Star Wars: El despertar de la Fuerza - Por José Astorga

La nueva película de la saga Star Wars iniciada por George Lucas en 1977 –y que cambió por completo la forma de narrar y ver el cine de ciencia ficción–, cumple completamente con lo esperado por sus millones de seguidores al rededor del mundo.

"Star Wars: episodio VII, El despertar de la fuerza", es justamente eso, el despertar de la Fuerza, esa mística energía de la que por primera vez habló el fallecido Alec Guinness encarnando al maestro Obi-Wan Kenobi en la primera entrega, el episodio IV, "Una nueva esperanza": esa energía que fluye y une a todas las cosas en la galaxia. Esta mística, perdida en las entretenidas –por usar un eufemismo– precuelas anteriores, las aceptables "La amenaza fantasma", "El ataque de los clones" y "La venganza de los Sith", es retomada por J. J. Abrams no solo desde la perspectiva narrativa de la estructura interna de la historia, sino también desde la puesta en cine, la forma de contar la historia, la fotografía, la música de John Williams, el humor y la coherencia narrativa, siguiendo los pasos de lo iniciado por Lucas y que se había perdido y llevado hacia a un lado más infantil.

Este nuevo comienzo y continuación de la última parte de la trilogía central desarrollada por Lucas, "El regreso del jedi", incorpora a nuevos personajes conjugándolos con los antiguos –el retorno de Han Solo, Chewbacca, la princesa Leia ahora generala, los robots R2-D2 y C3-PO–, encajando perfectamente las piezas, dando una nueva vitalidad al wéstern espacial.

En lo medular, la búsqueda de Luke Skywalker –Mark Hamill– y la misión secreta de un miembro de la resistencia contra el Imperio Galáctico desencadena una serie de hechos fortuitos que incorporan a los nóveles personajes en la lucha, repitiendo el cómo el adolescente Luke Skywalker se vio involucrado en la lucha que lo llevó a convertirse en un maestro jedi y enfrentarse a su padre, el archiconocido Darth Vader.

Los problemas familiares –la familia Skywalker siempre ha sido la historia de una familia disfuncional– están a la orden del día y son también hilo conductor de esta entrega. Además, el lado oscuro de la fuerza está renaciendo, avanzando por la galaxia, pero en contrapartida, como es de esperarse, la naturaleza de las cosas –o la divina–, intenta equilibrar la balanza entre el bien y el mal y surge tímida la luz.

Como es de esperarse, J. J. Abrams –a quien le encanta destruir planetas en espectaculares explosiones, ya lo hizo con Vulcano en "Star Trek"– emplea todos los recursos a su disposición para crear una extraordinaria película de acción y aventuras en torno a la mitología "Star Wars", incorporando los elementos necesarios para soportar argumentalmente una historia que será el génesis y repitiendo, eso sí, los clásicos tópicos de la cinta de 1977: el desierto, la chatarra, la cantina poblada de criaturas, los traidores y agentes encubiertos, los superdestructores imperiales en forma de punta de flecha, las peleas con sables láser... y también la amistad, lealtad y traición. Un calco en muchos aspectos, si se quiere, de "Star Wars episodio IV, Una nueva esperanza", pero que, en las manos del creador de "Perdidos" y de la revitalización de "Star Trek", son más un homenaje a lo realizado por George Lucas que una falta de creatividad –como han dicho algunos críticos–, ya que, "El despertar de la fuerza", busca reencantar a los fanáticos de la saga original y sin lugar a dudas lo consigue con creces.

Ficha técnica

Titulo Original: "Star Wars: Episode VII - The Force Awakens"
Duración: 136 minutos

Calificación: TE
Género: Ciencia Ficción
Año: 2015
País: Estados Unidos - Reino Unido
Elenco: Harrison Ford, Mark Hamill, Carrie Fisher, Adam Driver, Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac

Director: J. J. Abrams

Star Wars: "El despertar de la Fuerza" - Por Carlos Correa

Siendo "fan" de "La Guerra de las Galaxias" es posible que lo que escriba a continuación no sea objetivo. Dicho esto, el inicio de esta nueva trilogía de la saga creada en 1977 por George Lucas, sin duda es algo largamente esperado. Ahora en manos de Disney —Lucas vendió los derechos el 2012— y bajo la dirección de J. J. Abrams —uno de los creadores de “Lost”—, esta nueva entrega viene precedida de una gran campaña de marketing y las dudas —será, no será, cambia, no cambia— propias de quienes crecimos bajo el alero de una historia que, hay que reconocerlo, es parte de nuestra vida. Aún recuerdo la primera escena del Episodio IV al verlo por primera vez en el cine “Centenario” de La Serena: una mancha en la pantalla que se agranda progresivamente y que da paso a una gigantesca nave espacial que parece no terminar nunca su paso por sobre nuestro. ¡Increíble! Pero vamos al presente, a esta nueva historia que le han llamado " El despertar de la Fuerza".

Situada 30 años después de la batalla de Endor —Episodio VI— la Alianza Rebelde ha pasado a ser la "Resistencia" que se enfrenta a la "Primera Orden", grupo nacido e inspirado en el Imperio Galáctico. Leia —Carrie Fisher— ahora es generala, y encomienda al mejor piloto de sus tropas, Poe Dameron —Oscar Isaac—, seguir una pista en el planeta Jakku, un fragmento de mapa que podría develar el paradero de su hermano Luke Skywalker —Mark Hamill— quien lleva años desaparecido. Poe, perseguido por Kylo Ren —Adam Driver—, claro admirador y seguidor de Darth Vader, decide proteger tan valiosa información ocultándola en su fiel “BB-8”. Luego de ser capturado por Kylo, escapa con la ayuda de Finn —John Boyega—, un soldado de asalto que decide desertar, quien encuentra a Rey —Daisy Ridley—, una recolectora de chatarra que lucha por sobrevivir con los residuos logra juntar. Seguir con algo más de la historia podría dar demasiados detalles, sin embargo en el camino los protagonistas se encontrarán con nuevos amigos, enemigos, personajes emblemáticos de las primeras entregas como Han Solo, Chewbacca, C3PO, R2D2 y muchos más.

Podría escribir bastante sobre la cinta, pues cada tema es un mundo. Trataré de resumir, sin embargo lo primero es lo primero: la música. Impensada sin la maestría de John Williams, quién compone un verdadero concierto para cada uno de los episodios y esta vez no es una excepción. El contrapunto técnico y emocional con las imágenes, las secuencias, la tensión y el reposo de cada escena es vital para el ritmo y fluidez del relato. Tanta es la sintonía que, a mi modo de ver, la partitura es parte medular del elenco y de la historia. J. J. Abrams lo sabe y maneja con una gran solidez la edición, permitiendo amplitud y aire a esta mágica conexión. Desde el punto de vista técnico, la factura de la cinta es de primer nivel con efectos especiales consistentes, logrando recrear y mantener la esencia vital de “Star Wars”.

La temática de este nuevo episodio sigue la estructura de la película inicial de 1977, en un claro guiño-homenaje a Lucas, y va aún más allá. Abre las posibilidades argumentales y logra una interacción generacional notable en pantalla que produce una natural empatía en la audiencia, que en varios casos también se encuentra en un proceso similar. Esta lucha entre el bien y el mal, donde los valores principales son los que están en juego -la familia, el amor, la justicia y la libertad, ente otros- es un campo fértil para poder reflexionar y compartir con quienes recién comienzan a conocer esta historia de humanidad, desarrollada sobre el entorno de la ciencia ficción.

“El despertar de la Fuerza” cumple con creces las expectativas. Enlaza perfectamente con los episodios anteriores y da inicio a una nueva trilogía que se vislumbra interesante y exitosa. No conocemos lo que vendrá, sin embargo confiamos en que la Fuerza seguirá presente y nos acompañará en las próximas entregas de esta historia, tan fascinante y tan actual como lo fue en su estreno.

Ficha técnica

Titulo Original: "Star Wars: Episode VII - The Force Awakens"

Duración: 136 minutos

Calificación: TE

Género: Ciencia Ficción

Año: 2015

País: Estados Unidos - Reino Unido

Elenco: Harrison Ford, Mark Hamill, Carrie Fisher, Adam Driver, Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac

Director: J. J. Abrams

SICARIO - Por Carlos Correa

Escrita por Taylor Sheridan y dirigida por Denis Villeneuve, Sicario es una cinta tremendamente cruda y real. El tráfico de drogas y las matanzas son cada vez más intensas en la frontera entre México y Estados Unidos, un terreno sin ley, donde priman las armas, la violencia y la destrucción. Kate Macy -Emily Blunt-, agente del FBI que lidera operaciones en Tucson, es reclutada por Matt -Josh Brolin-, un agente especial de la fuerza de élite del gobierno norteamericano cuyo fin es combatir a los mayores responsables de los carteles de droga. Este grupo es asesorado por Alejandro -notable papel de Benicio del Toro-, un enigmático personaje que conduce al grupo a un viaje clandestino para encontrar al mayor responsable de las salvajes matanzas fronterizas.

Villeneuve nos regala una cinta de excepción. La calidad de la filmación y del relato -sin puntos medios ni bajos- es realmente de lujo. Las tomas amplias, los planos aéreos, el ritmo de las secuencias y los momentos de tensa calma están perfectamente logrados gracias a una cuidadosa fotografía y edición. Todo calza en el metraje; la música, los diálogos, los gestos de cada uno de los personajes se unen en un recorrido que nos inserta en el clima que los autores quieren entregar a esta película.

La violencia desplegada es muy fuerte. Hay una primera capa que podría impedir llegar más al fondo del idealismo que Kate profesa y las condiciones de un entorno brutal. Ella es apegada a las normas, a “lo justo”, sin embargo en el camino comienza a darse cuenta que este ideal es absolutamente contradictorio con la realidad que se vive “en terreno”. A pesar que su vocación es clara y desea atrapar a los responsables, no está de acuerdo con la forma con la que este grupo lleva a cabo las operaciones por lo que su contradicción es absoluta. No quiere ser solo una observadora, quiere ser parte del proceso pero no puede serlo, no quiere serlo; ya no sabe realmente quién es y qué hacer. Este dilema ético y moral es la piedra angular de la cinta, y tanto el elenco como su director lo trabajan de forma estupenda, clara y concreta.

“Sicario” es de un nivel cinematográfico altísimo, de lo mejor de la temporada en su género. Es una película a considerar, que merece la pena verla con detención, calma y criterio. Sin duda es una ficción, sin embargo queda muy claro que puede ser más que una realidad. Hace carne aquel dicho que “la realidad supera la ficción”. Si fuera una historia real, no cabría la menor duda. Y podría ser mucho más real de lo que siquiera imaginamos. Allí Villeneuve nos desnuda y provoca, nos confunde y nos despierta compasión. Nos hace parte, nos suma y nos involucra. Reflexionamos y cuestionamos gracias a su mirada, y su cine nos seduce y nos maravilla.

Ficha técnica

Título original: Sicario

Género: Drama , Suspenso , Crimen

Duración: 121 Minutos

Elenco: Emily Blunt, Benicio Del Toro, Josh Brolin

Director: Denis Villeneuve

Navidad con los Cooper - Por Juan Pablo Donoso

Caleidoscopio navideño de los miembros de una familia, narrado por el perro de la casa. 

Puede tener dos niveles de lectura: a) el de una simpática y almibarada comedia para esta época del año, recomendable para todo espectador, y, b) el de una descarnada sátira sobre los clichés de buen crianza que, bajo el pretexto de festejar la Navidad, se burla ante nuestras narices de las convenciones y mentiras sociales.

En la primera acepción cumplirá con entretener, hacer reír, e incluso enternecer a ratos. Será comercialmente  satisfactoria.

Pero nos inclinamos por la segunda lectura, ya que la cuidada selección de actores y el giro en la resolución, nos denuncia algo mucho más patético y doloroso.

Cada uno de los integrantes de esa familia tiene su pequeña historia: de soledad, de rupturas matrimoniales, de amores clandestinos, demencia senil, cleptomanía, erotismo en la vejez, indefinición sexual, inmadurez adolescente, y temores infantiles.

Todas estas historias se van conociendo mientras se preparan para asistir a la cena de Navidad en casa de los padres (John Goodman y Diane Keaton), quienes han tomado la decisión de divorciarse, pero por esa noche, prefieren mantenerlo en secreto todavía.

Mas, luego de un apagón de la energía eléctrica durante la cena, todo empieza a cambiar y los secretos a revelarse. El derrame cerebral del abuelo los lleva a todos a la clínica, y aquí comienza el factor satírico del relato. De pronto, y como por arte de magia hollywoodense, todos los conflictos comienzan a resolverse al mismo tiempo y estalla ante nosotros un grotesco final de novela rosa para que – supuestamente – quedemos contentos y salgamos felices del cine a celebrar la Navidad con nuestras familias.

Pero la realidad es que en aquella secuencia de “final feliz” forzado todo es notoriamente mentiroso. Incluso los diálogos son pedestres. Y por algo se menciona, y deja constancia al comienzo de la cinta, el patético “final abierto” del filme Luces de la Ciudad de Charles Chaplin. 

Si miramos esta película más allá de sus “monadas” sentimentales, tal vez descubramos el trasfondo amargo que ocultan las personas  “verdaderas” tras las campanitas, los villancicos y los oropeles navideños.

UNA ROMANTICA COMEDIA DE NAVIDAD QUE ESCONDE UN CUCHILLO  DE  DOBLE FILO. ES  MAS  INTELIGENTE  DE  LO QUE  PARECE.

Ficha técnica

Love the Coopers

BFDistribution

Tragicomedia                                                                                                  

EE.UU.

107 minutos                                                                       

Guión: Steven Rogers 

Actores: Diane Keaton, Olivia Wilde, Amanda Seyfried, Marisa Tomei, John Goodman, Alan Arkin, Ed Helms.

Director: Jessie Nelson

En el corazón del mar - Por Carlos Correa

Esta cinta está basada en la novela “In the Heart of the Sea” de Nathaniel Philbrick sobre el dramático viaje del buque ballenero Essex, historia en la que se basó Herman Melville para escribir la famosa “Moby Dick”.

En el invierno de 1820, el buque británico Essex sale a alta mar en busca del preciado aceite de ballena bajo la conducción del capitán George Pollard Jr. -Benjamin Walker-, y su primer oficial Owen Chase -Chris Hemsworth-. Sin resultados favorables, se aventuran aún más cuando son atacados por una ballena blanca colosal por lo que su supervivencia pasa a ser la razón de ser y lo fundamental de la frustrada travesía.

El director Ron Howard nos presenta una revisión del clásico “Moby Dick” desde otro punto de vista. Contada por un sobreviviente de la tragedia, la historia es por momentos desgarradora. Por un lado, el relato hace hincapié en las diferencias irreconciliables entre Pollard y Chase referidas a la autoridad, las decisiones y la conducción del navío -y en general, su diferente visión de la vida- y por otro releva la situación precaria de los barcos balleneros que responden a la codicia de sus empresarios marítimos que les envían a buscar la materia prima sin pensar en los riesgos que aquello conlleva. 

La diferencia de personalidades de los dos oficiales es en extremo clara. Uno, Pollard, proviene de familia de apellido, con historia y que basa su acción en la autoridad conferida. El otro, Chase, tiene un origen humilde, ha debido esforzarse para lograr sus objetivos y se ha ganado su prestigio en base a hechos concretos y a un conocimiento de su oficio en la práctica del día a día. Howard no ahonda en ello, solo los muestra en su accionar y como sus decisiones van afectando el rumbo de los acontecimientos.

La película es esencialmente visual. Sus efectos especiales ilustran de excelente forma las situaciones de tensión y vale la pena verlos en pantallas iMax con 3D. Donde la cinta se sumerge en algunos vacíos es en el contenido y sustancia del relato, que cuando no hay acción, no logra profundidad en los diálogos y tampoco en la empatía de los protagonistas. Ya en el último tercio y bajo durísimas condiciones, vemos los mayores desafíos valóricos y humanos de los sobrevivientes, cuando las malas condiciones del clima, el hambre, el terror, la desconfianza y desesperación de estar a la deriva les hace dudar de sus creencias más profundas.

“En el corazón del mar” es finalmente entretención y no se aleja de aquello. Las concesiones al público masivo son claras y precisas en ese sentido, solo que en ocasiones frustra que el material sustantivo sea llevado a un nivel superior, tanto en la forma como en el fondo requerido para contar la historia. No solo vale una excelente recreación de época, efectos impresionantes y acción. También necesitamos entrar en la historia, ser parte de ella y en ese sentido no llegamos al corazón de la cinta. Aunque hay claros intentos, y los valoramos profundamente, no despegan y constantemente vuelven a lo que naturalmente es su centro: la acción espectacular de un relato que intenta ser épico y que no trasciende la frontera para lograrlo.

Ficha técnica

Título original: In the Heart of the Sea

País: Estados Unidos

Año: 2015

Género: Drama

Clasificación: +12

Producción: Brian Grazer

Guión: Rick Jaffa, Amanda Silver, Charles Leavitt

Música: Roque Baños

Fotografía: Anthony Dod Mantle

Protagonistas: Chris Hemsworth, Benjamin Walker, Cillian Murphy, Tom Holland, Brendan Gleeson, Jordi Molla

Dirección: Ron Howard

SICARIO - Por Juan Pablo Donoso

Tremenda violencia y corrupción – a todo nivel – que involucra tanto a  los carteles de droga como a los policías y a las autoridades estatales. Para algunos espectadores sólo será un filme de acción, crímenes e intriga. Pero hay más que eso. 

La oscura densidad del guión – escrito por el actor Taylor Sheridan – refleja la visión que el director Denise Villeneuve tiene de nuestros tiempos: “Este filme trata de la alienación de los ciclos de violencia; de cómo en algún momento nos vemos arrastrados por esas espirales de brutalidad y nos preguntamos “¿Existe solución?”. Con esta película me limito a formular la pregunta. No tengo la respuesta”. 

Así, la autoridades del FBI, la CIA y otras, reclutan a una eficaz y solitaria policía de Delta Force (Emily Blunt de La Reina Victoria) en la gesta de desarticular una bestial red de narcotraficantes del cartel mexicano. Habrá que ir torturando a los cabecillas hasta llegar al jefe máximo. 

Kate, inexperta al comienzo, pronto será testigo, víctima y ejecutora por defensa propia del proceso sanguinario. A través de sus ojos asombrados veremos como casi todos son “lobos que se comen a otros lobos”, ya sea por ambición de dinero y poder, o por mera venganza personal. 

Para enfrentar esta guerra, las batallas dispondrán de los más avanzados medios tecnológicos: visión satelital, helicópteros y lentes infrarrojos. 

Comienza el filme definiendo los orígenes de la palabra “sicario”: (ant.) terroristas judíos (sicariis) contra el poder de Roma Imperial; mercenarios y, en su acepción moderna, asesinos a sueldo, personas que matan por un salario. 

El drama de “conciencia” en este relato es la confrontación de una mujer envuelta en estas misiones, junto a su guía y tutor (Benicio del Toro) para quien ser SICARIO ya es un oficio, parte de su naturaleza, por venganza personal y sin remisión.   

    

DENUNCIA DE BRUTALIDAD Y CORRUPCIÓN, INPUNES A TODO  NIVEL.  

Ficha técnica

EE.UU.

2015

121 minutos    

Drama , Suspenso , Crimen, Corrupción                                                                    

BFDistribution

Guión: Taylor Sheridan                                                                                                   

Actores: Emily Blunt, Benicio Del Toro, Josh Brolin

Director: Denis Villeneuve   

El Crítico - Por Musia Rosa

Víctor Téllez (Rafael Spregelburd), hombre más bien huraño, apático y algo cínico, trabaja como crítico de cine, desde la plataforma del intelectual que venera y añora la nouvelle vague francesa que irrumpió en el cine a fines de los años  cincuenta y que, en un contrapunto con ese cine, demuestra sentir un profundo rechazo y desprecio por la comedia romántica que invade las pantallas, la que él se encarga de destrozar en sus comentarios.

Víctor está divorciado y anda buscando un departamento para cambiarse, en este trámite se cruza con una hermosa joven, Sofía (Dolores Fonzi) quien lo sorprende y enamora, con su personalidad espontánea, alegre y sin complicaciones, lo opuesto a él.

Víctor, al definirle su trabajo profesional, le dice que él es un intermediario entre la película y el público, para que la gente pueda discernir entre una obra de arte y una producción menor. 

En sus constantes y fortuitos encuentros Sofía lo remece en sus convicciones y prejuicios, mientras él se resiste, se confunde y,  parece ir evolucionando, aunque a contrapelo. 

Es como si la comedia romántica lo interpelara de un mazazo, aunque luego, su naturaleza le impidiera reaccionar, con la celeridad que la situación lo amerita, pero… queda en el ambiente la posibilidad de una secuencia que complete finalmente la historia.

El crítico de cine Hernán Guerschuny, debutando como director de cine en “El crítico”, utiliza un estilo narrativo que desconcierta y atrae, al mostrar a Víctor Téllez narrando lo que siente, en off y en francés, como homenaje a la nouvelle vague que tanto admira, lo que unido a otros guiños al cine, le da ritmo y atractivo a un excelente filme que interesará y gustará tanto a cinéfilos como al público en general.

Por su parte la fotografía y los colores crean el clima propicio en cada situación y la pareja protagónica, en gran actuación, al contraponerse en su concepción de vida, combina perfectamente con la inteligente propuesta del director: la realidad de la vida no se encuentra en los extremos, ni en el pesimismo del fracaso y la desilusión, ni en el optimismo del beso final del “happy end”.

La vida es más que eso, es de dulce y agraz en cada etapa, y en nuestro empeño está la posibilidad de optimizarla, cada vez.

Ficha técnica

El Crítico

País: Argentina, Chile

Año: 2013

Calificación:

Duración: 98 minutos

Género: Drama

Elenco: Rafael Spregelburd, Dolores Fonzi, Ana Katz, Ignacio Rogers, Telma Crisanati, Eduardo Iacono, Marcelo Subioto, Blanca Lewin

Director: Hernán Guerschuny

El Crítico - Por Carlos Correa

Esta película del director argentino Hernán Guerschuny cuenta la historia de Víctor Téllez -excelente personificación del dramaturgo, director y actor trasandino Rafael Spregelburd-, un crítico de cine respetado en el medio, con fama de severo y riguroso, cuya mirada es que ya no existe nada original, digno de las obras de arte del pasado, quien mientras busca un nuevo departamento donde mudarse, se encuentra accidentalmente con Sofía -Dolores Fonzi- una atractiva y carismática mujer que le hace modificar su rutina y cambiar su perspectiva de la vida.

La cinta es del año 2013 y corresponde a la primera obra de su autor. Es cine dentro del cine, gracias a un inteligente guión y un relato que, aunque por momentos se torna algo lento, logra captar algunos detalles que reflejan los oficios de realizador y crítico, sus encuentros y desencuentros, con la cuota de gusto personal, subjetivo y artístico que cada persona puede tener al valorar o calificar una expresión artística.

Los moldes tradicionales de una comedia romántica están incorporados en “El Crítico”. Es más, al comienzo de la cinta hay una descripción perfecta de aquello que Téllez -amante del cine de autor, en especial del francés- odia con todo su ser y que con el correr del metraje le va llevando, pese a su resistencia, a ser protagonista de su propia historia, viviendo así en carne propia lo que siempre ha criticado.

Hernán Guerschuny logra construir una cinta interesante, apoyado por un grupo de actores que realizan muy bien su trabajo. Los protagonistas lucen y los actores secundarios apoyan de muy buena forma los hilos que el relato va tejiendo, salvo la presencia de un par de ellos que el metraje no logra finalmente justificar.

“El Crítico” supera las expectativas que su trailer -muy bien compuesto- provoca. La historia, por cierto, es mucho más profunda de lo que la cinta contiene en su primera capa. Habla de humanidad, soledad, desesperanza; de una vida que se marchita y que no tiene vuelta atrás. Sin embargo, la comedia le permite a este drama surgir y renacer, con el amor como centro de la ilusión, y que es capaz de mover a Téllez desde lo que más detesta a aquello que le permite, finalmente, tener una razón para vivir.

Ficha técnica

El Crítico

Año: 2013

País: Argentina

Duración: 98 minutos

Productores: Hernán Guerschuny, Pablo Udenio, Hugo Castro Fau, Carolina Alvarez, Carlos Núñez y Gabriela Sandoval

Fotografía y cámara: Marcelo Lavintman

Montaje: Agustín Rolandelli

Música original: Juan Blas Caballero

Reparto: Rafael Spregelburd (Víctor Tellez), Dolores Fonzi (Sofía), Telma Crisanti (Agatha), Daniel Kargieman (Schuster), Ana Katz (Roxana), Ignacio Rogers (Leandro Arce), Eduardo Iacono (Gorodisch), Marcelo Subiotto (Margulis), Blanca Lewin (Pinni), Gabriela Ferrero (Marta), Marta Pacamicci (Nélida)
Director: Hernán Guerschuny

Guagua Cochina - Por Juan Pablo Donoso

Ágil y lúdico lenguaje de cámara y edición. Concuerda con la dinámica de los personajes y con su manera de vivir y comprender la vida. En ese sentido muy bohemia neoyorkina. Pero lo que en un comienzo es la lograda ambientación, interna y vecinal, y sus propósitos de concebir un hijo, en los últimos 20 minutos se transforma en un desquiciado evento policial, sin lógica ni sentido común, que deja el relato trunco – ni siquiera de final abierto – y donde el destino de esos cordiales jóvenes ya ni siquiera nos importa. 

Una pareja de homosexuales masculinos – un blanco y un negro – quieren tener un hijo. Para ello necesitan que una muchacha amiga lo geste en su vientre. Ella está de acuerdo; pero el joven blanco (Sebastián Silva) carece de suficientes espermatozoides. Entonces, y luego de algunas vacilaciones de conciencia por parte del negro, éste acepta y la niña se inocula el esperma fértil. 

Todo parece ir bien, salvo por un vagabundo trastornado mental que molesta a los vecinos del barrio, y que en un momento se pone agresivo. Por defenderse el joven blanco lo golpea en la calle y cree haberlo asesinado. De ahí en adelante, en vez de llamar a la policía y alegar defensa propia, entran todos en una espiral neurótica de pánico que escapa a toda racionalidad narrativa… 

Durante gran parte del desarrollo, cada uno de los personajes se comporta en base a causas y efectos reconocibles. Pero en el sector final, nuestro personaje principal – motivado por el  accidente – se enloquece y adopta un comportamiento errático en el que incluso involucra al resto de sus compañeros. Cuasi delito sin  juicio legal, ni menos de castigo, que termina con muchos jóvenes blancos y negros divirtiéndose en una cancha de patinaje (¿?). Condorito habría dicho “exijo una explicación” para tan violento giro en el discurso dramático… por muy “modernas” y anti convencionales que sean las costumbres de Brooklyn y/o del Greenwich Village, o cualquier otro barrio seudo artístico de una gran ciudad. 

¿Qué nos quiso comunicar el autor con esta fábula? ¿Qué así se ocultan los crímenes en Nueva York?  ¿Que así como conciben una nueva vida destruyen otra impunemente? (¿?).  

PROLIJA  REALIZACIÓN  FÍLMICA  EN  UN  RELATO QUE  SE DESQUICIA  GRATUITAMENTE  AL  FINAL

Ficha técnica

Nasty Baby  

Tragicomedia                                                                                              

EE.UU. – Chile 

101 minutos      

Año: 2015                     

Edición: Sofía Subercaseaux                                                                     

Música: Danny Bensi y Saunder Jurriaans

Actores: Sebastián Silva, Tunde Adebimpe, Kristen Wiig Fotografía: Sergio Armstrong
Director y guionista: Sebastián Silva

Secretos de una Obsesión - Por Carlos Correa

Esta cinta escrita y dirigida por Billy Ray, basada en la novela de 2005 de Eduardo Sacheri, “La pregunta de sus ojos”, sin duda tiene similitudes con la gran adaptación que en realizó el año 2009 el director argentino Juan José Campanella y que ganó el premio Óscar. No obstante aquello, este “remake” tiene vida propia y varios aspectos que la independizan y valoran en forma particular.

El equipo de investigadores del FBI, Ray -Chiwetel Ejiofor- y Jess -Julia Roberts-, junto a la asistente de fiscal, Claire -Nicole Kidman-, quedan impactados al descubrir que la hija adolescente de Jess ha sido brutalmente asesinada sin motivo aparente. Trece años después, aún obsesionado por encontrar el paradero del asesino, Ray encuentra una pista importante para resolver el caso.

El asesinato está ubicado temporalmente muy poco tiempo después de los atentados del 11-9 lo que constituye una diferencia importante en la construcción de los personajes, sus rutinas e ideas fijas. La cinta entrelaza el presente (2015) y el pasado (2002) de una forma natural, viva e inteligente, situando el relato en una atmósfera confusa, por momentos difícil de seguir, por cierto muy interesante, logrando un guión muy bien armado y fluido, sin puntos bajos.

La actuación de Julia Roberts destaca de forma natural. Jess ha dejado de vivir. Está muerta en vida. La pérdida de su hija es irreversible y ha provocado una fractura que es imposible dejar atrás. Todo esto está representado magistralmente por la protagonista, dotando a su personaje de rasgos emocionales intensos y de una mirada que realmente perturba y conmueve. Realmente Julia Roberts logra un papel excelente, el que está muy bien acompañado por Chiwetel Ejiofor -“12 años de esclavitud”- y por Nicole Kidman, cuyo rol es el opuesto de la protagonista: frialdad, cálculo y racionalidad a niveles máximos.

“Secretos de una obsesión” cumple con su género y nos regala una nueva visión sobre el horror de un asesinato que puede quedar sin un culpable que pague por su crimen. Además, la cinta pone de relieve la amistad, la lealtad, el cariño y el profesionalismo con que Ray enfrenta la pérdida de su amiga. ¿Hay límites entre justicia y venganza? ¿La obsesión se transforma en la búsqueda de lo justo o es finalmente un motivo para castigar? Las interrogantes las deja abiertas y contribuye con ello a entregar un relato sólido, reflexivo y convincente.

Ficha técnica

Secret in Their Eyes 

2015 

EE.UU.

111 minutos

Policial

Guionistas: Billy Ray, Juan José Campanella (film "El secreto de sus ojos"), Eduardo Sacheri (Novela) 

Actores: Chiwetel Ejiofor, Nicole Kidman, Julia Roberts
Director: Billy Ray

Secretos de una Obsesión - Por Juan Pablo Donoso

Versión estadounidense del laureado filme argentino EL SECRETO DE SUS OJOS (2009), dirigido por Juan José Campanella, y adaptado de la novela La Pregunta de sus Ojos de Eduardo Sacheri.

Quienes desconocen la cinta argentina disfrutarán de este relato ya que su trama y sus personajes están bien concebidos y la historia tiene bastante misterio, tanto policial como psicológico.

Sin embargo, la dirección de Campanella en 2009 logró una atmósfera más espesa, profunda y con menos concesiones para el gran público.   

Mientras en Los Ángeles el FBI previene afanosamente posibles ataques terroristas islámicos, la hija de una policía es asesinada y violada de manera brutal y sin motivo aparente junto a una mezquita. La madre se obsesionará por hallar al delincuente. Se involucra en su ayuda un policía que venía en otra misión desde Nueva York. Trece años después este policía encontrará una pista del asesino e iniciará con porfía su rastreo. 

La historia alterna momentos del presente con otros del pasado, y dentro de estos, otros más. Todo ello nos va entregando claves dispersas de dónde y quién podría ser el psicópata. Hasta llegar en instantes a confundirnos. 

El principal obstáculo para el FBI es que un joven muy sospechoso es también un valioso informante para la policía de posibles atentados terroristas. ¿Qué hacer entonces con un casi evidente asesino y violador quien a la vez es pieza fundamental para prevenir atentados masivos en EE.UU.?

En medio de este dilema y de la compleja pesquisa se va cerrando el cerco para terminar con un hecho sorprendente e inesperado entre sus personajes.

Hay escenas y diálogos casi literales de su original argentina. En otros momentos el director Billy Ray y su equipo logran gran virtuosismo cinematográfico de ángulos y desplazamientos. De las actrices famosas Julia Roberts, como la madre, logra una caracterización más lucida que Nicole Kidman, quien a ratos nos hace dudar si su rol, de pocos matices, es tan importante para la trama. 

TENSA RECREACIÓN POLICIAL DE UN GRAN FILME ARGENTINO QUE DESMERECE, EN PARTE, DEL ORIGINAL.

Ficha técnica

Secret in Their Eyes 

2015 

EE.UU.

111 minutos

Policial

Guionistas: Billy Ray, Juan José Campanella (film "El secreto de sus ojos"), Eduardo Sacheri (Novela) 

Actores: Chiwetel Ejiofor, Nicole Kidman, Julia Roberts
Director: Billy Ray

Leviathan - Por Juan Pablo Donoso

Una obra rusa, cuyo argumento y personajes hacen posible la metáfora poética de Leviatán. Pravedad y traición camufladas en alegorías y simbolismos.  

  

Para la mitología Leviatán es un monstruo marino, tal vez el mismo Satanás, que bajo la forma de una serpiente enroscada, emerge de las aguas para dividir lo que es bueno, y sembrar la discordia por medio de viles instintos.

En un pequeño pueblo costero junto al Mar de Barents, sector del océano Artico, donde a veces llegan a morir las ballenas, vive una pequeña familia como hay muchas. La componen el padre, Kolya, mecánico de autos, su joven esposa, y un  adolescente, hijo de madre fallecida.

El alcalde es un hombre ambicioso y alcohólico que desea expropiar la casa y el terreno de Kolya para levantar ahí una imponente construcción.  

Kolya, en defensa de su propiedad, invita a un querido amigo, ex compañero en la guerra, que ahora es un hábil abogado, para que venga a defender su causa.

El abogado consigue antecedentes sucios del alcalde que lo perjudican para su próxima reelección.

El alcalde es feligrés del párroco ortodoxo, con quien mantiene una antigua amistad.

A medida que se desenvuelve la causa judicial para impedir la expropiación y despojo de Kolya, los personajes van sucumbiendo a la vulnerabilidad de las pasiones, tanto de ambición, como de venganza y de lujuria. 

Es como si el espectro de Leviatán brotara subrepticio de las olas que azotan los acantilados, y por medio de bellísimos paisajes y sutiles claroscuros, se fuera inoculando en el alma de aquellas personas, sembrando impulsos de alienación, crueldad y prepotencia.

Es sutil la forma en que el autor pone en boca del párroco, un refinado cinismo disfrazado de moral cristiana.

Un mundo que se desploma y corrompe, la opresión de un sistema político, la soledad como último bastión, y la agonía por sobrevivir.

Dos aportes de Philip Glass musicalizan magistralmente la postura existencial del director Andrey Zvyagintsev: “Miremos la vida tal como es, sin hipérboles ni florituras, y saquemos nuestras propias conclusiones”. (Gran admirador de Dostoyevsky, Antonioni y Bergman).  

DENSA  TRAGEDIA  FAMILIAR  RUSA  FILMADA CON DESLUMBRANTE  FOTOGRAFÍA  Y  PENETRANTE ATMÓSFERA. 

Ficha técnica

Drama                                                                                                                

Rusia

140 minutos                                                                                                         

Fotografía: Mikhail Krichman                                                                

Musica: Philip Glass y  Andrey Dergachev                                                                                

Guionistas: Oleg Negin, Andrey Zvyagintsev 

Actores: Aleksey Serebryakov, Elena Lyadova, Roman Madyanov
Director: Andrey Zvyagintsev