viernes, 26 de junio de 2015

La Dama de Oro - Por José Astorga

Finas láminas de oro, tratadas con la delicadeza del amor a lo que se hace, van perfilando los sutiles rasgos del retrato de Adele Bloch-Bauer en las manos del pintor austríaco Gustav Klimt (1862-1918), reconocido por su trabajo modernista y de ornamentación, y también por haber pertenecido al grupo de Secesión vienés.

La dama de oro –The Woman in Gold–, película del director inglés Simon Curtis (Mi semana con Marilyn), recrea en dos frentes la historia, haciendo paralelismos entre épocas, sentimientos, valores, intereses y creencias. Analogías equidistantes que en un momento determinado llegan a fundirse como las finas láminas de oro sobre el lienzo, creando y formando una nueva existencia, pura, elocuente y trascendente.

María Altmann –encarnada extraordinariamente por Hellen Mirren, Óscar Mejor Actriz por The Queen, La reina y The Last Station, La última estación–, busca la restitución del retrato de su tía Adele, robado por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial y, en la actualidad fílmica, en propiedad del museo Belvedere en Viena, Austria. Ésta, no sabe a ciencia cierta si podrá recuperar no sólo la pintura, sino la justicia que significa el que le devuelvan el cuadro de su tía, fallecida cuando ella era una niña, y su memoria familiar. Ayudada en su empresa por Randol Schoenberg –Ryan Reynolds, Green Lanter, Linterna verde–, un novel abogado descendiente de un afamado compositor austríaco y de un prestigioso abogado, que, a diferencia de María, va tras el escurridizo éxito y el valor económico de la obra.

La poesía visual y narrativa de Curtis –amparada en el excelente guion de Alexi Kaye Campbell, la fotografía de Ross Emery (El dador de recuerdos, The Giver), y la música de los compositores Martin Phipps y Hans Zimmer, este último reconocido por Gladiador, Gladiator–, va armando su relato en una sinfonía de imágenes que mezclan el pasado y el presente, la Viena de 1948 y la de 1998; la arquitectura barroca contra la modernista; las calles y callejuelas medievales contra las contemporáneas; la Viena imperial contra el frío hormigón de Los Ángeles. Sin embargo, este duro contraste, armoniza, ensambla, arma un conjunto único de sentimiento contra la ambición; el miedo del niño a ser arrastrado por el viento a una terrible aventura pero que al final se fusiona con su propio pasado y descubre en su pueril inocencia el camino del héroe, ese viaje iniciático y mítica metáfora helénica, lugar común en muchas películas, donde los protagonistas mediante la travesía física e interior se van reencontrando consigo mismos y con su etéreo pasado, hasta alcanzar, muchas veces, objetivos inesperados, hasta el ansiado nuevo lavaplatos.

Ficha técnica
Titulo Original: Woman in Gold
Duración: 105 minutos
Calificación: TE
Género: Drama
Año: 2015
País: Inglaterra - Estados Unidos
Elenco: Helen Mirren, Ryan Reynolds y Daniel Brühl
Director: Simon Curtis

Vacaciones en Familia - Por Juan Pablo Donoso

Los realizadores se inspiraron en la obra teatral en un acto de Eduardo Valenzuela Olivos (1882-1948) para adaptar esta sátira en la época actual.

El resultado es una idea excelente malograda por un guión alargado, con  diálogos obvios e innecesarios, por personajes gruesos, y por actores que intentan salvar el relato echando mano de cualquier recurso histriónico posible.

La situación básica es crítica y punzante: una familia de clase media, por mantener las apariencias, finge ir de veraneo a Brasil, pero se encierra en su casa durante todo el mes de febrero manteniendo el mayor sigilo.  En tiempos pasados hubo en Chile  casos así con familias aristocráticas que empobrecidas, pero supuestamente pudientes, hacían creer a los vecinos que veraneaban con holgura en la playa o en el campo.

Aquí el marido está cesante, pero la esposa alardea. Tienen una hija adolescente y un hijo menor. Convivir cinematográficamente en un largometraje con ellos en semejante encierro, donde ni siquiera pueden botar la basura, y sólo comer tallarines, obliga a un desarrollo psicológico profundo, y distinto para cada miembro de la familia. La cinta quedó como un sketch forzado y seudo chistoso que sólo toca la superficie del terrible drama que la circunstancia provoca. Una sátira como esta requiere del “verdadero humor”: aquel capaz de transformar lo patético en carcajadas. Y quienes lo alcanzan sin caer en el facilismo, logran obras de arte: Chaplin, Tati, Oscar Wilde, Bernard Shaw, Woody Allen, Plauto y Terencio.   

SÓLO UN ESBOZO RAMPLÓN  DE  LO QUE  PUDO SER UNA SÁTIRA  INTELIGENTE  Y  DOLOROSA. 

Ficha técnica

Título original: Vacaciones en familia
País: Chile
Año: 2014
Género: Comedia - Drama
Duración:
Calificación: Todo espectador +7
Elenco: María Izquierdo, Julio Milostich, Maricarmen Arigorriaga, Alicia Rodríguez, Felipe Herrera, Sergio Hernández, Silvia Santelices, Marcial Edwards, Gabriela Medina.
Director: Ricardo Carrasco

jueves, 25 de junio de 2015

Vacaciones en familia - Por Musia Rosa

Un matrimonio con dos hijos, acostumbrados a veranear en Zapallar el mes de febrero, acorde al status social a que pertenecen, se ven obligados a renunciar a estas esperadas vacaciones, porque  la situación económica no se los permite, el padre perdió su empleo y hay deudas que pagar. Hasta aquí es una situación que a algunas familias les suele pasar y sólo queda apretarse el cinturón y rogar que pase la crisis, mientras todos cooperan y el padre se esfuerza en buscar un nuevo trabajo.

Pero aquí, a la madre (María Izquierdo) lo que más la preocupa es que este quiebre económico nadie lo sepa, ni la familia ni las amistades, y conforme a un espíritu arribista, que oculta la realidad y vive aparentando tener más de lo que realmente tiene, idea un plan que los hijos y el marido (Julio Milostich) aprueban: decir a todos, incluida la vecina, que se van de vacaciones a Brasil.

Hacen las maletas, salen en un taxi y llegada la noche, previa compra de alimentos en el supermercado, vuelven a la casa sigilosamente, decididos a pasar todo el mes encerrados y silenciosos, sin prender luces y comiendo tallarines y verduras todos los días.

Los actores saben poner el sabor de dulce y agraz a todas las situaciones que viven durante el mes. La obligada convivencia los acerca y también los altera, surgen imprevistos difíciles de manejar, Susana la vecina (Maricarmen Arigorriaga) husmea y los pone en alerta….

Un buen guión y excelentes actuaciones, más un ritmo que nunca decae, logran una comedia dentro de un drama, la que entretiene y también hará reflexionar, especialmente a aquellos que viven de las apariencias escondiendo la verdad.  

La historia está basada en la obra teatral “Veraneando en Zapallar” (1915) del escritor chileno Eduardo Valenzuela Olivos.

La película, dirigida por Ricardo Carrasco (“Negocio Redondo”), fue seleccionada en dos festivales latinoamericanos, en San Diego, Estados Unidos y en Trieste, Italia.

Ficha técnica

Título original: Vacaciones en familia
País: Chile
Año: 2014
Género: Comedia - Drama
Duración:
Calificación: Todo espectador +7
Elenco: María Izquierdo, Julio Milostich, Maricarmen Arigorriaga, Alicia Rodríguez, Felipe Herrera, Sergio Hernández, Silvia Santelices, Marcial Edwards, Gabriela Medina.
Director: Ricardo Carrasco

viernes, 19 de junio de 2015

Resucitados - Por José Vicente Astorga

Este es el primer largometraje del director norteamericano David Gelb, titulado The Lazarus Effect –que en español será Resucitados–, filme de ciencia ficción y horror protagonizado por Olivia Wilde (Tron: Legacy, 2010; Cowboys & Aliens, 2011).

La cinta aborda el tema de la ciencia fuera de control y carente de ética que explora la reanimación de los muertos, en la búsqueda de perpetuar la vida abriendo accidentalmente puertas hacia lugares oscuros de la mente humana o el más allá. En otras palabras, la audacia de la humanidad en su relación con Dios, intentado convertirse en un nuevo ser omnipotente, un Prometeo o Frankenstein moderno, y robarle la llama de la vida a su Creador, tomando como punto de partida el mito helénico o la magistral obra gótica de Mary Shelley.

Los hechos, en el filme, son desencadenados por la muerte accidental de una de las protagonistas y, por la desesperación ante la pérdida, le inyectan un suero experimental sólo probado en animales, cruzándose entonces la delicada línea entre el deber profesional y la ética.

En el pasado, varias películas han abordado el tema desde distintos puntos de vista y argumentos, partiendo en 1910 con el primer Frankenstein (James Searle Dawley), que registra la historia del cine, pasando por otras obras como Reanimator (Stuart Gordon, 1985) o la misma Flatliners, Línea mortal (Joel Schumacher, 1990) –con unos jovencitos Kiefer Sutherland, Julia Roberts, Kevin Bacon y William Baldwin en los roles protagónicos–. Algunas de ellas resultaron ser películas menores, números en taquilla y recaudación, pero ningún aporte a la historia de la cinematografía internacional.

En suma, narración hecha exclusivamente para los amantes del género de terror que buscan un rato de escapismo sin necesidad de pensar tanto, quienes se podrán dar cuenta a simple vista de vacíos argumentales y cabos sueltos que llevarán a una secuela o, en el peor de los casos, a una larga saga.

Ficha técnica:
Titulo Original: The Lazarus Effect
Distribuidor: BFD
Duración: 83 minutos
Calificación: 14 años
Género: Terror
Año: 2015
País: EE. UU.
Elenco: Mark Duplass, Olivia Wilde, Sarah Bolger y Evan Peters
Director: David Gelb

jueves, 18 de junio de 2015

Desastres Naturales - Por Musia Rosa

Una profesora jubilada, Raquel (Anita Reeves), no acepta su nuevo estado y vuelve con insistencia al liceo donde trabajó, se instala en la sala de clases, donde los que fueron sus alumnos la reciben con simpatía, aunque están conscientes que luego llegará la joven profesora que ya tomó la asignatura de Raquel.

Esta anómala situación provoca la rebelión de algunos alumnos bajo el liderazgo de una estudiante (Montserrat Ballarín) que los incita a tomar de rehén a la nueva profesora y encerrarse en la sala, con el apoyo de Raquel  y exigiendo a la directora (Catalina Saavedra La Nana) a recontratar a Raquel ese mismo día, dentro del tiempo que falta para la llegada de los apoderados a ver una obra teatral que presentará el colegio.

La directora está en una encrucijada, no se atreve a llamar a carabineros porque el liceo está en peligro de cerrarse, mientras tanto el colegio apoya a los insurgentes con gritos y desórdenes en el patio, y en  la sala surgen también discusiones y violencia.

La tensión está muy bien manejada con una cámara rápida que muestra alternadamente los diferentes lugares del liceo amotinado.

Desastres Naturales, dirigida por Bernardo Quesney (Sed de Mar, Efectos Especiales) podría considerarse una sátira a la situación actual que protagonizan algunos estudiantes, cuando acatan órdenes de las cúpulas “pensantes”, sin tener claro los objetivos ni las consecuencias de sus actos, sino con el entusiasmo propio de masas “no deliberantes”, que obedecen a mayorías “democráticas” que no respetan a las minorías que sí piensan y sufren injustamente las consecuencias de los actos de las mayorías “malpensantes”.

Las tres grandes actrices consagradas que son  Anita Reeves, Catalina Saavedra y Amparo Noguera, más la joven actriz Montserrat Ballarín, se lucen y hacen verosímil el excelente guión de Bernardo Quesney y Pablo Peirano, lo que unido a una cámara ágil y cercana a los rostros y las situaciones, logra entregarnos una película inteligente y entretenida, que al salir de la sala nos obligará a reflexionar sobre  los paros estudiantiles y la educación chilena.

Ficha técnica
Título original: Desastres Naturales
País: Chile
Año: 2014
Duración: 75 minutos
Género: Drama
Calificación:
Elenco: Anita Reeves, Catalina Saavedra, Montserrat Ballarin, Amparo Noguera, Sebastián Ayala, Paola Lattus, Cristián Carvajal, Fernanda Toledo, Juana Ananía, Carol Brito.
Director: Bernardo Quesney

Desastres Naturales - Por Juan Pablo Donoso

El primer mérito de esta fábula es su tono de espontaneidad. 

Filmada casi entera con cámara en mano da la sensación de estar metidos en medio de aquel demencial alboroto. Luego, los actores se ven imbuidos en las vivencias de sus personajes; son víctimas y ejecutores de lo que va sucediendo. Se toman en serio el incidente. Y esto la cámara lo capta con muy acertados primeros planos. Y el ritmo, tanto de la acción como del montaje y el sonido, fluyen sin detenerse hasta los créditos finales.

Con el supuesto de que la profesora jubilada de un colegio rural (Anita Reeves) decide, por sí sola, volver al establecimiento a retomar su trabajo porque se aburre en su casa, desata un torbellino de reacciones. Más aún cuando la Directora del colegio (Catalina Saavedra), prepara la presentación escolar de una obra adaptada de Shakespeare para impresionar a los padres y apoderados.

El guionista Pedro Peirano sabe de estructuras dramáticas. Y establece desde el comienzo el lazo antagónico entre la vieja profesora que se instala con porfía y la Directora que intenta por diversos medios poner orden interno y evitar que clausuren la escuela definitivamente debido a las rebeliones anteriores de los alumnos.

Entre estos dos polos de tensión se mueven y combaten los demás personajes: la joven profesora desplazada, los estudiantes del curso en defensa de la anciana, la ayudante de la Directora (Paola Lattus), la hija médico de la anciana, un profesor de castellano que monta el espectáculo y el resto de los alumnos del plantel.

El incidente se presta para entregar varias alegorías, algunas de contingencia actual (restos del colegio destruido por motines estudiantiles anteriores), y otras algo peregrinas como venados que conviven con aquella población. De estas proposiciones cada espectador sacará sus propias referencias.

El final nos reserva un giro sorpresivo que con sensible inteligencia altera los objetivos dramáticos por los cuales los personajes centrales lucharon durante todo el relato.

Es un filme chileno, que cuenta una historia menor, pero que revela reacciones “destructivas” que son “naturales” de los grupos sociales cuando viven una insatisfacción latente que necesita estallar por algún lado.

PROLIJA  TRAGICOMEDIA, EN  TONO  MENOR, QUE DENUNCIA  UNA  IRA  SOCIAL  REPRIMIDA  Y  SUBCONCIENTE. 

Ficha técnica
Título original: Desastres Naturales
País: Chile
Año: 2014
Duración: 75 minutos
Género: Drama
Calificación:
Elenco: Anita Reeves, Catalina Saavedra, Montserrat Ballarin, Amparo Noguera, Sebastián Ayala, Paola Lattus, Cristián Carvajal, Fernanda Toledo, Juana Ananía, Carol Brito.
Director: Bernardo Quesney

Resucitados - Por Juan Pablo Donoso

Un desastre que pretende ser ciencia ficción y suspenso; quedó como una mazamorra de efectismos sonoros y visuales, ambientada en una desagradable penumbra.

Un grupo de jóvenes científicos descubre un suero para resucitar a las criaturas del mundo animal. 

Experimentan con un perro, y éste casi se los come a ellos al volver a la vida. Luego, la doctora principal fallece electrocutada y también intentan resucitarla. Más valía que jamás hubiera regresado porque queda trastornada y ella sí consigue matar a todos sus compañeros.

CIENCIA FICCIÓN  BURDA, FORZADA Y PRESCINDIBLE.

Ficha técnica
Título original: The Lazarus Effect                                                                 
Guión: Luke Dawson, Jeremy Slater                                                               
Terror, suspenso                                                                                          
EE.UU. - 83 minutos                                                                     
BFDistribution
Actores:  Olivia Wilde, Mark Duplass, Evan Peters 
Director: David Gelb

Bailando por la Libertad - Por Juan Pablo Donoso

Historia biográfica del talentoso bailarían iraní Afshin Ghaffarian.

Nacido bajo un régimen fundamentalista musulmán, su temprana vocación por la danza se veía estigmatizada y pecaminosa.

Cuando viajó a Teherán para cursar estudios de Ingeniería logró persuadir a algunos compañeros para crear un grupo clandestino. Tanto él como sus compañeros fueron víctimas de feroces palizas por parte de los vigilantes del régimen.

En un acto de enorme coraje convocó a un reducido público al desierto donde pudieron mostrar lo que dancísticamente habían creado.

Tal fue la represión y el miedo que Gharaffian – con falso pasaporte – escapó de su país rumbo a París, y allá pudo refugiarse por varios años, mostrar su talento, y crear una compañía llamada Reformances (combinación de Reforma y Performance).

Los méritos del filme se basan en que fue una historia real, que muestra la opresión salvaje e irracional de aquel sistema político y religioso, y en el virtuosismo de los bailes, todos ellos ubicados en la línea de danza contemporánea. Para los espectadores que esperan más acción podría resultar poco excitante. 

Nazanin Boniadi, hermosa estrella persa conocida por sus actuaciones en Homeland, Como Conocí a tu Madre y Grey´s Anatomy, entre otras, sólo aparece durante un minuto en esta cinta, ¿por motivos comerciales?. El joven Reece Ritchie, como Gharaffian, recrea al personaje con honestidad y empatía. Y Frieda Pinto, de la India, transmite tremenda emoción cuando baila. Sin embargo, como actriz resulta parca y acartonada, peor aún si el personaje se debate entre la danza y la drogadicción. Como siempre, el maduro actor israelita Makram Khoury, aportará su grato carisma como el maestro e inspirador de Gharaffian.

PARA LOS AMANTES DE LA DANZA CONTEMPORÁNEA EN LA BIOGRAFÍA DEL BAILARÍN QUE SUPERÓ LA OPRESIÓN POLÍTICA IRANÍ.

Ficha técnica

Título original: Desert Dancer
Género: Biografía, Danza, Política
Reino Unido – 98 minutos
BFDistribution
Guionistas: Jon Croker y Afshin Ghaffarian 
Actores : Reece Ritchie, Freida Pinto, Marama Corlett, Makram Coury, Nazanin Boniadi, Tom Cullen.
Director: Richard Raymond

La Once - Por Juan Pablo Donoso

Un pequeño grupo de señoras mayores, ex compañeras de colegio, se juntan a tomar once una vez al año. Hablan de cosas sencillas, de sí mismas, de sus vidas y familias, de sus recuerdos y del mundo que las rodea. 

Cantan, ríen, lloran, recitan y van, serenamente, aceptando el paso de los años, las enfermedades y la proximidad de la muerte. 

Cada toma, cada rostro, cada mirada y cada silencio transmite verdad y emoción acumulativa en el espectador. 

Admirable labor de la directora-guionista, de los fotógrafos y editores de imágenes y sonidos. Todo calza a la perfección para el resultado que quisieron alcanzar.

Es una obra para recibirla sin urgencias ni prejuicios. Un testimonio sutil de madurez y de vida.

UNA MAGNÍFICO DOCUMENTAL. GENUINAMENTE CONMOVEDOR Y LOGRADO. MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica
Documental 
Chile - 94 minutos
Fotografía: Pablo Valdés
Editores: Sebastián Brahm y Juan Eduardo Murillo
Actrices: Ximena Calderón, Angélica Charpentier, Nina Chiccarelli, Gema Droguett, Inés Krisch, María Teresas Muñoz, Alicia Pérez, Manuela Rodríguez, Juanita Vásquez
Directora y Guionista: Maite Alberdi

jueves, 11 de junio de 2015

¡A Su Mare! 2 - Por Juan Pablo Donoso

Hubo una película cómica peruana llamada ¡A SU MARE!, que fue muy exitosa en su país. En vista de lo cual filmaron esta secuela N° 2.

Está en la línea de las comedias populcheras gruesas de los países de Latinoamérica.

En Chile se han realizado varias en los últimos tiempos, y suelen DE-caer más en la vulgaridad que en lo cómico.
  
Esta vez los peruanos superaron aquel peligro: el guión, a pesar de lo burdo y a ratos picante, consigue narrar una historia de amor con eficacia narrativa, cuyo interés va progresando hacia el final.

Tanto los personajes, los vestuarios, como las situaciones parecieran provenir de teleseries humorísticas, pero hubo algo en la dirección y el ritmo, que logró mantener la dignidad de este género. Además, se percibe una producción más cuidada y con mayor presupuesto.

Destacamos la sección de los créditos finales, donde muestran las escenas fallidas de la filmación, que terminan por conquistar nuestra simpatía.   

COMEDIA  POPULACHERA  PERUANA  QUE,  A  PESAR  DE  LO BURDA, LOGRA  SU  OBJETIVO  DE  ENTRETENER  Y  HACER  REIR.

Ficha técnica
BFDistribution
90 minutos
Comedia  
Perú
Guionistas: Carlos Alcántara, Alberto Rojas Apel 
Actores: Carlos Alcántara, Emilia Drago, Christian Meier                  
Director: Ricardo Maldonado

Lugares Oscuros - Por Juan Pablo Donoso

Es la investigación de un crimen: la masacre de casi toda una familia campesina en Kansas. La hija menor, sobreviviente, cuando ya es adulta se encarga de iniciar la búsqueda del verdadero asesino. 

Basada en una novela, está bien realizada pero es llena de vericuetos, incluso sobrecargada de situaciones y personajes secundarios.  Se hace un poco pesada y cansadora. 

Como siempre, la también productora del filme, Charlize Theron, hace alarde de su "angel", entre salvaje, rebelde y sensual. 

Por carecer de conflicto antagónico, se sustenta sólo en la sucesión de momentos – presentes y pasados - que tejen el relato. Esto va generando una sensación de maraña que a cada rato se complica más. Y siguen apareciendo personajes adicionales, aumentando el número de sospechosos de haber cometido el crimen. Admirable actuación de Christina Hendricks en la composición de su personaje de la madre, como también Corey Stroll, el hermano cuando ya es adulto. 

Los prejuicios, la desesperanza y las mentiras blancas pueden arruinar vidas para siempre.

Es un buen título, ya que incursiona en los “lugares oscuros” y perversos de la mente humana. 

RELATO  ENMARAÑADO  DE  LA  INVESTIGACIÓN  DE  UNA MASACRE  FAMILIAR. ALGUNAS  ACTUACIONES  NOTABLES.

Ficha técnica

Título original: Dark Places
BFDistribution
Drama, Misterio, Suspenso
Francia – 113 minutos                                                                                             
Actores: Charlize Theron, Nicholas Hoult, Christina Hendricks                
Guión: Gillian Flynn (novel), Gilles Paquet-Brenner (screenplay)       
Director: Gilles Paquet-Brenner

Polvo de estrellas - Por José Astorga

Bajo el título de Polvo de estrellas nos llega el último filme del realizador canadiense David Cronenberg, aunque el nombre original de la cinta es Maps of the Stars (Mapa de las estrellas), haciendo referencia a la búsqueda de una de sus protagonistas de las casas de los actores en Los Ángeles y, específicamente, del que era su hogar y de su trágico pasado.

Cronenberg nos presenta un drama psicológico de humor negro bastante fuerte y superficial, con bromas chabacanas de personajes con problemas de relaciones humanas y con una densa carga psicológica y que, en las manos del director, deberían haber tenido un buen resultado. Más aún, si lo recordamos dirigiendo Scanners (1981) y La mosca (1986), ambos filmes con profundas reminiscencias dentro del género de terror y ciencia ficción del pasado siglo, pero con el humor de comedia negra se hace un tanto pastosa.

El cine de Cronemberg, en su primera etapa, abordó la transformación tanto psicológica como física de sus personajes producto de infecciones o experimentos fallidos. En Scanner, por ejemplo, los ensayos de una droga en madres en gestación dieron como resultado a personas con poderes telepáticos y psicoquinésicos, capaces de reventar las cabezas de sus contrincantes. Los efectos especiales de la época no solo hicieron de esta una película chocante, sino también de culto dentro del género. Exploración similar fue la Mosca, donde una máquina teletransportadora convierte al protagonista en un ser monstruoso, tanto física como mentalmente, al fusionar su ADN con una mosca y, en la medida que avanza el filme, va perdiendo su humanidad, siendo dominado por la naturaleza del insecto.

Ahora, en Polvo de estrellas, explora, en lo que podríamos definir como su etapa de análisis melodramático y deprimente de sus protagonistas, tanto en lo psicológico como en lo físico, a personajes de cuerpos flácidos y blanquecinos, superficiales, antipáticos y carentes de valores, dependientes de pastillas y terapeutas más traumados que sus mismos pacientes, pero que son los gurús de las estrellas. Personaje egoístas y que tapan sus carencias –la viga en su ojos–, y sus propios traumas con acciones verbales contra sus semejantes. Un humor negro que más que negro es sarcástico, hiriente y que, a la postre, redunda en la tragedia.

Las actuaciones, sin embargo, son notables –tanto Julianne Moore como los nóveles Mia Wasikowska y Evan Bird–, pero intranscendentes en el mar de apariciones de otros actores y acciones sin causa-efecto y que nos muestran a un Hollywood decadente y banal, un retrato satírico y salvaje, un teatro del absurdo y, tal vez, esta cinta sea eso, un homenaje a la mirada de Molière sobre las falsedades de la vida, las pretenciosas y ególatras existencias de –algunos– actores y que, en su evolución, de personas-personajes, solo caminan hacia un final shakespereano.

Ficha técnica

Titulo Original: Maps of the Stars
Distribuidor:
Duración: 111 minutos

Calificación: 14 años
Género: Drama
Año: 2014
País: Canadá - Estados Unidos
Elenco: Julianne Moore, Mia Wasikowska, Evan Bird, Robert Pattinson, John Cusack, Olivia Williams y Carrie Fisher
Director: David Cronenberg

lunes, 8 de junio de 2015

El Club - Por Carlos Correa

Esta cinta del director chileno Pablo Larrain habla de miseria. Una implacable y demoledora miseria. Una miseria humana, terrenal y concreta. Es la propia miseria, en su máxima expresión.

Cuatro sacerdotes viven aislados de la sociedad en un pequeño pueblito de la costa chilena. Su rutina es rigurosa, supervisada muy de cerca por una mujer que los atiende y también los cuida. La casa que los acoge es pequeña. En realidad, no es más que una pequeña cárcel donde se encuentran relegados y desterrados por sus pecados. La llegada de un quinto sacerdote a este lugar de reclusión apartada, trae de regreso su pasado, aquello de lo que consciente e inconscientemente quieren huir.

El cine de Larraín, en permanente evolución, es profundo y reflexivo. El relato de "El Club" es crudo, oscuro, valiente, agudo y muy bien conducido. Las actuaciones son excelentes y la filmación delicada y preocupada de cada detalle. El elenco está conformado por Alfredo Castro como el Padre Vidal, Alejandro Goic como el Padre Ortega, Jaime Vadell como el Padre Silva, Alejandro Sieveking como el Padre Ramírez, Antonia Zegers como la madre Mónica, José Soza como el Padre Lazcano, Roberto Farías como Sandokan y Marcelo Alonso como el Padre García. Todos ellos están realmente notables tanto en la construcción, como en la conducción y desarrollo de sus personajes.

La película presenta varias capas de profundidad: la primera de ellas provoca, incomoda y molesta profundamente; la segunda entra directamente a las reflexiones y preguntas que surgen de las primeras emociones y del impacto primero; y al menos una tercera, que nos saca absolutamente de la comodidad de espectadores y nos hace ingresar en una profundidad tal que nos permite imaginar el interior de cada personaje solo con sus miradas, gestos, enfoques y mínimos diálogos cargados de un sustrato dramático que se hace aún más intenso en la medida que avanza el metraje.

Larrain no da respiro ni tregua. Parece no existir la esperanza, es un nudo ciego sin ninguna salida posible. La dicotomía es patente y patética en cada instante de la cinta, entre lo profundo y sagrado y el delito grave e impune.

"El Club" es una gran película. Tal vez la mejor de Pablo Larrain hasta el momento. Su criterio, agudeza y visión nos atrapan sin lugar a dudas. Pero atención, es incómoda. Irreverentemente incómoda y perturbadoramente incómoda. El gran desafío es poder atravesar al menos su primera capa para ingresar al mundo interior del que la cinta da cuenta. Este es un trabajo que no es fácil, pero vale la pena, pues desde allí el arte nos abre paso a una dimensión que nos trasciende absolutamente y que, por cierto luego de ingresar, no nos deja indiferentes. 

Ficha técnica

Título original: El Club
Año: 2015
Duración: 98 minutos
Calificación: 14 años
Género: Drama
País: Chile
Elenco: Alfredo Castro, Antonia Zegers, Jaime Vadell, Alejandro Goic
Director: Pablo Larrain

viernes, 5 de junio de 2015

Amigos con Ventaja - Por Juan Pablo Donoso

Un historia de amor convencional y muy repetida en el cine y la TV. 

Un muchacho, guionista cinematográfico, jamás se ha enamorado y ha dejado de creer en el amor. Para él sólo existe el sexo. En una recepción de caridad conoce a una muchacha que logra obsesionarlo. Como ella está comprometida a casarse con otro, pero se atraen, acuerdan ser sólo amigos. La progresión romántica es archi manida y más aún su obvio desenlace. 

Lo que distingue esta historia de otras son las confidencias que el joven enamorado comparte con sus compañeros de trabajo, entre los que hay desde escépticos, pasando por gays, y hasta una enamorada sin esperanza de conquistarlo.

Y es aquí donde los guionistas de este filme se enredaron, alargaron y, finalmente, se perdieron en la narración. Llenaron el filme de reflexiones prescindibles, transformando a los personajes secundarios también en desechables. Hasta incluyen la anécdota sentimental del abuelo que tampoco aporta nada, sólo disquisiciones efímeras.

Para darle un tono supuestamente más novedoso juegan con imágenes surrealistas de las fantasías del protagonista. Pero ello sólo contribuye a confundir más esta poco amena comedia de amor.

HISTORIA DE AMOR CONVENCIONAL CONDIMENTADA CON ELEMENTOS INTELECTUALOIDES, PRESCINDIBLES Y RECARGADOS. 

Ficha técnica

Título original: Playing it Cool
Comedia, Romance                                                                                  
EE.UU. – 92 minutos                                                                        
BFDistribution                                                                 
Guionistas: Chris Shafer, Paul Vicknair                                                                   
Actores: Chris Evans, Michelle Monaghan, Martin Starr                
Director: Justin Reardon

miércoles, 3 de junio de 2015

La once - Por Musia Rosa

La directora Maite Alberti (El Salvavidas), cuando en el estreno de una de sus películas se enteró que su abuela no iría al evento, porque no podía faltar a la reunión mensual con sus amigas de toda la vida a la hora del té, se sintió intrigada y decidió ir a una de esas reuniones, para saber por qué eran tan importantes para la abuela y qué era lo que pasaba allí.

La cineasta se entusiasmó con lo que vio y decidió filmar esos encuentros de amigas de edad tan avanzada, que lo pasaban tan bien, compartiendo unas ricas onces, conversando animadamente y preocupándose de los avatares de la vida, con humor, emoción y sentimiento.

Fue un trabajo de varios años para obtener el material necesario que permitiera construir en 94 minutos un hermoso y emotivo testimonio de amigas que lo eran desde el colegio, y ver que la última etapa de sus vidas, la vivían con optimismo, esperanza y fe.

La cámara se encarga de mostrar, en osados close ups, los rostros de las mujeres en sus espontáneos gestos y actitudes, como también, con inteligentes encuadres y desde diversos ángulos, la fina vajilla con los deliciosos manjares que se distribuyen en la mesa, dentro del grato y elegante entorno del comedor.

Los diálogos se entremezclan en una conversación libre, chispeante y entretenida, que revela las diversas y atractivas personalidades de quienes se conocen desde siempre, se aprecian y aceptan en sus diferencias.

Película original, novedosa y atractiva, por su tema y la forma de desarrollarlo, junto al coraje para mostrar con elocuencia y dignidad las imágenes del deterioro físico de los años, como también, con efectividad y respeto, el humor, las emociones y los sentimientos desplegados espontáneamente por las damas en la hora del té.

La Once, obtuvo el premio de Mejor Película y Mejor Dirección en la Competencia Nacional del Festival SANFIC 2014, también fue galardonada como Mejor Documental Iberoamericano en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara, y además recibió el premio del público en el Festival Internacional de Cine de Miami. 

Ficha técnica

Título original: La once
País: Chile
Año: 2014
Género: Documental
Duración: 94 minutos
Directora y Guionista: Maite Alberdi

martes, 2 de junio de 2015

La Once - Por Carlos Correa

Este documental de la directora chilena Maite Alberdi es una joya. Reconocida en varios festivales internacionales -Guadalajara y Miami entre muchos otros- cuenta la historia de cinco mujeres que una vez salidas del colegio se reúnen todos los meses a tomar el té. Maite Alberdi señala que le tomó el peso a esta situación cuando su abuela -una de las integrantes del grupo- no la acompañó al estreno de su primer cortometraje por tener este “sagrado” compromiso. Desde ese instante, Alberdi se propuso filmar cada uno de los encuentros mensuales, durante cinco años, período en el que va tomando forma esta original propuesta.

La historia es emocionante. Una mágica captura de bellos detalles comunican profundamente a través de primeros planos osados y encuadres poco comunes. Con ello, Alberdi se encarga de mostrarnos, con una simplicidad que conmueve, situaciones que no permiten que quedemos indiferentes. Es aguda y sensible a la vez, pasamos de la risa -carcajada- al nudo en la garganta en cinco segundos, como parte de una ráfaga de sentimientos espontáneos que están filmados con extrema delicadeza.

Las protagonistas son amigas entrañables y ello se ve y se siente a lo largo de todo el relato. Hay situaciones delicadas, temas de contingencia y diferencias profundas, sin embargo el valor de la amistad y la honestidad se encuentra por sobre todo. Se acompañan, se consuelan, se ríen de ellas mismas, se critican y cambian el mundo permanentemente a través de la conversación franca y sincera. La verdad es que lograr un guión sólido y coherente a partir de este tipo de encuentros es un gran mérito. La naturalidad de los diálogos, la excelente selección y edición del material (que alcanzó a más de 300 horas de grabación) hacen que sus 70 minutos de duración sean solo un instante.

En “La Once” hay algo que destaca de sobremanera. Por momentos, la historia real parece una actuación y luego vuelve a ser real. Esa linea es muy difusa. La naturalidad se compenetra con planos en los que cualquiera pensaría -sin conocer los detalles- que hay actuaciones dirigidas y ensayadas. Y es aquí donde existe un punto de inflexión y se visualiza el mayor mérito de Maite Alberdi y su equipo. Este mérito no es otro que el hacernos cómplices de esta historia, invitándonos a vivir esta experiencia íntima junto a sus protagonistas y con ello hacer un precioso y emotivo homenaje a estas mujeres que han marcado su vida, la de sus familias y que probablemente también representan nuestras propias historias personales.

Ficha técnica

Año: 2014
Duración: 70 minutos
Calificación: TE7+
Género: Drama
País: Chile
Elenco: Maria Teresa Muñoz, Ximena Calderon, Angélica Charpentier, Alicia Pérez, Gema Droguett
Directora: Maite Alberdi

lunes, 1 de junio de 2015

El club - Por Musia Rosa

Cuatro sacerdotes confinados en una casa de un pueblo costero son asistidos por una joven monja que los cuida y atiende en los quehaceres domésticos.

Una fotografía brumosa refleja el ambiente que se vive, acentuado por una música envolvente de  tensión pecaminosa, que se entreteje con rezos, comidas, cantos y campanillas, lo que va marcando la rutina diaria de la casa. 

Una cierta tranquilidad los acompaña en la casa y afuera, cuando el horario del programa diario se los permite. Los moradores no parecen sentirse muy culposos y además consideran ser chivos expiatorios… hasta que un día llega un quinto alojado y frente a la casa estalla abruptamente la voz de la conciencia, en los gritos destemplados de un hombre víctima en la infancia de los abusos sexuales del recién llegado. 

Son relatos descriptivos, sórdidos, escatológicos y obscenos, a toda voz, que estremecen los muros de la casa y a los internos que la habitan, y que considerando las posibilidades del lenguaje fílmico, para el espectador podrán resultar más potentes e impactantes que si las imágenes visualizaran los hechos narrados. 

Un jesuita inspector de estos lugares de acogida de sacerdotes en desgracia llega a la casa, los interroga y debe tomar decisiones.

 El filme toca un tema candente y vigente que gana los ratings en las noticias y atrae espectadores en el cine, porque  los abusos de sacerdotes parecieran incentivar el rechazo a la Iglesia de muchos anticlericales, desconociendo la inmensa labor humanitaria material y espiritual que ella realiza.

Al margen de la anterior reflexión debemos reconocer los méritos cinematográficos de esta película: actuaciones, fotografía, guion, montaje, que ya le valieron el Oso de Plata en el Festival de Berlín. 

El director Pablo Larraín (“Tony Manero”, “No”) en una entrevista, afirmó que su película no era una denuncia, lo que pretendía era motivar a una reflexión. Esperamos que así lo sea, con altura, objetividad, justicia y misericordia ante la fragilidad humana.

Ficha técnica

Calificación: Mayores de 14 años
Género: Dama
Duración: 98 minutos
Año: 2015
País: Chile
Elenco: Alfredo Castro, Antonia Zegers, Roberto Farías, Jaime Vadell, Alejandro Goic, Alejandro Sieveking, Marcelo Alonso José Soza.
Director: Pablo Larraín

Perla - Por Juan Pablo Donoso

Son muchos los méritos de este nuevo filme chileno: honestidad y sencillez narrativa, amena y conmovedora, muy santiaguina en su ambientación y, lo más admirable, la participación “actoral” de la perrita Perla. Si le agregamos la banda sonora con canciones de Violeta Parra, Los Prisioneros, y un ritmo fluido de edición, tenemos un filme directo, sensible y muy grato.

Son dos personajes centrales: Samuel, un cinematografista solitario que busca financiamiento para una nueva película, y; Perla, una perrita abandonada por su dueño en el Cerro San Cristóbal, que recorre la ciudad esperando que alguien la adopte.

Samuel, separado de su esposa, despreciado por su hija Gabriela por haberlas abandonado, tiene una madre anciana y senil con la que es imposible comunicarse. Sus visitas al psicólogo sólo recrudecen más la herida de su soledad.

Perla, luego de ser recogida por diversas personas de buen corazón, debe seguir su vagancia porque en ningún hogar pueden tenerla.
Sólo cuando Samuel y Perla se encuentran, ambos logran un lazo de unión afectiva que los complementa y estimula.

En off conocemos los pensamientos de Samuel; también en off escuchamos la voz femenina de Perla expresando sus emociones y temores.
A medida que progresa el guión del filme que Samuel está escribiendo, presenciamos como su propia historia y la de Perla se funden en la misma película que nosotros, los espectadores, estamos viendo. Este  elemento de autobiografía humana y canina es la que nos hace concluir que hombre y perro son en el fondo criaturas igualmente llenas de amor, vulnerabilidad  y sabiduría redentora.

Un aplauso especial para el adiestrador Caciano Mondaca que hizo de la perrita una admirable “actriz”.    

CONMOVEDORA POR SU SENCILLEZ, HONESTIDAD Y MADUREZ. 

Ficha técnica
                                                                             
Fotografía: David Bravo, Benito Caro, José Miguel Salvador, y tres más 
Música: Isabel Parra, Roberto Trenca                                                                       
Chile – 86 minutos 
Actores: Sergio M. Castilla, Perla, Macarena Berthelon, León Cohen, Delfina Guzmán, Carmen Barros 
Guión, Producción y Dirección: Sergio M. Castilla (Gringuito)