sábado, 29 de febrero de 2020

El hombre invisible - Por José Blanco Jiménez

Herbert George Wells publicó El hombre invisible en 1897 y – al igual que La guerra de los mundos – fue llevado al cine. Era una película de terror, protagonizada por Claude Rains y dirigida por James Whale en 1933. Se concentraba sobre todo en las consecuencias de la invisibilidad, que arruinaba la psiquis y transformaba al individuo en un ser peligroso.

En este caso, hay un prólogo que presenta a una joven mujer (Elizabeth Moss, una de Las reinas del crimen / The Kitchen, de Andrea Berloff, 2019) huyendo de su casa lujosa e “inteligente”. Es de noche y su marido, un científico rico violento y manipulador (según lo pintan), duerme apaciblemente.

A pesar de lo discutible de las motivaciones y precedentes, la huida ha sido posible gracias a su hermana y a un policía afro amigo de infancia, que vive con su hija adolescente. Más tarde, recibe la noticia de que el esposo se ha suicidado dejándole una fortuna con la condición de que demuestre estabilidad mental y no cometa delito alguno. El ejecutor del fideicomiso es el hermano del difunto y se ocupará sobre todo de esa cláusula.

Me detengo aquí para evitar el spoiler. Sólo digo que se comienza a crear un clima de suspenso que me recordó Las diabólicas (Le diaboliques, de Henri-Georges Clouzot, 1955) y la clásica situación de una protagonista que termina sola acusada de demencia progresiva (La luz que agoniza / Gaslight, de George Cukor, 1944). Pero, como siempre, al espectador no le cabe duda que es posible que las cosas no sean lo que parecen y que la mujer tenga razón: su esposo no está muerto; sólo ha logrado hacerse invisible.

Contrariamente a otras versiones (John Carpenter, Paul Verhoeven), que apuntan al aspecto fantástico, esta versión se mueve en el ámbito del suspenso policial y utiliza también el expediente de la caja de sorpresas.

El director es Leigh Whannell (guionista de Saw/El juego del miedo, 2004 y de Insidious/Demonio, 2010) y sabe hacer su trabajo, utilizando una escenografía alucinante.

(The Invisible Man. USA, 2020)

viernes, 28 de febrero de 2020

Invasión: el fin de los tiempos - Por Carlos Correa

Esta película de ciencia ficción no es típica. Primero que nada, es Rusa y segundo, es la secuela de la entrega de 2017 llamada “Invasión: la guerra ha comenzado” que narra el derribo por parte del ejército ruso de un objeto no identificado, posiblemente de origen extraterrestre, sobre Moscú. Este hecho y sus consecuencias cambia la vida de Julya -Irina Starshenbaum- y por cierto con ello la visión que tenemos del universo. Ahora, en esta continuación de la historia tres años más tarde, el Coronel Lebedev -Oleg Menshikov- protege a su hija, salvada de morir con la ayuda de la tecnología extraterrestre y ahora con habilidades especiales, de posibles reacciones y ataques.

Julya es objeto de investigación en un laboratorio secreto del Ministerio de Defensa pues su nueva condición no solo atrae a personas en la Tierra, sino también la atención de los alienígenas. Es por ello que el Coronel Lebedev debe modificar sus planes ante una nueva amenaza exterior y la aparición de Khariton -Rinal Mukhametov- quien regresa para proteger a la protagonista.

Para quienes no vimos la primera película -atención con la introducción que la resume someramente- la confusión del argumento en el primer tercio ayuda a ponernos en alerta. Se entiende la trama en la medida que avanza, sin embargo hay varios enlaces que quedan inconclusos y que ameritan conocimiento previo para comprenderlos a cabalidad.

Fedor Bondarchuk, su director, imprime fuerza al relato con muy buenos efectos visuales. Ya en la introducción marca un sello que se reafirma con el correr de los minutos. Resulta muy interesante la descripción de la tecnología utilizada, el control de todos los sistemas a distancia y el hackeo de redes digitales para incorporar contenido falso. Surge allí la necesidad de un apagón, de desconectar todo y volver a lo analógico, a lo antiguo. Teléfonos convencionales y máquinas de escribir se roban algunas escenas para regocijo de quienes vivimos en aquella “prehistoria”.

Como sucede en muchas cintas de este género, el comienzo sorprende pero luego va decayendo en intensidad. Es difícil mantener la novedad, crear un giro inesperado y sostener la tensión. Esta película lo consigue intermitentemente pero en su último tercio baja notoriamente, dando paso a elementos que son en extremo predecibles. De todas formas, este filme elabora correctamente varios de sus elementos y aunque está dentro del promedio, destaca su filmación en Imax por lo que vale la pena verla en la gran pantalla para apreciar cabalmente todos sus efectivos y sólidos efectos visuales.

Ficha técnica

Título original: Prityazhenie 2
Año: 2020
Duración: 134 minutos
País: Rusia
Guion: Oleg Malovichko, Andrey Zolotarev
Fotografía: Vladislav Opelyants
Reparto: Alexander Petrov, Irina Starshenbaum, Rinal Mukhametov, Oleg Menshikov, Yuriy Borisov, Sergey Garmash
Productora: Art Pictures Studio / Vodorod 2011
Género: Ciencia ficción | Extraterrestres. Secuela
Dirección: Fedor Bondarchuk

Frankie - Por José Blanco Jiménez

Película dramática que se centra en Isabelle Huppert. Pero no basta ella ni un buen elenco para desarrollar una película al estilo de Woody Allen, pero sin Woody Allen.

El mayor problema de producir una película al estilo de Woody Allen es no contar con Woody Allen. Falta no sólo el humor negro, sino sobre todo la profundización psicológica de los personajes.

La temática de Frankie está más vista que trasero de opinóloga: una actriz famosa que llega al final de su vida por una grave enfermedad y quiere pasar unos días con sus “seres queridos”.

Está claro que no se trata de una convivencia pacífica: una hija negra de una antigua relación con un esposo del que quiere separarse, una nieta adquirida, un primer marido homosexual, un hijo de ambos al que le busca una compañera. A ellos se une su actual pareja, un bonachón representante de la tercera edad. Todo sobre sus hombros con la esperanza de dejar todo en orden, pero es difícil hacer congeniar personalidades tan disímiles con un espectro tremendamente pluralista: género, raza, edad, sexualidad.

Es decir, estamos en la atmósfera de Interiores (Interiors, 1978) o de Septiembre (September, 1987). Pero, además, hay otro detalle típico de estas películas: la descripción turística del lugar, como lo ha hecho Allen en Vicky Cristina Barcelona (2008), Medianoche en París(Midnight in Paris, 2011) o A Roma con amor (To Rome with love, 2012). En este caso, es la histórica ciudad portuguesa de Sintra, con playa, callejuelas y tranvía incluido.

A Frankie le queda poco tiempo, pero detesta los remilgos y no quiere excesos sentimentales. Con una vida consagrada a sus triunfos, no ha tenido tiempo para una existencia verdaderamente afectiva. Los mejores momentos de la película son el cumpleaños de una adulta mayor y una escena de sexo geriátrico de gran sensualidad. Isabelle Huppert está impecable, pero no basta para sostener un guión débil. Marisa Tomei es notable con un pequeño papel, sobre todo por su expresión corporal.

Ira Sachs no puede prescindir de su condición sexual y, en el épico final del ocaso ineluctable, insinúa el comienzo de una relación entre filenos (necesario eufemismo para evitar una demanda por falta de respeto a la intocable diversidad).

(Frankie, USA 2019)

jueves, 27 de febrero de 2020

Buscando Justicia - Por Carlos Correa

Basada en hechos reales, “Buscando Justicia” narra la historia del joven abogado Bryan Stevenson -Michael B. Jordan- quien, recién egresado de Harvard, funda en Alabama un centro jurídico para defender a reclusos condenados a muerte. El foco del abogado es ayudar a quienes han sido condenados por error o que carecen de recursos para tener una representación legal adecuada. Su trabajo lo realiza con el apoyo de la activista local Eva Ansley -Brie Larson- con quien comparte el idealismo y la búsqueda de igual Justicia para todos.

El caso principal que presenta la cinta es el de Walter "Johnny D." McMillian -Jamie Foxx- un afroamericano acusado en 1987 del asesinato de Ronda Morrison, una joven blanca de 18 años. Revisando su expediente, Bryan se percata de lo débil de la acusación y de la falta de pruebas. El caso construido por la fiscalía solo se basa en la declaración de un convicto, Ralph Myers -Tim Blake Nelson- quien declara contra McMillian para aliviar su propio castigo.

La película relata en primera persona -está basada en el libro que el propio Stevenson escribió como homenaje a McMillian- las infinitas maniobras legales que el joven abogado debe realizar para defender a su cliente. Con todo en contra, sin colaboración de las autoridades, con humillaciones y presiones indebidas producto de un solapado aunque evidente poder racista, Bryan debe sacar todo su coraje para sobreponerse a ello y no darse por vencido.

En mi caso personal, las películas que refieren a esta temática legal me encantan y la historia que presenta ésta en particular es, además, conmovedora. La realidad del llamado “corredor de la muerte” o “death row” en inglés, es desoladora. Allí los reclusos esperan su hora, elevan sus plegarias en busca de un milagro, de un aplazamiento o algún recurso de último minuto que retrase su sentencia a muerte. De nueve condenados a la pena máxima, uno es liberado sin cargos, señala una estadística que es tan brutal como incomprensible. Por ello, este relato es principalmente un grito contra la pena de muerte y un épico llamado a que cada persona, por más culpable que parezca o pueda ser, reciba la mejor, la más oportuna y la más diligente defensa.

El guion de Destin Cretton con la colaboración de Andrew Lanham deja muchas cosas en claro. Habla de un idealismo que nos reflota nuestras convicciones y nos entrega esperanza. El luchar por la gente que más ayuda requiere es su principal bandera sobre todo en un estado -Alabama, en el sur de Estados Unidos- donde algunas personas son vistas como culpables desde el mismo momento en que nacen, donde los prejuicios y el racismo va en contra de todo derecho humano de todo quien no es de textura blanca.

También observamos muchísima humanidad a lo largo del metraje. Los gestos del abogado hacia la familia de su defendido y también el trato que le da a otros clientes en similares condiciones es un signo a destacar. Donde algunos ni siquiera llaman, Bryan concurre personalmente, se da el tiempo de hablar con todos y aquello sin duda es un impulso para no darse por vencido a pesar de que todo se ve cuesta arriba.

“Just Mercy” su título en inglés es elocuente. Solo misericordia, es lo que resalta una cinta que independiente de su epílogo, escarba en las injusticias de un sistema penal que no resulta infalible. El poder abusa, hace la vida difícil a quienes lo desafían con hostigamientos, presiones ilegales y que también pasa por encima de la verdad en muchas oportunidades. Sin embargo, esta historia releva lo importante que es pelear por las convicciones. Nunca es tarde para la Justicia y aunque no se pueda asegurar o conseguir en todos los casos, la defensa de la verdad es algo que nadie nos puede quitar jamás.

Ficha técnica

Título original: Just Mercy
Año: 2019
Duración: 136 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Warner Bros. / Endeavor Content / Participant Media / MACRO / Netter Productions. Distribuida por Warner Bros.
Género: Drama | Biográfico. Basado en hechos reales. Drama judicial. Racismo. Años 80. Años 90
Guion: Destin Cretton, Andrew Lanham (Novela: Bryan Stevenson)
Música: Joel P. West
Fotografía: Brett Pawlak
Reparto: Michael B. Jordan, Brie Larson, Jamie Foxx, O'Shea Jackson Jr., Tim Blake Nelson, Rob Morgan, Lindsay Ayliffe, Ron Clinton Smith, Mary Kraft, Drew Scheid, David Michael-Smith, Denitra Isler, Rhoda Griffis, Steve Coulter, Elizabeth Becka, Dominic Bogart, Terence Rosemore, Jay DeVon Johnson, Kirk Bovill
Dirección: Destin Cretton

Frankie - Por Carlos Correa

En la preciosa localidad de Sintra, Portugal, se desarrolla esta historia cuyo centro es Frankie -Isabelle Huppert-, una famosa y renombrada actriz que reúne a toda su familia un día de vacaciones. Es mucho más que una reunión de descanso, involucra su vida, sus amores y a todos quienes, en su círculo más íntimo, le rodean.

Esta cinta de Ira Sachs tiene muchas vertientes. La principal es la protagonista, sin embargo es capaz de delinear a cada uno de sus personajes de tal forma que cada historia es una rama vital e interesante. Estas vidas paralelas -su hijo solitario que pronto se va a vivir a Nueva York, su hija en severos problemas de pareja, su nieta en plena adolescencia, su actual marido a la par con su exmarido y hasta una amiga maquilladora que viaja con su compañero- están cargadas de humanidad y pueden tener aun más protagonismo si se lo proponen.

Temas fundamentales como el amor, el desamor, el destino incierto, la elección de caminos de vida, disputas y herencias, están presentes en una extensión que siempre fluye pese a un ritmo lento y cadencioso. Los parajes del lugar, jardines, casas, cerros y bosques de ensueño, entregan un marco de belleza que acentúa lo transcendente del relato; la cercanía de la muerte, la necesidad de ordenar sentimientos y también las cosas materiales y prácticas.

Huppert está magnífica y sus acompañantes también, gracias a una filmación cercana que combina planos cerrados junto con aperturas que dan cuenta de preciosos rincones de la localidad. La cámara de la directora es cercana y la fotografía de Rui Poças tiene numerosos aciertos a lo largo de un metraje que, si bien dura solo 98 minutos, por momentos se siente más extenso de lo que realmente es.

“Frankie” es una suma de elementos vitales. Muy profunda en su fondo y sencilla en su forma, aborda lo más importante que tenemos los seres humanos: nuestra vida y por supuesto la familia. Tal vez Ira Sachs pone demasiado foco en la forma con la que construye el relato, sin embargo lo compensa con la manera en que compone y desarrolla a sus protagonistas. Logra que nos sintamos cercanos, que comprendamos sus problemas y que nos involucremos. Aun sin lograr demasiada empatía ni emoción en su recorrido total, la escena final -sin diálogos y observada desde lejos- es un perfecto cierre minimalista para una bella historia.

Ficha técnica

Título original: Frankie
Año: 2019
Duración: 98 minutos
País: Francia
Productora: Coproducción Francia-Portugal; Beluga Tree / O Som e a Fúria / SBS Productions
Género: Drama
Guion: Ira Sachs, Mauricio Zacharias
Música: Dickon Hinchliffe
Fotografía: Rui Poças
Reparto: Isabelle Huppert, Brendan Gleeson, Greg Kinnear, Marisa Tomei, Jérémie Rénier, Pascal Greggory, Carloto Cotta, Vinette Robinson, Ariyon Bakare
Dirección: Ira Sachs

Qué dirá la gente - Por Juan Pablo Donoso

Anacrónico drama sobre lazos familiares, comunitarios y ancestrales.

Yuxtapone la compleja relación entre un padre y su hija, una joven que necesita encontrar su propio camino en la vida occidental.

Denuncia muy bien lograda del choque de culturas en un mundo globalizado.

Un inmigrante pakistaní llegó pobre a Noruega. Debió forjarse un duro camino hasta ser el próspero dueño de un almacén, muy querido y respetado por sus paisanos en Oslo.

El malentendido con su hija, creyéndola libertina, trae merma a su negocio y al prestigio familiar.

Decide enviarla – casi raptada - a vivir con la familia de su hermano en Pakistán.

Nisha sufre mucho al comienzo, y cuando ya comienza a adaptarse a ese modo de vida tan diferente, por besarse con su primo en la calle es sorprendida por policías quienes sobornan a su tío a cambio de silencio.

Su padre, socialmente humillado, debe llevarla de vuelta a Noruega deseándole incluso la muerte.

Para subsanar el oprobio la obligan a concertar un matrimonio a distancia con un joven médico pakistaní musulmán radicado en Canadá. En ella hay un constante dilema entre el cariño por sus padres y hermanos y las conductas tan arcaicas e indignas que le imponen. En el colmo de su angustia, decide escapar del hogar paterno y refugiarse en el Servicio Social noruego.

Los personajes son todos buenas personas, y sus sentimientos y tradiciones son respetables, pero el mundo ha cambiado y se manifiesta dolorosamente en la realidad existencial de la muchacha.

Filme realizado con delicadeza, buen oficio, actores muy verosímiles y queribles, destacando la bella María Mozhdah como Nisha. Escrito y dirigido por una joven realizadora también de origen pakistaní.

TRÁGICO DILEMA DE LOS HIJOS DE INMIGRANTES MUSULMANES ATRAPADOS ENTRE DOS CULTURAS TAN OPUESTAS. HONESTA Y EMOTIVA.

Ficha técnica


Título Original: Hva vil folk si o El Viaje de Nisha
Drama cultural Noruega, Suecia, Dinamarca, Alemania - 1,46 hrs. 
Fotografía: Nadim Carlsen 
Edición: Janus Billeskov, Anne Osterud 
Música: Lorenz Dangel, Martin Pedersen 
Diseño Prod.: Vinteel Bansa, Abhishek Benarjee 
Actores: Maria Mozhdah, Adil Hussain, Rohit Saraf 
Guionista y Directora: Iram Haq
Ciclo Nuevo Cine Noruego – Bs.As. - Argentina

La Gomera - Por Juan Pablo Donoso

Intriga policial rumana con bastante suspenso, sarcasmo y claras alusiones a los clásicos del cine-negro (film-noir) estadounidenses.

Si el guionista/director Cornelius Poromboiu, con la misma experticia, mantiene esta combinación de crueldad gansteril con guiños satíricos, estaría iniciando un nuevo estilo agridulce de humor rumano.

Durante casi todo el desarrollo nos mantiene tratando de distinguir entre quiénes son los buenos y los malos. Y cuáles mujeres son espías, prostitutas o comisarias de la policía. Ni siquiera sabemos si el supuesto protagonista está a favor o en contra de los mafiosos narcotraficantes.

Cristi (Vlad Ivanov - 4 meses, 3 semanas, 2 días – 2007) es un policía rumano que viaja a La Gomera (Islas Canarias) para aprender el típico “silbido gomero”, un folclórico lenguaje local. Los isleños, imitando el canto de ciertos pájaros – especie de código telegráfico - se comunican mensajes a grandes distancias entre las montañas. Los traficantes de drogas, y forajidos, lo aprovechan para sus operaciones.

Se supone que el policía se infiltra en la mafia canaria para descubrir dónde tienen escondido un botín de 30 millones de dólares. Para ello debe aprender, con gran esfuerzo, el lenguaje de chiflidos.

Serán muchos los vericuetos y contactos, con hombres y mujeres, para descubrir el secreto. Mientras tanto, las autoridades rumanas sospechan de la honestidad de Vlad, y lo siguen con una red de cámaras secretas.

Si bien casi todos los personajes son unidimensionales, están bien definidos en sus roles. Así la película marca el ritmo de acción y, a la vez, mantiene al espectador tratando de discernir quién es malo, quien es bueno, y cuál de las mujeres es digna de confianza – incluida la madre de Vlad.

Muy buena realización. Estupenda la actriz Catrinel Marlon como Gilda. Y una banda sonora amenizada con bellísimos trozos de óperas… tal vez para contrastarlos con el canto de los pájaros.

COMPLEJA INTRIGA RUMANA DE ESPIONAJE Y NARCOTRÁFICO. SEDUCE POR SU SARCÁSTICA AMBIGüEDAD. MUY ENTRETENIDA.

Ficha técnica

Título Original: Fluierãtorii 
Tragicomedia policial Rumania, Francia, Alemania, Suecia – 1,37 hrs. 
Fotografía: Tudor Mircea 
Edición: Roxama Szel 
Diseño Prod.: Simona Paduretu 
Actores: Vlad Ivanov, Catrinel Marlon, Rodica Lazar 
Guionista y Director: Cornelius Poromboiu
Cine-Arte Cosmos, Bs.As. - Argentina

Los sonámbulos - Por Juan Pablo Donoso

Historia minimalista más pretenciosa que interesante.

Como tema es casi banal. Se apoya, primordialmente, en el virtuosismo del trabajo de cámara, y en el exceso de dramatismo de los actores tratando de insuflarle mayor sustancia al relato.

Dos hermanos – argentinos o uruguayos (¿?) - se reúnen con sus familias durante unos días para celebrar el Año Nuevo en la casona de campo donde vive la abuela (Marilú Marini).

Luisa (Érica Rivas) escritora, y su marido Emilio (Luis Ziembrowski) tienen una hija adolescente (Ornella D´Elía) de 15 años que sufre de sonambulismo.

La otra pareja tiene varios hijos varones de distintas edades, incluyendo una guagua llorona aún lactante. El hijo mayor es Sergio (Daniel Hendler) ya post-adolescente y algo vago. Estos padres – Alejo (Rafael Federman) e Inés (Valeria Lois) – están viviendo una soterrada crisis matrimonial.

La mayoría de las escenas fueron filmadas con cámara en mano; se mantienen muy cerca del rostro de los personajes, con planos muy cerrados de sus expresiones. Más, todo se reduce a las conversaciones habituales de estos parientes, entre cuyos temas recurrentes está la discusión sobre vender la finca de la abuela. Pero ella se resiste por ser un lugar lleno de recuerdos, donde estos mismo hijos, ahora adultos, crecieron. Tiene bosques, una lagunita donde se bañan y juegan los niños, además de una bella piscina en el jardín de la casa. Entre asados y viajes al pueblo vamos conociendo las actividades profesionales de los adultos, momentos de intimidad matrimonial, y un clima veraniego con calor húmedo y moscas.

Se supone que el núcleo dramático lo pone la joven Ana, que recién empieza a menstruar, y deambula por la casa y el bosque siempre enojada y confundida con sus propios, inexplicables, y variantes estados de genio.

Hay algo relacionado con su tendencia al sonambulismo – al parecer heredado de la abuela – que nada aporta a la historia, salvo un pequeño percance que ocurre una noche – cerca del final – en un camping de los jóvenes primos, que desata una reacción desorbitada de sus padres, con ribetes hecatómbicos de tragedia griega.

ARGUMENTO PRETENCIOSAMENTE ATORMENTADO. PROLIJO MINIMALISMO AUDIOVISUAL. DEMASIADO RUIDO PARA TAN POCAS NUECES.

Ficha técnica


Drama familiar Argentina, Uruguay – 1,47 hrs. 
Fotografía: Iván Gierasinchuk 
Edición: Rosario Suárez 
Música: Pedro Onetto 
Diseño Prod.:Aili Chen 
Actores: Ornella D´Ellia, Rafael Federman, Daniel Hendler. 
Guionista y Directora: Paula Hernández Cine-Arte Cosmos Bs.As. - Argentina

Buscando Justicia - Por Alejandro Caro

Cuenta la historia real del joven abogado Bryan Stevenson (Jordan) y de su histórica batalla por la justicia. Después de licenciarse en Harvard, Bryan recibe ofertas de trabajo muy lucrativas. Pero él prefiere poner rumbo a Alabama para defender a personas que han sido condenadas erróneamente o que carecían de recursos para tener una representación legal adecuada, y lo hace con el apoyo de la activista local Eva Ansley (Larson). Uno de sus primeros y más turbulentos casos es el de Walter McMillian (Foxx), que en 1987 fue sentenciado a la pena muerte por el asesinato de una chica de 18 años, a pesar de que las pruebas demostraban ostensiblemente su inocencia. En los años posteriores, Bryan se ve envuelto en un laberinto de maniobras legales y políticas y de un racismo abierto y descarado mientras lucha por Walter y otros como él, a pesar de tenerlo todo en su contra, incluido el sistema legal.

Los dos protagonistas principales Jordan (Stevenson) y Foxx (McMillian) brillan por su actuación en este drama judicial profundamente conmovedor y humano.

Donde el poder, manipulando la verdad, en este caso la justicia, pero en otros, la economía, la política y la religión, los medios de comunicación, parecen triunfar, este film nos hace ver que sólo la perseverancia y la fe hacen prevalecer, el bien sobre el mal.

Este abogado, que no olvida sus orígenes los cuales le orientan al servicio a los demás, nos hace recordar y no olvidar que el dinero no lo es todo si no, la vocación que hemos elegido por difícil o cuesta arriba que nos encontremos.

Finalmente, este drama que recorre la experiencia humana de estar condenado a muerte, nos invita a ver y reflexionar esta sentencia como un problema ético no resuelto.

Ficha técnica


Título original: Just Mercy
Año: 2019
Duración: 136 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Destin Cretton
Guion: Destin Cretton, Andrew Lanham (Novela: Bryan Stevenson)
Música: Joel P. West
Fotografía: Brett Pawlak
Reparto: Michael B. Jordan, Brie Larson, Jamie Foxx, O'Shea Jackson Jr., Tim Blake. Rob Morgan, Lindsay Ayliffe, Ron Clinton Smith.
Género Drama, Biográfico. Basado en hechos reales. Drama judicial. Racismo. Años 80 y 90.

Premios

2019: National Board of Review (NBR): Premio a la libertad de expresión
2019: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actor secundario (Foxx)

martes, 25 de febrero de 2020

Una guerra brillante - Por Carlos Correa

Desde 1880, Thomas Edison -Benedict Cumberbatch- y George Westinghouse -Michael Shannon- libran una competencia decisiva para el futuro del uso y distribución de la energía eléctrica. Edison, inquieto inventor y dueño de muchísimas patentes opta por la corriente continua, que sin embargo es costosa y de alcance limitado. Westinghouse, por su parte, apuesta por la corriente alterna, la que puede funcionar a mayores distancias y con un costo significativamente menor. Ambas, con muchos pro y contra, ofrecen dar un salto respecto al uso del gas y con ello un notable y significativo progreso.

La cinta del director Alfonso Gomez-Rejon no ha estado exenta de polémica. Originalmente supervisada por Harvey Weinstein -coproductor del filme y responsable de su distribución- la cinta obtuvo una mala recepción en el Festival de Toronto. Luego de la disolución de “The Weinstein Company” producto de las acusaciones en contra de su dueño, Gomez-Rejon rehizo partes de la cinta, acortó su duración y modificó la banda sonora para su estreno comercial el año 2019.

Gracias a la inspiración en hechos reales, el sustento de la historia es muy interesante. Aun cuando abusa de algunos tecnicismos respecto a la electricidad, la película no abandona la confusión como sello narrativo. El guion de Michael Mitnick no logra claridad -no la busca en ningún momento- y no profundiza en sus personajes. La inclusión de un tercer referente, el inventor Nikola Tesla -Nicholas Hoult- tampoco logra impregnar al metraje de un mejor desarrollo, dejando la tensión solo en manos de los dos grandes adversarios.

“The Current War”, su título original que da cuenta de “actual” y no “brillante”, es una película que se siente desconectada. Pese al interés que despierta la temática y a un sólido elenco, la cinta se diluye rápidamente y cae en un bache que no logra superar. La banda sonora -que más bien parece tomada de otra cinta- no se condice con las escenas ni tampoco con el ritmo de la filmación. Si bien la recreación de la época es un punto a favor, no alcanza para entregarle mayor dinamismo e interés a la historia.

En síntesis, “Una guerra brillante” no entrega lo que promete porque no corre riesgos, no configura mayormente a sus personajes y no profundiza en algunos elementos que sí están a su alcance. Es posible que el conflicto del director con la producción original y la labor de enmendar lo realizado sea el centro del problema, sin embargo la desconexión que muestra es evidente lo que resta méritos a lo fundamental, la llamada “guerra de las corrientes”, sus resultados y su legado.

Ficha técnica

Título original: The Current War
Año: 2017
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Bazelevs Production / Film Rites / Fourth Floor Productions / The Weinstein Company / Lantern Entertainment. Distribuida por 101 Studios [USA]. Productor: Martin Scorsese, Timur Bekmambetov
Género: Drama | Siglo XIX. Biográfico
Guion: Michael Mitnick
Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans
Fotografía: Chung Chung-hoon
Reparto: Benedict Cumberbatch, Michael Shannon, Nicholas Hoult, Katherine Waterston, Tom Holland, Tuppence Middleton, Matthew Macfadyen, Celyn Jones, Tom Sweet, Damien Molony, Louis Serkis, Simon Kunz, Craig Conway, Amy Marston, Emma Davies, Woody Norman, Colin Stinton, Tom Bell, John Schwab, Abigail Johns, Conor MacNeill
Dirección: Alfonso Gomez-Rejon

viernes, 21 de febrero de 2020

La casa - Por José Blanco Jiménez

La casa existe verdaderamente y está ubicada en la comuna de Quinta Normal de la Región Metropolitana de Chile. Se le conoce como la Casona Dubois y constituye una leyenda urbana que incluye brujería, un infanticidio y un suicidio.

Bastan estos hechos para montar una película de terror, pero Jorge Olguín ha querido agregar un elemento más, que – naturalmente – no diré para mantener el suspenso.

Este joven director chileno (1972) es el principal representante del género en nuestro país y ya ha sorprendido al público con obras como Ángel negro (2000), Sangre eterna (2002), Solos(2008), Caleuche: El llamado del Mar (2012) y Gritos del bosque (2014).

Otros han probado y conseguido buenos resultados como Diego González-Durney con El Ejército de los Helechos (2011), Guillermo Amoedo con La maldición (2014) y José Miguel Zúñiga con Contra el Demonio (2018). Todas comentadas por mí y consultables en el Archivo Virtual de www.candilejas.cl.

La acción nuclear se desarrolla en tiempo real. Corre el año 1980 (durante la dictadura cívico-militar) y un suboficial de carabineros (Gabriel Cañas) entra de noche a la casa, por una razón que resulta un poco imprecisa casi hasta el final. La cámara lo sigue de manera incansable mientras a su alrededor se producen fenómenos paranormales.

Es imposible no efectuar un análisis de transtextualidad. Olguín reconoce que sus maestros son Alfred Hitchcock y John Carpenter. Sin embargo, el trabajo de cámara me trae a la memoria Rec (de Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2007) y el ambiente claustrofóbico es el mismo de Enterrado (del gallego Rodrigo Cortés, Buried, 2010), que recuerda claramente a Ryan Reynolds cuando el protagonista se alumbra con el pequeño encendedor.

Para dar mayor credibilidad a los acontecimientos, se muestran algunas grabaciones de la televisión abierta, participa un especialista y se registran fenómenos extraños mientras se graba el making of.

Un párrafo aparte lo merece la música, que apoya con acierto al relato.

(La casa. Chile, 2019)

jueves, 20 de febrero de 2020

Una guerra brillante - Por Jackie O.

“Que se haga la luz” 

La guerra de las corrientes (o batalla de las corrientes) fue una serie de eventos de una pugna motivada por la introducción de los sistemas de transmisión de energía eléctrica en los EEUU, librada entre finales de la década de 1880 y el comienzo de la década de 1890. Desencadenando un debate público sobre la seguridad eléctrica, acompañado de campañas de propaganda en los medios de comunicación.

Los sistemas de corriente continua (CC) de la Compañía Edison y de corriente alterna (CA) de la Westinghouse Electric, con sus respectivas ventajas e inconvenientes, se convirtieron en los protagonistas del enfrentamiento entre empresas.

Así como el episodio donde se enfrentó a Westinghouse, Edison y Tesla en una lucha por conseguir las licitaciones e iluminar el territorio de Estados Unidos.

Su director Alfonso Gomez-Rejon tiene más experiencia en series de televisión que en películas, por lo que para ser novato en el cine, y de los conocidos problemas que el Director tuvo que enfrentar para poder lanzar esta película rehaciendo escenas, montando otras, etc. se puede decir que es satisfactorio este trabajo.

(Harvey Weinstein estuvo en la producción al comienzo y hubo que eliminar su huella).

Esta cinta está bien ambientada, donde vemos enfrentarse en una dura disputa a Thomas Alva Edison (interpretado por Benedic Cumberbatch) y George Westinghouse (interpretado por Michael Shannon). Mostrándonos a un Edison egocéntrico, arrogante, padre y esposo algo alejado, y aun Westinghouse a quien no le molestaba mostrar su poder adquisitivo, y ser más humano que su contrincante.

Aparte de los actores nombrados la película cuenta con un destacado elenco, quienes se preocupan de dar todo para que la cinta vaya desarrollando esta problemática de luces.

Se destaca lo extraordinario de su música compuesta por Dustin O'Halloran y Hauschka, quienes nos trasporta a la época y los momentos vividos. Muy acorde.

La fotografía de Chung Chung-Hoon es maravillosa, pasando de la oscuridad a la luz y viceversa, tanto en electricidad como en los pasajes de sus vidas.

El vestuario es acorde a la época y se luce muy bien.

Pero el guion resulta en algunos momentos tedioso, algo desigual en su ritmo narrativo.

Aun así, el tema es muy interesante ya que nos muestra algo más de la historia que debemos saber.

Ficha técnica

Nombre original: The Current War
Duración: 107 minutos
Director: Alfonso Gomez-Rejon
Producción: Timur Bekmambetov y Basil Iwanyk
Guion: Michael Mitnick
Montaje: David Trachtenberg y Justin Krohn
Protagonistas: Benedict Cumberbatch, Michael Shannon, Nicholas Hoult, Katherine Waterston, Tom Holland, Tuppence Middleton, Matthew Macfadyen, Damien Molony, otros.

Prometo volver - Por José Blanco Jiménez

Eva Green, nacida en París en 1980 e hija de Marlène Jobert, es por sobre todo una hermosa mujer. Debutó, con su belleza procaz, en The Dreamers de Bernardo Bertolucci (2003) y después – entre muchas otras películas - ha sido chica Bond en Casino Royale (de Martin Campbell, 2006), ha estado en Sin City: A dame to Kill For (de Frank Miller y Robert Rodriguez, 2014), en Basada en hechos reales (D’après une histoire vraie, de Roman Polanski, 2017) y Dumbo (de Tim Burton, 2019). Además es la Miss Peregrine de una nueva saga.

En esta película, cuyo título original es Proxima (o sea el nombre de la misión), la directora – también francesa – Alice Winocour, se plantea el tema de la separación de los seres queridos por necesidades de la profesión.

Ya se ha visto en otras películas, pero ésta recarga las tintas en la relación entre Sarah, la madre y Stella, la hija (Zélie Boulant). Separada del padre de la niña, deberá ahora alejarse de ella con plena conciencia de que tal vez no regresará. De allí el alcance del título en Latinoamérica (en España prefirieron Próxima) y la promesa que tratará de volver.

Es verdad que al participar en la empresa se incoporará a la Historia. Pero, ¿vale realmente la pena? ¿Cuál ha sido el destino de los astronautas que han vuelto de las misiones? A fin de cuentas, ¿qué es la Historia en los segundos que vivimos de la Eternidad?

Visto desde fuera, anoto sólo algunas de las pruebas de supervivencia a las que será sometida: un viaje de 6 a 7 meses en un ambiente minúsculo, que aumentará un poco su tamaño si es que los viajeros logran llegar a Marte y construir una base, el peligro de una crisis depresiva provocada por el tedio que lleve a la desmotivación, la posibilidad de quedarse allí para siempre. Un detalle: Sarah quiere conservar su ciclo menstrual y por ello en su equipaje se incluyen absorbentes. Es obvio que será su prueba de vida.

El puntito que desaparece en el cielo equivale al casco de la nave que desaparecía en el océano cuando partía una expedición transatlántica. El dolor es el de los que se quedan. Y la esperanza de volver a verse es la misma que tiene el creyente cuando se enfrenta a esa separación que alguna vez habrá que encarar: la muerte.

(Proxima. Francia / Alemania, 2019)

miércoles, 19 de febrero de 2020

Prometo Volver - Por Carlos Correa

Esta película de Alice Winocour narra la historia de Sarah -Eva Green-, una astronauta francesa que entrena para una importante misión. Se trata de un viaje al espacio como preparación para el exigente objetivo de llegar a Marte. Tanto la fase previa en tierra como el viaje propiamente tal, ocupan extensos períodos de tiempo. Para Sarah la exigencia es enorme, tanto físicamente como emocionalmente. Ella vive sola con su hija Stella, de 7 años e indudablemente las decisiones de Sarah impactan en la vida de ambas y tensionan la relación madre-hija.

El guion de Jean-Stéphane Bron y Alice Winocour describe muy bien los sentimientos que tiene la protagonista. Siente culpa al optar por su trabajo postergando con ello a su hija. También siente el orgullo de ser la única mujer en una tripulación masculina y en un entorno evidentemente machista. Su deseo de estar a la par se enfrenta con la vulnerabilidad de su situación de vida. La responsabilidad de cuidar a su hija pequeña es una carga que no consigue alivio. Incluso el compromiso y ayuda de su ex pareja parece insuficiente a la luz de las altísimas exigencias que tiene Sarah como madre.

“Proxima”, su titulo original, muestra el vínculo familiar de una madre con su hija. La reflexión surge espontáneamente porque es difícil ponerse en el lugar de Sarah. La cinta logra visualizar el conflicto aunque con dificultades pues, a pesar que el dilema está presente, la opción de la protagonista es clara desde un comienzo.

La cinta también funciona un homenaje a muchas mujeres astronautas, describiendo los sacrificios que deben hacer, mostrando los programas de entrenamiento que llevan al límite sus capacidades y sobre todo poniendo en relieve la relación con sus familias y seres queridos. Este último punto es el que la cinta observa con mayor atención pues, independiente de las enormes exigencias físicas que la protagonista debe superar, lo más importante y trascendente sin duda es el vínculo familiar, emocional y afectivo con Stella.

Ficha técnica

Título original: Proxima
Año: 2019
Duración: 107 minutos
País: Francia
Productora: Dharamsala / Pandora Film
Género: Drama. Acción | Aventura espacial. Familia
Guion: Jean-Stéphane Bron, Alice Winocour
Fotografía: Georges Lechaptois
Reparto: Eva Green, Matt Dillon, Lars Eidinger, Sandra Hüller, Jan Oliver Schroeder, Nancy Tate, Marc Fischer, Zélie Boulant, Alexey Fateev, Vitaly Jay, Birger Frehse
Dirección: Alice Winocour

Prometo Volver - Por Alejandro Caro

Prometo volver, es una producción franco-alemán. Drama, protagonizado por Eva Green, en el rol de Sarah, una astronauta y madre que vive sola con su hija (Stella de 7 años), ella lucha con su compromiso de criar a su hija, mientras, se somete a un agotador entrenamiento físico durante un año para hacer un viaje a la Estación Espacial Internacional. Cuando Sarah se une a una tripulación masculina, interpretada por Matt Dillon, Lars Eidinger y Aleksey Fateev, Sarah trata de demostrar su valía frente al machismo, mientras sostiene íntimamente sentimientos de culpa por la separación de su hija, como, por no cumplir sus compromisos maternos.

Este drama dirigido por Alice Winocour, coloca de manera directa y cruda una realidad, propia de nuestros tiempos modernos donde los padres deben optar por sus trabajos, cada vez más exigentes, muchas veces lejos de casa perdiendo por lo tanto, en muchas ocasiones la vida familiar.

Aquí, voy a para frasear al filósofo surcoreano Byung- Chul Han, donde plantea que el trabajo de esta sociedad de consumo nos lleva a auto-exigirnos y auto- explotarnos, más allá de lo que podemos, casi sin cuestionar lo que hacemos.

Interesante film para preguntarnos sobre el sentido que tiene lo hacemos. Si nos hacemos esa interrogante, nos estamos preguntando por lo esencial de nuestra vida. Lo importante, es hacerse la PREGUNTA; y ese será el comienzo para un encuentro, con lo más profundo de nosotros mismos, nuestra espiritualidad.

Este film, nos puede hacer caer en la cuenta, donde tenemos nuestras prioridades y sentidos en nuestra vida.

Ficha técnica

Titulo original: Próxima
Dirección: Alice Winecour
Reparto: Eva Green, Matt Dillon, Lars Eidinger y Aleksey
Fateev
Género: Drama
País: Francia, Alemania
Duración: 107 minutos
Premios: Obtuvo un premio especial del Jurado en el Festival de San Sebastián el año 2019.

martes, 18 de febrero de 2020

Una vida oculta - Por Carlos Correa

Franz Jägerstätter -August Diehl- vive con esposa Franziska -Valerie Pachner- y sus tres hijas en una granja en las montañas de Sankt Radegund, Austria. Su rutina es ardua y la vez encantadora. El cuidado de sus animales, la siembra, la cosecha, los juegos y reuniones en el pueblo, son parte de las actividades de esta abnegada familia campesina. Corre el año 1938 y las tropas de Hitler entran en Austria y todo gira en 180 grados. Se respira el nazismo y el reclutamiento para la confrontación es inminente. Pero Franz se niega a prestar juramento a Hitler. Es un objetor de conciencia que rechaza combatir para la alemania nazi por lo que es encarcelado en Linz y después en Berlín.

El director Terrence Malick filma un guion de su autoría de una manera muy particular. Construye un sensible homenaje a la consecuencia, a los valores y a la familia en base a la firme convicción de su protagonista. El relato es extenso y Malick se toma bastante tiempo para componerlo. Los paisajes son preciosos, la fotografía de Jörg Widmer es de gran belleza y la cámara del director pone acento en ello con lentes de gran ángulo que entregan una perspectiva amplia y magnífica. La banda sonora y las composiciones de James Newton Howard coronan un trabajo estético de primer nivel que resulta fuertemente conmovedor.

La tensión en la historia es un hilo interno que la recorre de forma permanente. Sabemos que esa vida apacible en esos parajes no es para siempre. Percibimos algo de lo que vendrá, lo suponemos, lo imaginamos. Malick se encarga de entregarnos elementos que se reiteran una y otra vez. Por eso es que las secuencias se sienten repetidas y en ocasiones parecen aportar poco al desarrollo del metraje.

El tiempo que el director decide entregar al desarrollo de la historia es extenso, son 180 minutos que se sienten. Pueden parecer excesivos tomando en cuenta que muchas secuencias podrían abreviarse para entregar mayor profundidad a otros personajes y también en beneficio de duración del filme. Malick justifica la extensión por la calidad de la filmación, sin embargo no debemos olvidar que el foco del relato es la vida y el acto objetor de Franz Jägerstätter y no un precioso documental de la vida campesina en la alta montaña.

El testimonio de Jägerstätter es ejemplar y está lleno de una vitalidad interior indescriptible. Estamos hablando de decisiones que tienen un componente moral y ético que es tremendamente complejo y que en este caso no solo lo involucra a él sino que a toda su familia. El inconmensurable amor de su esposa junto con su temple y su enorme fe cristiana, es probablemente lo que permite a Franz mantener su decisión a pesar de todas las salidas y opciones propuestas.

“Una vida oculta” es una historia potente, un drama que exuda humanidad, valentía, fe y esperanza. Malick nos relata valores y nos entrega elementos para la discusión, rodeado de entornos significativos que no nos dejan indiferentes. Solo debemos cuidar tener tiempo para verla sin apuro y permitir sorprendernos a pesar de las reiteraciones. La historia de Franz Jägerstätter, nos permite contemplar un sentido tributo a un hombre que, sin medir consecuencias, se mantuvo siempre firme en sus convicciones.

Ficha técnica

Título original: A Hidden Life
Año: 2019
Duración: 180 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Alemania; Studio Babelsberg / Medienboard Berlin-Brandenburg
Género: Drama | Basado en hechos reales. II Guerra Mundial. Biográfico. Nazismo. Años 30. Años 40
Guion: Terrence Malick
Música: James Newton Howard
Fotografía: Jörg Widmer
Reparto: August Diehl, Matthias Schoenaerts, Valerie Pachner, Michael Nyqvist, Jürgen Prochnow, Bruno Ganz, Martin Wuttke, Karl Markovics, Franz Rogowski, Tobias Moretti, Florian Schwienbacher
Dirección: Terrence Malick

Gretel y Hansel - Por José Blanco Jiménez

Los Hermanos Jacob Ludwig y Wilhelm Karl Grimm, entre los años 1812 y 1822, recogieron una serie de relatos tradicionales de un país en formación, que estaba dividido en centenares de principados y pequeñas naciones. Los unía sólo la lengua y el legado cultural de esas historias, que no se contaban a los niños sino que se compartían junto al fogón en las noches. Y el Romanticismo buscaba una identidad de los pueblos europeos sacudiéndose de encima el peso de la herencia romana.

Muchos de esos cuentos están basados en sucesos reales y es posible que el de Hansel y Gretel se haya generado por un crimen: dos niños asesinaron a una anciana; después se creó la tradición de la bruja y de la casita de chocolate.

Es probable, porque antropológicamente se repiten temores ancestrales del hombre occidental: el miedo a ser abandonados, el abuso por parte de los padres, la iniciación sexual prematura, la necesidad generada por el hambre.

No soy un spoiler, porque el relato es conocido por todos y ha sido llevado a la pantalla con personajes reales, muñecos y dibujos animados. Incluso hay una versión en plan de aventuras. Me refiero a Hansel y Gretel: cazadores de brujas (Hansel & Gretel: Witch Hunters, de Tommy Wirkola, 2013), con Jeremy Renner y Gemma Atherton.

Lo diferente en esta versión es que los niños no son abandonados en el bosque, sino que echados por su madre (el padre no existe), porque no tiene con qué alimentarlos. Gretel busca trabajo y se da cuenta que tendrá que transformase en prostituta. Parte con su hermano (como verdadera protagonista está primero en el título) y llegan a la cabaña de un leñador, que los ayuda. Después irán a la casa de la bruja. Entre paréntesis, la ambientación me recuerda la excelente The Witch(de Robert Eggers, 2015).

El resto es conocido, sólo que aquí se enfrenta el contraste entre los que tienen y los que no tienen (en un momento Gretel señala que el obispo se lleva las cosechas) y se declara que la abundancia nunca es buena y es sospechosa.

Hay que verla para juzgar. Y si el rostro de Gretel les resulta conocido, no duden. ¡Sí! Es ella: Sophia Lillis, que interpreta a la Beverly Mash de It (de Andy Muschietti, 2019).

(Gretel and Hansel. USA, 2020)

Ciudad maldita - Por José Blanco Jiménez

Un título en común para tres cortometrajes que, más que temáticas de horror, tocan situaciones inquietantes. A pesar de que se trata de temáticas muy diferentes, creo haber encontrado un denominador común que justifique su antologización: la gran urbe al estilo occidental deshumaniza.

Una ciudad pletórica de avisos luminosos, tráfico automovilístico y negocios repletos de clientes esconde – como en Parasite (de Bong Joon-ho) - callejones sombríos con viviendas modestas. En una de éstas se ha producido una posesión demoníaca - como la que se presentó en Los rostros del diablo (Byeonshin / Metamorphosis, de Hong-seon Kim, 2019) – y deben practicar un exorcismo un sacerdote católico y un diácono, que es el doceavo del título en castellano.

Tengo entendido que ya existe una versión extensa de esta película y debería ser estrenada a futuro. La dirige Jang Jae-Hyun y es convincente sobre todo en lo que a la acción del demonio se refiere, puesto que éste actúa incrementando los miedos de los exorcistas. Y ésa es la principal razón por qué tantos diáconos han fracasado.

El segundo relato apunta hacia una afición nacida y desarrollada en Occidente: los videojuegos. Lo dirige Cho Seung-Yeon y se intitula Títere. Se centra en los recuerdos de un niño, que vivía en función de ellos y que podía jugar sin dinero, porque le ayudaba un amigo que, por medio de la telequinesis, hacía funcionar las máquinas. Su padre era muy agresivo y le temía. Hasta que un grupo de asesinos vino a buscarlo.

El tercero y último se refiere al bullying escolar, que un grupo de desalmados practican por diversión contra un pobre muchacho huérfano, que fue parido durante las celebraciones del Nuevo Milenio (occidental) en plena calle. Es un M.Boy (como dice el título del director Kim Hyo-Jeong. Vive solo y lo acompaña una mantis religiosa, insecto singular, que – según los entomólogos – mira en vez de ver y la hembra se nutre del macho después del acoplamiento. Así como espera inmóvil y se mimetiza con el entorno, ataca de sorpresa y de forma veloz. El único consuelo del joven es una compañera de curso de la que también se burlan los agresores. Sam Peckinpah propuso alguna vez Perros de paja (Strawdogs, 1971), justificando la Guerra de Vietnam. Aquí la naturaleza se defiende, mientras la violencia se difunde por celular.

(El Doceavo Diácono / Geomeun Sajedeul / The Priests, Corea del Sur, 2015)

viernes, 14 de febrero de 2020

El aro - Capítulo final - Por José Blanco Jiménez

En una entrevista, Hideo Nakata (nacido el 19 de julio de 1961) reconoció que hace varios años le ofrecieron dirigir una película basada en una novela escrita por Kôji Suzuki, relacionada con Sadako y él se negó. Al decidirse ahora a hacerlo tuvo que asumir los inconvenientes que ello planteaba: ya no existe el VHS, el teléfono fijo se usa cada vez menos, filmar obscuridad con tecnología digital es cada vez más complicado. Además, ya ha presentado cuatro veces a Sadako que sale del pozo y de la pantalla de televisión. A este punto, no repetirse es difícil: por ello tuvo que cambiar perspectiva y ángulo.

En esta oportunidad, la protagonista es Mayu Akigawa (Elaiza Ikeda), una psicóloga que se encuentra involucrada en una delicada situación, porque desaparece su hermano Kazuma, que trabaja como youtuber. Lo encontrará en un lugar legendario, mientras que una niña amnésica – que dice llamarse precisamente Sadako – ingresa al hospital donde ella trabaja, mientras es vigilada por la policía.

El mismo Nakata aporta algunas claves de lectura de su serie de películas, que inició con Ringu (1998). En primer lugar, el mundo shinto está unido a lo telúrico y aporta el temor a la muerte, que origina la duda y la religión. Después, la imagen del fantasma con largos cabellos negros, que flota vestido blanco, es el de la Yuki-onna (“la mujer de la nieve”), proveniente de la época Edo o Tokugawa (1603-1868) anterior al restablecimiento del período imperial. Además, un cuento tradicional japonés relata que una sirvienta, acusada de romper un plato de gran valor, se suicidó lanzándose a un pozo y desde éste se aparece por las noches en el castillo.

En la primera película, siguiendo la tradición japonesa, Sadako – con su absoluto silencio y aspecto apacible – era una amenaza muy real, que después cambió con los módulos occidentales en The Grudge y el cine de terror coreano. También los japoneses han cambiado y se advierte en el éxito de It o la introducción de la fiesta de Halloween. El horror de esta película consiste en mezclar a un fantasma antiguo con el nuevo mundo del Youtube. O que no quita que el fantasma pueda seguir acosando en el hogar y en el lugar de trabajo.

(Sadako. Japón, 2019)

jueves, 13 de febrero de 2020

Venezia - Por Juan Pablo Donoso

Bella forma de narrar una tragedia inevitable.

Sofía y Carlos, pareja argentina, llegan en luna de miel a un hotel de Venecia. Cuando ella sale del baño encuentra a su esposo muerto en la cama por un ataque al corazón. Deberá esperar 48 horas legales antes de regresar a su país con el cadáver. En su desazón, comienza a vagar por Venecia durante el día y toda la noche.

¿Qué siente, y qué puede hacer una mujer recién viuda, sola, en un país del cual desconoce el idioma, esperando que le entreguen el cuerpo de su marido? Mientras la acompañamos, nos transmite – sólo con el rostro – sus emociones, sentimientos e ideas confusas sobre su condición. Paula Lussi acomete el desafío con grata mesura, sin exagerar. Antes sólo había actuado en cortos argentinos. Con este trabajo se revela como nuevo talento cinematográfico.

Estupendo trabajo de todo el equipo: director de fotografía Gustavo Tejeda, y del guionista y director Rodrigo Guerrero. Casi siempre con cámara en mano acompañamos a esta viuda joven, adolorida y desconcertada por las calles, puentes, canales, plazas y callejones de esa legendaria ciudad italiana tan llena de belleza y sorprendentes rincones. Una Venecia nocturna, llena de turistas y transeúntes ajenos al dolor de Sofía, los amaneceres, y la generosidad de personas, en especial mujeres, que cobijan a nuestra víctima como si fuese una antigua familiar. En los cafés y bares tampoco estará libre del asedio de hombres también solitarios en busca de alguna aventura fugaz. El discurso narrativo lleva un ritmo pausado donde las principales sorpresas son los recovecos y paisajes de la ciudad.

Y cuando ya se acerca el momento en que Sofía debe abordar el avión junto al ataúd de su marido, sobreviene un giro inesperado y valiente para culminar este doloroso trayecto emocional.

HERMOSO FILME, REALIZADO CON INTELIGENCIA Y COMPASIÓN. MUY RECOMENDABLE

Ficha técnica


Drama Argentina, Francia, Italia – 1,10 hrs. 
Fotografía: Gustavo Tejeda 
Actores: Paula Lussi, Margheritta Mannino 
Guionista y Director: Rodrigo Guerrero 
Cine-Arte Gaumont – Buenos Aires

Hogar - Por Juan Pablo Donoso

Este relato, tan visceralmente femenino, tiene dos títulos oficiales: Hogar y/o Maternal. Y ambos expresan el tema de la historia.

Ocurre en un Hogar de acogida argentino para madres solteras, regido por una congregación de monjas.

Allí, las jóvenes internas realizan trabajos manuales, y a la vez pueden criar a sus hijos pequeños.

Durante la primera mitad pareciera que nada importante ocurre. Sólo interacciones cotidianas de mujeres que, para obtener los beneficios, deben permanecer internas y obedecer las reglas básicas de convivencia.

Poco antes de jurar sus votos perpetuos, llega desde Italia una joven novicia -Sor Paula - a radicarse y colaborar con los quehaceres de la institución benéfica.

Con el correr de los días se irá familiarizando con las madres y, especialmente, con los niños.

Para Luciana, una de las internas, el encierro resulta insoportable. Aunque tiene una hijita de 5 años llamada Nina, sus instintos de rebeldía y libertinaje la impulsan a escapar varias veces del Hogar. Durante sus ausencias, y rabietas, la pequeña encuentra consuelo en la calidez acogedora de la joven novicia. Se crea entre ambas un poderoso vínculo afectivo.

Cuando llega el momento en que Sor Paula debe oficializar sus votos monacales, surge en ella el dilema entre su vocación religiosa y sus instintos maternales hacia la pequeñita cuya madre pareciera haberla abandonado.

Serán las circunstancias, las leyes y las convenciones sociales las que zanjen el destino de la monja, de la madre díscola, y el futuro de la pequeña Nina.

ESCRITA Y REALIZADA CON EL CORAZÓN, EL ÚTERO, Y UNA EXQUISITA SENSIBILIDAD ARTÍSTICA.

Ficha técnica


Drama, maternidad 
Italia, Argentina – 1, 31 hrs. 
Fotografía: Soledad Rodríguez 
Edición: Ilaria Fraioli, Luca Mattei 
Diseño Prod.: Yamila Fontan 
Actrices: Liiya Liberman, Denise Carrizo, Agustina Malale 
Guionista y Directora: Maura Delpero
Cine-Arte Gaumont, Buenos Aires

Nueva York sin salida - Por Carlos Correa

Medianoche en Manhattan. Un robo sale mal. El enfrentamiento entre los dos jóvenes asaltantes y la policía arroja un saldo de ocho oficiales muertos. El escape es complejo y el operativo que se monta, implacable. El tiempo apremia. En contra de los fugitivos y también en contra de quienes los persiguen.

Andre Davis -Chadwick Boseman- es quien lidera el procedimiento. Davis es hijo de un policía asesinado en acto de servicio por lo que conoce muy bien las reacciones cuando mueren uniformados. Como detective debe sobreponerse y hacer lo posible para atrapar vivos a los responsables. Pero el reloj corre. Se decreta el cierre de los 21 accesos que tiene la isla de Manhattan -“21 Bridges” es el título original de la película- para cercar a los fugitivos. Se conocen detalles del robo, las identidades de los prófugos y también suceden situaciones confunden todo. Andre Davis debe apurarse, el tiempo avanza. Todo es vértigo, adrenalina y suspenso.

Con una trama previsible pero entretenida, el guion de Matthew Carnahan y Adam Mervis funciona bien. Con un tour nocturno por un oscuro Manhattan como telón de fondo, la cinta gira en torno al robo y a la persecución policial sin dejar de lado el aspecto humano del detective y la actitud de los oficiales desplegados por toda la ciudad. Por cierto es un robo de droga y donde la hay, también se encuentra la corrupción, que aparece como un ingrediente adicional y altamente fundamental para el desarrollo de la historia.

Me gustan las películas así. Cuando tienen las dosis justas de acción más una trama entretenida que incluye giros, estas cintas aunque sean “de manual”, funcionan cuando están bien hechas. Y no se pide más. Que cumplan con lo que prometen, que entretengan y que por obvias que sean, dejen algún gusto a sorpresa. Brian Kirk y su equipo lo logran gracias a actuaciones convincentes y a un excelente trabajo de fotografía de Paul Cameron. Si puede verla en el cine, mejor. Si no, podrá ser un buen panorama para una tarde de otoño-invierno frente a la TV.

Ficha técnica

Título original: 21 Bridges
Año: 2019
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Productora: AGBO. Distribuida por Film & TV House / GEM Entertainment / STX Entertainment
Género: Thriller. Drama. Acción | Crimen. Policíaco
Guion: Matthew Carnahan, Adam Mervis
Música: Alex Belcher, Henry Jackman
Fotografía: Paul Cameron
Reparto: Chadwick Boseman, Sienna Miller, Taylor Kitsch, J.K. Simmons, Stephan James, Keith David, Victoria Cartagena, Gary Carr, Shayna Ryan, Toby Hemingway, Dale Pavinski, Louis Cancelmi, Christian Isaiah, Morocco Omari, Katie McClellan, Jamaal Burcher, Adam Desautels, Lucky Harmon, Kevin D. Benton, Suzette Gunn, Wesley Green, Gina Destra, Jamie Neumann
Dirección: Brian Kirk

Sonic - Por Carlos Correa

Lo reconozco. No tenía expectativas para esta película y la verdad es que la cinta resulta simpática y agradable. Basada en el erizo azul de los videojuegos de SEGA, las aventuras de Sonic involucran mucha acción y movimiento. La criatura ha encontrado un lugar en la tierra luego de huir de su mundo al ser perseguido por quienes quieren sus superpoderes. Y el lugar es Green Hills, donde vive el Sheriff Tom Wachowski -James Marsden- junto a su esposa Maddie. Todo se complica cuando “Sonic”, frustrado y solo, provoca un corte de energía global que es investigado por el gobierno. Allí aparece en acción un oscuro personaje, el Dr. Robotnik -Jim Carrey- un ambicioso y mal intencionado científico que descubre a Sonic y quiere atraparlo con dudosos fines.

Me quedo con la simpatía del protagonista animado y su relación con Tom. James Marsden hace un excelente trabajo pues su contraparte es digital. Sus diálogos e interacciones resultan totalmente naturales y los efectos especiales están siempre al servicio del relato. El resto de los personajes son decorativos y caricaturas, que podrían perfectamente no estar lo que no afectaría el resultado de la historia.

Punto aparte para Jim Carrey. Histriónico como siempre y por cierto sobreactuado, su papel se hace pesado y tosco. Es cierto, es el villano, pero no me convence esta vez. Hay escenas que no tienen que ver necesariamente con la trama y que parecen hechas solo para que Carrey juegue, haga morisquetas o baile. Claro, es su salsa y seguramente se siente cómodo, pero no aporta nada al argumento. Solo obtiene algunas pocas sonrisas extra que a mi gusto están de más.

“Sonic the Hedgehog” funciona como extensión del videojuego y es entretenida. Deja abierta la puerta para futuras entregas porque el material y los personajes están. Ojalá, eso si, que los próximos villanos sean más interesantes que el Dr. Robotnik. Seguramente él va a estar, pero idealmente en un plano menor que permita el surgimiento de otros. De esta forma, las nuevas situaciones que se presenten podrán realzar a “Sonic” en sus aventuras y desventuras.

Ficha técnica

Título original: Sonic the Hedgehog
Año: 2020
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Canadá-Japón; Blur Studio / Original Film / Marza Animation Planet / Sony Pictures Animation / Sony
Género: Fantástico. Comedia. Aventuras. Animación | Videojuego
Guion: Patrick Casey, Josh Miller, Oren Uziel (Personajes: Yuji Naka, Naoto Ohshima, Hirokazu Yasuhara. Historia: Van Robichaux, Evan Susser)
Música: Junkie XL
Fotografía: Animation, Stephen F. Windon
Reparto: Animation, James Marsden, Jim Carrey, Neal McDonough, Adam Pally, Leanne Lapp, Shannon Chan-Kent, Debs Howard, Bailey Skodje, Frank C. Turner, Dean Petriw, Tika Sumpter, Natasha Rothwell, Elfina Luk, Emma Oliver, Breanna Watkins, Lee Majdoub, John Specogna, Nicholas Dohy, Melody Nosipho Niemann, Jeanie Cloutier, Jeff Sanca
Dirección: Jeff Fowler

miércoles, 12 de febrero de 2020

Aves de presa (y la Fantabulosa emancipación de una Harley Quinn) - Por Por José Blanco Jiménez

Es la continuación de Escuadrón suicida (Suicide Squad, de David Ayer, 2016) y está hecha a la medida para Margot Robbie, que es también la productora. La idea es de 2015, Christina Hodson fue contratada para escribir el guión en noviembre de 2016 y la directora Cathy Yan - nacida en China, crecida en Hong Kong y Washington D.C. – firmó para dirigirla en abril de 2018. Todo inusualmente rápido.

Como puede verse, se trata de una obra femenina y feminista, que viene a ser la octava película del Universo Extendido de DC Comics. Además de la ya citada, doy los títulos en castellano de las otras: El hombre de acero (2013), Batman versus Superman (2016), Mujer maravilla (2017), Liga de la Justicia (2017), Aquaman (2018) y Shazam! (2019).

Decididamente histriónica, Harley Quinn ha dejado al Guasón y para ella significa libertad, pero también riesgo, porque ya no cuenta con la protección del supervillano. Es así como debe enfrentarse a Roman Sionis alias Máscara Negra, Black Mask (Ewan MacGregor) y a su ayudante Victor Zsasz (Chris Messina). Aprovecho de inmediato para decir que MacGregor es un buen actor, pero desluce junto a actrices talentosas y pimpantes, como ya me percaté en Agosto(August: Osage County, de John Wells, 2013). En efecto, no me resulta suficientemente “malo”.

La protagonista está acompañada por Huntress, la Cazadora (Mary Elizabeth Winstead), hija del mafioso Franco Bertinelli; Dinah Lance alias Black Canary, Canario Negro (Jurnee Smollett-Bell) y Cassandra Cain, una ladronzuela (Ella Jay Basco) que se traga un valioso diamante. A ellas se une Renée Montoya (Rosie Perez), una detective suspendida por los machistas del Departamento de Policía.

El relato vivaz y entretenido – con enfrentamientos y persecuciones - se desenvuelve con la velocidad del cómic, narrado por la voz en off de Harley. Vuelve atrás, explica el por qué de una situación o de la aparición de un personaje y sigue adelante.

Una película demencial que no puede tomarse en serio. De ser así, podría ser peligroso.

(Birds of Prey (And the Fanulous Emancipation of One Harley Quinn). USA, 2020)

lunes, 10 de febrero de 2020

Parásitos - Por Carlos Correa

Esta película del director Bong Joon-ho es una joya. Posee un guion alucinante con un ritmo perfecto. Se suma a ello una fotografía, una edición y variadas perspectivas que están al servicio de un relato que sorprende y que incluye conflicto social, política, y un contexto tremendamente humano.

Los Kim, Ki-taek -Song Kang Ho- su esposa Chung-sook -Chang Hyae Jin- y sus hijos Ki-woo -Choi Woo Shik- y Ki-jung -Park So Dam-, viven en un subterráneo miserable de Seul. En realidad, subsisten apenas, realizan trabajos esporádicos y muy mal remunerados. Ante esta precariedad, la oportunidad que surge para que Ki-woo pueda hacer clases particulares de inglés a una joven colegiala de la clase alta de la ciudad es una ventana inesperada y se transforma en un salvavidas familiar. Poco a poco, con bastante imaginación y también con indudable frescura y afán aprovechador, el clan comienza a formar parte de la vida de los Park, Dong-ik -Lee Sun Kyun-, un gerente de altos ingresos, su esposa Yeon-kyo -Cho Yeo Jeong- y sus dos hijos.

Uno de los detalles que más llama la atención de esta estupenda y elogiada cinta es que sus personajes están perfectamente delineados. Todos, hasta los que tienen una mínima participación como pueden ser los repartidores de pizza o las personas en situación de calle, tienen perfectamente claro su rol en la historia. El grado extremo de miseria y riqueza reflejado por estas dos familias espejo -dos padres y dos hijos cada una- impacta. Es un blanco y negro marcado y agobiante, sin matices. Bong Joon-ho subraya la soledad y marginalidad de ambas familias que se encuentran en extremos opuestos en tanto sus condiciones económicas y que sin embargo comparten características que son totalmente transversales.

El guion es tan asertivo y provocador que, con su estilo en tono comedia negra, profundiza en problemáticas densas y particulares que a la vez son del todo universales. Es muy difícil no conmoverse con el amor filial y con la protección familiar. Asimismo, es complejo ocultar el actuar sinvergüenza que los lleva a relajarse, bajar la guardia y enfrentarse a la amenaza de un porvenir aparentemente exitoso y libre de mayores riesgos que engañosamente están construyendo.

Bong Joon-ho, en un acierto que es una genialidad, establece una línea de flotación física y también imaginaria. Los Kim están bajo esa linea y los Park sobre ella. ¿Pero, es tan así, o puede ser al revés? Las diferencias son notorias y extremas, sin embargo ambas familias tienen mucho más en común de lo que pudiera imaginarse. Sus condiciones son obviamente diferentes en lo material, pero es su vulnerabilidad lo que les hace similares, independiente del lado de la línea en el que se encuentren.

Luego de ganar la Palma de Oro en Cannes y varios otros premios, “Parásitos” se ha convertido en la revelación del año al lograr un hecho inédito hasta ahora: ser la primera película de habla no inglesa en ganar el Óscar a la Mejor Película. Los méritos los tiene y por supuesto de sobra, porque es de esas películas redondas, que marcan, que generan reacciones, que provocan y que por ello se recuerdan. La fuerza del relato, la convicción de sus actuaciones, el poder de su forma y las constantes sorpresas de sus giros, la transforman en una cinta imprescindible. Y ojo, no es fácil de ver. Incluso puede provocar algún rechazo en varias secuencias que son bastante crudas y que están dotadas de un realismo convenientemente acentuado.

“Parásitos” engloba tantos elementos de cine que es muy difícil analizarlos por separado. Aquello es tal vez su gran riqueza. Cumple las expectativas cuando esperamos algo que no sea obvio. También cumple al provocar incomodidad y no dejar que los asientos nos adormezcan. Y principalmente cumple al reflejar, en una cultura y en una historia particular, la mayor universalidad de todas, aquella que da cuenta de las relaciones humanas, sus acciones y reacciones, llevadas a un nivel de máxima tensión, a un punto disruptivo y genuinamente perturbador.

Ficha técnica

Título original: Gisaengchung
Año: 2019
Duración: 132 minutos
País: Corea del Sur
Productora: Barunson / CJ Entertainment / TMS Comics / Tokyo Movie Shinsha (TMS) / CJ E&M Film Financing & Investment Entertainment & Comics
Género: Intriga. Comedia. Drama. Thriller | Comedia negra. Drama social. Familia
Guion: Bong Joon-ho, Jin Won Han
Música: Jaeil Jung
Fotografía: Kyung-Pyo Hong
Reparto: Song Kang-ho, Lee Seon-gyun, Jang Hye-jin, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-sik, Park So-dam, Park Seo-joon, Lee Jeong-eun, Park Keun-rok, Hyun Seung-Min, Andreas Fronk, Park Myeong-hoon, Jung Hyun-jun, Ji-hye Lee, Joo-hyung Lee, Jeong Esuz, Ik-han Jung, Seong-Bong Ahn, Dong-yong Lee, Hyo-shin Pak
Dirección: Bong Joon-ho

Parásitos - Por José Blanco

La lucha de clases ya no existe como una contraposición entre los que tienen los medios de producción y los que no tienen los medios de producción. En el mundo neoliberal, la lucha es entre los que tienen y los que no tienen. Al fin y al cabo, los que no tienen pasan a ser parásitos de los que tienen, porque éstos – a su vez – son parásitos de la sociedad.

La acción de esta película, con rostros asiáticos y escenografía occidental, podría transcurrir perfectamente en Chile, donde la riqueza está igualmente mal distribuida.

Ki-woo vive en un sótano con sus padres Ki-taek y Chung-sook, además de su hermana Ki-jung. La sociedad neoliberal los ha reducido de microempresarios a indigentes y – como no tienen espíritu de delincuentes – deben encontrar alguna forma para subsistir.

La oportunidad se presenta cuando el joven puede hacer clases de inglés a una jovencita en pleno despertar sexual y se da cuenta que, por un medio u otro, puede incorporar a toda su familia para entrar al servicio de un hogar tiene como “jefa” a una joven ingenua, que tiene también un hijo con inquietudes artísticas y traumas fantasmagóricos. En realidad, todo es manejado por una ama de llaves y un chofer: o sea el esquema británico de los superiores mimados por sus inferiores.

No debo contar la película, porque hay que verla. Me basta con decir que, después en un comienzo bastante lento, el relato se acelera dejando a la vista situaciones inesperadas y desesperadas, que llevarán al espectador a pensar acerca de la nueva estructura de la sociedad. Como ya la solidaridad no existe, en este mundo tecnologizado, los unos dependen de los otros en un peligroso equilibrio que puede estallar de un momento a otro.

En cuanto a cine es impecable, sobre todo la fotografía dentro de la mansión, con una escalera que representa el tránsito entre los dos mundos y un ventanal sobre un prado impecable en el que el hijo pequeño puede instalar su carpa de piel roja. Porque mientras la familia de Ki-woo, que solo tiene un tragaluz que da a un callejón donde un borracho viene a orinar, sufre la inundación de las aguas servidas, la familia acomodada puede disfrutar de la belleza de la lluvia.

Una serie de contrastes que recuerdan la realidad de los que viven en función de las necesidades superfluas de los que ni siquiera se percatan de las primeras necesidades de los que los rodea. Y en ello no hay ninguna maldad, pero sí un riesgo.

Bong Joon Ho ha logrado realizar una comedia negra de sabor amargo y con una realidad que, en este momento, es universal.

(Parasite. Corea del Sur, 2019)

viernes, 7 de febrero de 2020

Parásitos - Por Jackie O.

Los “home invasions”.

En la historia de los Oscars, está es la octava vez que una película está nominada en las categorías de “mejor película” y “mejor película de habla no inglesa”.

Que tenemos acá:

No hay clase media, es el extremo caricaturizado de pobres y ricos.

Y su director visualmente hace que se note la diferencia social.

Una familia pobre que viven hacinados, trabajan en lo que pueden, no hay dinero para estudios, etc. Y tienen una capacidad intelectual brillante, la cual aprovechan muy bien para sobrevivir. Ya están cansados de vivir de sobras, y si se puede tener algo fácil y rápido hacen lo posible para tomarlo.

Al otro extremo tenemos a la familia rica, de buenas intenciones a su modo, la que vive en su burbuja, el único contacto con el resto de los mortales es a través de sus trabajadores, pero que de igual forma no se involucran mucho. Disfrutan su mundo, su estilo y sus amistades de la misma clase.

Con diferentes anécdotas, la familia pobre se infiltra en la casa de la otra familia, donde cada uno va tejiendo sus engaños y crédulamente caen los pudientes.

Todo es risa y chascarros para ellos y nosotros.

Hasta que todo da un giro, un giro tan bien armado que ni te das cuenta que puede pasar al minuto siguiente.

Más, cuando descubrimos al fantasma que atormenta al hijo menor de los ricos.

¿Esto terminará de esta forma? ¿No, de esta otra? No lo sabes hasta que termina.

Está inteligentemente bien montada, una buena puesta en escena (fíjense en los espacios tras las paredes y ese estante iluminado con la escalera en medio), historias entrelazadas, que no quieres pestañear para no perderte ningún movimiento ni dialogo muy bien construido.

¿Cómo podrán mantener esta farsa?

¿Cómo personas tranquilas que viven el día a día, llegan a explotar?

Es un thriller cargado de emoción. Todos hablan solo del humor negro, pero no es solo eso, nos da mensajes claros de críticas sociales.

Los pobres muy inteligentes, que producto a su pobreza y mala suerte no pueden crecer y por eso se aprovechan del que más tiene sin importar la forma, solo necesitan sobrevivir.

Los ricos son buenas personas, pero son inconscientes ante la necesidad de los otros. Que los recriminan hasta por su olor.

Los invisibles, que viven a costa del otro por no tener una oportunidad.

¿Quién es el real parásito? ¿Todos?

Con un final que crea cierta ilusión (no olvidemos que el protagonista está con daño cerebral). Pero siempre podemos soñar despiertos.

¿Qué malo puede tener esta obra? creo que sus últimos minutos comienza a decaer, ya que hay unos fallos de guion.

Recomiendo mucho la vean, y observen esta propuesta graciosa, conmovedora e hiriente.

Ficha técnica

Parasite
Año: 2019
País: Corea del Sur
Director: Bong Joon-ho
Reparto: Song Kang-ho, Lee Seon-gyun, Jang Hye-jin, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-sik, Park So-dam, ...
Género: Intriga. Comedia. Drama. Thriller | Comedia negra. Drama social. Familia

Aves de Presa (y la Fantabulosa emancipación de Harley Quinn) - Por Jackie O.

“Cuando se juntan mujeres que tienen malas experiencias con hombres: mejor huyan”.-

Fui de las personas que no la disfrutó al 100%, sí abuchéenme.

Pero calma, trataré de explicarme.

Me encantan las películas de superhéroes, comics y todo eso.

Esta película es de aquellas en las que no tienes que pensar en nada, solo mirar y divertirte, por que sí es divertida. Te llenará de colores y acción para dejar pasar todo mal detalle.

Pero no hay duda alguna que Margot fue hecha para ese personaje, cuando la vi en Escuadrón Suicida quedé maravillada con su interpretación.

Esta película muestra que pasó con Harley después de la película Escuadrón Suicida, pero aún algo más terrible: El Guasón la dejó!!!

Ahora está sola con su corazón roto y hay una fila enorme de personas que quieren vengarse, ya que antes era intocable, solo esperan su turno para atacarla por los agravios infringidos.

La película sí funciona en su onda comics, e insisto que la interpretación de Margot la lleva. Sabe cómo dar esa actitud maniaca, depresiva, insoportable, niña/adulta y alocada.

El montaje está bien armado, salta de un espacio a otro sin razón, del presente al pasado en un abrir y cerrar de ojos, funciona.

La mayoría de las escenas de acción bien coreografiadas.

Los decorados extravagantes y muy brillosos se ven muy locos, femeninos y descabelladamente bellos.

La banda sonora acorde a cada escena.

En que falla, en sus chistes no tan chistes (que son la mayoría), la sobreactuación y poco carisma de la mayoría de estas “Avecitas”. Tal vez debieron haber escogido a otras actrices o haberlas dirigido mejor.

Ewan como villano estuvo aceptable.

La película solo cumplió, ya que cuando decaía se lanzaba alguna broma o patada que hacía retomar el ritmo frenético y así olvidar sus fallas, y centrarnos embobados en los fuegos artificiales.

Y qué decir de la pelee final, la que todos esperábamos…. Heeee, esperaré para la próxima.

Aunque se pudo haber aprovechado mejor a estas féminas, las que producto de esos machos malvados que las dañaron de diferentes formas, hicieran que tomaran las riendas de sus vidas y unidas acabar con el mal desde adentro. Se quedó solo en buenas intenciones.

Es una película de corte adolecente que entretiene. Mucho mejor que Escuadrón Suicida, pero a pesar de querer parecerse y algunos compararla con Deadpool, no por favor, éste la sobrepasa con creces.

Se pudo haber aprovechado más y mejor a Harley.

Pero aún tengo esperanzas, será para la próxima.

Para pasar un rato loco, pero no saldrás frenético.

Ficha técnica

Birds of Prey
Año: 2020
País: Estados Unidos
Directora: Cathy Yan
Reparto: Margot Robbie, Ewan McGregor, Jurnee Smollett-Bell, Rosie Pérez, Chris Messina, Mary Elizabeth Winstead, otros
Género: Acción. Aventuras. Cómic. DC Comics

El Aro: Capítulo Final - Por Jackie O.

“Dejen descansar a Sadako”.- 

Cuando el terror norteamericano agotaba ya todos los recursos conocidos, aparece a finales de los 90 el J-Horror. Una propuesta interesante hasta el día de hoy, acaparando la atención el director Hideo Nakata quien dirige la primera de una vasta lista de secuelas, remakes, etc. de la tan famosa “RINGU” y todo lo que se parezca.

En lo personal puedo señalar que las películas japonesas de terror logran generalmente el objetivo de terror psicológico, aunque a veces puedan ser muy sobreactuados lo logran y si no, la propuesta presentada es original y atrevida.

Esta película trata de la joven Mayu, una psicóloga que debe atender a una niña que sufre amnesia, y que a su alrededor suceden cosas muy extrañas por que un ente la posee.

Por otro lado tenemos a Kazuma que es el hermano de Mayu, un youtuber que en búsqueda de fama hace cualquier torpeza para tener popularidad, así que decide buscar historias de terror. Grabando un video aterrador al entrar a un edificio que sufrió un incendio donde murieron varias personas, edificio donde vivía la niña que es atendida por su hermana.

Con estos antecedentes Kazuma desaparece, siguen sucediendo cosas sobrenaturales y Mayu sale a buscar a su hermano.

Sin olvidar que de vez en cuando tenemos las apariciones de Sadako.

Pero qué pasa con este ARO, que se dice capítulo final.

La verdad es que EL ARO, ya está muy desgastado sea versión Japonesa o Norteamericana.

Ya basta, dejen a Sadako (o Samara gringa) descansar. Que su alma atormentada busque paz.

Lo bueno de esta película, sí tiene algo bueno, es que es tan simple que no quiere meterte ese saltito forzado, o para los bilingües jump scare.

Con Hideo a la cabeza creímos que lograría algo excepcional. Pero no. No hay nada nuevo que explotar, lo conocido se torna lamentablemente aburrido.

Ni la música, ni fotografía, ni las actuaciones son destacables.

La historia empieza relativamente bien, pero va decayendo tornándola tediosa.

Los elementos ya están agotados, la capacidad de asombro destruida.

Pero aun así véanla cuando salga en TV. Por un tema de curiosidad.

Esperemos que ahora sí duerma Sadako y Samara.

Pero intuyo que lamentablemente no lo hará.

Ficha técnica

El aro: capítulo final
Año 2019
Director: Hideo Nakata
Productor: Reiko Imayasu
Saga: The Ring
Adaptaciones de: Ringu
Reparto: Elaiza Ikeda, Hiroya Shimizu, Hiroya Shimizu, otros
Terror.- 1h 39m

jueves, 6 de febrero de 2020

Un buen día en el vecindario - Por Carlos Correa

La sensación que provoca esta película es bien especial. El retrato de Fred Rogers interpretado con encanto y ternura por Tom Hanks, seduce desde el comienzo porque la figura de este presentador de televisión para niños, creador de “Mister Rogers' Neighborhood” en pantalla desde 1968 al 2001, es a la vez fascinante e intrigante.

La historia se basa en la experiencia personal de Lloyd Vogel -Matthew Rhys-, un crítico periodista quien debe escribir un artículo en “Esquire” sobre este ícono de la televisión norteamericana. Vogel, inspirado en Tom Junod que escribió dicho artículo el año 1998, va cambiando su perspectiva luego de los múltiples encuentros con Roger y su entorno. Escéptico en un comienzo e incrédulo hasta el final, observa que Rogers es alguien demasiado bueno para ser real. Esto, por cierto, le despierta sospechas y además lo hace cuestionar su propia vida y su propio actuar. ¿Es genuino? ¿Es Rogers un Santo, o un héroe?

Tom Hanks dota a su personaje de una amabilidad que cautiva. Claro, su programa es para niños, sin embargo su temática es profunda y transversal. Su foco son las emociones, su manejo, su expresión y la capacidad de reconocerlas y de hablar sobre ellas. Plantea diversas formas positivas de lidiar con los sentimientos, algo que no estamos acostumbrados a hacer. Vogel acaba de ser padre, su esposa debe asumir el cuidado del bebé mientras él viaja para los encuentros y la relación de Lloyd con su familia (su padre y su hermana) es conflictiva y distante.

Esta fábula, además de contener grandes dosis de dulzura, nos deja enseñanzas y también desafíos. “A veces necesitamos pedir ayuda y eso está bien”, señala Rogers, afirmando que “lo que mejor podemos hacer es hacerle saber a la gente que cada uno de ellos es precioso”. Quizá este es el punto más visible de la cinta; la atención genuina y sincera que Fred le presta a Lloyd y a su familia. Si aplicáramos una parte de sus enseñanzas sin duda que nuestro vecindario, es decir nuestra sociedad, nuestra ciudad, nuestro país, sería sin duda, un lugar mucho mejor y mucho más agradable.

Ficha técnica

Título original: A Beautiful Day in the Neighborhood
Año: 2019
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-China; Big Beach. Distribuida por TriStar Pictures
Género: Drama | Biográfico. Amistad. Familia. Televisión
Guion: Micah Fitzerman-Blue, Noah Harpster (Artículo: Tom Junod)
Música: Nate Heller
Fotografía: Jody Lee Lipes
Reparto: Tom Hanks, Matthew Rhys, Chris Cooper, Susan Kelechi Watson, Noah Harpster, Tammy Blanchard, Wendy Makkena, Enrico Colantoni, Sakina Jaffrey, Maddie Corman, Crystal Lonneberg, Maryann Plunkett, Michael Masini
Dirección: Marielle HellerSinopsis