Claroscuro - Por Alejandro Caro

Sinopsis: En Estados Unidos, década de 1920. Clare Kendry lleva una vida peligrosa. Bella, elegante y ambiciosa, está casada con un hombre blanco que desconoce su herencia afroamericana y ha roto todos los lazos con su pasado. La amiga de la infancia de Clare, Irene Redfield, igualmente de piel clara, ha optado por permanecer dentro de la comunidad afroamericana, pero se niega a reconocer el racismo que sigue restringiendo la felicidad de su familia. Un encuentro fortuito obliga a ambas mujeres a enfrentarse a las mentiras, miedos, secretos que les han contado a otros y a los miedos secretos que han enterrado en su interior. 

Filme complejo y por momento áspero, basado en la novela de Nella Larsen. 

Nos lleva a recorrer los años 20 con cierta fineza, donde el mundo femenino y sobre todo para la raza negra, estaba postergados y limitados en ciertos círculos sociales.  

El relato lleva a una de las protagonistas a renegar de su origen étnico mostrando un color de piel que no es suyo, mientras su contraparte acepta su origen, pero eso también no está exento de dificultades. Estas dos vidas se cruzan para recordar el pasado, lo cual conduce a un desenlace… 

La interpretación de Ruth Negga y Thompson sobresalen y por supuesto el elenco la acompaña en este relato con una hermosa fotografía en blanco y negro, otorgando y pintando la ambientación en blancos y grises para un drama duro, pero sin ser lacrimógeno. Los silencios son como un texto que va haciendo su propio recorrido para enriquecer el relato. 

Hall presenta un filme sutil, con una historia dramática, sin caer en el panfleto frente al racismo o en los problemas propios de las relaciones entre los individuos y sus fantasmas del pasado. 

Una historia aparte es el solo de piano, que va uniendo todo el filme, música de la religiosa ortodoxa y compositora etíope Emahoy Tsegué-Maryam Guèbro, el jazz inunda y conecta perfectamente al relato. 

Ambientada en décadas pasadas acerca a temas e ideas muy actuales como el racismo, el género y un rancio clasismo. 

Para ver y disfrutar una buena historia contada con maestría. 

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Passing 

Año: 2021 

Duración: 98 minutos

País: Estados Unidos 

Dirección: Rebecca Hall 

Guion: Rebecca Hall

Música: Devonte Hynes 

Fotografia; Eduard Grau B/N 

Reparto: Tessa Thompson, Ruth Negga, André Holland, Alexander Skarsgård, Bill Camp, Kerry Flanagan, Derek Roberts, Frank Holley, Tom White, Ashley Ware Jenkins, Doris McCarthy, Donna Hayes, Rahim Rosen, Antoinette Crowe-Legacy, Sienna Jeffries 

Género: Drama, racismo 

Productora: Film4 Productions, Flat Five Productions, Forest Whitaker's Significant Productions, Gamechanger Films, Picture Films, Sweet Tomato Films, TGCK Partners, XRM Media, AUM Group 

Premios 2021: Festival de Sundance: Sección oficial largometrajes a concurso 

2021: Premios Gotham: 5 nominaciones incluyendo mejor película y guion

Una serena pasión - Por Carlos Correa

Esta es la historia de Emily Dickinson, una poetisa norteamericana que permaneció la mayor parte de su vida en casa de sus padres en Amherst, Massachusetts. Emily, nacida en 1803, se retrajo muy tempranamente. Poco se sabe de su vida, sin embargo, desde muy joven fue afectada por traumas emocionales que influyeron en su comportamiento y delinearon su futuro. Alejada de cualquier tipo de vida social, la joven encontró refugio en las letras, en el arte de las palabras, en la expresión de sentimientos profundos a través de sentidos poemas que poco a poco fueron viendo la luz.

“Una serena pasión” es una historia triste, un relato que muestra a una persona que se siente oprimida, que percibe que no encaja en el mundo, algo que le produce angustia y una serie de otros sentimientos que la hacen canalizar su alma a través de una poesía fina y aguda que a la postre le resultará liberadora. También, la película ejemplifica lo que significa la carencia, en este caso espiritual, lo que conduce a Emily a través de diferentes rumbos, muchas veces contradictorios, en una búsqueda incansable de certezas y encuentros personales a través de un arte especialmente complejo.

Debo reconocer que me costó empatizar con Emily Dickinson a pesar de la actuación protagónica consistente que realiza Cynthia Nixon. Tal vez, en parte, es por la representación de su edad. Creo que la presentan muy mayor siendo aún joven con el fin de cubrir más años, situación que me parece un poco forzada y encasillada. Asimismo, percibo la construcción de los personajes secundarios bastante lejana, aunque caracterizados a través de contrapuntos clave; el padre y la madre, el hermano y la hermana, y por supuesto su mejor amiga.

En un aspecto importante, el aislamiento se encuentra bien representado, describe certeramente ese mundo interior abyecto, por momentos insufrible, cuyo único escape se encuentra en la expresión de palabras que cobran sentido al unirse con exuberante belleza. Asimismo, me llama la atención la ausencia de música o banda sonora en grandes secciones del metraje. No comprendo la decisión, me hizo falta, sobre todo en largas escenas que, pienso, habrían ganado mucho con una apropiada sonoridad acompañante, no central, en un plano diferente, compuesto, orquestado, para destacar movimientos o declamaciones.

Como no logré empatizar, me faltó más cercanía, más profundidad y más puntos de unión en esta historia. Estimo, también, que en ocasiones su poesía se hace difícil de seguir, debido a sus traducciones más literales que poéticas, algo que perturba y no permite apreciar el vuelo propio del idioma original.

El director Terence Davies se arriesga con este trabajo. Su ritmo cansino y por momentos de muy baja tensión, tiende a caer en algunos baches narrativos de los que cuesta sobreponerse. Sin embargo, y aun así, logra entregar una ventana a la historia de esta reconocida poeta, a través de una perspectiva personal que posiblemente nos incentive a descubrirla en otros aspectos y a conocer más de su vida y obra.

Ficha técnica

Título original: A Quiet Passion
Año: 2016
Duración: 125 minutos
País: Reino Unido
Productora: Hurricane Films, Potemkino
Género: Drama | Biográfico. Literatura. Siglo XIX
Guion: Terence Davies
Fotografía: Florian Hoffmeister
Reparto: Cynthia Nixon, Jennifer Ehle, Duncan Duff, Keith Carradine, Jodhi May, Joanna Bacon, Catherine Bailey, Emma Bell, Benjamin Wainwright, Annette Badland, Rose Williams, Noémie Schellens, Miles Richardson, Eric Loren
Dirección: Terence Davies

Atrapados en Japón - Por Jackie O.

"Siempre hay historias de contar".

Un documental interesante, nos cuenta en su premisa que en el año 1941, seis periodistas chilenos fueron invitados a recorrer Japón, China y otros lugares, con el fin de crear lazos y principalmente que la imágen de ese sector del oriente fuera mejor vista por otros países, en una época delicada en plena segunda guerra mundial.

La periodista y cineasta, experta en stop motion Vivienne Barry, nos cuenta la historia de su padre, Carlos Barry, quien falleció cuando ella tenía 10 años. No lo conoció lo suficiente, pero en el trancurso de los años ha encontrado dentro de sus pertenencias una vida de él que no conocía del todo, y trata de recrearla.

El relato se acompaña con imágenes de archivo, fotografías, diarios y videos, además figuras en stop motion, lo cual es agradable a la vista. También cuenta, con voz en off, gran parte de la propia Vivienne quien nos va relatando lo que vemos, y una voz masculina, Juan de Dios Spoerer, quien hace del padre hablando en algunos momentos.

Sabemos que Carlos Barry embarcó junto a cinco periodistas más, a efectuar una visita de tipo diplomática, él no sabe por qué ellos fueron elegidos, está nervioso pues es el más joven y sin mucha experiencia. Estuvieron viajando aproximadamente dos meses en un barco de lujo.

Llegando a Japón fueron recibidos con las solmenidades correspondientes. Vivió experiencias inolvidables que lo regocijaron, desde concurrir a reuniones y conocer la ciudad, hasta ver un espectáculo de geishas que lo dejó hipnotizado.

Su viaje a China fue diferente, la solemnidad era de tipo militar, no había hoteles lujosos y el ambiente era más tenso. Vio mucha decadencia humana en el camino.

Todo lo que vemos es relatado por nuestros locutores. Vivienne, además, concurre a alguno de esos lugares, ya que quiere saber más, sentir más lo que vivió su padre, esa experiencia que lo marcó según sus notas.

Cuando Carlos Barry iba a volver a Chile debido a que la gira queda suspendida por conflictos internacionales, ocurre el ataque a Pearl Harbor, un hecho que conmocionó todo. Estos periodistas se embarcaron en un buque de evacuación donde ibansde todo tipo de personas, de presos hasta monjas, en un barco que era para 200 iban 600 personas. Ya no hay lujos como la ida a Asia, volver a Chile fue de sacrificio e incertidumbre. Estaban en plena guerra, en aguas peligrosas.

Un interesante documental por sus antecedentes, por esos recuerdos que nos muestran la experiencia de un joven que fue a un rincón de Asia en un momento totalmente convulsionado.

Bien editado, con buena mezcla de técnicas cinematográficas en fotos-video, personas-figuras animadas, música-silencio.

La parte negativa, para mí, de este documental, es la voz de locución de la misma, Vivienne, la cual es sin fuerza, sin entusiasmo, más bien letargada, sin delicadeza, sin nada. Si no fuera por el buen trabajo visual, y la historia que vamos conociendo, se habría caído solo por su baja calidad en la locución.

Disponible en OndaMedia.cl

Ficha técnica 

Año: 2015
Largometraje documental
Duración:  70 minutos
HD / Color
Dirigida por Vivienne Barry
Guion: Renato Villegas y Vivienne Barry
Dirección de fotografía: Arnaldo Rodríguez
Montaje: Danielle Fillios y Fernando Valenzuela Quinteros
Dirección de arte: Barbara Perelman
Sonido: Nadine Voulliéme
Música: Njo Kong Kie
Animación: Gabriela Villalobos y Vivienne Barry

Westworld - Por Jackie O.

"¿Cumplir fantasías o jugar a ser Dios?"

Estamos ante una serie que está basada en un libro del mismo nombre de Michael Crichton (quien ha escrito varias obras, muchas llevadas a la pantalla), libro que el mismo autor llevó al cine el año 1973.

Una serie de 3 temporadas, pero que en esta oportunidad hablaré solo de la primera. Y en otro post me podré al día con las otras.

La serie tiene lugar en Westworld, un parque de fantasía técnicamente avanzado, donde viven robots artificiales muy similares a los humanos, llamados "anfitriones", y están destinados a satisfacer los deseos de los visitantes ricos que van llegando al lugar, "los huéspedes". Estos recién llegados pueden hacer lo que quieran dentro del parque, sin temor a represalias por parte de los anfitriones.

Todo va bien, según lo programado, durante años, y los encargados del parque tienen un dominio completo sobre los robots, hasta que un día, cuando una actualización del sistema de las máquinas sale mal, sus comportamientos comienzan a sugerir una nueva amenaza como conciencia artificial al darse cuenta de su verdadera naturaleza.

Una serie de ciencia ficción que combina los mundos vaquero y futurista de muy buena forma. Su guion es atrapante, pero va de a poco introduciéndonos en la historia hasta tornarse adictiva.

Su puesta en escena es deslumbrantes. Vestuario y maquillaje muy destacable. Y qué decir de las actuaciones, un elenco formidable.

Con capítulos complejos, llenos de ideas filosóficas, de la vida y muerte, puede que en algún momento sientas que la trama sea confusa con sus temas simbólicos y de espacio-tiempo, ya que se plantean casi todos los temas fundamentales y retóricos de la humanidad: la entropía de la vida humana, el amor y el odio, padres e hijos, la religión y la fe en Dios, la globalización, la robotización, la absorción de la microeconomía de los estados por las supercorporaciones, control de la información, el libre albedrío, bondad, maldad y más.

Es una historia muy interesante.

Sí, hubo algo en que puedo reparar, y fue su último capítulo, el que no tuvo la fuerza con la cual nos mantenía inmersos la serie, su ritmo fue diferente. Pero eso no deja que existan ganas de ver pronto la próxima temporada. Y tal vez para otros puede que sea una trama confusa y la dejen a mitad de camino, por que sí, toca muchos temas, no es solo una ciencia-ficción para entretención.

Disponible en HBO.

Cuenta con diversos premios.

Ficha técnica

Género: Ciencia ficción, Wéstern
Directores: Jonathan Nolan y Lisa Joy
Basado en Westworld de Michael Crichton
Protagonistas: Evan Rachel Wood, Thandie Newton, Jeffrey Wright, James Marsden, Luke Hemsworth, Rodrigo Santoro, Angela Sarafyan, Ed Harris, Anthony Hopkins, Ben Barnes, Tessa Thompson, Gustaf Skarsgård, Aaron Paul, Vincent Cassel
3 temporadas
Primera temporada llamada "El laberinto" de 10 episodios
Año: 2016

Encanto - Por Juan Pablo Donoso

Exuberante largometraje animado, pleno de magia, música, bailes y canciones. ($150 millones de dólares). 

Ambientada en las montañas de Colombia, narra una historia de realismo mágico claramente inspirada en las fantasías de Gabriel García Márquez.

La protagonista es una niñita llamada Mirabel quien, además de ser la primera heroína de Disney que usa anteojos, tiene la desgracia de ser la única habitante de su aldea sin poderes sobrenaturales.

Encanto es una comarca maravillosa que ha bendecido a todos los niños y niñas con los dones de súper fuerza hasta el poder de sanar. Viven felices y en plena armonía. La matriarca es la adorable abuelita de Mirabel a quien todos veneran.

Un día se rumorea que la magia de Encanto corre peligro. Será, entonces, la pequeña Mirabel quien, gracias a que carece de poderes, iniciará una investigación llena de peligros para salvar a su pueblo.

La trama es compleja, con una anécdota dentro de otra, pero siempre grata y comprensible para todo espectador.

Luego de recorrer una maraña de leyendas folclóricas, llegará donde un tal tío Bruno, profeta maldito y borracho, capaz de convertir los sueños en realidad, y de augurar lo bueno y lo malo por venir.

Lo que Mirabel descubre y aprende de este tío Bruno, exiliado del pueblo y ermitaño, será la salvación para el futuro de su aldea. Se revela que las facultades feéricas de la dulce Abuelita, eran sólo el producto de su frustración amorosa juvenil; que como consuelo concibió este mundillo perfecto llamado Encanto, pero que, tarde o temprano, surgiría la Realidad, con sus sombras, pero también con luces aún más redentoras.

Falso Encanto= ensoñación general. Verdadero Encanto= una Realidad mejor que la imaginada.

Excelente animación: admirables y sutiles expresiones faciales para expresar emociones. Abundante, pero bien dosificado alarde de folclore colombiano en que, desde plantas hasta animales, forman un tejido cultural frondoso, lleno de enseñanzas y tradición.

“A veces, los que parecen menos dotados llevan oculta la semilla de la Felicidad Verdadera. Nos remiten al Origen, y por ello son los auténticamente Originales”.

DELEITARÁ A GRANDES Y CHICOS POR SUS MUCHOS NIVELES DE LECTURA, HUMOR Y BELLEZA. UN GRAN FILME DE ANIMACIÓN. 

Ficha técnica

Fantasía musical 

EE.UU. - 1,39 hrs. 

Música: Lin-Manuel Miranda; (canciones); Germaine Franco; (partitura) 

Diseño Prod.: Lorelay Bove, Ian Gooding 

Guion: Jared Bush, Charise Castro Smith 

Voces: Stephanie Beatriz · ‎Diane Guerrero · ‎Wilmer Valderrama · ‎Mauro Castillo 

Directores: Byron Howard, Jared Bush

Eternals - Por Jackie O.

“El eterno mundo Marvel”. 

Como les he dicho en otras oportunidades, cuando vemos una película Marvel, los directores y guionistas de ella no inventan lo que veremos, ya que es tomado de un "comic". Comic que no es literal a la pantalla, y que a los puristas le puede generar cierta preocupación, pero la idea principal está ahí.

“Los Eternos” nacieron en un comic del año 1976, el cual fue creado por Jack Kirby (Capitán América, Kamandi, otros).

Muchos de los personajes que veremos, ya los hemos visto o escuchado nombrar en otras películas Marvel, por lo que si hemos estado atentos o somos de esos grandes seguidores, no nos son indiferentes.

Y ¿qué nos cuenta esta película? Los Eternos nacieron hace miles de años y viven con los humanos sin interferir en sus decisiones, hasta que un día determinado, aparecen los “desviantes”, unos seres monstruosos que creían extintos, sus enemigos. Eso genera que estos Eternos, que desde hace muchos años la mayoría no se ven, se deban juntar para combatirlos y que no dañen la tierra.

10 Eternos: Sersi, Ikaris, Kingo, Sprite, Phasos, Makkari, Druig, Gilgamesh, Thena y su líder Ajak, más bien la última, es la encargada de orientar a los Eternos, porque esta puede conectarse con su “Dios” (los celestiales).

Cada Eterno tiene sus determinados poderes, que juntos son invencibles. Y es necesario que esta vez vuelvan a luchar con los que serían sus enemigos.

Veremos mucha acción, propio de estas películas. Dicha acción nos mantiene atentos, pues los efectos visuales son interminables, algunos de esos efectos muy bien logrados, pero otros notorios y casi de principiantes, que para mí es incómodo.

El guion se basa en muchos temas e historias entre pasado y presente fácil de seguir, pero respecto a cada uno de ellos, como personas, se trata de abarcar a todos pero es imposible, y queda al debe con ellos, pues son 10 personalidades diferentes, cada quien con su historia, una nutrida historia psicológica que es necesario contar para acercarnos a su personalidad y, por ende, poder empatizar con ellos, por lo que perfectamente se puede hacer una película individual. Mucha filosofía, incluso religiosa, vemos, pero el guion es irregular, baja y sube de ritmo e interés, sin profundizar en temas relevantes y alargando innecesariamente algunas escenas.

El vestuario, maquillaje y peinado son bellos, aunque muchos no se ajustan a los vestuarios reales, así como los personajes propiamente tal. Deteniéndome en esto, la “inclusión” es casi obligatoria en estos días, en Eternos "comic" son solo dos mujeres, el resto son hombres. Y sobre nacionalidades, orientación sexual o discapacidad auditiva que vemos en la película, no se configuran en el comic, por lo que hoy en día creen los directores que si es inclusivo será bueno: error.

La música es buena y acompaña bien de parte Ramin Djawadi (Iron Man, Juego de Tronos).

En cuanto a las actuaciones, la mitad buena e interesante. Creo que se desperdiciaron a buenos actores.

La dirección, acá, estuvo regular, Chloé puede dar más porque ha hecho buenos trabajo.

Y como señalé, el guion no es del todo interesante. Los superhéroes no se ven tan superhéroes y los villanos ni tan villanos.

Creo que Kirby podría estar revolcándose en su tumba luego de verla.

Para quienes no conocían la existencia de los "Eternals", o desconocen su historia, la encontrarán buena, y hasta excelente. El resto, somos más detallistas al respecto.

Cumple con entretener, en términos generales, sí.

Por último, poner atención a las voces de los personajes que fueron hechos con CGi.

Y ojo, se los he dicho muchas veces, cuando se trata de películas Marvel y DC, no se muevan de sus sillas hasta que la pantalla se apague (no las luces), ya que en este caso hay dos escenas post crédito.

Disponible en cines.

Ficha técnica

Dirección: Chloé Zhao
Guion: Chloé Zhaonota, Patrick Burleigh, Ryan Firpo y Kaz Firpo
Basada en Los Eternos de Jack Kirby
Música: Ramin Djawadi
Fotografía: Ben Davis
Montaje: Craig Wood y Dylan Tichenor
Género: Cine de superhéroes, Acción, Ciencia ficción, Aventura
Duración: 2 horas 37 minutos
Año: 2021
Reparto: Angelina Jolie, Richard Madden, Salma Hayek, Kumail Nanjiani, Lauren Ridloff, Brian Tyree Henry, Ma Dong-seok, Lia McHugh, Gemma Chan, Barry Keoghan, Kit Harington

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 26 de noviembre 2021

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

Eternals - Por Carlos Correa

En esta nueva fase del Marvel Cinematic Universe (MCU) -esta es la película número 26-, observamos a diez “Eternos” que llevan más de 7.000 años en la Tierra. Como seres inmortales, han sido enviados por el Celestial Arishem para exterminar a los Desviantes y ser custodios de la raza humana a través de los siglos. Aunque no han influido directamente en la historia de la humanidad, siempre han estado presentes en los grandes eventos protegiendo a los seres humanos ya que existe un fin último que incluso ellos mismos desconocen. 

Un incidente en el Londres actual, donde viven dos de ellos, Sersi y Sprite, desencadena la acción. Los Desviantes parecen haber regresado, esta vez con más poder aún, lo que representa una amenaza que no pueden enfrentar en forma separada. Ikaris, que se había alejado de Sersi hace más de 500 años, acude y les brinda auxilio, sin embargo sus temores se acrecientan y la necesidad de que el grupo se vuelva a reunir se torna apremiante.

Esta mega producción de Marvel posee una propuesta diferente, arriesgada y por tanto controvertida. Los efectos especiales, las peleas, las batallas y toda su parafernalia, se encuadra dentro de lo que ya conocemos, sin embargo esta entrega tiene tiempo para profundizar en las relaciones entre sus protagonistas y también algo más en sus historias personales.

La directora Chloé Zhao apuesta por desarrollar la intimidad de sus personajes más que sus emociones. Posee muchos momentos calmos y apacibles, donde incursiona en detalles y aspectos propios de cada personaje, entregando contexto al metraje y aportando datos fundamentales para comprender los súper poderes y el recorrido histórico de cada uno.

La historia principal es la de Ikaris -Richard Madden-, y Sersi -Gemma Chan-, quienes fueron pareja sentimental por miles de años pero que ahora se encuentran separados hace ya bastante tiempo. En ellos se encuentra un núcleo argumental y emocional que es rodeado por todos los demás protagonistas. Progresivamente vamos descubriendo sus papeles y su ubicación en la trama, mientras que el guion se encarga de la elaboración del resto de los Eternos sin prisa y con bastante espacio para cada uno.

La película incursiona en la mitología, en las religiones, en las costumbres, en la historia, y en la evolución humana. Presenta deidades -como Arishem- que dirigen los destinos del universo y somete a prueba los valores de la lealtad y la obediencia. También, pone en relieve la rebelión ante un destino indiscutido, y lo que significa un cambio de curso de los hechos (acción - reacción) que trae inesperadas consecuencias. El relato, además, se cuestiona sobre si la eternidad es algo positivo o bien una carga insalvable, algo que ronda permanentemente durante toda la extensión de la cinta.

Con un ritmo frenético bien orquestado, cuando propone hacer pausas se perciben correctamente, a las que agrega toques de un humor especial que logra distender el ambiente en varias oportunidades. La película funciona bien, pasa rápido y es muy entretenida. Cumple con los códigos de Marvel y además aporta una mirada diferente. Como es un producto nuevo, una historia nueva, tal vez cueste un poco más de entrada. Necesita tiempo y desarrollo, no es todo automático y son muchos los personajes involucrados. Además, siendo una historia posterior a “End Game” plantea nuevos escenarios y enfrenta, con ello, nuevos desafíos.

Por cierto es Marvel. Hay escenas post créditos y esta vez son dos. Y son importantes para enlazar y vislumbrar lo que vendrá, porque el MCU se sigue expandiendo y su entretenimiento a gran escala, en pantallas gigantes, con movimiento, efectos especiales y 3D crece cada día más.

Ficha técnica

Título original: Eternals
Año: 2021
Duración: 157 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Marvel Studios, TSG Entertainment. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Fantástico. Aventuras. Acción. Ciencia ficción | Cómic. Marvel Comics: Guion
Chloé Zhao, Matthew K. Firpo, Ryan Firpo, Patrick Burleigh. Cómic: Jack Kirby
Música: Ramin Djawadi
Fotografía: Ben Davis
Reparto: Angelina Jolie, Richard Madden, Gemma Chan, Kit Harington, Kumail Nanjiani, Salma Hayek, Barry Keoghan, Brian Tyree Henry, Ma Dong-seok, Lia McHugh, Lauren Ridloff, Haaz Sleiman, Lucia Efstathiou
Dirección: Chloé Zhao

Vogue: La mirada del editor - Por Jackie O.

“La biblia de la moda”.

Conocida por el mundo entero, deseada por muchos, placer culpable de otros, negada para ser vista a escondidas, odiada, envidiada, pero no pasa desapercibida. Ya se los adelanté, es conocida como la “biblia de la moda”, es nada más ni nada menos que, la revista Vogue.

Este documental se realizó para conmemorar los 120 años de historia de la primera publicación, donde es contada a través de sus editoras de moda.

La revista Vogue se publicó en 1892, y su fundador fue Arthur Baldwin Turnure. Y de a poco comenzó su popularidad, convirtiéndose en lo máximo en la época de la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial. Un sueño brillante y glamoroso hasta hoy, donde Ana Winter, su actual editora jefe, se convirtió en la mujer más poderosa de la revista (y el mundo), y ha mantenido en la cima durante más de 30 años esta revista.

¿Qué es ser editora de moda?

Es la primera pregunta, difícil de responder por parte de nuestros entrevistados.

Pero son los encargados para que cada toma, cada imagen, cada prenda, cada accesorio, cada aspecto de la naturaleza, y cada persona, luzca, resalte. Vende belleza y glamour.

Lo interesante de este documental es que tenemos una visión de Vogue de primera fuente, es decir, de las editoras del pasado y presente, donde cada una de ellas tiene su propia visión del mundo y de la belleza, dedicando toda su energía a una sola toma, a esa toma perfecta.

Un documental que puedes creer que es frívolo solo por ser de moda, que vez lejos de tus gustos, o que encuentres que daña tu "intelecto". Te cuento que estamos ante creatividad, de arte, mostrado desde el punto de vista de profesionales de la moda.

De ella saltaron a la fama muchas modelos y actrices, donde la belleza y elegancia estaba escrito en todos lados.

Muy entretenido trabajo, con grandes, poderosas, bellas mujeres, y exitosas profesionales editoras de moda de Vogue en los últimos 50 años.

Bien editada, con soltura, buenas imágenes.

En el documental participan grandes y talentosas editoras como Anna Wintour, Babs Simpson, Grace Coddington o Camilla Nickerson. Son las protagonistas junto a su visión particular del mundo de la moda desde la icónica e influyente revista. También hay intervenciones de: Hamish Bowles, Grace Coddington, Carlyne Cerf de Dudzeele, Alber Elbaz, Nicolas Ghesquiere, Tonne Goodman, Marc Jacobs, NicoleKidman, Polly Allen Mellen, Camilla Nickerson, Sarah Jessica Parker, Phyllis Posnick

Disponible en Movistar Play y HBO.

Ficha técnica

Título original: In Vogue: The Editor's Eye
Año: 2012 

Duración: 60 minutos
País: EEUU
Dirección: Fenton Bailey, Randy Barbato
Música: David Benjamin Steinberg
Fotografía: Tom Curran
Documental, peridismo, moda

El misterio de Soho - Por Carlos Correa

El amor que tiene Eloise "Ellie" Turner -Thomasin McKenzie-, por todo lo que evoque la moda y la música de los años sesenta, la lleva a querer ser una diseñadora de alta costura. Es un sueño para ella. Con el fin de cumplir su propósito, se traslada, desde una localidad rural cerca de Redruth, a Londres para iniciar sus estudios en el “London College of Fashion”. 

De vivir sola con su abuela -su madre se suicidó cuando Ellie era pequeña-, a vivir con otros estudiantes, representa un mundo de diferencia, por lo que la cohabitación en departamentos compartidos no resulta grato en lo absoluto para esta joven, que tiene una personalidad más bien tímida e introvertida. Buscando tranquilidad e independencia, Ellie arrienda un viejo cuarto en Goodge Place, propiedad de una anciana llamada Alexandra Collins -Diana Rigg-.

El lugar elegido tiene su historia. Es un edificio antiguo situado en lo que alguna vez fue el centro de atención del Londres añorado, algo que a Ellie le llama la atención desde un principio y con lo que ella conecta inmediatamente. Tanto es así que, literalmente, se transporta a esos años. Se ve ella misma como una joven rubia llamada Sandie -Anya Taylor-Joy-, que quiere ser estrella, cantante y figura central en un bar frecuentado por un exitoso gerente llamado Jack -Matt Smith-.

Inspirada en Sandie, Ellie comienza a diseñar un vestido que le trae nuevas visiones. Mientras tanto, en las noches, la reconexión con ese pasado es cada vez más vívida y alucinante, al interior de un mundo que comienza a develar personajes que ocultan historias, en un ambiente cargado de misterios, secretos e historias de abuso.

Edgar Wright dirige un thriller psicológico que atrapa, donde el juego de planos y de roles provoca un genuino desdoblamiento. La propuesta implica una inmersión profunda en mundos diferentes, superpuestos y enfrentados. Estéticamente luminosa y bien lograda, la película ofrece una muy buena recreación de ambientes, lo que junto a una edición vertiginosa y a coreografías atractivas, captura nuestra atención desde el primer minuto. El tratamiento audiovisual también es poderoso, impacta gracias al uso de luces intermitentes, a la utilización de variadas sombras y sonidos en alto volumen, reflejando gráficamente los permanentes contrastes que se quieren evidenciar.

Las actuaciones protagónicas, tanto las finas y delicadas como las fuertes y decididas, resultan convincentes. Thomasin McKenzie y Anya Taylor-Joy brillan en sus roles, con amplios dominio de sus campos de acción, en una simetría y fusión que resulta única. Por otro lado, la configuración de los personajes secundarios si bien no destaca del todo, entrega sustento al metraje en el contexto de un escenario que por momentos se repleta de acciones que auscultan el ambiente de los 60, mostrando sus vicios, sus dobles estándares, su brillo externo y la podredumbre interna.

La dirección de Wright avanza con mano firme, distintiva, con buen ritmo y elevada tensión. La filmación produce temor sin el uso de herramientas evidentes, ya que. sin caer en típicos clichés, deja sentir el horror que perciben sus protagonistas.

Con un claro énfasis en lo femenino, en esa figura que se empodera y se revela ante el abuso y la adversidad, “Last Night in Soho” provee una trama sencilla, incluso no difícil de prever, ofreciendo novedad y frescura con giros y vueltas interesantes, en un estreno que resulta ser un verdadero aporte a la cartelera actual.

Ficha técnica

Título original: Last Night in Soho
Año: 2021
Duración: 118 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Complete Fiction, Focus Features, Film4 Productions, Working Title Films
Género: Thriller. Fantástico | Thriller psicológico. Viajes en el tiempo
Guion: Krysty Wilson-Cairns, Edgar Wright
Música: Steven Price
Fotografía: Chung Chung-hoon
Reparto: Thomasin McKenzie, Anya Taylor-Joy, Matt Smith, Terence Stamp, Diana Rigg, Rita Tushingham, Synnove Karlsen, Joakim Skarli, Andrew Bicknell, Colin Mace, Michael Ajao, Will Rogers, Will Rowlands 
Dirección: Edgar Wright

Chernobyl - Por Jackie O.

"Ciencia, política, humanidad"

La serie gira en torno al desastre nuclear de Chernóbil de abril de 1986, y los esfuerzos de limpieza sin precedentes que siguieron.

Un hecho verídico siempre es interesante llevarlo a la pantalla, y es mejor cuando el trabajo queda bien realizado como esta miniserie.

Un trabajo delicado y potente a la vez, ágil y contemplativo, doloroso y profundo. Sientes muchas emociones, que a veces pueden ser contradictorias, pero esa sensación de incertidumbre, aunque conozcas la historia, provoca angustia. Ese dolor que te envuelve es gracias a una buena edición, con un guion potente, en un gran trabajo investigativo, que lo hace tan real como lo vivido, que lo hace incluso didáctico para que sea entendido por todos. Una buena dirección, excelente casting, la ambientación efectuada te transporta, vestuario y maquillaje bien, imposible que no te involucres en cada capítulo ante este doloroso relato bien contado. Sabe mantener la tensión y el efecto dramático es fascinante.

Una historia donde el hombre se cree Dios, donde en ciencia y poder quieren ser los primeros a toda costa, cuando algunas personas pasan a ser nada para los cabecillas, y cada quien se las arregla lavándose las manos para tratar de salvarse como puedan de las responsabilidades. Y el hecho de ser desenmascarados, nos produce una sensación de pequeño triunfo.

¿Qué habremos aprendidos como seres humanos, en cuanto a alta tecnología química, nuclear u otros? ¿Cuánto nos interesa el planeta o las personas para cuidarlas y no exponerlas?

Parece que nada. Todo sea por la política, las apariencias, y el poder por sobre todo. Nos seguiremos cayendo una y otra vez sin entender.

Una historia humana, cada capítulo nos sumerge no solo en una historia de un hecho que afectó a millones, sino que nos involucra con los partícipes, cada quien tiene algo que aportar, cada quien trabaja su rol adecuadamente.

¿En qué podría fallar? En que algunos capítulos se pueden hacer densos de acuerdo a la etapa que se esté narrando, que muchas veces es de constante diálogo profundo, más que de imágenes catastróficas que muchos esperan.

Una miniserie imperdible.

Datos curiosos:

La serie se investigó exhaustivamente, pero hay hechos no efectivos y los usaron para realzar la historia, como la presencia de Legasov en el juicio.​ Además, en el epílogo, se reconoce que el personaje de Ulana Jomiuk es ficticio, un compuesto de múltiples científicos soviéticos.

Dicen que el Partido Comunista de Rusia pidió una demanda por difamación contra el guionista, director y productores de Chernóbil, describiendo el espectáculo como "desagradable".

Miniseria disponible en HBO Max.

Ficha técnica

Creado por Craig Mazin
Basado en Voces de Chernóbil de Svetlana Aleksiévich
Guion por Craig Mazin
Dirigido por Johan Renck
Género: Drama
Año: 2019
5 capítulos
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía: Jakob Ihre
Reparto: Jared Harris, Stellan Skarsgård, Emily Watson, Paul Ritter, Jessie Buckley, Robert Emms, Adam Nagaitis, Sam Troughton, Adrian Rawlins, Con O'Neill, Joshua Leese, Ross Armstrong

Cocodrilo - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Es la historia de Alicia (Marta Bayarri), una madre que, como cada tarde, se prepara un té y ve su canal de Youtube preferido, "VictorGaming", dedicado a videojuegos de rol de acción, donde el youtuber Víctor (Alejandro Bordanove) retransmite un directo y los fans pueden hacerle preguntas.

Breve historia pero intensa; al comienzo no lo parece, se desarrolla y refleja toda la historia de un una familia, no podemos decir mucho de ella, pero denota la soledad de cada uno de los personajes, de un padre que se aleja con sus preocupaciones y una madre que, de alguna manera, busca mantener un vínculo, aunque sea virtual con aquel ser que ama…

Inicialmente no sabemos qué sucede en ese hogar. Lentamente se va develando la trama, no necesita más tiempo cinematográfico para mostrar una pareja dañada y en soledad (sus protagonistas). Con ciertos movimientos apreciamos que ocurre algo oculto hacia el otro, eso hace interesante al guion para finalmente descubrir el desenlace.

Los dos protagonistas principales no necesitan más que los encuadres en primer plano para que nos describan emociones y acciones que van escribiendo una dolorosa vida de distanciamiento y soledad. No sabemos qué ha sucedido, pero podemos especular, seguramente. Prejuicios de unos y opciones personales de otros, han provocado esta ruptura que, como todo quiebre, provoca daños emocionales y relacionales entre los involucrados.

Finalmente, siempre debe quedar algún espacio que permita entablar una conversación y volver a reencontrase, con un gesto, o una palabra que produzca el apoyo, el reencuentro,  expresando que son importantes en nuestras vidas. En otras palabras, que no importa lo pase, los amamos y que su hogar es el espacio más seguro. Ese será un momento de vuelta a lo más profundo de la humanidad.

Corto más que interesante para reflexión personal o en familia, para enfrentar situaciones parecidas.

Disponible en YouTube 

Ficha técnica

Cocodrilo 
Año: 2019 
País: España 
Duración. 4:48 

Cortometraje- ficción 
Director: Jorge Yúdice 
Guion: Jorge Yúdice 
Reparto: Marta Bayarri, Alejandro Bordanove 
Música original: Truffle music 
Dirección de Fotografía: Julieta Lutti 
Género: Drama, padres e hijos 
Productora: Coproducción España-Alemania; Japonica Films

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 19 de noviembre 2021

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Alejandro Caro en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

La Crónica Francesa - Por Juan Pablo Donoso

Una sátira surrealista cautivante, con personajes excéntricos, insertos en un guion poderoso. 

La estética, la música, las actuaciones y el simbolismo la colocan en un alto nivel artístico.

Su realizador Wes Anderson - Moonrise Kingdom - 2017 (SIGNIS -4/10/12)) - Los Tennenbaums -2001- se supera en cada nueva película que hace.

Son tres crónicas periodísticas sobre la Francia de mediados del siglo XX, escritas para un diario de Kansas, cuyo propietario y editor (un abúlico Bill Murray) solicitó a sus más agudos reporteros.

Con una galería de actores famosos, provenientes de diversos países, casi todos con breves intervenciones, se logra un caleidoscopio global de la época, rico en ironías y con múltiples lecturas.

Hay un guiño constante al espectador. Es un juego socarrón. Manipula anacronismos, colores, desplaza paredes de fondo para cambiar de escenarios. Salta sin aviso del color al blanco y negro. Hasta se da el capricho de pasar al dibujo animado para después recuperar la imagen realista.

Los actores parecen divertirse con esta aventura creativa (aunque dudo que entendieron el fondo de la historia completa… ¡y tal vez ni siquiera después, al ver la película terminada!).

Con inteligencia, humor e ingenio, Anderson reconstruye un mundo que combina la fantasía con lo concreto para demostrarnos lo inevitablemente paradójica que puede ser la humanidad de nuestros tiempos.

A ratos el autor debería calmarse un poco en su vuelo para facilitarle la comprensión a ciertos espectadores menos acostumbrados a estos malabarismos formales. Sin embargo, son muchos más los aciertos que las incógnitas.

Anderson señala que su nueva película tiene tres fuentes de inspiración: la prestigiosa publicación estadounidense The New Yorker, el cine francés y la estética de Francia, su nuevo país por adopción.  

Es para verla más de una vez. Sería extenuante tratar de captar todas las ideas y sutilezas a la primera. Por eso recomendamos DISFRUTARLA más que DESCIFRARLA.

AMENA, LÚDICA E INTELIGENTE POR EXCELENCIA.

Ficha técnica

Título Original: The French Dispatch

Año: 2021 

Género: Tragicomedia, surrealismo, romance 

País: EE.UU., Alemania

Duración: 1,48 hrs 

Fotografía: Robert D. Yeoman 

Edición: Andrew Weisblum 

Música: Alexandre Desplat 

Diseño Prod.: Adam Stockhausen 

Guion: Wes Anderson, Roman Coppola,Hugo Guinness, Jason Schwartzman 

Actores: Benicio del Toro, Adrien Brody, Tilda Swinton, Frances McDormand, Bill Murray 

Director: Wes Anderson

Finch - Por Carlos Correa

Disponible en Apple TV+

Estamos ante una película sensible y humana, que pone énfasis en el valor de la enseñanza.

“Finch” nos presenta a Finch Weinberg -Tom Hanks-, un ingeniero robótico que logra sobrevivir en un subterráneo de St. Louis. El mundo exterior es inhabitable producto de una explosión solar que destruyó la capa de ozono hace ya algunos años. Finch solo sale a buscar suministros, y evita la radiación ultravioleta extrema, cubierto con un traje protector que le aísla de temperaturas superiores a los 70 grados Celsius.

En casa, vive su perro Goodyear junto a un pequeño ayudante robot llamado Dewey. Finch está preocupado pues está enfermo y sabe que tarde o temprano dejará a su perro solo. Por ello, desde hace ya un tiempo, se ha propuesto crear un avanzado robot humanoide para que pueda hacerse cargo de Goodyear cuando ya no esté para cuidarlo. El trabajo va bien, la información se va cargando progresivamente y el robot -Jeff- comienza a dar sus primeros pasos, sin embargo una gran tormenta, que amenaza con destruir todo a su paso, los obliga a abandonar el protegido refugio en busca de un sitio aún más seguro. De ese modo, Finch, Goodyear, Dewey y Jeff, emprenden viaje a bordo de una casa rodante rumbo a San Francisco, para huir del peligro con la esperanza de encontrar nuevos horizontes.

El mundo que relata esta cinta dirigida por Miguel Sapochnik se encuentra desolado. No se puede estar al aire libre, el sol quema, la tierra es sencillamente inhabitable. Son tantas las películas que retratan un post-apocalipsis de manera similar que, la verdad, parece que tenemos bastante claro hacia dónde nos dirigimos si no hacemos nada para evitar el cataclismo. El punto es que parece que igual no entendemos nada, pese a las majaderas advertencias realizadas en todos los tonos y a través de diferentes mensajes en variados formatos. Finch es tal vez el último humano, no sabemos, pero sin duda transmite un cuestionamiento fundamental: ¿qué hacer en esa condición? Pues bien, Finch se preocupa por su perro, sabe que lo dejará solo y necesita encontrar una solución, es decir, alguien que lo cuide.

La película muestra soledad, pero también explora acerca de las relaciones. La primera, la de Finch consigo mismo, en introspección y reflexión. Luego, la cercanía y cariño con Goodyear -que se roba la atención por sus tiernas escenas-, y también con la mascota robot Dewey. Finalmente, y en un desarrollo extenso, la cinta se centra en la creación de Jeff, sus primeras acciones, su incompleta formación y su necesidad inicial de apoyo. Jeff requiere guía a pesar de tener mucha información pues carece de ejemplos para tomar decisiones. En este sentido, observamos el traspaso de valores que realiza Finch, tanto en la teoría como en la práctica, lo que contribuye a que este nuevo robot aprenda lecciones fundamentales sobre el amor, la amistad, el significado de la vida y el comportamiento humano.

De estos tres protagonistas, Hanks llena la pantalla con su despliegue emocional. Jeff lo complementa, desde su torpeza inicial, y luego con esos gestos humanos esenciales que comienza a descubrir y desarrollar durante el viaje. Goodyear -el perro Seamus-, aporta el componente de dulzura, mientras que la música de Gustavo Santaolalla llama a la calma y reflexión durante el metraje.

¿Es pesimista u optimista está cinta? Resiste y también acepta miradas diversas. Apunta, por un lado, a la responsabilidad humana en la catástrofe ambiental, acusa inacción, cuestiona la forma de resolver algo que era anticipadle y evitable. Asimismo, por otro lado se pregunta si se puede seguir adelante pese a todo, es decir, encontrar sentido, o tal vez un nuevo sentido, quizás basado en pequeños detalles que marquen la diferencia.

Llama la atención el comportamiento robótico de forma humana que tiene Jeff. Gran mérito del actor Caleb Landry Jones, que es quien da vida a los movimientos del robot. Además de cercano, se siente su compañía, su condición de partner, y de criatura, en una relación simbólica hijo-padre, que se hace cada vez más real y emotiva con el correr de los minutos.

¿Aniquilaremos nuestro hábitat? Es posible. ¿Habrá, pese a todo, una luz de esperanza? No lo sabemos, y la película tampoco lo responde, sin embargo su énfasis en la humanidad denota que podría existir un futuro, aunque del todo diferente y desconocido. Todo está por escribirse, pues aún somos los protagonistas de nuestra propia historia.

Ficha técnica

Título original: Finch
Año: 2021
Duración: 115 minutos
País: Estados Unidos
Productora: ImageMovers, Amblin Entertainment, Dutch Angle, Misher Films. Productor: Robert Zemeckis. Distribuidora: Apple TV+
Género: Ciencia ficción | Futuro postapocalíptico. Robots
Guion: Craig Luck, Ivor Powell
Música: Gustavo Santaolalla
Fotografía: Jo Willems
Reparto: Tom Hanks, Laura Harrier, Caleb Landry Jones, Samira Wiley, Skeet Ulrich, Lora Martinez, Alexis Raben, Jon Donahue, Oscar Avila, Christopher Farrar, Carma Harvey
Dirección: Miguel Sapochnik

El misterio de Soho - Por Jackie O.

"Los sueños y la realidad pueden estar entrelazados". 

La película sigue a la joven Ellie mientras se muda a Londres para asistir al London College of Fashion, donde espera convertirse en una famosa diseñadora de moda. Sin embargo, Ellie tiene un don que le muestra visiones y, a medida que pasa cada noche, las visiones se vuelven aún más siniestras.

Las películas de Wright son de distintos estilos, pero ahora estamos ante una propuesta diferente y arriesgada, bien lograda en su totalidad.

El hecho de haber escogido a Thomasin McKenzie como la protagonista, es fabuloso. Y con Anya Taylor-Joy como co-protagonista hacen una gran dupla. Qué decir de la reina de espinas Diana Rigg, y el galán de Matt Smith. Cada quien en su rol bien interpretado.

Wright deja atrás su característico filme de tramas directas para darnos ahora una mirada más sobria y elegante a los años 60 en Londres, con una historia de trhiller psicológico. Como siempre, mezcla una banda sonora genial, lo que eleva la película.

Como señalé, tenemos a Eloise –Ellie - una chica de provincia criada por su abuela que disfruta de la época del 60. Nació escuchando los discos de ese tiempo, le fascina esa moda, la elegancia que evoca con ese tipo de bohemia alucinante. El momento actual que vive no es de su interés, le parece aburrido, sin ideas novedosas y su grado de agresividad (la que no está exenta en ninguna época) le resulta incómodo; todo esto hace que no pueda evitar pensar irremediablemente en esos tiempos.

Al mudarse a un departamento compartido en Londres, se da cuenta que esa compañía no es lo suyo, así que se cambia a otra residencia, la cual es de propiedad de la Sra. Collins. Estando en la habitación que arrienda, comienza a experimentar visiones que en un comienzo son atrayentes, pero luego se comienzan a transformar en terribles.

Cada noche experimenta las mismas cosas que le sucedieron a otra joven llamada Sandy, quien vivió en los años 60, una chica con las mismas aspiraciones de querer triunfar en la gran ciudad como Ellie.

Pero lentamente, luego de experimentar unos horribles episodios, comienza de a poco a hacer su propia indagación de sus visiones, ¿serán estas reales?

Las actuaciones, como ya indiqué, son geniales, especialmente la de Thomasin McKenzie, quien te hace sentir realmente las experiencias que su personaje tiene que enfrentar. Me encanta la atmósfera que crean tanto con el Londres actual como con el Londres de los años 60.

También esta cinta me provoca una sensación de Giallo, similar a Argento y Mario Bava, pero a veces nos insinúa a Hitchcock. 

Película bien filmada. Las luces, el montaje, la banda sonora, todo contribuye a hacer de esta película un producto con esmero. Especialmente, y reitero, la música a cargo de Steven Price, merece elogios porque te transporta a la atmósfera de los años 60, te sumerge completamente en el mundo de "Sandy".

La puesta en escena con coches antiguos, luces de neón, gente apiñada frente a los clubes más de moda, el impacto con el Londres del pasado es hechizante. Edgar Wright cuida los más mínimos detalles de la reconstrucción escenográfica, y el vestuario a cargo de Odile Dicks-Mirenaux es divino.

Los encuadres de la cámara y la fotografía, se ven adecuados, sin ser realmente resaltables.

Otro asunto interesante, y que no se le presta mucha atención, son las enfermedades mentales, sean heredados o provocados con el tiempo por algún evento, y que acá no se aborda con real precisión e interés. Lo otro en que podría reparar, es el forzar una historia amorosa.

En resumen, es una historia interesantísima para ver.

Disponible en cines.

Ficha técnica

Dirección: Edgar Wright
Guion: Krysty Wilson-Cairns y Edgar Wright
Música: Steven Price
Fotografía: Chung Chung-hoon
Montaje: Paul Machliss
País: Reino Unido
Año: 2021
Género: Terror, Thriller psicológico
Duración: 116 minutos
Reparto:
Thomasin McKenzie como Eloise "Ellie"
Anya Taylor-Joy como Sandie
Matt Smith como Jack
Diana Rigg como Sra. Collins
Terence Stamp como El caballero

Nueve perfectos desconocidos - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Nueve desconocidos deciden acudir a un retiro de 10 días en Tranquillum House, un centro de salud y bienestar en la ciudad ficticia de Cabrillo, California,​ que promete transformar y curar a los huéspedes que se quedan allí. El complejo no es lo que parece ser y los huéspedes están a punto de descubrir muchos secretos sobre ellos y de los anfitriones del complejo. Masha (Nicole Kidman) con su aire de gurú espiritual (por momentos pienso se ve demasiado caricatura) que promete sacarlos de su dolor del cual es necesario pasar y avanzar.

La adaptación, con ciertas libertades, del libro "Nine Perfect Strangers" de la escritora australiana Liane Moriarty, da vida a esta miniserie.

Con un elenco que sobresale por sus actuaciones, principalmente por Nicol Kidman y Melissa McCarthy y todo el reparto, hace que cada una sostenga el relato del centro de “renovación espiritual”, donde cada uno de los personajes se va desarrollando e intentando reconstruir su historia frente a la crisis, luces y sombras que tienen sus vidas, lo cual hace al relato muy verosímil y real.

Por otra parte está el misterio de este centro de renovación. Los mismos participantes, inicialmente, son sorprendidos por el lugar, pero pronto descubrirán que los métodos están más allá de sus libertades y consentimientos.

Es una miniserie para “enganchar” en escenografía, colores, y fotografía. Todas conducen a una estética en búsqueda de lo etéreo, lo perfecto, con un guion que te lleva a desear descubrir hacia dónde te lleva esta historia y que, por momentos, no lo logra. Como ya dijimos, los personajes se desarrollan y seguramente iremos encontrando muchas aspectos de nuestra vida personal en ellos y puede que provoquen más de alguna reflexión o mirada hacia nuestro interior.

Mencionemos algunas debilidades de la historia: Masha, que es la protagonista principal, tiene poco desarrollo en su historia personal y que, de alguna forma, repercute en la búsqueda de cada una de las historias que se cuentan en Tranquillum House. Algo faltó para cerrar bien este relato

Interesante de ver y después nadie volverá el ser mismo...

Disponible en: Amazon Prime.

Ficha técnica

Titulo original: Nine Perfect Strangers. 

Año: 2021

Duración: Miniserie 8 episodios de 45 minutos aprox. 

País: USA. 

Director: Jonathan Levine 

Reparto: Nicole Kidman, Melissa McCarthy,Manny Jacinto, Asher Keddie, Luke Evans Melvin Gregg, Samara Weaving. 

Género: Drama 

Productora: Blossom Films, Made Up Stories. Distribuidora: Hulu

Espíritus Ocultos - Por Jackie O.

"El peor terror es el abandono".

Sinopsis: En una pequeña ciudad de Oregón, una profesora (Keri Russel) y su hermano (Jesse Plemons), el sheriff de la localidad, se empiezan a interesar por un estudiante misterioso y distante (Jeremy T. Thomas). A medida que se van conociendo, descubren que el joven esconde un peligroso secreto que podría tener consecuencias fatales.

Una película diferente pues, a pesar de ser de terror, muchos creerán que saltaran de sus asientos, pero no. Es un terror diferente, de los que se ha visto en algunos momentos, y donde es importante poner atención a ellos.

Nos cuenta una historia basada en una leyenda del pueblo, más bien de los nativos americanos.

Una cinta que usa el terror sobrenatural para sus metáforas de horrores de la vida real.

Tenemos a un niño de 12 años quien, por su apariencia, pareciera de menos edad, taciturno, apartado de todos, en donde su profesora comienza a ponerle atención, más cuando descubre unos dibujos terroríficos de él, cree que hay un abuso, informando de inmediato a la directora del colegio, y comenzando de a poco a efectuar averiguaciones con su hermano.

En casa del niño detectan cosas extrañas y terribles, donde la inspección comienza a realizarse más minuciosamente.

La película tiene varias muertes, que en un comienzo son de tipo misteriosas, pero no pierde la crueldad. Después pasamos a lo gráfico, lo que hace un muy buen maquillaje, pero los CGI más o menos. Luego, al descubrir qué es lo que provoca esas muertes y algunas posesiones demoniacas, queremos saber más, no dejamos de mirar.

La ambientación es buena, es fría, oscura y lúgubre. Un guion lento, que va de a poco introduciéndonos en la historia. La actuación de nuestro joven Jeremy es muy destacable, digna de premios. Al verlo quieres abrazarlo y cuidarlo. Y sin tener que hablar mucho, su aspecto conmueve, convence con este oscuro secreto que debe esconder.

Se agradece que sea una historia nueva, para dejar los remakes e historias repetitivas de lado.

En qué puedo reparar, es en el mismo guion y ritmo final, pues al ir de forma lenta, que no era el problema, en su último tramo todo sucede muy rápido. Además, existen problemas de edición, pues en algunos momentos sientes que algo faltó. Y el heroísmo final es muy difícil de creer.

Aparte de las buenas actuaciones, la fotografía y maquillaje, resalta mucho el tema de los traumas y del abuso a los niños, de los cuales los adultos debemos poner atención, pero no actuar precipitadamente sin antes efectuar las averiguaciones pertinentes, porque nos podemos equivocar, lo cual en este caso, en esta cinta, es muy triste y real.

Una historia con horrores de leyendas vivientes, pero como dije, de horrores actuales y de siempre, como la pobreza, drogas y abuso infantil.

Una cinta que tendrá opiniones muy divididas, y con un final que puede dar para una segunda parte si quisieran.

Disponible en Cines.

Ficha técnica

Título original: Antlers
Año: 2021 

País : EEUU
Duración: 99 minutos
Dirección: Scott Cooper
Guion: Nick Antosca, Henry Chaisson, Scott Cooper.
Historia: Nick Antosca
Música: Javier Navarrete
Fotografía: Florian Hoffmeister
Productor: Guillermo del Toro.
Reparto: Jeremy T. Thomas, Keri Russell, Jesse Plemons, Graham Greene, Scott Haze, Rory Cochrane, Amy Madigan, Cody Davis, Sawyer Jones, Arlo Hajdu, J.T. Corbitt: Terror. Thriller. Sobrenatural. Posesiones

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 12 de noviembre 2021

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

Duna - Por Carlos Correa

El director Denis Villeneuve nos entrega una fascinante experiencia audiovisual con “Dune”, su última película, basada en la novela homónima escrita por Frank Herbert el año 1965. Rotulada como “Primera Parte”, comprende el inicio del libro, en una secuencia que cumple con un papel tanto introductorio como descriptivo de estos sucesos que acontecen en el año 10191. 

La acción se desarrolla en un árido planeta llamado Arrakis que es el principal reservorio de una sustancia denominada “especia”, fundamental para la vida humana y que además posibilita los viajes interestelares. Este inhóspito hábitat ha sido dominado por mucho tiempo por la Casa Harkonnen, sin embargo el emperador Padishah Shaddam IV ha decidido dar un giro y encargar su custodia a la Casa Atreides. Para ello encomienda al duque Leto I -Oscar Isaac-, que asuma el control del planeta. El duque se traslada al lugar junto a Lady Jessica -Rebecca Ferguson-, y al hijo en común, Paul -Timothée Chalamet-, con la esperanza de vincularse con los nativos Fremen, vislumbrando en ello la posibilidad de recuperar cierta calma y paz para todas las Casas. Sin embargo, como muchas veces sucede, las cosas no son como parecen y detrás de este importante encargo hay dobles intenciones. La jugada del emperador no es del todo honesta, y los Atreides se ven envueltos en una sucesión de engaños y traiciones que hacen peligrar su subsistencia.

El guion de la cinta, firmado por Eric Roth, Jon Spaihts y el propio Villeneuve, desarrolla claramente los sucesos. Nos guía, paulatinamente, al interior del laberinto construido por Herbert para explicarnos en detalle cada uno de los elementos que están en juego. Sin prisa alguna, la atención se enfoca en los detalles, principalmente en la creación de atmósferas y en las sensaciones que experimentan los protagonistas.

Villeneuve nos envuelve con una propuesta mucho más visual y sonora que de largos diálogos o argumentaciones. El relato es ciertamente sensorial, pretende sumergirnos en el mundo de Arrakis y en lo que viven y sienten quienes se encuentran allí. El polvo del desierto extremo, el viento constante, los amenazantes gusanos gigantes, el agudo e insoportable calor y una permanente sensación de vulnerabilidad, son llevados a la pantalla de manera colosal, en una producción que no deja duda alguna y nos sitúa al medio de la acción.

El elenco, con actuaciones estupendas, agrega, además, connotados nombres, entre los que destacan Josh Brolin, Jason Momoa, Stellan Skarsgård, Zendaya y Javier Bardem, entre otros, completando un reparto que tiene un gran peso escénico y que se potencia bajo el liderazgo de Villeneuve. No obstante, el peso mayor, reitero, está en el ambiente, en lo que los rodea externamente y también en lo que experimentan internamente, por lo que el desafío actoral es aun mayor, pues deben lograr representar sensaciones por medio de movimientos y miradas, más que con sus diálogos.

Mención aparte para la música escrita por Hans Zimmer. Es una banda sonora totalmente diferente a lo que acostumbramos recibir del compositor. No solo se propone encontrar sonidos nuevos sino que además, logra crear nuevos instrumentos especialmente para esta ocasión. El sonido es, así, un elemento trascendente, inseparable de la imagen, que hace vibrar el cine de extremo a extremo, agregando un gran número de sensaciones en perfecta armonía con lo que visualmente sucede en la pantalla. Técnicamente muy compleja, la partitura tiene gran densidad sonora, la que otorga cuerpo y bases sólidas a una composición visual estéticamente hermosa y que posee una fotografía -Greig Fraser-, tan precisa como envolvente.

“Dune” es una propuesta diferente, arriesgada, jugada y llena de convicciones. Es posible que no deje a todos contentos y que genere -ya es una realidad- un importante debate. Para mí, este cine de autor, aunque dentro del mundo que conocemos de las grandes producciones o “blockbusters”, destaca por muchas razones. Primero: asume el riesgo de elaborar un visión particular de un libro, algo complejo y que siempre será subjetivo; segundo: encuentra en la gran pantalla, y con todas sus posibilidades y opciones, la oportunidad de crear un mundo completo al que nos invita a entrar en la medida que aceptemos la propuesta; tercero: sin dejar de lado el relato tradicional, sitúa sus mayores esfuerzos en la atmosferización, en la construcción visual y sonora experiencial, y en transmitirnos una grandeza que, lejos de apocarnos, nos obliga a estar a su altura; y cuarto: salimos del cine diferentes, transformados, sintiendo haber vivido algo único, especial y distintivo.

Denis Villeneuve hace un buen tiempo nos viene brindando trabajos notables y su versión de “Dune” se inscribe en esa misma línea. Queda esperar la segunda parte y tal vez alguna sorpresa. Por ahora, solo aguardar, y disfrutar de las sensaciones que quedan tras los días, que se pueden volver a recordar escuchando la banda sonora, o bien dejando que vuelva a nosotros lo que experimentamos al estar frente a la gran pantalla.

¡Imperdible! ¡Excelente!

Ficha técnica

Título original: Dune
Año: 2021
Duración: 155 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Legendary Pictures, Villeneuve Films, Warner Bros.. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Ciencia ficción. Aventuras. Drama | Aventura espacial. Cine épico
Guion: Eric Roth, Denis Villeneuve, Jon Spaihts. Novelas: Frank Herbert
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Greig Fraser
Reparto: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Jason Momoa, Stellan Skarsgård, Zendaya, Javier Bardem, Sharon Duncan-Brewster, Charlotte Rampling, Chang Chen, Stephen Henderson, Dave Bautista
Dirección: Denis Villeneuve

El Misterio de Soho - Por Juan Pablo Donoso

Fascinante desde el comienzo por su lúdica edición, fotografía y tratamiento argumental.

Lo que pudo ser un enredo pretencioso, o un torrente de sensacionalismo barato, resultó en un filme alucinante de misterio, terror psicológico y solidaridad.

Aunque la historia es simple, es la selección estética de luces, música y colores, más las actuaciones, y el pulso del director las que le otorgan el mérito.

Eloísa (Thomasin McKenzie) es una muchachita huérfana inglesa, de provincia, llena de sueños e ilusiones. Decide abandonar la casa de su querida abuela (Rita Tushingham) para ir a Londres a estudiar diseño de vestuario femenino.

Su inocencia contrastará con la vida libertina, y el sarcasmo de sus compañeras de estudio. Optará por arrendar una pieza en una antigua casa en el barrio bohemio de Soho. La cordialidad de la anciana propietaria (Diana Rigg), la hará sentirse acogida en una habitación amplia y decorada al estilo de los años 60.

Cuando todo parece ir bien, Eloísa nota que al mirarse al espejo, en vez de su imagen ve la de otra muchacha, rubia y sofisticada. Como el fenómeno se repite con cada vez más frecuencia, gradualmente, su vida se comienza a transformar en la de Sandie, una cantante que debió prostituirse para ascender como artista.

Lo esotérico es que sus vivencias como Sandie ocurren en el pasado, en el furor de los años 60 en Inglaterra. Temiendo estar esquizofrénica intenta averiguar, en la época actual, quién fue esa muchacha que se apodera de sus sueños, y cuyas relaciones con hombres diversos, y fantasmales sin rostro, la van conduciendo hoy día a un final catastrófico.

El desquicio y la angustia se van estrechando hasta culminar con una sorpresa absolutamente lógica cuando se descubre la verdad.

En paralelo con el glamoroso tratamiento audiovisual del drama, disfrutamos con las actuaciones de ambas protagonistas - Thomasin McKenzie, una revelación como Eloísa, y Anya Taylor-Joy como Sandie, a quien ya antes aplaudimos en La Dama de Gambito (SIGNIS-17/11/20).

Y nuestro placer aumenta al reencontrarnos con legendarios astros del pasado encarnando a personajes ancianos: Rita Tushingham (Sabor a Miel - La Maña - Dr. Zhivago), Terence Stamp (Billy Budd - Lejos del Mundanal Ruido) y, a la insigne estrella inglesa Dame Diana Rigg (Sra. Peel de Los Vengadores - El Velo Pintado - Game of Thrones), a quien dedicaron esta su última película antes de fallecer.

Si bien hemos visto mejores CGI (efectos especiales computarizados) en otras producciones, lo que esta nos entrega es una experiencia de aterrador trastorno psicológico, inserto en dos épocas simultáneas, donde la dualidad de las imágenes, la nostalgia de la canciones y la coherencia del relato nos sumergen en una hipnótica pesadilla creativa.

¡POR FIN UNA GRAN PELÍCULA DE MISTERIO, TERROR Y LOCURA REALIZADA CON POESÍA Y REFINAMIENTO CINEMATOGRÁFICO! HERMOSA, TENSA Y ALUCINANTE.

Ficha técnica

Título Original: Last Night in Soho

2021 Drama, terror, misterio, suspenso Inglaterra -1,56 hrs. 

Fotografía: Chung-hoon Chung 

Edición: Paul Machliss 

Música: Steven Price 

Diseño Prod.: Marcus Rowland 

Guion: Krysty Wilson-Cairns, Edgar Wright 

Actores: Thomasin McKenzie, Anya Taylor-Joy, Diana Rigg 

Dirección: Edgar Wright

Schumacher - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Este testimonio de casi dos horas de duración se enfoca en la vida del expiloto de Fórmula Uno Michael Schumacher (Alemania, 1969), estrella del automovilismo y ganador de siete títulos mundiales en la máxima categoría. Con un tratamiento documental y a través de numerosas entrevistas, la película se sumerge en la intimidad de su familia, en la cercanía de sus amigos y en la trastienda al interior de los equipos en los que se desempeñó, abarcando desde sus primeros pasos hasta su consagración definitiva.

La historia familiar de Schumacher comienza con el sacrificio realizado por sus padres y su inicio a temprana edad en las competiciones deportivas. Desde muy pequeño asoma su esfuerzo personal en las categorías infantiles, lo que le va dando forma a una preparación constante, desarrollada con tesón, enfoque y permanente trabajo duro.

Una de las características que muestra este trabajo, con Schumacher ya adulto, es el permanente apoyo emocional brindado por su familia nuclear, es decir por su esposa y sus dos hijos. Michael lo retribuye con protección, con una contención desde afuera hacia adentro, blindando a sus seres queridos de toda la parafernalia de un deporte que, en términos públicos, no da tregua alguna.

El documental muestra fracaso tras fracaso del joven piloto. Algunos éxitos, pero mayormente el difícil camino elegido, las permanentes dudas y el constante sacrificio. Pasaron muchos años para que alcanza el éxito en Ferrari, un desafío que le consumió muchísima energía pero que, en contraposición, tal vez le brindó los mejores años de su carrera deportiva.

Esta película construida por Hans-Bruno Kammertöns, Vanessa Nöcker y Michael Wech es sencilla y está bien construida. Comprende un testimonio preciso que disfrutarán los fans del campeón del mundo pero que también tocará al público que no está tan involucrado, porque les permitirá enterarse de la humanidad que está detrás de ese gran deportista, de esa figura alabada y admirada -también criticada- por tantas personas alrededor del mundo.

La capacidad de Schumacher de bloquear emociones sin duda favoreció su desarrollo deportivo, sin embargo, y a la vez, el piloto pudo desarrollar lazos y vínculos estrechos, con extrema dedicación, que sirvieron de base para la construcción de sus éxitos profesionales.

La vida cambia de un instante a otro. Un accidente en esquí modificó la vida de Michael Schumacher. No sabemos de su condición ni tampoco más antecedentes de lo ocurrido. Ahora la contención es inversa; es la familia quien protege al esposo y al padre.

Estamos ante un sensible homenaje a un grande del automovilismo, un ejemplo para generaciones futuras. El éxito no llega solo, se debe trabajar duro y los sacrificios son extenuantes; Schumacher lo comprendió y lo vivió a fondo, y este documental lo retrata de cuerpo entero de manera fehaciente.

Ficha técnica

Título original: Schumacher
Año: 2021
Duración: 112 minutos
País: Alemania
Productora: B 14 Film, DCM Productions, Rocket Science. Distribuidora: Netflix
Género: Documental | Coches/Automovilismo. Biográfico
Guion: Hans-Bruno Kammertöns, Vanessa Nöcker, Michael Wech
Música: Peter Hinderthür, Christian Wilckens
Reparto: Documental, intervenciones de: Michael Schumacher, Jean Todt, Sebastian Vettel, Mika Häkkinen, Bernie Ecclestone, David Coulthard, Flavio Briatore, Damon Hill, Mick Schumacher, Luca Cordero di Montezemolo
Dirección: Hans-Bruno Kammertöns, Vanessa Nöcker, Michael Wech

Duna - Por Jackie O.

"Aventura, mística, intrigas políticas y ecología". 

Sinopsis: Arrakis, también denominado "Dune", se ha convertido en el planeta más importante del universo. A su alrededor comienza una gigantesca lucha por el poder que culmina en una guerra interestelar.

Estamos ante una película de ciencia ficción que transcurre en el año 10.191, protagonizada por un joven "superdotado" que trata de sobrevivir, crecer y evolucionar en un entorno hostil.
Es una historia que viene de la novela del mismo nombre, de Frank Herbert, la primera de un total de seis historias relacionadas a lo mismo, que escribió antes de morir.

Debo señalar que para muchos costará adentrarse en este universo y toda la complejidad de razas y términos que mantiene esta historia, lo que puede resultar engorroso, pero a los pocos minutos y habiendo superado esas posibles confusiones, y habiendo captado el “prólogo”, será llevadera e incluso disfrutable para los fans de la historia y de la ciencia ficción en general. No superado aquello, se aburrirán completamente.

Estamos en una galaxia donde la población está dividida en casas o imperios, desatándose una lucha por Arrakis, un planeta donde existe la tan preciada “especia”, un elemento altamente importante de la galaxia.

El barón Harkonnen, villano principal, un ser grotesco que pasa de ser el mal absoluto a convertirse en un ser patético y consumido por la ambición, devorado por las circunstancias de la misma manera que el incidente que desencadena la trama, deja de ser una disputa entre casas nobiliarias para volverse una cuestión trascendental, donde muchas personas involucradas ven escapar o alterar su presente o futuro, donde la traición no está exenta de ser tema.

Una historia que abarca una multitud de temas y conceptos que van de lo filosófico y lo religioso a cuestiones políticas, económicas, culturales, pasando por la psicología, incluso por temas ecológicos, describiendo el ecosistema de un planeta que pasa a ser un personaje con vida propia y con una importancia fundamental en la trama.

No me extrañaría que esté en las futuras entregas de premios con muchas nominaciones, como guion adaptado, actuaciones principales y de soporte, por ejemplo, que en lo personal no me son tan destacables, salvo excepciones, ya que su éxito de taquilla va más en sus reconocidos actores y actrices, que por la construcción general.

Pero más que lo nombrado que no me llamó profundamente la atención, encuentro mucho más destacables su fotografía, a cargo de Greig Fraser, (Rogue One o León), el cual maneja unos planos y espacios muy hermosos. Otra cosa a destacar es el maquillaje y peinado a cargo de Donald Mowat (Prisioneros, Blade Runner 2049), Diseño de Arte y producción en general de Patrice Vermette (The Young Victoria, La Llegada),  que abarcó múltiples países como Budapest, Hungría, el valle de Wadi Rum en Jordania y la península de Stadlandet en Noruega , hacen de los distintos planetas de Dune sea una aún mayor atracción visual.

El maravilloso vestuario a cargo de Jacqueline Wes (El Renacido, El curioso caso de Benjamin Button, The League of Extraordinary Gentlemen), y la música de Hans Zimmer (El Rey León, Gladiador). No dejar de destacar a los geniales en Efectos especiales, Paul Lambert (First Man, Durkenque, Blade Runner 2049 ) y Gerd Nefzer (Blade Runner 2049).

En qué puede fallar para mí, que su ritmo sea irregular en varios tramos. Sé que la historia abarca muchos detalles, quienes hemos leído alguno de sus libros lo sabemos, pero como van divididas las historias con 20 minutos menos se cuenta lo mismo. Y sobre sus villanos, quienes funcionan bien, pero no se profundizó en el trasfondo de sus historias y motivaciones.

Disponible en cines.

Ficha técnica

Título Dune
Dirección: Denis Villeneuve
Guion: Denis Villeneuve, Eric Roth y Jon Spaihts
Basada en Dune de Frank Herbert
Género: Ciencia ficción, acción, aventuras y fantasía
Duración 156 minutos
Protagonistas: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Stellan Skarsgård, Stephen McKinley Henderson, Zendaya, David Dastmalchian, Dave Bautista, Chang Chen, Sharon Duncan-Brewster, Charlotte Rampling, Jason Momoa, Javier Bardem.

Forest Man - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Desde los años 1970, el isleño de Majuli, Jadav Payeng, ha estado plantando árboles para salvar su isla. Hasta la fecha, él solo ha plantado un bosque más grande que Central Park NYC. Su bosque ha transformado lo que alguna vez fue un páramo yermo, en un exuberante oasis. Humilde pero apasionado y filosófico sobre su trabajo, Payeng nos lleva de viaje a su increíble bosque.

Este hombre se ganó el nombre de "El hombre del bosque de la India" al pasar 30 años de su vida plantando alrededor de 40 millones de árboles para crear un verdadero bosque artificial en una tierra que estaba erosionada.

Es un documental simple, sencillo, e inspirador, lento en su ritmo, pero hecho así para ayudar al relato, acompañado por momentos con una música de piano, con primeros planos de los personajes, evocando la emoción del personaje central. Busca, en poco tiempo,  regalar un viaje de esperanza: cómo un solo hombre es capaz, con perseverancia, con amor a sí mismo, a la naturaleza, con su mirada en la humanidad, transformar un terreno sin vida, en un lugar para el 80% de las aves migratorias del mundo, según expertos de la vida silvestre.

Si hacemos esto, el equilibrio de la naturaleza volverá. Hace un llamamiento a las personas de todo el mundo para que demos un paso adelante y salvemos nuestro medio ambiente. Necesitamos plantar árboles pues son el sustento del bosque. No solo nos dan sombra y oxígeno, alimentan a las aves y los animales y equilibran nuestro ecosistema. Si no queda vida, se pregunta, ¿de qué sirven todos los avances que hemos logrado? Y agrega, si hubiéramos hecho esto hace 30 años, ¿se habrían atrevido a tocarnos el calentamiento global y el cambio climático? Cree firmemente que todos los niños deben saber los nombres de los árboles locales en su idioma regional, aprender y comprender la biodiversidad.

El director Prabhu Solomon estrenó a mediados de enero de 2021 un film titulado "Kaadan" en tamil, "Haathi Mere" Saathi en hindi y "Aranya" en telugu, que tiene un personaje central inspirado en Jadav Payeng.

Finalmente, nos hace reflexionar y nos invita a la acción y detenernos frente al consumismo brutal que está destruyendo la capacidad de la humanidad de sobrevivir. Lo anterior ya está claro en el nivel cognitivo de la mayoría de nosotros. Ahora, lo que necesitamos es una revolución espiritual, para que nos adaptemos a lo que ya sabemos en una nueva forma y estilo de vida más en consonancia con todos los seres que nos rodean.

Disponible en Youtube.

Ficha técnica

El Hombre del Bosque 

Año: 2013 

Duración: 16:37 

Director: William Douglas McMaster 

Guion: William Douglas McMaster 

Reparto: Jitu Kalita, Jadav Payeng, Arup Kumar Sarma 

Género: Documental, ecología, espiritualidad, protección medioambiente.  

Premios: 2014 ganador del mejor documental en el Festival de Cine de Cannes. 

El Intérprete - Por Carlos Correa

Podríamos decir que este relato es especial. ¿Por qué? Tal vez hay algo en su tono, algo en su desarrollo, y el uso de elementos que se salen de lo acostumbrado y que nos vinculan fuertemente con los hechos sucedidos durante la Segunda Guerra Mundial. Entonces, ¿de qué trata “El Intérprete? Veamos. 

Ali Ungár -Jiří Menzel-, sospecha que un exoficial de las SS ejecutó a sus padres en Eslovaquia durante la guerra. A sus 80 años no está tranquilo, quiere venganza y decide buscarlo, pero en el lugar donde lo debiera encontrar solo halla a su hijo, Georg Graubner -Peter Simonischek-, un hombre jubilado que perdió contacto con su padre hace muchísimo tiempo. El encuentro entre ambos es desagradable, tosco, brusco, pero se transforma en el germen de algo que descubriremos más adelante.

Pasa un tiempo y ahora es Georg quien busca a Ali. Se le ha despertado interés por su pasado y le ofrece que sea su intérprete en un viaje por Eslovaquia para recoger testimonios y reconstruir parte de la historia descrita en el libro escrito por su padre. Ambos hombres comienzan un camino que les llevará a descubrir secretos, revivir conflictos y compartir una rutina y cotidianidad que poco a poco los transforma en cómplices de una historia que tiene mucho más en común de lo que nunca imaginaron.

El director Martin Sulík presenta un trabajo que tiene su principal fortaleza en el desarrollo de las personalidades de sus protagonistas y en la transformación que experimentan a través del camino que emprenden. Ambos no pueden ser más distintos. Ali siente la opresión de la guerra, por el destino de su familia, situación que marca su vida completamente, un capítulo crucial que no ha podido cerrar adecuadamente. Sus actos, impulsados por el sufrimiento experimentado, no alcanzan la comprensión ni el perdón, algo que Ali entiende pero que de ninguna forma logra superar. Georg, por su parte, ha tomado distancia física y emocional de su progenitor, huyendo de la realidad angustiosa que implica ser hijo de una persona causante de tantos sufrimientos y muertes, un peso tan agobiante que tal vez también moldea su carácter distendido y vividor de su presente actual.

El recorrido emocional de ambos protagonistas se da durante el viaje. Con detalles sencillos y con todo el tiempo del mundo, el guion va aportando el contexto necesario para poder componer cada cuadro. Las actuaciones colaboran para que el retrato sea creíble y podamos, además, comprender estas dos realidades tan opuestas -y con tanta historia compartida-, desde ópticas totalmente diferentes.

“Tlmocnik” es una cinta distinta. Cuando apuesta por dosis de humor, lo hace en forma sensata y sin degradar la temática abordada. Esboza sonrisas, puede ser incluso tragicómica, pero no pierde por un segundo la profundidad de la historia que quiere describir y mostrar. Esos toques aportan frescura, distraen y aflojan aquella tensión subterránea y permanente que se percibe como el hilo conductor del metraje.

“El Intérprete” aporta otra mirada a la tragedia del Holocausto, una mirada desde un vértice diferente, con el rescate de su humanidad cuidada y presente. Estamos frente a una película que se sigue desarrollando después que la observamos, que permite ampliar la reflexión, cuyos personajes trascienden la pantalla y nos impulsan a reconocer su ubicación en la historia y a ponernos en su lugar. Mérito del director y también nuestro, si estamos dispuestos a aceptar su invitación.

Ficha técnica

Título original: Tlmocnik
Año: 2018
Duración: 113 minutos
País: Eslovaquia
Productora: Coproducción Eslovaquia-República Checa-Austria; Titanic s.r.o, In Film Praha, Ceská Televize, Coop 99, ORF Film/Fernseh-Abkommen, RTVS
Género: Drama. Comedia | Comedia dramática. Road Movie. Vejez / Madurez. Nazismo. Holocausto
Guion: Martin Sulík, Marek Lescák
Música: Vladimír Godár
Fotografía: Martín Strba
Reparto: Peter Simonischek, Jiří Menzel, Zuzana Mauréry, Anna Rakovská, Anikó Varga, Karol Simon, Judita Hansman, Attila Mokos
Dirección: Martin Sulík

El Intérprete - Por Jackie O.

"En búsqueda de la verdad". 

Ali Ungar, de 80 años y aspecto triste, busca a un exoficial de las S.S. el cual ejecutó a sus padres y a otras personas. Su fin es cobrar venganza.
Y al llegar a su casa, encuentra solo a su hijo Georg, un jubilado vividor de unos 70 años que se ha distanciado del pasado de su padre, pues mantenía conocimiento de algunas atrocidades que hizo sin querer profundizar en averiguar.

Pero la visita de Ali despierta su interés, luego de escuchar las razones de por qué lo buscaba. Así Georg contrata a Ali como intérprete, con el fin de averiguar quién es su padre y lo que hizo, por lo que estos dos hombres emprenden un viaje a través de Eslovaquia en busca de testigos supervivientes de la tragedia de la Segunda Guerra Mundial, y descubrirán su pasado familiar y a sí mismos.

En base a cartas y fotos que Georg mantenía de su padre y un libro que Ali encontró, se dirigen por hermosos parajes de una ciudad a otra para saber historias tristes.

La compañía de estos dos hombres, que en un comienzo es tensa, se va transformando en la medida que se van conociendo, ambos tuvieron padres ausentes, uno los perdió siendo muy joven y el otro ya cuando era mayor. Con el correr de los días, sus personalidades salen a flote y la historia de ellos y otros se va desentrañando.
Un poco de humor en algún momento, que no entorpece la trama triste que vamos viendo y escuchando, de personas que vivieron una época terrible.
Una historia humana, que de una venganza, se va transformando de a poco en un entendimiento, de una búsqueda de la verdad, terminamos en una búsqueda interna, donde el ser humano tiene la alternativa de perdonar, seguir mortificándose o, con una vida, reconstruyéndola para hacerla más llevadera.

La historia no debe olvidarse, hay que reconstruir episodios de la misma, conocer nuestro pasado pues influye en nuestro presente, donde también afecta nuestro entorno familiar, en donde estos últimos no deben pasar por este sufrimiento.

Estéticamente bien reconstruida en guión, fotografía y actuaciones. Tomas amplias y cercanas para ver rostros curtidos con el tiempo y sumidos en la pena.

Una película interesante para ver.

Disponible en www.arcadiafilms.cl

DATOS CURIOSOS.
Jirí MENZEL (Ali) , no solo es actor, también director y guionistas, y por un trabajo como director ganó el Óscar a la mejor película extranjera en 1967 con "Trenes rigurosamente vigilados", donde fue también el guionista.
Jirí MENZEL, falleció en 2020, siendo esta película una de sus últimas participaciones.

Ficha técnica

Director: Martin Šulík
País: Eslovaquia, República Checa, Austria
Año: 2018
Idioma: Alemán, Eslovaco, Inglés, Ruso
Género: Comedia, Drama
Duración: 2h 8m
Actores: Peter Simonischeck, Jirí Menzel, Zuzana Mauréy, Anna Rakovska, Eva Kramerová