La Ruina - Por Jackie O.

"Cuando abunda el dolor, la ira o el amor, hacen que tu forma de ser cambie".

Grace (Nicole Kidman) es una mujer afortunada, su vida es de lujo, es una prestigiosa psicóloga que está a punto de publicar su primer libro, tiene un marido devoto, Jonathan (Hugh Grant), el cual es un oncólogo pediatra reconocidísimo, y además, un hijo que va a uno de los colegios más importantes de Nueva York. La familia perfecta hasta que una muerte los implica, y su maravillosa vida, da un giro brutal que pone en juego esa estabilidad.

Basada en la novela del año 2014, "You Should Have Known", de Jean Hanff Korelitz, se adapta a esta miniserie de suspenso psicológico.

Grace y Jonathan son envidiados, una pareja perfecta, muy trabajadores, buenos padres, tienen un hijo preadolescente que se nota buen muchacho, todos los quieren y respetan, y si a eso le agregamos que tienen una muy buena situación económica, vaya que vida.

Y en una actividad escolar, donde las madres organizan una subasta, se une a la colaboración una madre que llegó hace poco, Elena, "de clase baja", su hijo al parecer recibió una beca para estar en tan prestigioso, y caro colegio. Ella es algo rara en su actuar, entre vulnerable y sensual, la acompaña su bebé que aún amamanta. A todos, y me refiero tanto a hombres como mujeres, les llama la atención esta mujer que no es de una belleza exuberante, pero sí tiene un atractivo que cautiva, un "no se qué".

Un día determinado, Elena aparece muerta, comienza la policía a efectuar preguntas a todos, recabando hasta el más pequeño dato. Curiosamente Jonathan desaparece, y los ojos se posan en él como principal sospechoso.

¿Quién mató a Elena? ¿Un amante que se vio perjudicado, una esposa cegada por los celos, un marido despechado, u otro personaje que aparecerá en el transcurso de la trama?

Como es de suponer, vamos conociendo la vida de nuestros protagonistas y de otros, en donde nadie es tan perfecto como se aparenta. Los secretos comienzan a aparecer, así como los celos, los miedos, las traiciones, el poder, la soledad se hace presente en cada capítulo, ayudando a dudar de lo que vemos o aseverar nuestras sospechas.

Nicole Kidman lleva esta miniserie con una gran destreza en su oficio. La cámara se centra en ella, la sigue, la escuchamos. ¿Sospechosa? ¿Víctima de las circunstancias? Donald Sutherland es su padre, e interfiere ferozmente para cuidar a su hija y nieto, es poderoso y temido, ¿está implicado?

Hugh Grant, pasea entre la coquetería y la vulnerabilidad, se juega su culpabilidad o inocencia.

Tenemos una buena puesta en escena, buen guion, actuaciones variadas pero cumplen con el objetivo de mantenernos atentos, vestuario bello y música acorde a lo que vemos.

Intrigas van y vienen, en una historia que no ofrece nada nuevo en cuanto a misteriosos asesinatos se trate, pero sí sabe captar nuestra atención, y mantenernos expectantes. Vale verla.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

The Undoing
Creado por David E. Kelley
Dirigido por Susanne Bier
Genero: Drama y Suspenso psicológico
6 capítulos. 50 min. aprox. cada uno

Año: 2020
Protagonistas: Nicole Kidman, Hugh Grant, Édgar Ramírez, Noah Jupe, Lily Rabe, Matilda De Angelis, Ismael Cruz Córdova, Edan Alexander, Michael Devine, Donald Sutherland

Tetris - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Apple TV +.

Algo más que el juego se comparte en esta película. Es fundamental que las piezas calcen luego de presentadas en un comienzo expuesto en forma simpática, pero que puede resultar un poco abrumador. La gran cantidad de personas involucradas, las idas y vueltas de la frenética carrera por obtener patentes de comercialización, y las insospechadas consecuencias, ofrecen un cocktail variado que se puede hacer difuso si no se presta toda la atención necesaria.

El relato está centrado en Henk Rogers -Taron Egerton-, de Bullet-Proof Software, quien al conocer una de las primeras versiones de Tetris en el Consumer Electronics Show de Las Vegas del año 1988, queda totalmente prendado. No solo es más entretenido que su propio videojuego, sino que, además, tiene esa particular característica fundamental que se llama adicción: una vez iniciado, no se puede soltar. Rogers alucina, está convencido que será un éxito mundial y se obsesiona por las patentes. En ese momento entran a tallar, entre otros, Robert Stein -Toby Jones-, de Andromeda Software; Robert Maxwell -Roger Allam-, y su hijo Kevin -Anthony Boyle-, CEO de Mirrorsoft; el CEO de Nintendo, Hiroshi Yamauchi -Togo Igawa-; y los mandamases de ELORG, una firma propiedad del gobierno de la Unión Soviética de la que forma parte nada menos que el inventor del juego, el programador soviético Alexey Pajitnov -Nikita Efremov-.

Las temáticas de la película podríamos resumirlas en cuatro: la feroz competencia comercial por las patentes, acaso lo más complicado; la inventiva del juego y la fascinación que produce; el lado humano que representan Henk Rogers, Alexey Pajitnov y sus familias; y el contexto político sobre el que se desarrollan los hechos. Con estos elementos, el guion de Noah Pink ofrece tres fases que podrían considerarse clásicas. Primero nos presenta a los protagonistas, luego desarrolla las varias aristas en forma paralela, para finalmente desplegar una frenética conclusión en la que todas las piezas dan múltiples vueltas hasta que encuentran su posición final.

El director Jon S. Baird filma lúdicamente una historia basada en hechos reales pero que sabemos tiene mucho de ficción. Aquello no le quita ningún mérito, muy por el contrario, al agregar varios elementos logra sostener las casi dos horas de metraje y que no decaiga ni el interés ni la atención. Algo similar pasa con las historias familiares, a las que dedica un buen espacio, contrastando realidades muy diferentes, tanto en formas de vida, como en expectativas y sueños. La película también se da maña para caricaturizar, aunque con buen tono, la política soviética de fines de los años 80, con esa KGB aún resistente pero en declinación, y el proceso iniciado por Gorbachev que no tiene vuelta atrás.

“Tetris” permite conocer buena parte de los orígenes de este juego ya icónico que ha cautivado al mundo desde hace décadas. La otra parte de la película es mera entretención -que por lo demás funciona muy bien-, con piezas aceitadas, un buen elenco coral y una edición fluida que deja buenas sensaciones. En lo particular, me quedo con la amistad forjada por Rogers y Pajitnov, una genuina relación que, a juzgar por los hechos descritos al final de la cinta, sigue dando hasta hoy abundantes frutos, tanto personales como comerciales.

Ficha técnica

Título original: Tetris
Año: 2023
Duración: 117 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Ai Film, Apple TV+, Marv Films. Distribuidora: Apple TV+
Género: Drama | Basado en hechos reales. Videojuego. Espionaje. Guerra Fría. Años 80
Guion: Noah Pink
Música: Lorne Balfe, Guadalupe Barbara
Fotografía: Alwin H. Kuchler
Reparto: Taron Egerton, Nikita Efremov, Oleg Shtefanko, Igor Grabuzov, Sofya Lebedeva, Anthony Boyle, Toby Jones, Roger Allam, Ben Miles, Togo Igawa
Dirección: Jon S. Baird

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine Viernes 28 de Abril 2023

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Alejandro Caro en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

Renfield, Asistente de Vampiro - Por Jackie O.

"Relaciones tóxicas... con el jefe"

Sinopsis: Renfield (Nicholas Hoult) es el torturado asistente del vampiro más narcisista de la historia: Drácula (Nicolas Cage). Y se ve obligado a procurarle de todo aquello que éste le ordene, por inmoral que sea. Pero ahora, tras siglos de servidumbre, Renfield está listo para descubrir si hay vida lejos de la alargada sombra del Príncipe de las Tinieblas. ¿El problema? Que no sabe cómo romper esa relación de dependencia.

Estamos ante una comedia negra o una comedia de horror, eso es lo que nos trae esta nueva adaptación de la historia de Bram Stoker. Con una ingeniosas referencias visuales, parodia, sarcasmo y exageración, que nos va atrapando de a poco en esta divertida historia, llena de mucho gore.

De acuerdo a la historia, en 1896, los primeros días del cine el famoso director George Méliès, inventor de casi todos los trucos y efectos cinematográficos del período y muy visionario en ello, realizó una historia que se podría catalogar de aproximación de vampiros, estrenada con el nombre de "La mansión del diablo", película que antecede a la publicación de Drácula (1897). De ahí se sumaron y siguieron diversas historias de vampiros, como The Vampire (1913) dirigida por Robert G. Vignola o Drakula halála de Károly Lajthay en 1921. Luego llegó Nosferatu: Eine Simphonie des Grauens (1922) de F. W. Murnau, la cual es una versión no autorizada del libro de Stoker. Hasta llegar a 1931, donde Tod Browning elige a Bela Lugosi para su debut en este importante papel, y bueno, podemos seguir enumerando y recordando diversas películas que fueron profundas, parodias, buenas o no tanto, pero que de alguna forma nos atraparon, por que la historia de este personaje nos capta la atención.

Y quien es Renfield, lo hemos visto como un personaje secundario, y a veces casi inexistente asistente loco. Un agente de bienes raíces que es enviado a Transilvania y cae en poder de Drácula, o más bien, la ambición lo atrapa.

Y por qué no darle su espacio, de concocerlo más, hacer su propia historia, y este director de comedia, ciencia ficción y animación, se arriesgó bajo esa tónica con este argumento escrito por Ryan Ridley, conocido por su papel en Rick y Morty (2013) y The Wastelander (2005), y a eso le agregamos que uno de los productores es Robert Kirkman, mmm... así que con estos antecedentes podíamos tener nociones de lo que veríamos, aunque también nos pudieron sorprender cambiando su estilo.

Renfield nos cuenta su historia, y quiere de alguna forma cambiar su vida, está cansado pero a la vez atemorizado de su jefe, ¿cómo salir de ese estrés de las exigencias de un jefe?

Él busca una forma en grupo de autoayuda. Pero no es suficiente, él le teme, y también tiene mucha culpa. Hasta que un día conoce a Rebecca Quincy, una correcta oficial relegada a un bajo cargo por ser honesta, ya que estamos ante una ciudad corrupta, policías y autoridades corruptas que amparan a una familia mafiosa; esa es una subtrama que se incorpora a esta historia. Dicha mafia la compone una reina de las drogas y de la muerte, Bella Lobos, quien tiene un hijo inepto y muy desquiciado que quiere quedar siempre bien con su madre y no puede, Teddy. Así que todas estas historias se mezclan, la de Refield, Dracula, Rebecca y la de los Lobos.

Volviendo a Rebecca, al verla Renfield, audaz y sin miedo, provoca una reacción diferente en este joven asistente y se acerca a ella, pues lo inspira a que él puede tomar el control de su vida. ¿Pero, podrá?

Cage nos presenta a un ridículo, loco, exagerado, histriónico y egocéntrico vampiro. A veces se ve intimidante y en otras es una real parodia, pero hace muy bien la mezcla. Hoult nos trae a un Renfiel quien mantiene episodios de locura y vulnerabilidad. Ambos son convincentes en su actuar, y logran buena química.

El resto de los personajes, aunque no todos logran brillar, sirven de complemento para darnos situaciones graciosas e incluso inverosímiles, porque estamos ante una comedia. Sus protagonistas se encargan de que disfrutemos de una loca aventura sobre un personaje de terror.

El vestuario y maquillaje están muy bien definidos. Los efectos visuales no es lo mejor que hemos visto, pero sirven bastante para la pieza que nos presentan, por lo que funciona bien.

No es una cinta perfecta, ya que sus subtramas pueden resultar un tanto incongruentes, y que desde el primer momento nos da señas de que no hay que tomarse tan en serio lo que veremos, que se viene algo loco, ya que la película reside justo ahí, en los excesos, pues no pierde el ritmo de una agradable diversión sangrienta, y ojo, de mucho desmembramiento.

Una historia sobre un viejo y querido personaje que nunca morirá, y que su asistente logra que le prestemos la atención que se merece.

Ficha técnica

Dirección: Chris McKay
Guion: Ryan Ridley
Música: Marco Beltrami
Fotografía: Mitchell Amundsen
País: EEUU

Año: 2023
Género: Cine de vampiros, comedia de terror, gore.
Duración: 93 minutos
Protagonistas: Nicholas Hoult, Nicolas Cage, Awkwafina, Ben Schwartz, Adrian Martinez, Shohreh Aghdashloo, Bess Rous, Caroline Williams, Brandon Scott Jones

La Heredera de la Mafia - Por Juan Pablo Donoso

Sátira feminista gruesa en la línea de los Padrinos, con alusiones e imitaciones de la violencia de aquellos filmes.

Toni Collette (El Sexto Sentido, 1999 - Las Horas, 2002) fue la productora: por eso se luce a destajo como protagonista.

Filmada casi entera en Roma, y en otras bellas locaciones italianas.

Comienza enérgica, con algunos momentos bastante graciosos. Mas, a medida que avanza, y ya cerca del final, pierde tensión y el humor resulta menos efectivo.

Kristin, es una típica esposa norteamericana, con marido torpe e inmaduro, y un hijo en edad universitaria. Por inercia sigue apegada a la chata rutina de su hogar.

Cuando se entera de la muerte de su abuelo, y de la invitación que le hacen, decide partir sola a Italia, con la secreta esperanza de tener a alguna aventurilla, y dar rienda a su frustrada vida sexual.

Mas, al llegar se entera que el abuelo era capo de una poderosa mafia y que, antes de partir, ordenó que ella heredara su fortuna y lo sucediera en el mando.

A pesar de su reticencia, los acontecimientos, el personal a su cargo, y los enemigos de la “familia”, la fueron obligando a contraer la responsabilidad. Múltiples incidentes fortuitos la llevan a defenderse con éxito y, con ello, convertirse en la eficaz y temible nueva “doña” de la guerra entre mafiosos.

Es grato ver a ciertos secundarios - invitados por Collette para acompañarla en esta bufonada. Se lucen Monica Bellucci (ex diva de los años 90) como su “consigliera”, la gordita Sophia Nomvete (El Señor de los Anillos), como su abogada afroamericana, Dora Romano (Fue la Mano de Dios, 2021) como Tía Esmeralda, algunos nuevos galanes atractivos, y otros maleantes bien escogidos para ilustrar la caricatura.

La banda musical mediterránea, interpretada por Gianni Morandi, es adecuada evocando el estilo de Nino Rota y Carmine Coppola.

Para disfrutarla hay que aceptar que es una parodia grotesca, donde todos los personajes son estereotipos, y que navega sobre la frágil línea entre la comedia chabacana y la vergüenza ajena. Tal vez pudo recurrir a un humor más sutil. Hay momentos en que el guion pareciera decirnos “esto es un chiste, por favor ríanse”.

Incluso el personaje de Toni Collete como la ingenua tontita torpe, con mayor sutileza, habría sido más pintoresco.

Ideal como entretención durante un largo viaje aéreo.

EFECTIVA COMO SÁTIRA FEMINISTA GRUESA. GUERRA ENTRE SANGUINARIOS MAFIOSOS VENCIDOS POR CÁNDIDAS AMAZONAS.

Ficha técnica   

Título Original: Mafia Mamma

2023 Acción, comedia, crimen EE.UU., Inglaterra, Italia, EE. UU. - 1,41 hrs.

Fotografía: Patrick Murguia 

Edición: Waldemar Centeno Música: Alex Heffes 

Diseño Prod.: Livia Borgognoni 

Guion: Amanda Sthers, J.Michael Feldman, Debbie Jhoon 

Actores: Toni Collette, Monica Bellucci, Alfonso Perugini 

Dirección: Catherine Hardwicke (Los Amos de Dogtown, 2005)

Blanquita - Por Juan Pablo Donoso

Sórdida tragedia social. Delata la impotencia de los desposeídos frente al abuso aberrante de los poderosos, amparados bajo el poder del dinero, de las leyes y de las estructuras políticas, urbanas y eclesiásticas.

Recreación - con los nombres cambiados - de un escándalo mediático chileno de comienzos del siglo XXI.

El sacerdote católico Manuel (Alejandro Goic) tiene a su cargo una casa de acogida para jóvenes y muchachas descarriadas y a menudo delincuentes.

Blanquita (excelente Laura López), adolecente y madre soltera, confiesa haber sido víctima, junto a otros, de reiterados vejámenes sexuales por parte de empresarios prominentes y conocidos políticos.

El padre Manuel, hombre recio y de mano dura para enrielar a sus protegidos, propone a Blanquita hacer pública la denuncia ante las autoridades.

Comenzará un cauteloso proceso incluyendo psicólogos, abogados y diputadas para evitar mitomanías y calumnias.

A medida que los detalles de la muchacha van manifestando visos de realidad, comienza a crecer un manto de encubrimiento y falsos testimonios. Quienes al comienzo ofrecieron colaboración comenzarán a distanciarse por cobardía. Vendrán las amenazas veladas, misteriosas persecuciones e incluso la destrucción del hogar de acogida en ausencia de sus habitantes. Blanquita empieza a temer por la seguridad de su pequeña hijita.

Hasta la máxima jerarquía eclesiástica (Jaime Vadell) utilizará su investidura para humillar al sacerdote y relegarlo al sitial que le corresponde.

Sintáxis fílmica riesgosa, poco convencional, para imbuirnos en la turbia maraña del ambiente denunciado. Al igual que en JESÚS (2016) y CARNE DE PERRO (2012), el director Fernando Guzzoni incursiona, una vez más, en la impotencia de los desplazados y oprimidos.

La edición, la luz, los encuadres, y hasta la música incidental, se complementan para transmitir el desamparo de los pobres, destinados a la delincuencia, aplastados por la podredumbre moral del mundo que los domina.

Acertado simbolismo cromático con los rostros en sombra y los fondos iluminados.

Tratada como semi-documental, mezcla actores profesionales con testimonios de auténticos jóvenes víctimas de la pobreza y el abuso.

Este filme sugiere la razón por la cual los acusadores se perdieron en la neblina del silencio, y la opinión pública olvidó pronto el incidente. Con la colaboración de los medios de comunicación los poderosos triunfaron sembrando la duda sobre la veracidad de las aberraciones denunciadas.

Al comienzo la denominamos “tragedia” por la forma inexorable con que el Destino castiga a sus héroes (cuando desafían el orden establecido). En este caso fue a Blanquita y, muy en especial, al sacerdote protector.

DESGARRADA DENUNCIA DE LA IMPOTENCIA Y EL DOLOR DE LOS MÁS DÉBILES FRENTE AL PODER DE LAS ESTRUCTURAS SOCIALES, POLÍTICAS Y ECONÓMICAS.

Ficha técnica  

Drama social - 2023 Chile - 1,34 hrs. 

Fotografía: Benjamín Echazarreta 

Música: Chloé Thévenin 

Diseño Prod.: Estefania Larrain 

Actores: Laura López, Alejandro Goic, Amparo Noguera, Marcelo Alonso 

Guionista y Director: Fernando Guzzoni

Marca de Vida - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: David es un chico de 18 años que vive feliz con la familia que le adoptó cuando era un bebé. Su cómodo mundo se pone patas arriba cuando, inesperadamente, su madre biológica expresa su deseo de conocerlo. Con el aliento de sus padres adoptivos, David se embarca en un viaje de descubrimiento que le conduce a una asombrosa verdad sobre su pasado.

Basada en una historia real, esta película escrita y dirigida por Kevin Peeples presenta una narración en base a sucesos que transcurren en diferentes épocas. Este paralelismo permite que el relato no se exponga en forma lineal, y sume nuevos antecedentes en la medida que el metraje avanza.

Todos los protagonistas, David, sus padres adoptivos y sus padres biológicos, son muy diferentes, sin embargo comparten algunos puntos en común: han sufrido pérdidas significativas, poseen un criterio amplio, abierto, y una dosis importante de generosidad que impide cualquier tipo de desconfianza, e incluso celos, entre ellos.

Con algunos toques de comedia provistos por la figura del mejor amigo de David, quien filma cada uno de los pasos, esta película resulta edificante pese a los escasos nudos o conflictos que presenta. El buenismo puede parecer excesivo, sin embargo encuentra sustento en una temática que es muy profunda y que tiene que ver con las opciones que se presentan ante un embarazo no deseado, o bien frente a la imposibilidad de ejercer el rol maternal que aquello involucra.

La película no oculta sus principios morales y cristianos, al contrario, los expone con fuerza y claridad, sin caer necesariamente en un discurso formativo. Es naturalmente un filme pro vida, y quiere dar a conocer aquello a través de un concreto ejemplo que pueda ser útil a otras personas que se vean enfrentadas a problemáticas similares.

“Lifemark” realza en sus líneas la capacidad de entendimiento y comprensión, el desprendimiento y la generosidad, y principalmente un enorme cariño y amor. Todos estos valores, desarrollados con armonía durante sus 110 minutos, provocan una sensación positiva, una esperanza fundada en esa gran bondad que es transmitida. Conocer esta historia, realizada, además, con un buen nivel técnico, es importante. Permite conversar, reflexionar y debatir, ampliar los horizontes y posibilidades, en especial para quién no vea más que una sola opción posible.

Al final, junto con los créditos de la película, podemos observar a los verdaderos protagonistas y conocer antecedentes sobre la difusión que han realizado durante todos estos años. Ciertamente, este testimonio vital merece ser comunicado, y gracias a este trabajo, podrá ser conocido en muchas otras latitudes.

Ficha técnica

Título original: Lifemark
Año: 2022
Duración: 110 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Kendrick Brothers
Género: Drama | Basado en hechos reales. Familia. Adopción
Guion: Kevin Peeples
Música: Kyle McCuiston
Fotografía: Bob Scott
Reparto: Raphael Ruggero, Kirk Cameron, Alex Kendrick, Isabelle Almoyan, Harlen Ernest, Marisa Hampton, Larrs Jackson, Sharonne Lanier, Sarah LeJeune, Dawn Long
Dirección: Kevin Peeples

Marca de Vida - Por Jackie O.

“Historias de vida y oportunidades”.

Melissa (Marisa Hampton) y su novio son unos adolescentes que van a tener un bebé, y en un proceso de aborto, decide en el último momento quedarse con su bebé y encomendarlo a una agencia de adopción. Su bebé es adoptado por Jimmy Colton (Kirk Cameron) y Susan Colton (Rebecca Rogers Nelson). Dieciocho años después, Melissa (Dawn Long) se acerca a la agencia de adopción para contactar a David (Raphael Ruggero), su hijo biológico.

Película muy cristiana, pues lo hacen saber en cada instante mediante sus diálogos u objetos que vamos viendo.

David y sus padres viven felices, es adoptado, lo sabe, sus padres le contaron su historia y nosotros nos vamos enterando mediante analepsias. El joven vive sin problemas económicos ni emocionales, además cuenta con un gran amigo fanático de grabar videos. O sea, la vida perfecta. Aunque no le ha contado a todo el mundo que es adoptado, pues siente que pueda ser rechazado por sus pares.

Al cumplir 18 años, su madre adoptiva, quien ya cuenta a esas alturas con su propia familia, se contacta con su exnovio y le manifiesta que desea ver a su hijo biológico, este, un tanto reticente, no le pone objeción.

Es así como Melissa entrega sus nuevos datos de contacto a la agencia, y estos avisan a los padres adoptivos de David, quienes le cuentan a él, pues es una familia que nada oculta y que todo lo tratan de manera cordial, y principalmente con mucha fe.

Así que se comienza a preparar el encuentro entre estas familias, y nosotros atentos a cómo será esa reunión.

Una historia simple, de aquellas con finales felices, que habla de temas muy delicados como el aborto, la adopción, la fe, el rechazo, la unión, la familia y la amistad.

Cinta que también trata sobre la empatía, y de que no hay que odiar ni avergonzarse, sino que de entender, de educar con valores, de saber plantear los problemas, de cómo enfrentarlos, y de la confianza.

En qué podría fallar, es en la falta de conflicto, no me refiero a entrar en altercados, pero si discusiones más profundas sobre los temas.

Aun así, es una película muy optimista, de un viaje emocional que harán todos los partícipes en algo tan delicado en cuanto a los orígenes, y que hace muy bien para mantener esperanzas de que existen las situaciones positivas en este caótico mundo.

Esta es una historia basada en hechos reales, y no es una película religiosa, sino que esperanzadora para ver en familia.

Al final de la película, nos cuenta en qué están nuestros protagonistas actualmente.

Ficha técnica

Título original: Lifemark
Año: 2022 

País: EEUU
Duración: 110 minutos
Dirección y guion: Kevin Peeples
Música: Kyle McCuiston
Fotografía: Bob Scott
Reparto: Raphael Ruggero, Kirk Cameron, Alex Kendrick, Isabelle Almoyan, Harlen Ernest, Marisa Hampton, Larrs Jackson, Sharonne Lanier, Sarah LeJeune, Dawn Long
Género: Drama

Basado en hechos reales. Familia. Adopción

Amén: Francisco responde - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Star Plus.

La idea de los realizadores Jordi Évole y Marius Sánchez de confrontar al Papa Francisco con una serie de jóvenes que tienen visiones distintas a los dogmas de la Iglesia puede ser tan arriesgada como provocadora. Primero tienen que tener la venia del principal involucrado y segundo, conseguir a los protagonistas, que deben provenir de un mundo juvenil que tiene cada vez más reparos respecto a una institucionalidad que ven antigua y lejana. Veamos cómo resulta la experiencia.

El inicio del documental no da muchas pistas sobre lo que veremos en el transcurso de los siguientes 83 minutos. Por una parte, los diez jóvenes están preparándose para el encuentro, la mayoría por primera vez en Roma (incluso, en uno de los casos, su primer viaje en avión), y por otra, observamos al Santo Padre filmado coloquialmente camino a la reunión.

Para todos es algo nuevo y tienen muchas expectativas, Francisco incluido. Representando a varios países -España, Senegal, Argentina, Estados Unidos, Perú, Colombia-, creyentes, no creyentes, y un musulmán, concurren a esta particular cita en el barrio el Pigneto de Roma y participar en un evento inédito con el “jefe” de la Iglesia Católica con artillería pesada: preguntas sin filtro que prometen ser respondidas por el Santo Padre, también sin tapujos ni censura.

La realización de este documental es pulcra, se nota el cuidado de los detalles y la supervisión de cada movimiento a través de una fina y precisa edición. La primera pregunta que emerge es sobre la elección de los jóvenes y cómo llegaron hasta allí, cuál fue el proceso que determinó que fueran ellos y no otros los invitados. A renglón seguido. aparece una nueva interrogante, esta vez un poco más de fondo y que se refiere al encuentro propiamente tal: ¿cuánto se ha editado, cortado o guiado? ¿Podemos leer entre líneas sobre lo que es mostrado y lo que suponemos quedó fuera del corte final? Son algunas preguntas que el documental no responde pero quedan dando vueltas, sobre todo luego del visionado.

Volviendo a lo concreto, es notorio que el Papa se ilumina cuando ve a los jóvenes. Sus dolencias -el molesto dolor a la rodilla que le afectaba en Junio de 2022, fecha del rodaje-, parecen pasar a segundo plano. Vemos a Francisco distendido y risueño en el saludo inicial, bromista incluso y muy cercano para romper el hielo. Parece genuino y honesto, tal vez no improvisado, pero se aprecia real. Cuando la tensión crece, producto de cuestionamientos importantes, probablemente observamos los momentos más difíciles del rodaje, con un Papa que no puede ocultar su incomodidad, pero que, sin embargo, se mantiene en atenta escucha.

Las variadas preguntas y temas provienen de las diferentes historias personales de los participantes, y son planteadas siempre en un clima de respeto y confianza. No parece haber ningún tema tabú, pues transitamos desde las finanzas -si recibe un sueldo y su relación con el dinero-, hacia el complejo fenómeno de la migración, incluido el racismo, la colonización y aquello que Francisco define como la “esclavitud actual”, cuando pone el ejemplo de una mujer a la que se le ofrece un trabajo de once horas diarias por 600 euros al mes.

La sección central es la que ocupa más minutos y aborda dos grandes problemáticas. Primero el aborto, con preguntas difíciles, contra preguntas y diálogos entre los mismos jóvenes mientras el Papa escucha. La distinción es clara para Francisco, la Iglesia debe preguntar menos y ser misericordiosa como Jesús. A continuación es enfático en señalar que una cosa es acompañar a la persona que hizo esto y otra cosa es justificar el acto. De la sartén a las brasas; el tema siguiente son los abusos sexuales, la pederastia en la Iglesia, momento en que un joven español abusado a los 11 años no puede contener la emoción. Su testimonio conmueve. Explica que su abusador fue condenado y que luego se redujo el castigo. Para sorpresa de todos, saca una carta escrita de puño y letra por el Papa Francisco, una respuesta directa a su padre que le señala recurrir a la instancia correspondiente, sin embargo la Congregación para la Doctrina de la Fe instruye posteriormente reponer el buen nombre del abusador. Impacto y doble tensión, pero Francisco es clarísimo respecto a la política de tolerancia cero en estos casos: evidentemente dolido expresa que se está trabajando para combatir justamente estas situaciones y que, por cierto, los abusos de menores no prescriben nunca.

En el tercio final del metraje se abordan, con mucha transparencia y sinceridad, temas de identidad de género, el rol de la mujer en la Iglesia, las nuevas aplicaciones comunicacionales como Tinder y el desarrollo de la sexualidad. Ante el testimonio de una joven que se dedica a producir contenidos para adultos en línea, Francisco inicia la discusión indicando, en positivo, la gran oportunidad que ofrecen los nuevos medios, y al mismo tiempo distingue con claridad que la moralidad depende del uso que se les dé. Ante diversas opiniones controvertidas, el Papa señala que “el sexo es una de las cosas bellas que Dios dio a la persona humana”, e indica que la catequesis, en ese sentido, se encuentra aún en pañales.

Casi al final, luego del contrapunto entre una joven que se siente bendecida por la fe y otra dañada por abusos de poder durante su formación en una comunidad religiosa, el Papa acoge, no juzga ni tampoco intenta modificar puntos de vista. Si hay espacios que dañan, señala, lo más sano es alejarse, allí se encuentra la valentía. En cambio, a la joven que se siente plena le advierte que puede venir una prueba dura y que debe prepararse para ello; “también en el momento de oscuridad está el Señor”, indica Francisco.

Aunque puede ser más interesante para quienes no participan activamente de la Iglesia, resulta interesante el formato y la temática de este trabajo documental pues muestra al Papa desde otro ángulo, cercano, afable, sin protocolos ni restricciones formales. En un diálogo fluido, Francisco no intenta imponer nada, sin embargo, sin ser tajante o cerrado, entrega un mensaje claro para cada uno de los temas abordados. Pero fuera de las respuestas del Santo Padre, resuena que tenga la oportunidad de verse expuesto a cuestionamientos directos, sin barreras, interpelado por interlocutores que quieren mostrar su realidad. Esto es muy valioso, y tal vez por ello el Papa agradece el momento y lo valora genuinamente. Se sabe que en ocasiones, la soledad del poder no permite que algunas voces puedan ser escuchadas, sobre todo las más críticas y negativas. Acá las tenemos y el resultado es enriquecedor para todos aunque no haya necesariamente un acuerdo. En palabras de Francisco, diversidad y fraternidad parecen ser las claves del camino.

Ficha técnica

Título original: Amén: Francisco responde
Año: 2023
Duración: 82 minutos
País: España
Compañías: Producciones del Barrio. Distribuidora: Disney+, Star+, Hulu
Género: Documental | Religión
Reparto: Documental, Intervenciones de: Pope Francis
Dirección: Màrius Sánchez, Jordi Évole

Cuerdas - Por Alejandro Caro

Sinopsis: La rutina de la pequeña María en el colegio se verá alterada por la llegada de un niño muy especial. María ve en Nico algo que sus compañeros no logran apreciar. Ella buscara intégralo a sus juegos con una cuerda logrando hacer cosas insospechadas con él. Pronto se convertirán en amigos inseparables transformando la vida de los dos…

Corto de buena factura de animación, basado en la vida real y experiencia en el propio hijo del director.

Nico Solís, su hijo, tuvo una emergencia médica durante su nacimiento que impidió que recibiera el oxígeno necesario en su cerebro, lo cual lo dejo con un daño neurológico irreparable, y por lo tanto postrado en una silla de ruedas, para finalmente fallecer a los 16 años.

De esta experiencia dramática, el director Pedro Solís saca una experiencia de vida y que nos comparte en forma hermosa, y no por eso menos dramática. Podemos apreciar su resiliencia, tocando valores fundamentales para el mundo en que vivimos como el respeto, la integración, por lo tanto la inclusión, la empatía, la amistad autentica, la gratuidad, y el amor.

Interesante corto para compartir y conversar con los niños y ver cómo podemos acompañar otros niños en circunstancias parecidas. Muy recomendable para todo público y con un dramático e interesante epilogo.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Título original: Cuerdas

Año: 2013

Duración: 11 minutos

País: España

Dirección: Pedro Solís García

Guion: Pedro Solís García

Música: Víctor Peral

Fotografía: Animación, Juan Jesús García Galocha

Reparto: Animación: María Temprado, Belén Rueda, Blanca Formáriz.

Actores de voz: Miriam Martín; Belén Rueda

Compañías: La Fiesta Producciones

Género: Animación. Drama, discapacidad, amistad, infancia, cortometraje (animación)

Premios

2013 Premios Goya: Mejor cortometraje de animación.

2014 Festival de Málaga: Mejor cortometraje de animación.

El Loto Blanco - Por Jackie O.

"Arena, sol y muchas tragedias"

Una serie que hasta el momento cuenta con dos temporadas, y se centra en el exclusivo Hotel de cinco estrellas "The White Lotus", con sucursales en diferentes lugares del mundo. Y sigue las vacaciones de varios huéspedes durante una semana, mientras se relajan en el paraíso que muestra ser el hotel y su entorno. Pero con cada día que pasa, surge una complejidad más oscura en estos viajeros perfectos, los alegres empleados del hotel y el lugar idílico en sí.

Ambas temporadas no tienen conexión entre sí, es decir, no es un "continuará", son historias diferentes porque tenemos huéspedes y sucursales distintas, pero sí repite rol la gran actriz Jennifer Coolidge y Jon Gries. Y creo que tendremos más temporada pues perfectamente tiene más historias que contar.

La primera temporada la disfrutaremos en Hawai, y la segunda aventura es en Italia. Vemos a gente adinerada que va a disfrutar una semana de vacaciones, donde aprovechan las comodidades del hotel, la ciudad y sus alrededores. Un merecido descanso, solos o acompañados van a desconectarse, a disfrutar.
En ambas temporadas es la misma tónica, vamos conociendo no solo a los huéspedes sino que también al personal que trabaja en el lugar. Como dije, pueden ir solos, por diferentes razones: desconectarse y escaparse de todo, pensar y tomar desiciones, o solo gozar; o ir en familia para poder compartir más y descansar. Ahí ­ vamos conociendo a estas personas, vemos que no son la familia perfecta que aparentan, sabremos de envidias, abusos, infidelidades, drogadicciones, cinismo, ambiciones; hay muchas cosas negativas en estas personas. Pero también iremos, en el transcurso, conociendo algunas cosas positivas, como descubrir la amistad, el compromiso, la comprensión y el trabajo.

La serie tiene tramas y subtramas, la idea es mostrar que los ricos no son felices, y que los no ricos los envidian a más no poder, desean en su fuero interno esa posición. Y ese es el cinismo de muchos, decir que no al dinero y comodidad.
A pesar de que hay seres tristes, con miedos, y algunos hasta patéticos, vemos al ser humano como es. Salen los conflictos entre la clase alta y los empleados, las marcadas diferencias entre ellos mismos.
Pero, como dije, hay cosas buenas y no podemos criticarlos a todos, pues va reluciendo también la humanidad, el sentido moral, los sueños, incluso la bondad.
Cada personaje está bien construido, los quieres o los detestas, pero no pasan desapercibidos.

Una serie que, en sus dos temporadas, te sacará alguna sonrisa, pero no dejarás de analizar temas sociales, culturales y emocionales que van saliendo a flote. Estamos llenos de diferencias, en clases sociales, crisis de identidad... así que quien esté libre de pecado, que lance la primera piedra.

Un guion lúdico, maravillosa fotografía, opulentas escenografías; en fin, lugares paradisiacos, el vestuario muy acorde, carismáticos personajes que hacen sus actuaciones notables, con una música muy buena.

Al final, al final, los personajes evolucionan, las lecciones fueron aprendidas para algunos, y otros nunca entenderán porque el ser humano es imperfecto.

 
Una tragicomedia, con misterio, drama, puede ser el espejo de muchos, donde vemos las típicas frases "los ricos también lloran", "el dinero no hace la felicidad ", pero sí hace que lo pases muy bien porque pueden, y aquellos que envidian eso, bueno, es lo que hay.

 
La vida es bella, hay que ser agradecido y hacer lo correcto.

Tal vez, nuestras próximas vacaciones cómodas que acostumbramos, tendrán posiblemente otro matiz.

Serie ganadora de múltiple premios.

Disponible en HBO

Ficha técnica

The White Lotus.
Dirigido y guion de Mike White
Dos temporadas, 13 capítulos en total.
Comedia dramática antología

De Vuelta al Deseo - Por Carlos Correa Acuña

Olga -Magdalena Boczarska-, es una mujer dedicada completamente a su trabajo. Segura de sí misma, parca, e incluso un poco dura, evoca, por momentos, nebulosos recuerdos. Algo hay ahí, tal vez algo no superado que tiene relación con la distancia que la separa de Maja -Katarzyna Sawczuk-, su hija adolescente.

En otra vereda se encuentra Maks -Simone Susinna-, un apuesto italiano 15 años menor que Olga, quien se acerca a ella con claras intenciones. Después de varios encuentros en los que coinciden, se despierta entre ambos una pasión incontenible, no obstante el conflicto también salta a la vista: él es parte de un proceso que ella supervisa como jueza. ¿Es genuino lo que les sucede o solo responde al conveniente interés de Maks y a la vana ilusión de Olga?

Dirigida por Tomasz Mandes, esta película plantea como tema de fondo la relación de una mujer madura con un hombre mucho menor. Pero no se queda solo en eso, también pone sobre la mesa otro amor, el filial, entre una madre y una hija que tienen temas pendientes por resolver.

Respecto a las actuaciones, observamos principalmente a Olga y configuramos transparentemente su personaje. Exitosa en lo profesional, tiene sus vínculos afectivos destrozados, un daño que ha debido sobrellevar a través de los años. De pronto, y sin buscarlo, se encuentra de frente con una nueva oportunidad de reiniciar su vida amorosa. La magia es instantánea, se siente refrescada, y aunque naturalmente al comienzo tiene dudas, este nuevo camino la lleva a abrirse sin medir consecuencias, es decir, si aquello es una posibilidad real o solo está tomando una acotada vía de escape con clara fecha de caducidad.

El personaje de Maks, por su parte, no entrega demasiadas pistas, sin embargo vemos que juega un poco con la ilusión de Olga. Como las cosas se complican para ella, tanto en lo profesional como en lo familiar, las frustraciones que cargan su mochila más la notoria diferencia de edad -y también de proyectos de vida-, se transforma en un problema concreto para esta incipiente relación.

La construcción del guion se apoya en las actuaciones pero principalmente en los encuentros amorosos de la pareja protagónica, con escenas explícitas de sexo que, sin caer en un estilo pornográfico, exponen bastante intimidad. Si bien no es muy clara su justificación, son momentos que permiten observar cómo esta mujer se reencuentra con su sexualidad y vuelve a vivir una pasión que creía olvidada.

Así como el tema sexual es desenfrenado, lo íntimo, en contraposición, solo se esboza, y recién en el tercio final adquiere peso real. Allí observamos un proceso de reconciliación difícil y duro, pero totalmente necesario para siquiera pronunciar la palabra futuro. Si bien las piezas terminan de calzar, perfectamente podríamos acomodarlas de otra manera para construir un final distinto y que así dependa de nosotros tanto la resolución como la significación que le queramos entregar.

Ficha técnica

Título original: Heaven in Hell
Año: 2023
País: Polonia
Compañías: Ekipa, Monolith Films
Género: Drama. Romance | Drama romántico
Guion: Tomasz Mandes, Mojca Tirs
Fotografía: Bartek Cierlica
Reparto: Magdalena Boczarska, Simone Susinna, Katarzyna Sawczuk, Sebastian Fabijanski, Katarzyna Kwiatkowska, Janusz Chabior, Monika Fronczek
Dirección: Tomasz Mandes

El Cuartel Secreto - Por Jackie O.

"Alocada aventura"

Jack Kincaid (Owen Wilson) es The Guard, un superhéroe elegido por un artefacto alienígena para heredar sus poderes y salvar el mundo, pero sus deberes de héroe hacen que descuide sus deberes con su hijo Charlie (Walker Scobell), abriendo una brecha entre ellos. Cuando Charlie se queda en la casa de Jack para su cumpleaños, invita a sus amigos Berger, Lizzie y Maya, donde encuentran la guarida subterránea de Jack y descubren su identidad secreta. Mientras tanto, un director ejecutivo de armas llamado Ansel Argon (Michael Peña) quiere usar la fuente de energía de The Guard para sus propios planes siniestros.

A Walker Scobell ya lo vimos en la película "Proyecto Adams", su primer trabajo, una cinta exitosa en taquilla pero no mucho en su contenido, pero su actuación fue realmente buena, un excelente inicio para una gran futura carrera. Ahora se le ve en un rol parecido al anterior, acompañando a un comediante tan exitoso como Ryan en su momento.
El carisma de este joven hace que la película sea amena, el grupo del resto de muchachos, que incluye a la sobrina de Reese Witherspoon, hacen un buen equipo, agradable, convincente y divertido. Y si a eso le sumamos a un padre tan simpático como el anterior, siéntate, no pienses y que fluya.

El antagonista, raro verlo en ese rol, es un muy simpático Michael Peña, que no pierde su toque de humor, por lo que ver pelear a Owen y Michael no sabes qué saldrá de ahí, solo relájate y ve sus locuras.

Una película de ciencia ficción con pocos efectos visuales, lo cual se agradece, ya que no hubo exageración para la trama exagerada que cuenta.

Los intelectuales se sentirán totalmente abrumados, así que no la vean, pues la historia es simple, predecible, llena de clichés, una trama algo incoherente, a veces, en especial su final, pero parece que esa es la gracia.

Aparte de ciencia ficción y diálogos inconexos a veces, vemos a un matrimonio separado, donde para el padre prima "la seguridad del mundo" antes que su hijo, al cual ve muy poco. Y para no satanizar a este padre, nunca quiso ser héroe y no sabe como lidiar con ello ,creyendo que salvar el mundo le deja algo bueno al menor. Pero no, se puede y debe compatibilizar, y si tienes que elegir, creo que la respuesta es obvia.
En cuanto a la amistad de estos niños, se acrecentó más en ellos, ya que apenas se conocían algunos.

El acierto de esta película, para no desecharla al 100%, es este jovencito que vuelve a triunfar en su segundo trabajo, su carisma se mimetiza con sus coprotagonistas (Ryan Reynols y Owen Wilson).

Y hay una pequeña escena post créditos.
Película familiar.

Disponible en Paramount.

Ficha técnica

Dirigida por Henry Joost y Ariel Schulmann
Guión: Christopher L. Yost, Josh Koenigsberg, Henry Joost y Ariel Schulman
Historia de Christopher L. Yost
Música: Lorne Balfe
104 minutos

Año: 2022
Acción, aventura, comedia.
Protagonistas: Owen Wilson, Walker Scobell, Jesse williams, Keith L Williams, Momona tamada, Carlos Melton, Michael Peña.

Desconectados - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Amazon Prime Video.

Victoria -Javiera Contador-, es una mujer especial. Terriblemente ansiosa, dispersa y olvidadiza, su vida depende cada vez más de la tecnología. Y claro, es programadora informática y estar conectada todo el tiempo es parte de su habitual rutina. Eso, al menos, respecto al trabajo, porque en lo que se refiere a lo familiar, casi no tiene vínculos, ni con su hija adolescente, Clara -María Jesus Haran-, ni con el menor de 11 años, Julián -Diego Rojas-. El problema se produce por un viaje de su ex marido, quien tiene la custodia legal; debe cuidarlos por cuatro días, y aunque cree que puede hacerse cargo de todo lo cotidiano -colegio, tareas, etc.-, la realidad es bastante diferente a lo que, en teoría, debería funcionar bien.

En eso están, tratando de hacer ajustes, de llevarse lo mejor posible, cuando sucede lo impensable. Una tormenta solar de grandes proporciones produce un apagón mundial de Internet. Es una catástrofe gigantesca, nada funciona, el mundo entero es un caos. ¿Qué se puede hacer entonces? La premisa es interesante, pero el desarrollo la desdibuja irremediablemente.

Dirigida por Diego Rougier y con guion del mismo director junto a Diego Ayala y Rodrigo Vergara Tampe, esta película se mueve en varios carriles paralelos donde cada protagonista tiene su propio recorrido. Vemos a Victoria en la postulación a un nuevo trabajo, a Julián con enormes problemas en matemáticas, a Clara con una creciente ilusión amorosa, y al vecino Rigoberto -Jaime Vadell-, como esa persona mayor que aún quiere sentirse útil en la vida.

La comedia resulta liviana, sin duda, aunque apele a la risa fácil con situaciones cotidianas sin elaborar demasiado. La gran cantidad de estereotipos y caricaturas, algunas bastante burdas, agota un poco, y no se sale de un círculo que ya conocemos bastante. Javiera Contador se ve como pez en el agua, cómoda y suelta en un papel hecho a su medida, pero quien marca real presencia es Jaime Vadell, con un oficio y prestancia que incluso aprovecha las situaciones más absurdas y las inclina a su favor para salir airoso. El desfile de secundarios, muchos sin mayor justificación, aportan poquito a una historia predecible, que se hace larga, y que estira una conclusión que cierra en poco tiempo y demasiado rápido. Tal vez mejores decisiones respecto al ritmo del metraje hubieran ayudado a una mejor conducción del relato, pero tal como está, el desequilibrio entre segmentos es manifiesto.

Es bueno ver “Desconectados” sin expectativas, como relajo para un domingo en la noche. Fluye, se ve y se olvida rápido, aunque me queda dando vueltas eso de la desconexión de Internet. ¿Será que necesitamos (necesito) que se apague el mundo, al menos unas cuantas horas, o unos cuantos días?

Ficha técnica

Título original: Desconectados
Año: 2022
Duración: 106 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-Estados Unidos; Picardia Films. Distribuidora: Amazon Prime Video
Género: Comedia | Familia. Internet / Informática
Guion: Diego Ayala, Diego Rougier, Rodrigo Vergara Tampe
Música: Pablo Ilabaca, Camilo Salinas
Fotografía: David Bravo
Reparto: Javiera Contador, Jaime Vadell, Dayana Amigo, María José Bello, Carmen Gloria Bresky, Kurt Carrera, Luis Dubó, Fernando Godoy, Gabriela Hernández, Luz Jiménez, Fernando Larraín
Dirección: Diego Rougier

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine Viernes 21 de Abril 2023

El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

Punto de Encuentro - Por Jackie O.

"Necesitamos calmar el alma sin olvidar”

Un adulto y una infante es la primera imagen que vemos, donde este adulto busca fotos y la niña le pregunta que hace, él le dice que busca fotos porque harán una película de su papá, y le consulta a la pequeña: "¿sabes lo que le pasó al papá?” Sí, le dice la pequeñita, agregando: “lo mató Pinochet"

¿Qué adulto perturbado le cuenta estas historias a una pequeñita que con suerte sabe contar hasta el número 10?. Sí, un ser humano muy perturbado, traumado, que necesita ayuda psicológica, al cual no se le debe olvidar, pues está dañado, y lamentablemente dañando a las futuras generaciones.

Contar los hechos desde el punto de vista del que cuenta la historia es válido, pues es su historia. Pero critico la crianza con odio.

Cuando tenga el ser humano capacidad para razonar, se conversa la historia como se quiera contar, no llenar de odio a infantes, por lo que solo esta introducción del documental me pareció pésima.

Los cineastas Alfredo García y Paulina Costa, viven en carne propia lo que fue la caída de la Unidad Popular, sus padres fueron violentistas guerrilleros del MIR, y por ende fueron tomados prisioneros en su momento. El padre del primero desapareció, el padre de Costa sobrevivió ante tal caos.

Es así, que para hacer este trabajo, le piden a don Luis Acosta, el sobreviviente padre de Paulina, y a la viuda madre de Alfredo García, que les colaboren en este trabajo con sus recuerdos.

Este trabajo es una película dentro de otra película, ya que, en base a estos recuerdos y la colaboración de actores, recrean algunos hechos vividos en dicha época.

Lo interesante que se puede rescatar de este trabajo cinematográfico es la honestidad de estos dos adultos al recordar, los planos que le dan les muestra sinceros, y sus silencios son conmovedores. Aunque se entrevista a otros miembros de la familia, no llegan a calar tan hondo como los ya mencionados.

Chile, y como todo país, tiene sus historias, tanto bellas como las terribles, y de esto último Chile tiene muchas, horrorosas violaciones a los Derechos Humanos que jamás hay que olvidar, pero pareciera que todos han olvidado, salvo la década del 70, esa siempre está. No hay más recurso cinematográfico que eso.

Falta más educación histórica para recordar que Chile no comenzó en el 70.

Un trabajo que nuevamente recuerda hechos atroces, de personas que fueron activistas, abatidos en el momento y que su familia revive cada día con mucho dolor.

Nunca hay que olvidar, todo ser humano debe saber dónde están los restos de sus seres queridos, y que merecen justicia. Pero ¿cuál es la idea de llenar de odio a las nuevas generaciones?

Historia cívica y salud mental, dos temas que deben tratarse con suma delicadeza y respeto.

Ficha técnica

Género: Documental
Duración: 89 minutos
Director: Roberto Baeza
Productor: Paulina Costa y Alfredo García
Guión: Alfredo García, Paulina Costa y Roberto Baeza
Reparto: Lucho Costa, Silvia Vera, Alfredo García, Paulina Costa, Felix Villar, Pablo Medina, Claudia Navarrete y Cecilia Muñoz

Punto de Encuentro - Por Carlos Correa Acuña

El objetivo que se plantean Alfredo García y Paulina Costa es recuperar la memoria, reconstruir en conjunto una parte de la historia que sucedió cuando ambos eran bebés recién nacidos. Sus padres se conocieron en una celda de Villa Grimaldi, detenidos y torturados después del Golpe Militar de 1973, y a partir de ese momento, la vida les cambió radicalmente: mientras el padre de Paulina, Luis, sobrevivió, Alfredo sigue desaparecido.

La intención de los cineastas es clara y los pasos que dan son precisos. Lo que no previeron, eso sí, es que el proyecto original de realizar una película de ficción sobre lo acontecido -en base a relatos íntimos de los protagonistas involucrados-, se transformaría en un documental sobre el proceso de filmación y que aquello modificaría por completo el diseño inicial.

Narrado con voces en primera persona, este rehacer lo vivido para producir un cierre, posee mucho sentido. Es distinto conversarlo que vivirlo, muy diferente teorizarlo que hacerlo carne. Un primer atisbo lo entrega la elección de los actores, un meticuloso casting para acercarse a la apariencia que en esos años tenían los protagonistas. Y aunque no podemos saberlo con certeza, quizá es justamente aquello lo que les comienza a mostrar luces que este encuentro, recuerdo y homenaje a sus padres, en especial a Alfredo, adquiere un peso dramático que no pueden detener.

Vemos tristeza en los testimonios que impulsan el relato, mucha emoción al revivir las historias familiares, un sinnúmero de frustraciones y naturalmente la imposibilidad de mostrar cualquier tipo de alegría. Los diálogos son profundamente humanos y las relaciones personales muestran una sensibilidad a flor de piel. Se nota la tensión ambiente, la amargura, y también una tenue luz de esperanza de encontrar en este incierto proceso ese tan anhelado y esquivo cierre.

Las secuencias oscilan entre las recreaciones y el registro de la ficción. Se ve un cruce de estilos, una película dentro de otra, una convergencia muy bien llevada que aprovecha las indefiniciones de género (docu-reality / documental) para revivir, revisitar y observar un pasado aún doloroso y lleno de significados. La intercalación que se produce entre las recreaciones y su visualización por parte de quienes fueron los reales partícipes, genera un efecto especial, es como si se desdoblaran en pantalla. Por momentos es un espejo, en otros se funden, y en otros se separan. Eso permite que, nosotros los espectadores, podamos ingresar a la misma dinámica que estamos presenciando.

Uno de los puntos altos de este relato es la naturalidad y espontaneidad de lo que registra. Estas características permiten darnos cuenta de una experiencia vívida que cala hondo. Es lo que le pasa a los protagonistas, quienes no pueden esconder sus emociones y que por momentos deambulan perdidos a través de un río torrentoso de sentimientos que traspasa la pantalla. Me preguntaba, mientras lo veía, si este ejercicio ayuda o confunde más, si tranquiliza o finalmente es causa de mayor inquietud. Sigo sin estar seguro de la respuesta, incluso con el tiempo que entrega la distancia.

Desde el punto de vista formal, el trabajo del director Roberto Baeza exhibe una excelente calidad de filmación. Destaca una cuidada edición, una continuidad natural, un audio muy claro en todos los registros y una música sencilla en momentos precisos. También es muy buena la fotografía de esos primeros planos que se funden en encuadres interesantes, y un apropiado ritmo en el metraje. Los premios que ha obtenido en diferentes festivales acreditan la buena factura de este filme, que en una hora y media logra enseñar un nuevo testimonio de una época amarga que quisiéramos dejar atrás, pero que parece hacerse cada vez más presente con el paso del tiempo.

Ficha técnica

Género: Documental
Duración: 89 minutos
Director: Roberto Baeza
Productor: Paulina Costa y Alfredo García
Guión: Alfredo García, Paulina Costa y Roberto Baeza
Reparto: Lucho Costa, Silvia Vera, Alfredo García, Paulina Costa, Felix Villar, Pablo Medina, Claudia Navarrete y Cecilia Muñoz
Productora: La Toma Producciones
País de origen: Chile

Premios

MEJOR DIRECCIÓN DE LA COMPETENCIA INTERNACIONAL, Festival Internacional de Cine de Santiago SANFIC, 2022.
MEJOR PELÍCULA DE LA COMPETENCIA DE LARGOMETRAJE NACIONAL, Festival Internacional de Cine AntofaCINE, 2022
PREMIO DEL PÚBLICO y MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO EN LA COMPETENCIA CHILENA DE LARGOMETRAJES, Festival Internacional de Cine de Viña del Mar FICVIÑA 2022.
MEJOR DOCUMENTAL NACIONAL, Festival Internacional de Cine de Rengo, 2022.
PREMIO DEL PÚBLICO, Festival de Cine Chileno FECICH, 2023.

De Vuelta al Deseo - Por Juan Pablo Donoso

Adaptación polaca contemporánea de Fedra, la tragedia clásica de Eurípides (480 a.C.).

Su tema es tan medular en la naturaleza humana que grandes clásicos como Séneca, Racine, Unamuno y otros lo recrearon y, sin duda, otros seguirán haciéndolo. Incluso nuestro compatriota Germán Luco Cruchaga lo abordó con LA VIUDA DE APABLAZA (1928) instaurándola como paradigma de la gran dramaturgia chilena.

Es el eterno drama de la mujer madura que se enamora y seduce a un hombre mucho menor. Al hacerlo, junto con desatar el volcán de su erotismo reprimido, genera en el mundo social que la rodea un terremoto de escándalos, celos y condenas que apuntan a un ineludible final trágico.

Con la estructura clásica de las grandes tragedias, en este filme tenemos a 3 personajes centrales rodeados por secundarios que cumplen las condiciones del Coro griego.

Los principales son Olga (Magdalena Boczarska), una distinguida jueza, viuda, madre de Maja (Katarzyna Sawczuk), muchacha post-adolescente, y Maks (Simone Susinna) un atractivo y joven vividor italiano.

El Destino se encarga de encender la chispa de Eros entre la severa jurisconsulta y el frívolo galán. Mas, la presencia inesperada de Maja, ex novia de Maks, además de celos desencadenará entre la madre y la hija una tormenta de resentimientos acumulados a lo largo de años.

Es difícil hallar un filme polaco de baja calidad. Hay en la elaboración de la trama personajes sólidos y bien motivados. Las actuaciones y el tratamiento cinematográfico revelan siempre una prolija artesanía.

Es por ello que, en este caso, las escenas de intenso erotismo evitan caer en la pornografía crasa, a pesar de ser varias, largas y bastante explícitas. Muy en especial con los desnudos masculinos. En el contexto general del relato hay equilibrio entre la profundidad del dilema de fondo (su hija o el amor) y la crudeza de las secuencias eróticas.

De igual manera los personajes secundarios van cumpliendo su labor de “coreutas”: conociendo, previniendo e impidiendo, en lo posible, un lamentable desenlace. Ahí está Ivo (Janusz Chabior) cordial y prudente colega de Olga; Kamil (Sebastian Fabijanski) leal amigo y compañero de viaje de Maks, y Hanna (Elzbieta Jarosik), madre de Olga y testigo impotente del peligro que intuye.

Si bien esta película, narrada en tono realista, cumple de manera fiel con las leyes dramáticas de la tragedia clásica, es decir, conduce al destino fatal por la “hibris”(exceso) de sus personajes, en este caso nos entrega en la resolución abierta una feliz posibilidad del “deus ex machina”. Un final abierto para que cada espectador proyecte el destino que más le acomode.

Hay incluso en la forma de resolver el conflicto que, evocando la raíz cristiana del pueblo polaco, nos sugiere la alternativa de una feliz redención.

BELLA Y AUDAZ ACTUALIZACIÓN POLACA DE LA TRAGEDIA DE FEDRA.

Ficha técnica

Título Original: Niebo w piekle o Heaven in Hell

2023 Drama, romance Polonia - 2 hrs. 

Fotografía: Bartek Cierlica 

Guion: Tomasz Mandes, Mojca Tirs 

Actores: Magdalena Boczarska, Simone Susinna, Katarzyna Sawczuk 

Director: Tomasz Mandes

Punto de Encuentro - Por Juan Pablo Donoso

Este nuevo drama político familiar chileno aparece justo cuando se conmemoran los 50 años de la caída de la Unidad Popular y la muerte de Salvador Allende.

Es incómodo abordar el tema de esta película. Por un lado está el auténtico dolor de las víctimas del Golpe Militar de 1973 y, por otro, las causas que llevaron al país a semejante circunstancia.

En ningún momento se niega, ni oculta, que los protagonistas y sus familiares eran revolucionarios violentos, integrantes activos del MIR (Movimiento de Izquierda Revolucionaria). Utópicos combatientes de un bando marxista. Y en la batalla fueron abatidos. Los vencedores ejercieron sobre ellos represión, y les aplicaron inhumanos castigos para evitar insurrecciones y venganzas. En síntesis, la eterna dinámica de la Guerra, con vencedores y derrotados. Es inevitable que emerjan los peores instintos de la bestia humana en cualquiera de las dos fracciones.

Alfredo García y Paulina Costa son dos cineastas de edad mediana. Eran muy pequeños cuando sus respectivos padres fueron tomados prisioneros. El de Alfredo desapareció. El de Paulina sobrevivió. Los hijos deciden hacer una película recreando algunos trágicos momentos de esa época.

Para ello le piden a Lucho Costa, anciano padre de Paulina, y a Silvia, la viuda madre de Alfredo, que describan sus recuerdos. Y un grupo de jóvenes actores encarnan a los progenitores.

Más que las secuencias recreadas conmueve presenciar el rostro de los verdaderos personajes durante el rodaje de las escenas reconstruidas. El anciano y la viuda reviven en sus corazones el dolor de esos días.

Asistimos a la ruptura de las familias con hijos aún pequeños, y luego a los momentos de encierro y torturas en Villa Grimaldi.

Como el documental es una película dentro de otra película, Alfredo nos dice: “… con estas imágenes queremos traspasar a la próximas generaciones el dolor que vivimos… de los que sobrevivimos y de los que desaparecieron”.

Obra bien realizada. Con amor, conformidad y respeto. Primeros planos y encuadres compuestos con hermosa plasticidad. Para estilizar los escenarios de encierro, utilizaron el espacio de la sala teatral Agustín Siré del Depto. de Teatro de la U. de Chile, logrando la atmósfera lumínica y espacial que el drama requería.

Los que ya éramos adultos, y vivimos en carne propia el evento histórico, al ver este filme y empatizar con el desgarro amoroso de sus protagonistas, nos asalta una vez más la pregunta que nunca halla respuesta:

¿POR QUÉ LLEGAMOS A SEMEJANTE CONFLICTO Y DOLOR EN UN PAÍS QUE VIVÍA CON RELATIVA NORMALIDAD DEMOCRÁTICA?

UN AGRIDULCE REENCUENTRO DE VÍCTIMAS DE LA UNIDAD POPULAR CON SU PASADO GRACIAS A UNA RECONSTRUCCIÓN FÍLMICA DE SUS DESCENDIENTES.

Ficha técnica

Documental - 2022 Chile - 1,30 hrs. 

Fotografía: Felipe Bello, Alejandro Carrasco 

Edición: Carlos Dittborn 

Música: Ricardo Santander 

Dirección de Arte: Francisca Román 

Guion: Alfredo García, Roberto Baeza, Paulina Costa 

Actores: Cecilia Muñoz, Claudia Navarrete 

Director: Roberto Baeza Rogers

Sueños - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Película compuesta de ocho historias. Son ensoñaciones dispersas, independientes, pero engarzadas entre sí por deseos, angustias y añoranzas. La historia de Yo, desde su infancia hasta su vejez, sirve para mostrar las relaciones del hombre con el mundo, el arte, la espiritualidad, la muerte. Los ocho relatos (extraídos de sueños de Kurosawa) reflejan lo cambios experimentados por Japón a lo largo de un siglo.

Es un recorrido interno por lo más profundo del espíritu y con la mayoría de las vivencias que le reclaman al mundo en el que vive, su propio nacimiento, desarrollo y muerte a través de una cultura que lo acoge o lo margina.

El mundo onírico que se expresa a través de ese inconsciente que se ensueña en la búsqueda de salidas para resolver aquellos conflicto que tenemos, pero que no nos atrevemos a enfrentar sus fantasmas y sombras por diversas razones, sean estos miedos, culpas o deseos inconfesables. Tarde o temprano debemos hacernos cargo de los errores que cometemos en ese caminar y de esa forma perdonarnos a nosotros mismos; para eso se necesita coraje, para llegar a lo más profundo.

Kurozawa, en su madurez, nos invita hacer su propio recorrido, a lo mejor para mirarnos en el espejo, pues el espíritu humano no importa en qué cultura se encuentre, hay un nexo que nos conecta y es nuestra humanidad.

Hacemos un recorrido por ocho breves historias que se plasman en: en la inocencia de la niñez, las herencias culturales, las guerras, nuestros vínculos con la naturaleza (contaminación), y algo tan humano como el amor, el egoísmo, y la muerte; en otras palabras, con todo el devenir humano.

Más que recomendable filme con protagonistas insospechados y qué podría salir con Kurosawa y Spielberg de productor, entre otros.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Título original: Yume (Dreams) (Akira Kurosawa's Dreams)

Año: 1990.

Duración: 120 minutos

País: Japón

Dirección: Akira Kurosawa

Guion: Akira Kurosawa

Música: Shinichirô Ikebe

Fotografía: Takao Saito

Reparto: Martin Scorsese, Akira Terao, Mitsuko Baisho, Mieko Harada, Toshie Negishi, Mitsunori Isaki, Toshihiko Nakano, Yoshitaka Zushi, Hisashi Igawa, Chosuke Ikariya, Chishu Ryu.

Productora: Coproducción Japón-Estados Unidos;

Distribuidora: Warner Bros.

Género: Fantástico. Drama | Realismo mágico. Holocausto nuclear. Pintura.

Alis - Por Jackie O.

"Todos tenemos algo que contar".

Con una aproximación delicada e intimista a sus protagonistas, “Alis” se instala en La Arcadia, un internado público en la ciudad de Bogotá, para conocer los testimonios de diez chicas que han sido abandonadas por su familia. Los cineastas les proponen un juego: la invención de la historia de Alis, una amiga invisible que no existe en el plano real, pero que ellas harán vivir son su imaginación en un proceso colectivo.

Recuerdo haber visto este documental cuando fui jurado en categoría internacional en Sanfic 2022, para Signis. Y este trabajo, se podría decir que sacó nuestro segundo lugar (pero no hubo premiación, ya que solo se podía elegir una), un trabajo que fue discutido.

En este documental vemos un internado de chicas preadolescentes, que han sido víctimas del desamparo de la sociedad, y principalmente de su familia.
Cuidadas y dándoles una visión diferente de la vida para poder reinsertarlas en la sociedad, que los prejuicios que llevamos todos como seres humanos, se vayan, que las etnias, orientaciones de sexualidad,  religiosas y/o económicas, no sean un obstáculo para conocer,  interactuar y dar oportunidades, se avanza.

Vemos a un grupo de niñas que interactúa con la cámara, con nosotros, es solo un juego, un experimento: inventemos a una amiga, ¿cómo sería esta nueva chica que llega al lugar?
Cada niña, tímidamente, va dando algunos datos de como se imaginan a esta nueva integrante, pero en cada minuto van entrando más en confianza y nos dan más detalles de ellas. Ya tiene una vida.

Temas como la identidad sexual, el amor, las drogas, las carencias afectivas, la soledad, los miedos y los traumas van saliendo, Alis es una excusa para hablar de ellas mismas, o para imaginar esa vida que se quiso. Son sueños, sueños tal vez perdidos, y/o tal vez aún se puedan realizar.

Un trabajo que involucra no solo ha estas chicas que traspasan su imaginación de forma honesta, sino que como espectador nos conmovemos ante tanta sinceridad que brota de estas muchachas, y porque nosotros también podríamos hacer un ejercicio así, y sorprendernos.

Detenernos a escuchar, a mirar nuestro alrededor, en prestar atención no solo a otros, escucharnos principalmente nosotros, pues tenemos de seguro mucho que contar, y así ayudar para una buena integración.

Ficha técnica

Género: Documental

Año: 2022
Duración: 84 minutos
Director: Nicolas Van Hemelryck y Clare Weiskopf
Productora asociada: Lise Lense-Moller
Productora: Casatarántula (Colombia)
Coproductora: Pantalla Cines SPA (Chile)
País de origen: Chile y Colombia

Soy Niño - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: A los 12 años, Andrea decide convertirse en David y hace un pacto con su prima cineasta para hacer una película juntos. Durante seis años, Lorena sigue de cerca sus avatares íntimos, sus amistades, sus amores y sus dificultades. Un retrato sensible de un cuerpo en transición, en el seno de una familia que se abre poco a poco en una sociedad todavía conservadora.

Con guion y dirección de Lorena Zilleruelo, este documental es un trabajo transparente que no oculta la admiración que tiene la cineasta por su primo, quien, a través de un testimonio valiente y honesto, transmite una valiosa experiencia de apertura y transformación.

Al comienzo vemos a la joven Andrea en imágenes caseras captadas por su familia. Pero no está cómoda; tiene cuerpo de mujer pero en realidad se siente un hombre. No le gusta su cuerpo, no lo acepta, se encuentra como en una cápsula y además no le entienden. En muchas ocasiones y situaciones cede para no tener problemas pero ya está harto de aquello. Cuando decide anunciar el cambio, a la familia primero, y luego a su entorno más cercano, aún no dimensiona el largo camino que deberá recorrer. Si hasta aquí todo ha sido tortuoso, lo que se avecina es aún más difícil y doloroso, incluso físicamente producto de los tratamientos hormonales.

“Ser quien sientes ser” es una frase clave que David -su nuevo nombre de transición-, expresa con total convicción. Son notorios los avances cada vez que la cineasta regresa a Chile para filmarlo, una vez al año, a través de lo cotidiano, en su día a día, en encuentros y conversaciones con su familia, con sus amigos y compañeros.

David es “trans”, una palabra que es transversal respecto a la diferencia que existe entre personas transgéneros -cuya identidad no concuerda con su corporalidad- y transexuales -aquellas que mediante una operación hacen cambios en su cuerpo-. Es decidor cuando David señala que a veces se olvida que es trans y se siente como una persona normal, es decir como cualquier otra, esa tan anhelada libertad que poco a poco se va haciendo realidad.

El registro anual de las imágenes da cuenta del paso del tiempo, y también de las dificultades crecientes que debe enfrentar David, entre ellas el alto valor de una operación para reconstruir sus mamas, imposible de costear por su familia. Allí se encuentra con un nudo importante, pues debe buscar otros caminos, lo que también debe hacer respecto al marco legal que regula la identidad de género, que en ese momento aún no existe en el país. Observamos ese paso, ese proceso, ese tránsito, duro, difícil, con éxitos y frustraciones, pero siempre con perseverancia y consistencia, con el creciente apoyo de una familia que, con amor, va comprendiendo y variando sus conductas.

“Soy niño” representa una voz autorizada, gracias a la cercanía e intimidad que nos devela. El testimonio de Bastián -cuando cumple 18 años decide su nuevo nombre y puede concretar, al fin, el cambio registral-, conmueve. Ver cómo se refugia en su familia, en su pareja, y observar cómo encuentra el cariño y el amor, capta de inmediato nuestra empatía. Esto no es casualidad, es fruto de su elección, una decisión compleja e incierta al principio, pero que el tiempo se encarga de ratificar.

Es innegable el mérito de Lorena Zilleruelo para captar y luego comunicar esta historia, y sobre todo el coraje de Bastián para abrir su corazón, superar todo tipo de obstáculos sociales y también económicos, no rendirse en su búsqueda de reafirmar su identidad, y soñar con un futuro mejor, diverso, tolerante e inclusivo.

Ficha técnica

“Soy niño”
Año: 2022
Duración: 62 minutos
País: Chile
Guion: Lorena Zilleruelo
Producción: Elisa Sepúlveda Ruddoff, Quentin Laurent, Amalric de Pontcharra, Eric Dufour.
Compañías: Coproducción Chile-Francia; Capicua Films, Les Films de l'oeil sauvage
Dirección: Lorena Zilleruelo

Premios
Película Ganadora de la Competencia Internacional de Largometrajes de Espacio Queer, Argentina, 2022
Mejor Documental MOVILH, Chile, 2022
Premio del Jurado Seattle Queer Film Festival, Estados Unidos, 2022
Película Ganadora Divergenti Film Festival, Italia, 2022

Sangre de mi sangre - Por Jackie O.

“Siempre es tiempo...”

Sinopsis: John Link, un antiguo convicto que ha superado sus problemas con la justicia y el alcohol, se ve obligado a volver a la acción cuando su hija es acusada de haberle robado a una banda de narcotraficantes, y empiezan a perseguirla.

Conocemos a Lydia, una adolescente enamorada de un delincuente mayor que ella, Jonah, en donde Lydia debe demostrar su amor a este sujeto, matando a unos inquilinos que robaron parte de una mercadería a Jonah. Pero todo sale mal, cuando Lydia producto de los nervios le dispara a su novio. Creyéndolo muerto huye del lugar, siendo perseguida por el resto de la banda. 

Desesperada debe recurrir a quien no quería: su padre, un ex-convicto que está con libertad condicional trabajando desde su hogar, tatuador, y buscando a su hija, pues esta es muy rebelde y había huido de la casa de su madre. Pero esta llamada le devolvió la tranquilidad y va en su búsqueda. Al encontrarse, esta chica le miente para no informarle de los líos en los que está, pero su padre lo sabe de inmediato, ella está siguiendo sus pasos en delitos y drogas. Pero logra llevarla a su remolque hasta buscar una salida, pero Lydia es perseguida por estos maleantes y llegan a atacarla a la casa rodante hasta el punto de destrozarla (tipo escena en arma mortal), pero estos maleantes no contaban que los vecinos del sector y amigos de John, irían en su rescate.

De a poco Lydia va soltándose con su padre, y a contarle la verdad de porque es perseguida y su relación con este grupo de maleantes; y en contra de lo que la ley le está exigiendo a John y en especial su amigo Kirby quien lo orienta, John comienza a averiguar quién es Jonah involucrándose más de la cuenta, pero es la idea, que lo persigan a él y no a su hija.

John y su hija van de un lugar a otro ocultándose, y buscando formas de salir de este embrollo, por lo que va donde un ex amigo, un viejo loco quien en un principio le presta ayuda pero después lo traiciona, ahí John se equipara con armas, pero además hace una visita a la cárcel donde un antiguo amigo, para efectuar sus averiguaciones sobre Jonah, enterándose de datos que le van a ayudar mucho para sacar a su hija del camino.

Persecuciones van y vienen, disparos, explosiones y muertes son la tónica de esta película de mucha acción, con buenas coreografías en las peleas, y aunque es totalmente predecible, e incluso olvidable, Mel Gibson le otorga la solidez y es quien mantiene la historia a flote, sin desmerecer el aporte de Diego Luna, como un buen antagonista y a William Macy, con un pequeño rol secundario desperdiciado, pero de igual forma da gusto ver.

Respecto a Erin Moriarty, como la adolescente hija, y sabiendo que hoy en día las adolescentes demuestran más edad de la que tienen, bajo ningún punto de vista es creíble que Erin tenga 16 años. Aquí la actriz fue mal escogida, además no otorga credibilidad en algunas escenas.

Cinta que nos trae una típica película de estilo noventero, del padre que salva a la hija, de saber quién es el héroe y el antagonista, donde no solo vemos persecuciones, sino que cuán es importante perdonar a los familiares, y tal vez no con un fin de reconciliarse y tomar el té todos los fines de semanas, es más por un tema de salud mental, de dejar fluir pues el odio daña internamente sin tener una salida positiva en su momento. De saber avanzar, y en especial, que las drogas no llevan a ningún lado bueno, solo perjudica a quien las consume y su entorno gravemente.

Disponible en Netflix, y en arriendo en Google play.

Ficha técnica

Blood Father

Dirección: Jean-François Richet

Guion: Peter Craig y Andrea Berloff

Basada en Blood Father  de Peter Craig

Música: Sven Faulconer

Fotografía: Robert Gantz

Montaje: Steven Rosenblum

País: Francia
Año: 2016

Género: Suspenso y acción

Duración: 88 minutos

Protagonistas: Mel Gibson, Erin Moriarty, Diego Luna, Michael Parks, William H. Macy

Minamata - Por Jackie O.

"Luchas que valen la pena pelear"

Sinopsis: Nueva York, 1971. Tras sus celebrados días como uno de los fotoperiodistas más venerados de la II Guerra Mundial, W. Eugene Smith se siente desconectado de la sociedad y de su carrera. Y producto de un reportaje viaja a la ciudad costera japonesa de Minamata, cuya población ha sido devastada por el envenenamiento por mercurio, resultado de décadas de negligencia industrial. Ahí Smith, se sumerge en la comunidad y sus imágenes le dan al desastre una dimensión humana desgarradora.

Johnny Depp, uno de los grandes actores de su generación, no solo se sumerge en el personaje con pasión, se impregna totalmente con la historia, siendo además su productor, pues es una historia que debía contarse.

Hay historias basadas en hechos reales necesarias de contar, pero no contarlas porque sí, sino que darle el tratamiento artístico adecuado, y acá nos lo entrega.
Es un drama desgarrador, de algo que sucede en muchos rincones del mundo, la contaminación y los efectos que provoca en los seres humanos. Acá es el turno del Mercurio, de cómo una empresa arroja miles de miles de desechos con este tóxico metal al agua; agua que es fuente vital en este pequeño pueblo, que llevan años en esto, y nadie a hecho nada. Los niños nacen deformes o con deficiencias cognitivas graves, y en los adultos también se van viendo los efectos de este envenenamiento.

Smith, este fotógrafo que vive la decadencia de un pasado que fue, que ahora nada le importa, y que cuando golpea a su puerta una pareja con cierto engaño para captar su atención; se resiste, hasta que ganan su mente y corazón con los hechos brutales en Minamata. Este le propone a su "jefe" (encargado revista Life) que lo patrocine para ir, discusiones van y vienen hasta que va, por supuesto. Lo acompaña una joven dulce pero a la vez fuerte mujer, que de a poco lo va cautivando.

En dicho lugar interactúa de a poco, sin querer mucho en un comienzo, con la gente del pueblo, investiga, hace su trabajo, donde por supuesto se encontrará con obstáculos, pues está detrás de esto una gran fuerza económica que no permitirá que un extraño se inmiscuya en su negocio.

Ambientada en 1971, con vestuario y maquillaje bien logrado, una buena puesta en escena, y con una cuidadosa fotografía que le hace honor a su protagonista, vamos conociendo la historia que embarga a esta humilde población, los brutales efectos del envenenamiento, sus justas protestas, y la frialdad de un conglomerado.

El reparto fue muy bien escogido, pues vemos a rostros muy conocidos que le dan aún mayor peso a esta historia, como Bill Nighy, Minami, Hiroyuki Sanada, hacen una historia creíble, es brutal, es conmovedora, es necesaria ver.
La música es otro protagonista, a cargo de un grande que nos dejó hace unos días , Ryūichi Sakamoto, nos va emocionando en cada minuto.

Al finalizar, nos hará un pequeño resumen de que sucedió con este hecho, algunas fotografías de ellos y de otros desastres provocados por el mayor depredador existente: el hombre.

Una trama que bien vale la pena ver.

Ficha técnica

Dirección: Andrew Levitas
Guion: David Kessler
Fotografía: Benoît Delhomme
Montaje: Nathan Nugent
País: EEUU, Reino Unido
Año: 2020
Género: Drama
Duración: 115 minutos
Idioma(s): Japonés e Inglés