jueves, 25 de febrero de 2016

Dioses de Egipto - Por Carlos Correa

Presentada como una moderna fábula de acción, “Dioses de Egipto” se inspira en la mitología egipcia para crear una historia sencilla, de consumo masivo, donde los verdaderos protagonistas son los valores que el mensaje logra entregar, pues tras todos los grandes efectos especiales, luchas despiadadas, persecuciones, muertes e injustas opresiones, emerge el amor y la justicia como eje central de un relato entretenido, vertiginoso y electrizante.

Tenemos un impensado héroe mortal llamado Bek -Brenton Thwaites- que es quien cuenta la historia y se juega por entero para rescatar a su amada Zaya -Courtney Eaton-. Egipto es gobernado por los dioses, que son más altos y fuertes que los humanos, corre oro por sus venas y tienen la capacidad de transformarse en diferentes aves, prácticamente invencibles. Horus, dios del aire -Nikolaj Coster-Waldau- es el heredero del trono, sin embargo su tío Set -Gerard Butler- dios de la oscuridad y el desierto irrumpe el día de su coronación, mata a su hermano -padre de Horus- y se proclama Rey de todo Egipto. Con ello llega la esclavitud, la opresión y el caos que transforma al imperio en un conflicto permanente.

La cinta no da tregua, la acción se sucede sin descanso y el relato es ágil y ambicioso. Luego de ver el trailer, que cuenta gran parte de la trama central de la película, es posible que tengamos una visión diferente de la cinta, solo acción y sin contenido. Sin embargo, y es una grata sorpresa, va entregando en pequeñas dosis, frases y situaciones que sirven para reflexionar en la medida que se quiera profundizar. Es cierto, es básicamente la lucha del bien contra el mal, la luz contra la oscuridad y la justicia contra la opresión. ¿Nada nuevo? Si, nada nuevo, pero verlo en un una mega super producción no deja de ser interesante, más que por los conceptos propiamente tal, por todo aquello que pueda hacer sentido y así quedar circulando en la mente de los espectadores.

“Dioses de Egipto” es una gran aventura de fantasía. Acompañar a Bek y a Horus en sus desafíos personales, uno luchando por su gran amor y el otro para recuperar su dignidad y así salvar a Egipto hace que estos 100 minutos transcurran animada y fluidamente. Básica y simple, es cierto, con efectos especiales fantásticos -aunque algunos no queden tan logrados-, una música entretenida que recuerda pasajes de “Pedrito y el lobo”, cumple su objetivo con Egipto y su mitología como telón de fondo de una historia humana, sencilla y actual.

Ficha técnica

Título original: Gods of Egipt
Año: 2016
País:  Estados Unidos
Duración: 100 Minutos
Género: Aventura, Fantasia
Elenco: Gerard Butler, Nikolaj Coster-Waldau, Brenton Thwaites
Director: Alex Proyas

miércoles, 24 de febrero de 2016

La Chica Danesa - Por Musia Rosa

Gerda (Alicia Vikander), y Einar (Eddie Redmayne“La teoría del todo”), constituyen un matrimonio de pintores, donde él ya ha triunfado, en tanto ella está buscando aún su lugar en el mundo del arte. Para lo cual Gerda, en ausencia de su modelo, le pide ayuda a Einar para el cuadro que está pintando sobre una bailarina de ballet. 

Lo que empieza como un juego, cuando Einar se pone el vestuario y adopta las poses que corresponden para servir de modelo a su mujer, y luego asisten a una recepción, donde Einar se viste de mujer llamándose Lily y  fingiendo ser una prima de Einar, va complicando y confundiendo al matrimonio, hasta tener que recurrir a médicos que diagnostiquen el caso y busquen una solución.

Por el angustiante clima que viven los dos, donde él, confundido, lucha en pos de su verdad y ella sintiéndose algo culpable creyendo haber provocado la ambigua situación que vive su marido y por sobretodo amándolo generosa y tiernamente, se ven conducidos a tomar una drástica decisión.  
Esta original, dramática y emotiva historia real se ubica a principios del siglo XX en Dinamarca y se desarrolla en elegantes ambientes de interiores y bellos paisajes que Einar ya ha plasmado en sus  valoradas telas y que la fotografía de Danny Cohen ha llevado magníficamente a la pantalla cinematográfica.

El director Tom Hooper (“El discurso del rey”, “Los miserables”), inspirado en la novela homónima de David Ebbershoff, ha tenido el talento, la honestidad y la delicadeza para realizar una película, basada en un hecho real, con el controvertido tema de la homosexualidad y la dramática cirujía  para llevar a cabo la transexualidad de hombre a mujer, la que aquí se justifica diciendo que dios la hizo mujer y el médico curará la enfermedad.

Ficha técnica

The Danish Girl
Fotografía: Danny Cohen BSC                                                     
Ambientación y decorados: Grant Armstrong, Celine de Streel, Tom Weaving
Edición: Melanie Oliver                                                                       
Música: Alexandre Desplat                                                            
Vestuario: Paco Delgado                                                                   
Biografía, drama, transgénero                                                          
Inglaterra, EE.UU. Bélgica Dinamarca Alemania               
Duración:119 minutos
Guión: Lucinda Coxon, David Ebershoff (novela)                           
Actores: Eddie Redmayne, Alicia Vikander, Amber Heard
Director: Tom Hooper

Carol - Por Juan Pablo Donoso

Historia de lesbianismo, que pudo ser conmovedora y compasiva. Se prestigia sólo por el cartel y talento de Cate Blanchett (impertérrita), la introducción de Roody Mara, y una estupenda reconstitución de época: comienzos de los 50 en Nueva York. Pero sucumbe por su débil guión lleno de incoherencias, y por la gran cantidad de largas escenas innecesarias. 

Tal vez la novela  El Precio de la Sal de Patricia Highsmith resuelve mejor los contrasentidos que presenta la película.

Si hay algo que proponía misericordia era la intolerancia en muchos países hacia la homosexualidad en el siglo pasado. Lo peor de este filme radica en la frialdad del tratamiento dramático y la carencia de “motivaciones” que llevan a sus personajes a sufrir por su amor homosexual.

Lo único que está en juego es la custodia de la madre, Carol, de su pequeña hijita que le es arrebatada por el marido. Lo demás es sólo un lento y suntuoso deambular.

Una mujer de buena situación social y económica – con antecedentes de lesbianismo – se enamora de la joven dependiente en una multitienda. La atracción es recíproca. Luego de algunas vacilaciones y negativas de casarse con su novio, Teresa, la muchacha, accede a las atenciones de Carol. Inician juntas un viaje en auto a regiones lejanas para compartir su amor. Pero el marido de Carol las hará perseguir para denunciarla ante la Justicia. Cuando Carol logra un buen argumento legal para recuperar a su pequeña hija, por propia voluntad desiste a ello aduciendo razones seudo-heroicas y poco sustentables.

En medio de un virtuosismo fotográfico, y de una costosa producción, nos hacen creer que el drama de esos personajes es muy trascendente; pero debido a la frialdad e incoherencias lógicas en el desarrollo de las emociones, sólo queda como una exposición distante de lo que pudo ser una historia conmovedoramente humana.

CON  OSTENTOSA  PARAFERNALIA  PRETENDEN  TAPAR  LA FALTA  DE  TERNURA  EN  UN  DRAMA  QUE  PUDO SER  EMOTIVO.   MAL GUIÓN  PARA UNA  DIRECCIÓN  DESCENTRADA.  

Ficha técnica

Guión: Phyllis Nagy, Patricia Highsmith (novela)                                                                             
Fotografía: Edward Lachman                                                                                                                                                                                                Drama, lesbianismo               
Inglaterra – EE.UU.
118 minutos
Actores: Cate Blanchette, Roony Mara, Sarah Paulson, Kyle Chandler
Director: Todd Haynes

La Chica Danesa - Por Juan Pablo Donoso

Belleza y finura serían los conceptos que envuelven a este filme.

El caso real es conmovedor, la fotografía es deslumbrante, y la ambientación y vestuario son prolijos hasta el extremo.

El peligro de caer en un melodrama sensacionalista o erótico era inminente. Fue por eso que el equipo realizador hizo hincapié en la hermosura de los paisajes y calles, en la iluminación de interiores, y en el cuidado de los actores para interpretar un tema tan delicado como el transgénero. 

En Copenhagen de 1926, un joven matrimonio de pintores, Einar y Gerda Wegener se aman y sus obras van imponiéndose en las galerías de arte europeo. Ella, Gerda, le pide a su marido que sirva de modelo para ciertos retratos femeninos. Él, se especializa en paisajes campestres. Pero poco a poco, a medida que Einar posa y colabora con su mujer, siente brotar dentro suyo una segunda naturaleza: la femenina. Los retratos de Gerda aparecen con el rostro de él, y comienzan a tener gran aceptación. 

Pero esto que empezó como un simple juego favorable a la plástica, va consolidando en él su verdadera inclinación interior. Llega al punto de asistir a reuniones  sociales  vestido como Lili Elbe, una supuesta prima del marido. Y por este tobogán nunca más podrá detenerse. Luego de dolorosos ajustes de la pareja, Einar protagonizará una de las primeras incursiones en la cirugía del cambio de sexo en la historia de la medicina.  

Los pormenores del proceso psiquiátrico y matrimonial son el cuerpo dramático de este relato. Y es aquí donde  el tratamiento del director Tom Hooper (Los Miserables, El Discurso del Rey), denota su  buen criterio  para expresar los sentimientos de sus personajes.

En el rol de Einar/Lili, el joven actor Eddie Redmayne (Stephen Hawkins en La Teoría del Todo, Marius en Los Miserables, y en Mi Semana con Marilyn) debe equilibrarse entre el llamado de sus instintos y/o caer en un burdo amaneramiento travesti. Su desafío es tan titánico que a ratos su gestualidad resulta repetitiva, pero siempre logra comunicar el patetismo que nos conmueve. Alicia Vikander, en cambio, como la  desconcertada esposa nos permite identificarnos con su dolor, sin recurrir a desbordes emocionales, ni evidenciar sus carencias afectivas y sexuales. Un notable trabajo de mesura y fineza.

UN DRAMA VERDADERO NARRADO CON DELICADEZA Y CON DESLUMBRANTE  FOTOGRAFÍA  Y  AMBIENTACIÓN.      

Ficha técnica

The Danish Girl
Fotografía: Danny Cohen BSC                                                     
Ambientación y decorados: Grant Armstrong, Celine de Streel, Tom Weaving
Edición: Melanie Oliver                                                                       
Música: Alexandre Desplat                                                            
Vestuario: Paco Delgado                                                                   
Biografía, drama, transgénero                                                          
Inglaterra, EE.UU. Bélgica Dinamarca Alemania               
Duración:119 minutos
Guión:  Lucinda Coxon, David Ebershoff (novela)                           
Actores:   Eddie Redmayne, Alicia Vikander, Amber Heard
Director: Tom Hooper

Brooklyn, Un Amor sin Fronteras - Por Juan Pablo Donoso

Nuestras vidas se componen de circunstancias y de las decisiones que tomamos frente a ellas.

En BROOKLYN se comprueban con claridad estos dos factores. Una sencilla muchacha irlandesa, cansada de la mediocridad de su aldea y de la tiranía de su patrona, luego de aprobar sus estudios de Contabilidad, decide tentar suerte en Nueva York a comienzos de la década de los años 50.

Viajando en 3ª Clase del barco conoce a otra pasajera que le recomienda una pensión decente dónde vivir. En EE.UU. seguirá los consejos de cómo vestir y comportarse para conseguir trabajo.

Los estudios previos de Ellis y su correcto desempeño en una  multitienda le permitirán ascender y desempeñarse cada vez en mejores puestos. Conocerá a un buen muchacho de origen italiano, que trabaja como plomero, se harán amigos y, gradualmente, se enamorarán. 

Cada vez más se adapta Ellis a la vida neoyorkina y todo parece ir por buen camino. Hasta que recibe la noticia de que su hermana ha fallecido en Irlanda. Decide viajar a casa y permanecer un breve tiempo junto a su madre que ha quedado sola. Pero antes de partir deciden casarse con su novio, y a su regreso formar una familia y un hogar.  

Pero en Irlanda vuelve a sentir el llamado de sus raíces. Todos la creen aún soltera. Las amistades le presentan a un joven de promisoria situación quien comienza a cortejarla. En el corazón de Ellis pugnan dos mundos, y también la perspectiva de dos maridos.

Este es el nudo del conflicto; debe tomar una “decisión”: volver a su vida de emigrante eficaz en Nueva York o quedarse para siempre en su patria con un buen marido.

En medio de este dilema surge una “circunstancia” que le permitirá tomar la decisión definitiva.

Los personajes son simples y cotidianos; los aconteceres en ambos países también lo son, sin estridencias. El único conflicto para Ellis está en aquella “decisión” de volver a América o quedarse en Irlanda. 

La sensibilidad y talento de su realizador, John Crowley,  ambientación de época, y la honestidad de sus actores nos mantienen complacidos durante todo el relato. En las vivencias de estos sencillos personajes está la construcción de sus vidas futuras. 

Nos atrevemos a pronosticar que esta película nunca pasará de moda; que el carisma de Saorise Ronan, como Ellis, y la transparencia emotiva de otros personajes conmoverán a los espectadores, siempre que estos sigan siendo seres humanos, por supuesto. 

UN RELATO SIN ESTRIDENCIAS, DE GENTE SENCILLA, QUE NOS LLEGA DIRECTAMENTE AL CORAZÓN.  

Ficha técnica

Guionista: Nick Hornby, Colm Tóibín (novela)                                             
Fotografía: Yves Bekanger                                                          
Ambientación: Irene O´Brien, Robert Parle                                    
Música: Michael Brook                                                                          
Drama, romance                                                                                     
Irlanda, Inglaterra, Canadá – 111 minutos 
Actores: Saoirse Ronan, Emory Cohen, Domhnall Gleeson
Director: John Crowley

Los Hijos del Diablo - Por Juan Pablo Donoso

De entre las muchas películas de terror comerciales, este gore irlandés supera la marca debido, principalmente, a su prolija realización. Logra crear atmósfera, sus protagonistas  se involucran emocionalmente en la trama, y la iluminación y escenografía contribuyen con eficacia.

Aunque el tema es muy conocido, el mérito estuvo en su costoso tratamiento. 

Un matrimonio joven, con una guagüita de meses, se traslada a vivir a un bosque en Irlanda porque él debe hacer una investigación botánica. Los vecinos le advierten que vivir en aquella casa clausurada y lejana les traerá siniestras consecuencias. Ellos hacen caso omiso y los legendarios demonios del bosque comenzarán a atacarlos cada vez con mayor intensidad. El acoso culminará con niveles de paroxismo.

Por su buena factura, unida a un ritmo ascendente y controlado, logran transmitir el terror que se busca, cayendo a ratos, como en la mayoría de los filmes terroríficos, en escenas donde la heroína se interna sola, y con su guagüita en brazos, en la noche oscura del bosque exponiéndose a ser masacrada. 

El director Corin Hardy era especialista en efectos especiales, y aquí demuestra que los aplica de buena calidad. Evoca algunas obras previas de Guillermo del Toro por su densidad atmosférica y la relativa sensatez de sus personajes.

POR  SU PROLIJA  REALIZACIÓN  LOGRA  TRANSMITIR  EL TERROR  QUE  PERSIGUE.

Ficha técnica

The Hollow
BFDistribution
Terror                                                                                                                 
Irlanda
97 minutos                                                                          
Co-guionista: Felipe Marino
Actores: Joseph Mawle, Bojana Novakovic, Michael McElhatton
Director y Guionista: Corin Hardy

Deedpool - Por Carlos Correa

¿Quién es Deedpool? Difícil de responder. ¿Es un superhéroe o un antihéroe? No se sabe muy bien, menos sin tener información y presenciar el comienzo de esta nueva cinta de Marvel que nos presenta a un atípico personaje que apareció originalmente como villano en el cómic “New Mutants”, y más tarde en ediciones de X-Force.

Deedpool -Ryan Reynolds- es Wade Wilson, un personaje que juega de mercenario producto de poderes de regeneración ocasionados por un tratamiento experimental que lo sanó de un cáncer generalizado y que sin embargo lo dejó inestable y bastante desfigurado.

Vamos por parte. La cinta se presenta irreverente, con créditos iniciales que salen de lo común y con una secuencia que necesita volver atrás para explicar por qué se ha llegado a esa instancia. Nuestro protagonista intenta ser gracioso con salidas propias de series de TV y autorreferencias -a sí mismo y a otras franquicias de Marvel- que alivianan una trama que permite sostener un buen ritmo.

Si en un comienzo uno puede estar bastante perdido, el relato se encarga de ponernos al día en todos los detalles. ¿Es una historia de amor, -o de terror, según mi mujer- como señala el narrador? Podría ser, cierto, sin embargo llena de caricaturas y de estereotipos que la configuran de forma especial. En ese sentido, el director Tim Miller logra jugar con las imágenes, con los ángulos y algunos aciertos de acción que permiten incluir escenas tipo sacadas de otras películas del tipo “clip dentro del clip”, lo que da movimiento y acción a un guión que podría ser el top del absurdo pero que se defiende a brazo partido (literalmente).

¿Interesante, experimento o confusión de género? A veces me temo que podemos estar frente a un capítulo piloto de larga duración de una nueva serie de Marvel, sin embargo esta es una cinta hecha y derecha y sobre ello debemos reflexionar. Trama, historia y actuaciones funcionan, algo inclinadas a las referencias sexuales -sin ser demasiado pudoroso- que en tono menor podrían haber sido mejor desarrolladas, junto a una mejor construcción de secundarios que apoyen al alguna vez fallido “Linterna Verde” vestido esta vez con un traje rojo y negro que le queda mejor y al menos pasa la primera prueba. ¿Secuela? De todas maneras, se viene y esperamos cómo se desarrolle para ver si este “Pozo de la muerte” sigue avanzando en el colectivo de los X-Héroes marvelianos.

Ficha técnica

Título original: Deadpool
Año: 2016
Calificación: Mayores de 14 años
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Género: Acción - Ciencia Ficción - Superhéroes
Guión: Rhett Reese y Paul Wernick
Música: Junkie XL
Fotografía: Ken Seng
Reparto: Ryan Reynolds, Morena Baccarin, Ed Skrein y Gina Carano
Director: Tim Miller

martes, 23 de febrero de 2016

Joy - Por Carlos Correa

Una vez más el equipo Russell, Lawrence y Cooper, nos ofrecen -tal como en “Silver Linings Playbook” (El lado bueno de las cosas)- una cinta sostenida por actuaciones que se llevan el mérito en si mismo. Esta vez Jennifer Lawrence encarna a Joy Mangano, una mujer sencilla y trabajadora, madre de tres hijas, con una familia disfuncional quien debe enfrentar el peso de la vida que le ha tocado y sacar adelante su tarea lo mejor posible. Joy es inquieta y tiene un espíritu de superación que la lleva a enfrentar las situaciones cotidianas con un coraje que Lawrence lo hace propio. Pero también es hábil para descubrir necesidades y buscar soluciones. Así, de forma simple, nacen sus primeras ideas de niña y sus inventos -ya mujer- que la convertirán en un ícono de las ventas por TV y en exitosa empresaria.

David O. Russell conduce la historia centrada en Joy. Su perspectiva, sus dificultades y su visión del mundo nos abren los ojos para entrar a la casa de la protagonista. Cuando mencionamos “la casa”, es en verdad su hogar: su madre que se quedó pegada en las teleseries, su padre -De Niro- que la desafía a ser más, aunque sin saber qué puede resultar de aquello y un ex marido que vive con ella y sus hijos en una relación tan extraña como improbablemente “civilizada”.

La cinta, que es una historia real por cierto, está transversalmente cruzada por valores y antivalores muy sencillos de apreciar. Vemos traición, deslealtad, forzosa pérdida de inocencia oponiéndose al valor de la familia, la verdadera lealtad y el amor. Un drama hecho comedia que permite vislumbrar el sabor del éxito inesperado, el fracaso más absoluto y la recuperación gracias a la fuerza humana y decidida de una mujer que se hace poderosa gracias a sus mayores “debilidades” en un mundo machista, de amabilidad superficial por conveniencia -Cooper hace excelente este papel- difícil y duro de conquistar y atraer.

La gran actuación de Jennifer Lawrence, sin embargo, no alcanza para que esta cinta logre despegarse de un guión relativamente plano que no avanza lo suficiente, no profundiza y tampoco logra empatizar del todo. Así en más, la historia es interesante y se sobrepone al relato. Queda, si, la sensación que se podría haber hecho mejor, mientras Jennifer Lawrence consolida una posición expectante como la gran actriz que es, con honestidad, sinceridad y una natural belleza capaz de conquistar cualquier papel que se le presente.

Ficha técnica

Título: Joy
País: Estados Unidos
Año: 2015
Género: Película biográfica, comedia dramática
Idioma: Inglés
Protagonistas: Jennifer Lawrence, Bradley Cooper, Robert De Niro, Édgar Ramírez, Elisabeth Röhm
Isabella Rossellini, Diane Ladd, Virginia Madsen
Dirección: David O. Russell

miércoles, 17 de febrero de 2016

Brooklyn: Un amor sin fronteras - Por Musia Rosa

El director irlandés John Crowlyn llevó a la pantalla cinematográfica la novela homónima de la premiada escritora también irlandesa Colm Tóibín, que narra la historia de la joven Eilis Lacey (Saorise Ronan) en los años 50, quien vive en un acogedor ambiente familiar, dentro de una pequeña y amable ciudad irlandesa.

Su hermana Rose, consciente de la necesidad de Eilis de abrir sus horizontes, le consigue un viaje a Brooklyn, Estados Unidos, donde la Iglesia de Irlanda tiene una casa de acogida para los inmigrantes.

Eilis, de ideas claras, resuelta y generosa, acepta y cruza en barco el océano  hasta llegar a su destino, donde la reciben con cariño, estudia contabilidad, trabaja, sociabiliza con sus compañeras, añora la patria y la familia, y finalmente se enamora de un joven ítalo-estadounidense llamado Tony (Emory Cohen).

Pasa un tiempo y decide viajar a Irlanda porque su madre está sola, viuda y también ha perdido a su hija Rose. Todos la reciben felices, alterna con jóvenes, trabaja y se le abren nuevas posibilidades de vida en su patria. Eilis siente su corazón dividido, lo que la obliga a reflexionar sobre la vida que quiere y sus sueños, para, conscientemente tomar una decisión y elegir finalmente entre dos lugares y dos amores.

Historia sencilla, sin artificios, ni dobles intenciones, porque los que la viven son personas que priorizan  la sinceridad, la honestidad y la generosidad.

Los que podrían creer que la película es simple y predecible, se encuentran con todo lo contrario, porque en esta historia está presente el atractivo de la pureza de los sentimientos, lo efectivo que es actuar con la verdad y la bondad, y lo positivo que es proceder con el valor de tomar decisiones difíciles,  sopesando deberes, compromisos, anhelos, sueños y lo que dicta el corazón.

Un inteligente guión, excelentes actuaciones, música para crear los climas justos que se requieren, más una hermosa y expresiva fotografía, confluyen armónicamente para crear una joyita cinematográfica.
“Brooklyn” es una lección de vida, que motiva a reflexionar, en cómo llegar a la estabilidad emocional, la tranquilidad de conciencia y a vivir en amor, que es lo más próximo a lo que podemos sentir como felicidad.

Ficha técnica:

BROOKLYN: Un amor sin fronteras
País: Reino Unido 
Año: 2015
Distribuidor: Bf Distribution
Duración: 111 minutos
Calificación: TE+7
Género: Drama, Romance
Elenco: Saoirse Ronan, Emory Cohen, Domhnall Gleeson, Jim Broadment, Julie Walters, Michael Zegen, Mary O’Driscoll. 
Director: John Crowlyn

sábado, 13 de febrero de 2016

Deadpool, irreverente y divertido - Por José Astorga


El tema Ángel de la mañana de Juice Newton abre la primera entrega cinematográfica del antihéroe Deadpool –literalmente el pozo de la muerte–, mostrándonos que será una comedia romántica que a los pocos minutos del metraje da un vuelco y se convierte en una comedia irreverente de acción, balas y vocabulario subido de tono.

La primera aparición del personaje fue en New Mutants –Nuevos mutantes– y fue creado por el artista Rob Liefeld y el escritor Fabian Nicieza en 1991, como un villano mercenario y deformado, que al poco andar se convirtió en un éxito entre quienes buscaban un personaje distinto a los clásicos héroes que no usan ni palabrotas ni fuerza letal. Wade Wilson, el Deadpool, usa todos los ingenios armamentísticos disponibles, aunque suele olvidar la mochila rosada con armas y debe emplear su par de catanas con las que no trepida en cortar las cabezas que sea necesario.

En la cinta, Ryan Reynolds, quien anteriormente encarnó a Hal Jordan en la desastrosa Green Lantern –Linterna Verde–, se reivindica con su actuación en Deadpool, haciendo mofa de sus anteriores actuaciones con metadiálogos que son característica del personaje en las historietas, autorreferencias bien incorporadas que harán la delicia de aquellos que están un poco hartos de las invasiones planetarias que ponen en jaque a ligas justicieras sin mucha chispa o que son un poco más de lo mismo.

La historia es simple, pero está plagada de situaciones intratextuales –referencias a otras películas de las sagas de la editorial, incorporación de elementos del Universo Cinematográfico Marvel, como el destruido helicarrier de Capitán América, El soldado de inverno, donde transcurren algunas escenas fundamentales–; intertextuales –otros filmes y actores de cine, productores y creadores–, y también metatextuales: el personaje habla directamente al público con constantes apartes, como solía hacerlo Malcom en la serie del mismo nombre.

En suma, una película de acción entretenida, con diálogos subidos de tono que no son para “las pequeñas orejitas de la casa”, con la incursión en la pantalla de un nuevo personaje de los cómics Marvel que traerá, por lo visto, una secuela y que, además, renueva el estilo de los superhéroes, incluyendo el mejor cameo de Stan Lee visto hasta ahora.

Para quienes esperan las tradicionales escenas poscréditos, “Deadpool” trae dos.


Ficha técnica

Título original: Deadpool
Año: 2016
Calificación: Mayores de 14 años
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Género: Acción - Ciencia Ficción - Superhéroes
Guión: Rhett Reese y Paul Wernick
Música: Junkie XL
Fotografía: Ken Seng
Reparto: Ryan Reynolds, Morena Baccarin, Ed Skrein y Gina Carano
Director: Tim Miller

miércoles, 10 de febrero de 2016

En primera plana - Por Carlos Correa

Esta cinta de Thomas McCarthy da cuenta de lo trascendente que puede ser el periodismo investigativo realizado con rectitud y oficio para exponer verdades que se ocultan a la opinión pública desde diferentes realidades. En este caso se trata del mayor escándalo de pedofilia de la Iglesia Católica en Estados Unidos, donde la Arquidiócesis de Boston cubrió una serie de hechos y actuó sistemáticamente para proteger a un sinnúmero de sacerdotes.

“Spotlight”, su título original, es la división del periódico “Boston Globe” encargada de investigar casos especiales y llevarlos a la primera plana del diario. Conducidos por el editor Walter "Robby" Robinson -Michael Keaton-, el grupo de periodistas Michael Rezendes -Mark Ruffalo-, Sacha Pfeiffer -Rachel McAdams- y Matt Carroll -Brian d'Arcy James- comienzan a descubrir una compleja red de encubrimiento de casos de abusos sexuales. Rastreando archivos, entrevistando víctimas, contrastando testimonios, el secretismo de los casos se va derrumbando en la medida que la investigación avanza. Es de no creer la cantidad de obstáculos presentes en el camino, el temor que ello genera y la cantidad de personas y oficinas involucradas en el escándalo.

La cinta se concentra en la labor periodística y no en el ocultamiento por parte de la Iglesia. No en vano, el Boston Globe ganó en 2003 el Premio Pulitzer al servicio público por esta investigación. Los hechos descubiertos van cambiando a los reporteros, modifican su sentido de responsabilidad y urgencia e indudablemente los enfrenta a la necesidad de caminar juntos buscando la verdad para que hechos de esta naturaleza no se vuelvan a repetir, siendo este es uno de los valores fundamentales de la película.

“Spotlight” tiene su mayor fortaleza en un guión sólido, bien compuesto y que organiza un metraje interesante con excelentes actuaciones de sus protagonistas. En mi opinión, por momentos se torna agobiante, no tanto por su extensión sino más bien por el fondo de la investigación, sin embargo McCarthy tiene la claridad para no caer en un círculo oscuro sino por el contrario, detentar una luz de esperanza al final del camino. En una época sin redes sociales, sin la inmediatez de internet que tenemos hoy en día, el mérito del equipo de reporteros se agranda aun más ante nuestros ojos, y aquello está muy bien representado en esta película, entregando un tenso thriller de investigación, que expone una de las historias de abusos más impactantes y que daría origen a numerosas investigaciones similares en otras partes del mundo.

Ficha técnica

Título original: Spotlight
Año: 2015
Duración: 121 minutos
País: Estados Unidos
Género: Drama | Periodismo. Religión. Abusos sexuales. Basado en hechos reales
Guión: Thomas McCarthy, Josh Singer
Música: Howard Shore
Fotografía: Masanobu Takayanagi
Reparto: Mark Ruffalo, Michael Keaton, Rachel McAdams, Liev Schreiber, John Slattery, Stanley Tucci, Brian d'Arcy James, Gene Amoroso, Billy Crudup, Elena Wohl, Doug Murray, Sharon McFarlane, Jamey Sheridan, Neal Huff, Robert B. Kennedy, Duane Murray, Brian Chamberlain, Michael Cyril Creighton, Paul Guilfoyle, Michael Countryman
Director: Thomas McCarthy

En Primera Plana - Por Juan Pablo Donoso

“¡Ay de aquel que escandalice a uno de estos pequeños porque merece que le cuelguen al cuello una rueda de molino y lo lancen al mar”. Jesucristo (San Marcos 9:42) 

En esta película confluyen tres factores importantes: 1.- Su calidad artística, 2.- Su valor periodístico, y, 3.- Su denuncia de corrupción moral.

Como relato es fluido, sin estridencias dramáticas ni anécdotas laterales; tratamiento que denota lógica y naturalidad. Capta nuestro interés desde el comienzo y nos mantiene atentos para conocer la resolución. La emoción brota del curso  propio de los hechos. Excelentes actuaciones de todos, correspondiéndole a Mark Ruffalo el mayor lucimiento. En lo artístico, un filme espléndido.

Luego de “Todos los Hombres del Presidente” de Alan J. Pakula y “El Dilema” (The Insider) de Michael Mann (1999) tenemos aquí un nuevo modelo de  ejercicio ético del periodismo: a la luz de una sospecha INVESTIGAR, respetuosamente, hasta llegar al meollo de un conflicto. Evitar cualquier componenda de intereses, personales o institucionales, que pudiera desviar la atención del problema central. 

Lo que comienza como la acusación contra unos pocos sacerdotes pedófilos en Boston, gracias a la investigación de un grupo de reporteros del periódico Golden Globe, revienta como escándalo masivo que involucra a cientos de víctimas de estupro contra monjas y sacerdotes. 

¿Situación apañada por los medios de comunicación por motivos económicos, o por voluntaria ignorancia? La magnitud del descubrimiento es tal que los ejecutivos del diario, luego de temores y reticencias, abren la Caja de Pandora logrando un efecto en cadena tanto en EE.UU. como en Europa y el resto del mundo, incluyendo a Chile. Brillante monólogo del abogado – Stanley Tucci – ante el dilema entre el secreto profesional y el dolor y la impotencia de las víctimas.  

Ética periodística que desafía la venganza de los poderosos y se expone a sufrir las consecuencias. Más del 50% de los suscriptores del Golden Globe son católicos, como también los patrocinadores de causas de caridad y clientes publicitarios. ¿Por qué callaron los medios durante tantos decenios?  Una lección de eficiencia y responsabilidad periodística. En todo momento temíamos que la verdad se ocultara tras la complicidad judicial y monetaria.

Al igual que con el caso del Bosque de Karadima, surge para los católicos la contraparte de miles de religiosos abnegados que, sin alarde, siembran y promueven la palabra de Cristo en todos los rincones del mundo. Las estadísticas señalan que el porcentaje de aberraciones eclesiásticas es inferior a la cifra de violaciones familiares, e incestos de parientes cercanos a todo nivel socio-económico. 

El  “reflector” (Spotlight) que cae con tanta fuerza sobre los eclesiásticos radica en que generan mayor “escándalo” en la sociedad (escándalo= aquello que induce a perder la fe en algún valor fundamental). En este filme, al igual que con Karadima, se evidencia el abuso de la supremacía espiritual y psicológica para seducir a las víctimas, necesitadas de modelos, apoyo y orientación. Se expone la sutil diplomacia del Cardenal Law quien, como suele suceder en la dinámica eclesiástica, se limitan a trasladar al clérigo acusado a otra parroquia, le regala un Catecismo al periodista, y se cierra la página… hasta nuevo sismo. Es el antiquísimo “vox populi” que ante un mal comportamiento clerical se opta incluso  por “ascenderlos” a mayor jerarquía en vez de castigarlos. Afortunadamente el Papa Francisco ha sido valiente y claro para afrontar estas antiguas lacras vaticanas.

El filme, por su calidad artística y su lección de coraje periodístico, más que un ataque es un remezón a la conciencia de los católicos quienes muchas veces por un exceso de reverencia jerárquica procedemos como los “buenos alemanes” durante la 2ª Guerra Mundial: cerraban los ojos y la boca cuando sus vecinos judíos eran acarreados a los campos de concentración.  

Estas películas, cuando están bien hechas, son necesarias. Demostremos al mundo que creemos en la fuerza de la confesión para lograr la redención, tanto nuestra como de las víctimas ignoradas. 

TEMA MUY SENSIBLE PARA LOS CATOLICOS, PORQUE DENUNCIA CON HECHOS REALES LA HIPOCRESÍA, ABUSO Y CORRUPCIÓN ECLESIÁSTICA

Ficha técnica

Título original: Spotlight
Año: 2015
Duración: 121 minutos
País: Estados Unidos
Género: Drama | Periodismo. Religión. Abusos sexuales. Basado en hechos reales
Guión: Thomas McCarthy, Josh Singer
Música: Howard Shore
Fotografía: Masanobu Takayanagi
Reparto: Mark Ruffalo, Michael Keaton, Rachel McAdams, Liev Schreiber, John Slattery, Stanley Tucci, Brian d'Arcy James, Gene Amoroso, Billy Crudup, Elena Wohl, Doug Murray, Sharon McFarlane, Jamey Sheridan, Neal Huff, Robert B. Kennedy, Duane Murray, Brian Chamberlain, Michael Cyril Creighton, Paul Guilfoyle, Michael Countryman
Director: Thomas McCarthy

jueves, 4 de febrero de 2016

El Niño - Por Juan Pablo Donoso

Un buen guión y una buena dirección pueden lograr un ameno filme de terror y suspenso si evita caer en manidos “clichés”.

Con esta película los realizadores trataron de superar la marca habitual; elegantes decorados y una edición ágil nos mantienen atentos y expectantes.

Más que las habituales producciones de CHUKY o de poltergeists, durante las ¾ partes creemos que las fuerzas sobrenaturales generan el conflicto. Al final, todo se aclara con una solución realista que nos vuelve al clásico clímax comercial.

Al comienzo todo pareciera tener la influencia delirante de los cuentos de Edgar Allan Poe. Dudamos si lo que ocurre es locura de los personajes o son criaturas fantasmagóricas. Debió seguir en esa línea como El Resplandor de Kubrick.

Una muchacha estadounidense, para olvidar su pasado sentimental, se contrata como niñera en una mansión inglesa habitada por un matrimonio de ancianos. Lo anormal es que tienen un muñeco parecido a un hijo que falleció 20 años atrás en un incendio. Contratan a la muchacha para que cuide al muñeco de porcelana como si estuviera vivo. Cuando ellos se van de viaje y la dejan sola, comienzan a suceder fenómenos paranormales que inducen a pensar que el espíritu del muñeco es quien castiga y/o premia a Greta. 

La actriz Lauren Cohan (que a ratos parece la hermana menor de nuestra “benemérita” Camila Vallejos) expresa con empatía sus estados de miedo y conciliación con el muñeco. Los ancianos padres, Jim Norton=Mr. Mason de Harry Potter, y Diana Hardcastle=Hotel Maringold, le otorgan aplomo, distinción y patetismo al misterioso relato. 

Lo demás debe quedar en reserva para que los espectadores disfruten con las sorpresas y giros del argumento. 
     
EQUILIBRA LA ELEGANCIA CON LA INTRIGA Y EL TERROR PARA MANTENERNOS ATENTOS Y ENTRETENIDOS.

Ficha técnica

Título original: The Boy
Terror, suspenso 
EE.UU.
97 minutos
Guionista: Stacy Menear
Actores: Lauren Cohan, Rupert Evans, James Russell
Director:  William Brent Bell

El Niño - Por Carlos Correa

Con esta cinta, el género de suspenso tiene un pequeño respiro, luego de algunos poco afortunados estrenos el año recién pasado. En esta ocasión, y gracias a un guión preciso, el director William Brent Bell logra un resultado que se ajusta a lo previsto, no defrauda, e incluso da pie para las posibles secuelas que puedan continuar la historia.

Greta -Lauren Cohan, la atractiva protagonista de "The Walking Death"- es una joven norteamericana que llega a trabajar de niñera a una acomodada casa en un lugar remoto de Inglaterra. Su misión es cuidar a un niño de 8 años, que en realidad es un muñeco de porcelana que sus padres tratan como un niño de carne y hueso, pues con ello sobrellevan la muerte de su hijo Brahms en un incendio, unos 20 años atrás. ¿Está vivo el muñeco? Parece que si. Una serie de hechos inexplicables van configurando ese suspenso y lentamente convencen a Greta que de no seguir las reglas estrictas indicadas por los ahora ausentes padres, todo se puede volver en su contra, incluso poner exponer su vida pues todo indica que este "niño" es travieso, juguetón y cuando se molesta puede llegar a ser peligroso.

La película cumple e incluso supera las expectativas que genera, lo que no es un punto menor. La producción se encarga de entregar una buena fotografía, un sonido apropiado y una iluminación acorde a los cortes requeridos. No abusa, y esto es indudablemente un mérito, de los tradicionales recursos que nos hacen saltar de nuestras butacas. El suspenso y la intriga van de la mano de construcciones más extensas que combinan muy bien la tensión y el reposo necesario durante el metraje.

"El niño" es una grata sorpresa para un género que últimamente carece de buenas historias y desarrollos interesantes. Incluso este relato da pie para el esbozo de otros temas paralelos; la vida anterior de Greta, aquello que la une con esta familia a la que ha llegado y la natural relación que se va desarrollando con el joven almacenero del pueblo. Todo esto configura una película ágil y entretenida, que sin tener grandes aspiraciones, desarrolla un correcto y clásico thriller de suspenso-terror.

Ficha técnica

Título original: The Boy
Terror, suspenso 
EE.UU.
97 minutos
Guionista: Stacy Menear
Actores: Lauren Cohan, Rupert Evans, James Russell
Director: William Brent Bell