jueves, 27 de julio de 2017

Dunkerque - Por Carlos Correa

¡Sin palabras!

Al salir es difícil volver a hilar pensamientos o frases. Las emociones persisten, se cruzan, se sobreponen, se contraponen. Las imágenes vuelven, avanzan, retroceden. La música resuena, envuelve, transporta, sobrecoge. Los adjetivos parecen no alcanzar para describir esta experiencia. Christopher Nolan, con mano maestra, lo ha conseguido nuevamente. ¡Y de qué forma! Es tal vez su mejor película a la fecha, algo que no es menor.

Hechos reales ocurridos en las costas de Dunkerque, Francia, en plena II Guerra Mundial. 1940, cerca de 400.00 soldados, mayormente británicos más facciones francesas y belgas han sido arrinconados por el ejército alemán en una situación que parece no tener salida. Enfrentados a una muerte prácticamente segura, solo esperan un milagro, el anhelado rescate que los lleve de regreso a casa.

Narrada con especial cuidado desde tres dimensiones, tierra, mar y aire, “Dunkerque” avanza angustiosamente cada segundo de sus 107 minutos de duración. Y la precisión no es antojadiza. Christopher Nolan tiene una obsesión con el tiempo. Lo hemos vivido con “Memento”, “Inception” e “Interstellar” entre otras. Esta vez hay una relación estrecha entre cada escenario, desde cada perspectiva. Una semana en tierra, un día en el mar y una hora en el aire. Cada visión tiene su línea, ritmo y secuencia. Son tres temas que en un contrapunto perfecto describen con lujo de detalles las sensaciones más intensas que pueden vivir los protagonistas de este “milagro de Dunkerque”, como es recordada esta exitosa evacuación.

Ya sabemos el final de la historia. Conocemos el resultado de la 2a Guerra Mundial. ¿Qué podría ser novedad, o cuál es el valor agregado de una película de estas características? Hay versiones anteriores en el cine y en TV. ¿Cuál es la razón entonces? La respuesta es eminentemente artística. Nolan la entrega con un rodaje soberbio y monumental. Una propuesta arriesgada, con un guión redondo y un desarrollo dramático del mejor nivel.

No solo está presente el contrapunto del tiempo, aquel recurso que se va reduciendo en la medida que el metraje avanza. Hay otros rasgos que están trabajados magistralmente. Uno de ellos es la escasez de diálogos. La cinta tiene muy pocos, lo justo y necesario para afirmar o reafirmar un segmento del relato. La centralidad, por cierto, la tiene la fotografía de Hoyte van Hoytema, se eleva como principal recurso en la paleta impresionista del director. No solo da sustancia al relato sino que entrega planos, relieves y texturas que en conjunto generan sensaciones difíciles de explicar. ¡Y por supuesto la música! Una maravillosa partitura compuesta por Hans Zimmer que se transforma en otro gran protagonista del filme y que cobra por momentos una vida propia, tan llena de angustia como de una paz insondable de acuerdo al contexto relatado.
En síntesis, una obra maestra. Cine macizo y monumental. Una historia íntima, llena de detalles desde la primera escena hasta la última para ser recordada con emoción. En palabras del Primer Ministro Británico Winston Churchill, “un coloso desastre militar” que sin embargo, gracias al sabor a triunfo producto del milagroso rescate, dio nuevos bríos a los británicos y posiblemente cambió el curso de la historia.

Ficha técnica

Título original: Dunkirk
Año: 2017
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Warner Bros. Pictures / Syncopy
Género: Bélico, Drama, Histórico, Basado en hechos reales
Guión: Christopher Nolan
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Hoyte Van Hoytema
Reparto: Fionn Whitehead, Mark Rylance, Kenneth Branagh, Tom Hardy, Cillian Murphy, Barry Keoghan, Harry Styles, Jack Lowden, Aneurin Barnard, James D'Arcy, Tom Glynn-Carney, Bradley Hall, Damien Bonnard, Jochum ten Haaf, Michel Biel
Director: Christopher Nolan

Siete Deseos - Por Juan Pablo Donoso

“Cuidado con lo que deseas, porque se te puede cumplir”. (Antiguo adagio popular).

El tema original parecía interesante. En el interior de una misteriosa caja china de metal habita un espíritu (yaoguai). Puede otorgar 7 deseos a su propietario. A cambio, cobrará con la muerte sangrienta de algún ser querido.

Hasta ahí sería un típico filme de terror truculento.

Pero en este caso, la historia se centra más en una muchachita huérfana de madre (suicidada) e hija de un padre que trabaja como recolector de basura.

En el colegio la desprecian por el oficio de su papá. Desde chica tiene un perrito que adora. Hay una señora vecina que le otorga cierta ternura maternal. Le gusta un compañero de curso que ni siquiera repara en ella.

Cuando entre los desechos encuentra la caja musical hermética con caracteres chinos, se la lleva a su dormitorio. Lo único que lograr descifrar es que puede pedir 7 deseos. Desde su complejo, confiesa en voz alta su deseo de ser millonaria, popular y atractiva para los muchachos. La caja se abre sola en la noche y toca una melodía.

A partir de entonces, cada vez que Clare solicita algo, la caja se lo concede, pero también fallece alguien querido en forma trágica. Lo más crítico será cuando sólo le queden los últimos 2 deseos por pedir.

Al mismo tiempo ella, con sus amigas y una joven médium china, sabiendo que en la caja habita un “yaouguai”, lucubran sobre la existencia de universos paralelos. Y que podría volver atrás en el tiempo y reencontrarse con su madre.

Este aspecto de la historia excede la mera truculencia de lo terrorífico para entrar en lo cuántico y trascendente. Se abriría una puerta para el suspenso espiritual.

Pero en esta película la guionista de color Barbara Marshall dosificó mal los ingredientes. Y pudiendo haber elaborado una historia poética de misterio y crueldad metafísica, aprovechando los traumas de la muchacha (Ej.Carrie), los barajó todos sin optar por una narrativa concreta. Quedó entonces superficial y pedestre en todas sus posibilidades.

Por mucho que el director John R. Leonetti, ex Director de Fotografía en otras películas, intentara enriquecer el lenguaje audiovisual, la inmadurez del guion hizo que lo imponderable fuera previsible, y el caso poco emocionante.

¡Qué diferente a El Exorcista, o los filmes de Brian de Palma y algunos de Stanley Kubrick!

GUIÓN QUE NUNCA SE DEFINIÓ ENTRE UN DRAMA JUVENIL, DE TERROR SANGRIENTO, O DE MISTERIO PARANORMAL. 

Ficha técnica      

Título Original: Wish Upon 
Cine Color Films 
Terror, suspenso, magia 
EE.UU., Canadá – 90 minutos 
Música: Tomandandy 
Fotografía: Michael Galbraith 
Edición: Peck Prior 
Diseño de Arte: Andrea Kristof 
Guionista: Bárbara Marshall 
Actores: Joey King, Ryan Phillippe, Ki Hong Lee 
Director: John R. Leonetti

Cartas de la Madre Teresa - Por Juan Pablo Donoso

Se sabe bastante de la obra y la personalidad de la Madre Teresa de Calcuta, ganadora del Premio Nobel de la Paz en 1976 y santificada en 2016 por el Papa Francisco.

En 1997 se filmó “Madre Teresa, en Nombre de los Pobres de Dios”, protagonizada por Geraldine Chaplin. Y ahora conocimos esta versión, realizada con un presupuesto de US$ 20.000.000.

Para evaluar este filme hay que preguntarse qué pretendieron sus autores. Si se esperaba una biografía atormentada de su protagonista, revelando sus luces y sombras espirituales, será superficial. Si sólo queríamos un semi-documental periodístico para conocer más de su vida, tampoco califica demasiado. Pero si aceptamos la estructura “rememorativa” del relato, entonces los hechos adquieren una cálida cercanía.

Decimos “rememorativa” porque se centra en una colección de cartas que Teresa escribió a su director espiritual, el Padre Celeste van Exem (Max von Sydow), durante más de 50 años. Otro sacerdote, el Padre Benjamín Praagh (Rutger Hauer), bajo la luz de algunos milagros, solicita conocer aquellas cartas para seguir adelante con el proceso de canonización de la monja.

El filme, entonces, se basa en las epístolas de Teresa a su guía desde 1946 en adelante, y cómo desde su labor de educadora en el convento de Loreto comenzó a sentir el llamado desgarrador de los más pobres y desamparados. Fue tal el impacto vocacional que abandonó ese claustro y se internó, sin dinero, en los barrios más miserables de la India para acompañar y ayudar a los descastados de ese mundo.

La narración progresiva de las cartas se va ilustrando en las imágenes. Sabremos de cómo, sin imponer su fe católica, sólo la movía la misericordia y el amor por los que sufrían en tan extrema pobreza. Con el paso del tiempo, y de otras religiosas que abrazaron también la causa, su figura comenzó a tomar renombre mundial. Más ella rehuía la publicidad indentificándose sólo como “el lápiz con que Dios escribe”.

Su carisma estaba en la ACCIÓN. Quienes tuvimos la suerte de conocerla vimos cómo sus palabras eran siempre sencillas y sólo citaba lo que Jesús pide en el evangelio: “Lo que hagas por cada uno de estos pobres, lo haces también por Mí”.

Y es esa la austeridad que ilustran sus cartas. De ahí nace la ternura y la pasión de sus actos. Es innecesario pedirle más. Basta que inspire con su ejemplo.

Filmada con prolijidad en la India, justifica su elevado presupuesto. Si bien la actriz inglesa Juliet Stevenson encarna con cariño y simpatía su personaje, y en especial su manera de caminar, hubiéramos preferido a una actriz más pequeñita (Teresa era diminuta) y de rostro más curtido y rugoso.

Esta cinta emocionará a quienes comprendan la caridad universal de esta mujer, su postura frente al aborto, y educará a quienes deseen conocer más de cerca a este personaje paradigmático del siglo XX.

RASGOS BIOGRÁFICOS DE UNA SANTA CONTEMPORÁNEA, REALIZADA CON SOBRIEDAD EMOCIONAL Y RESPETO.

Ficha técnica

Titulo Original: The Letters 
Cine Arte Galería 
Patricia Ready 
Drama, biografía, caridad 
EE.UU. - 116 minutos 
Música: Claran Hope 
Fotografía: Jack N. Green 
Edición: Andras Ostrom 
Diseño de Arte: Natalie Valentine 
Actores: Juliet Stevenson, Rutger Hauer, Max von Sydow 
Director y Guionista: William Riead

jueves, 20 de julio de 2017

Transformers: El Último Caballero - Por Juan Pablo Donoso

Abrumadora para el público lego. Pero una fiesta para sus seguidores.

Disfrutarán más quienes ya conocen las 4 etapas previas (aún más largas que ésta). Son 149 minutos de incontables combates y espectacularers efectos especiales.

Epopeya clásica que incluye desde los caballeros medievales hasta cataclismos futuristas.

Recargada por el número de secuencias, de personajes, y por la acción casi incesante.

Hay breves momentos de calma con textos que poco importan, tal vez para descansar de los estruendos. Para ello insertaron a connotados actores sólo por motivos taquilleros ya que lo primordial es la acción. (Anthony Hopkins, John Turturro, Stanley Tucci).

Para evitar que los alienígenas de Creyton destruyan la Tierra, hay que hallar el cetro del Rey Arturo, que guardaba en su tumba el Mago Merlín.

Los Transformers son máquinas inteligentes que, cuando es necesario, toman gigantescas formas andróginas. Algunos son Buenos y habitan la Tierra, otros vienen de la galaxia Creyton enviados por la perversa Reina Quintessa, que flota en el espacio con largas piernas de medusa marina. Los Malos atacarán en concomitancia con otros Transformers malditos que habitan desde hace siglos en una nave especial sumergida en el fondo del oceano.

Infaltables y torpes serán también los militares estadounidenses, con geniales matemáticos que intentan dirigir – sin éxito - por computadores las Guerra entre humanos y alienígenas. Solo Cade, el “jovencito bueno” (Mark Wallbrook) y la hermosa Dra. Vivianne (Laura Haddock) serán los héroes definitivos quienes, obviamente, terminanarán enamorados.

Sobran personajes como la niñita huérfana (el toque de ternura) que sabe reparar transformers y casi todos los jefes militares, más abundantes en maquillaje de guerrilla y tanques que en efectividad bélica.

Para el espectador novato es difícil a ratos identificar a los contendores, pero se puede seguir el complejo hilo central de la historia.

Hay resabios de Guerras de las Galaxias en algunos de sus robotitos humorísticos (Cogman). Compaginar todo esto, y a la velocidad con que fluye, es para enloquecer a cualquier editor de imagen y sonido. Se explica el gigantesco presupuesto de US$ 217.000.000.

Con los créditos finales se anuncia la próxima guerrra: será contra el Unicornio espacial.

Se recomienda a los aficionados verla en 3D y en pantalla IMAX.

UN BANQUETE PARA LOS SEGUIDORES DE ESTA SAGA. PARA EL RESTO SERÁ ACCIÓN ABRUMADORA Y RECARGADA DE EFECTOS ESPECIALES.

Ficha técnica

Títutlo Original: Transformers – The Last Knight 
Aventuras, Ciencia ficción EE.UU. – 149 minutos 
Música: Steve Jablonsky 
Fotografía: Jonathan Sela 
Edición: Roger Barton y equipo 
Dirección de Diseño: Anthony Carion-Delion y equipo 
Vestuario: Lisa Lovaas 
Guionistas: Art Marcum, Matt Holloway, Ken Nolan 
Actores: Mark Wahlberg, Laura Haddock, Anthony Hopkins, Josh Duhamel 
Director: Michael Bay

Harmonium - Por Juan Pablo Donoso

“El pecado de los padres recae en los hijos inocentes”. (Axioma de la tragedia clásica).

Bajo esa premisa nos llega esta tragedia contemporánea del cine japonés. Merecidamente obtuvo Premio del Jurado en el reciente Festival de Cannes.

Para algunos resultará un poco lenta, pero creemos que su propósito es introducirnos en el corazón herido de sus personajes más que en la agilidad del relato.

El joven director y guionista Koji Fukada (Adiós al Verano (2013), Hospitalidad (2010), Adiós (2015), elabora un caso de apariencia cotidiana, pero hipnótico, de profunda complejidad psicológica a medida que avanza. Pertenece a la nueva escuela del cine oriental, que privilegia más la evolución que la revolución rupturista del lenguaje dramático.

Lo que se inicia en el hogar de una familia de clase media en Tokyo - un padre artesano industrial, su esposa y su pequeña hijita de 10 años - devendrá en una tragedia cuyas leyes karmáticas se siguen cumpliendo desde que el hombre pudo diferenciar lo bueno de lo malo.

Eludiremos narrar los pasos que llevan a la catástrofe final. Sólo diremos que un día aparece en este hogar un antiguo amigo del dueño de casa que recién ha cumplido años de prisión. Toshio lo acoge en su domicilio y le da trabajo en su taller.

El visitante agradece la hospitalidad tratando de agradar cortésmente a sus anfitriones. Hasta le ayudará a la pequeña Hotaru en sus estudios musicales de armonio.

Al comienzo ignoramos el motivo de sus años en la cárcel y de la extrema generosidad de Toshio, el dueño de casa. Hay algo secreto en la antigua relación de ambos individuos.

Mientras los cuatro disfrutan de una grata convivencia, surgirá una atracción entre Akié, la esposa, y Yasaka, el forastero. Pero antes de consumar el previsible adulterio, el inquilino dará rienda a un instinto aberrante que sumirá a toda esa familia en un infierno espiritual aún más doloroso que la desgracia física que los azota.

El ritmo pausado del relato, la forma gradual en que se van dando los hechos, le otorgan ese hálito verosímil a la conducta de sus personajes. Lo que ocurre viene motivado de antes, y cada uno de esos seres, y de los que aparecen años más tarde, son víctimas de las acciones del ayer.

Los hechos más violentos suceden fuera de la escena. Por eso sólo presenciamos las consecuencias. Se plantean vértigos existenciales que parecieran carecer de respuestas consoladoras.

Invitamos a los espectadores a entrar en aquel hogar, convivir con esos personajes, comprenderlos y dejarse emocionar sin oponer resistencia.

La obra nos dejará admirados y compadecidos. Hasta en el final abierto hay un llamado a enfrentar la vida con humildad, porque nadie está libre de los demonios que yacen ocultos en cada corazón, y que sólo acechan el momento de flaqueza para atacar y herir donde más nos duele.

EXCELENTE Y DOLOROSA.

Ficha técnica

Titulo Original: Fuchi Ni Tatsu 
Cine Arte Galería Patricia Ready 
Japón – 120 minutos 
Tragedia familiar 
Música: Onoyuki Onogawa 
Fotografía: Ken´ichi Negishi 
Edición: Koji Fukada y Julia Gregory 
Actores: Mariko Tsutsui, Tadanobu Asano, Kanji Furutachi 
Director y Guionista: Koji Fukada

jueves, 13 de julio de 2017

El Planeta de los Simios, La Guerra - Por Juan Pablo Donoso


Capítulo final de la última trilogía del Planeta de los Simios. Aunque filmes con esta temática hubo muchos más: 1968-1970-1973-2001-2011-2014-2017.

Súper-súper producción, de casi dos horas y media, con estructura argumental clásica, de bellísimos paisajes, grandes efectos especiales, vestuarios y maquillajes que superan a todas las etapas anteriores, y una epopeya donde el heroísmo y las secuencias bélicas están llevadas a su máximo despliegue.

Había poca expectación con esta nueva gesta luego del desastre de Tim Burton algunos años antes. Sin embargo, ahora el personaje de Cesar será lo que Hugh Jackman es para Wolverine: merecedores de competir para los Oscar. Ambos se ven envueltos en un conflicto ajeno creado por la mentecatez de los humanos.

El líder Cesar envía a los miembros de su tribu de monos a refugiarse en las alturas selváticas mientras él intenta desviar a los militares que desean someterlos como esclavos y después aniquilarlos. Hemos visto al personaje de César evolucionar desde una humillante infancia, pasando por un pacífico liderato, hasta verse ahora obligado a ser un feroz guerrero.

Extraordinaria la interpretación de Andy Serkis en ese rol, por sus expresiones faciales y su habilidad para moverse como un simio.

Es la pugna entre la “humanidad” de César vs. el desquicio al que ha llegado su antagonista el Coronel (Woody Harrelson), quien nos recuerda al psicopático oficial encarnado por Marlon Brando en Apocalipsis Now.

Notable actuación de casi todos los actores y actrices principales. Detrás de complejos maquillajes, y casi sólo con la expresión de los ojos, deben comunicar sus emociones y sentimientos.

Como los textos son reducidos y mucho se expresa con gestos, la música cumple un importante rol paralelo, tanto en las escenas de acción como para las texturas emotivas de los personajes.

En este filme los monos se sienten cada vez más creíbles y plenos de nobleza. ¿Serán los evolucionados simios quienes salvarán, y habitarán, el planeta Tierra del futuro?

GRANDIOSA Y ADMIRABLE REALIZACIÓN. DENUNCIA LA ESTUPIDEZ Y BRUTALIDAD DE LOS HUMANOS.

Ficha técnica


Título Original: War for the Planet of the Apes
Fox Aventuras, drama, ciencia ficción EE.UU. – 140 minutos
Fotografía: Michael Seresin
Edición: William Hoy y Stan Salfas
Música: Michael Giacchino
Escenografía: Amanda Moss Serino
Vestuario: Melissa Brunning
Maquillaje: Naomi Backstadt, Bev Wright, Darah Wyant
Guionistas: Mark Bomback y Matt Reeves
Actores: Andy Serkis, Woody Harrelson, Steve Zahn, Karin Konoval, Amiah Miller
Director: Matt Reeves

miércoles, 12 de julio de 2017

Cars 3 - Por Carlos Correa

Añorando la primera entrega de Cars, aquella del año 2006, esta tercera versión nos devuelve a la esencia de la historia. En esta oportunidad el gran Rayo McQueen parece vivir del pasado. Sus días de gloria podrían haber quedado atrás pues nuevos y jóvenes corredores que son mucho más rápidos que él, le superan fácilmente en la pista de carrera. Sin embargo, el “95” no quiere dar su brazo a torcer ni menos pensar en su retiro. Aún no es tiempo, aún puede luchar, aún puede defender su liderazgo.

La cinta se construye hábilmente como una metáfora de la vida. Alguna vez McQueen también fue un joven que irrumpió en el circuito de la “Copa Piston” y lo ganó todo, arrasando con sus rivales y provocando el retiro de más de algún histórico. Ahora son otros los que irrumpen en escena, llenos de ímpetu, energía y tecnología. ¿Y Rayo? ¿Perdió su lugar, puede mantenerse en competencia, cuál es su futuro?

Emotiva y situada desde esta otra perspectiva, “Cars 3” funciona muy bien en este estilo de fábula. El mundo va evolucionando y lo que ayer resultaba, no necesariamente tiene el mismo éxito hoy. Los cambios son imposibles de frenar y la adaptación a ellos es requisito fundamental para seguir -literalmente- en carrera.

La película explora una serie de elementos, como ya es clásico en la exitosa fórmula de Pixar. La presencia femenina está encarnada por Cruz Ramírez, joven entrenadora y mecánica de carreras, quien es la encargada de guiar y animar al protagonista para que retome los triunfos con diferentes estrategias, herramientas motivacionales, técnicas y actitudes personales. Otro elemento que aparece como fundamental es aquél que visibiliza el rol que cumplimos en diferentes etapas de nuestra vida. Indudablemente no es el mismo siempre y va sufriendo transformaciones. Saber diferenciar este rol es clave en el proceso de maduración necesario para seguir adelante. Los avances tecnológicos también se destacan y se ponen en relieve en el relato. Son nuevos tiempos y hay nuevos aires. Nuevas formas parecen desplazar todo lo conocido hasta ahora. La prensa insistiendo en el retiro de Rayo, el amor propio que lleva a McQueen a tomar decisiones que terminan en un accidente que casi le cuesta la vida y la inspiración en el fallecido “Fabuloso Hudson Hornet”, su mentor, también son argumentos que suponen giros inesperados en una historia llena de sensibilidad y nobleza.

“Cars 3” retoma mucho del vigor de su primera entrega. Se centra en sus personajes y en su desarrollo sin alejarse. No es tan vertiginosa como sus predecesoras, es cierto, sin embargo la animación es simplemente de lujo, muy bien cuidada en los detalles y con el tratamiento de excelencia al que ya nos tiene acostumbrados Pixar Animation Studios.

Por supuesto, esta vez es el turno de “LOU”, el corto animado que siempre nos sorprende previo a cada una de las producciones. Realmente es una pequeña joyita que vale la pena verla con detención. Otra mini fábula animada que tiene mucho que aportar con una temática relevante y actual para reflexionar.

Ficha técnica

Título original: Cars 3
Año: 2017
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Pixar Animation Studios
Género: Animación. Aventuras. Comedia | Coches / Automovilismo. Secuela. Pixar
Guión: Kiel Murray, Bob Peterson, Mike Rich
Historia: Brian Fee, Ben Queen, Eyal Podell, Jonathon E. Stewart
Música: Randy Newman
Fotografía: Jeremy Lasky
Director: Brian Fee

domingo, 9 de julio de 2017

Mi villano favorito 3 - Por Carlos Correa

Esta tercera entrega nos trae de regreso a la pantalla grande al entrañable Gru, Lucy, a las niñas Margo, Edith y Agnes y sus fieles Minions. Sin la frescura de las anteriores (en especial la recordada y ya nostálgica primera parte), la cinta se comporta algo floja, sin mucha novedad y bastante plana desde el punto argumental. Esta vez el villano de turno es Balthazar Bratt , un personaje televisivo de los 80 que una vez que fue desechado, se dedicó a construir su alter ego real. También es el turno de la introducción de otra parte de la historia. Gru tiene un hermano gemelo, Dru, quien lo ha venido a buscar para poder aprender de él y así seguir la tradición familiar de villanos.

Cuando las historias se van gastando y los personajes comienzan a naufragar en una constante repetición de muletillas y acciones, la entretención se limita solo a las situaciones que pueden alterar en algo la rutina que bien conocemos. Es un poco lo que pasa con esta tercera parte, cuyo ritmo narrativo se pierde al no poder sostener el relato, tal vez por predecible, tal vez por conocido o tal vez por la ya vista separación de los Minions en una saga independiente.

El trabajo de animación, siempre pulcro y detallista, se mantiene técnicamente en gran nivel, pero sin duda al carecer de una buena historia que contar, pierde en esencia gran parte de su reconocida fortaleza artística. Por otra parte, la repetición incansable de escenas y acciones también dan cuenta de un desgaste importante. Ya no basta con ver los gags de los Minions o la ya conocida bondad de Gru. Tampoco logran destacar las niñas y el villano de turno, que es solo una mala copia, aparece en un tono muy menor que no representa problema alguno para los protagonistas.

Con una onda retro ochentena en la estética y en la música, “Despicable Me 3” producida por Illumination Entertainment y dirigida por el mismo director de las anteriores entregas, Pierre Coffin y Kyle Balda, y co-dirigido por Eric Guillon, se sitúa lejos de sus antecesoras lo que es una lástima. Buenas ideas que se van trillando, personajes que pierden naturalidad no contribuyen a mantener en alto el nivel. Sabemos que son productos comerciales sin embargo la exigencia es cada vez mayor. No dormirse en los laureles aunque se tenga éxito desde el punto de vista de taquilla parece fundamental para una cuarta parte que está a solo cinco minutos, que es la pequeña ventaja que Lucy y Gru le han dado a Dru al final de la película para ir tras él.

Ficha técnica
Título original: Despicable Me 3
2017 - 90 minutos
Producción: Chris Meledandri, Janet Healy
Guión: Ken Daurio, Cinco Paul
Música: Heitor Pereira, Pharrell Williams
Montaje: Gregory Perler
Dirección: Pierre Coffin, Kyle Balda, Eric Guillon (Co-Director)

sábado, 8 de julio de 2017

Spider-Man: regreso a casa - Por Carlos Correa

En Marvel pueden estar tranquilos. Spider-Man volvió a casa este 2017. Luego de un periplo difícil de entender, sin duda comercial, el querido súper héroe ha vuelto a reiniciar una historia que ya conocemos, la de Peter Parker, un adolescente que tras la picadura de una araña mutada genéticamente, ha desarrollado poderes increíbles.

Peter -Tom Holland- es un tímido estudiante de secundaria en Queens, más cercano a los “nerds” que a los “populares”, víctima de bullying y de bondadoso corazón. Y aquí una novedad que ya había sido esbozada en la última “Avengers”: su mentor es nada menos que Tony Stark -Robert Downey Jr.-, el mismísimo Iron-Man, quien le ha reclutado por su gran potencial para ser parte del equipo de vengadores. Esta vez, el villano de turno es Vulture -un nuevo personaje alado de Michael Keaton- quien se ha apoderado de una tecnología extraterrestre con la que ha desarrollado todo un negocio de armas e ilícitos.

Extenderse en la descripción del relato es revelar una historia que, aunque se basa en la estructura que tienen todas las películas de Comics, en este caso solo se enriquece gracias a las vinculaciones con el universo de Marvel. Escrita en un tono naturalmente más juvenil, ahora Peter no está solo. Su gran amigo Ned Leeds -Jacob Batalon- le acompaña, le acoge, le anima y juntos hacen frente a los desafíos del colegio y también son compañeros en las aventuras de este aspirante a vengador.

La cinta entrega la entretención esperada. El relato, si bien no es tan ágil, resulta medianamente convincente para mantener los 133 minutos de duración. Lo que si extraña de sobre manera es la animación. Esta vez resulta poco reconocible, casi un paso atrás respecto de las anteriores producciones. Los efectos, la fotografía y la velocidad de las escenas más importantes se sienten forzadas. No fluyen, se trancan, pierden dinamismo y con ello frescura. En ese sentido, el contrapunto lo da la naturalidad y simpatía del protagonista, que logra una singular cercanía con el espectador, tanto así que podríamos llegar a pensar que Tom Holland siempre fue Peter Parker, algo extraño luego de tantas recreaciones anteriores.

En una clara intención de mostrar a un joven normal, este regreso a casa del hombre araña marca un nuevo despertar de la saga siempre y cuando crezca en intención, emoción y producción. Ya sabemos que solo el nombre no asegura el éxito, por lo tanto el desafío no es menor si se quiere mantener los niveles de audiencia a los que están acostumbrados. “Spider-Man: Homecoming”, en ese sentido, no es ni la mejor ni la más débil de las entregas a la fecha. Probablemente está situada en un plano intermedio donde con nuevas historias y nuevos personajes -ojo con Michael Keaton- seguramente seguirán interactuando en el futuro lo que nos asegura muchos años más de criminales malvados y superhéroes vengadores.

Ficha técnica

Título original: Spider-Man: Homecoming
Año: 2017
Duración: 133 minutos
País: Estados Unidos
Guión: John Francis Daley, Jonathan Goldstein, Jon Watts, Christopher Ford, Chris McKenna, Erik Sommers (Historia: John Francis Daley, Jonathan Goldstein; Personajes: Steve Ditko, Stan Lee)
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Salvatore Totino
Productora: Marvel Studios / Marvel Enterprises / Columbia Pictures / Sony Pictures
Género: Fantástico. Comedia. Acción. Ciencia ficción | Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. Adolescencia
Actores: Tom Holland, Robert Downey Jr, Michael Keaton, Marisa Tomei, Zendaya, Jacob Batalon, Jon Favreau, Tony Revolori, Laura Harrier, Angourie Rice, Michael Barbieri, Logan Marshall-Green, Donald Glover, Tyne Daly, Kenneth Choi, Martin Starr, Hannibal Buress, Abraham Attah, Michael Mando, Bokeem Woodbine, Jona Xiao, Chris Evans, Gwyneth Paltrow
Director: Jon Watts

Perfectos desconocidos - Por Carlos Correa

Esta cinta del director italiano Paolo Genovese retrata la reunión de siete amigos (tres parejas y un soltero) que se juntan a cenar en la noche de un eclipse de luna. Eva -Kasia Smutniak- y Rocco -Marco Giallini- son los anfitriones -ella analista y él médico especialista en cirugías plásticas- de Bianca, Cosimo, Carlotta, Lele y Peppe. La cita transcurre como un reencuentro de quienes se conocen por varios años, todos sub 50, amigos que han compartido muchas situaciones de sus vidas. Sin embargo, Eva propone un juego. El juego de la verdad, que significa dejar en la mesa los teléfonos celulares y desde ese momento compartir cualquier mensaje o llamado de forma pública como muestra que nadie tiene nada que ocultar. Todos aceptan pero con marcados reparos, pues claro, en este minúsculo aparato podrían ocultarse los secretos más importantes y trascendentes de nuestra vida secuestrada por la tecnología y el entorno digital.

Más cercana al teatro que al cine, el relato no tiene una definición tan clara. El guión, que sin duda es lo fuerte de la historia, combina inteligentemente variadísimos e intensos diálogos. Salvo un formal comienzo y un final desconcertante, la acción transcurre íntegramente en torno a la cena, en la mesa, en el living o en la terraza observando el fenómeno lunar. Y aquello que en un comienzo llama poderosamente la atención -que es la secuencia dramatúrgica- va perdiendo densidad pues lo observamos a través de un lente que por más que intenta variar de ángulo, no logra cautivar con elementos visuales propios.

Vamos al tema de fondo. La caja de pandora que se abre -predeciblemente- con cada llamado y mensaje va complejizando las relaciones a puntos de tensión que parecen salirse de control. Estos amigos comienzan a visualizar que en realidad no se conocen. Las parejas, todas en crisis por diversas razones, descubren realidades difíciles de mantener unidas y la decepción es el sentimiento más generalizado. El soltero, evidentemente también descubierto en un secreto trascendente, es el contrapunto a los casados en un conflicto que le supera con creces.

No es menor la cantidad de producciones actuales que giran en torno al mundo digital en el que estamos actualmente inmersos. No solo nos llama a reflexionar sobre el tema, sobre nuestra capacidad de relacionarnos cara a cara, sino que con claro acento crítico, pone de manifiesto una central preocupación referida a las decisiones que tomamos cotidianamente. Es cierto que el mundo digital no es sino una extensión de nuestro mundo personal, sin embargo las posibilidades que entrega y la forma en que nos desenvolvemos en dicho entorno marcan indudablemente nuestro comportamiento. Si hay secretos en las relaciones personales también los habrá en las relaciones virtuales. Y las mezclas entre ambos mundos producen aun mayor incógnita.

Tal vez si lo más interesante de este trabajo es su estructura dramática basada en el cuestionamiento a lo que estamos viviendo, lo más decepcionante es el tratamiento cinematográfico a la temática que es bastante plano y pobre en cuanto a elementos visuales y artísticos. No obstante lo anterior, y al más fiel espíritu italiano, una vez más es la comedia la que permite pone en relieve temáticas que de otra forma se harían muchísimo más densas y difíciles de abordar, lo que en si mismo ya es un mérito de Pablo Genovese. Pero no basta con el mérito, esperamos que vaya más allá y lamentablemente ello no se produce, al menos esta vez.

Ficha técnica

Título Original: Perfetti Sconosciuti
Diamond Films Chile
Tragicomedia Italia – 97 minutos
Fotografía: Fabrizio Lucci
Edición: Consuelo Catucci
Música: Maurizio Filardo
Guionistas: Filippo Bologna, Paolo Costella
Actores: GGiuseppe Battiston, Anna Foglietta, Marco Giallini
Director: Paolo Genovese

jueves, 6 de julio de 2017

Perfectos Desconocidos - Por Juan Pablo Donoso

¿Hasta dónde puede llegar el Juego de la Verdad? ¿Conviene jugarlo aún entre quienes se tienen extrema confianza y cariño? Eso pregunta esta tragicomedia. Nos habla de los secretos más íntimos de cada persona, y de cómo al violar ese territorio hasta los más bellos sentimientos pueden hacerse añicos para siempre.

Con un guión muy inteligente y bien estructurado, el director Paolo Genovese (Una Familia Perfecta, Inmaduros) y sus co-guionistas nos invitan a presenciar los posibles efectos de esta hipótesis. Si, hipótesis, porque los autores someten a sus personajes sólo a la “posibilidad” de que algo así ocurriera. 

Bajo el embrujo de una calurosa noche de verano, un grupo de antiguos amigos con sus esposas se reúnen a comer en el hogar de Rocco y Eva para disfrutar de una grata convivencia, y observar el eclipse de luna desde el balcón del departamento.

Será precisamente el Eclipse el factor mágico que diferenciará esta obra de tantas otras en que, a partir de un grato encuentro social, se derriban las máscaras secretas de cada uno hasta llegar a una cuasi-masacre de sado-masoquismo. (¿Quién le tiene Miedo al Lobo?, Agosto, Interiores, Es Sólo el Fin del Mundo, etc.).

Este seudo-personaje - el Eclipse de Luna - será quien salve a estos amigos de las brutales consecuencias que hubiera tenido aquel jueguito de la Verdad. Y gracias a un astuto recurso dramatúrgico el filme elude ser un melodrama casi de mal gusto para convertirse en una tragicomedia que, mientras nos hace reír, nos recomienda respetar las flaquezas e intimidades de cada persona y, muy en especial, de la salud matrimonial. “¿Por qué será que tantos matrimonios siguen unidos?”, se pregunta un personaje. 
 
El juego consistió en poner los celulares sobre la mesa mientras comían, con los parlantes abiertos. Cada llamada sería escuchada por todos los comensales, quienes, en una mezcla de humor y curiosidad se enterarían de los contactos, y eventuales recados. Lo que comienza con inocentes llamadas laborales, o familiares, se va transformando en una caja de Pandora de vínculos desconocidos para los cónyuges. 

La situación va provocando reacciones desconcertantes y amargas, hasta el punto de arruinar, además de la cena, la confianza de los esposos entre sí. Y también se revelan otros aspectos sorpresivos de sus inclinaciones sexuales.

Serán las secuencias finales las que rediman las trágicas consecuencias de la aventura. El filme nos simpatiza con cada uno de los bien delineados personajes, invitándonos a aceptar sus flaquezas y recordar que nadie tiene “tejado de vidrio”.

HÁBIL TRAGICOMEDIA ITALIANA QUE INVITA A LA PRUDENCIA Y A LA CARIDAD. QUE NADIE LANCE LA PRIMERA PIEDRA. 

Ficha técnica
 
Título Original: Perfetti Sconosciuti 
Diamond Films Chile 
Tragicomedia Italia – 97 minutos 
Fotografía: Fabrizio Lucci 
Edición: Consuelo Catucci 
Música: Maurizio Filardo 
Guionistas: fFilippo Bologna, Paolo Costella 
Actores: GGiuseppe Battiston, Anna Foglietta, Marco Giallini 
Director: Paolo Genovese