sábado, 26 de febrero de 2022

Sobrenatural - Por Jackie O.

"Winchester cargadas con mucha sal".


Si eres fan del terror, ciencia ficción y situaciones sobrenaturales, esta serie es para ti. 15 temporadas de múltiples aventuras de dos hermanos cazadores.

No recuerdo bien cuando un canal chileno transmitió la primera temporada de esta serie, de forma atrasada, ya que ya llevaba un par de temporadas avanzadas. Y ahí fue la primera vez que los vi y me interesó por la temática. Y nunca más supe de ellos. Con los años los volví a encontrar y ver uno que otro capítulo, pero este verano decidí, de forma ordenada, ver correlativamente todas sus temporadas, y revivir esos recuerdos.

De que trata:
Dean tenía 4 años y Sam 6 meses cuando su madre fue asesinada en extrañas circunstancia en la casa, por lo que su padre se encargó de ellos, pero estos chicos, a medida que crecían, menos veían a su padre porque él estaba trabajando... salía de cacería.
Su padre los crió igual de cazadores, cazadores de demonios, de entes sobrenaturales, y todo lo más extraño que se te pueda ocurrir, ellos lo cazan y matan.
Lo consideran un favor a la humanidad. Limpieza.

Una serie que terminó en su temporada 15 con mucho éxito. Solo me limitaré ahora a hablarles de las primeras cinco, para que así tú y yo tengamos más ganas de seguir viéndola. (La verdad, hasta ahí llegué hoy)

No solo vemos monstruos de todo tipo, además fantasmas, espíritus, demonios y ángeles, donde nadie es de confiar, o puedes recibir ayuda del menos pensado.

Muchos nombres de personajes aparecen en el transcurso de la trama: La parca, Kali, brujos, los jinetes del apocalipsis, zombies, wendigos, Odín, vampiros, profetas, arcángeles y más. Cada quien participa en alguna historia, donde algunos personajes se van repitiendo, como por ejemplo ángeles y demonios, que se convierten en aliados o enemigos letales. También se nombran personajes históricos como Samuel Colt, Robert Johnson, Hermanos Grimm, y otros.

La fe de nuestros protagonistas se va poniendo en juego, donde el más creyente termina relegando de esas creencias, y el más escéptico siendo el más cristiano.
Entre tanta situación extraña, Dios se transforma en un protagonista.

Una serie de público adolescente a más, pues, a medida que avanzan las temporadas, van en aumento las situaciones gráficas de violencia.

A pesar de ser una serie de criaturas irreales, de leyendas o de creencias espirituales, nos dejan claro, en muchas oportunidades, que los humanos son los monstruos más aterradores. 

Jensen Ackles (Dean) y Jared Padalecki (Sam) tienen una química innegable como los hermanos Winchester.
Pero con Jared siento que necesita trabajar más el convencimiento, se le nota más trabajo ser creíble en su rol. Su ceño fruncido no convence. En las tomas que se le efectúan de primer plano no son las mejores para él.

Cada personaje presentado tiene una historia bien construida. Sí, como serie encontrarás uno que otro capítulo más deficiente que otro, pero no impide que siga siendo un entretenimiento.
Cada vez que un personaje se va repitiendo, se construyen historias con él y te va generando agrado, se transforma en familia.

Sam y Dean han muerto sí, más de una vez. Han ido al cielo y el infierno ¿y esos lugares existen? Ellos nos cuentan.
No, no es spoiler lo que dije, pues es sobrenatural todo. Y la gracia es como desarrollan esas muertes y esas sobrevivencias. Como van y vuelven y porque ese desarrollo, esa historia, se sabe construir.
El guion sabe mantenerte interesado.
En términos generales, los efectos visuales se ven bien, incluso aquellos más notorios o básicos del comienzo.

Pero todo llega un final. Y la serie culminó en su temporada 15, ¿sobrevivieron?
La fanaticada dicen, quedó conforme, pero con muchas lágrimas; pero todo puede pasar, ya que esto es, sobrenatural.

Ya quedaron en nuestra memoria, "Carry On Wayward Son" de Kansas. Ese Chevrolet Impala de 1967, o las frases típicas o lemas como: el "salvar gente", "cazar cosas" "el negocio familiar", etc.
Y muchos actores y actrices conocidos que pasaron en algunos capítulos, como Robert Englud, Lauren Cohan, Jeffrey Dean Morgan, Sterling K. Brown, Linda Blair, y varios más.

Una serie de ciencia ficción que encuentras en Amazon y HBO.

Ficha técnica

Creado por Eric Kripke
Protagonistas: Jared Padalecki, Jensen Ackles, Katie Cassidy, Misha Collins, Mark A. Sheppard, Mark Pellegrino, Alexander Calvert, otros.
Estados Unidos
N.º de temporadas15 
N.º de episodios, 327
Primera emisión, 13.09. 2005
Última emisión 19.11. 2020
Género: Fantasía, acción, drama sobrenatural, misterio y aventura.

Historias de una generación con el Papa Francisco - Por Jackie O

"La vida misma".


En esta docu-serie, gente de la tercera y cuarta edad de todo el mundo, incluido el Papa Francisco, comparten sus historias con jóvenes cineastas.

Con el Papa Francisco dando el puntapié en cada capítulo, abarca temas como el amor, los sueños, la lucha y el trabajo; donde se van intercalando sus ideas con las vivencias de otras personas mayores, algunos conocidos y otros no, pero personas con muchas historias y vivencias que compartir.

Nombrar a personajes como Martin Scorsese y Jane Goodall, quienes figuran en el primer capítulo que habla del amor, llama la atención, ya que como ellos, otros hablan del tema, donde no solo es el amor de pareja. El amor se manifiesta de muchas formas maravillosas. Y cada quien aporta según su mundo.

En el segundo capítulo que habla de "los sueños". Para el Papa quien no sueña es "una persona aséptica y su vida carece de poesía". Se puede o no estar de acuerdo ante ello, pues su palabra no es la ciencia cierta. Él se califica a sí mismo como soñador, y dice: “Yo también escribía poemas, pero luego los rompía porque no me gustaban. Así era como daba voz a mis sueños”. Agrega, “Todos necesitamos soñar. Consciente o inconscientemente”. 

Interesante perspectiva la de él. Pero su opinión es una más dentro de un millón. Y así escuchamos las visiones de este tema en otras personas.

En los capítulos siguientes de "lucha" y "trabajo", el Papa también da su opinión, ya que es el actor principal, pero escuchamos a otras personas mayores, que tienen sus valiosas opiniones, e incluso dentro de su carencia o abandono nos dan grandes lecciones.

La vida nos da grandes enseñanzas, dependerá de muchos factores nuestra opinión, pero nadie tiene la verdad absoluta, pues la misma vida nos va sorprendiendo cada día.

Un interesante trabajo para ver y reflexionar. Incluso poder verlo en familia o con alguien más, ya que su contenido da para mantener una grata charla.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Stories of a Generation - with Pope Francis
Año 2001
Italia.
4 capítulos
45 minutos aprox cada uno
Guion, Simona Ercolani
(Libro: Pope Francis)
Fotografía: Leone Orfeo
Género: Documental - Miniserie de TV

viernes, 25 de febrero de 2022

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 25 de febrero 2022

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

Madres Paralelas - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Parece un casual encuentro en una sala de hospital, con ambas mujeres a punto de dar a luz, con historias diferentes pero un vínculo común: ser madres. Janis -Penélope Cruz-, es una fotógrafa madura y afamada. Sus sesiones abarcan una gran diversidad de temas, incluso un trabajo para el destacado arqueólogo forense llamado Arturo -Israel Elejalde-. Por su parte, Ana -Milena Smit-, es una joven temerosa que se encuentra asustada por el inminente proceso de parto. A Janis la visita su amiga Elena -Rossy de Palma-; Ana es acompañada por su madre, Teresa -Aitana Sánchez-Gijón-.

El que estén juntas esperando el nacimiento de sus hijas constituye, además un punto de inflexión. Ambas se han embarazado sin quererlo, Janis producto de un desliz con Arturo y Ana debido a una violación en grupo de sus compañeros de clase. Vertientes diferentes que tienen como resultado común el nacimiento de dos pequeñas criaturas: Cecilia y Anita.

El tiempo que pasa entre el comienzo de la cinta y los partos es breve. Los datos que vamos recopilando en el transcurso nos permiten armar lentamente sus propias historias. Algo similar sucede con el trabajo de Arturo, cuya Fundación se dedica a excavar fosas comunes que contienen los restos de personas asesinadas y enterradas durante la Guerra Civil Española. La conexión que Arturo tiene con su fotógrafa es justamente a raíz de aquello, porque en el pueblo natal de Janis están enterrados su bisabuelo y otros muchos hombres, en un sitio que sus habitantes cuidan con recelo y desean exhumar para llorar y dar digna sepultura a sus seres queridos.

El director Pedro Almodóvar filma cada detalle de esta cinta con extrema delicadeza. Los colores usados, la nitidez de la fotografía, junto a cuidados planos y encuadres, dan cuenta de una expresión artística fluida que resulta deliciosa de observar. Y poco a poco nos sumerge en su mundo, un mundo de percepciones y emociones que ven la luz lentamente, al principio sin mayores lazos de unión y que, sin embargo, con el correr del metraje se complementan como sólidos trazos de profundidad narrativa.

La actuación de Penélope Cruz es estupenda. Nominada al Óscar por su actuación, la vemos sólida, sensible, y muy creíble. En sus ojos y miradas percibimos su mundo interior, aquello que piensa, lo que siente, sus dudas y temores, su vulnerabilidad y también su fortaleza exterior. Dentro de un elenco sólido y muy bien elegido destaca la joven actriz Milena Smit, quien debuta con Almodóvar. Su personaje conecta muy bien con Cruz, en una dupla que es capaz de llenar la pantalla y soportar sobre sus hombros el peso de la acción.

Almodóvar también firma un guion intrépido e inquietante que por momentos se transforma en un verdadero thriller. El oficio del director se observa en cada rincón de la cinta, con su pulso firme y sus tomas precisas, para dar cuenta de un relato que, si bien es predecible, se transforma en entrañable por la manera que adquiere gracias a su especial y característica forma narrativa.

Párrafo aparte para la música de Alberto Iglesias. Se trata de una partitura extraordinaria, no solo por lo prístino de su composición, colores, ritmos, y timbres, sino porque además se transforma en el hilo conductor de cada secuencia. Aporta ambientes, sensibilidad, entrega trasfondo en cada escena en la que está presente y también logra hablar con sus silencios, donde la ausencia de sonido también es música, algo que muchas veces es difícil de comprender y más aun de ejecutar.

La historia que presenta Pedro Almodóvar en “Madres paralelas” tiene muchísimas capas entrelazadas. Es una historia de pérdidas, de encuentros, y también de reconocimientos. La maternidad, asunto clave en la filmografía del director, se muestra acá desde varios ángulos, en ocasiones tangencialmente y en otras con extrema intimidad, entregando un contexto amplio y profundo sobre un tema que no pierde un milímetro de interés. Almodóvar también releva la responsabilidad que tienen las madres y la une delicadamente con lo sucedido en la Guerra Civil, con la necesidad de saber lo sucedido, con esa lucha contra el olvido que es llevada a cabo justamente por otras mujeres, también madres, que no descansan en su deseo de sanar heridas para reparar el daño sufrido. Los vasos comunicantes entre la maternidad y las personas asesinadas y enterradas son finas hebras, suaves y sensibles, indispensables.

“Madres paralelas” también habla del apego y del desapego materno, de la vida de cada protagonista, de cómo llegan a la maternidad, del afecto, del cariño, de la ausencia de referentes y de la creación de vínculos con las recién nacidas. Esto se enlaza indefectiblemente con la forma en que el pasado marca la acción presente, donde no se puede entender el “hoy” sin reconocer y comprender lo sucedido con anterioridad.

Estupenda película, humana y necesaria, construida y cimentada sobre el tiempo, los vínculos afectivos, la maternidad, el amor y la comprensión. 

Ficha técnica

Título original: Madres paralelas
Año: 2021
Duración: 123 minutos
País: España
Productora: Remotamente Films, El Deseo, RTVE
Género: Drama | Maternidad. Melodrama
Guion: Pedro Almodóvar
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: José Luis Alcaine
Reparto: Penélope Cruz, Milena Smit, Israel Elejalde, Aitana Sánchez-Gijón, Rossy de Palma, Julieta Serrano, Adelfa Calvo, Ainhoa Santamaría, Daniela Santiago, Julio Manrique, Inma Ochoa, Trinidad Iglesias, Carmen Flores
Dirección: Pedro Almodóvar

jueves, 24 de febrero de 2022

Licorice Pizza - Por Carlos Correa

Años 70, Valle de San Fernando y una inusual propuesta sorprende a Alana Kane -Alana Haim-, quien se encuentra a cargo de las fotografías de curso en una escuela secundaria. Se trata de una invitación a salir de parte de uno de los estudiantes, el niño-actor Gary Valentine -Cooper Hoffman-. El tema es que Alana tiene 25 años y Gary 15, es decir tienen una considerable diferencia de edad, pero aun así, y también debido a la majadera insistencia de Gary, Alana acude a la cita. 

Este hecho particular es el que marca esta historia que desarrolla el director Paul Thomas Anderson a través de una cinta muy personal, donde todos los detalles se remontan a lugares de su infancia, vivencias reales de sus amigos, en una época que por lo visto quiere retratar para la posteridad.

“Licorice Pizza”, título que hace referencia tanto a una cadena de discos de vinilo como a una pizzería de esos tiempos, es la narración de una historia de amor que se desarrolla a lo largo de varios años, entre dos jóvenes entusiastas, vívidos, de orígenes muy distintos, y que se conocen en un momento especial y en un lugar preciso. Alana, de origen judío y muy presionada en su casa por las formalidades religiosas, se encuentra con un adolescente que parece no tener techo, un emprendedor innato, un tipo “agrandado”, un busca vida y líder natural. En un improbable cruce de dos almas muy distintas, estos dos jóvenes dan vida a un relato de corte anecdótico que presume de lo cotidiano y expresa todas las características del momento temporal al que hace referencia.

A pesar de poner todo mi empeño, no pude entrar en la película ni tampoco en la época descrita. Simplemente no logré conectar ni con la historia ni con los personajes. Ante esta frustración, he intentado buscar explicaciones y tampoco las encuentro. He tratado de descubrir aquello que otras personas han visto en esta cinta y no he podido dar con una pista que me acerque a entender el por qué. Naturalmente, esto puede deberse a muchas razones que he intentado dilucidar al escribir estas líneas, sin embargo el velo sigue corrido y yo sin poder hacerlo a un lado.

De tan cotidiana, la película se me hizo predecible. A mi propia desconexión, debo agregar que también me pareció desmembrada en sí misma. No logré comprender las secuencias de Sean Penn y Bradley Cooper. ¿Son simbolismos o solo dejos de nostalgia? Entiendo que ambas corresponden a retratos de momentos, pero siempre prima la historia de los dos jóvenes protagonistas que vienen de vertientes diferentes. Entonces, esas dos anécdotas ¿son para dar el contexto de los años setenta o tienen algún otro rol particular?

Durante la exhibición me pregunté no una, sino varias veces, qué quiere decir Paul Thomas Anderson en esta cinta. Y créanme, me lo sigo preguntando sin tener respuesta, porque la película se me hizo confusa a partir de su simpleza, incluso algo forzada y un poco encasillada. Y es curioso, porque leo y leo, y la mayoría de los comentarios van por la vereda de enfrente, es decir la de la soltura, la de la libertad y la improvisación.

Me siento frustrado, reitero, por no comprender esta alabada cinta nominada al Óscar 2022. Tal vez me complico más de la cuenta en la apreciación de esta historia de amor, de madurez versus inmadurez, de objetivos claros versus incertidumbre y temor, de situaciones tan diversas e infinitos relatos temporales. Tal vez las expectativas tienen también su papel o quizá el análisis permanente me juega una mala pasada. Es posible que en unos días más logre decantar, o bien me quede un recuerdo diferente, más romántico, menos mecánico, más dulce y anecdótico. Habrá que dejar que pasen los días y esperar si llegan las respuestas. En ocasiones así funciona el arte. En el momento menos pensado se abren ventanas inesperadas y apreciaciones distintas. Espero, honestamente, que ojalá este sea el caso.

Ficha técnica

Título original: Licorice Pizza
Año: 2021
Duración: 133 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Ghoulardi Film Company, Bron Studios, Focus Features. Distribuidora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Género: Comedia. Drama. Romance | Adolescencia. Años 70. Comedia romántica. Comedia dramática
Guion: Paul Thomas Anderson
Música: Jonny Greenwood
Fotografía: Paul Thomas Anderson, Michael Bauman
Reparto: Alana Haim, Cooper Hoffman, Sean Penn, Bradley Cooper, Tom Waits, Ben Safdie, Joseph Cross, Skyler Gisondo, Mary Elizabeth Ellis, Ryan Heffington, Nate Mann, John Michael Higgins, Harriet Sansom Harris
Dirección: Paul Thomas Anderson

Buscando a Isla de Pascua, la película perdida - Por Jackie O.

"Rescatemos historia".


El hallazgo de unos rollos de películas compradas en un mercado persa de Valparaiso dan cuenta que se trata de negativos y descartes de la película desaparecida del cine chileno, "Isla de Pascua", de Jorge Di Lauo y Nieves Yankovic, filmada en 1961, por lo que una arqueóloga y una restauradora de cine deciden emprender un proyecto en el cual se relata la búsqueda de la película misma, a partir de entrevistas a cineastas e investigadores del cine chileno.

Además, el documental registra las reacciones de la gente en Rapa Nui a raíz de la proyección de este material encontrado, que nunca había sido exhibido.

¿Cuántas "joyas" se habrán perdido en nuestra cultura chilena por no revisar, o creer que no sirven? o ¿cuántas especies culturales, han sido destruidas conscientemente?

Fuerte resulta escuchar a uno de los entrevistados que diga que Roberto Montandon, fotógrafo chileno, quien fue director de cinematografía de la Universidad de Chile, hizo quemar todas las películas de nitrato existentes. ¿Pero, por qué lo hizo?

En este filme nos van contando detalles de la existencia y rescate de este trabajo perdido por años, y cuál sería la participación de diversos personajes de la época, relacionados con este trabajo.

Descubrir en estas cintas parajes y personajes de la Isla de Pascua es bellísimo, porque son recuerdos de cómo estaba el lugar, ver a habitantes en labores habituales del momento; valor agregado es el entorno, la naturaleza. Nostálgico, y aún más para los residentes que tienen el honor se revisar estas imágenes con una mezcla de blanco y negro y color, realmente los transporta.

La edición juega como un tren del recuerdo que va y viene, haciendo que las emociones de los partícipes sean genuinas, espontáneas y de alerta ante la cultura del país.

Emocionante, como ya adelanté, cuando esta cinta es llevada a Rapa Nui, específicamente para que la vean adultos mayores. Las lágrimas y risas no paran. Son ellos, sus parientes y amigos, quienes figuran ahí. Son esos paisajes que algunos ya no están. Es esa libertad de vivir tranquilos sin preocupaciones. Una felicidad que algunos mantienen, pero otros ya la perdieron.

Se entrevista no solo a respetados historiadores de cine, proyectistas, restauradores de cine, directores de cine, periodistas y otros, sino que a residentes, quienes nos hablan de su cultura, del respeto a ella, de que nuestras raíces no se pierdan, que no se apilen en un rincón, y que los conocimientos no terminen en la basura.

Agradable documental para ver, más por su contexto de rescate visual que por la misma profundidad de la cual se pudo haber sacado más provecho.

Disponible en Ondamedia.cl

Ficha técnica

Dirigida por: Carmen Brito
Guion: Andrea Seelenfreund y Carmen Brito
Dirección de fotografía: Rodrigo Sandoval y Rolo Castro
Montaje: Carmen Brito y Rolo Castro
Sonido: Claudio Mercado y Matías Valdés
Año: 2014
59 minutos
Largometraje documental
Digital/Color

Madres Paralelas - Por Juan Pablo Donoso

Esta nueva película de Almodóvar se siente más austera, reposada y prudente. 

Melodrama grato de seguir gracias a su talento narrativo, a las dos excelentes protagonistas, y a su clásica ambientación espacial llena de colores estridentes, pero bien combinados

Tanto en sus comedias como en sus dramas el desparpajo de Almodóvar ha sido siempre talentoso e, incluso, fascinante.

Más, en sus últimas películas, este mítico director español va morigerando su tono provocativo. Ya en DOLOR Y GLORIA (2019) usó un lenguaje autobiográfico más sereno y humilde. Sin traicionar su estilo, ya se atreve a profundizar sentimientos con mayor mesura, y mostrar heridas personales más hondas.

En MADRES PARALELAS entreteje dos dramas distintos armonizándolos al final.

Dos mujeres dan a luz el mismo día y en la misma clínica. Janis (Penélope Cruz) fotógrafa adulta, ha decidido ser madre soltera. Su compañera de habitación, Ana (Milena Smits), aún adolescente, ignora quién es el padre de su criatura, y teme traerla al mundo.

En forma previa, Janis solicitó a un arqueólogo forense - Arturo (Isreal Elejalde) - ubicar y desenterrar los restos de sus familiares ajusticiados durante la Guerra Civil española.

Será este mismo arqueólogo, el padre de la criatura de Janis.

El conflicto se desata cuando en la maternidad confunden las bebitas. Cada una de las parturientas abordará la maternidad con amor y dedicación.

Llegará el momento en que la verdad se descubra. La hijita de Janis, a cargo de Ana, falleció de muerte súbita. Janis, tras largo tormento, deberá entregar su supuesta hija a la madre biológica verdadera.

Sin embargo, nunca hubo adversidad entre las mujeres debido a que - providencialmente - se había entablado un vínculo de amor lésbico entre ambas.

Con el paso del tiempo, la cordura y madurez de sentimientos trajo armonía y aceptación. Al salvar la memoria de los desaparecidos, se recuperó la paz espiritual de los familiares ancianos, y ambas madres, víctimas del descuido clínico, supieron también reconocer los valores afectivos y humanitarios que el destino les deparó.

Con la frase final de Edo. Galeano: “No hay historia muda, por mucho que la callen, siempre hablará”, Almodóvar nos invita a recordar que el eterno círculo aleatorio de vidas y muertes es inevitable. Y que ante él sólo nos queda respetar los sentimientos, perdonar los errores y optar, en lo posible, por la concordia fraternal.

UN RELATO MENOR, MÁS SOBRIO, QUE GRACIAS A LA SENSIBILIDAD DE ALMODÓVAR, Y AL CARISMA DE SUS ACTRICES, DEMUESTRA EL VALOR DE LA CONFORMIDAD Y LA RECONCILIACIÓN. 

Ficha técnica  

Drama - 2021 España - 2,03 hrs. 
Fotografía: José Luis Alcaine 
Edición: Teresa Font 
Música: Alberto Iglesias 
Diseño Prod.: Antxón Gómez 
Actores: Penélope Cruz, Milena Smit, Israel Elejaldo, Rossy de Palma 
Guionista y Director: Pedro Almodóvar

miércoles, 23 de febrero de 2022

La Tragedia de Macbeth - Por Carlos Correa

Disponible en Apple TV+.

Esta cinta corresponde a una nueva representación del clásico “Macbeth” de William Shakespeare, publicado en el First Folio de 1623. Escrita y dirigida por Joel Coen (por primera vez sin su hermano Ethan), el realizador presenta una obra dotada de una estética preciosa gracias a una fotografía en blanco y negro que brilla gracias a sus contrastes y amalgamas. Con luces tenues, más una serie de enfoques y desenfoques que aportan ángulos diferentes a una misma escena, el director construye una geometría precisa para obtener como resultado una composición artística que muestra estados de conciencia que combinan realidades y sueños. 

La historia la conocemos. Macbeth -Denzel Washington- y Banquo -Bertie Carvel-, son interceptados por tres brujas en el campo de batalla que les anuncian tres profecías: Macbeth será nombrado Thane de Cawdor, posteriormente será coronado rey, y Banquo será el padre de una línea de futuros mandatarios. Al llegar donde el rey Duncan -Brendan Gleeson-, se cumple la primera de las profecías, sin embargo Macbeth se inquieta pues el soberano nombra a su hijo Malcolm como su principal heredero. Ante esto, se adelanta a su castillo para informar a Lady Macbeth -Frances McDormand-, quien al saber que el rey pasará una noche con ellos, convence a su marido para que cometa asesinato. Pero aun queda la tercera profecía sobre Banquo, por lo que Macbeth también ordena que sea ejecutado junto su primogénito Fleance.

“La Tragedia de Macbeth” revitaliza un clásico de forma vigorosa. No es sencillo hacer cine en estilo teatro o bien teatralizar un versión cinematográfica de una obra que ya tiene a su haber múltiples versiones y aclamadas representaciones. Clave resulta el guion escrito por Coen, con ritmo trepidante y respeto hacia el texto original con espacios y silencios, con diálogos y confrontaciones, con soliloquios y ensoñaciones. Todos los elementos se mezclan en la mente de los personajes en una continua y también medida confusión de realidad e irrealidad.

Las actuaciones son sólidas y convincentes. Tanto Denzel Washington -nominado al Óscar por este trabajo-, como Frances McDormand, se lucen, juntos y separados. Imprimen fuerza a sus roles y llenan la pantalla cada vez que la cámara los sitúa como factor principal del relato. La representación de la tragedia está tan bien lograda, que por momentos, y al estar sumergidos en la obra teatral, nos dejamos llevar, cual thriller moderno, esperando sucesos y giros inesperados.

Los temas abordados son múltiples: la ambición, la avaricia, la traición; los componentes políticos, tanto de conveniencia social como familiar; la búsqueda de poder a cualquier precio y la dominación que aquello permite. Todas estas temáticas imperecederas se potencian en esta nueva versión, adquieren nueva vida y son reinterpretadas según la particular óptica de su autor.

Ágil, vital y con desarrollo sostenido, observamos una narración directa, sin contemplaciones ni sensacionalismos pero con algunas imágenes bastante crudas que no esconden nada, sin dejar espacio para desplegar nuestra imaginación. Cual retrato de la época, esta reinvención se hace imprescindible. Resulta ser una nueva voz que se abre espacio consiguiendo un lugar de merecido reconocimiento.

Ficha técnica

Título original: The Tragedy of Macbeth
Año: 2021
Duración: 105 minutos
País: Estados Unidos
Productora: A24, IAC Films. Distribuidora: A24, Apple TV+
Género: Drama | Edad Media
Guion: Joel Coen. Obra: William Shakespeare
Música: Carter Burwell
Fotografía: Bruno Delbonnel
Reparto: Denzel Washington, Frances McDormand, Alex Hassell, Corey Hawkins, Bertie Carvel, Brendan Gleeson, Miles Anderson, Kathryn Hunter, Harry Melling, Matt Helm, Moses Ingram, Ralph Ineson, Stephen Root
Dirección: Joel Coen

martes, 22 de febrero de 2022

Uncharted: fuera del Mapa - Por Carlos Correa

Nathan Drake -Tom Holland-, es un joven simpático y con mucho carisma que trabaja de barman. Aprovechando su destreza manual, también roba objetos de valor a adinerados clientes cada vez que se presenta la ocasión. Su vida no ha sido sencilla. Hace 15 años su hermano mayor Sam se escapó del orfanato donde vivían luego del frustrado robo de un mapa que mostraba la ubicación del famoso tesoro de la expedición de Magallanes. A pesar de su promesa de volver a buscarlo, Nathan nada ha sabido de él, salvo algunas postales que a lo largo de los años le ha enviado desde diferentes partes del mundo. 

Cuando Victor "Sully" Sullivan -Mark Wahlberg-, se presenta en el bar, nuestro joven protagonista no quiere líos, sin embargo baja la guardia cuando se entera que el inesperado visitante ha estado relacionado con Sam. Según Sully, ambos han sido partners en la búsqueda del tesoro perdido, por lo que Nathan percibe que puede darse la oportunidad de conocer por fin el paradero de su hermano.

La aventura comienza con la subasta de una cruz famosa, anhelada por el multimillonario Santiago Moncada -Antonio Banderas-, descendiente de la familia que financió la expedición original, ya que sería clave para descubrir las innumerables piezas de oro ocultas desde hace más de 500 años. Luego se desplazan a Barcelona y a Filipinas, en una cantidad de eventos y situaciones que se suceden vertiginosamente y que no dan tregua a lo largo de las casi dos horas de metraje.

Basada en una conocida series de videojuegos, “Uncharted” funciona y entretiene gracias a una filmación amplia, con escenarios majestuosos, hermosos paisajes, impactante tomas aéreas y extrema acción. El guion nos lleva por laberintos y entuertos en los que las pistas encontradas ocasionan peleas y batallas, todo dentro de un complejo puzzle que siempre exige soluciones al límite de lo posible.

Tom Holland, resulta ser un intrépido protagonista. Descendiente del legendario Sir Francis Drake, la principal motivación de su personaje es tanto interna como externa. Su ánimo aventurero es innegable, pero su mayor impulso radica en encontrar a su hermano. Pero también es un Drake, por lo que encontrar un tesoro también forma parte de su esencia y Holland lo encarna bien, con soltura, dinamismo y mucha simpatía. La dupla con Mark Wahlberg, en modo mentor-aprendiz, proporciona un buen piso para el desarrollo de la cinta, la hace amena y aporta bastantes dosis de humor.

La historia al menos tiene un sustento mínimo para encausar los hechos. Se recurre a antecedentes del pasado, lugares emblemáticos, signos descifrables y bastante intriga, para intercalar acciones que cobran su mayor vértigo en las escenas aéreas, mucho más que en las terrestres o marítimas. Si bien la idea matriz no es novedosa, el aporte lo entregan sus protagonistas, y también sus antagonistas, aunque -salvo Banderas- respondan a estereotipos manidos y ultra vistos.

¿Qué pedimos cuando nos vemos enfrentados a una cinta de este tipo? Básicamente que la gran pantalla se llene de color y acción, que produzca relajo, y que resulte ser un momento privilegiado de distracción. En otras palabras, salirnos de nosotros y volar a otros lugares a través de un relato que nos permita liberar la imaginación. “Uncharted” lo consigue, cumple el objetivo y además deja abierta la puerta para nuevas aventuras. Dependerá de la recepción y de la taquilla, pero podemos desde ya suponer que habrá secuelas, no solo por lo observado después de los créditos -hay una escena post que resulta importante-, sino porque, mal que mal, Tom Holland no es solo Peter Parker a sus cortos 25 años, por lo que no sería descabellado esperar una larga vida para Nathan Drake, algo que solo el tiempo -y el dinero- lo dirá.

Ficha técnica

Título original: Uncharted
Año: 2022
Duración: 115 minutos
País: Estados Unidos
Productora:PlayStation Productions, Naughty Dog, Columbia Pictures, Arad Productions, Sony Computer Entertainment (SCE), Atlas Entertainment. Distribuidora: Sony Pictures Entertainment (SPE)
Género: Aventuras. Acción | Videojuego
Guion: Rafe Judkins, Art Marcum, Matt Holloway. Historia: Rafe Judkins
Música: Ramin Djawadi
Fotografía: Chung Chung-hoon
Reparto: Tom Holland, Mark Wahlberg, Sophia Ali, Antonio Banderas, Tati Gabrielle, Steven Waddington, Patricia Meeden, Sarah Petrick, Pilou Asbæk, Pingi Moli, Tiernan Jones, Alana Boden, Rudy Pankow
Dirección: Ruben Fleischer

Madres Paralelas - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Dos mujeres coinciden en una habitación de hospital donde van a dar a luz. Ambas están solteras y se quedaron embarazadas por accidente. Janis, (Penélope Cruz) de mediana edad, no se arrepiente y está exultante. La otra, Ana, una adolescente, asustada, arrepentida y traumatizada. Janis intenta animarla mientras pasean por los pasillos del hospital. Las pocas palabras que intercambien en esas horas crearán un vínculo muy estrecho entre las dos, que por casualidad se desarrolla y se complica, afectando a sus vidas de forma decisiva.


Hay que reconocer que no es lo mejor de Almodóvar, siendo un buen filme. Se funda en dos relatos. Por una parte, en el hospital se produce un intercambio de bebes por un error y no sería la primera vez que eso suceda; y en una segunda parte, la búsqueda de detenidos desaparecidos como consecuencia de la dictadura de Franco en España. Por momentos se pierde este relato para reaparecer en la segunda parte y final del filme. Algo pasó con el director, quien es además el guionista, y es legítimo preguntarse para quién fue ese guiño del director.

Siento que las dos historias eran potentes, por ser muy reales no solo en España sino que aquí mismo en nuestros países. El filme se queda en el primer nivel, con diálogos bastante de lugares comunes y por momentos sobre explicados. Para los personajes mismos, una mayor profundidad de su drama interno habría provocado una mayor tensión para salir del letargo en el cual por momentos cae el relato.

Tiene una buena estética a la cual nos acostumbra Almodóvar, pero también cansa la misma ambientación interior colorida y artificial. Lo anterior, no desmerece la buena fotografía.

La actuación de Penélope Cruz destaca. Convence en su rol de profesional madura que arrastra un pasado y deseando ser madre.

La música de Iglesias es la que, de alguna manera, potencia el filme para subirlo de nivel.

Sin ser lo mejor, hay que verla sin prejuicios con la temática que aborda, tanto como al director. Esperamos más de Almodóvar sin ser fanáticos de su cine.

Disponible en Netflix .

Ficha técnica

Título original: Madres paralelas
Año: 2021 
Duración: 123 minutos
País: España 
Dirección: Pedro Almodóvar 
Guion: Pedro Almodóvar 
Música: Alberto Iglesias 
Fotografía: José Luis Alcaine 
Reparto: Penélope Cruz, Milena Smit, Israel Elejalde, Aitana Sánchez-Gijón, Rossy de Palma, Julieta Serrano, Adelfa Calvo, Ainhoa Santamaría, Daniela Santiago, Julio Manrique, Inma Ochoa, Trinidad Iglesias, Carmen Flores.
Género: Drama, maternidad, detenidos desaparecidos. 
Productora: Remotamente Films, El Deseo, RTVE.

lunes, 21 de febrero de 2022

Muerte en el Nilo - Por Jackie O.

"¿Whodunit?"


Sinopsis: Las vacaciones egipcias del detective Hércules Poirot, se convierten en la aterradora búsqueda de un asesino, cuando la idílica luna de miel de una pareja perfecta, se ve truncada de la forma más trágica a bordo de un glamoroso barco de vapor.

En este tipo de películas existen diferentes públicos: aquellos que saben que deriva de una novela policíaca (Agatha Christie, publicada en 1937), los que saben que esta es un remake de la película del año 1978 y de la serie del 2004, o todas las anteriores, o ninguna de ellas. De ahí se van desarrollando parte de los estados emocionales al ver la cinta, pero a pesar de saber el final de la ella, buscamos la emoción que nos mostrará el director para llegar al final. O incluso, como es un guion adaptado, puede que nos sorprenda.

En el año 2017, Kenneth Branagh se puso el traje, o más bien el bigote de Hércules Poirot, el famoso detective nacido de la mente imaginativa de Agatha Christie. Y tanto esa como esta nueva adaptación tienen la misma temática: un reparto ostentoso de caras conocidas, la historia se desarrolla en un espacio reducido (tren - barco), existe un grupo pequeño de personajes que, de alguna forma, fueron o están vinculados con la víctima, y nos encontramos con la conocida temática proveniente del género de novelas policiacas: "whodunit" (¿quién lo hizo?).

Branagh, en esta segunda película, acentuó la personalidad del detective, humanizándolo, creando una historia sobre las cicatrices del amor, agregándole un tono distinto a la trama, donde en él se centra más la atención. El reparto escogido para esta oportunidad no es tan grandioso como en el "Asesinato en el Orient Express", pero resulta suficiente para captar el interés del espectador.

La primera parte de la película nos va mostrando a todos los personajes, de forma lata. Así conocemos a Linnet Ridgeway, una mujer bella, joven y millonaria, que se enamora del novio de su amiga, Jacqueline de Bellefort, y se casa con él. Luego en su luna de miel, donde invitan a varios conocidos, la ex comienza a acosarlos. Todos van de un un lado para otro por Egipto, con el fin de ir mostrando a todos los personajes que acompañan a los novios, vemos las conexiones que hay unos con otros, etc. Hasta que aparece Linnet muerta durante el crucero por el Nilo. Hasta el momento se ocupa en todo esto la mayor cantidad de tiempo en la película, que la hace muy lenta en momentos.

En su segunda corta parte, vemos como Hércules Poirot, quien estaba dentro de los invitados, se encargará de resolver este misterio- y es la parte que espero en cada película policial-.  Se comienzan a observar los detalles, vemos diferentes dinámicas de interrogación y disuasión, posibles motivos, posibles inocentes, etc., todo acompañado de imágenes que suman interés al espectador. Y recién comenzamos a sentir que la trama se pone interesante; avanza con agilidad y empiezan a tener sentido los nudos que gran parte de la primera etapa de la película tenía: hemos sido atrapados en la historia.

Con abultada tecnología que a veces es muy notoria, pero otras, y las mínimas, hacen ver una bonita fotografía. Nos sumergimos en un Egipto antiguo.

El vestuario es hermoso, peinado y maquillaje muy adecuado. El diseño de arte es muy hermoso, cada detalle en las habitaciones se ve bello.

En cuanto a las actuaciones, debo destacar al propio Branagh, quien está con más soltura en este rol, sus primeros planos emocionan y son creíbles. Así como Emma Mackey, como la ex novia despechada, quien denota una cierta desesperación que marca en sus ojos. El resto, por muy conocidos que sean, tienen una participación nada de memorable, solo cumplen.

Como ya indiqué, al ser un guion adaptado, podemos esperar cualquier sorpresa, y acá se jugó con cambiar algunos personajes, matar a alguien más de la cuenta, agregar nuevas historias, etc. Entretiene.

Faltó más intriga, más emoción, más tensión.

Disponible en Cines. Pero mejor espere a que salga en TV para verla.

Ficha técnica

Título original: Death on the Nile
Dirección: Kenneth Branagh
Producción: Judy Hofflund, Ridley Scott, Mark Gordon, otros.
Guion: Michael Green
Basada en: Muerte en el Nilo, de Agatha Christie
Música: Patrick Doyle
Fotografía: Haris Zambarloukos
Montaje: Úna Ní Dhonghaíle
País: Reino Unido - EEUU
Año: 2022
Género: Drama, misterio, crímenes y cine de detectives
Duración: 127 minutos
Reparto: Kenneth Branagh, Gal Gadot, Armie Hammer, Annette Bening, Tom Bateman, Russell Brand, Ali Fazal, Dawn French, otros

viernes, 18 de febrero de 2022

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 18 de febrero 2022

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

La llamada Final - Por Jackie O.

“Expiar los pecados”.


Sinopsis: La película transcurre en 1987, donde unos adolescentes se divierten atormentando a una pareja de ancianos, los Cranston, pero la broma llega lejos y tendrán que pagar caro por la osadía.

No sé qué me provoca más nervios, si la cara de desquiciada de Lin Shaye, o que Tobin Bell llame y te diga que debes jugar un juego. Creo que ya es una ironía macabra ver a sus protagonistas en esta película, y en estos roles.

Tenemos a tres adolescentes que cada cierto tiempo molestan a una anciana, señalando que es bruja y que quedó impune por un delito. Hasta que un día llega un nuevo joven al colegio y conoce a este grupito de revoltosos, uniéndoseles de mala gana en esta "broma". Pero dicha broma sale mal y esta anciana fallece, por lo que su esposo cumplirá el último deseo de su mujer. El viudo Edward Cranston les propone un juego a estos adolescentes, según deseos de su mujer, que consiste en llamar desde el teléfono de la casa, a uno instalado en el interior de su ataúd para invocarla desde el más allá, y si lo hacen recibirán una buena cantidad de dinero, pero deben logran aguantar en esa llamada un minuto.

Aunque no creen en lo que les dice el anciano, lo toman como una broma y algunos lo ignoran, pero el anciano los amenaza con que los llevará a la policía diciendo que hostigaban a su mujer, por lo que estos muchachos aceptan hacer la llamada, llevándose una gran sorpresa cuando efectivamente del otro lado de la línea les contestan la llamada.

La película mantiene una buena atmósfera al estilo ochentero, un vestuario acorde a la época , quedándome más con el de la chica.

No puedo dejar de alegrarme al ver a Bell y Shaye, magníficos en este tipo de géneros.

Mi primer reparo es lo oscura que se veían muchas de las escenas, impidiendo visualizar el detalle.

Los temas de terror psicológicos son más escabrosos cuando se trabajan bien, y acá, creo, qué les faltó explorarlo más. Tal vez la poca expertís y empeño de los jóvenes que participaban, los cuales no eran muy creíbles en sus roles, perjudicó el relato, ya que el tema de las culpas y los traumas es un tema bueno para sacar muchas buenas escenas, en especial cuando se trató el asunto del supuesto delito del cual culpaban a la anciana.

Teniendo mucho para haber sido lo mejor del terror psicológico en el último tiempo, se quedó a medias, solo salvado por nuestros veteranos monstruos de la pantalla, que verlos es escalofriante.

Disponible en Cines.

Ficha técnica

Título original: The Call
Año: 2020
Duración: 94 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Timothy Woodward Jr.
Guion: Patrick Stibbs
Música: Samuel Joseph Smythe
Fotografía: Pablo Díez.
Reparto:Lin Shaye,Tobin Bell,Chester Rushing,Erin Sanders, Mike C. Manning, Sloane Morgan Siegel,Judd Lormand,Randy J. Goodwin, Brooklyn Anne Miller, Leah Contreras, Toby Leeder, otros.

jueves, 17 de febrero de 2022

Uncharted: fuera del Mapa - Por Jackie O.

"Drake el pirata".


"Uncharted" es una serie de videojuegos de acción y aventura creados por Amy Hennig el año 2007, el cual dentro de los "gamers" ha sido exitosísimo. Para mí, en lo personal, es "desconocido", pues no soy jugadora, por lo que no podré hacer esas odiosas comparaciones en que naturalmente caemos todos, y que en este momento están "ardiendo" las redes, pues los expertos jugadores no quedaron muy conformes con Tom Holland como el protagonista.

Otro dato que puedo aportarles antes de entrar a la parte técnica de la cinta en sí, es que se lanzó la primera de una serie de cómics el año 2009; y el año 2018, el director Allan Ungar efectuó un cortometraje hecho por fanáticos, protagonizado por Nathan Fillion como Nathan Drake, el cual encuentras en Youtube.

Ahora daré la visión de la película de Ruben Fleischer. Sin conocer el juego, me pareció entretenida, pues cumple con ello porque tiene toda la tecnología que llenan las películas hoy en día para captar nuestra atención. Además, mantiene a unos varones de protagonistas muy carismáticos (Tom Holland, Mark Wahlberg y Antonio Banderas, este último no muy aprovechado), y no decepcionan, porque se siente y se ve la química entre ellos. Sí, también hay dos señoritas, Sofía Ali y Tati Gabrielle, de las cuales no sabes si confiar o no en ellas en la trama pues la ambición también pareciera atraparlas. Ambas,  no siendo taaan conocidas dan todo de sí, pero la química no se siente, parecen desconectadas de la historia.

La trama trata de dos hermanos que viven en un orfanato, pero el mayor, Sam, escapa prometiendo que volverá. Pasan 15 años y Nathan no sabe nada de él salvo un par de postales que le ha enviado en algún momento su hermano mayor. Y se dedica a trabajar de barman-ladronzuelo, siendo contactado por Sully, un adulto buscador de tesoros. Luego de varias situaciones entre ellos, se une para buscar un supuesto tesoro, no sin antes tener que enfrentarse a los antagonistas y vivir situaciones de riesgo, donde los chistecitos no faltan.

No vamos a tener a Indiana Jones acá, muy lejos de ser eso, pero cumple, como dije, con entretener en el momento. Hay mucha acción, piruetas, claves para desenmarañar esta búsqueda, acrobacias irreales pero que se ven bien, personajes masculinos carismáticos, mujeres que solo ponen la cuota femenina ya que les falta alcanzar el convencimiento de su personaje. Y mayormente ese romance que le quisieron agregar y no funcionó para nada.

La edición de la película es buena al contarnos esta historia, con un guion simple y que funciona. Buenas acrobacias. Tal vez le habría agregado más misterio a los acertijos. La música acompaña bien por parte de Ramin Djawadi.

Y repito, sin conocer el juego me pareció bien Tom, tal vez si fuera conocedora de ello tendría otra sensación, además el cortometraje también es diferente a lo actual.

Atención, porque hay una escena de la cual no entraré en detalles, pero es en la playa, donde mi "sentido arácnido" se detuvo pues encontré que tenía, sin tener conocimiento del juego como dije, una connotación que no debía dejarla pasar, y no me equivoqué. Es un cameo... Y hasta ahí llego.

Estamos ante una película taquillera, que sirve para pasar un rato entretenido porque es dinámica, así que imposible que te aburras, disfrutar con algunos datos históricos y con actores carismáticos.

Y ojo, por que hay una escena post crédito, que da pie para una segunda película.

Disponible en cines.

Ficha técnica

Dirigido por Rubén Fleischer
Guión de Rafe Lee Judkins, Arti MarcumMatt Holloway
Historia de Rafe Lee Judkins, Jon Hanley Rosenberg, Marcos D. Walker
Basado en Unchartedby Perro Travieso
Duración: 116 minutos
Reparto:
Tom Holland como Nathan Drake
Mark Wahlberg como Victor "Sully" Sullivan
Antonio Banderas como Santiago Moncada
Sophia Ali como Chloe Frazer
Tati Gabrielle como Jo Braddock

Licorice Pizza - Por Elizabeth Salazar T.

"Con una ayudita de mis amigos".


La más reciente película del director Paul Thomas Anderson (“Magnolia”, “El hilo fantasma), llega con tres nominaciones al Óscar 2022, en las categorías de Mejor Director, Mejor Película y Mejor Guion Original. Porque la trama de “Licorice Pizza”, se encuentra inspirada en una idea que tuvo Thomas, cuando paseando por el barrio vio a un adolescente flirteando con una chica de las chicas que trabajaba en la compañía fotográfica y que ese día fueron a tomar la foto de final de año. El director pensó en qué pasaría si el chico le pidiera una cita y ella aceptara…. De esa inspiración nacieron Alana (Alana Haim), una joven de 25 años, que flecha al quinceañero Gary Valentine (Cooper Hoffman), que se propone conquistar a esa chica, a como dé lugar. La misión no es nada fácil, porque Alana ve imposible sentir algo, más allá de una amistad, debido a su diferencia de edad. Ella se transforma en su tutora, mientras él actua y posteriormente en su socia, cuando él decide emprender un negocio de camas de agua. Ambos deberán sortearan las situaciones más insólitas, algunas solos y otras en conjunto, pero ambos van creciendo y madurando, sin perderse de vista.

Anderson también confesó que otra fuente de inspiración, fue su amigo Gary Goetzman, que actualmente es productor de cine, pero cuando niño fue actor, puso una compañía de camas de agua, trabajó en la campaña de Joel Wachs (actual presidente de la Fundación Andy Warhol) y tuvo un local de pinball. Todas situaciones que vemos recreadas en un filme que se encuentra lleno de referencias de cine que son el deleite de cualquier cinéfilo. Recreadas con humor absurdo, irónico, que va en contraposición con lo querible que son ambos protagonistas. Eso quiero destacar, los actores que protagonizan “Licorice Pizza”, son una gran revelación: Alana realiza con mucha simpatía su papel y Cooper Hoffman (hijo de Philip Seymour Hoffman), con su primer rol, es tan genuino y natural con su interpretación. La química entre los dos es innegable, resultan de verdad adorables y carismáticos.

Además, de trabajar con el hijo de Philip, a quien conoce desde niño, el director se rodeó de amistades. Alana actúa junto a dos de sus hermanas con quienes forma parte del grupo pop “Haim”, Anderson había realizado algunos videos con ellas, por lo que decidió reclutarlas. Aparecen también, Bradley Cooper y Sean Penn, sus personajes son tan bizarros como graciosos. Y, como si esto fuera poco, aparece George DiCaprio, padre de Leonardo. El propio actor declaró que su progenitor hace casi un cameo, porque trabajó como vendedor de camas de agua (Perdón por el spoiler, pero para que lo ubiquen). El soundtrack de la película es buenísimo, incluye a David Bowie, Paul McCartney, Nina Simone y The Doors, entre otros.

Hay que destacar, uno de los valores que tiene el joven Gary, que es la perseverancia. Vemos cómo decide emprender en sus diferentes negocios y también, cómo persevera en su amor por Alana, a pesar de lo desfavorable que pueden parecer sus posibilidades.

Es tan grato sentarse en una butaca y disfrutar tanto de un filme. “Licorice pizza” hace que los minutos vuelen y sientas que el autor del filme quiere tanto el cine como tú.

Ficha técnica

Director: Paul Thomas Anderson
Duración: 134 Minutos
Estreno en cines el 17 de febrero
Distribuye: Andes Films Chile

Licorice Pizza - Por Juan Pablo Donoso

Retorno nostálgico y disparatado a los años 70 en California.

Quien lo hace es Paul Thomas Anderson, el prestigioso realizador de Magnolia (1999), El Hilo Invisible (2017), Boogie Nights (1997).

Con su habitual destreza narrativa se dio el gusto de contar una historia de amor adolescente, que parecía sin futuro, en una producción de 2 horas y 13 minutos.

¿Cómo lo hizo? Rellenando el frágil hilo central con una enorme cantidad de estampas, anécdotas paralelas, y reviviendo a muchas estrellas del cine, la TV y la farándula de la época.

Vemos cómo Gary, un escolar testarudo de solo 15 años - carismático Cooper Hoffman - se enamora y trata de conquistar a Alana, una muchacha judía, 10 años mayor, que tomaba fotos oficiales a los estudiantes de esa escuela.

El tesón incansable del joven, quien participaba como actor de comparsa en comedias televisivas, gradualmente consigue que la muchacha lo acepte solo como amigo, y le ayude en la gestión de iniciativas comerciales.

Pasarán pocos años y la relación se irá haciendo más cercana, al punto de recelarse en secreto cada vez que alguno de ellos coquetea con alguien más acorde a sus edades.

Y es en este lapso, tan largo antes que ella se atreva a reconocer su amor por él, que suceden innumerables incidentes cotidianos; aparecen fugazmente otras conquistas, se inician y culminan negocios, irrumpen figuras excéntricas de la farándula, se manipulan pomposas campañas políticas, se vislumbran los familiares, y se revelan secretos prohibidos. Todo en un frenesí equivalente a la adrenalina del protagonista.

Quien espere una clásica historia de amor se preguntará varias veces a dónde apunta este relato tan largo y disperso. Pues bien, si ha sido nominado al Óscar y a otros galardones, se debe a la cercanía y al carisma de sus dos protagonistas. Y también al caleidoscopio satírico con que Anderson revive su propia juventud, haciendo caricatura de las estrellas, políticos, restaurantes, marihuana y estupideces que ya pasaron de moda. Hasta el título, Licorice Pizza, era sólo el nombre de una cadena de pizzerías de entonces: “2 palabras que me recuerdan mi niñez” (Anderson).

Entre otros veremos en breves roles a Sean Penn (como William Holden), a Bradley Cooper (como el peligroso Jon Peters, peluquero y productor que fue novio de Barbra Streisand) y a varios infaltables en otros filmes de este director como la estupenda Harriet Sansom Harris (Fraser - El Hilo Invisible).

Entre los guiños del autor nos introduce a Alana Haim (como Alana) que sin ser hermosa logra conquistarnos. Junto a sus dos hermanas (que también lo son en la película) integran un popular trío musical en la vida real.

BRILLANTE FACTURA ARTESANAL PARA MANTENERNOS ENTRETENIDOS CON NIMIOS INCIDENTES COTIDIANOS. MÁS SENSACIONES Y VIVENCIAS QUE NARRATIVA.

Ficha técnica

Sátira, romance. Canadá, EE.UU. - 2,13 hrs. 
Fotografía: Paul Thomas Anderson, Michael Bauman, 
Edición: Andy Jurgensen 
Música: Jonny Greenwood 
Diseño Prod.:Florencia Martin 
Actores: Alana Haim, Cooper Hoffman, Sean Penn 
Guionista y Director: Paul Thomas Anderson

Uncharted: fuera del Mapa - Por Juan Pablo Donoso

Precuela inverosímil de acción y aventuras basada en el video- juego del mismo nombre. 

En la línea de Indiana Jones, esta superproducción costó US$120,000.000. Para llenar las salas del mundo y recuperar la inversión, había que tirar “toda la carne a la parrilla”: contratar a 2 actores de moda - Tom Holland y Mark Wahlberg - respaldarlos con el cartel secundario de Antonio Banderas, agregar dos sensuales estrellitas nuevas: una blanca, Sophia Ali, y una negra Tati Gabrielli, y hacer el máximo alarde de efectos especiales... a ratos demasiado ostensible.

Todo esto ¿para qué? Para llenar casi dos horas con una acumulación de recursos de matinée, y un argumento tan ramplón como lo esperable en un video-juego de niños y adolescentes.

Con la mejor voluntad quisimos entrar en la ficción, como solemos hacerlo con los filmes de James Bond, la Roca o del mismo Indiana Jones; pero son tan gratuitos los giros, tan burdos los diálogos, y tan grotescos los villanos y “malulas”, que a cada instante nos rompen la ilusión.

Una de las causas es la sobreabundancia de antagonistas. ¡Si hasta los mismos héroes - repartidos en 2 personajes - se traicionan entre ellos! Y para qué decir lo tramposas y araneras que son las mujeres.

Pero así tiene que ser para que siga la acción. A diferencia de los clásicos del género antes nombrados, aquí ni los buenos ni los malos tienen personalidades interesantes. Carecen de glamour y de picardía erótica. Sólo importa que encuentren el tesoro que buscan y que sobrevivan a los más insólitos peligros que enfrentan.

¡Qué más podemos pedir si son caricaturas del comic creado por Amy Hennig y Rafe Judkins! El problema es que se nos presentan con actores y actrices de carne y hueso de los que esperaríamos aunque fuera un poquito de humanidad.

Lo más rescatable son las bellísimas locaciones en las calles e iglesias de Barcelona, y en las cavernas oceánicas de Filipinas. Lo demás son grotescas escenas de suspenso en tierra, mar y cielo sin siquiera un atisbo de romance con tan sensuales y perversas pécoras.

Durante los créditos finales nos insertan breves escenas de futuras secuelas.

Del éxito comercial de ésta dependerá el financiamiento de las que vienen.

A PESAR DE TAN COSTOSA Y ABUNDANTE PARAFERNALIA, AÑORAMOS LAS AVENTURAS INSOLENTES DE JAMES BOND Y EL HUMOR INGENUO DE INDIANA JONES.

Ficha técnica

Acción, aventuras EE.UU.
2022 - 1,56 hrs. 
Fotografía: Chung-hoon Chung 
Edición: Chris Lebenzon, Richard Pearson 
Música: Ramin Djawadi 
Diseño Prod.: Shepherd Frankel 
Guion: Rafe Judkins, Art Marcum & Matt Holloway 
Actores:Tom Holland, Mark Wahlberg, Antonio Banderas 
Director: Ruben Fleischer

La Llamada Final - Por Juan Pablo Donoso

Conciencias culpables sucumben bajo la venganza de fantasmas enloquecidos.

Suena profundo, ¿verdad? Y lo sería si analizamos el drama psico/espiritual del argumento. Pero el realizador Timothy Woodward Jr., junto a su guionista Patrick Stibbs, optaron (tal vez por motivos comerciales) por tratarla como una típica película de terror ochentera dejándola en un tibio territorio intermedio.

A pesar de la tétrica iluminación del fotógrafo Pablo Diez, y la música de Samuel Joseph Smythe, quedó banal el duelo entre Culpa y Venganza.

Si el guionista se hubiera internado más hondo en el misterio inefable de la Culpa, el pavor habría surgido espontaneo. Lo logró Kafka con sus novelas, y también Stanley Kubrick, especialmente con Ojos Bien Cerrados.

Al exagerar lo terrorífico esquematizó el fondo psicológico de sus personajes. Quedó más efectista que sutil y provocativa.

Un grupo de adolescentes se divierte atormentando a un matrimonio de ancianos. Creen que Edith (Lin Shaye), la esposa trastornada, asesinó tiempo atrás a la hermanita de uno de ellos. Como la Justicia la absolvió por falta de pruebas, los jóvenes pretenden hacerles la vida imposible.

Cuando la anciana se suicida, el desconsolado viudo Edward (Tobin Bell), fingiendo perdonarlos, les propone un juego: Edith los llamará por teléfono desde la tumba. Si resisten hablar con ella por más de un minuto, recibirán una gran suma de dinero. Aceptan y comienza el desafío.

Cada vez que uno de ellos levanta el auricular, la voz de la anciana fallecida les recrea un incidente vergonzoso de sus pasados. Cuando tratan de escapar van cayendo muertos.

Al llegar a Tonya (Erin Sanders), la única muchacha del grupo, se revela la verdad sobre quién asesinó a la pequeña Laura. Y será esta misma hermanita, junto a otra novia abandonada por embarazo, quienes - ¡tal vez!- vendrían a hacer Justicia a los sobrevivientes.

Al parecer, el tema de fondo les quedó grande. Nunca supieron cómo terminarlo.

QUEDÓ A MEDIO CAMINO ENTRE UNA PELÍCULA DE TERROR Y UN DRAMA DE SUSPENSO PSICOLÓGICO. 

Ficha técnica

Título Original: The Call
2020 - Terror, suspenso EE.UU. - 1,37 hrs. 
Fotografía: Pablo Diez 
Edición: Wayne J. Liu 
Música: Samuel Joseph Smythe 
Diseño Prod.: Markos Keyto 
Guion: Patrick Stibbs 
Actores: Lin Shaye, Tobin Bell, Chester Rushing 
Director: Timothy Woodward Jr.

martes, 15 de febrero de 2022

Bestia - Por Jackie O.

“Fracturas”. 


Otra historia sobre la dictadura. Se ha escuchado o leído por miles de personas, pero otros dicen que es necesario seguir contando estas historias ya que no hay que olvidar.

Pero la historia de Chile no inició en la dictadura, ni tampoco ocurrieron hechos atroces, si eso se quiere contar, solo en ese momento. Si repasamos la historia de Chile, y no nos quedamos pegados en solo una época, veremos que hechos sangrientos y deplorables hubo muchos: masacres, asesinatos, violaciones, crímenes inimaginables como el de los españoles al pueblo mapuche (alrededor del año 1500), genocidio de los Selknam (fines del siglo XIX, comienzos del siglo XX), matanza de la Escuela Santa María de Iquique (1907), matanza de la Coruña (1925), y más.

Historias horribles hay en cada país, historias que muchos quieren olvidar, pero otros no pueden hacerlo.

“Historia de un Oso”, el cortometraje animado que ganó el Óscar, habla de detenidos desaparecidos, contado de una forma casi poética que nadie sabría que hay una triste historia tras esas imágenes. Ahora, aparece BESTIA, el nuevo corto animado que ha dado la vuelta al mundo prácticamente, siendo reconocido por muchos por su excelente trabajo. Trata de una mujer y su perro, sí, así de simple. Quien no conoce su fondo dirá que trata de una mujer cualquiera, que lleva una vida normal, que todos los días toma la micro como tú y yo a su trabajo, llevando consigo a su perro y entra a una casa todos los días, y al finalizar el día toma otra micro para volver a su hogar.

¿Cuántas veces nos habremos topado en la micro o metro con un ser cruel sin saberlo?

Esta historia no es un trabajo biográfico, está inspirada en Ingrid Olderock Benhard, conocida en tiempos de la dictadura militar como “la mujer de los perros”, una mujer que, muchos señalan, ocupaba a perros para torturar a presos políticos. Ella siempre lo negó y nunca fue condenada por ello.

En cuanto al cortometraje BESTIA, comienza y termina parecido. Un corto mudo, solo algunos sonidos, pero las imágenes hablan mucho, más si se sabe de qué trata su fondo.

Entramos en la cabeza de una mujer, de una mente fracturada, y vamos conociendo la rutina que mantenía, una rutina común dirán algunos, pero tras esa normalidad, y vuelvo al comienzo, con cuántas personas “normales” nos hemos topado diariamente. El corto muestra lo que sería el día a día de este personaje, la relación cercana con su perro, y las diferentes frustraciones que mantiene, sea con su cuerpo o con su trabajo.

La técnica de animación de stop motion, con un marcado estilo de brillo creado con resina de poliuretano bañada en resina cristal, le da a su rostro una textura similar a la cerámica basado en la estética de las muñecas de porcelana, para transmitir la inexpresividad y frialdad del personaje, lográndolo.

Cada imagen y movimiento nos expresa, sin expresar, emociones.

¿Cuántos monstruos deambulan por la mente del ser humano? ¿Qué insensibilidad transita por mentes fracturadas, que ni viendo su daño, les provoca empatía ni remordimiento? Creo que ni el mejor científico podrá descubrirlo, solo seguimos con hipótesis, pues la mente humana es un misterio.

Un trabajo que nos hace reflexionar sobre la crueldad del ser humano. Sobre todo tipo de fracturas que pueden existir en una persona, que nos hacen ser como somos. O simplemente nacemos con la maldad en nuestra mente. Quién sabe. Insisto, la mente del ser humano es un misterio.

Corto animado para adultos.

Disponible en Vimeo.

Premios

Ganadora del Premio del Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, Francia.
Ganadora del Festival Internacional de Animación Chilemonos.
Ganadora del Festival Internacional de Animación de Córdoba. Entre Otros
Actualmente postulando a los Premios Annie y Oscar.

Ficha técnica

Cortometraje - Chile
Dirección: Hugo Covarrubias
Dirección artística: Constanza Wette
Guion: Hugo Covarrubias y Martín Erazo
Música: Ángela Acuña, Camilo Salinas
Animador: Hugo Covarrubias y Matías Delgado
País: Chile 
Año: 2021
Duración: 15 minutos

Robin Robin - Por Jackie O.

“Descubrir nuestros dones”. 


Sinopsis: Cuando un pájaro petirrojo crece tras ser criado por una familia de ratones, sus diferencias se vuelven más evidentes cada vez que intentan entrar a la casa de los “Jumanos”. Ahora, se embarca en un atrevido atraco para robar una especie codiciada y demostrarle a su familia, y a un gato malicioso, que puede ser un ratón realmente bueno.

Un ratón, padre soltero de tres ratoncitos, encuentra un huevo de petirrojo y lo cría como uno más de la familia. A medida que pasa el tiempo, ya se hace más difícil escabullirse por las casas para robar comida, creándose un problema entre este pajarito y su familia de ratones. Hasta que un día, Robin se embarca en una aventura solo para entrar a la casa de los “Jumanos” y robar no migajas, sino un sándwich entero, y así demostrarle al resto que puede ser un buen ratón. Comienza a cuestionarse qué es: un pájaro o un ratón, ya que siente que no encaja en ningún lado.

Y sale mal dicha travesía, pero Robin es ayudado por un pájaro que tiene un ala rota; y este le cuenta la historia de una estrella, y se la muestra posada en el árbol de Navidad, manifestando que esa especie puede cumplir todos tus deseos, y el deseo mayor de Robin es ser un ratón.

De ahí comienza otra nueva aventura, más audaz y peligrosa, porque hay un gato entremedio, y es robar esa estrella para que le cumpla su sueño de ser ratón.

Una historia navideña que habla de la familia, principalmente de aquellas que se dicen no tradicionales, y de la amistad que es otro tipo de familia.

Pero también, y lo más importante, es que debes ser tú mismo, y no aparentar ser otro, porque quienes te quieren de verdad te aceptarán. Y además, descubres que tienes otros dones que puedes complementar con el resto.

Un lindo camino de autodescubrimiento.

Técnicamente es una película musical animada en stop-motion. La conformación de las figuras es una sensación de animales acolchaditos, de felpa, que dan ganas de abrazar. Los colores son vivos y los personajes tiernos, algo que anima a verlos y escucharlos.

Un cortometraje que mantiene un tono nostálgico de cuentos de hadas, muy familiar. 

Actualmente nominado a los Óscar.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirigido: Dan Ojari y Mikey
Escrito por Dan Ojari y Mikey Plese y Sam Morrison
Protagonistas: Bronte Carmichael, Richard E. Grant, Gillian Anderson, Adeel Akhtar, otros.
Cinematografía: David Alex Riddett
Editado por Chris Morrell
Música: Ben Please y Beth Porter
Duración: 32 minutos
Año: 2021

Historias de una generación con el papa Francisco - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Serie documental de cuatro episodios, gente de la tercera edad de todo el mundo, incluido el Papa Francisco, comparte sus historias con jóvenes cineastas. 

El documental va haciendo un recorrido por cuatro temas en los que el Papa propone como central el “Soñar”. El hacerlo, dice, nos permite ser poetas, es decir, alcanzar lo más profundo del alma humana, encontrándonos con la espiritualidad misma, que es la que otorga sentido a la existencia. El soñar es la conexión entre el mundo joven y los mayores de edad que tienen la experiencia. El soñar no se debe perder, pues nos permite ir a mundos inimaginables y tener vida, agrega el Papa.

Al final de cada episodio se plantea el tema que sigue, por ejemplo “Luchar”. Para cumplir los sueños se debe luchar, de no hacerlo no hay vida, así como no hay dignidad sin “Trabajo”. El cuarto episodio de la serie, y debe ser un trabajo creativo, no automatizado, en la creatividad está la poesía y por lo tanto la dignidad y alteridad de ser propiamente humano.

He dejado para el final el primer episodio que es el amor, el cual se presenta como una simbiosis entre la empatía y el respeto, y para seguir adelante se deben hacer concesiones en la convivencia entre los seres humanos y el medio ambiente y de esta manera sobrevivir.

Documental bien realizado, hermosa fotografía, emocionantemente humano, cálidas las experiencias de vida seleccionadas. No es un discurso panfletario, pues está construido desde la experiencia antropológica, en la vivencia diaria. Los entrevistados construyen sus vidas entre las luces, sombras, grises y color, tal como tiene la vida de cada humano en el planeta.

Como sugerencia, ver cada capítulo con cierta pausa entre uno y otro, para permitirnos descubrir, por ejemplo, cuáles son los sueños o luchas que tenemos por dar, y si no lo tenemos, pensar en el sueño que tengo para mí y los que me rodean.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Stories of a Generation - with Pope Francis 
Año: 2021 
Duración: 182 min. 
Miniserie de 4 episodios. 
País: Italia 
Dirección: Simona Ercolani 
Guion: Libro: Pope Francis 
Fotografía: Leone Orfeo 
Género: Documental, mini serie TV., experiencias de vida
Productora: Stand By Me
Distribuidora: Netflix

sábado, 12 de febrero de 2022

El callejón de las almas perdidas - Por Jackie O.

"No seamos un monstruo".


En el Nueva York de la década de 1940, el estafador Stanton Carlisle aprende de una vidente y el esposo de esta, un mentalista, su oficio. Emprende rumbo con Molly,  una dulce chica, y comienza a robarle a millonarios, ayudado por una misteriosa psiquiatra que tiene su propio plan.

En 1946 nació una obra con los elementos clásicos del cine negro, escrita por William Lindsay Gresham. Con elementos espectaculares para llevarlos a la pantalla, y así se hizo en 1947 dirigida por Edmund Goulding, apareció una película muy bien ejecutada no solo para esa época, sino que para este nuevo siglo. Muy narrativa, dejando la visualidad, propiamente tal, a la imaginación del espectador, y sí funcionó.

Ahora, el gran Guillermo Del Toro nos trae una nueva versión de esta historia, una versión al estilo Del Toro, no un remake según sus dichos.
El director es más visual que narrativo, pues se esfuerza por sobre explicar lo que vemos con imágenes, color, luces, etc. porque es su sello, lo visual. Pero eso alarga situaciones a veces innecesarias.
Pero Del Toro sabe cautivarnos, esas imágenes venden, porque sabe hacer que nos involucremos visualmente.
Las actuaciones son fenomenales, pues el elenco no solo es conocido, sino que grandes en la pantalla por sus trabajos, donde saben personificar la dulzura y monstruosidad que nos narran.

Sí, los monstruos, el ser humano es el mayor destructor de la tierra, pudiendo ser el mayor ejemplo de bondad. Es una lucha constante de la humanidad.
Pero la codicia, la avaricia, envidia, estafas, la maldad de humillar a otros es mejor, y un estilo de vida para algunos. La charlatanería para la manipulación psicológica, versus la posibilidad de llevar calma y paz. Todo esto y más nos muestra esta historia.

Se supo captar esa violencia y dramatismo extremo de su autor. Por eso la hace una historia atemporal. Una historia que siempre se repetirá.

Mantiene una fotografía hermosa, es Guillermo y no sale nada mal. Música acorde. Vestuario bellísimo. Peinado y maquillaje bien. El juego de luces y sombras es impresionante, esos detalles de luz que son muy simbólicos y me encantan. Excelente trabajo en diseño de producción.

Una historia de monstruos, de terror psicológico, pero también de compasión, donde siempre es buen momento para que nuestro final no sea caer en la mayor indignidad humana y de ser monstruos.

Disponibles en Cines.

Ficha técnica

Dirección. Guillermo Del Toro
Guion: Guillermo del Toro y Kim Morgan
Basada en "Nightmare Alley"  de William Lindsay Gresham
Música: Alexandre Desplat
Fotografía:. Dan Laustsen
Montaje" Cam McLauchlin
País: EEUU 
Año: 2021
Género:Thriller psicológico
Duración: 150 minutos
Reparto:
Bradley Cooper como Stanton "Stan" Carlisle.
Cate Blanchett como Dra. Lilith Ritter.
Toni Collette como Zeena Krumbein.
Willem Dafoe como Clem Hoately.
Richard Jenkins como Ezra Grindle.
Rooney Mara como Molly Cahill.
Ron Perlman como Bruno.
David Strathairn como Pete Krumbein

Spencer - Por Jackie O.

"Ana y yo".


Película que narra un relato ficticio de las decisiones que llevaron a Diana, Princesa de Gales, en su matrimonio con Carlos de Gales a renunciar a la familia real británica.

Película que muestra un profundo estado emocional de la princesa, se centra en su estado mental, de lo que pudo haberse imaginado el director que pasaba por su cabeza debido a todo lo que se sabe de ella hasta el momento. De cómo, pudo soportar su estilo de vida que se ve llena de lujos, casi envidiable se podrá decir, pero fue un desmoronamiento interno para ella.

Kristen Stewart nos entrega una buena interpretación, tal vez no una Diana tan convincente como Emma Corrin, pero muy entregada, destacable al sumergirse en una angustia interna, una desesperación que llega a la locura de una mujer que lo tuvo todo, menos paz mental. 

Y de como sus encuentros fantasmales con Ana Bolena, reina consorte de Inglaterra por su matrimonio con Enrique VIII, la cual era más inteligente que el Rey, el cual se sentía opacado ante ella mediáticamente, donde su rol era el de procrear, darle hijos a la corona. Esa era la sensación que nos muestra esta Diana, la de ser un útero, y que ahora ya es inservible. Y que todas las miradas apuntan a ella de forma despectiva, de una manera fría como ese lugar que llaman hogar, mortuorio como la caza de aves. Su mente y cuerpo cae.

Ana la ayudó, su vestidora la ayudó a sobrevivir, a escapar.

Estéticamente mantiene un guion muy interesante, al enfocar desde otra perspectiva su vida, retratada en un solo fin de semana con su mente colapsada. Buenas actuaciones de todos, muy buena música que acompaña bien. Vestuario, peinado y maquillaje bellos. Fotografía maravillosa.

Amor, desamor, indiferencia, maternidad, matrimonio, infidelidad, trastornos...

Ficha técnica

Director: Pablo Larraín
Reparto:
Kristen Stewart
Jack Farthing
Timothy Spall
Sally Hawkins
Sean Harris
Richard Sammel, otros
Reino Unido
Duración:116 minutos
Guion: Steven Knight
Música: Jonny Greenwood
Fotografía: Claire Mathon
Género: Drama Biográfico Años 90

viernes, 11 de febrero de 2022

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 11 de febrero 2022

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

El callejón de las almas perdidas - Por Carlos Correa

Esta nueva cinta del director Guillermo del Toro genera inquietud por conocer la novela de William Lindsay Gresham, escrita el año 1946 y la primera versión cinematográfica realizada en 1947 por Edmund Goulding. En palabras de Del Toro, este no es un “remake”, sino una nueva versión desde su prisma sobre un texto del que declara un fanático autoconfeso. 

En 1939, Stanton "Stan" Carlisle -Bradley Cooper-, carga con un pasado que requiere dejar atrás. Busca aires nuevos y los encuentra en una Feria Ambulante, donde comienza desde lo más bajo, como ayudante del dueño, un estrafalario hombre llamado Clem, interpretado por Willem Dafoe. La atracción más grande consiste en un “monstruo humano”, una especie de “geek” que se expone, cual animal, a la brutalidad del abuso y el encierro, siendo exhibido como muestra de una criatura depravada.

Stan traba amistad con "Madame Zeena" -Toni Collette -, y su esposo alcohólico, Pete -David Strathairn-, de quienes aprende un ingenioso sistema codificado de palabras para dar cuenta de supuestos poderes mentales y así engañar a la audiencia. Pero Stan quiere más. Junto a la joven Molly -Rooney Mara-, quien hace un show en base a electricidad, deciden emigrar para preparar en conjunto un nuevo espectáculo, en otro lugar y en otras condiciones.

Tiempo más tarde, el esfuerzo de ambos es recompensado y tienen un sonado éxito con "The Great Stanton", un acto psíquico desarrollado para la adinerada élite de Nueva York, en el que ponen en práctica las técnicas aprendidas de Zeena y Pete. Una noche, el show es bruscamente interrumpido por una mujer que pone en aprietos a Stan. El hecho no pasa inadvertido para ninguno de los dos. Hay algo allí, una atracción, un desafío, una oportunidad. A Stan se le ocurre usar información confidencial de la Dra. para conseguir y manipular futuros clientes y así aumentar la fama, el dinero y el poder, pero las cosas no necesariamente salen como ambos planean.

Guillermo del Toro filma con una particular estética este relato. La calidad de la fotografía, sus luces y sombras, junto con la artística disposición de las cámaras, dan cuenta de una gran técnica puesta al servicio de la narración. En un guion de su autoría, junto con Kim Morgan, Del Toro da vida a un cine noir que congrega estupendas actuaciones donde sobresale el trabajo de Bradley Cooper.

No conocemos la historia previa de Stan. Su peso de conciencia es muy grande y tal vez por eso quiere escapar. El trabajo que consigue le permite al menos un sustento básico. Asimismo, experimentar la cercanía de este monstruo humano despierta en él la necesidad de búsqueda y de aprendizaje, es decir, discernir qué debe hacer y así lograr transformarse para lograrlo. La Feria y sus espectáculos son su primera fuente de herramientas para esta nueva vida, donde abundan las mentiras, donde las ilusiones se confunden con las estafas, y donde cada show arriesga ser un juego peligroso.

La compañía, en este caso femenina, adquiere también un papel principal. Hay cariño, probablemente, pero ¿es amor o utilitarismo? La ambición crece con el correr del tiempo y parece no tener límites, eludiendo un necesario punto de inflexión dado que nada le satisface. ¿Dinero? ¿Poder? Sabemos que Stan odia a su padre pero ¿no será un odio a sí mismo y que además traspasa a los demás?

Del Toro realiza un verdadero estudio de comportamiento donde no sabemos quién manipula a quién en una disputa entre mentes torcidas. Juega también con el control y el descontrol, donde es tan visible el monstruo exterior como el que cada persona lleva en su interior. Sin duda hay un desorden endógeno y alicientes exógenos que llevan al protagonista a actuar de determinadas formas. Las alianzas resultan fundamentales y las piezas que faltan se logran complementar, pasando a llevar valores trascendentes para incidir y dominar a otras personas.

Como marco general tenemos el contexto en el que se desarrolla la historia, en los primeros años de la Segunda Guerra Mundial, antes de la intervención de Estados Unidos. El guion, siempre en ritmo creciente, adquiere vértigo en la medida que avanza a través de diálogos interesantes y una química innegable entre todos sus protagonistas, mérito del elenco escogido y por supuesto de la mano del director. Ayuda, también, la presencia de triángulos que se unen en al menos un vértice: dos hombres y una mujer; dos mujeres y un hombre.

“Nightmare Alley” resulta una composición realmente interesante desde todo punto de vista. Es explícita e íntima a la vez, intensa y reposada, visceral y por momentos algo opaca, en un juego de contrastes que nos mantienen pegado a la escena sin siquiera pestañear. Guillermo del Toro apuesta con una película muy personal, extensa y arriesgada, donde se percibe su sello magistral que, sin concesiones de ningún tipo, nos inspira y desafía a reflexionar.

Ficha técnica

Título original: Nightmare Alley
Año: 2021
Duración: 150 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Searchlight Pictures. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Cine negro. Intriga. Drama | Drama psicológico. Años 40. Circo. Alcoholismo. Remake
Guion: Guillermo del Toro, Kim Morgan. Novela: William Lindsay Gresham
Música: Nathan Johnson
Fotografía: Dan Laustsen
Reparto: Bradley Cooper, Rooney Mara, Cate Blanchett, Toni Collette, Willem Dafoe, David Strathairn, Richard Jenkins, Mark Povinelli, Ron Perlman, Holt McCallany, Jim Beaver, Mary Steenburgen, Tim Blake Nelson
Dirección: Guillermo del Toro

jueves, 10 de febrero de 2022

Cásate Conmigo - Por Jackie O.

"Soy el amor del amor de mi vida".


Película escrita por John Rogers, Tami Sagher y Harper Dill, basada en la novela gráfica del mismo nombre escrita por Bobby Crosby. Nos sumergen en esta comedia dramática-romántica, que tiene todos esos clichés conocidos en el amor, lo cual encuentro que estuvo bien contextualizado en términos generales.

Jennifer Lopez cada vez asombra más, canta, baila, modela, es empresaria y actúa. Owen Wilson es un gran actor en todos los géneros, no solo en comedia. Y Maluma... mmm canta bien, y agradezco su poca participación, aunque me habría gustado otro varón para este triangulo amoroso, para que hubiera hecho mejor el rol. Pero se entiende que es por "un gancho comercial"

La película en sí trata de un dúo de cantantes famosos, a punto de casarse en un escenario ante todos sus fans. Por otro lado tenemos a un profesor, Charlie, muy retraído que tiene tuición compartida de una jovencita de 12 años. Además, este padre tiene a una gran amiga también profesora. Esta última, lo invita al show de Kat y Bastián, ya que sus invitadas no asistieron. Entre pocas ganas, acepta Charlie y va con su hija. Los tres en dicho Show, las chicas disfrutan, pero Charlie no es nada animoso, hasta que sucede lo impensado. Kat descubre que su novio la engaña, y Charlie, a pedido de su amiga, sostiene el cartel que dice "cásate conmigo". Porque ese es el single famoso de este dúo de artistas. Ante la infidelidad que es protagonista Kat, no se casa con su deslumbrante novio, y elige al azar a un nuevo marido, del público.
¿por qué lo hace? Despecho, decepción, venganza, humillación. Todas las anteriores. Quién sabe.

Desde ahí en adelante, este singular matrimonio pasa por un sinfín de aventuras por su extremada diferencia. Sin dejar de lado que Bastian, su ex, trata de conquistarla nuevamente, pero acá mi reparo: no hay ese juego o rol de reconquista o de enemistad entre hombres que pudo haber sido interesante, debe ser por lo mal actor que es Maluma. Lo que agradezco son sus pocas palabra, y por eso faltó otro sujeto en ese papel.

Guión super predecible, pero creo que bien manejado salvo por lo ya dicho. (¿O será por que soy una romántica? )

Entretiene, escuchamos buena música, algunos bailes, y sentimentalismo.

Habla del amor, infidelidad, el estrago de las redes sociales, la familia, la amistad, y darse oportunidades.

Disponible en cines.

Ficha técnica

Año:2022 
EEUU
Género: Comedia romántica, drama
Duración: 112 minutos
Jennifer Lopez como Katalina "Kat" Valdez
Owen Wilson como Charlie Gilbert
Maluma como Bastian
John Bradley como Collin Calloway
Sarah Silverman como Parker Debbs
Chloe Coleman como Lou Gilbert