jueves, 30 de mayo de 2019

Rocketman - Por Juan Pablo Donoso

Un exuberante panegírico, producido por Elton John, para ensalzarse nuevamente a sí mismo.

¿Qué pretende esta película? ¿Qué admiremos la música de Elton John? Lo logra plenamente. ¿Qué conozcamos parte de su vida y trayectoria? Más o menos. ¿Qué compadezcamos al “pobrecito” Elton John? Imposible. ¿Con qué nos quedamos entonces, al final? Con una superproducción de fantasía, semi-biográfica, muy fastuosa, bien dirigida y editada, con un excelente actor protagónico (Tori Egerton), y una colección de bella canciones y coreografías. Además de una incontable cantidad de anteojos psicodélicos y vestuarios extravagantes.

Es imposible compadecer a un individuo que desde niño fue pianista prodigio, se hizo multimillonario, se llenó de fama, fue hétero y ostentosamente homosexual, alcohólico, y adicto a “todas las drogas existentes” según propia confesión.

¡Qué distinto a otras estrellas, también millonarias e idolatradas, cuyas vidas terminaron patéticamente aplastadas por la fama! Baste mencionar a Elvis Presley, Liberace, Freddie Mercury, Marilyn Monroe, Kurt Cobain, Jim Morrison, Jimmy Hendrix, Amy Winehouse, Judy Garland y tantas más.

Cuando, al cabo de algunos años, Sir Elton empezó a cansarse con tanto éxito, desenfreno y fortuna, decidió quejarse de soledad, recordar la tibieza afectiva de sus padres (menos de su abuela), carencia de amor estable, y rehabilitarse de los vicios. Contrajo matrimonio con otro señor, David Furnish (también productor de la cinta), quiso adoptar hijos, crear una Fundación contra el Sida, y ser un ostentoso benefactor público.

Hasta ahí con la prominencia del personaje central.

Y con respecto a la película, es un espectáculo rutilante, fluido, con actores y actrices muy bien seleccionados - en especial Tori Egerton - y la dirección virtuosa de Dexter Fletcher, que ya nos deleitó con Bohemian Rhapsody.

Creemos necesario separar el fondo y la forma de esta película. Es muy fácil confundir la brillante realización audiovisual, y la entusiasta entrega de sus actores, con el forzado patetismo que pretenden darle a la vida de un artista tan bendecido por los dioses del talento y la fortuna. Y de lo cual sigue usufructuando.

FANTASIOSA BIOGRAFÍA MUSICAL PARA SEGUIR ENDIOSANDO EL EGO DEL “POBRECITO” SIR ELTON JOHN

Ficha técnica

Fantasía biográfica y musical
EE.UU.- Inglaterra - 2, 01 hrs.
Fotografía: George Richmond
Edición: Chris Dickens
Música: Matthew Margeson
Diseño Prod.: Peter Francis, Marcus Rowland Guion: Lee Hall 
Actores: Taron Egerton, Richard Madden, Bryce Dallas Howard 
Director: Dexter Fletcher

Godzilla 2: el Rey de los Monstruos - Por Juan Pablo Donoso

Resultará abrumadora hasta para los más fanáticos seguidores de la saga de Godzilla, Mothra, Rodan, Ghidorah, etc. Más aún si la ven en IMAX.

Como es una secuela, queda claro que los humanos principales son una familia que, en la precuela anterior perdió a un hijo, Andrew. Y ahora sólo tienen a la adolescente Madison para acompañarlos en la nueva cadena de colosales peripecias.

En este capítulo rebrotan los mitológicos Titanes prehistóricos que supuestamente yacían exterminados en el fondo de la Tierra. Y el grueso de la acción serán los interminables intentos de fuerzas militares y aéreas por evitar que destruyan el planeta y, principalmente, por los combates de estas gigantescas criaturas entre sí.

El tema plantea la disyuntiva de dejar que estos monstruos vuelvan a vivir en el mundo por motivos ecológicos - ya que los humanos sólo han traído guerras y destrucción - versus los codiciosos que desean llegar a poseerlos como aliados para dominar al mundo.

Es así como Emma (Vera Farmiga), la esposa científica, crea un dispositivo llamado ARCO, que permitirá renacer a los monstruos y recuperar el equilibrio de la naturaleza. Pero deberá enfrentarse - por un lado - a los riesgos de revivir criaturas tan salvajes y, por otro, a la ambición de los grupos terroristas que, junto con secuestrarla a ella y a su hijita, intentan arrebatarle la maquinita resucitadora.

El resto son errores tras errores, canalladas, accidentes fatales, cataclismos telúricos y, finalmente, cuando ya los recursos militares son inútiles, ocurre el gran combate final entre los Titanes gigantescos. Será aquí donde Godzilla, el antiguo leviatán japonés, se enfrentará al feroz Ghidorah de 3 cabezas que parece invencible en su ferocidad.

Después de los créditos finales, hay una breve escena donde el codicioso Jonah Alan (Charles Dance) nos anuncia su fechoría para la secuela siguiente.

Se agradecen los poquísimos momentos de silencio, con breves diálogos explicativos, para descansar los oídos del constante estruendo de contiendas. Desfilan muchos actores conocidos en roles de científicos, almirantes y sabios orientales. Y Kyle Chandler, como Mark Russell, es el héroe constante que pivotea la trama de cada una de las secuelas.

NOTABLES EFECTOS ESPECIALES EN UNA EPOPEYA COLOSAL PARA LA QUE SE REQUIEREN TÍMPANOS DE ACERO. RECOMENDAMOS IR PREPARADOS.

Ficha técnica


Acción, aventuras, fantasía Warner Bros. EE.UU. - 2,11 hrs. 
Fotografía: Lawrence Sher 
Edición: Roger Barton, Bob Ducsay y Richard Pearson 
Música: Bear McCreary 
Diseño Prod.: Scott Chambliss 
Guion: Michael Dougherty, Zach Shields 
Actores: Kyle Chandler, Vera Farmiga, Millie Bobby Brown 
Director: Michael Dougherty

martes, 28 de mayo de 2019

1945 - Por Carlos Correa

12 de agosto de 1945. Estados Unidos ha dejado caer la segunda bomba atómica sobre Japón y se percibe cercano el fin de la guerra. Una calurosa mañana en un pueblo húngaro que se prepara para celebrar una boda es el escenario de esta cinta de Ferenc Török que desde sus primeros segundos presenta una atmósfera que cautiva y captura de inmediato nuestra atención.

La boda es del hijo del alcalde, István -Péter Rudolf-, que también es el dueño de la Farmacia, o sea, un hombre con poder en la villa. El ánimo de celebración se ve amenazado por un hecho inesperado. A la estación de trenes llegan dos judíos ortodoxos que despiertan las más variadas reacciones y sorpresas en los soldados que les ven llegar y quieren advertirlo a los lugareños, y en los habitantes del pueblo que lentamente van sabiendo de esta visita. Ambos parecen padre e hijo, un es mayor y el otro un adulto joven. Prácticamente no hablan, traen dos grandes baúles que piden que sean transportados en una carreta a la que no se suben; caminan solemnemente detrás de ella durante un extenso recorrido.

Török filma un relato lleno de tensión interior. Los dos extraños producen un verdadero caos a su llegada. El pasado sale a relucir, hay cuentas pendientes, culpas, traición, codicia. La familia dueña original de la Farmacia fue denunciada y por ello el negocio pasó a manos del actual propietario. Así vamos conociendo diversos hechos que en su momento significaron que los habitantes judíos del pueblo se sumaran a los millones de muertos producto del holocausto. Nadie imaginaba que alguna vez alguno volvería y este regreso inminente los llena de preocupación, los dolores vuelven a aflorar y lo no resuelto les carcome por dentro.

Con una fotografía bellísima realizada por Elemér Ragályi en un matizado blanco y negro, la película es una joya gracias a un guion que sin apurarse no deja afuera ningún elemento importante. Trata a sus protagonistas con espacio y además construye a los personajes secundarios con mucho cuidado y profundidad. La banda sonora colabora en la generación del clima adecuado para la historia, nos transporta a la época y agrega toques de inquietud cuando las imágenes ya nos han dejado contemplativos.

Ganadora de varios premios, 1945 es un bocado delicioso que se debe disfrutar lentamente, sin premura y sin compromisos. Cada detalle y cada escena tiene un valor por sí misma en la construcción de una tensión dramática que por momentos pone los pelos de punta. No es solo el feroz holocausto, son además todas las consecuencias físicas y emocionales, todo aquello que la guerra inunda, derriba y destruye. Son miles y millones de seres humanos que vieron cómo la historia cambió para siempre -incluyendo a quienes entregaron su vida- y cuyas heridas imperecederas quedarán marcadas a fuego por generaciones y generaciones.

Ficha técnica

Título original: 1945
Año: 2017
Duración: 91 minutos
País: Hungría
Guion: Gábor T. Szántó, Ferenc Török
Música: Tibor Szemzö
Fotografía: Elemér Ragályi (B&W)
Reparto: Péter Rudolf, Tamás Szabó Kimmel, Dóra Sztarenki, Bence Tasnádi, Ági Szirtes, József Szarvas, Eszter Nagy-Kálózy, Iván Angelus
Productora: Katapult Film
Género: Drama | II Guerra Mundial. Holocausto
Dirección: Ferenc Török

lunes, 27 de mayo de 2019

1945 - Por Jackie O.

“Cuando la culpa y el miedo hacen relucir las miserias del ser humano”.

“SINOPSIS: Agosto de 1945, y los habitantes de un pueblo se preparan para una boda. Mientras, dos judíos ortodoxos llegan a la estación de tren del pueblo con unas misteriosas cajas. El funcionario del ayuntamiento teme que sean herederos de los judíos que echaron del pueblo y espera que reclamen las propiedades que les fueron arrebatadas injustamente, propiedades que habían perdido durante la Segunda Guerra Mundial."

12 de agosto de 1945, en un tranquilo pueblito de Hungría podemos ver a unidos, felices y trabajadores habitantes, quienes se preparan para una fiesta. Se ve constantemente deambular un carro ruso, que nos sitúa en los cambios políticos de la época. Todo comienza a las 11:00 A.M. y terminará un par de horas más tardes.

Fedenc Torok nos trae una historia post guerra, donde los adultos de este pueblo no tienen nada de noble, humildes ni inocentes. Pues en su pasado cometieron faltas graves que, confabulados entre todos ocultan.

Es una película que tiene el tiempo correcto para contarnos que hace cada uno de estos seres, así como para saber que sucede con estos judíos que tanto atemorizan al pueblo.

La culpa de saber que no actuaste bien y eso dañó a otros carcome a algunos, a otros los enloquece, otros enmudecen, pero nadie está indiferente. Es un fantasma que ha vuelto.

Quien está a la cabeza de todo esto es el Alcalde, István, y hace lo posible para que todo esté como hasta ahora. Pero nadie se libra: curas, maestros, autoridades, todos están implicados.

Solo los hijos de estos adultos, desconocen la procedencia de su tranquila y buena situación. Pero para algunos será algo insoportable saber la verdad.

La puesta en escena es simple pero correcta, pues te lleva a dicha época con su vestuario, decoración… con todo.

Planos generales que nos sitúan en los espacios que quiere mostrar, y primeros planos que se posa en aquellas expresiones dándole una carga emocional potente. Con una estética elegante. Un efecto de sonido envolvente, pues cada trote del caballo, canto de un ave, pedalear de bicicleta, está acompañado de una música justa que hace que se sienta una tensión. La misma tensión de estos habitantes ante la llegada de “estos intrusos”.

Un guion simple, pero que queda muy en claro los efectos de la codicia, falta de honor, desamores, miedo, remordimiento, xenofobia, culpa y perdón. Todo en un lapso de unas horas.

Que el director mantuviera el idioma original, le da otro toque muy interesante.

¿Era necesario mostrarla en blanco y negro? no lo sé. Pero quedó maravillosa su fotografía a cargo de Elemer Ragalyi.

Los invito a disfrutar del cine arte. Una recomendable película europea.

Ficha técnica

Dirección: FERENC TÖRÖK
Reparto: Péter Rudolf , Bence Tasnádi Tamás Szabó Kimmel Dóra Sztarenki , Ági Szirtes, József Szarvas, Eszter Nagy-Kálózy Iván Angelus , Marcell Nagy , István Znamenák Sándor Terhes
País: Hungría. Blanco y negro. Género: Drama Año: 2017 91 min.

Premios y Festivales:
Festival de Cine Judío de San Francisco 2017 Premio de la Crítica
Premio del Público a la Mejor Película
Festival de Cine Judío de Miami 2017 Premio del Público a la Mejor Película
Festival de Cine Judío de Washington 2017 Premio del Público
Festival de Cine Judío de Chattanooga 2017 Premio del Público
Festival de Cine de Jerusalén 2017
Otros.

domingo, 26 de mayo de 2019

Aladdin - Por Carlos Correa

La esperada nueva versión de Aladdin ha llegado a la pantalla grande. Esta vez se trata de una cinta con actores de carne y hueso que recrea casi al pié de la letra la propuesta original de Walt Disney Pictures. Aladdin -Mena Massoud- es un ágil y hábil ladrón que vive en la ciudad de Agrabah y que se enamora de la Princesa Jasmín -Naomi Scott-, la hija del Sultán. La conoce por casualidad porque la Princesa ha salido a recorrer de incógnito para tener una visión de primera fuente sobre cómo vive su pueblo.

El problema es que Aladdin no sabe cómo podría conquistar a la bella joven por lo que la propuesta de Jafar -Marwan Kenzari-, el visir real del sultán, de conseguir una misteriosa lámpara mágica en una caverna a cambio de riqueza lo entusiasma de sobremanera y emprende por ello a aventura. Allí encuentra una inesperada sorpresa: un genio azul -Will Smith- sale de la lámpara y graciosamente le explica que puede pedir tres deseos que le serán hechos realidad.

En este remake, las canciones, la banda sonora, las coreografías y los efectos funcionan muy bien. Es cierto que Will Smith se roba la escena porque está magnífico, cómico y preciso. Sin embargo los dos jóvenes protagonistas también hacen lo suyo, traslucen un carisma y una química que los hace muy cercanos y amenos.

La cinta presenta varias temáticas que son propias del relato basado en el cuento de hadas árabe de “Las mil y una noches”. Por un lado la sucesión del Sultán, un machismo explícito que reduce a la mujer como una simple acompañante por lo que la búsqueda de marido para la princesa se transforma en un objetivo poderoso. Las burlas sobre el tema, al menos, permiten que tome protagonismo el papel de la joven que quiere ser ella quien posteriormente asuma la responsabilidad por lo que tiene que ganar un espacio que parece imposible a la luz de las estrictas tradiciones.

La separación realeza-súbditos, el cruce de las fronteras entre ellos, la ambición, la envidia, la tentación y el engaño, son temas que están transversalmente presentes. En contraposición, la humildad, la sobrevivencia del día a día, la lealtad y el genuino reconocimiento, son valores que se relevan al ser destacados en el formato de fábula con que la historia se compromete.

La moraleja es clara. Prima la honestidad por sobre el engaño, el ser verdadero y no quien se representa ser. Así, el descubrir a la persona verdadera, a pesar de los prejuicios y discriminaciones, se transforma en un valor esencial. La renuncia y la generosidad son retribuidas pues la aspiración sin mentiras y sin disfraces genera apertura y vínculo.

Una mención especial a la famosa canción de Aladdin. Acostumbrados a escucharla como “un mundo ideal”, hoy día resuena y hace mucho más sentido su texto original -A whole new world, a new fantastic point of view- que menciona algo diferente: “todo un mundo nuevo, un nuevo y fantástico punto de vista”. Esto es mucho más adecuado a nuestros tiempos de diversidad donde caemos en la generalización y todo aquello que se aleja de lo “políticamente correcto” muchas veces no es respetado y por ello descalificado. Un mundo nuevo no es necesariamente un mundo ideal, sin embargo al menos es el primer paso para intentar cambiar las realidades actuales que nos dividen y que son las grandes causas de los graves problemas del mundo actual.
Ficha técnica

Título original: Aladdin
Año: 2019
Duración: 128 min.
País: Estados Unidos
Guion: John August, Guy Ritchie (Remake: Ron Clements, Ted Elliott, John Musker, Terry Rossio)
Música: Alan Menken
Fotografía: Alan Stewart
Reparto: Mena Massoud, Naomi Scott, Will Smith, Chico Kenzari, Billy Magnussen, Nasim Pedrad, Numan Acar, Navid Negahban, Amir Boutrous, Jordan A. Nash, Taliyah Blair, Aubrey Lin, Omari Bernard, Buckso Dhillon-Woolley, Maya Saroya, Amer Chadha-Patel, Stefan Kalipha, Nina Wadia, Amed Hashimi, Frank Welker
Productora: Walt Disney Pictures / Lin Pictures / Marc Platt Productions / Rideback / Hurwitz Creative. Distribuida por Walt Disney Studios Motion Pictures
Género: Fantástico. Musical. Romance. Aventuras | Remake
Grupos: Remakes de Clásicos de Disney | Aladdin (Disney) Novedad
Dirección: Guy Ritchie

1945 - Por Juan Pablo Donoso

Punzante testimonio de cómo el peso de la conciencia, y el remordimiento, pudo enloquecer a casi todos los habitantes de una aldea húngara rural.

Sucede en menos de un día: el 12 de agosto de 1945. Alemania acaba de rendirse. Todavía pululan soldados soviéticos por la región.

Se hacen los preparativos para el matrimonio del hijo del alcalde. Pero el ambiente de alegría y fiesta se congela con una noticia inesperada.

A la estación llegan dos judíos ortodoxos, sobrevivientes del holocausto: un anciano y su hijo adulto. Traen cajones de madera cerrados para llevar al pueblo. Se apellidan Herman.

¿A qué vienen estos judíos desconocidos? ¿Quieren recuperar propiedades confiscadas?

Cunde el pánico general. Durante la guerra, los nazis apresaron a una familia Pollak cuya farmacia pasó a manos del ahora alcalde. Los delatores de aquellos comerciantes fueron los mismos habitantes de la comarca. Suponían que nunca iban a regresar, que serían exterminados.

Por ser “sabbath”, padre e hijo hebreos van silenciosos, de a pie, tras la carreta desde la estación hasta el pueblo.

Todos, incluso el cura párroco, se sienten culpables, temen perder lo expropiado, y les remuerde la conciencia.

Poco a poco, van emergiendo terribles secretos de traición, engaño y cobardía. Se agitan las relaciones entre los habitantes que se culpan mutuamente. Mientras, los visitantes sólo actúan por presencia al avanzar en silencio por las calles rumbo al cementerio.

La sola marcha digna, y muda, de estos dos forasteros desató la debacle espiritual de aquella comunidad dejando consecuencias irremediables.

La inesperada nobleza con que culmina este pandemónium demuestra que las opciones humanitarias, la memoria y la moral son importantes. Que el egoísmo y la complicidad política llevan a la desintegración social. Como escribió C.S.Lewis, lo único que salva a la humanidad de la cadena interminable de venganzas es el perdón.

Fotografía de Elemér Ragályi en bellísimo blanco y negro para evocar los grandes filmes de los años 60. Admirable conjunción de actores principales y secundarios, en un guion sutil y ascendente, bajo la dirección inspirada de Ferenc Török (Estambul 2011 - Plaza de Moscú 2001).

FASCINANTE RELATO EN QUE LA DIGNIDAD Y LA NOBLEZA SE CONTRAPONEN A LA TRAICIÓN Y A LA CODICIA.

Ficha técnica

Drama bélico y social Arcadia Films Hungría - 1,31hrs. 
Fotografía: Elemér Ragályi 
Edición: Béla Barsi 
Música: Tibor Szemzö 
Diseño Prod.: László Rajk Guion: Gábor T. Szántó, Ferenc Török 
Actores: Péter Rudolf, Bence Tasnádi, Tamás Szabó Kimmel 
Director: Ferenc Török

jueves, 23 de mayo de 2019

El Cuento de las Comadrejas - Por Juan Pablo Donoso

Comedia negra argentina lograda en todo sentido, hasta el último fotograma.

Otro aplauso para el guionista y director Juan José Campanella (El Secreto de sus Ojos 2009 - Luna de Avellaneda 2004, entre varias anteriores).

Un banquete de montaje, inteligencia narrativa y talento actoral.

Lejana evocación de Sunset Boulevard 1951 (El Ocaso de una Vida con Gloria Swanson) y el tradicional cuento alemán Los Pobres Músicos de Bremen.

Cuatro viejas y olvidadas glorias del cine habitan la mansión de Mara Ordaz (Graciela Borges), una estrella de los años 40 y 50 en Argentina. Es un palacete rural ubicado en las afueras de Buenos Aires. Está viejo y descuidado, al igual que el campo que lo rodea. Pero conserva su ambiente refinado y señorial.

Ella es una diva anciana que vive de sus recuerdos, resistiéndose a reconocer su deterioro físico. Para alimentar sus añoranzas, y por vínculos familiares, mantiene como alojados a tres veteranos del cine que compartieron con ella sus glorias pasadas.

Ellos son Pedro de Córdova (Luis Brandoni: Esperando la Carroza 1985), marido inválido y actor mediocre; Norberto Imbert (Oscar Martínez: Relatos Salvajes 2914), quien la dirigió en sus mejores películas; Martín Saravia (Marcos Munsdock, integrante de Les Luthiers) quien escribió la mayoría de sus guiones. Todos viven a costillas de la diva olvidada. Un misterioso secreto los mantiene unidos.

Para entretenerse en aquella decadente ociosidad se lo pasan discutiendo entre sí, practicando juegos de salón o cazando comadrejas. Lo importante es mantener en alto el ego de la vieja estrella.

Todo se altera cuando una joven pareja de ambiciosos corredores de propiedades se propone comprar el terreno y la casa despojándolos de lo único que los estimula a seguir viviendo.

La pareja - aprovechando la vanidad de la anciana - urdirá una farsa llena de adulaciones para obligarla a vender. Se creen imbatibles en su astucia comercial.

Lo que hasta el momento era sólo una agridulce convivencia de recuerdos, se tornará en un juego de ingenios que resucitará, en cada uno de ellos, la especialidad histriónica que los hizo famosos.

Y, al igual que Los Pobres Músicos de Bremen, los ancianos harán un frente común, y recurriendo a sus talentos dormidos pondrán en escena la última - y tal vez más genial - de sus creaciones teatrales.

Estupendos actores, diálogos punzantes, lujosa ambientación otoñal, y un ritmo que guarda bajo la manga un misterio a punto de estallar. Hasta la pareja de jóvenes oportunistas fue elegida con acierto y apostura (Nicolás Franchella y Gloria Lago).

TRAGICOMEDIA NEGRA PARA DISFRUTARLA DE PRINCIPIO A FIN. UNA PÍCARA SOLIDARIDAD.

Ficha técnica


Tragicomedia, intriga BFDistribution Argentina, España –2 hrs. 
Fotografía: Félix Monti 
Música: Emilio Kauderer 
Diseño Arte: Nelson Noel Luty 
Actores: Graciela Borges, Oscar Martínez, Luis Brandoni 
Guion, Edición y Dirección: Juan José Campanella

Brightburn, Hijo de la Oscuridad - Por Juan Pablo Donoso

¿Qué pasaría si Superman fuera malvado?

Parecerá una herejía para los millones de seguidores que tuvieron siempre a Superman como un paradigma de sus ilusiones.

También comienza con la caída de un meteorito que trae en su interior un bebito de aspecto inocente. Quienes lo adoptan y crían son un matrimonio campesino sin hijos, felices de ser padres al fin, de una criatura que nadie reclamará.

A medida que el niño crece, irá demostrando tener demasiada fuerza, inteligencia superior, y extraños poderes. Aunque ama a sus padres adoptivos, siente una rara atracción por algo escondido en el sótano del granero. Es el meteorito que lo trajo y que lo atraerá mientras duerme.

El sonambulismo de Brandon, y sus extraños comportamientos, irán poniendo en alerta a sus padres. Llegará el momento en que perderán todo control sobre él. Y él sobre sí mismo.

El relato mantiene el suspenso por saber qué nueva perversidad cometerá el “niño prodigio” extraterrestre.

Está en la línea de terror maligno infantil de famosas películas anteriores como La Mala Semilla (1956), Carrie (1976), La Profecía (1976) y otras.

Todo lo que por consigna se ha considerado bueno y positivo entre los superhéroes de comics aquí hallará su contraparte.

Tampoco sabemos cuál es el mandato paranormal que Brandon recibe de su cápsula-cuna. ¿Será destruir a toda la humanidad cuando crezca? Eso lo sabremos en las secuelas que - muy posiblemente - vendrán si este filme resulta un éxito de taquilla.

Realizado con oficio - salvo algunos innecesarios “sreamers” - aplica bien los efectos audiovisuales ya tan efectivos y comprobados para asustar.

El niño actor Jackson A. Dunn - con deliberada inexpresividad - consigue convencernos de que es al mismo tiempo víctima y demonio (fue Scott Lang de 12 años en Avengers, Endgame).

¿SERÁ EL COMIENZO DEL DERRUMBE DE LOS SÚPERHEROES DE NUESTRA INFANCIA?

Ficha técnica

Drama, terror, ciencia ficción Andes Films EE.UU. - 1,30 hrs. 
Fotografía: Michael Dallatorre 
Edición: Andrew S. Eisen, Peter Gvozdas 
Música: Tim Williams 
Diseño de Prod.: Patrick M. Sullivan Jr. 
Guion: Brian Gunn, Mark Gunn Actores: Elizabeth Banks, Jackson A. Dunn, David Denman Director: David Yarovesky

Promesa al Amanecer - Por Juan Pablo Donoso

Desbordante biografía del famoso novelista francés Romain Gary. Único escritor que ganó dos veces el Premio Goncourt.

Hijo ilegítimo de madre judía, lo seguimos desde su niñez en Polonia, adolescencia en Niza, como estudiante en París, y como piloto en la 2ª Guerra Mundial.

Trata de la férrea obsesión de un madre (“yiddish mama”) por hacer de su único hijo un hombre excepcional en todas las tareas que abordara.

Así, cuando el pequeño Romain demostró poco talento para el violín, pero más para la poesía, ella lo hizo prometerle que sería, además de una lumbrera como escritor, un brillante diplomático, y, si fuera posible, un héroe de la guerra combatiendo por Francia, su nueva patria.

Y el muchacho, programado desde la infancia para cumplir con su promesa, lo cumplió todo, paso a paso.

Charlotte Gainsbourg (Luz Eterna - 2019), actriz inglesa de sólo 34 años, encarna de manera magistral, y casi pavorosa, todas las edades de Nina Kacew, que había sido actriz del cine mudo en la URSS.

¿Hasta qué punto puede el amor maternal enajenar la conciencia de un hijo? Se reinventó a sí misma, trabajando sin cesar y huyendo de un país a otro, renunciando al amor de pareja, todo por ese único hijo. Él, por lo tanto, vivió y trabajó para ella: para cumplir aquel destino grabado a fuego en su alma. Fue la “promesa al amanecer” que lo marcó desde su infancia.

Jules Dassin hizo una versión homónima en 1970 con su esposa Melina Mercouri como la madre. Pero aquel tratamiento fue más cauteloso porque Romain Gary aún estaba vivo.

Esta prolija y costosa producción, funde dos historias de amor incondicional: el de una madre por su hijo, y el de ambos por Francia que fue su patria definitiva.

Gary dirigió también dos filmes escritos por él: Kill! (Matar) 1972, y Los Pájaros van a Morir al Perú - 1968, ambas protagonizadas por su esposa en aquella época, Jean Seberg.

Vaya uno a saber en qué momento estalló la neurosis depresiva de este hombre llevándolo al suicidio a los 66 años en 1980.

Una vez más admiramos la interpretación de Pierre Niney en el rol central (Yves Saint Laurent- 2014, y Frantz - 2016, ya comentada en SIGNIS).

Las ambientaciones de épocas, las secuencias de masas y los actores secundarios nos transportan con deleite a cada una de las etapas de esta biografía verdadera.

ESTUPENDA RECREACIÓN DE LA VIDA DE UN GRAN ESCRITOR Y LA COLOSAL INFLUENCIA DE SU MADRE.

Ficha técnica

Título Original: La Promesse a l´aube 
Biografía, drama 
Cine Arte Patricia Ready 
Francia, Polonia, España, Inglaterra – 2,11 hrs. 
Fotografía: Glynn Speeckaert 
Diseño Prod.: Pierre Renson 
Guion: Mary Eynard Actores: Pierre Niney, Charlotte Gainsbourg, Didier Bourdon 
Co-guionista y Director: Eric Barbier

sábado, 18 de mayo de 2019

John Wick 3: Parabellum - Por Jackie O.

Si en la parte 2 te enseñó a utilizar un lápiz, ahora te enseña a usar un libro.

¿Podría ser un nuevo James Bond en cuanto a sagas? Algunos estarán escandalizados por lo que acabo de escribir. Pero quien sabe…

Cuando conocimos a John éste sacó de una caja unas monedas de oro que mantenía ocultas para no tomarlas más junto a otras especies, ahí nos dio indicios de que esto no sería una película pasajera.

Excomulgado de este mundillo luego de matar a un miembro de la “Alta Mesa” u Orden Suprema, agregándole a eso que lo hizo dentro del Hotel Continental que es un terreno sagrado, una especie de Olimpo de este submundo, Winston le dio una hora para huir ya que a su cabeza se le puso precio por la módica suma para eliminarlo de US$ 14 millones, cifra que va en aumento con el correr de las horas. Esta parte 3 comienza justo ahí: huyendo por Nueva York mojado y herido, lo cual encontré bastante bueno.

Chad Stahelski, ha estado dirigiendo esta trilogía con bastante éxito, y nuevamente de guionista a Derek Kolstad, creando junto al resto del equipo un mundo y varios personajes de él. Además no resta mencionar que Chad no es primera vez que trabaja con Keanu, fue su doble de riesgo en Matrix.

En esta oportunidad, Keanu quiso hacer casi todas las escenas de riesgo él.

Puedo atreverme a decir que en los últimos tiempos esta película tiene dentro de las mejores escenas de acción las cuales fluyen una tras otra, las cuales comienzan desde los primeros minutos así que no llegues tarde a verla.

Con imágenes potentes, buenos personajes en su mayoría. Hasta ahora están armando una franquicia genial y ojalá no se les escape de las manos.

No es un guion espectacular, pero tiene ciertos diálogos muy buenos incluso sin diálogos está bien, ya que las miradas y gestos hablan por sí solos. Hasta su humor negro me encantó

En cuanto a los personajes que nos presentan en esta historia, puedo decir que: Halley Berry como Sofia es un buen personaje que deben seguir explotando, pero hay momentos en que ella sobreactuaba un poco, un poquito, y sus perros fabulosos, me encantaron.

Jerome Flynn me encantó verlo y desarrolló bien su rol como uno de los cabecillas de este submundo.

La adjudicadora, Achia Kat Dillon, la idea del personaje es buena pero mal ejecutada, como una de las antagonistas que nos presentan.

El personaje de Saïd Taghmaoui debió haber sido otro actor, alguien con más nivel actoral, con mayor prestancia. Él es buen actor, pero no para esta película, ya estamos a otro nivel y más exigentes. Ya que la mitología de este mundo mafioso va creciendo. Y acá, a pesar de no ser un gran guion, igual le da un sentido y explicación a toda esta saga. Y vamos conociendo un poco más de los orígenes de Jardanis.

Que me gustó y que no:

Un SI: Me encanta el estilo que se maneja, las coreográficas peleas son espectaculares. Una buenísima banda sonora (me obligó a quedarme hasta el final, hasta que se apagó la pantalla), un diseño de producción bien logrado, gran sonido, buen vestuario, fotografía, ósea visualmente te tiene sin pestañear. En cuanto a efectos, muy buenos la mayoría.

Las telefonistas, esa idea de antiguas operadoras de teléfonos tipo Suicide Girls me encantó la idea.

Las peleas, cuchillos, balas, sangre, con un John prácticamente flagelado que sigue sin parar, te atrapan.

Un NO: Varios CGI se notaban, pero pasan ya que la acción te atrapa. Aun así creo, que se merece un reconocimiento a fines de año en alguna de las premiaciones que se realizan.

Algunos personajes desarrollados como por ejemplo, Achia Kat Dillon y Saïd Taghmaoui, no me convencieron para nada.

El guion un poco flojo, pero se lo perdonamos esta vez, no… siempre.

Para finalizar me pregunto, ¿Quién puede matar a John Wick…?

Bueno, creo que solo John Wick.

Las hijas del fuego - Por Jackie O.

Pornografía IN: Insoportable, Inútil, Incongruente.

Radical, política, provocadora y pornográfica, así se presenta esta película Argentina.

Una película arriesgada, un género que va enfocado a un circulo reducido y específico de público.

Cuál es la trama, no en realidad la palabra es muy amplia para esto. Cuál es la historia mejor dicho: Una pareja de chicas se encuentran en Tierra del Fuego luego de mucho tiempo sin verse, quienes comienzan a tener sexo explícito, sin pudor, ni escondiendo el acto. Un acto largo que no se limita a acortar, sino que a mostrarlo todo.

Luego estas dos chicas van a un bar y en una pelea conocen a otra mujer que antes de saludarse comienzan a besarse para luego intimar las 3. Y así seguimos en la monotonía sexual, las 3 deciden tomar un vehículo robado para irse al sur, una especie de vacaciones donde una de ellas aprovechara para grabar su película porno, un viaje “liberador” dicen.

Por el camino no conocen solo a una chica, si no que después se suman 2 y luego otras más, para llegar a la casa de la séptima que se hace partícipe de este enredo sexual. Todas lesbianas y sin conocerse mantienen relaciones sexuales, sexo por que sí en el momento: dentro de una iglesia, a campo abierto, habitación, etc. sexo sin razón aparente, solo porque sí.

Acá se muestra el acto igual que los animales que se olfatean el ano para aparearse.

No hay tiempo para mucho dialogo, una película totalmente de mujeres, salvo una pequeña aparición con un breve dialogo del esposo de la última mujer que se une a esta historia. AH! Y los sujetos del bar de la pelea que mencioné en un comienzo.

La película no tiene ninguna coherencia de nada, no hay trama, estética, efectos de sonido, banda sonora, nada. Es solo mostrar sexo sin tapujos y porque sí, con cámara en primeros plano de zonas genitales o planos amplios para ver todo el espectáculo de orgías que se muestran. Se agrega que una de las protagonistas hace de voz en off relatando lo que quieren disfrazar como poesía, un dialogo sexual sin sentido. Podría por lo menos ser sensual su voz o el texto enardecedor, pero nada.

Las mujeres somos hermosas, el cuerpo de una mujer es bello, pero lamentablemente en esta película se muestra grosero y vulgar.

No importa la talla, es la sensualidad y la delicadeza de nuestro cuerpo al cual debemos cuidar, mostrar y disfrutar.

Algunas personas señalan que a quienes no les gusta el porno lésbico o LGBT en general, son homofóbicos o prejuiciosos, pero a esas personas les digo no. No es nada de aquello. Quieren presentar algo, preséntalo como porno al 100% pero no disfrazarlo con que “esto es radical, político, liberador, poético, feminista…” o lo que sea. Esto fue porno sin sentido, sin delicadeza, SIN ARTE.

Explorar la sexualidad es de lo más normal, es parte del ser humano disfrutar del cuerpo. Pero si lo van a pasar a la pantalla grande que sea artístico, armonioso, cosa que ha carecido esta película que de seguro va a terminar en algún motel para tal vez provocar a sus pasajeros.

La moraleja de esta película es que las lesbianas y todo el sector LGTB son promiscuos, y la promiscuidad conlleva a una serie de enfermedades de transmisión sexual, ya que no se veía ningún cuidado. Todas con todas como sea. ¿Ese es el mensaje que se quiere dejar?.

La película cumple con su objetivo de no dejar indiferente y que hablemos de ella. Para que los curiosos se embarquen a verla. Una película que aprovecha los tiempos del feminismo y el poliAmor que está de moda. Pero si esto es parte del feminismo, no me considero feminista, me ofenden y ofenden a quienes sí trabajan por la causa feminista.

Algo bueno de todo esto, sí: El corto que se presentó al comienzo, “Aurora”, muy bien realizado. El cual me engañó ya que creí que venía después algo bueno.

viernes, 17 de mayo de 2019

John Wick 3: Parabellum - Por José Blanco

Muchos esperaban la continuación de las aventuras de este asesino altamente especializado, al que sacaron de su letargo cuando le mataron el perrito regalón que le recordaba a su difunta esposa.

Después de un intermedio de lucha contra mafiosos italianos y haber cometido un crimen imperdonable (matar a un criminal en el lujoso hotel Continental, donde los principales criminales del mundo debería disfrutar de inmunidad). Ahora, Winston, el director del establecimiento (Ian McShane) ha puesto precio a su cabeza y le ha dado una hora de tiempo para ponerse a salvo.

Con todo el mundo en contra estimulado por los millones de dólares que se ofrecen, Wick tiene los minutos exactos para encontrar un libro en una biblioteca dentro del cual están los objetos que le permitirán seguir con vida.

No se puede contar la película, porque – por sobre todo – es un extenuante videogame con los personajes ya conocidos (el conserje de Lance Reddick; el Bowery King de Laurence Fishburne y sus palomas mensajeras) y otros nuevos y fascinantes como la Sofia de Halle Berry, peligrosos como el Zero de Mark Dacascos o la inquietante Adjudicadora de Asia Kate Dillon. Y no hay que olvidarse de los perros, que cumplen con su trabajo a la perfección.

El “parabellum” del subtítulo significa “prepárate para la guerra” y está tomado de la frase proverbial “se vis pacem para bellum” (“si quieres la paz prepárate para la guerra”) que - no todos lo saben - es una adaptación de la frase “Igitur qui desiderat pacem, praeparet bellum“, escrita por Publius Flavius Vegetius Renatus (siglo IV d.C.) en su Epitoma Rei Militaris.

John Wick está en una guerra perenne y se está siempre reciclando, sin dejar de lado jamás su ambo obscuro y su corbata. Pero puede escabullirse de la muerte no sólo por las artes marciales y el uso indiscriminado de medios de todo tipo (armas blancas y de fuego, caballos). No se trata sólo de fuerza y de inteligencia. En este mundo delincuencial, en el que la policía y la autoridad constituida no existen, siempre hay algo o alguien que está por encima del jefe. Se trata de una estructura piramidal en la que acceder a los estratos más altos es casi imposible. Pero no para John Wick, que conoce todo y a todos. Para los amantes de la violencia, la entretención está asegurada.

Ficha técnica

Título Original: John Wick 3 : Parabellum 
Acción, crimen, violencia BFDistribution EE.UU. - 2,10 hrs. 
Fotografía: Dan Laustsen 
Edición: Evan Schiff 
Música: Tyler Bates, Joel J. Richard 
Diseño Prod.: Kevin Kavanaugh 
Guion: Derek Kolstad, Shay Hatten 
Actores: Keanu Reeves, Halle Berry, Ian McShane, Mark Dacascos, Asia Kate Dillon 
Director: Chad Stahelski

jueves, 16 de mayo de 2019

El Sol también es una Estrella - Por Carlos Correa

Clásica historia de chico-conoce-chica que no cree en el amor; él la desafía, ella permite una pequeña posibilidad y él realiza sus mejores esfuerzos. Entonces, ¿qué es lo diferente de esta nueva versión de una historia que tal vez hemos visto ya muchas veces? Veamos.

Natasha Kingsley -Yara Shahidi- es la chica. Su familia es inmigrante, proceden de Jamaica, y acaban de ser deportados como ilegales y por ello obligados a abandonar Estados Unidos dentro de 24 horas. Daniel Bae -Charles Melton- es el chico. Su familia también es inmigrante, proceden de Corea, sin embargo ya están asentados y su permanencia en territorio norteamericano no está en peligro. Ella está por graduarse, su mundo es la física cuántica. Él está por ingresar a la Universidad para estudiar medicina. Ella es práctica, él un soñador. Ella no cree en el destino, ni en las coincidencias, ni en los sueños porque nunca se cumplen. Él sí cree en el destino y en esas circunstancias mágicas que pueden unir incluso dos almas tan diametralmente diferentes como ellos.

Basada en la novela del mismo nombre escrita en el año 2017 por Nicola Yoon, esta cinta dirigida por Ry Russo-Young sostiene su relato basado en numerosos elementos que rodean la historia central. El primero y tal vez más evidente es el entorno. Nueva York es la ciudad donde se desarrolla el metraje lo que permite desplegar con lucidas tomas y ángulos el aura de esta ciudad cosmopolita, sus barrios y distritos, el Metro, sus famosos edificios e iconos, desde algunas perspectivas diferentes a las que observamos en otras cintas. El segundo es un elemento muy actual y se relaciona con los inmigrantes, esta vez en dos condiciones; los establecidos y los deportados, asumiendo las últimas condiciones que se han endurecido en el actual gobierno de Donald Trump. El tercer elemento es el carisma de los dos jóvenes protagonistas. Dueños de una natural desenvoltura, ella destaca por la capacidad de transmitir emociones profundas solo con gestos y miradas. Él, por su parte, posee un talento especial para transmitir sencillez sin exagerar ni complicarse. Ambos representan a dos jóvenes comunes y corrientes, que viven mundos diferentes, que por accidente coinciden y gracias a ello se conocen.

Si volvemos al centro de la historia de amor tal vez no descubramos nada diferente. Aquello está nuevamente en la periferia, en la relación de ambos con sus familias, en sus historias personales de vida y en los vínculos que ambos han generado y construido en un país y una ciudad que no es propia pero que se ha transformado en su casa, en su hogar, y en donde -especialmente Natasha-quieren desarrollar su vida.

La fórmula clásica funciona y logra momentos que, aunque predecibles, cautivan por su delicadeza, por la belleza de las tomas y también gracias a una selección de canciones que acompaña muy bien cada momento del día y la noche que pasan juntos.

“El Sol también es una estrella” logra reinventarse, se nutre de actualidad y avanza tal como lo que es, honesta y sin mayores pretensiones. Una bella historia de amor que se abre paso en una ciudad siempre interesante, con protagonistas que se alejan de los moldes típicos y con mucho cuidado y preocupación por los detalles lo que se aprecia a lo largo de sus precisos 100 minutos.

Ficha técnica

Título original: The Sun Is Also a Star
Año: 2019
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Alloy Entertainment / Metro-Goldwyn-Mayer / SuperMarioLogan / Warner Brothers
Género: Drama
Guion: Tracy Oliver (Novela: Nicola Yoon)
Música: Herdís Stefánsdóttir
Fotografía: Autumn Durald
Reparto: Yara Shahidi, Charles Melton, Gbenga Akinnagbe, Faith Logan, Jake Choi, Cathy Shim, Anais Lee, Camrus Johnson, Keong Sim, Miriam A. Hyman, Assibey Blake, Jordan Williams
Dirección: Ry Russo-Young

La Razón de Estar Contigo, un Nuevo Viaje - Por Juan Pablo Donoso

En 2017 se estrenó LA RAZÓN DE ESTAR CONTIGO, dirigida por el sueco Lasse Hallström, y fue un éxito mundial.

Ahora nos llega la secuela homónima con el anexo de UN NUEVO VIAJE, dirigida por Gail Mancuso. Y nuevamente es un acierto de emoción y humanidad.

Ambas tratan de un perro que se reencarna una y otra vez en razas y hogares diferentes. En cada una de sus vidas posee el mismo espíritu, y nos va narrando sus memorias, sentimientos, aventuras y reflexiones.

A través de cada una de sus vidas y muertes, evaluamos el comportamiento de las personas con las cuales convive. Su mirada es siempre ingenua y amorosa. Somos nosotros, los humanos, quienes a menudo les fallamos en los valores más esenciales.

En la primera película predominaban las vivencias del perrito en las sucesivas etapas de su regreso al mundo. En esta segunda cinta sus reencarnaciones se entretejen con los dramas de los miembros de una misma familia.

Ahora, cada una de sus presencias, ayudará a la maduración de las personas que lo han poseído y lo han amado.

Nos invita, una vez más, a preguntarnos, ¿qué pensarían los animales del comportamiento de sus amos?

Escuchando sus reflexiones sobre los seres humanos llegamos a dudar quién es, en verdad, la mascota de quién.

En la naturaleza intuitiva hay más sabiduría que en la gélida razón.

A menudo el perrito se refiere a nosotros como “la manada”; y acierta al juzgarnos como una defectuosa manada familiar que aún tiene mucho que aprender sobre la convivencia y la armonía universal.

Cada personaje humano, con sus errores y sentimientos, está bien caracterizado por los actores. Sus flaquezas y encantos nos generan compasión y tolerancia.

La pregunta de fondo – leit motiv – es sobre el verdadero sentido de volver a nacer y vivir bajo diversas circunstancias. Respuesta feliz que, al menos este perrito, logra encontrar al final de ambas películas.

UN CANTO DE AMOR Y COMPRENSIÓN PARA TODOS LOS SERES VIVOS. TOCARÁ EL CORAZÓN Y LA MENTE DE NIÑOS Y ADULTOS.

Ficha técnica


Título Original: A Dog´s Way Tragicomedia familiar 
Andes Films EE.UU. - 1,48 hrs. 
Fotografía: Rogier Stoffers 
Edición: Robert Komatsu 
Música: Mark Isham 
Diseño Prod.: Eric Fraser 
Novela y Guion: W. Bruce Cameron 
Actores: Kathryn Prescott, Henry Lau, Betty Gilpin, Dennis Quaid 
Directora: Gail Mancuso

El Sol También es una Estrella - Por Juan Pablo Donoso

Grata historia de un amor neoyorkino que parecía imposible. Él, hijo de emigrantes coreanos, ella, negra e hija de jamaicanos que deberán irse del país.

El romance de estos dos jóvenes tan diferentes parecía provenir desde la creación del Universo.

Sin saberlo, eran piezas predestinadas por el Deus Ex Machina. Es decir, por la fuerza inevitable del Destino que supera toda lógica y razón.

Mientras la familia de Natacha debía abandonar EE.UU. y volver a Jamaica al día siguiente, los padres de Daniel lo presionan para que postule a Medicina. Pero ella quería ser astrónoma, y él quiere ser poeta.

Hay un millón de futuros posibles. ¿Cuál se cumplirá?

A pesar del pragmatismo inicial de Natacha, en las atestadas calles de Nueva York comenzarán a suceder accidentes y coincidencias que fascinarán a Daniel con ella hasta convencerla de que el Amor es una realidad más poderosa que cualquier idea o circunstancia.

Las galaxias, los barrios de inmigrantes en Manhattan, los enormes rascacielos, parques y museos serán, durante 24 horas, las incubadoras de un romance destinado a ser eterno.

Recomendamos disfrutar del carisma de la actriz Yara Shahidi. Es una joven mezcla de iraní y afro-americana. Aún cursa Enseñanza Media y tiene cinturón negro en artes marciales Tang Soo Do. Ganó el Premio Próxima Generación de actrices negras en 2017. Se la puede ver en la serie televisiva Black-ish. Casi sin gestos, sólo con la mirada, transmite más emociones que mil palabras.

ROMÁNTICA, ESOTÉRICA Y TURISTICA DE UN NUEVA YORK FASCINANTE Y MULTIFACÉTICO. UNA MÁGICA HISTORIA DE AMOR.

Ficha técnica


Título Original: The Sun is Also a Star 
Drama, romance Warner Chile EE.UU. -1,40 hrs. 
Fotografía: Autumn Durald 
Edición: Joe Landauer 
Música: Herdís Stefánsdóttir 
Diseño Prod.: Wynn Thomas 
Guion: Tracy Oliver 
Actores: Yara Shahidi, Charles Melton, Gbenga Akinnagbe 
Directora: Ry Russo-Young

En tu Piel - Por Juan Pablo Donoso

Una vez más, el director chileno Matías Bize (La Vida de los Peces 2010 - La Memoria del Agua 2015), nos entrega una historia de amor osadamente íntima, lenta y minimalista.

Sólo tiene dos actores: Eva Arias, actriz y modelo - Miss República Dominicana 2010; y Josué Guerrero, también dominicano (Amigo D y Rubirosa 2, ambas de 2018).

Lo que comienza como una fogosa atracción de sexo extramarital, se irá transformando con el paso de los furtivos encuentros en un sentimiento más profundo, que obligará a tomar la decisión de unirse rompiendo sus hogares, o separarse para siempre.

El ritmo tan lento del relato nos permite acompañarlos en su proceso de maduración emocional. La intensidad de sus relaciones sexuales - en apariencia los momentos más felices - irán revelándose sólo como instancias para escapar - y aturdirse - de las verdades agridulces de sus realidades cotidianas.

El tema se ha tratado innumerables veces en el cine y el teatro por artistas de muchos países.

El valor de este filme radica en el control del pulso rítmico que caracteriza las obras de Bize. Hay meticulosidad en su tratamiento audiovisual, honestidad con que sus dos actores expresan - mediante sutiles gestos faciales y pocas palabras - la evolución de sus sentimientos.

Un discurso fílmico muy peligroso, porque oscila entre el aburrimiento por vacuidad y la compenetración con el drama de sus personajes. Y este director chileno logra salir airoso con la eficacia de sus imágenes, y la poesía latente del guion de Julio Rojas.

UNA NUEVA HISTORIA DE AMOR EN LA QUE MATÍAS BIZE CONSOLIDA SU ESTILO ÍNTIMO, MINIMALISTA Y EROTICAMENTE AUDAZ.

Ficha técnica


Drama, romance 
Market Chile y Larimar Films Chile y República Dominicana - 1,05 hrs. 
Fotografía: Arnaldo Rodríguez 
Edición: Valeria Hernández 
Diseño de Prod.: Ruy Dos Santos 
Guion: Julio Rojas 
Actores: Eva Arias y Josué Guerrero 
Director: Matías Bize 

John Wick 3: Parabellum - Por Juan Pablo Donoso

Deleite sádico para los fanáticos de la saga de John Wick.

Parabellum ("Si vis pacem, para bellum") = Si quieres Paz, prepárate para la Guerra.

El conflicto y los villanos provienen de los capítulos anteriores. Como la trama ya venía muy complicada, nos limitaremos a opinar sobre el tratamiento, la producción y sus actores más famosos.

Keanu Reeves, galán de aventuras esotéricas (Matrix - Máxima Velocidad - El Pequeño Buda), es ahora un fugitivo avaluado en US$14 millones por haber violado la regla central de una de las organizaciones criminales que gobiernan el país. Inmundo, herido y despeinado huye por las calles de N.Y. conservando su terno, corbata y zapatos mojados. Contra él se ensañarán los ejércitos de chinos y otros mercenarios. Y contra ellos se defenderá con artes marciales, espadas, hachas y armas de fuego.

Así es el resto de la película. Un combate tras otro, interrumpidos sólo por breves encuentros - estériles - con los jefes de las diversas mafias. Y vamos enfrentando de nuevo, en la noche eterna, a las hordas asesinas que sucumben como moscas gracias a su pericia imbatible de guerrero urbano.

Le disparan en un hombro, se lo cosen, y sigue combatiendo. Lo abandonan en el desierto. Lo obligan a cortarse un dedo de la mano. Lo flagelan sin misericordia. Y él seguirá venciendo hasta llegar al encuentro culminante… pero todo será inútil porque los líderes supuestamente muertos habrán resucitado para seguir persiguiéndolo.

Hasta habrá una jauría de perros feroces para despedazar a quien corresponda en cada momento.

El relato es así de somero. Serán las largas y brutales peleas, unidas a la perversión de las y los líderes, lo que mantenga funcionando esta carnicería de 2,10 hrs. de duración.

Sólo resta mencionar a algunas de las estrellas contratadas. Laurence Fishburne (Matrix, Río Místico, Otelo). Halle Berry (Gatúbela, Gothika, Frankie & Alice), sensual mulata que también tuvo a su cargo el entrenamiento de los perros (mascota rottweilwer incluida). El veterano Ian McShane (Deadwood, Piratas del Caribe, Blanca Nieves y el Cazador). Y para nuestra cultura nos presentan a Asia Kate Dillon, como la cruel Adjudicadora. Su personaje coincide con su naturaleza en la vida real: es una “genderqueer” = “no binaria”, es decir, distinta a los géneros binarios (masculino y femenino); queda, por lo tanto, fuera de la “cisnormatividad”. ¡Sin duda una extravagancia como actriz/personaje!

El director de toda la saga, Chad Stahelski, experto en artes marciales, asume él mismo como doble de Keanu Reeves en las escenas más salvajes de combate.

Tal vez por tradición preferimos los viejos filmes de Bruce Lee, Steven Segal, Chuck Norris y Jackie Chan.

ELABORADA PRODUCCIÓN DE VIOLENCIA EXTREMA, CARENTE DE LÓGICA, MORALIDAD Y EMPATIA HUMANITARIA.

Ficha técnica


Título Original: John Wick 3 : Parabellum 
Acción, crimen, violencia BFDistribution EE.UU. - 2,10 hrs. 
Fotografía: Dan Laustsen 
Edición: Evan Schiff 
Música: Tyler Bates, Joel J. Richard 
Diseño Prod.: Kevin Kavanaugh 
Guion: Derek Kolstad, Shay Hatten 
Actores: Keanu Reeves, Halle Berry, Ian McShane, Mark Dacascos, Asia Kate Dillon 
Director: Chad Stahelski

lunes, 13 de mayo de 2019

La Culpa - Por Jackie O.

Hasta cuanto te puedes involucrar sin saber toda la verdad. 

The Guilty, es una película danesa que trata de un policía que se encuentra relegado en la oficina de emergencia por haber cometido un hecho por el cual se le está investigado, por lo que por el momento debe estar en la central telefónica, una especie de 133 de Carabineros o 911 de EEUU. Acá es el n° 112 al que llaman las personas por diferentes tipos de problemas y él como el resto de telefonistas debe dar la orientación necesaria.

La ambientación es simple: una habitación con un par de telefonistas contestando las llamadas de rutina, muebles, iluminación artificial, encierro algo claustrofóbico y poca interacción entre funcionarios ya que deben estar pendientes del fono emergencia.

Asger no le gusta estar ahí pero está obligado, hasta que recibe la llamada de una mujer en donde él por su experticia como policía puede dilucidar a los minutos que está secuestrada, de esa forma trata de brindarle el apoyo necesario para que pueda ser rescatada. Él solo con su teléfono y un GPS tratará de buscar a esta mujer.

Es un thriller que genera tensión, ya que Asger ni nosotros vemos nada, solo escuchamos e imaginamos. ¿Cómo ayudar? ¿Qué pasa?

Hemos visto un sinnúmero de películas norteamericanas de este tipo, pero ahora estamos ante una película europea que nada tiene que envidiarle a Hollywood. Jakob Cedergren (Asger) nuestro protagonista, sabe cómo generar los tiempos y los momentos de tensión con su voz o solo su mirada. Una historia que te va envolviendo y tienes la necesidad de saber su desenlace.

Pero su desenlace tendrá un giro inimaginable…

La Culpa, ese sentimiento que atormenta cuando sabes que hiciste algo y debes de alguna forma para vivir tranquilo redimirte, pedir perdón, hablar con la verdad… ¿Y quien tiene esa culpa en sus hombros?

En trabajos de índole social, hasta cuanto te puedes o debes involucrarte con el usuario? en aquellos trabajos donde se trata de escuchar y/o solucionar problemas cuando decir basta, esto no me concierne, no debo llevar esto a casa, no debo involucrarme? Es difícil mantener un margen. Se puede, generalmente sí.

El guion está bien escrito, genera la tensión necesaria con los tiempos de silencio o diálogos. Y hay muchos silencios, incluso hacemos el esfuerzo junto a nuestro protagonista de escuchar cualquier ruido que nos ayude al otro lado del teléfono.

En que puede fallar, y es contradictorio, en esos mismos silencios que para algunas personas puede abrumarles, pero son parte de la trama y muy necesarios.

Ficha técnica

Título original: Den skyldige
Dinamarca, 2018
Dirección: Gustav Möller
Duración: 85 minutos
Guion: Emil Nygaard Albertsen, Gustav Möller
Producción: Nordisk Film
Fotografía: Jasper Spanning
Música: Carl Coleman, Caspar Hesselager
Reparto: Jakob Cedergren, Jessica Dinnage, Omar Shargawi, Johan Olsen, Maria
Gersby, Jakob Ulrik Lohmann, Laura Bro, Katinka Evers-Jahnsen.

domingo, 12 de mayo de 2019

La Culpa - Por Carlos Correa

Asger Holm -Jakob Cedergren- es operador en el Servicio de Emergencias de Copenhague, el 112, similar al 911 norteamericano. Es de noche, Asger está por concluir su turno y entre las llamadas habituales entra una que capta su atención: al otro lado del teléfono está una mujer aterrada, de nombre Iben, y que Holm descubre que ha sido secuestrada. Comienza entonces la búsqueda, los detalles del procedimiento, la localización de su ubicación, los despliegues policiales, el contacto con su familia y todo lo relacionado con el caso que nos mantiene en alerta máxima durante los 85 minutos del metraje.

El guion de “La Culpa” está tan bien escrito que, gracias a sus numerosos aciertos, literalmente vemos todo lo que la pantalla no nos muestra. Un delicado trabajo de cámara dentro de la central de emergencias sigue constantemente al protagonista, desde diferentes ángulos, con movimientos lentos, algunas sorpresas y un solo cambio de sala de trabajo. Todo lo que realmente observamos en pantalla está allí, entre cuatro paredes, con los otros operadores de fondo incluido el cambio de turno.

La magia que produce este filme de Gustav Möller es que desafía nuestra imaginación. Las múltiples llamadas telefónicas y conexiones nos permiten armar los distintos escenarios y visualizarlos perfectamente. Cada uno de los personajes que intervienen, Iben, su hija Mathilde, su exmarido Michael, el oficial amigo y ex compañero de Asger y los otros operadores que coordinan el despliegue policial, tienen un perfil claro y definido. Solo escuchamos sus voces pero sabemos perfectamente quienes son y nos parece verlos actuar.

Es cierto, tal vez por presupuesto o sencillamente por decisión, la cinta es totalmente minimalista en cuanto a los elementos filmados. Pero hay que tener una máxima claridad para elaborar y filmar una película de este tipo, sosteniendo toda la tensión en una actuación principal con sus interacciones telefónicas. El mérito es enorme, tal vez por ello todos los reconocimientos y premios que ha obtenido y que no son pocos.

“La Culpa” es un thriller apasionante, que desde el comienzo atrapa y no suelta nunca. No solo queremos saber el desenlace, también nos vamos introduciendo en lo que cada personaje representa y lo que sucede en su interior. Las voces no son neutras, nos dan la clave en más de una oportunidad. Y por supuesto, a medida que transcurren los minutos, comprendemos quién es el policía, qué está haciendo en el servicio de emergencia, los errores del pasado, sus temores y añoranzas y finalmente percibimos aquella culpa interior de la que da cuenta el título de esta excelente película danesa.

Ficha técnica

Título original: Den skyldige
Año: 2018
Duración: 85 minutos
País: Dinamarca
Productora: Nordisk Film
Género: Thriller | Secuestros / Desapariciones
Guion: Emil Nygaard Albertsen, Gustav Möller
Música: Carl Coleman, Caspar Hesselager
Fotografía: Jasper Spanning
Reparto: Jakob Cedergren, Jessica Dinnage, Omar Shargawi, Johan Olsen, Maria Gersby, Jakob Ulrik Lohmann, Laura Bro, Katinka Evers-Jahnsen, Jeanette Lindbæk, Simon Bennebjerg, Morten Suurballe, Guuled Abdi Youssef, Caroline Løppke, Peter Christoffersen, Nicolai Wendelboe, Morten Thunbo, Anders Brink Madsen
Dirección: Gustav Möller

Enamorado de mi mujer - Por Carlos Correa

Daniel Auteuil dirige y actúa en esta comedia francesa que también tiene como protagonistas a Gérard Depardieu, Sandrine Kiberlain y a la bella española Adriana Ugarte.

Daniel -Auteuil- se encuentra con su amigo Patrick -Depardieu- quien hace poco ha dejado a su esposa por una mujer muy atractiva y también mucho más joven que él llamada Emma, interpretada por Adriana Ugarte. Daniel invita a la nueva pareja a su casa a cenar, donde su esposa Isabelle -Kiberlain- no está a gusto porque la ex de Patrick es una buena amiga que ha sido desplazada por la reciente y novel conquista. En la incómoda cena, Daniel queda deslumbrado con Emma y a su ya particular imaginación agrega ahora una desbordante fantasía con la joven pareja de su amigo que lo hace soñar innumerables veces durante la velada.

Auteuil es sin duda el foco del relato. Se roba la película con su actuación, con sus confusiones lingüísticas y también con las escenas que imagina porque nunca sabemos si son o no realidad. Este cruce permanente entre la realidad y la ficción, permite que la cinta avance y que gracias a los enredos generados estemos alertas a pesar que en verdad no sucede mucho.

Esta comedia francesa no es tan clásica como pudiera parecer a primera vista. Además de la química entre sus protagonistas, el drama que contiene es mayor. No solo se trata de una madurez cohibida y reprimida que se ve atraída por una joven novedad y con ello la promesa de una nueva vida sino que también aporta un par de visiones desde la otra realidad. La inseguridad se vuelve lo central, como asimismo se revela una visión del peligro que viene de la mano con la nueva relación. Las fantasías de Daniel no sabemos si son sus propias profecías o una forma de adelantarse al futuro como si fueran jugadas en el partido de ajedrez de su vida.

“Enamorado de mi mujer” si bien no tiene gran altura, es agradable por sus actuaciones -que parecen más propias de una obra escénica que de una película- y también sorprende, porque tiene un toque distinto a lo acostumbrado. Esa singularidad tal vez le da un giro a la interpretación de su título y, junto a la ácida crítica a un tipo de actuar masculina, añade un elemento a tomar en cuenta -una moraleja poco común en la actual comedia francesa- al aventurar un resultado para luego regresar a un punto tal que permita tomar un camino diferente.

Ficha técnica

Título original: Amoureux de ma femme
Año: 2018
Duración: 84 minutos
País: Francia
Productora: Curiosa Films / France 3 Cinéma / Versus Production / Zack Films / France Télévisions / Cinémage 12 / OCS / A Plus Image 8
Género: Comedia. Romance
Guion: Florian Zeller (Obra: Florian Zeller)
Música: Thomas Dutronc
Fotografía: Jean-François Robin
Reparto: Sandrine Kiberlain, Adriana Ugarte, Gérard Depardieu, Daniel Auteuil, Brigitte Aubry
Dirección: Daniel Auteuil

Nadando por un sueño - Por Jackie O.

"O chapoteas o te hundes. Una historia de superación". 

Hace aproximadamente 1 año que 6 hombres de 38 a 50 años más menos se reúnen en una piscina a tomar clases de natación con una ex campeona de nado. 

Hasta que deciden crear un equipo de nado sincronizado masculino, ahí aparece Bertrard un sujeto que hace mucho no tiene trabajo y está sumido en una tremenda depresión. En realidad no mencioné que esos 6 hombres están sumidos en su propia miseria, llenos de problemas, refugiados en la droga, la pena, la amargura, soledad, alcohol... Y una larga lista de problemas. Pero Bertrard ve en la natación una forma de ayudarse.
Así comienza la aventura de estos 7 sujetos que ya no tienen nada que perder, no les da miedo el ridículo del cual todos les indican. Ya los han humillado por años sus amigos y familiares, que más da si otros lo hacen. No importa.
La entrenadora no está ajena de los problemas y debe alejarse un tiempo. Así que deja a su amiga invalida que los entrene. La cual es muy ruda, temida y odiada por estos varones.
Luego de ir conociendo la vida de la mayoría de nuestros nadadores, vamos queriéndolos y empatizando con ellos. Se entiende el esfuerzo que ponen en cada clase.
Unos más entusiastas que otro deciden participar de una competencia internacional de nado sincronizado masculino, una locura para muchos pero no para ellos.
No estamos ante atletas, para nada. Hombres comunes y corrientes llenos de problemas. Con unos cuerpos flojos y nada trabajados. Pero que en el fondo quieren superarse. Ellos saben que están mal, y se ayudan. Ya que además encontraron en este grupo una nueva familia.
Pero uds ven en la fotografía promocional a 8 sujetos, bueno, el octavo apareció por una necesidad de encontrar "el pilar" para su coreografía. Y no podía ser alguien diferente al grupo, es el más joven, un drogadicto trabajador en un hogar de ancianos.
Esta película no sabría decirles si prima más el drama ante la comedia o al revés. Una película de personas comunes y corrientes, llenas de problemas pero que nos enseña a que sí podemos superar esos estados que nos botan, que sí podemos levantarnos, que muchos se burlarán y dirán "no puedes".
Es la desesperación de salir de ese hoyo. Nos enseña a que se puede ser feliz, y que nunca es tarde para recuperar el tiempo perdido.
Un guión que no es una obra maestra pero sí inteligente, con actuaciones realmente buenas, una edición bien lograda y su musicalización acorde.
Una película que es interesante ver, recomendada para salir del cine comercial.

Ficha técnica

Título original: Le grand bain
Título internacional: Sink or Swim
Guion y Dirección: Gilles Lellouche
Música: Jon Brion
Fotografía: Laurent Tangy
Empresas Productoras:
Les Productions du Trésor / Chi-Fou-Mi Productions
Género: Comedia
Año: 2018
Duración: 110 min.
País: Francia
Distribuye: Impacto Cine
Reparto: Mathieu Amalric, Guillaume Canet, Benoît Poelvoorde, Jean-Hugues Anglade, Virginie Efira, Leïla Bekhti, Philippe Katerine, Alban Ivanov, Mélanie Doutey, Jonathan Zaccaï, Noée Abita, Erika Sainte. 

viernes, 10 de mayo de 2019

La Culpa - Por Juan Pablo Donoso

Un ejemplo de cómo lograr una película apasionante de suspenso, con bajísimo presupuesto, sin violencia explícita ni efectos especiales.

Todo sucede en un Centro Policial de Llamadas telefónicas, y con prácticamente un solo actor, Jakob Cedergren.

Este magnífico filme danés supera en virtuosismo a un similar antecesor estadounidense - LOCKE (2013) - en que todo el drama se desarrolla también sólo a través de voces.

Anger Holm es un policía suspendido de sus tareas habituales bajo del cargo de matar a un delincuente. Mientras lo investigan ejerce como telefonista nocturno en el Centro de Llamadas de Urgencia. Su tarea es rutinaria ya que debe atender consultas de fácil solución.

Todo cambia cuando, a punto de terminar su turno, recibe el pedido de socorro de una mujer, madre de dos hijos pequeños, que ha sido violentamente secuestrada por su ex marido.

Anger inicia, por medio del rastreo computarizado, un complejo operativo con otras unidades móviles para interceptar el vehículo del raptor que, supuestamente, pretende asesinar a su esposa.

La cámara en ningún momento abandona al telefonista. Gracias a sus conversaciones debemos imaginarnos a los interlocutores, incluyendo a la pequeña hijita Matilde de seis años, que describe la forma brutal en que el marido arrebató a su madre de la casa.

El suspenso y la angustia aumentan mientras más se cierra el círculo en torno a Iben, la víctima, quien con dificultad sigue comunicándose con Anger.

El desarrollo de la pesquisa nos va deparando sorpresas y giros insospechados sobre los motivos del secuestro.

Hasta aquí sólo sería un caso típico de emergencia policial. Más, como la cámara permanece en encuadres cerrados sobre el rostro de Anger, nos permite conocer su drama íntimo, sus culpas anteriores y su miedo ante la audiencia judicial del día siguiente.

La forma admirable en que el guion entrecruza el terror de la mujer secuestrada (voz de Jessica Dinnage), los pormenores del caso que se van revelando, y el tormento personal del telefonista, hacen de esta película un relato que nos mantiene al borde del asiento durante 82 minutos.

Tal vez para enriquecer la tensión dramática existan ciertas concesiones sobre la realidad de estos procedimientos. Es improbable que un hombre solo deba afrontar semejante delito sin que toda la Prefectura se ponga al servicio de la situación. Pero valga la licencia en beneficio de un caso como éste, en que lo policial se combina con la locura y con los dilemas personales del protagonista.

ESTUPENDO FILME DE SUSPENSO POLICIAL, CON GIROS INESPERADOS Y DILEMAS DE CONCIENCIA. MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica


Título Original: Den skyldige 
Crimen, suspenso CDI Films Dinamarca - 1,22 hrs. 
Fotografía: Jasper Spanning 
Edición: Carla Luffe Heintzelmann 
Música: Carl Coleman, Caspar Hesselager 
Diseño Prod.: Gustav Pontoppidan 
Guion: Emil Nygaard Albertsen Emil Nygaard y Gustav Möller 
Actores: Jakob Cedergren, Jessica Dinnage, Omar Shargawi 
Director: Gustav Möller

miércoles, 8 de mayo de 2019

Nadando por un Sueño - Por Juan Pablo Donoso

Es difícil que alguien se disguste con esta simpática e inteligente película belga/francesa.

Si bien su argumento trata - una vez más - el tema del esfuerzo humano por competir en un torneo deportivo, ahora el encanto radica en sus patéticos personajes.

Nueve hombres maduros, con diversas frustraciones, descubren una terapia psicológica en la práctica del nado sincronizado.

Hacen caso omiso de las burlas por ser esta una destreza principalmente femenina; disfrutan al principio de una grata amistad y, más tarde, el amor propio los envalentona para inscribirse en una competencia internacional.

Se pondrán, al comienzo, bajo las instrucciones de una antigua nadadora quien les enseña los rudimentos iniciales. Y, más adelante, cuando ya se atreven a competir, lo harán bajo el flagelo de otra implacable ex-nadadora inválida, que los somete a un despiadado entrenamiento.

La riqueza de este filme radica en cómo llegamos a conocer la historia y el carácter de cada uno de esos hombres tan grises. Y también de las flaquezas íntimas de sus dos entrenadoras.

Empatizamos con cada uno de ellos, cuyo instinto los hace luchar contra la mediocridad y dar un mayor sentido de sus vidas.

No invita a reflexionar - con mucho humor - sobre los prejuicios de lo que se supone “masculino” en nuestros tiempos. Se nos propone, sin pudor, “hallar la mujer que tenemos dentro”, precisamente para consolidar nuestra hombría.

El título en inglés - Sink or Swim (Húndete o Nada) - es el acicate que junto con motivar a sus personajes, hace guiños a tantos espectadores aún indecisos ante los desafíos más inocentes de la vida diaria.

Resaltamos la presencia de Mathieu Amalric como Bertrand, el depresivo personaje principal. En un rol muy distinto a sus filmes anteriores - La Escafandra y la Mariposa 2007 - El Gran Hotel Budapest 2014 - Munich 2005 - aquí hace alarde de sutiles matices de su personalidad.

Por el ángulo novedoso de su tema, por la atinada elección de sus actores, por el ritmo y su ágil dirección, esta cinta integró la selección Oficial del Festival de Cannes 2018.

ENTRETENIDA, GRACIOSA Y EMPÁTICA. REALIZADA CON LA FINA AGUDEZA DEL BUEN CINE GALO.

Ficha técnica


Título Original: Le grand bain 
Tragicomedia, deportes 
Impactocine Bélgica, Francia - 2,02 hrs. 
Fotografía: Laurent Tangy 
Edición: Simon Jacquet 
Música: Jon Brion 
Diseño Prod.: Florian Sanson 
Guion: Ahmed Hamidi, Julien Lambroschini 
Actores: Mathieu Amalric, Guillaume Canet, Benoît Poelvoorde 
Director: Gilles Lellouche

Maestras del Engaño - Por Juan Pablo Donoso

Tenía los ingredientes para ser una comedia sofisticada, ingeniosa y bien actuada.

Y aunque sus actrices hacen lo posible por mantener el humor, la carencia de antagonistas en el guion impide que este filme despegue y alcance un clímax eficaz.

Comienza con la presentación de dos mujeres expertas en estafar a millonarios bobos y libidinosos. Una muy elegante - Anne Hathaway (Los Miserables 2012 - El Diablo Viste a la Moda 2006); la otra, Penny, una gorda australiana, más pobretona, pero igualmente astuta - Rebel Wilson (Damas en Guerra 2011).

Cuando se conocen coinciden en que juntas serán capaces de extraer las fortunas que deseen de los cándidos ejemplares del sexo masculino.

El conflicto surge cuando ambas compiten por seducir y timar a un magnate de la computación - Alex Sharp (UFO 2018), joven actor ganador del Premio Tony por su actuación en Broadway de "The Curious Incident of the Dog in the Night-Time".

De ahí en adelante, y como venía ocurriendo con anterioridad, la trama sólo se sustenta en pequeños chistes verbales - algunos bastante obscenos en inglés - para irse desinflando hacia los dos o tres falsos finales que nunca logran remachar la comedia.

Hermosa presentación animada de los créditos iniciales; personajes secundarios que prometían una ingeniosa participación posterior - Ingrid Oliver como la Inspectora lesbiana y Douggie McMeekin como el viejo mayordomo - cuya participación se diluye hasta casi desaparecer.

La comediante de stan-up Rebel Wilson produjo esta película con gran boato, sin escatimar escenarios, locaciones europeas, vestuarios ni actores. Hace ostentación de su obesa simpatía y, para consuelo, esta farsa mantendrá entretenidas a las pasajeras de un vuelo en avión.

UNA ELEGANTE DECEPCIÓN POR UN GUION DEFICIENTE.

Ficha técnica

Título Original: The Hustle 
Comedia Andes Films EE.UU. – 1,34 hrs 
Fotografía: Michael Coulter 
Edición: Anthony Boys 
Música: Anne Dudley 
Diseño Prod.: Ashley Lamont 
Guion: Stanley Shapiro, Paul Henning 
Actores: Anne Hathaway, Rebel Wilson, Tim Blake Nelson 
Director:Chris Addison

Nadando por un sueño - Por Carlos Correa

“El gran baño” es el título original de esta comedia francesa dirigida por Gilles Lellouche que trata sobre un grupo de hombres que integran un equipo poco convencional de nado sincronizado que debe luchar contra discriminaciones y estereotipos en una disciplina que es predominantemente femenina.

Cada uno de los integrantes del equipo trae su propia historia. Con un promedio de edad en torno a los cuarenta años, visualizamos diversas situaciones de vida en cada uno de ellos. Crisis de madurez, depresión y diversos problemas personales se unen en esta aventura que comienza como relax y diversión y lentamente va tomando forma cuando se observa en el horizonte la perspectiva de representar al país, Francia, en una competición mundial.

Superando el sentido del ridículo y mucha incomprensión de su entorno, el grupo integrado por Bertrand -Mathieu Amalric- quien está pasando por una depresión al llevar tiempo sin trabajo, Laurent -Guillaume Canet- un jefe malhumorado, Thierry -Philippe Katerine-, empleado de la piscina, Simon -Jean-Hugues Anglade- trabajador de una cafetería con un pasado de acróbata, Marcus -Benoît Poelvoorde-, vendedor de piscinas, más otros compañeros, intenta progresar bajo la guía de su entrenadora, situación que cambia en forma radical cuando se hace cargo de ellos una exigente reemplazante -que además está en silla de ruedas- quien los obliga a entregar el máximo esfuerzo y dedicación hasta llegar incluso al borde de sus propias fuerzas.

La cinta transcurre mayormente como una comedia, no obstante presentar elementos de drama y también de superación personal. El tratamiento es bastante predecible en cuanto a la estructura del guion por lo que en sus 110 minutos no tenemos mayores sorpresas. Los personajes son muy distintos y los actores los encaran adecuadamente, sin sobresalir ninguno más que otro, creando un elenco coral que destaca por su carisma conjunto.

Esta película funciona como una fábula, es decir pone de relieve el trabajo en equipo genuino y esforzado que, no sin tener y pasar dificultades, logra rédito gracias a la renuncia de los personalismos y la unión de todas las voluntades en torno a un objetivo común.

Ficha técnica 

Título original: Le grand bain
Año: 2018
Duración: 110 minutos
País: Francia
Productora: Les Productions du Trésor / Chi-Fou-Mi Productions / TF1 Films Production / Canal+
Género: Comedia | Natación
Guion: Gilles Lellouche, Ahmed Hamidi, Julien Lambroschini
Música: Jon Brion
Fotografía: Laurent Tangy
Reparto: Mathieu Amalric, Guillaume Canet, Benoît Poelvoorde, Jean-Hugues Anglade, Virginie Efira, Leïla Bekhti, Philippe Katerine, Alban Ivanov, Mélanie Doutey, Jonathan Zaccaï, Noée Abita, Erika Sainte, Marina Foïs, Félix Moati
Dirección: Gilles Lellouche

lunes, 6 de mayo de 2019

Dios: una visita incómoda - Por Carlos Correa

Veinte realizadores y tres directores participan en este proyecto de MAFI -Mapa Fílmico de un País, “organización sin fines de lucro dedicada al registro documental con el objetivo de contribuir a la memoria audiovisual del país y fomentar la reflexión social en base a imágenes”- un colectivo que luego de su primer trabajo, “Propaganda”, sobre las campañas presidenciales del año 2013, ofrece ahora su segundo largometraje documental esta vez centrado en la religiosidad chilena con la visita que el Papa Francisco realizara en enero del año 2018 a Santiago, Temuco e Iquique como telón de fondo.

“Dios” se estructura en tres secciones: la preparación de la vista, los días del Papa en Chile y lo que sucede tras su despedida del país. No obstante la importancia que el guion le entrega al viaje, la composición no se queda solo en ese acontecimiento. Haciendo una analogía con una forma musical, este trabajo es parecido a un “Rondó”, es decir, un tema principal -la visita- junto a muchos otros temas que se van presentando durante su recorrido pero siempre volviendo de manera recurrente al tema central. Así, se alternan con el eje principal imágenes de algunos cultos evangélicos, otros ritos católicos públicos y privados, el conflicto mapuche en el sur del país, la discusión legislativa sobre los derechos reproductivos y el aborto, el tema de la identidad sexual, protestas y manifestaciones callejeras, coberturas de prensa y declaraciones, entre muchos otros. En palabras de uno de sus directores, Christopher Murray, se trata de “un viaje por las complejidades que el fenómeno religioso trae, desde los fanatismos más extremos hasta la resistencia más dura”.

En 63 minutos se exponen una serie de clips de distinta duración que van construyendo el relato a partir de las perspectivas que cada uno de ellos entrega. Algunos corresponden a planos estáticos, una cámara que registra lo que sucede en un cuadro fijo al que entran y salen sus protagonistas y otros son el seguimiento de comunidades o bien de personas o grupos específicos que nos hace enfocar aquello que cada realizador decide poner en relieve.

Los cuadros e imágenes que presenta este material tienen numerosos aciertos fílmicos. Son imágenes distintas, algunas con perspectivas exclusivas y que presentan algo así como “lo que no se vio...” y otras ponen incluso mayor énfasis en el entorno y en las reacciones que en el suceso principal que la misma escena contiene. Este tratamiento hace que cada espectador fije su atención en lo que le resulte más interesante y así construya su propia interpretación. Volviendo a la analogía con la música, la forma “Rondó” corresponde a una exposición de temas más que a un desarrollo en profundidad de los mismos. Y justamente esto es lo que sucede con “Dios”, porque no hay un juicio vertido sobre las imágenes o sobre lo que sucede en ellas. Se presenta este material fílmico -cuidadosamente seleccionado y con un claro criterio editorial- pero corresponde a cada uno de nosotros hacer el discernimiento para luego formarnos nuestra propia opinión.

Es interesante observar cómo este trabajo colectivo de tan diversos realizadores toma la forma de un proyecto integrado, con unidad y estilo propio, que además logra desafiarnos, independiente de las opciones, creencias, ideologías o dogmas que cada uno tenga. Este registro documental permite acceder a un nivel de observación diferente que se transforma en “observación activa” pues no nos deja indiferentes. Nos obliga a pensar y a reflexionar sobre las temáticas expuestas a lo largo de este interesante y al mismo tiempo poco previsible metraje aunque el subtítulo señale que es "una visita incómoda".

Ficha técnica

Título original: Dios
Año: 2019
Duración: 63 minutos
País: Chile
Productora: MAFI
Género: Documental
Guion: Antonio Luco, Israel Pimentel, Josefina Buschmann
Fotografía: Adolfo Mesías
Reparto: Documentary
Dirección: Christopher Murray, Israel Pimentel, Josefina Buschmann

jueves, 2 de mayo de 2019

Gloria Bell - Por Juan Pablo Donoso

Nueva versión – estadounidense – del galardonado filme chileno GLORIA, dirigido nuevamente por Sebastián Lelio y protagonizada ahora por Julianne Moore.

Argumento diseñado para lucimiento de la actriz principal. En 2013 nuestra compatriota Paulina García obtuvo el León de Plata en el Festival de Berlín, además de importantes premios nacionales por este rol.

La estrella Julianne Moore (Las Horas-2002, Siempre Alice-2014, Mi Familia-2016) nominada muchas veces, era admiradora de las obras anteriores de Sebastián Lelio (Una Mujer Fantástica y Gloria). Fue por ello que se ofreció para financiar esta nueva versión de GLORIA.

Quienes comparen las dos producciones hallarán diferencias y similitudes. Es posible que muchos prefieran la chilena por su tratamiento más intimista y visceral. La segunda exhibe una producción más elaborada y hollywoodense, pero mantiene la médula del drama y entrega con calidez su mensaje: “más vale estar sola que mal acompañada”.

Una mujer madura, separada, madre de hijas adultas, se siente sola y necesitada de afecto masculino. En una discoteque conoce a un hombre sesentón, separado, y padre también de hijas grandes. Inician un romance que, a partir del sexo casual, comienza a echar raíces más sentimentales.

Serán los grados de coraje y madurez emocional los que determinen el futuro de esta relación.

En Chile se “escapan” sólo a Viña del Mar. En EE.UU. viajan a Las Vegas con la consiguiente suntuosidad.

Aunque John Turturro (Barton Fink-1991) es un excelente actor que admiramos desde hace muchos años, sentimos que el desempeño de nuestro compatriota Sergio Hernández caló con más sutileza en los subtextos e indecisiones de su personaje.

Mantiene buen ritmo, ni muy lento ni acelerado. Logra una duración justa gracias a un guion simple y provocativo que, para esta ocasión contó con la colaboración de Alice Johnson Boher, manteniendo la historia original de Gonzalo Maza.

Julianne Moore declara que se sintió a sus anchas en este personaje. Le permitió barajar los matices de erotismo en su soledad, enamoramiento, inteligencia intuitiva, dignidad femenina y, a pesar del desencanto, seguir optando por la alegría de vivir.

Aunque la metáfora del porfiado gato siamés que la visita resulte algo obvia, nos recuerda que las relaciones familiares pueden ser obstáculos cargantes, y que tampoco la vida diaria ni el amor son miel sobre hojuelas.

GRATA Y ELEGANTE VERSIÓN ESTADOUNIDENSE DE UNA ESTUPENDA PELÍCULA CHILENA ANTERIOR. TAL VEZ MÁS COMERCIAL QUE LA NUESTRA.

Ficha técnica


Tragicomedia, romance Andes Films EE.UU.,Chile – 1,42 hrs. 
Fotografía: Natasha Braier 
Edición: Soledad Salfate 
Música: Matthew Herbert 
Dir. de Arte: Shannon Walsh 
Guion: Alice Johnson Boher, Sebastián Lelio 
Actores: Julianne Moore, John Turturro, Brad Garrett, Jeanne Tripplehorn 
Director: Sebastián Lelio