica.

Lo anterior ya hace valiosa a esta serie, pues nos acerca a conocer la historia de la conquista de nuestro continente.

En esta parte de la historia, con Hernán Cortés como personaje de suyo complejo para enfrentar un mundo desconocido a someter -no respetando su cultura, su cosmovisión del mundo y de sus dioses-, para lograr eso, debe usar todas sus habilidades.

Es un relato crudo, por momentos en algunos personajes aflora su crueldad, además, traspasada por las intrigas, codicia, conspiración, traición, sentimientos y contradicciones. Por último, como siempre, lo que se busca es el poder y la supremacía de un pueblo sobre otro; eso trae consecuencias que se quedan en el inconsciente colectivo de esos pueblos sometidos.

Finalmente nos permitirá conocer algunos aspectos de un pueblo originario de nuestro continente como muchos que fueron sometidos por sus propias divisiones internas.

Es una serie interesante y entretenida, pero no es una clase de historia. Si alguien busca aquello debe ir a otro lugar a investigar.

Amazon prime ya anunció la segunda temporada.

Disponible en Amazon Prime. 

Ficha técnica

Título original: Hernán (TV Series) 

Año:2019 

Duración: 8 capítulos de 48 min. Aprox. 

País: España 

Dirección: Amaya Muruzabal (Creador), Norberto López Amado, Julián de Tavira, Alvaro Ron 

Guion: Amaya Muruzabal, María Jaén, Curro Royo, Julián de Tavira, Julia Rivero 

Música: Federico Jusid 

Fotografía:Beto Casillas, José Luis Pecharromán 

Reparto: Óscar Jaenada (Hernán Cortés), Michel Brown ( Pedro de Alvarado),Isabel Bautista (La Malinche (Malitzin) – Marina), Jorge Antonio Guerrero ( Xicotencatl), Mitzi Mabel Cadena (Doña Luisa), Víctor Clavijo (Cristóbal de Olid),Dagoberto Gama (Moctezuma), Almagro San Miguel (Gonzalo de Sandoval), Miguel Ángel Amor (Bernal Díaz del Castillo), Isabel Luna (Mictecacíhuatl). 

Productora: Co-production España-México; Dopamine Productions, Onza Entertainment (Distribuidora: Amazon Prime Video) 

Género: Serie de TV. Drama | Histórico. Biográfico. Siglo XVI. Conquista de América. América colonial 

Premios: 2020: Premios Platino: Nominada a mejor actor en serie (Oscar Jaenada)

Mulán - Por Jackie O.

“¿Porque existe la necesidad de que todo sea live action?”

Todos conocemos la historia de Mulán, esa fantástica obra animada de Disney de 1998 que nos cautivó y aún nos cautiva.

Cuando se dijo que sería en el formato Live Action, hubo dudas pero también emoción e intriga para ver quienes interpretarían a esos grandes personajes, y como se desarrollaría la historia.

Me demoré en hacer la reseña a pesar de que la vi hace meses, no sabía cómo expresar todo lo visto... Y con qué nos encontramos: con una historia nueva, con una historia diferente.

Ahora me voy con todo.

Si no viste la animada, lo más seguro es que te gustará esta película, pues es una historia que no conocías, además las actuaciones principales son buenas en su mayoría, tiene un buen elenco (aunque la pobre Mulan apenas habla en la película).

Ya no tenemos a Mushu!!! no es lo mismo. Lo quisieron reemplazar con una hermosa ave, que supuestamente es el ave fénix, creo que sale unas 4 o 5 veces dando unas vueltas que no tienen mucho sentido.

La historia de amor que también nos gustaba, no existe.

Solo se aboca a mostrarnos como esta joven salva a su padre de ir a la guerra, tomando ella su lugar, haciéndose pasar por hombre y ser soldado, ayudando al Emperador de la maldad de un sujeto. Eso ya lo conocemos. Pero no está la evolución de esta joven de familia a una guerrera.

Hay algunas escenas que te hacen recordar la película animada,  como al comienzo cuando a la preparan para ser una fina dama para ser casada por ejemplo, pero son pocas. Otras escenas son inventadas.

El guion no es muy acertado, con una edición irregular, no sé en qué estaba el director y el resto del equipo técnico.

Los efectos especiales se notaban, y me molesta que en pleno siglo 21 pase eso. Y gastaron millones y millones en hacerla.

Pero algo bueno debe tener, sí:

Un vestuario y maquillaje bello. Me encantan los decorados de películas orientales por su opulencia, incluso en pobreza, su colorido y detalles varios.

Y hay algunas buenas coreografías, aunque la mayoría muy irreales, solo faltó verle el alambre desde donde se colgaban.

Lamentablemente no vi acá la película original. Perdió su esencia, y ante eso perdió esos valores que nos dejó la animada como el respeto a la familia, el valor, la lealtad, la amistad, etc.

Se queda en una película que sirve para pasar el rato en especial para quienes no conocen la historia, y para quienes la conocemos, verla por curiosidad.

Disponible en Disney +

Ficha técnica

Dirección: Niki Caro
Guion: Rick Jaffa, Amanda Silver, Lauren Hynek y Elizabeth Martin
Basada en “Mulan” de Tony Bancroft y Barry Cook y “Hua Mulan” de Guo Maoqian
País: EEUU 

Año: 2020
Género: Acción y Aventura 

Duración: 115 minutos
Música : Harry Gregson-Williams
Fotografía: Mandy Walker
Montaje: David Coulson
Reparto:
Liu Yifei como Mulan.
Crystal Rao como Mulan de niña.
Donnie Yen como el Comandante Tung.​
Jason Scott Lee como Bori Khan.
Gong Li como Xian Lang, una poderosa bruja.
Jet Li como el Emperador de China.​
Tzi Ma, como Fa Zhou.

Laberintos - Por Carlos Correa

Disponible en YouTube. 

Esta película franco-belga, estrenada el año 2003, aborda una trama interesante. Se trata de un problema disociativo de identidad, un trastorno de personalidad múltiple. El guion, escrito por el mismo director René Manzor, nos sumerge de lleno en esta condición, algo vital para resolver un caso policial que involucra a una persona acusada de veintisiete homicidios.

La historia remite a Claude -Sylvie Testud-, la joven sindicada como responsable de las muertes. Karl Freud -Michel Duchaussoy-, psiquiatra a cargo, necesita ayuda para desentrañar lo que sucede con esta mujer e informar al Tribunal, por lo que recurre al doctor Brennac -Lambert Wilson- para que acepte el desafío y desarrolle sesiones diarias de terapia. En paralelo, el relato ofrece flashbacks de los días previos a la detención, en los que Matthias -Frédéric Diefenthal-, un introvertido investigador, junto al equipo policial, buscan pistas para dar con el paradero de la persona responsable de los homicidios.

En poco más de una hora y media, el metraje va adquiriendo capas que permiten conocer a los personajes. A pesar de los recuerdos que se entrelazan, el curso de la narración es lineal. Y nos dejamos llevar por ello. Sin cuestionarnos demasiado, es el momento en el que entramos al laberinto de la personalidad de Claude, porque ella representa, al menos, cuatro sujetos diferentes. Y sumamos una nueva vertiente; el papel fundamental que la mitología juega en esta historia pues se encuentra explícita la leyenda del Laberinto del Minotauro.

La cinta resulta cautivadora desde todos sus ángulos. El director es hábil para cazarnos con su discurso para que combinemos las piezas que tenemos enfrente. La actuación de Sylvie Testud es estupenda, no tiene dificultad en representar cada uno de los papeles que emergen de su voluble emocionalidad.

La película explora múltiples temas; intriga policial, infancia perturbada, sufrimientos extremos, vulnerabilidad y abandono, castigos, ofrendas, arte, imaginación, mitología, leyenda y psicoanálisis. Todo se va entretejiendo y da forma a secuencias que aparentemente están desconectadas pero que, sabemos de antemano, tienen varios cruces y precisos puntos en común. Es, además, un puzzle policial, sicológico y humano, donde cada pieza se encuentra preparada, lista y dispuesta para ser desplazada, colocada y, por supuesto, calzada. Resulta fundamental, también, lo referido a la familia, algo que marca la infancia de la protagonista y que poco a poco revela las causas profundas de sus acciones.

¿Cuál es el rol del azar? Descoloca el modus operandi utilizado. ¿Se ofrece como un elemento más, un distractivo tal vez, o es clave para entender lo que sucede en la mente responsable de los crímenes? La cinta posterga las definiciones y juega con nosotros hasta el final. Solo en los últimos diez minutos empiezan a caer las piezas de este juego tipo “Tetris” y vamos encajando los elementos tal como deben ir, en la posición que ocupan, adquiriendo un sentido que, por supuesto, difiere de nuestras lecturas previas.

“Dédales” -Dédalo, quien construyó el laberinto para esconder al Minotauro- funciona bien. Lástima que solo esté disponible en una copia de mala calidad en YouTube y no podamos apreciarla en buena definición, en un servicio de streaming que la ofrezca dentro de su catálogo. Aun así, puede valer el esfuerzo de verla porque, si bien es un tema explorado por otras muchas cintas, esta ficción francesa tiene características propias -especialmente sus actuaciones-, que mantienen un suspenso que no pierde atención en ningún momento.

Ficha técnica

Título original: Dédales
Año: 2003
Duración: 94 minutos
País: Francia
Productora: Co-production Francia-Bélgica;
Género: Intriga | Policíaco. Asesinos en serie. Crimen
Guion: René Manzor
Música: Jean-Félix Lalanne
Fotografía: Pal Gyulay
Reparto: Lambert Wilson, Sylvie Testud, Frédéric Diefenthal, Michel Duchaussoy, Edouard Montoute, Tomer Sisley, Jean-Henri Compère, Jérémy Bombace
Dirección: René Manzor

Eraserhead - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cineartealameda.tv

Notable para quienes se atrevan a tolerarla.

Primer largometraje de David Lynch. Quintaesencia de lo que fueron más adelante sus mejores obras: El Hombre Elefante, Terciopelo Azul, Duna, Corazón Salvaje, Twin Peaks y Mulholland Drive.

Para entender su visión de mundo, hay que incluir su cine en el lenguaje surrealista similar a Buñuel, Jodorowski y, un poco más remoto, de Andrzej Zulawski (La Mujer Poseída, 1981).

Aunque por principio se niega a explicar sus relatos, por muy extraños, chocantes y enigmáticos que parezcan, tras ellos hay siempre una línea argumental comprensible. Es el tratamiento misterioso, impredecible, y atmosféricamente onírico, lo que le otorga su carácter tan particular.

Aquí tenemos a un hombrecillo insignificante, Henry, funcionario de una imprenta. Tuvo la desgracia de embarazar a la única hija de una familia obrera cuyos miembros son todos alienados, de una forma u otra. Lo obligan a casarse. La criatura nace viva, pero demasiado prematura. Es un feto monstruoso que llora toda la noche sin cesar. La esposa lo abandona dejándolo solo a cargo del engendro.

Si antes el mundo mental de Henry ya era psicótico, con el advenimiento de la criatura se torna peor. El desquicio irá en aumento hasta impulsarlo al “feticidio”. Más, junto con liberarse del tormento, será el alma de la víctima quien lo acogerá en sus brazos para siempre.

El impacto de la cinta radica, más que en su trama, en el siniestro acopio de imágenes, giros aleatorios, tratamiento de luces y sombras, silencios y momentos de larga quietud. Un estupendo blanco y negro kafkiano y pesadillesco.

A Lynch le gusta mostrar gente extraña a las que suceden cosas aún más raras. Sabe crear un universo propio e inquietante. Las pesadillas se contagian unas con otras y se confunden con la realidad.

Para Lynch, ver una película es entrar en un sueño. El realismo inicial es sólo una plataforma para desatar lo onírico. Desafía la lógica, la narrativa convencional, y con ello al espectador.

Su leit-motiv es que vivimos en el infierno, sin percatarnos. Sólo podemos evaluarlo por la morbosa atracción que nos producen sus historias y personajes.

Sabemos que junto con odiar Filadelfia, lo aterra la idea de ser padre, y hace parodia del núcleo familiar. Reinciden los gusanos de diversos tamaños y formas, como símbolos del pecado. El filme exuda neurosis compulsiva y paranoide.

Un manjar para los amantes del buen Cine-Arte.

Si se atreve, y está de ánimo, relájese y acompañe, por un rato, la pesadilla de un gran artista creador.

SINIESTRA Y FASCINANTE. UNA OBRA DE ARTE EN SU GÉNERO.

Ficha técnica

Título Original: Eraserhead

1977 

Fantasía, horror 

EE.UU. - 1,29 hrs. 

Fotografía: Herbert Cardwell, Frederick Elmes 

Actores: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph 

Edición, Música, Diseño Prod., Guionista y Director: David Lynch