lunes, 31 de octubre de 2022

Sonríe - Por Carlos Correa

Estamos ante una cinta que tiene muchos elementos que, probadamente, dan susto. Por ejemplo, una banda sonora que crece y decrece en tensiones, el sonido de teléfonos que interrumpen el silencio, o un timbre. También cortes de sonido abruptos, y para qué hablar de cuchillos, de la oscuridad, de la confusión o gritos que se suceden a lo largo de un peregrinar efectista que conocemos sobradamente. Mientras las tomas nos muestran cámaras que van y vienen, de lento a rápido y viceversa, imágenes aéreas y otras “patas para arriba”, la película juega con su principal arma que es lo repentino, aquello que sabemos que viene pero no sabemos cuándo viene. ¿Funcionan todos estos ingredientes? ¿Nos ponen los pelos de punta? La respuesta es sí.

La historia se centra en la doctora Rose Cotter -Sosie Bacon-, quien, luego de presenciar un serio incidente causado por una paciente del centro donde ejerce, comienza a sentir y vivir experiencias que le provocan pánico y terror. Hay mucho de inexplicable en los sucesos. Nadie la comprende. Ella los ve pero nadie más; algo no está bien, su centro se va perdiendo y la desesperación la carcome por fuera y por dentro. En la búsqueda de explicaciones emerge su pasado con una gran cantidad de situaciones no resueltas, en un camino que se torna horrible y peligroso.

Parker Finn escribe y dirige esta cinta que encuentra su mejor punto al elaborar espacios prolongados que logran construir y describir atmósferas. Hay vacíos, donde pareciera no pasar nada pero pasa todo. Allí conviven la realidad con la irrealidad y no sabemos si lo que nos resulta inverosímil, es o no verdadero. ¿Es un sueño? ¿Corresponde a una posesión? ¿Hay una presencia maldita que se traspasa de persona en persona? El guion parece enfocarse en ese lento proceso que implica perder la cordura. ¿Será esto el volverse loco? ¿Todos esos sucesos extraños, son fuerzas externas o más bien internas?

Existe una cadena de acciones y consecuencias. ¿Se debe romper? ¿Rose debe escapar y huir, o por el contrario, la opción es enfrentar esa soledad, esos miedos, ese pasado amenazante que no quiere retroceder? ¿Hacer frente a una historia que necesita explicaciones o al menos una comprensión que va más allá de las capas superficiales?

“Sonríe” se maneja bien durante sus casi dos horas de duración. Los recursos típicos están correctamente dosificados y funcionan correctamente. Nada es muy exagerado o se pasa de revoluciones. Hay marcos, sí, pero amplios, un movimiento que permite flexibilidad para aumentar los minutos de una historia que no afloja y que exige su desenlace.

Al contrario de otras películas de su género, “Smile” tiene buen remate. No es descabellado pero sí contiene giros, reales o no, que entregan más contenido, más argumento, y más sustento a una película que, si bien no reescribe lo que ya conocemos, combina bien los elementos -casi de manual-, dándole vida a un thriller que engancha y que consigue su objetivo.

Ficha técnica

Título original: Smile
Año: 2022
Duración: 115 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Temple Hill, Paramount Players. Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Terror. Thriller | Thriller psicológico
Guion: Parker Finn
Música: Cristobal Tapia de Veer
Fotografía: Charlie Sarroff
Reparto: Sosie Bacon, Jessie T. Usher, Kyle Gallner, Caitlin Stasey, Kal Penn, Rob Morgan, Judy Reyes, Gillian Zinser, Kevin Keppy, Scot Teller, Nick Arapoglou, Sara Kapner, Setty Brosevelt
Dirección: Parker Finn

El Abismo del Infierno - Por Jackie O.

"Dios y el Diablo se sientan uno al lado del otro, tienen un acuerdo"


En 1957 un inocente será asesinado; la escena que vemos nos recuerda a "The Omen", más, cuando avanzamos 30 años y comienzan a inmiscuirnos en la historia. ¿Qué nos deparará?

Estamos en un monasterio de Polonia, apartado de la ciudad, lugar que dicen, "sana a los atormentados", donde un joven cura hace su aparición debido a eventos que ahí están ocurriendo. Pero descubrimos que no es un cura, sino que un policía encubierto que debe averiguar la desaparición de algunas mujeres en ese lugar.

La película nos muestra que en dicho Monasterio se efectúan exorcismos. Algunas personas creen ello y otras no, pero es un buen recurso para traernos escalofriantes historias.

En el lugar todo es misterioso y sombrío. Quiso adoptar un estilo de "El nombre de la Rosa", pero está muy lejos de ella, ya que no desarrolla bien el misterio, no aprovechando el lugar para llenarnos de pistas y todo eso, pues el lugar tiene mucho que explorarle.

Cada día que pasa en este Monasterio, este joven experimenta diferentes e inexplicables sucesos que lo mantienen desconcertado, pero aún así no se olvida de su misión. Busca incansablemente pistas que lo lleven a estas mujeres desaparecidas, pero se encuentra con cosas oscuras que comienzan a atormentarlo.

Hasta que descubre que hay una leyenda de un "elegido" que traerá a la vida al demonio que gobernará a vivos y muertos, donde un grupo de seguidores del demonio tienen esa misión.

Cuando es descubierto, busca la forma de escapar y es infructuosa la salida, debiendo enfrentar oscuros ritos, maléficos espíritus, pero por sobretodo, el mal del ser humano.

La película comienza de manera interesante por su puesta en escena, pero dura muy poco la emoción ya que diluye todo lo que queremos en misterio y suspenso para transformarse en algo aburrido, sin una edición que la haga interesante. Todo hasta llegar a los últimos 15 minutos de la trama, donde da un giro al ocultismo y demoníaco, que hace captar nuestra atención.
Da un giro dejando todo "pies arriba", como una cruz invertida.
Dejando moralejas que pueden ser interpretadas de diferentes formas, ante figuras grotescas.

La vida puede ser un desafío máximo y misterioso, en que el cielo puede explotar para que la vida y muerte se mezclen, y tal vez se caiga en un abismo sin retorno.
No sabemos qué puede ser el bien y el mal. Si Dios y el Diablo actúan en conjunto, o separadamente. Todo es interpretable.

Película que tiene buena puesta en escena, pero no se aprovecha del todo.
Un buen maquillaje, realista. Buena banda sonora y vestuario.
No aprovecha su género, un guion que pudieron haberle sacado mejor partido.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Nombre original: Hellhole ( polaco: Ostatnia wieczerza)
Director: Bartosz M. Kowalski
Guion: Bartosz M. Kowalski y Mirella Zaradkiewicz
Edición: Ajakub Kopec
Musica: Carl-Johan Sevedag
Año: 2020
Duración: 88 minutos
Protagonistas: Piotr Zurawski, Olaf Lubaszenko, Sebastián Stankiewicz, Lech Dyblik, Rafael Iwaniuk

sábado, 29 de octubre de 2022

1976 - Por Jackie O.

“El valor de ayudar al prójimo”.


Sinopsis: Película ambientada en el Chile de 1976. Nos cuenta sobre Carmen, quien se va a la playa para supervisar la remodelación de su casa. Pues su marido, hijos y sus nietos van y vienen en las vacaciones de invierno. Cuando el sacerdote de su familia, le pide que cuide a un joven que está alojando en secreto en la iglesia. Por lo que Carmen se adentra en territorios inexplorados, lejos de la vida tranquila a la que está acostumbrada.

Películas chilenas ambientadas en la década del 70, tienden a ser ya aburridoras por usar el único tema que parece que se les ocurre a los directores y guionistas: dictadura. Da la impresión que tienen muy poca imaginación para armar nuevas historias, o poco conocimiento de la historia de Chile, la cual es muy amplia y nutrida en eventos. Principalmente eventos terribles, si es la temática que se quiere contar.

Esta película, como trata la sinopsis, nos cuenta la vida de Carmen, una mujer de buena situación económica, que viaja a la playa a supervisar los arreglos de su casa, para recibir a la familia en las vacaciones de invierno. Ella es una mujer bondadosa que le gusta ayudar, en especial al cura del sector. Y en un momento determinado, el cura le pide que vaya a prestarle ayuda médica a un joven “ladrón” que está escondido en la iglesia, pero que no le puede decir a nadie porque lo pueden detener; y como Carmen estuvo en la Cruz Roja, y su marido es médico, mantiene conocimientos en dicha materia.

Así va conociendo a este joven, sin conversar mucho en un comienzo, solo se dedica a cuidarlo. Hasta que descubre que el joven es un extremista.

Lo interesante de esta película, y lo muy rescatable, es el tema humano. Nos olvidamos en parte del tema dictadura aunque traten de que sea “el tema”; lo recuerdan en cada momento en situaciones como el toque de queda, noticias y discursos del presidente de la época, etc. Pero el fondo, creo yo, es la humanidad que tiene esta mujer, y sus dudas ante lo mismo.

Ella solo quiere ayudar y lo hace: les lee a los ciegos, busca médicamente para aportar, cuida a este joven, etc. Y al decidir ayudar a este muchacho a poder contactar a sus amigos, comienza para ella una aventura pero no muy feliz, pues lleva y trae recados lo que le provoca estrés y ciertos delirios de persecución, ya que cree que ha sido descubierta en esta actividad riesgosa.

Cada día que pasa se debate en la angustia de este secreto.

Ya que lo que cree es una ayuda humanitaria en tiempos difíciles, duda si lo que hace está bien o no, si se encuentra traicionando a su familia y entorno, o debe seguir con sus valores y de ayudar al prójimo.

Aline Küppenheim, nuestra protagonista, efectúa un excelente trabajo, su contención y emociones están muy bien trabajadas. Hugo Medina, fue un agrado verlo de nuevo; todo el elenco cumple bien sus roles.

Martelli, realiza una muy buena dirección, y hay planos muy bien empleados.

La puesta en escena es buena, cada detalla está muy bien cuidado: vestuario, decorados, periódicos, etc.

En qué puedo reparar es en la música de fondo, cada silencio que había era interrumpido con una música muy alta que quiebra el momento, y a veces molesta.

Una película con toques de thriller muy interesante.

Ficha técnica

Título original: 1976
Año: 2022 Duración: 95 minutos
País: Chile
Dirección: Manuela Martelli
Guion: Manuela Martelli, Alejandra Moffat
Música: Mariá Portugal
Fotografía: Soledad Rodríguez.
Reparto: Aline Küppenheim, Nicolás Sepúlveda, Hugo Medina, Alejandro Goic, Carmen Gloria Martínez, Antonia Zegers, Marcial Tagle
Género: Drama, Años 70

viernes, 28 de octubre de 2022

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine Viernes 28 de Octubre 2022

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Alejandro Caro en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

1976 - Por Carlos Correa

Carmen -Aline Küppenheim-, prepara sus vacaciones de invierno en la casa familiar de la playa. Corre el año 1976 y Chile se encuentra convulsionado a tres años del Golpe Militar que tiene en el poder al dictador Augusto Pinochet. Carmen, bastante abstraída de dicha realidad pues tiene un pasar acomodado, piensa en remodelar su casa y pintarla, recibir a su marido, a sus hijos y a sus nietos cuando puedan visitarla y atenderles de la mejor forma posible. Su tranquilidad se ve trastocada cuando el sacerdote del balneario, el padre Sánchez -Hugo Medina-, amigo íntimo de la familia, le pide atender y cuidar a un joven herido -Nicolás Sepúlveda-, que se encuentra escondido en la casa parroquial. Carmen acepta, sin embargo ese sí la conduce por caminos complejos y peligrosos que modifican completamente su vida.

Escrita y dirigida por Manuela Martelli, esta cinta describe un camino, el tránsito íntimo sobre la toma de conciencia de una mujer que vive, al menos hasta ese momento, ajena a un entorno que cada vez resulta más visible. En su hogar no se habla de política, se evade el tema para no discutir, para que no signifique un punto de desunión o conflicto. A raíz de aquello, se cancela cualquier realidad diferente; pero existen las caras opuestas, coexisten las visiones antagónicas que Carmen va descubriendo con algunos signos que se abren paso vertiginosamente.

Los desenfoques de cámara se pueden interpretar como la manera de plasmar esa nebulosa que tiene ella respecto al mundo real. Como efecto -y también como una precisa decisión de la directora-, resulta muy apropiado, al igual que la presencia de una banda sonora moderna, inquietante, que transmite marcada tensión, a pesar de exponer un volumen tal vez demasiado fuerte en algunas escenas.

Desde el punto de vista del guion, observamos una progresión ascendente del pulso narrativo. Así, sin más, el último tercio apura el conflicto y desata la incertidumbre. Emerge entonces un thriller que necesita resolución y que concluye acertadamente, con sagacidad y también con gran sentido de continuidad.

Observamos, a través de sus 95 minutos, interesantes ángulos y delicados movimientos de cámara. Un ejemplo es la muy buena escena donde el Cura se confiesa ante Carmen, lo que significa un punto clave y de inflexión en el tramado de la historia.

La actuación de Aline Küppenheim es sobresaliente. Siente y vive su personaje, está imbuida, inserta en una fusión tan ineludible como inseparable. Hugo Medina también logra convencer, se muestra honesto y creíble como un sacerdote carismático, jugado y conflictuado a la vez. La gran cantidad de personajes secundarios dificulta un poco el andamiaje, lo que sin embargo aquello no afecta el resultado de la configuración del relato. Si bien no todo el reparto logra el mismo nivel de proyección, cumple con el objetivo de dar cuenta de una realidad, de ese entrono que Carmen comienza poco a poco a descubrir.

Primerísimos planos muestran pequeños gestos de la protagonista, y son muy buenas esas capturas de mínimos detalles. Asimismo, la ambientación resulta muy real. Está muy bien hecha la recreación de la época, por ejemplo el calefont de la casa, o el valor de la micro, aspectos a veces ignorados o pasados por alto en producciones de nivel.

Manuela Martelli desarrolla un trabajo muy interesante, de construcción lenta y a la vez sólida (así como los arreglos de la casa), una realización que marca un debut más que interesante de esta excelente actriz chilena que ahora cambia de rol para estar detrás de la cámara y así poder entregarnos su visión de un momento de la historia de Chile que, aunque pasen los años, nos sigue estremeciendo y conmoviendo.

Ficha técnica

Título original: 1976
Año: 2022
Duración: 95 minutos
País: Chile
Productora: Cinestación, Magma Cine, Wood Producciones
Género: Drama | Años 70. Dictadura chilena
Guion: Manuela Martelli, Alejandra Moffat
Música: Mariá Portugal
Fotografía: Soledad Rodríguez
Reparto: Aline Küppenheim, Nicolás Sepúlveda, Hugo Medina, Alejandro Goic, Carmen Gloria Martínez, Antonia Zegers, Marcial Tagle
Dirección: Manuela Martelli

Lilo, Lilo, Cocodrilo - Por Juan Pablo Donoso

Encantadora versión cinematográfica del personaje literario infantil creado por Bernard Weber (1921-2013).

Un pomposo artista de variedades - Héctor P. Valenti (Javier Bardem) - descubre un pequeño cocodrilo que podía cantar. La función de estreno fue un chasco porque el saurio se pasmó al ver tanto público.

Arruinado, Héctor lo encerró en el ático de su casa mientras él salía a conseguir dinero. Cuando regresa, después de 18 meses, encuentra a una familia arrendando el 1° piso. El hijo del matrimonio - Josh - descubrió al cocodrilo ya grande, se hicieron amigos y compañeros de juegos. Con semejante camarada ningún niño le haría matonaje en el colegio.

De a poco, Papá, humilde profesor primario de matemáticas, y Mamá (Constance Wu, tailandesa), creadora de recetas de cocina, también superan el temor inicial, y lo adoptan como mascota en pleno Manhattan.

Las aventuras que todos viven, incluyendo a una gatita angora llamada Loretta, del agresivo administrador del edificio, y el retorno del pícaro Valenti, rescatarán a Lilo Lilo del zoológico donde lo recluye la policía y, gracias a su lealtad con el niño, terminará atreviéndose a cantar en público en un gran concurso televisivo nacional.

Una historia lineal, sencilla, con simpáticos personajes, que incluye canciones del popular músico pop Shawn Mendes.

El mérito de la película, además de su anécdota, radica en la extraordinaria tecnología empleada para dar vida, y expresiones, al enorme cocodrilo computarizado haciéndolo interrelacionarse con actores de carne y hueso, y circular por callejones, techos y cornisas de Nueva York.

A pesar de su duración- 1,44 hrs. - la fluidez del relato, el humor de sus escenas y la intercalación de bellas canciones la hacen parecer más corta.

Transmite valores sin ser “predicante”, representa familias mezcladas en armonía (negros, asiáticos, judíos y arios). Nos invita a amarnos a pesar de nuestras circunstancias (¡como tener a un gentil cocodrilo de mascota!), y encontrar coraje en tiempo difíciles.

Además de los guionistas, directores e intérpretes, un especial aplauso para el enorme equipo de efectos especiales (James Edwards, supervisor general) que hicieron parecer tan verosímil esta fábula inaudita.

AMENA, GRACIOSA Y RECOMENDABLE PARA TODA LA FAMILIA.

Ficha técnica

Título Original: Lyle, Lyle, Crocodile
2022 Animación, comedia, música EE.UU. - 1,46 hrs. 
Fotografía: Javier Aguirresarobe 
Edición: Richard Pearson 
Música: Mateo Margeson, Benj Pasek, Justino Pablo 
Diseño Prod.: Marcos Worthington 
Guion: Will Davies 
Voces en Ingles: Javier Bardem, Scoot McNairy, Shawn Mendes 
Directores: Josh Gordon, Will Speck

La Luz del Diablo - Por Juan Pablo Donoso

Quiso ser novedosa en la caterva de exorcismos. Se perdió en el laberinto de su mazamorra.

Buena ambientación y atmósfera inicial. Pareciera filmada en Rusia: casi todo el equipo técnico tiene esos apellidos.

Aprovechando la cercanía de Halloween llega esta nueva película de posesión con los trillados sustos y clichés. La fórmula está tan gastada que casi se parodia a sí misma.

Edición pretenciosa con sobresaltos en casi todos los rincones. Intenta giros temáticos que quedan cortos y terminan siendo baratos. El trabajo de cámara repite el enjuague.

Ann (Jacqueline Byers) es una monja novicia con trauma de infancia. Aspira ser la primera mujer exorcista en una academia vaticana donde sólo hombres pueden ejercer esa función. Un experto profesor le reconoce los dones y accede a capacitarla.

Por una extraña intuición, en el hospicio intentará sanar a una inocente niñita llamada Natalie (Posy Taylor), víctima de legiones de demonios (¿suena familiar?). Mas, ¡oh sorpresa! La pequeñita era, casualmente, la hija natural de la monja dada en adopción cuando adolescente. (¡Plop!).

Decidida a erradicar el mal, Ann pronto se dará cuenta de que el Diablo la tiene justo donde la quiere.

Por la cantidad de antecedentes y personajes secundarios pareciera provenir de una compleja novela. Pero al abarcar tantos aspectos, el fondo queda superficial y lleno de cabos sueltos. Algunos ejemplos: la psiquiatra, la familia endemoniada del joven sacerdote latino, y la hierática figura del Cardenal Matthews (Ben Cross, Carros de Fuego - 1981) que para el drama resulta irrelevante. Cabe mencionar que en los créditos finales se rinde un homenaje póstumo a este famoso actor inglés.

Tenía elementos para ser sugerente y humanitaria. La mezcolanza sólo abarató el proceso cayendo en concesiones fáciles e innecesarias.

Clichés espurios de la jerarquía católica. Pelucas de mala calidad. Ni siquiera los actores tenían claro hacia dónde iba la tragedia.

Final burdo y efectista tal vez para hacer una posible secuela. (¡!)

PUDO SER DIFERENTE SOBRE EL MANIDO TEMA DEL EXORCISMO.

Ficha técnica

Título Original: Prey for the Devil
2022 Terror, posesión satánica EE.UU. - 1,33 hrs. 
Fotografía: Denis Crossan 
Edición: Tom Elkins 
Música: Nathan Barr 
Diseño Prod.: Jonathan McKinstry 
Guion: Robert Zappia 
Actores: Virginia Madsen, Ben Cross, Colin Salmon, Jacqueline Byers 
Dirección: Daniel Stamm

jueves, 27 de octubre de 2022

Karnawal - Por Juan Pablo Donoso

Caso de un joven condenado a seguir un destino de delincuencia que se salva gracias a su vocación por la danza.

Objetivos claros de los personajes principales. Borrosa premisa general de la obra. El conflicto antagónico se debilita. Por ello el desarrollo durante largos momentos se siente errático.

Aunque se entienden las motivaciones individuales, muchas secuencias quedan abultadas, y algunas hasta innecesarias. Hacia la crisis surge, por fin, un clímax lateral más activo (pelea en la carretera) que, felizmente, se bifurca para remachar en la premisa central: con obstinada vocación un hijo puede liberarse del mundo nefasto y delictual de su padre.

Experta realización cinematográfica, sólida labor actoral, y hermosos paisajes rurales de día y de noche.

Incidentes confusos en la etapa crítica, por lo cual sólo nos queda dejarnos llevar por el ascenso progresivo hacia el clímax. Pudieron ser mejor decantados.

El promocionado carnaval folklórico (“Karnawal”) - que da título a la película - poco o nada aporta al conflicto medular. Sólo nos indica que sucede en paralelo con la historia. Sin sus largas secuencias el drama pudo ser el mismo. Se siente como relleno. Después de todo, la competencia folklórica argentina que, para este caso nos importa, es el Concurso de Malambo, que poco tiene que ver con las exuberantes “diabladas” seudo-altiplánicas.

La actuación del chileno Alfredo Castro, como el padre crápula bajo libertad condicional, es coherente con la psicología del personaje. Mariana Lairana expresa con claridad la difícil ambigüedad vacilante de la madre.

El muchacho protagónico, Cabra, lo interpreta Martín López Lacci, bailarín profesional quien, a sus 16 años ya ha ganado 5 veces el campeonato mundial de malambo. Arisco, de pocas palabras. Mala relación con sus padres y peor aún con la pareja sexual de su madre. Adolescente jujuyano constantemente abatido. Anhela atraer la atención afectiva de su padre.

Lo más logrado es la tensión interpersonal que va surgiendo, pero que se dispersa a ratos para culminar en la agridulce redención juvenil gracias a la danza.

Ópera prima del argentino Juan Pablo Félix. Presentada en el Festival Internacional de Cine de Toronto: reconocimientos en los Premios Platino, el Festival de Málaga y los Premios Sur, entre otros galardones.

TRÁGICAS EXPECTATIVAS JUVENILES - Y SUS VERICUETOS - QUE CULMINAN EN TRISTE DECEPCIÓN AFECTIVA.

Ficha técnica

Drama, familia, folklore - 2020 
Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, México, Noruega - 1,37 hrs. 
Fotografía: Ramiro Civita 
Edición: Luz Lopez Mañe, Eduardo Serrano 
Música: Leonardo Martinelli 
Diseño Prod.: César Morón, Dani Vilela 
Actores: Alfredo Castro, Martín López Lacci, Mónica Lairana 
Guionista y Director: Juan Pablo Félix

miércoles, 26 de octubre de 2022

Karnawal - Por Carlos Correa

Disponible en Cines.

Cabra -Martin Lopez Lacci-, es un adolescente que sueña con convertirse en bailarín de Malambo, el baile más reconocido de los gauchos. La intempestiva visita de su padre, “el Corto” -Alfredo Castro-, trastoca sus planes y siembra un manto de dudas. La perspectiva general de los hechos adquiere un cariz diferente y las prioridades cambian sustancialmente. ¿Podrá sobreponerse a un camino lleno de adversidades e incertidumbres?

Podemos desglosar esta película en tres partes. La primera, una especie de introducción, donde observamos los bailes y sueños de Cabra, quien vive con su madre y la pareja de ella en la frontera de Argentina y Bolivia, inmerso en una realidad de pobreza y vulnerabilidad que le obliga a poner a prueba lo que está dispuesto a sacrificar para conseguir su objetivo.

Una segunda podría verse como el desarrollo de la cinta. “El Corto” aparece de pronto, y con ello da paso a otra historia. Él es un prácticamente un desconocido. ¿Qué intenciones tiene? ¿Por qué regresa? ¿Viene por un reencuentro genuino, o hay algún interés detrás? De cualquier manera, su entrada en escena naturalmente tuerce el camino que recorren Cabra y su madre.

Una tercera sección vendría ser la conclusión del relato, el momento en que surge la intriga, el suspenso, y que conduce al remate de una historia de algo más de una hora y media de duración.

Varias preguntas surgen luego de ver la cinta: ¿Cuán protagónico es el baile? ¿Es un medio de escape, una mera excusa, o es un fin en sí mismo? ¿Quién protagoniza realmente esta película, Cabra o El Corto? ¿De quién es la historia que se cuenta, o son historias paralelas, con igual profundidad y peso dramático?

Muy bien Martin Lopez Lacci en sus bailes y coreografías. Eso sí, se le ve menos activo en aquello que resulta ajeno a ese foco. Por su parte, Alfredo Castro se roba la cámara cuando aparece en pantalla. Hay luces en sus ojos; entrega una actuación dinámica y efervescente. La fotografía de Ramiro Civita es bella, expone un auténtico colorido, una composición estética que da solidez a una película bien construida y bien filmada.

“Karnawal” tiene algo difícil de describir. Va de menos a más, pero deja varias preguntas sin respuestas exponiendo, incluso, algunas situaciones que resultan inverosímiles. ¿Es un relato familiar, o más bien social, de sueños y frustraciones? ¿Resiste varias hipótesis? ¿Da para interpretaciones más profundas que solo dar cuenta de una realidad?

Todas estas interrogantes perduran durante el metraje buscando tal vez resolver la gran incógnita: ¿cuál es el mensaje que nos quiere entregar “Karnawal”? ¿O corresponde más bien a una experiencia, un acompañamiento, un viaje al interior de un mundo altiplánico que requiere ser visibilizado y escuchado?

Ficha técnica

Título original: Karnawal
Año: 2020
Duración: 97 minutos
País: Argentina
Productora: Coproducción Argentina-Brasil-Chile-México-Bolivia-Noruega; Bikini Films, 3 Moinhos Produções Artísticas, Picardia Films, Phototaxia Pictures, Londra Films P&D
Género: Drama | Familia. Adolescencia
Guion: Juan Pablo Félix
Música: Leonardo Martinelli
Fotografía: Ramiro Civita
Reparto: Alfredo Castro, Martin Lopez Lacci, Mónica Lairana, Diego Cremonesi, Adrián Fondari, Sergio Prina
Dirección: Juan Pablo Félix

1976 - Por Elizabeth Salazar T.

La actriz y directora Manuela Martelli, estrenó su opera prima “1976”, este año, en el Festival de Cannes. A partir de este hecho, teníamos mucho interés en ver “1976”. Finalmente, la espera se acabó y esta semana la película se estrena en las salas de cine nacionales. El filme nos muestra a Carmen (Aline Küppenheim), una mujer chilena de clase acomodada, que se traslada al Litoral Central para poder supervisar la remodelación de su casa. Al lugar llega su familia compuesta por su marido, hijos y nietos, en forma esporádica. Carmen tiene mucha cercanía con el sacerdote del lugar, el Padre Sánchez (Hugo Medina). Lo apoya en algunas actividades, como leer libros a personas no videntes, pero esta vez él quiere pedirle un favor particular que la llevará a conocer una realidad muy diferente a la suya.

Desde el inicio de la película, llama la atención el juego con las imágenes que hace la directora. Los zapatos, durante el filme, tendrán un simbolismo importante. Carmen necesita pintura para su casa, accidentalmente su zapato se mancha con un poco de pintura, comienzan a intercalarse imágenes, también las situaciones, algo ocurre en la calle, Carmen está dentro del local, dos realidades se cruzan. Y la pintura comienza a teñir los números que dan título a la película; serán los primeros detalles de los muchos que vamos viendo a medida que se desarrolla la trama. Se nota un filme muy femenino, pero también es muy feminista. De hecho, se encuentra inspirado en Noni, la abuela materna de Martelli, y ella misma ha declarado que busca destacar el rol de las mujeres que vivían en esa época, que ayudaron en forma anónima y con valentía, durante el período de dictadura.

El personaje de Carmen vive con todo tipo de comodidades. Su marido Miguel (Alejandro Goig), es médico, ella tiene algunos conocimientos de enfermería, pero no continuó sus estudios debido a que tras su matrimonio se convirtió en una dueña de casa. Podemos ver durante el filme cómo su marido siempre la está disminuyendo e incluso anulando. Él no cree en sus capacidades, dice frases como “es bueno que ayude al padre” dando a entender que así tiene algo que hacer… o “esa cabecita en qué anda pensando”…

A partir de la ayuda que realiza al sacerdote, con un joven llamado Elías (Nicolás Sepúlveda), Carmen se va dando cuenta de muchas situaciones que hasta el momento ella desconocía. Se acerca al otro Chile, sale totalmente de su zona de confort. También, es su relación con Elías la que la impulsa a realizar este redescubrimiento, ella es capaz de hacer muchas más cosas de las que su entorno piensa. Elías se refiere a ella con respeto y admiración, muy contraria a la actitud de su marido. Además, ella es una persona muy empática y solidaria, aunque en cierta medida, a través de este acto solidario, ella también vuelve a encontrar sus motivaciones, a sentirse útil, valiosa, haciendo algo importante y valiente.

Hay que destacar la actuación de Aline Küppenheim, realmente es excelente; podemos ver la evolución del personaje, es muy emotiva su interpretación. Además, llama la atención la estética del filme, detallista y cuidada, igualmente su ambientación en los años setenta. La música también es otro elemento que aporta a la película mucha tensión y suspenso en algunas escenas.

Un gran debut de Manuela Martelli en la dirección, un aporte al cine chileno. Una muy buena película para ver y reflexionar.

Ficha técnica

Directora: Manuela Martelli
Duración: 97 Minutos
Distribuye: Market Chile

Estreno el 20 de octubre en cines

El séptimo sello - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Suecia, mediados del siglo XIV. La Peste Negra azota Europa. Tras diez años de inútiles combates en las Cruzadas, el caballero sueco Antonius Blovk y su leal escudero regresan de Tierra Santa. Blovk es un hombre atormentado y lleno de dudas. En el camino se encuentra con la Muerte que lo reclama. Entonces él le propone jugar una partida de ajedrez, con la esperanza de obtener de Ella respuestas a las grandes cuestiones de la vida: la muerte y la existencia de Dios.


Un clásico necesario para los amantes del cine. Con simpleza, de manera fuerte, nos da un paseo por lo dura y hasta, a veces cruel, que debe enfrentar la vida humana, tratando de comprender el sentido o el sin sentido de la muerte.

Es un filme sombrío pero no carente de humor, y por momentos en los límites del pudor. Si bien las historias que vemos van mostrando las vidas de aquellos individuos esperando que la peste no los afecte, en paralelo dos personajes centrales, el caballero y la muerte, se enfrentan en juego para ver quién gana a quién… En otras palabras, unos huyen, otros esperan pacientemente el momento, y otros deciden enfrentarla. Es una decisión personal, lo deben hacer frente a la vida y la muerte.

Para los tiempos que corren es un filme absolutamente actual al plantear preguntas claves sobre qué es lo que da sentido a la vida que tenemos, si vivimos como si la vida no tuviera al final, como decía San Francisco de Asís, el encuentro con la hermana muerte. Siempre está ahí sin saber el momento en que será.

Si miramos alrededor, lo que nuestro modelo de sociedad ha construido, y citando al teólogo Antonio Bentué, es que “tratamos de camuflar la muerte”, con cierto grado de alienación, colocándola en un “no espacio” que no forma parte de la vida.

Es un filme pintado en un hermoso monocromático que da la atmósfera a un relato colmado de diálogos sobre la existencia humana y la búsqueda de respuestas frente a Dios para la vida de aquellos seres. ¿Por qué no también en la nuestra?

Premios:1957: Festival de Cannes: Premio Especial del Jurado.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Título original: Det sjunde inseglet (The Seventh Seal)
Año: 1957
Duración: 96 min.
País: Suecia
Dirección: Ingmar Bergman
Guion: Ingmar Bergman
Música: Erik Nordgren
Fotografía: Gunnar Fischer.
Reparto: Max von Sydow, Gunnar Björnstrand, Nils Poppe, Bibi Andersson, Bengt Ekerot, Gunnel Lindblom, Maud Hansson, Ake Fridell.
Género: Drama de siglo XIV. Edad Media, religión, ajedrez, pandemias, filme de culto
Productora: Svensk Filmindustri

Black Adam - Por Jackie O.

"Shazam!"


Black Adam (Teth Adam), es un supervillano y antihéroe. Creado por Otto Binder y C.C. Beck, Adam apareció por primera vez para el primer número de Cómic "Familia Marvel" de Fawcett Comic en diciembre de 1945.

DC ha demostrado, este año, que la calidad de sus trabajos ha superado a las de Marvel. Solo debemos hacer un repaso para darnos cuenta. Y en esta oportunidad nos trae a Black Adam (Teth Adam), y por supuesto, es un guion bien adaptado.

Nos presentan a un antihéroe, o incluso pueden considerarlo algunos un héroe. Pero los fans de este tipo de película, sabemos su oscura verdad.

La película nos lleva a una época y una ciudad esclavizada por el tiránico rey de Kahndaq, Ahk-Ton, quien creó una Corona conocida por otorgar gran poder a quien la lleva.
Mientras tanto, un joven esclavo ya no aguanta más, y provoca una revuelta donde todos se revelan, ahí vemos nuevamente a nuestro mago Shazam que le salva la vida a este joven y lo transforma, pero después de ciertos eventos es llevado al sueño eterno.

Ya en la actualidad, Khandaq está oprimido por la Intergang, unos soldados-mercenarios que se tomaron la ciudad. Y una arqueóloga intenta localizar la Corona de Sabbac, con la ayuda de sus amigos, para hacer el bien. Pero al ver que su vida y la de sus compañeros está en peligro, invoca un hechizo que despierta a quien ella cree es Teth Adam, sin saber que provocará una pelea descomunal.

Esta película la estaba esperando, pero no por "Black Adam", sino por la Sociedad de la Justicia de América, quienes son un grupo integrados por varios superhérores. Y nos encontramos en esta oportunidad con Doctor Fate, Cyclone, Atom Smasher y con Hawkman, quienes fueron contactados por la Oficial del gobierno, Amanda Waller, quien se entera de los incidentes que está dejando Teth Adam.

Ahí, este grupo más que pelear con Black Adam, quien su sentido de ayudar a la gente es muy particular, deben frenarlo y devolverlo a su sueño eterno. Pero Teht Adam se esmera por cuidar a un muchacho y a su madre, la arqueóloga.
Pero no solo se trata de pelear entre ellos, sino que también con los soldados de Intergang; mas, la ambición de uno ellos, que tiene sus razones para hacer lo que hace, que lleva todo a lo mismo en los villanos: poder, ambición, egoísmo.
Peleas que se acrecientan cuando aparece Sabbac. Y aquí me detengo un poco, ya que no se desarrolló bien su historia, no transformándose en un personaje tan interesante.

Eso hace que lo mejor sea ver la pelea de Black Adam con la SJA. Nos encontramos con uno de los mejores CGI de los últimos tiempos, en varias de sus escenas. Nos muestra un vestuario deslumbrante, unas actuaciones buenas en su mayoría. Pierce Brosnan está perfecto como doctor Fate, y Dwayne Johnson se ganó el puesto comiquero.
La música a tono. Chistes en el momento justo y pocos, me pareció perfecto. Y me encantó ese tono oscuro que le dieron a la película.

Aunque su guion es sencillo, es bueno, ya que igual estas tramas tienen sus profundidades, incluso cuando no hablan, pues entendemos los conceptos.
Y acá se podrían sacar algunos puntos que dan para conversar, como la crítica social de neocolonialismo, usando a este ficticio pueblo como ejemplo; la discusión que se produce por el concepto de superhéroe, el trabajo en equipo, el bien común, etc.

Lo que no me dejó conforme es, como dije, el poco desarrollo de Sabbac. La arqueóloga no me convenció su actuación, y su hijo me pareció casi insoportable.

Quiero aprovechar el espacio para contarles que hay una explicación muy simpática de lo que es un antihéroe en los post créditos de la película animada “Las súper mascotas” o también conocida como “Liga de las súpermascotas”. Y ahí vemos, tal vez por primera vez, a Black Adam; paso el dato por si dejaste de ver el final de dicha película.

Para finalizar, debo confesar que con este filme mantengo muchas ganas de ver un Black Adam 2, con un cruce con Shazam y con… (Escena post crédito)

Esta película debe ser disfrutada en Cines.

Ficha técnica

Director: Jaume Collet-Serra
Escrita por Adam Sztykiel, Rory Haines y Sohrab Noshirvani
Musica: Lorne Balfe
Cinematografía: Lawrence Sher
124 minutos.
Año 2022
Género: acción, fantasía, superhéroes, CsiFi, comedia.
Protagonistas: Dwayne Johnson, Aldis Hodge, Noah Centineo, Sarah Shahi, Marwan Kenzari, Quintessa Swindell, Mo Amer, Bodhi Sabongui, Pierce Brosnan

lunes, 24 de octubre de 2022

Peacemaker - Por Jackie O.

"No hay mal momento para rockear"


DC ha presentado este año buenos trabajos. Renovando, creando, y trayendo de los anaqueles nuevas historias.

Ahora, Peacemaker el violento, no, es poco decir. Un hombre sin sentimientos dispuesto a matar "por la paz", qué paz, no sé. Él tiene su propia definición, no deja a nadie vivo en su camino.
Pero, ahora que conocemos su historia, ya vemos por qué su sentido de paz está algo distorsionado.

Basado en el personaje de Charlton Comics, "The Peacemaker" originalmente apareció por primera vez en Fightin' 5 #40 (noviembre de 1966) y fue creado por el escritor Joe Gill y el artista Pat Boyette.

Qué nos muestra esta serie de ocho capítulos de unos 40 minutos aproximadamente.
Un personaje humanizado, o medianamente, un personaje del que vamos conociendo más sobre sus ideas, su pasado, y que se abre más en el presente.

Ahora, estos eventos ocurren después de Escuadrón Suicida 2, cuando es llevado a una clínica donde sobrevive, y al estar mejor le dicen que se puede ir, por lo que cree que ya era libre de su condena, y en especial de no trabajar para el gobierno. Así, raudamente, va a su hogar, o lo que era, sin dejar de ir por su mejor amigo Eagly, un águila que estaba siendo cuidada por su terrible padre.
 
Pero nada es paz para Chris, pues su vida es un caos lleno de traumas que han definido su personalidad, donde además, no se puede escapar del "largo brazo de la ley", que lo obliga a trabajar nuevamente para una agrupación secreta, llena de secretos entre ellos, con el fin de desarticular a unos aliens alados.

Ahí arma equipo, obligado, con Murn, quien lidera el grupo. Emilia Harcourt, de quien no hay que hablar mucho, ya es de la casa; un computín llamado Economos y una "torpe, amable e ingenua" chica de mandados varios, Leota Adebayo (negra, gorda y lesbiana; vaya que mal sonó, pero se necesitaba el toque super inclusivo, había mucha gente blanca y atractiva). Además, son términos despectivos que se usarán constantemente en esta serie). Y el último integrante, un psicópata admirador de Chris, y antihéroe como él, Adrian Chase, alias el Vigilante.
Todos se ven enfrentados a muchos problemas personales y grupales, pues las lealtades se ven conflictivamente expuestas.

Dentro de la trama también tenemos a dos policias muy bien representados, quienes no entienden nada de lo que pasa y solo quieren impartir justicia, pero se ven envueltos en el problema más de lo que quisieran. Así como, un guardaespaldas de uno de los aliens, un pequeño debilucho a la vista, pero que es una tremenda arma mortal, Judomaster.

Pero esto no para ahí, pues conocemos al objeto de los traumas de Peacemaker: su padre, un villano brutal, August "Auggie" Smith /White Dragon.
Y para los puristas, que sí, a veces decimos ¿a ver, a ver, qué pasa acá? En el Comic, Auggie es otra persona, pero vaya que quedó bien la asociación en esta historia. Eso dice mucho del equipo técnico, ya que a veces se incorporan personajes y situaciones que no quedan bien. Y acá la serie funcionó, con toda su locura, sus personajes y sus aventuras.

Una serie que, por favor padres entiendan, no todo Comic es para niños, esto es total y absolutamente de adultos, hay escenas de sexo y drogas, y para que decir la violencia, es muy explícita, tanto física como verbal.

Como adulta y maravillada con este mundo, que a veces me ha decepcionado, he quedado muy conforme con Peacemaker. ¿Quién se podría imaginar que solo verlo en Escuadrón Suicida iba a tener su propia serie? Y se viene una segunda temporada.

John Cena es de los musculosos, como Dwayne Johnson y Dave Bautista, que son más que eso, pues derrochan carisma, y al dársele la oportunidad han demostrado que se han ganado un espacio en el cine, y de forma merecida, en el mundo del Comic.

Tenemos una excelente banda sonora, y eso que no soy seguidora del rock, la disfruté. Efectos visuales muy buenos, así como el vestuario y maquillaje. Buenas coreografías.
Sí, hay situaciones inverosímiles, pero son parte del juego, y lo bueno es que son pocas.

Pero Eagly, es otro actor más, los efectos visuales lo hacen ver real y es un agrado su presencia.

Como es de esperar, hay unos cameos. Y cada capítulo termina con alguna locura ya vista pero extendida.

Una serie que también nos habla de los traumas que se acarrean de la infancia, y cómo algunos adultos torturan física y/o psicológicamente a los niños a su cargo. Además de la soledad, de que esos mismos traumas hacen que le temas a la gente. Pero también nos muestra un lado muy humano, que son las lealtades y las nuevas familias.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Director: James Gunn
Musica: Clint Mansell y Kevin Kiner
Protagonistas:
John Cena: Christopher Smith /Peacemaker
Danielle Brooks: Leota Adebayo
Freddie Stroma: Adrian Chase /Vigilante
Jennifer Holland: Emilia Harcourt
Robert Patrick: August "Auggie" Smith /White Dragon
Annie Chang, Lochlyn Munro, Nhut Le, Steve Agee, Chukwudi Iwuji.

El niño del Plomo - Por Carlos Correa

Esta cinta dirigida por Daniel Dávila tiene como telón de fondo un descubrimiento que hicieron dos pirquineros en el cerro El Plomo, a 5400 metros de altura, en Febrero de 1954: en la cumbre encontraron el cuerpo de un niño Inca congelado por más de 500 años. Como decidieron trasladarlo a Santiago, retiraron así esta ofrenda entregada en su momento a la montaña.

En el Santiago actual, Mateo y su niñera Scarlett emprenden el ascenso a El Plomo sin una motivación clara. Mateo parece recibir un llamado enigmático, una voz proveniente del cerro, que le reclama acerca de lo sucedido y que necesita, o más bien le exige, visitar el lugar de los hechos.

Luego de un inicio con imágenes rápidas producidas con una compleja edición, sentimos agobio. La música colabora a dicha sensación por sus secuencias de medios tonos, unos clústers tonales que, junto con la superposición de imágenes, aumentan progresivamente la tensión. Luego viene la calma, el sonido del viento y el silencio; por fin la anhelada paz.

Entonces, la bella fotografía surge en esplendor: una imagen preciosa acompañada de un imponente silencio. Es la blanca montaña, es la naturaleza, es todo un renacer. Algunos carteles con texto manuscrito nos dan algunas explicaciones. Observamos un diario, un relato, una historia.

“El Niño del Plomo” es una película conceptual, abstracta, con analogías y alegorías de una ruta, de un camino, de un tránsito tan confuso como difuso. Cuando hay diálogos, se pierde bastante de la magia que entregan las imágenes y los sonidos, se siente sobreactuada, no resulta natural si lo comparamos con la majestuosidad del retrato anterior.

El ascenso es difícil, dificultoso, hay cansancio, es un desafío mayor. Persisten, en varios pasajes, los sonidos tensos y los cortes abruptos que entregan el silencio como oposición.

El trabajo de Daniel Dávila es onírico. Su trabajo de las luces, los colores y los sonidos entregan una sensación mágica inmersiva, con conexiones de todo tipo mayormente entregadas a lo que el espectador pueda configurar y concebir.

Los cuatro elementos esenciales están presentes; tierra, aire, fuego y agua. La película pasa de estática a difusa, también se llena de fusiones (o confusiones) a lo largo y ancho de su metraje.

“El Niño del Plomo” es un cúmulo de experiencias sensoriales, un trabajo atemporal y también experimental cuyo objetivo se difumina aún más al llegar a su propia cumbre. Si se completa o no, si es inicio o fin, queda entregado a quienes acompañemos este recorrido; desde nuestra propia visión, y desde nuestra propia experiencia.

Ficha técnica

País: Chile
Año: 2021
Duración: 77 minutos
Casa productora: Kiné-Imágenes Producciones
Producción: Teresita Ugarte
Guion: Daniel Dávila, Elisa Eliash
Dirección de fotografía: Enrique Stindt
Montaje: Daniel Dávila
Dirección de arte: Víctor Nuñez
Sonido: Charly Rojas, Roberto Zuñiga
Elenco: Daniela del Pino, Mateo del Sante
Dirigida por: Daniel Dávila

domingo, 23 de octubre de 2022

El Último Acto - Por Juan Pablo Donoso

Hermoso y fraterno relato de la última etapa de la vida de William Shakespeare (Kenneth Branagh).

Cuando en junio de 1613 se incendió el Globe Theatre de Londres, su propietario y dramaturgo dejó de escribir. Juntó el dinero acumulado y volvió a Strattford-on-Avon, su pueblo natal. Durante 20 años dejó allí a su familia y, prácticamente, nunca volvió.

En el hogar quedaron su esposa Anna Hathaway, años mayor que él, sus hijas Susana, Judith y Hamnet, el único varón fallecido a los 11 años de edad.

Venía decidido a quedarse y disfrutar con ellos de la fortuna obtenida con el teatro. Pero lo recibieron con desconfianza y resentimiento. Casi ni lo conocían.

Le reprochaban la ausencia cuando murió su hijo, la frialdad con su mujer (Judi Dench), y la condición actual de sus hijas ya adultas: Susana, casada con un fanático religioso, y Judith (melliza de Hamnet) que ya pintaba para solterona: “Si sólo los libres de pecado pudieran casarse habrían muy pocas bodas”.

Recreación bellamente filmada: fotografía, vestuarios y ambientación. Tomas nocturnas iluminadas con velas. Nos transporta a la época. Verla es como vivir con esa familia. Loas al director de fotografía Zac Nicholson

Conflicto más sutil que obvio. Carece de estridencias. Poco a poco va re-conociendo a los suyos, presenciando sus penas y secretos, reconciliándose con cada uno, comprendiéndolos, y sintiendo más fuerte en su corazón la presencia espiritual de su pequeño hijo Hamnet. Llega incluso a intuir que el espíritu del niño guiaba su pluma al escribir sus obras.

Le confidencia a un joven escritor la clave de sus inspiraciones: “indagar en la propia alma del autor”.

Magistral conversación entre Will y el anciano Conde de Southampton (Ian McKellen, admirable como siempre), filmado en estrecha “cara a cara”. Quienes sepan del bardo, y conozcan del origen amoroso de sus sonetos, disfrutarán aún más con este duelo tan íntimo de talentosos actores.

Will volvió al hogar a reencontrarse con sus raíces, con el alma de Hamnet, y lo consiguió con mucho dolor. Fue el último acto (título del filme) de su última obra y, tal vez, la más personal.

Jubiloso reencuentro con Ben Jonson (Gerard Horan): “Alégrate, Will, porque al fin llegaste a casa, a diferencia de tantos otros poetas que nunca lo consiguieron”.

Una bella meditación biográfica sobre la pérdida, el duelo, la vejez y la reconciliación.

Para disfrutarla con calma y tolerancia.

Disponible en Netflix.

REFINADA Y ENTRAÑABLE. UN CANTO A LA HUMILDAD DE LOS GENIOS VERDADEROS.

Ficha técnica

Título Original: All is True - 2018 
Biografía, drama, historia Inglaterra - 1,41 hrs. 
Fotografía: Zac Nicholson 
Edición: Úna Ní Dhonghaíle 
Música: Patrick Doyle 
Diseño Prod.: James Merifield 
Guion: Ben Elton 
Actores: Kenneth Branagh, Judi Dench, Ian McKellen 
Director: Kenneth Branagh

viernes, 21 de octubre de 2022

Amsterdam - Por Carlos Correa

Disponible en Cines.

Un médico, una enfermera y un abogado. Burt, Valerie, Harold. Tres amigos que comparten una historia.

En 1933, en Estados Unidos, las secuelas de la guerra aún persisten. Burt -Christian Bale-, atiende en su consultorio a los veteranos; Harold -John David Washington-, se ha convertido en abogado; y Valerie -Margot Robbie-, ha quedado atrás, en aquel recuerdo de Amsterdam donde, 15 años atrás, los tres se conocieron y trabaron amistad.

El reconocido Senador Meekins ha muerto. Harold, contratado por la hija del también ex general, le pide a Burt hacer la autopsia. Hay algo extraño en la causa del deceso; se sospecha que fue asesinado. Los dos amigos deciden investigar y encuentran un hilo que los lleva hasta Tom Voze -Rami Malek-, un rico empresario textil, que resulta ser nada menos que el hermano de Valerie. Reunidos nuevamente, los tres deberán desentrañar oscuros misterios a través de laberintos de poder y corrupción.

Escrita y dirigida por David O. Russell, esta singular comedia negra se inspira en hechos reales. Su fuente está en “The Business Plot”, una supuesta conspiración política conformada por empresarios adinerados que, en 1933, se habría propuesto derrocar al presidente Franklin D. Roosevelt para instalar, en su reemplazo, a un dictador. Enrevesada en su tratamiento, y con un complejo guion no lineal, la cinta avanza irregularmente hacia un declive intermedio del que ni su nutrido -y reconocido- elenco se logra sustraer.

No obstante el sinuoso ritmo de la película, los actores destacan por dos aspectos. Primero, por sus tres carismáticos y sólidos protagonistas: Christian Bale, Margot Robbie y John David Washington. Y segundo, por carencias notorias en los personajes secundarios, entre los que observamos a Rami Malek, Anya Taylor-Joy, Robert De Niro y Chris Rock -¡qué hace aquí!-, con caricaturas de personajes que no se logran configurar bien. Aunque la sola presencia de De Niro, cuando se toma la pantalla, sube los bonos al tercio final del metraje, aquello no resulta suficiente para ofrecer contrapeso al trío protagónico.

“Amsterdam”, a pesar de generar un piso de misterio y una cierta atención, no logra imponerse como una historia que sea fácilmente recordable. Es más, a medida que pasan los días, la temática se vuelve aún más nebulosa, lo que hace que olvidemos rápido incluso los detalles más interesantes de una cinta que tiene en la parafernalia su mayor mérito y valor.

Ficha técnica

Título original: Amsterdam
Año: 2022
Duración: 134 minutos
País: Estados Unidos
Productora: 20th Century Studios, Regency Television, Forest Hill Entertainment, Canterbury Classic. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Drama. Romance. Comedia. Intriga | Basado en hechos reales. Comedia negra. Años 30. Años 1910-1919. Amistad. Política
Guion: David O. Russell
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Emmanuel Lubezki
Reparto: Christian Bale, Margot Robbie, John David Washington, Alessandro Nivola, Anya Taylor-Joy, Andrea Riseborough, Chris Rock, Matthias Schoenaerts, Michael Shannon, Mike Myers, Robert De Niro, Taylor Swift, Rami Malek
Dirección: David O. Russell

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine Viernes 21 de Octubre 2022

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Alejandro Caro en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

jueves, 20 de octubre de 2022

1976 - Por Juan Pablo Donoso

Relato fílmico chileno, de buen nivel profesional, cuyas claves de misterio van generando suspenso y angustia.

Durante el gobierno militar convivimos con Carmen (Aline Küppenheim), una señora de clase media acomodada, esposa de un médico. Se instala en su casa de la playa - en remodelación - durante unos días del invierno. Aunque todo irradia una atmósfera segura y cómoda, ella se siente ociosa y vacía.

De su amistad con el cura párroco del balneario (Hugo Medina), se entera que este esconde en un cuarto de la iglesia a un joven herido, prófugo de la Policía.

Gracias a sus años previos en la Cruz Roja, Carmen se ofrece a practicarle curaciones al muchacho. La gradual mejoría del enfermo y el riguroso sigilo con que debe atenderlo, le dan a su vida un aire de aventura junto a la satisfacción de sentirse espiritualmente samaritana.

Nadie de su familia, esposo, hijos, ni amigos visitantes deberán enterarse de esta furtiva, y tan riesgosa, labor encubridora.

Mas, el dilema psicológico de estar colaborando con los enemigos del régimen político imperante, y a la vez comportarse obsecuente con el “statu quo”, le va horadando los nervios.

Con el correr de los días, y oficiando a veces de recadera, comenzará a sentirse observada y, tal vez, seguida en sus pasos.

Crecerá el contraste entre su imagen familiar de clase adinerada versus una turbia desazón interna.

Con buen pulso narrativo vemos cómo Carmen se debate entre el coraje humanitario y el miedo frente a la realidad política que soterradamente la rodea. Siempre flota peligro en el aire. Las demás personas - aún las más amables - le parecen sospechosas de conocer su secreto.

Buena fotografía y cámara. Producción prolija. Diálogos concisos e ilustrativos. Acertada evolución anímica y facial de Aline Küppenheim. La ambigüedad de algunos personajes secundarios contribuye a incrementar la paranoia de Carmen. Hacia el final, cada frase o mirada - en apariencia inofensivas - podrían tener doble intención.

Mi único reparo está en la banda sonora. La música incidental - demasiado obvia y estridente - le quita sutileza al misterio que aumenta. Unos breves toques armónicos habrían bastado para potenciar los silencios, y ruidos naturales, acentuando más los recelos de la protagonista.

Premios 2022, Festival de Cannes: Sección Quincena de realizadores

PARANOIA POLÍTICA MINIMALISTA QUE - ¡TAL VEZ! - PUDO SER CIERTA...

Ficha técnica

Misterio, política, suspenso Chile -1,35 hrs. 
Fotografía: Soledad Rodríguez 
Edición: Camila Mercadal 
Música: María Portugal 
Dirección de Arte: Francisca Correa 
Guion: Manuela Martelli, Alejandra Moffat 
Actores: Aline Küppenheim, Hugo Medina, Alejandro Goic 
Dirección: Manuela Martelli

El Castigo - Por Carlos Correa

Disponible en Cines.

Un niño de siete años se ha extraviado. En la orilla de una carretera del sur de Chile lo buscan sus padres, Ana -Antonia Zegers-, y Mateo -Néstor Cantillana-. Se internan en el frondoso bosque. ¡Lucas!… ¡Lucas!… gritan a viva voz, pero los esfuerzos son infructuosos. Lucas no aparece. Cae la tarde, baja la temperatura, lo hermoso se torna amenazante. Es mejor llamar a Carabineros para que colaboren con la búsqueda. Crece la tensión, y de Lucas, nada. 

El director chileno Matias Bize ejecuta el espléndido texto escrito por Coral Cruz con precisión, agudeza y maestría. “El Castigo” es una cinta que imprime sentido de urgencia, preocupación, desesperación y angustia ante una situación límite que parece escaparse de las manos de esta madura pareja.

Con aparente sencillez en su premisa, esta película tiene compartimentos que se van develando con el correr de los minutos. Varias crisis están presentes: familiar, matrimonial, de maternidad, de paternidad; también de las acciones y sus consecuencias. Está en juego el sentido de la vida, y abarca la intimidad más profunda de dos padres carcomidos por las circunstancias.

El guion está muy bien compuesto. Con textos claros y concisos, Cruz hace un trabajo notable al determinar también los adecuados movimientos escénicos para dar cuenta de la evolución de los personajes, y así percibir esos cambios que se producen según pasa el tiempo, aquello que deja al descubierto las emociones que emergen de esos mínimos gestos y palabras que afectan significativamente, pues no tienen filtro y son directas; casi sin elaboración brotan del corazón.

Las actuaciones de Antonia Zegers y Néstor Cantillana resultan de una gran solidez. No solo tienen enorme realismo sino que además se sienten espontáneas y honestas, dotadas de un peso expresivo que logra traspasar la pantalla y conmover. Catalina Saavedra, que interpreta a la Sargento, si bien logra un compromiso importante con los roles protagónicos, no consigue separarse de los personajes que ya le conocemos. Es cierto, hay matices y diferencias, pero en sí, es su misma personalidad la que observamos una y otra vez, lo que indudablemente da cuenta de una enorme fuerza interior que quizá necesita reinventarse.

Bize aborda este proyecto con una filmación en tiempo real, sin cortes, un solo plano secuencia -técnicamente dificilísimo-, gracias al cual la película se siente aun más real. En ese sentido, la fotografía de Arnaldo Rodríguez es impecable: seguimiento permanente, tensión creciente, movimientos calculados; es como estar allí siguiendo a los protagonistas. A veces más cerca, a veces más lejos, la cámara representa nuestros ojos leyendo muy bien lo que tal vez haríamos en caso de estar físicamente en el lugar.

Las capas del relato van mostrando y componiendo al mismo tiempo la historia. Es una construcción de liberación lenta, vamos conociendo detalles con el paso de los minutos. El escenario mismo es simbólico. Estamos en un bosque que resulta tan precioso como preocupante. Observamos el cambio paulatino de la luz en un atardecer, el que a su vez se transforma en una metáfora. La oscuridad (en todo sentido) y el frío (esa necesidad de abrigo y cobertura física, pero también emocional), además podrían ser leídos como signos que están en lo más profundo de los sentimientos de ambos protagonistas. La música es el sonido del bosque, un silencio tenso, una ausencia-presencia de sonidos naturales que resulta ser todo un acierto, en forma y fondo. 

Interpelaciones, demandas, contradicciones, impulsos, debilidades, miedos y confesiones. Estamos ante un cúmulo de sensaciones afectivas que nos llegan de manera directa. En “El Castigo” las reflexiones quedan y las preguntas perduran. Es de esas películas que pasan a habitar en nosotros, para continuarlas, para sentirlas, para vivirlas. 

Felicitaciones a Matías Bize y a todo el equipo de producción por entregarnos una película vital, indispensable, e imperdible.

Ficha técnica

Título original: El castigo
Año: 2022
Duración: 85 minutos
País: Chile
Productora: Coproducción Chile-Argentina; Ceneca Producciones, Sudestada Cine S.R.L
Género: Drama
Guion: Coral Cruz
Música: Diego Fontecilla
Fotografía: Arnaldo Rodríguez
Reparto: Antonia Zegers, Néstor Cantillana, Catalina Saavedra, Yair Juri, Santiago Urbina
Dirección: Matías Bize

miércoles, 19 de octubre de 2022

La Casa del Dragón - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Historia ambientada casi dos siglos antes de Daenerys Targaryen, y en el noveno año del reinado de Viserys Targaryen (Paddy Considine), un rey cuya línea de sucesión está en peligro. Su esposa Aemma (Sian Brooke) está embarazada, aunque no hay garantía que dé a luz a un heredero varón. Si no lo hace, entonces el Trono de Hierro recaerá, bien sobre el hermano de Viserys, Daemon, un gobernante impulsivo y potencialmente tiránico (Matt Smith); o bien, rompiendo con la tradición de preferencia del varón, en la hija adolescente de Viserys, Rhaenyra (Milly Alcock), cuyo reclamo del trono está destinado a tener una fuerte oposición.


Basada en la novela de George R.R. Martin, “Fuego y Sangre”, y precuela de “Juego de Tronos”, con 10 meses de rodaje sin considerar los efectos visuales y el montaje.

El relato recorre unos 30 años de la dinastía de los Targaryen, 172 años antes del nacimiento de Daenerys Targaryen (Emilia Clarke), en Juego de Tronos.

En esta etapa inicial se van develando las diferentes personalidades de la familia, las traiciones, sus aliados, los que están entre las sombras moviendo los hilos del poder para alcanzar algo de el. Por supuesto, su interés es mantenerse en el poder que les es otorgado por el dominio que tienen sobre los dragones.

La primera temporada tiene todos los ingredientes, sangre y bastante crueldad en algunas escenas. No podemos dejar fuera las escenas de sexo e incesto, algo que se daba para conservar el linaje (sangre), lo que daba el dominio sobre sobre los dragones.

Podemos deducir que en esta parte el autor de la novela de La Casa del Dragón investigó cómo las casas reales sufrieron deformaciones genéticas y que la ciencia ha corroborado posteriormente por este tipo de relaciones.

Lo anterior nos permite situarnos frente a una serie que seguramente nos puede tocar con cierta crudeza como se presenta, pero que se debe enfrentar teniendo en cuenta el contexto donde se desarrolla.

Finalmente, tiene una muy buena ambientación y excelentes actuaciones, un poco lenta en algunos pasajes, los diálogos de los personajes nos permiten ver por dónde va la historia y quién es quién.

Disponible en HBO Max.

Ficha técnica

Título original: House of the Dragon
Año: 2022
Duración: 60 minutos
10 episodios. Primera temporada
País: Estados Unidos
Dirección: Ryan Condal (Creador), George R.R. Martin (Creador), Miguel Sapochnik, Clare Kilner, Geeta V. Patel, Greg Yaitanes
Guion: Ryan Condal, George R.R. Martin, Miguel Sapochnik, Sara Hess.
Música: Ramin Djawadi
Fotografía: Pepe Avila del Pino, Fabian Wagner, Alejandro Martínez, Catherine Goldschmidt.
Reparto: Paddy Considine, Matt Smith, Milly Alcock, Emma D'Arcy, Rhys Ifans, Olivia Cooke, Emily Carey, Steve Toussaint, Eve Best, Fabien Frankel, Sonoya Mizuno, Ryan Corr, Jefferson Hall.
Género: Serie de TV. aventuras, drama, fantástico, acción, intriga, fantasía medieval, venganza, mito, dragones.
Productora: HBO, 1:26 Pictures. Distribuidora: HBO Max, HBO.

lunes, 17 de octubre de 2022

Vista por última vez - Por Carlos Correa

Luego de una breve secuencia inicial, en muy pocos minutos tenemos el escenario configurado. El matrimonio de Will Spann -Gerard Butler-, y su esposa Lisa -Jaimie Alexander-a, pasa por un mal momento. No sabemos si se van a separar, pero lo concreto es que ella le ha pedido un tiempo sin verse, el que pasará en casa de sus padres.

Se percibe la tensión en un viaje que Will nunca hubiera querido hacer. Es una despedida, transitoria o definitiva, una pesadilla que nubla su vista y trastorna su vida. Faltando muy poco para llegar a destino, es necesario echar bencina. Tal vez una pausa abra alguna esperanza, nunca se sabe en este tipo de situaciones. Mientras Lisa va al baño y compra una botella de agua, Will termina de llenar el estanque y espera que ella regrese, pero pasan los minutos y no vuelve. La busca en los baños, en la parte de atrás, le deja mensajes de voz, la llama a viva voz. Nada.

De la angustia, Will pasa a la desesperación. Llama al 911, parecen no tomarlo en cuenta; un caso cotidiano, ya aparecerá. La tensión crece, los minutos pasan y claramente algo malo ha sucedido. Llega el oficial de policía: las preguntas de rigor, posibles sospechosos, noticia en desarrollo…

La trama parece conocida, por eso lo señalado no constituye un adelanto, porque la hemos visto muchas veces, de diversas maneras, con colores y sabores diferentes, pero compartiendo una misma esencia. Una mujer desaparece de la nada, como si se la hubieran tragado, las pistas son mínimas, solo hay pequeños detalles y un camino pedregoso por delante.

Dirigida por Brian Goodman, “Last Seen Alive” logra imprimir tensión durante sus 95 minutos a pesar de múltiples acciones que resultan bastante inverosímiles. Claro, Gerard Butler interpreta bien al hombre desesperado que busca a su mujer perdida, es todo un héroe en progreso dadas las circunstancias que le toca enfrentar.

No obstante la nerviosa espera de la resolución final, sabemos que hay un punto en el que nos cruzaremos con el comienzo de la cinta. Pero antes, a los dos tercios, el relato se tuerce hacia un ramal extraño donde aumentan las coincidencias.

Butler en lo suyo y Jaimie Alexander un poco apagada, conociendo otros roles interpretados, dan forma a un thriller que resulta entretenido pero que se olvida rápido. Una hora y media de tensión, duración apropiada para poner la mente en otros asuntos, liberar adrenalina y botar una que otra carga acumulada. Si no la ven en Cines, perfectamente se puede esperar el streaming, no es ningún pecado.

Ficha técnica

Título original: Last Seen Alive
Año: 2022
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos
Productora: G-BASE, Marc Frydman Productions. Distribuidora: Voltage Pictures
Género: Thriller. Intriga | Secuestros / Desapariciones
Guion: Marc Frydman
Música: Sam Ewing
Fotografía: Peter Holland
Reparto: Gerard Butler, Jaimie Alexander, Dani Deetté, Robert Walker Branchaud, David Kallaway, Matthew R. Staley, Emily Brinks, Jordan Salloum, Chip Lane, Aleks Alifirenko Jr., Alphonso A'Qen-Aten Jackson, Billy Burns
Dirección: Brian Goodman

Sissi - Por Elizabeth Salazar T.

En la década de los cincuenta, la actriz Romy Schneider saltaría a la fama con una trilogía acerca de Elizabeth de Baviera, más conocida como Sissi, la emperatriz austríaca que reinó a finales del siglo XIX. Esta vez podemos ver en una miniserie de seis capítulos la historia de Sissi, desde que se enamoró del emperador Franz Joseph suiza o Francisco José. En esta oportunidad, es Dominique Devenport quien encarna el rol de Isabel de Baviera (1837-1898).

Además de mostrar la historia de amor de Sissi, se puede ver el ambiente político que se vivía en esos días, donde la ambición y las luchas por el poder eran muy fuertes, en la aristocracia. Incluso se puede ver la guerra que hubo en algunos episodios y las consecuencias que tuvo para Austria en el país.

La figura de Sissi Austria-Hungría, llegó a ser muy popular en Europa, fue admirada por su belleza y por desafiar las rígidas costumbres del protocolo. En cierta medida, recuerda a Lady Diana, ya que ambas apostaron por un estilo más cercano con el pueblo, algo que no fue visto con buenos ojos por su suegra, la archiduquesa Sofía, e incluso por su marido Francisco José (Jannik Schümann). Sissi también los enfrenta cuando les dice que se involucrará directamente en la crianza de sus hijos. Ella se niega ponerlos al cuidado de otros, como dictaba la tradición en Habsburgo, lo que fue todo un escándalo (otra similitud con Diana). También, podemos ver cómo las aventuras del emperador eran aceptadas y normalizadas, incluso su propia madre le enviaba otras mujeres durante los períodos de embarazo de Sissi.

Esta serie muestra una mirada más moderna de la vida de la emperatriz, podemos ver que se tocan sin tapujos temas como el desconocimiento acerca de la sexualidad que tenía Sissi, además del ninguneo de parte de su entorno más cercano debido a su juventud, y por ser mujer; ella los desafía y se compromete de tal forma en su rol como emperatriz que se gana la admiración y respeto de muchos. Podríamos decir que vemos una mirada más feminista sobre el papel que desempeñó Sissi en ese período, y, realmente, fue una adelantada a su época.

Los seis capítulos duran aproximadamente una hora cada uno, y la verdad, si les gusta la realeza o la historia, se les hará cortísima. Se espera una segunda temporada para el 2023.

Director: Sven Bohse
Disponible en Amazon Prime

La chica más afortunada del mundo - Por Elizabeth Salazar T.

Si mencionamos el nombre de Mila Kunis, lo primero que recordamos es a la vanidosa y enamorada Jackie, que interpretó en “El show de los 70”. En esa serie conoció a su marido Ashton Kucher, y, además, saltó a la fama como una actriz de comedias. Esta vez regresa a las películas en un rol muy diferente. “La chica más afortunada del mundo” es la historia de Ani Fanelli (Mila Kunis), una talentosa periodista que escribe en una revista llamada “La biblia de la mujer”, aunque a lo que ella aspira es a trabajar en el New York Times. Además, se encuentra de novia con Luke Harrison (Finn Wittrock), quien en realidad quiere que ellos se muden a Londres, por su trabajo. Aunque el mundo de Ani se ve totalmente alterado cuando un director de cine Aaron Wickersham (Dalmar Abuzeid) se presenta en su oficina para solicitar que participe con su testimonio en un documental que está haciendo sobre un tiroteo ocurrido en su colegio en 1999…

La película se encuentra basada en la novela de Jessica Knoll, del mismo título, que se convirtió en súper ventas el 2015 cuando fue lanzado. Y cuenta la vida de Ani, quien ha tratado de rearmarse y dejar atrás dos episodios horribles en su vida: el tiroteo y una violación en grupo. Cuando hay experiencias tan fuertes es difícil olvidarlas y más aún superarlas. La visita de Aaron la hace revivir todo.

Durante su adolescencia, Ani es interpretada por Chiara Aurelia. Tanto ella como Kunis realizan una muy buena interpretación de un rol complejo. El personaje de Ani va teniendo una evolución, va dándose cuenta que necesita hacer algo para lograr reconciliarse con ese pasado y tomar decisiones.

El filme a ratos se siente un poco lento, pero visualmente tiene algunas tomas interesantes que llamaron mi atención, como la de la protagonista reflejada en varios espejos. Otra cosa que llamó mi atención fue que al comienzo pareciera que es casi una comedia romántica, el director de a poco nos va adentrando en lo ocurrido con Ani, a través de flashback.

Aunque la película tiene aspectos que se podrían mejorar, acá lo interesante es su trama. Es una historia fuerte, cruda (algunas escenas también) y que estoy segura que las mujeres se verán representadas en alguna forma con el personaje de Ani. Es imposible no empatizar con ella y conmoverse frente a su dolor. Particularmente, llamó mi atención aquellos que le decían “eso pasó hace tanto tiempo”, restándole importancia a lo sucedido. Hay procesos que deben ser vividos, para lograr superarlos y dejarlos en el pasado.

Este filme puede herir sensibilidades, de hecho, antes de comenzar aparece una advertencia sobre su fuerte contenido, pero también tiene mensajes que sobre todo a las mujeres nos invitan a reflexionar.

Director: Mike Barker
Duración: 115 Minutos
Disponible en Netflix

La Mujer Rey - Por Jackie O.

"Fuerza, brutalidad y sororidad".


En la década de 1800, un grupo de mujeres guerreras protege el reino africano de Dahomey con habilidades y fiereza como nunca se ha visto en el mundo. Enfrentada a una nueva amenaza, la general Nanisca entrena a la próxima generación de reclutas para luchar contra un enemigo extranjero, que está decidido a destruir su forma de vida.

Una historia triste y macabra, de cómo el ser humano, en su mayoría mujeres, son usados al antojo de otros. No solo hablamos del color de piel, que nos acostumbra la historia contar. Aquí no importa, es solo poder sobre otro hasta la sumisión.

Viola Davis, Lashana Lynch y John Boyega, son muy conocidos por la audiencia, nos demuestran nuevamente sus capacidades actorales, en el rol que les indicaron. Pero tenemos una revelación, Thuso Mbedu, quien tuvo notoriedad en la serie Is' Thunzi, pero acá es genial su manejo.

La historia se centra en un grupo de mujeres guerreras, esas que no tienen un destino decidido en su infancia o adolescencia, porque huyeron de casa, sus padres no las quieren, fueron esclavas, etc. Antes que morir en las calles o estar en manos crueles, prefieren "enlistarse" en este grupo bravo de guerreras.
Ahí, nuestra joven protagonista, Nawi, demuestra que es la mejor con mucha tenacidad, y genes. La General Nanisca es su referente, pero también la segunda al mando, Izogie, con quien crea grandes lazos de amistad y admiración.

La lucha doble, una con un grupo de guerreros despiadados y la otra con esclavistas, las tiene en constante entrenamiento.

Las peleas son brutales, sangre a borbotones; las coreografías bellísimas, vestuario, peinado y maquillaje impecables. Colores y puesta en escena muy bien abordados.
La edición buena, la historia también, aunque la parte romance que se quiso poner y otra parte emocional que se introdujo, la encontré un poquito forzada; no molestó en nada para el desarrollo de esta película.

Dentro de este grupo de mujeres también hay cierta división, por supuesto, es parte del ser humano, pero la sororidad gana, ya que se ven enfrentadas a lo mismo, sufren por lo mismo y ríen por lo mismo.

La denigración de la esclavitud, seres humanos mostrados y vendidos como ganado. El honor, la familia, las lealtades, y más, podemos ver en este filme, que bien vale la pena ver.

Una película que, a pesar de que las protagonistas son mujeres, no es feminista. Es un relato crudo, es humano y también inhumano, que nos lleva a conocer algo más de historia, porque estas guerreras sí existieron.

Ficha técnica

Dirección: Gina Prince-Bythewood
Guion: Dana Stevens
Historia: Maria Bello y Dana Stevens
Música: Terence Blanchard y Lebo M.
Fotografía: Polly Morgan
Montaje: Terilyn A. Shropshire
País: EEUU
Año: 2022
Género: Cine épico, drama, cine histórico y acción
Duración: 135 minutos

Yo soy Alfred Hitchcock - Por Jackie O.

"...en cuanto a la consulta, de que las películas violentas, registran influencia criminal en el espectador.
Responde: Mis películas, tienen influencia en mentes enfermas, no en las sanas".


Comenzamos escuchándolo y viéndolo, lo que nos da un adelanto que esto será de primera fuente.

Durante todo este documental, escuchamos a diversos directores como Eli Roth (Hostel), Edgar Wright (Shaun of the Dead), Steven Spielberg (Jaws), John Landis (An American Werewolf in London), algunos críticos de cine, guionistas, vestuaristas que trabajaron con él, además escuchamos la voz de la incomparable Tippi Hedren, de Kim Novak, de Janet Leigh, otros actores, algunos ya fallecidos. También escuchamos a la hija y nieta de Alfred, entre otros, quienes nos dan su opinión de este singular y enigmático personaje. De esa forma de desarrollar cine, de manejar el encuadre perfecto, sobre la narración atrapante para manipular la mente del espectador, y de sus exigencias.

Nos sumergen en esta historia, y también en su vida íntima.

De cómo no tuvo problemas de pasar del cine mudo al sonoro, pues, para él, las mejores historias pueden no necesitar un diálogo; la atmósfera habla por sí misma.

Como bien es sabido, a Alfred le gustaba salir en sus películas en pequeños cameos, lo que se transformó en algo gracioso al verlo. Es como quebrar un esquema del momento, ante la tensión, pero nunca quiso actuar en ellas u otras películas. Esto era parte de su humor negro.

En su carrera hubo, como todos, algunos fracasos, pero también unos grandes éxitos, y no es hasta que aparece la película Psicosis que lo haría pasar a la historia, aquella que lo llevó al estrellato, donde ya no solo un grupo de personas lo conocía, ahora iba a ser el mundo entero.

Nos cuentan cómo adaptaba novelas que a nadie le gustaban, de cómo creó un marketing promocional que hizo que, sin saber el fondo de la historia (Psicosis), la gente hiciera filas para obtener su entrada y verla.

Cómo conoció a su esposa Alma, una montajista, que él admiró desde el inicio, y al casarse trabajaban juntos, donde la opinión de ella era fundamental para él.

Nos relata sobre "sus rubias". La primera de ellas fue Madeleibe Carroll, en 39 escalones, y quien marcó un precedente para el resto de las rubias que vinieron posteriormente: bellas, sexies, elegantes e inteligentes. Le gustaba trabajar a fondo, no solo en los detalles técnicos, sino que en la personalidad de la mujer, donde recibía mucha ayuda de su equipo de trabajo, donde la mayoría eran mujeres, sin dejar de lado las duras exigencias que hacía que se alejaran de él.

La entrevista que tuvo con François Truffaut, es material de culto, donde también escuchamos algunos detalles.

La edición, registros de archivo, y música están muy bien logradas.

Un documental muy interesante, y aunque puede que no aporte tantas cosas nuevas, pues quien es cinéfilo ya ha indagado en mucho de sus películas y vida, igual nos atrapa. Así vemos no solo al director y maestro del suspenso, sino al hombre, al marido, padre y esposo.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Título original: I Am Alfred Hitchcock
Dirección: Joel Ashton McCarthy
Año: 2021 
País: Canadá
Duración 87 minutos
Guion: Joel Ashton McCarthy, Eric Maran, Jesse James Miller
Música: David Menzel, Taylor Swindells
Fotografía: Shaun Lawless

sábado, 15 de octubre de 2022

Rubia - Por Elizabeth Salazar T.

Los hombres la deseaban y las mujeres deseaban tener su belleza, de hecho, en una de las escenas del recién estrenado filme “Rubia”, una asistente, mientras le ajusta un modelador, le dice: “Si no fueras Marilyn ¿Quién sería? Nosotras y todas las mujeres del mundo, daríamos lo que no tenemos por ser usted, y lo sabe”. Monroe, le responde “Lo sé”, aunque su expresión facial es de incredulidad, tal vez, porque sólo ella sabía las dificultades y abusos que pasó Norma para llegar a ser Marilyn, y lograr tener posibilidades en la industria cinematográfica.

Esta película debe ser una de las más esperadas en plataformas de streaming y con razón: “Rubia”, desde el inicio es impactante. Muestra a una pequeña y frágil Norma, bajo el alero de una madre absolutamente desquiciada. A pesar de que la trama de esta película se encuentra basada en la novela del mismo nombre de Joyce Carol Oates, igualmente hay algunos hechos que sí son verídicos acerca de Monroe. Creo que, si algo destaca la trama de “Rubia”, son las carencias afectivas de Monroe, un padre ausente, que envía correspondencia y la ilusiona con verla, algo que la llena de esperanzas; ella espera ese encuentro con anhelo de una niña pequeña. La mujer que a ojos del mundo lo tenía todo, lo único que deseaba era conocer a su padre. Su madre tampoco está presente en su vida, ya que se encuentra en un psiquiátrico y su relación es más bien distante, por más que Marilyn trata de conectar con ella, su progenitora a ratos se encuentra muy perdida en su mundo. Además, en forma particular, la maternidad es un gran tema durante la película. Marilyn sufre algunas pérdidas (algo que es real) y también, es presionada para realizarse abortos, es muy emotivo verla llorando para que no se lo hagan y la dejen tener a su hijo…

Su relación con los hombres también es ampliamente mostrada en la película, no deja de ser curioso que su forma de referirse a ellos sea diciéndoles ¡Papi! También, hay que recordar, que Marilyn tuvo una gran diferencia de edad con sus dos de sus tres maridos, Joe Dimaggio, era 12 años mayor y Arthur Miller, tenía diez años más que ella, por lo que, aunque sea una ficción la película, en su vida Marilyn, si buscó de cierta forma esa imagen paternal. ¡Porque tal como decía una de las canciones que ella interpretó, My heart belong to my daddy! (Mi corazón pertenece a papi).

La película nos muestra una mirada cruda acerca de la vida de Marilyn Monroe, desde su niñez hasta su muerte. Algunos han destacado mucho las escenas de sexo que se incluyen en el filme, pero francamente creo que “Rubia”, tiene más aspectos a destacar, que la vida sexual de Marilyn… Como dije anteriormente, es Norma quien acá nos cuenta la historia de lo que significó para ella, representar a Marilyn, amada por muchos, deseada, pero también odiada y humillada por otros.

La protagonista del filme, Ana de Armas, entrega una gran interpretación de la rubia más famosa y recordada del mundo, es seguro que por su interpretación la tendremos presente durante la próxima temporada de premiaciones.

Y como la misma Marilyn dijo: En Hollywood te pagan mil dólares por un beso y cincuenta centavos por tu alma. Eso nos queda clarísimo en esta película.

Director: Andrew Dominik
Duración: 166 Minutos
Disponible en Netflix desde el 16 de septiembre de 2022