Ouija, El Origen del Mal - Por Juan Pablo Donoso

Dejará satisfechos a quienes disfrutan de asustarse con filmes de terror cada vez más sofisticados.       

                                                      

El guionista, director y montajista Mike Flanagan se especializa en filmes de miedo sobrenatural. Los aficionados a este sub-género lo recordarán por sus obras anteriores: SONMIA (comentada por nosotros en julio de este año), OCULUS, ABSENTIA, FANTASMAS DE HAMILTON STREET y otras.

En esta película se nota que va perfeccionando su técnica narrativa. El desarrollo inicial es mejor que su desenlace. La atmósfera de gradual misterio del comienzo despierta  interés y simpatía por sus personajes femeninos, lo que  permite mejores actuaciones. 

A diferencia de la mayoría de los filmes de terror, agradecemos que este tenga menos “sreamers” (imágenes y estruendos súbitos para que el espectador salte en su butaca).

Una atractiva viuda (Elizabeth Reaser) en 1965, madre de dos pequeñas hijas, ejerce como médium para mantener a su familia. Aunque los recursos que utiliza son engañosos, ella los justifica porque traen paz a quienes desean comunicarse con sus seres queridos que ya han fallecido.

Pero las cosas cambian cuando compran un juego de Ouija y comienzan a utilizarlo. Los espíritus malignos sepultados bajo la vieja casa se apoderarán de la mente de la hija más pequeña (Lulu Wilson) y, gradualmente, desatarán una catarata de horror y locura. 

Notables actuaciones de las pequeñas Lulu Wilson y su hermana mayor Annalise Basso.

Estos filmes, cuando incursionan más en la sutileza que en los efectismos comerciales, adquieren mayor calidad artística.

Ojo: después de la larga lista de créditos finales aparece un nuevo y misterioso personaje femenino, ¿quién es ella? Tal vez en las próximas secuelas lo sepamos.

NUEVA  HISTORIA  MACABRA  DE  OUIJAS, Y CON MAYOR CALIDAD EN LAS ACTUACIONES JUVENILES.

Ficha técnica

Terror

EE.UU. 

2016

99 minutos

Andes Films

Fotografía: Michael Fimognari

Actores: Elizabeth Reaser, Lulu Wilson, Annalise Basso

Director, Guionista y Editor: Mike Flanagan

El Precio de un Hombre - Por Juan Pablo Donoso

Algunos creerán que el guionista y director Brizé tenía muy poco que contar y, por eso, se solazó filmando escenas tan largas y estáticas. Pero resulta que ahí está la fuerza y la empatía de este drama testimonial.

Lenguaje de “cine-verdad”= cámara en mano, tomas muy largas, bajo presupuesto, actores que parecen estar improvisando sus conversaciones, personajes cotidianos, y, silencios que permiten al espectador reflexionar sin apuro sobre la realidad que se le está presentando. 

Es el sencillo caso de un obrero de edad mediana que ha quedado cesante y busca trabajo. Tiene una esposa y un hijo discapacitado. Lo acompañamos en sus postulaciones y rechazos; en sus deudas y deliberaciones de cómo sobrevivir; en sus inocentes pasatiempos como asistir a cursos de baile con su esposa, bañar a su hijo y lijar los muebles de su hogar para llenar sus horas muertas.  Finalmente, cuando encuentra un puesto de guardia en un supermercado, la vulnerabilidad de algunos clientes y compañeros de trabajo superarán su resistencia emocional, y lo harán optar por volver al calvario de la dura, pero digna, cesantía.

Las actuaciones de Vincent Lindon (Premio Mejor Actor, Cannes 2015), de su esposa Karine Mirbeck, y del joven espástico Matthieu Schaller, quedarán grabadas en la simpatía del espectador justamente por su falta de estridencia e impactante naturalidad.

   

CONMOVEDOR  POR  SU  VALIENTE  SIMPLEZA. DRAMÁTICA  RECREACIÓN  DE  UNA  REALIDAD  COTIDIANA.

Ficha técnica

Drama semi documental

Francia

98 minutos

Cámara : Eric Dumont

Guionistas : Stephane Brizé y Oliver Gorce

Actores: Vincent Lindon, Karine Mirbeck, Mathieu Schaller

Director : Stephane Brizé

Fatima - Por Juan Pablo Donoso

Un testimonio gentil y preciso, casi documental, sobre cómo los inmigrantes árabes deben adaptarse, y sobrevivir, en la Francia de hoy.     

                      

Sin estridencias dramáticas el director Phillipe Faucon demuestra, una vez más (La Desintegracion – En la Vida - Samia ) su sensibilidad hacia los inmigrantes del mundo argelino.  

Ingresamos al hogar de una mujer de 44 años, Fátima, de muy poca educación y que habla con dificultad el francés; mantiene a sus dos hijas adolescentes: Saoud, escolar de 15 años y Nesine de 18. 

El padre de ambas es un obrero vuelto a casar en Francia, pero que sigue en contacto con sus hijas, esperando que ellas conserven las tradiciones arábigas. Fátima, la madre, sólo puede trabajar como aseadora en casas particulares y empresas. Conservando sus costumbres musulmanas ha concentrado sus energías para lograr la prosperidad de sus hijas en esta sociedad tan diferente a la suya.     

                                                                      

Asistimos al periodo de sus vidas en que la quinceañera se rebela contra las viejas tradiciones, flirtea con muchachos y presenta un bajo rendimiento escolar. Una espina para su madre. Nesrine postula a la carrera de medicina, y con enormes dificultades idiomáticas – y gracias a la venta de las joyas de su madre – se esfuerza por seguir adelante en sus estudios. Convivencia cotidiana de este hogar de mujeres, donde incluso hay altercados menores con vecinas de la misma procedencia.

El punto de quiebre se produce cuando Fátima sufre un accidente laboral, queda semi inválida de un brazo, y caducan sus licencias médicas. En aquel periodo de reposo empezará a escribir poemas sobre sus sentimientos. Una traumatóloga, también de origen marroquí, al conocer sus poemas la estimulará a publicarlos y lograr, con ello, reconocimiento en el mundo literario. Desde entonces será conocida como Fatima Elayoubi, y sus sencillas vivencias inspiraron al director Faucon a trasmitirnos un nuevo hálito de comprensión hacia este pueblo en el exilio, especialmente de las mujeres.

CRONICA  SENCILLA Y CONMOVEDORA  DE  UN  MOMENTO EN  LA VIDA DE  LA  ESCRITORA  MARRQUÍ  FÁTIMA  ELAYOUBI.

  

Ficha técnica

Francia-Canada

79 minutos

Premio Cesar 2015

Drama familiar

Musica: Robert-Marcel Lepage

Idiomas: Francés y árabe

Libros: Fatima Elayoubi

Actores:  Soria Zeroual, Zita Hanrot, Kenza Noah Aïche Fotografia: Laurent Fenard

Director y guionista: Phillipe Faucon

Inferno - Por Carlos Correa

Ron Howard dirige una nueva adaptación al cine de un Best Seller de Dan Brown (El código Da Vinci; Ángeles y Demonios). Esta vez se trata de su libro  “Inferno”, donde el profesor Robert Langdon -Tom Hanks- debe descifrar un complejo enigma relacionado con el gran Dante. En este camino es ayudado por la Dra. Sienna Brooks -Felicity Jones-, quien ha atendido al protagonista en un hospital de Florencia, Italia, donde ha despertado sin memoria de lo sucedido en los últimos días.

Como es difícil explicar y comentar la cinta sin alguna de las bases que la sustentan, y sin miedo a contar demasiado de la trama, es importante saber al menos dos premisas que el relato descubre a poco comenzar. La primera tiene relación con el aumento de la población del mundo. Con cifras estadísticas reales, se visualiza que el crecimiento exponencial tiene en grave riesgo a la raza humana si no se toman medidas concretas que prevean una situación que se volvería inmanejable. La segunda es la que surge del control de la población a través de pandemias generadas por la propia humanidad, lo que de alguna manera permitiría controlar el crecimiento asumiendo costos importantes ahora, pero abriendo una ventana de esperanza para el futuro.

La cinta se desarrolla con un marcado acento en la segunda, cortando de plano el equilibrio que la novela de Dan Brown intenta reflejar. Y por cierto, “Inferno” es cine de acción, thriller emocional, ágil y vivo que pretende capturar al espectador de principio a fin, y no un “paper” sobre demografía ni políticas públicas asociadas al control del crecimiento poblacional.

El rodaje da cuenta de una excelente fotografía. Los lugares históricos -algo que marca a Brown y que Howard respeta y releva- son muy bien tratados, aunque pasen rápido, se destruyan o bien solo sirvan de introducción a los rincones internos donde se desarrollan gran parte de las escenas de mayor complejidad y tensión.

Es cierto que no podemos esperar más que entretención de una cinta de estas características. Y aquello está garantizado, a pesar que Hanks ofrece tal vez el papel menos convincente de sus tres participaciones. Su acompañante de turno, sin embargo, es bastante más interesante que sus anteriores partners, tal vez porque Brown delineó mejor este personaje y porque hay una historia detrás que no logramos comprender del todo hasta el último tercio del relato.

La música de Zimmer es siempre una luz y le entrega a la cinta una espectacular textura que se funde con el trabajo fotográfico de Salvatore Totino. Planos amplios, parajes hermosos y escenas de acción a tope, configuran dos horas que pasan volando y que cumplen con el objetivo fundamental de entretener y cautivar.

Ciertamente uno esperaría siempre un poco más. La presencia de la OMS, su papel en la crisis, las persecuciones políticas, todo lo que rodea la difusión mediática y este llanero solitario que lucha contra todo el mundo para “salvar al mundo” podría ser mucho mejor retratado y trabajado. Sin embargo, esto no es cine arte ni tampoco cine de investigación. Es solo entretención, efectos visuales, agilidad, ritmo y vértigo constante. Tanto es así que podemos marearnos, pero no podemos evitar sumergirnos en una fantasía de proporciones que resulta más atractiva de ver y disfrutar que el análisis que podamos hacer de ella.

Ficha técnica

Título: Inferno

País: Estados Unidos

Año: 2016

Género: Suspense

Duración: 121 minutos

Idioma: Inglés

Producción: Brian Grazer, Ron Howard, Michael De Luca, Andrea Giannetti

Guión: David Koepp

Música: Hans Zimmer

Fotografía: Salvatore Totino

Montaje: Tom Elkins, Dan Hanley

Protagonistas: Tom Hanks, Felicity Jones, Omar Sy, Sidse Babett Knudsen, Pierfrancesco Favino, Ben Foster, Irrfan Khan

Dirección: Ron Howard

El bebé de Bridget Jones - Por Juan Pablo Donoso

Tercer capítulo de la saga de Bridget Jones; primero fue EL DIARIO DE B.J.(2001), luego vino SOBREVIVIRÉ o AL BORDE DE LA RAZÓN (2004), y ahora ésta que acontece 12 años después. 

Comedia romántica, sobre una soltera confundida, con un presupuesto de US$ 40.000.000, y con sus galanes anteriores (Colin Firth y Hugh Grant) agregando ahora a Patrick Dempsey, (el niño bonito rompecorazones de Grey´s Anatomy), que llega con muchos aprontes de ser un éxito comercial. 

Y de las tres nombradas EL BEBÉ podría ser tal vez la más lograda, a pesar de durar más de 2 horas. ¿Por qué? 

Por su dilema central: la cuarentona Bridget queda embarazada e ignora quién es el padre de la criatura. Tuvo sexo casual con Dempsey en un festival de música, y pocos días después con su antiguo amor Colin Firth. A esa edad comprende que el hijo viene como una bendición a enriquecer su madurez solitaria. Insiste en llevar a cabo la gestación a como dé lugar.

Pero el retorno a su vida del flemático abogado Firth y, simultáneamente, la aparición del matemático Dempsey  la ponen en la encrucijada de saber cuál de los dos es el padre de la guagua. 

Como se niega a extraer líquido amniótico para determinar el ADN porque arriesgaría la vida del feto, caminará durante los 9 meses por la cuerda floja entre ambos posibles progenitores. Ambos desean ser el padre del niño que viene.

Tal es el núcleo del conflicto. El resto de la trama incluye su labor en un canal de TV, sus compañeros y amistades, y las reacciones que su embarazo provocan en sus ancianos padres. El guión y los diálogos son ágiles y los actores cumplen profesionalmente con sus tareas. Y destacamos la presencia de Emma Thompson como la obstetra (y también guionista). En sus breves escenas demuestra, una vez más, su tremendo carisma actoral, transmitiendo emoción con mínimas frases y gestos, pero imposibles de ignorar.

Renée Zellweger, originaria de Texas, ahora domina mejor el acento británico, se la ve mayor y con más kilos, y demuestra en varios momentos su progreso como actriz en este rol que le ha dado mucha fama en su carrera. 

En su objetivo, entretener y empatizar con su público femenino, la cinta lo logra con simpatía y a ratos con gentil emoción. 

Sorprende constatar cómo los personajes femeninos hablan con exceso de groserías mientras los hombres son recatados en su lenguaje (¿?). 

¿Vendrá una 4ª etapa? Al final lo insinúan, pero sólo el éxito comercial de ésta lo decidirá.  

UN  MANJAR  PARA  LAS  SEGUIDORAS  DE  BRIDGET  JONES Y  ADMIRADORAS  DE  SUS  ANTIGUOS  Y  NUEVOS  GALANES.

Ficha técnica

Comedia, romance

Irlanda, Inglaterra, Francia, EE.UU. 

123 minutos

Andes Films 

Guión: Helen Fielding, Dan Mazer y Emma Thompson

Fotografía: Andrew Dunn

Vestuario Steven Noble

Actores: Reneé Zellweger, Colin Firth, Patrick Dempsey, Emma Thompson y Sarah Solemani

Directora: Sharon Maguire

Psycho Raman - Por Juan Pablo Donoso

Una obra de arte indiscutible. 

Retrato íntimo de un asesino en serie (41 crímenes) y testimonio visual del policía desquiciado que lo persigue. ¿Quién es más brutal, la presa o el cazador?       

                                                 

Pesadillesca y desagradable, pero con el extravío fascinante de los cuadros de Bosch o de Brueghel.          

                                                               

Mientras soportamos el filme, resulta a la vez admirable en su forma y  fondo. 

Iluminación penumbrosa, casi siempre nocturna, ambientada en rincones, como los recodos siniestros de la mente de sus protagonistas, y quizás a veces de la nuestra.                                                       

Música perfecta, que toma presencia justo cuando es necesaria, y pasa desapercibida, sólo subliminal y atmosférica, cuando así se lo requiere la trama.  

En cada toma, aun la que parece más  insignificante, hay miedo, miseria subyacente, y acierto visual.  Lejos de cualquier película convencional  de terror.

El director y guionista Anurag Kashyap se declara admirador de Tarantino y Aronovsky, y con esta obra demuestra ser un discípulo capaz de emular las virtudes de sus maestros, y al mismo tiempo narrar con voz propia.

Es uno de lo filmes más poderosos del mundialmente conocido Bollywood, sin las inoportunas concesiones coreográficas de aquellas, pero al mismo tiempo insertando la música para potenciar el dramatismo del discurso.

Aunque al comienzo anuncia que es ajena al verdadero Raman Raghav, su espíritu está presente en cada fotograma. 

Con sus monólogos, el asesino nos desliza por los vericuetos de su mente, escuchando la motivación de sus crímenes, y cómo auto-justifica su sangre fría.   

El sádico proceso es la urdimbre para llegar, finalmente, al encuentro climático de los antagonistas. Un diálogo de antología, cuando ambos criminales abren sus almas llevándonos a pensar que, en el fondo, son una misma monstruosa criatura habitando dos cuerpos. Y donde el más despiadado podría ser el menos perverso y bestial.    

El actor Nawazzuddin Siddiqui exuda verdad en cada segundo, como si fuera un documental. Logró tal transparencia en la interpretación de su personaje, que llegó a enfermarse y alucinar mientras balbuceaba sus textos durante la filmación. Otro tanto, equivalente en su gestualidad, consigue Vicky Kaushal el corrupto policía drogadicto.  

Lo incómodo del tratamiento audiovisual es deliberado y mérito artístico del filme. Carece en absoluto de “glamour”.    

De ninguna manera es aconsejable para quienes van al cine a pasar un rato agradable, o a salir inspirados por las bondades del alma humana.

UNA OBRA MAGISTRAL PROFUNDAMENTE PERTURBADORA.

Ficha técnica

Crimen, drama, “cine-noir”

India – 133 minutos

Fotografía: Jay Oza

Música: Ram Sampath

Edición: Aarti Bajaj

Cinetopia

Guionistas: Vasan Bala y Anurag Kashyap

Actores: Nawazuddin Siddiqui, Vicky Kaushal, Sobhita Dhulipala 

Director: Anurag Kashyap