lunes, 29 de junio de 2020

7500 - Por Carlos Correa

Disponible en Amazon Prime.

Es un vuelo de rutina para el Primer Oficial Tobias Ellis -Joseph Gordon-Levitt-. La ruta Berlin-Paris no presenta mayores dificultades y solo unas pequeñas turbulencias en el despegue anuncian algo de movimiento. Junto al Capitán Michael Lutzmann -Carlo Kitzlinger-, realizan los controles previos del vuelo, preparan la carga del avión, autorizan abordar e incluso bromean. La perspectiva es una noche apacible. Pero la cabina es atacada por secuestradores y allí se desata la emergencia. Tobias logra cerrar la puerta de seguridad. Los secuestradores amenazan con matar a los pasajeros si él no los deja entrar. La situación es dramática y agobiante. El peso de la responsabilidad está sobre sus hombros. De sus acciones depende su vida y la de los demás. El destino está en sus manos. 

El director Patrick Vollrath ofrece un relato vibrante. El guion escrito por él mismo y basado en la historia de Senad Halilbasic es inversivo y profundamente tenso. Admiro las películas capaces de contar historias en dos metros cuadrados, donde no solo el espacio es reducido sino que casi no hay movimiento posible. La actuación de Gordon-Levitt es brillante. Gracias a su excelente interpretación, vemos reflejado en su rostro y en sus movimientos lo que siente en cada momento. El traspaso de sus emociones al espectador es uno de los puntos mejor logrados de la película.

“7500”, su título, es el código de emergencia que se emplea cuando un avión es secuestrado. Tobias llama al control de tráfico, entrega el código y recibe instrucciones. A 30 minutos está el aeropuerto de Hannover y allí se prepara un aterrizaje de emergencia. Además, dos bombarderos le acompañarán en el camino. Se le unirán en 18 minutos. Finalmente, recibe perentorias instrucciones que bajo ningún punto de vista puede abrir la cabina, pase lo que pase, suceda lo que suceda en el avión. Pero no es fácil, Tobias está herido y en la cabina está inconsciente uno de los secuestradores.

La cinta transcurre a un ritmo acelerado. No nos damos ni cuenta y ya llevamos dos tercios cuando la presencia de Vedat -Omid Memar-, el más joven del grupo de terroristas con tan solo 18 años, provee a la historia un curso diferente. En ese momento el vértigo comienza a decrecer para dar paso a una conclusión mucho más lenta con énfasis en lo que el piloto y el secuestrador sienten en veredas opuestas.

“7500” tiene bastantes detalles que se pueden anticipar pero muchos otros que son inesperados. El texto juega con ambos y por ello no perdemos concentración ni interés. Es cierto que el ritmo disminuye en el último tercio pero es perfectamente entendible la decisión. De alguna manera se debe bajar la velocidad del relato para poder concluir adecuadamente.

Sólido debut cinematográfico de Patrick Vollrath con una propuesta bien desarrollada y bien filmada. Sostener la tensión en un espacio claustrofóbico, con primeros planos asfixiantes, con situaciones al límite y con mínima capacidad de movimiento es una gran virtud. Sus tomas son precisas y una cuidadosa edición ayudan a que podamos visualizar perspectivas diferentes dentro de una cabina que se aprecia realmente pequeña. Si sumamos a ello el estupendo trabajo de Joseph Gordon-Levitt, tenemos una cinta con gran energía, un relato que entrega vértigo y que nos mantiene en la punta de la silla por 92 minutos.

Ficha técnica 

Título original: 7500
Año: 2019
Duración: 92 minutos
País: Alemania
Productora: Augenschein Filmproduktion
Género: Thriller. Drama | Terrorismo. Secuestros / Desapariciones
Guion: Patrick Vollrath (Historia: Senad Halilbasic, Patrick Vollrath)
Fotografía: Sebastian Thaler
Reparto: Joseph Gordon-Levitt, Aylin Tezel, Max Schimmelpfennig, Aurélie Thépaut, Christian Skibinski, Denis Schmidt, Nino Porzio, Omid Memar, Carlo Kitzlinger, Anna Suk, Hicham Sebiai, Cornel Nussbaum, Passar Hariky, Christoph Wielinger, Paul Wollin
Dirección: Patrick Vollrath

Victoria y Abdul - Por Jackie O.

“Amistad en una soberanía solitaria”. 


La historia dice que, la Reina Victoria conoció a Abdul cuando tenía 68 años y él 24 años, y se mantuvieron juntos por 14 años. Amistad que perduró hasta la muerte de la Reina, pero con una serie de dificultades por parte de la “soberanía inglesa” que veía muy mal esta amistad.

Cuando ésta falleció, tristemente Edward (hijo de la reina) exigió inmediatamente que se quemase cualquier carta enviada entre los dos que se encontrase en las dependencias reales. La familia real lo desalojó con su familia de la casa que le había dado la reina y le deportó de vuelta a la India, y la hija de Victoria, Beatrice, borró toda referencia a Karim de los diarios de la reina.

Que nos muestra esta película, Judi cumple nuevamente con su autoritarismo soberano, mezclado con la dulzura de una mujer como cualquier otra.

Victoria ya anciana y cansada de participar en banquetes, de una nutrida y rígida agenda protocolar, ya no le interesa demostrar su desagrado. Nada en su vida la llena de alegría.

Cuando se cumple su 50 aniversario de reinado, se hace un banquete diferente y como Emperatriz de la India, deciden traerle de regalo una moneda conmemorativa con dos súbditos: Mohammed (Adeel Akhtar) y Abdul Kareem (Ali Fazal).

Y bastó una mirada para que la historia entre ellos comenzara.

Es agradable ver como Abdul se acerca a la reina, lo hace de manera espontánea, casi inocente, contagiándola de vida. Ella es soberana, pero también es un ser humano que necesita con todas las fuerzas vivir y aprender. Y este joven de tierras lejanas, se lo da.

La película tiene mezcla de comedia al comienzo y drama al final. Un excelente vestuario y unos paisajes hermosos. Los decorados casi impecables hacen que visualmente te entretengas.

Para algunos él fue un farsante que quiso escalar posición como el resto de sus familiares y súbditos, seduciéndola. Para otros fue un amigo, que la respetó como soberana, la quiso como tal, pero por sobre todo la respetaba como ser humano.

Con la popularidad que alcanzó Abdul, era obvio que el círculo inmediato de la Reina se volviera loco de ira.

La actuación de Ali Fazal no me dejó del todo conforme, su “comicidad” a veces me cansaba. Las otras actuaciones estuvieron bien. Pero no cabe duda que el monólogo de Judi fue espectacular, para escucharlo una y otra vez.

El trabajo de ella es impecable. Sus primeros planos excepcionales, que dan entre miedo y ternura.

La película habla del racismo inglés, el estricto protocolo británico, sus intrigas políticas, la soledad de una reina, la tolerancia y amistad.

DISPONIBLE EN NETFLIX y GOOGLE PLAY.

Ficha técnica

Director: Stephen Frears
Basada en: Victoria & Abdul de Shrabani Basu. Historia de: Shrabani Basu
País Reino Unido. Año 2017
Género: Drama, cine biográfico y cine histórico
Duración: 112 minutos
Reparto
Judi Dench como Victoria
Ali Fazal como Abdul Karim
Eddie Izzard como Bertie, Príncipe de Gales
Tim Pigott-Smith como Sir Henry Ponsonby
Adeel Akhtar como Mohammed
Simon Callow como Mr Puccini
Michael Gambon como Lord Salisbury

domingo, 28 de junio de 2020

Atómica - Por Jackie O.

“Bella y mortal”.


Comienza con acción, muerte y con una música que no podrán tus pies quedarse quietos.

Ambientada en el año 1989 en Berlín, con ese odioso muro, tenemos un ambiente complicado y muchos espías, dentro de los cuales está nuestra chica Atómica: Lorraine, quien pertenece a un grupo de agentes, los MI6, y debe acabar con una red de espionaje debido a la muerte de un agente encubierto y existe la amenaza de revelar todas las identidades de los agentes.

Por lo que hace equipo con un sujeto llamado David Percival (James McAvoy).

Mucha acción, patadas, combos, tiroteo, moretones, muerte...

Pero no todo es rudeza. Lorraine es aguerrida pero muy femenina, jamás descuida su atuendo, cada uno mejor que el otro y aun así pelea.

Regia, fría y decisiva, a Charlize le quedan muy bien estos papeles.

James casi no sobresale, siempre con su botella de Jack Daniels medio propagandístico. Éste colabora pero siempre pasando en un segundo plano.

Los diálogos no son magníficos, pero hay momentos interesantes si pones atención ya que hay muchos temas de espionaje y nombres que te puedes enredar, tal vez.

Con noches de neón y bohemia, te impregnas con la época. La música es la mejor de los 80, puede darte la impresión de estar viendo un video clip por la toma de determinadas escenas.

Lo malo, como señalé el diálogo que puede parecerte enredado o tedioso.

La predecibilidad que hace que no te impresione el final, Y le faltó intriga.

Lo bueno, ver a Charlize en este papel, es genial.

Las escenas de acción están bien rodadas, vestuario bello, y la música perfecta a tono con las escenas.

En resumen es una película de acción donde sabes quién es el bueno y el malo, y solo quieres verlos pelear.

Después de ver esta película el año de su estreno mi deseo fue y es, ver a Lorraine y John Wick juntos.

DISPONIBLE EN NETFLIX, GOOGLE PLAY, FOX Channel tv.

Ficha técnica

Título original: ATOMIC BLONDE
Dirección: David Leitch
115 minutos.
Guion: Kurt Johnstad
Basada en The Coldest City de Antony Johnston
Reparto:
Charlize Theron como Lorraine Broughton, una agente de campo del MI6.
James McAvoy como David Percival, un excéntrico jefe de estación en Berlín.
John Goodman como Emmett Kurzfeld, un agente de la CIA.
Til Schweiger como The Watchmaker, un misterioso aliado del MI6.
Sofia Boutella como Delphine Lasalle, una agente encubierta francesa.
Bill Skarsgård como Gordan Merkel, compañero de Broughton en la CIA.
Música Tyler Bates
Sonido Jonas Jansson, Thomas Huhn y Nicklas Lindh
Maquillaje Csilla Blake-Horváth
Fotografía Jonathan Sela
Montaje Elísabet Ronaldsdóttir
Escenografía Zsuzsa Mihalek y Mark Rosinski
Vestuario Cindy Evans

sábado, 27 de junio de 2020

Nadie sabe que estoy aquí - Por Carlos Correa

Memo Garrido -Jorge Garcia- vive en el sur de Chile. Es la zona de Llanquihue y junto a su tío Braulio -Luis Gnecco- llevan una vida apacible curtiendo pieles. El paisaje es paradisiaco, de gran belleza y naturaleza exuberante, algo que contrasta con la intimidad del protagonista. Memo casi no habla. Sus pocas palabras denotan además un acento extraño. Claro, cuando niño vivía en Miami y esa es la historia que marca su vida. Su voz privilegiada no calzaba con su físico y su padre Jacinto -Alejandro Goic- aceptó un trato para que Memo fuera la voz de Angelo Casas, otro cantante con mejor “look”. Memo ahora lo recuerda con nostalgia, escucha “Nobody knows I’m here”, el gran éxito con su voz y aun sueña con los escenarios. 

El director Gaspar Antillo filma un guion escrito en conjunto con Enrique Videla y Josefina Fernández que tiene su centro en aquello que Memo siente y no expresa. Solo la llegada de Marta -Millaray Lobos García- produce un quiebre. Es ella quien percibe a Memo, diríamos que lo toma en cuenta, que advierte su presencia y se le acerca lentamente, respetando sus silencios y sus temores. 

Son varios los detalles que contiene la cinta y no todos tienen una explicación satisfactoria. Durante su exposición, el lenguaje es parcelado. Micro cápsulas nos dan el contexto, son varias escenas independientes que parecen no tener mayor relación entre si. Solo nos permiten comprender el entorno, qué hace el protagonista en ese idílico paraje y alguna que otra cosas que divisamos. Por ejemplo, Memo entra a casas sin moradores y sueña que son suyas. Acto seguido ayuda a su tío, comen juntos -casi sin hablar- y luego se encierra en sus audífonos para que su mente divague. En el desarrollo, la interacción en la cinta es un poco mayor. Marta está más presente y Memo está obligado a abrirse gracias a la asertividad de una mujer que se muestra genuina y libre de todo prejuicio. El último tercio de la cinta agrega el regreso del padre de Memo por el conflicto que se ha desatado al hacerse viral un video subido a la red con Memo cantando “Nobody knows I’m here”. En ese momento la película deja de ser íntima y explora otros escenarios, eso si sin vulnerar el espacio interior de su protagonista. 

Esta cinta, debut del director Gaspar Antillo apoyado por un gran trabajo de productora de “Fabula”, es también la primera película chilena para Netflix. La figura de Jorge Garcia, recordado por interpretar a Hurley en la serie “Lost”, naturalmente se transforma en un gancho para esta producción que se estrena con altos niveles de audiencia y también con altas expectativas. Si bien no defrauda, el estilo de narración merece reparos, básicamente porque no explora en profundidad sus personajes. No obstante imágenes aéreas y tomas abiertas preciosas, carece de primeros planos que muestren un mayor compromiso emocional. De hecho se percibe la intención de visualizar sentimientos pero se mantienen atrapados en capas intermedias que no necesariamente se abren con facilidad. Queda así a nivel muy subjetivo el cuánto nos involucramos con la historia y también con la forma de ser de de Memo y Marta. 

“Nadie sabe que estoy aquí” viene a ser una propuesta diferente, con un entorno marcado por una fotografía  amplia y hermosa de Sergio Armstrong y con poco texto explícito. Largas escenas sin diálogos hacen que el trabajo de los actores por comunicar su sentir sea aun más valorado aunque en ocasiones no logren totalmente el objetivo. Aun así la historia mantiene el interés. Con un ritmo pausado, lento, propio de la zona donde se desarrollan los hechos, la película se abre paso hacia un desenlace que no es conclusivo y cuyo énfasis está más en la reflexión, en lo que la historia nos deja y en la impresión que genera en nosotros lo que Memo ha vivido, sus temores, sus traumas, sus sueños e ilusiones. 

Ficha técnica 

Título original: Nadie sabe que estoy aquí 
Año: 2020 
Duración: 91 minutos 
País: Chile 
Productora: Distribuida por Netflix. Fabula 
Género: Drama 
Guion: Enrique Videla, Gaspar Antillo, Josefina Fernández 
Música: Carlos Cabezas 
Fotografía: Sergio Armstrong 
Reparto: Jorge Garcia, Luis Gnecco, Millaray Lobos García, Nelson Brodt, Juan Falcón, Julio Fuentes, Alejandro Goic, María Paz Grandjean, Solange Lackington, Gastón Pauls, Eduardo Paxeco, Roberto Vander 
Dirección: Gaspar Antillo

Bala Perdida - Por Carlos Correa

“Balle perdue” es una película francesa escrita y dirigida por Guillaume Pierret. Narra la historia de Lino -Alban Lenoir-, un mecánico diestro en optimizar el rendimiento y resistencia de los autos. Detenido por un atraco frustrado, Charas -Ramzy Bedia-, el jefe de la policía antidrogas, lo recluta para poner sus habilidades al servicio del departamento. Lino tiene una segunda oportunidad, sin embargo todo se complica cuando Charas es asesinado.

Este thriller tiene un relato condensado. Sus 92 minutos de duración son precisos para mostrar todo cuanto quiere ofrecer. Sin gran vuelo pero efectivo, centra sus recursos en la acción. No hay rodeos, ni tampoco demasiadas explicaciones. De alguna manera, vamos directo al grano y esto es una virtud para este tipo de películas. Ofrece entretención y cumple con ello.

La cinta tampoco pretende explorar más allá en sus personajes. Del protagonista sabemos poco y nada. Ingenioso y habilidoso mecánico, trabaja con un amigo, quien a la primera de cambios huye y lo deja a su suerte. La cinta los junta de nuevo más adelante pero las condiciones han variado. Quentin -Rod Paradot- ahora trabaja para una banda de narcos sin sospechar que hay otros policías involucrados en la acción. Son momentos donde el relato es algo más confuso pero que suceden rápido para dejar solo incógnitas pasajeras.

Los estereotipos abundan. El policía corrupto más todos quienes se cuadran tras él. Una jefatura algo distante de la realidad y que no logra tomar cartas en el asunto. Otra policía, Julia -Stéfi Celma-, leal a su jefe pero involucrada sentimentalmente con Lino, queda “fuera de juego” con los eventos y no logra descubrir lo que realmente sucede. Y otros varios actores secundarios que se pierden en la escena y que no gravitan en absoluto.

¨Bala perdida” sin embargo funciona. Tiene acción, algo de intriga y un final que se empieza a vislumbrar desde la medianía del metraje. Eso no es malo, porque no anticipa nada. Al contrario, nos distrae con secuencias, persecuciones, enfrentamientos, peleas y un “corre que te pillo” que finalmente concluye. Pasan los 92 minutos muy velozmente, paradójicamente como la velocidad de los autos, y dejan buen gusto. Podemos remarcar que aun podemos obtener películas más que correctas en un género que, en ocasiones, deja mucho que desear.

Ficha técnica

Título original: Balle perdue
Año: 2020
Duración: 92 minutos
País: Francia
Productora: Distribuida por Netflix. Inoxy Films, Nolita TV, Versus Production
Género: Acción. Thriller | Crimen
Música: André Dziezuk
Fotografía: Morgan S. Dalibert
Reparto: Alban Lenoir, Ramzy Bedia, Nicolas Duvauchelle, Stefi Celma, Rod Paradot, Pascale Arbillot, Sebastien Lalanne, Patrick Médioni, Arthur Aspaturian
Guion y Dirección: Guillaume Pierret

Obediencia Perfecta - Por Jackie O.

“Abusos en nombre de Dios”.


Siendo ya un anciano, el padre Ángel de la Cruz recibe un mensaje del Papa donde lo invita a retirarse de la vida sacerdotal y llevar una vida de oración, como penitencia por los pecados carnales cometidos…

Esta película que se basa en los casos de pederastia perpetrados por Marcial Maciel, líder y creador de la congregación católica “Los legionarios de Cristo”, que en esta adaptación se conoce con el nombre de los Cruzados de Cristo, y el sacerdote se cambia al nombre de Ángel de la Cruz.
Es otra denuncia contra los delitos de la iglesia, quienes tomando la falsa devoción hacia Dios como alteración de la bondad con la maldad, narra cómo un cura seduce a sus víctimas.

En esta historia el joven Julián es enviado con el padre Ángel para que se haga seminarista. Ahí empieza el infierno de este niño, quien comienza a vivir en un mundo de abusos, junto al resto de menores de edad del lugar.

Cuando Julián llega al seminario, es recibido por un grupo de sacerdotes que de tan solo mirarlos es algo horrible, ya que todos o casi, tienen una mirada lasciva y otros mantienen un amaneramiento demasiado marcado.

La cinta va desarrollándose lentamente, y explica los tres pasos de la obediencia: 1. Obediencia de primer grado: Haces caso por amor a quien te lo pida; 2. Obediencia de segundo grado: Amas hacer lo que se te pida, y 3. Obediencia de tercer grado: Piensas y actúas como aquél a quien amas.

Pero teniendo una buena historia basado en hechos reales, el guion y montaje están mal ejecutados. Solo es una película correcta en forma, pero nunca se vuelve lo suficientemente audaz como para generar alguna emoción en el telespectador. 

No es necesario ver los actos atroces a estos niños, pero ya hemos visto muchas películas que sutilmente nos muestran esas aberraciones, o la forma de contarlo nos eriza la piel.
Acá faltó esa provocación al espectador.

Sí nos dan luces de los abusos y del ocultamiento por parte de los representantes de la Iglesia, como cuando el superior del padre de la Cruz le dice mientras miran a Julián “siempre has tenido buen gusto”… o como una madre le corta el teléfono a su hijo cuando le dice que ha sido tocado por el cura.

Con un tema potente que nunca hay que dejar de investigar, no fue bien jugada la película.
Aun así es interesante verla.

Disponible en Movistar Play.

Ficha técnica

Obediencia Perfecta
México, año 2014.
Dirección: Luis Urquiza
Guion: Luis Urquiza y Ernesto Alcocer
Fotografía: Serguei Saldívar Tanaka
Música: Alejandro Giacomán
Reparto: Juan Manuel Bernal, Alfonso Herrera, Sebastián Aguirre, otros.

La Princesa Mononoke - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix y YouTube.

Es tal vez el clásico “animé” más emblemático en la historia del cine japonés. La complejidad de sus símbolos, y la profundidad de su mensaje, siguen siendo hasta hoy objeto de estudios y galardones internacionales.

Es una epopeya que invita a reconciliar las raíces humanas con el respeto a la Naturaleza.

Hayao Miyazaki

Se lo considera uno de los más importantes realizadores nipones después de Akira Kurosawa. Su gigantesca obra incluye entre otros clásicos Nausicaä del Valle del Viento (1984), pasando por El Viaje de Chihiro (2001) hasta El Castillo Ambulante (2004).

Argumento

En la tranquila tribu Imushi del Este, el joven príncipe Ashikata es atacado por el horrible monstruo Tatarigami, cuyo veneno le deja un brazo fatalmente infectado. Sólo podrá salvarse de la muerte si se interna, lo antes posible, por el bosque maldito rumbo a las tierras del Oeste. Y lo hace montando su fiel alce Yacul.

En el bosque, lleno de criaturas mitológicas, reina el poderoso Dios Ciervo que en las noches toma la figura de un lagarto llamado Noctámbulo. Junto a él pululan furiosas manadas de jabalíes y de lobos indignados.

Todos odian y temen a los humanos porque una poderosa Dama Ibushi ha instalado una industria de hierro, llena de esclavos, para fabricar armas, y con ellas matar a los dioses que habitan y cuidan el bosque encantado.

Entre los lobos, reina la Princesa Mononoke, una feroz guerrera llamada también Niña Loba, cuyo propósito es acabar con la Dama Ibushi y todos sus secuaces.

La presencia del Príncipe Ashikata, aumentará la tensión entre los bandos enemigos. Tanto las fieras como los depredadores se disputarán su poder como arquero. Y él, tratando de conciliarlos, será atacado por ambos grupos.

Tras innumerables combates y peligros de muerte, y valiéndose del veneno de su brazo para derrotar a los malvados, resucitará a la Princesa abatida, armonizará a las fieras, y dará una lección a la ambiciosa Dama Ibushi liberando a los esclavos y salvando la magia natural del bosque.

Aunque la Princesa Mononoke decida seguir junto a sus lobos, el amor que nació entre ella y Ashikata, perdurará hasta que el equilibrio de la naturaleza los reúna nuevamente.

Evaluación

Los avances en la tecnología de animación han sido tan prodigiosos que Mononoke hoy día, para los aficionados al género, podrían parecer algo primarios. Sin embargo, la riqueza de su fábula, la ética de sus personajes, y su mensaje a la humanidad, hacen aún más meritoria la mezcla de artesanía manual con sus incipientes recursos computacionales.

Esta obra recibió en Japón el equivalente al Premio Oscar. Al estrenarse en 1997 recaudó - sólo en ese país - más de 150 millones de dólares. Y sigue rompiendo barreras.

UNA OBRA MAESTRA DEL “ANIMÉ”, EN FONDO Y FORMA. UN CLÁSICO COLOSAL PARA DECIFRARLO EN DIVERSAS ETAPAS DE LA VIDA. 

Ficha técnica  

Título Original: もののけ姫
1997 Animación, aventuras, fantasía Japón - 2,14 hrs. 
Fotografía: Atsushi Okui 
Edición: Hayao Miyazaki, Takeshi Seyama 
Música: Joe Hisaishi
Guionista y Director: Hayao Miyazaki 

jueves, 25 de junio de 2020

Constantine - Por Jackie O.

"Luchando contra el bien y el mal".


Constantine es un personaje ficticio que aparece publicado por DC Comics y su línea editorial Vertigo, creado por Alan Moore y el dibujante Stephen Bissette. Y la película es basada en un cómic de Jamie Delanno y Garth Ennis (Hellblazer. Dc Comics)

¿Pero quién es Constantine?
Es un hombre amargado, que fuma mucho y es alcohólico, que posee el don de reconocer a los ángeles y a los demonios.

Cuando era adolescente se suicidó para escapar de esas visiones y volvió a la vida, pero como eso es una ofensa hacia Dios, espera ganarse la salvación de su alma enviando a los discípulos del diablo al infierno.
Luego Constantine será buscado por una detective, para que le ayude a resolver la misteriosa muerte de su hermana gemela.
A grandes rasgo ahí está la trama de la película.

Está es una película que entretiene.
Sus efectos especiales son buenos, y nos traen a ángeles y demonios bien construidos. En especial encuentro muy bien retratado el infierno, está muy producido.

Sus personajes, Tilda Swinton es el arcángel Gabriel y juega con una ambigüedad, sin necesidad de hacerlo, pero lo hace bien. Djimon Hounsou aparece unos pocos minutos, es un sujeto que regenta un club y del que no se profundizan lamentablemente en su vida. Peter Stormare como Satán, le queda bien el rol. Rachel Weisz demuestra su talento como detective, y en un doble papel.

Tiene un guión interesante y aunque Reeves se ve en momentos forzado en su actuación, sabe salir a flote.
La molestia de los seguidores del cómics, puede ser, que desapareció "Sting" es decir el personaje del cómics rubio, y buscaron a un actor muy diferente para encarnarlo en la película: a Neo.
Pero aún así defiende el rol.

Finaliza con una buena escena post crédito. Así que quédate.

Vela en Netflix, Google Play y Movistar Prime.

Ficha técnica

Dirección: Francis Lawrence
Guion: Kevin Brodbin y Frank Cappello
Basada en Hellblazer de Alan Moore y Jamie Del año.
120 minutos. Año 2005.
Intérpretes:
John Constantine, Keanu Reeves
Angela e Isabel Dodson, Rachel Weisz
Chas Kramer, Shia LaBeouf
Arcángel Gabriel, Tilda Swinton
Balthazar, Gavin Rossdale
Papa Mid-Nite, Djimon Hounsou
Padre Hennessy, Pruitt Taylor Vince
Lucifer, Peter Stormare
Música: Klaus Badelt y Brian Tyler
Fotografía Philippe Rousselot
Montaje Wayne Wahrman

miércoles, 24 de junio de 2020

Yo, Daniel Blake - Por Alejandro Caro

Sinopsis

Por primera vez en su vida, víctima de problemas cardiacos, Daniel Blake, carpintero inglés de 59 años, se ve obligado a acudir a la asistencia social. Sin embargo, a pesar de que el médico le ha prohibido trabajar, la administración le obliga a buscar un empleo si no desea recibir una sanción. En la oficina de empleo, Daniel se cruza con Katie, una madre soltera con dos niños. Prisioneros de la maraña administrativa actual de Gran Bretaña, Daniel y Katie intentarán ayudarse mutuamente. 


"Yo, Daniel Blake" es un drama conmovedor y devastador que narra su historia con una imperturbable sobriedad y nos arrastra a la emoción, pero con sutileza, ironía; con personajes marginados con ingenio, rabia y humanidad. 

Un drama social y una crítica social muy presente en la cinematografía de este director inglés, aunque en esta oportunidad el guión tenga algunos baches, pero el relato es potente, fresco y sobretodo humano. 

El cine de Loach, es un cine que no deja indiferente y a muchos molesta y puede ser acusado de simplista, pero el mensaje no pierde fuerza porque sigue vigente: la clase trabajadora sigue igual o peor que hace 30 años, y Loach no se cansará de gritarlo. Por lo demás, es un drama muy cercano a la realidad de muchos de nuestros países.

Por último, no deseo dejar fuera algunos elementos del humanismo social del director que están presentes en este film,  gestos de camaradería, aprecio, calidez y nobleza. Eso es lo que al final nos hace humanos.  

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Yo, Daniel Blake 
Título original: I, Daniel Blake 
Año: 2016 
Duración: 100 min. 
País: Reino Unido 
Dirección: Ken Loach 
Guion: Paul Laverty 
Música: George Fenton 
Fotografía: Robbie Ryan 
Reparto: Dave Johns, Hayley Squires, Briana Shann, Dylan McKiernan, Kate Rutter, Sharon Percy, Kema Sikazwe, Steven Richens, Amanda Payne 
Género: Drama | Drama social. Trabajo, empleo. Amistad 
Productora: British Film Institute, British Film Institute, Sixteen Films 

Premios

2016: Festival de Cannes: Palma de Oro 
2016: Premios BAFTA: mejor film británico. 5 nominaciones 
2016: Premios Goya: Nominada a Mejor película europea 
2016: Premios César: Mejor película extranjera 
2016: Premios David di Donatello: Mejor film de la Unión Europea 
2016: Premios del Cine Europeo: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película 
2016: Festival de San Sebastián: Premio del público 
2016: British Independent Film Awards (BIFA): Mejor actor. 5 nominaciones

martes, 23 de junio de 2020

La mujer más odiada de los EEUU. - Por Jackie O.

“Mujer, abuela y madre, eso quiero que diga mi lápida”.

Madalyn Murray O'Hair fue una ruda abogada llevada por sus ideas, lo que no es malo. Lo malo es que era muy irrespetuosa en sus dichos y forma de actuar, que generó el desprecio de muchos, pero así también de muchos seguidores.

Una mujer que era madre soltera de dos hijos, que vivía con sus padres creyentes de dios, su padre leía sagradamente la biblia y “cristianamente” no aceptaba a su prójimo en una época polémica de blancos y negros como lo eran los años 60.

Vivía en una sociedad de hipócritas.

Ella era honesta en decir que no creía en Dios: “prefiero que creen hospitales en vez de iglesias”, “Jesús no pedía el diezmo cuando predicaba”…

(A veces no es bueno decir las cosas en voz alta, sino que callarlas. En especial en una sociedad que se rige por la imagen, por el que dirán)

Confieso que no conocía la existencia de este polémico personaje de la sociedad americana, fundadora de "Ateos Americanos", organización dedicada a defender las libertades civiles de las personas ateas, y me resultó bastante interesante.

La película muestra su secuestro con analepsias de su pasado y de cómo comenzó toda esta aventura de crear esta organización. Todo producto de que no aceptó que a su hijo mayor lo obligaran a rezar en el colegio.

A pesar de que es un derecho fundamental que estaba contemplado en la Primera Enmienda de la Constitución Norteamérica, no eran respetados pues se imponía una creencia determinada en diferentes ámbitos de la vida social, como en la educación aunque ésta fuese pública, ya que a los estudiantes se les obligaba a orar no importando sus creencias.

Como abogada hizo valer sus derechos llevando el hecho a la corte, sobre la libertad de culto, la libre expresión. Ganando.

Madalyn Murray fue una revolucionaria que quería romper con los paradigmas sociales de esa época que estaban muy arraigados.

Así comenzó a hacer protestas, discursos públicos y generó una multitud de ateos seguidores, y amasar una gran fortuna.

Pues toda organización termina generando dinero.

Melissa Leo, ejecuta un buen trabajo que la hace realmente insoportable. El resto de personajes solo está de relleno, pero no molestan.

La película es correcta sin tomar ningún riesgo, lo que me habría gustado. Tiene un tono más burlesco que serio, y eso que se trata de su secuestro y sus trágicas consecuencias.

Haber sabido más quien era este personaje y que hacía con el dinero me habría interesado mucho que lo explotaran más, pues no mostraba ostentar nada.

Aun así, es una película interesante para conocer sobre esta peculiar mujer.

DISPONIBLE EN NETFLIX

Ficha técnica

Título original: The Most Hated Woman in America
Dirigido por Tommy O'Haver
Año 2017. Minutos: 91.
Producido por Max Handelman, Elizabeth Banks y Laura Rister
Escrito por Tommy O'Haver e Irene Turner
Elenco:
Melissa Leo como Madalyn Murray O'Hair , una activista atea.
Josh Lucas como David Waters, el ex manager de los ateos estadounidenses que es el autor intelectual de su secuestro.
Michael Chernus como Jon Garth Murray, el leal hijo menor de Madalyn.
Rory Cochrane como Gary Karr, el secuestrador.
Vincent Kartheiser como William J. "Billy Boy" Murray , el hijo mayor de Madalyn que se convierte al cristianismo.
Adam Scott como Jack Ferguson, el periodista que primero investiga el secuestro.
Juno Temple como Robin Murray O'Hair, la nieta devota de Madalyn y la hija de Bill.
Brandon Mychal Smith como Roy Collier, la mano derecha de Madalyn en los ateos estadounidenses, que primero expone el secuestro.
Peter Fonda como el reverendo Bob Harrington, el pastor cristiano que hizo debates públicos con Madalyn por dinero.

lunes, 22 de junio de 2020

1408 - Por Jackie O.

“Creo en lo que veo…” 


Mike Enslin es un exitoso escritor que disfruta del reconocimiento internacional como especialista en desacreditar los fenómenos sobrenaturales, pero todo cambiará cuando se registra en el Hotel Delfin.  

En dicho Hotel hay una habitación prohibida, la N° 1408, ahí han ocurrido muchos hechos terribles, por lo que la consideran maldita y no apta para clientes, está clausurada. Pero Enslin insiste en quedarse ahí, ya que necesita material para su próximo libro, además él deja en claro que: “Solo creo en lo que veo”. 

“1408” es el segundo libro de la colección de audiolibros titulada Blood and Smoke, de Stephen King publicada en 1999. En el año 2002, fue reimpresa e incluida como la duodécima historia corta de la compilación “Todo es eventual: 14 relatos oscuros”. En el prólogo de la historia, King dice que "1408" es su versión de lo que él llama "La Habitación Fantasmal del Hotel". 

¿Qué podemos esperar de esta película?  

Terror no. No te vende los saltos bruscos de asiento, gritos ni gore.  

Es entretención con su dosis de misterio sobrenatural, y eso hace que se disfrute. 

Todo sucede en una habitación, en donde la puesta en escena, los efectos de sonido, la música se cuadran bien en la trama, tiene algunos efectos especiales bien jugados (aunque pocos), y John Cusack, quien es escritor que no le teme a fantasmas, se presenta con problemas psicológicos debido a la muerte de su pequeña hija. Y su estancia en la habitación, hace que libre una batalla con sus demonios internos. La soledad y los temores del protagonista florecerán paulatinamente, haciendo que dude de sí mismo y de lo que le rodea. 

En que falla según yo, es que este cuento lo alargaron innecesariamente para la pantalla grande, eso hace que vaya decayendo más menos en la mitad de la película, para luego subir (es como una montaña rusa). Y caen en el típico eslogan Hollywoodenses que es, colocar grandes nombres en papeles secundarios donde la participación es breve (en este caso Samuel L. Jackson, pero marca presencia). 

Aun así vale verla para pasar un buen rato. 

La encuentras en Youtube. 

Ficha técnica

Título: 1408 
Dirección: Mikael Håfström 
Año: 2007. Duración: 104 minutos 
Basada en, 1408 de Stephen King 
Guion: Matt Greenberg, Scott Alexander y Larry Karaszewski 
Música: Gabriel Yared 
Fotografía: Benoît Delhomme 
Reparto 
John Cusack como Mike Enslin. 
Samuel L. Jackson como Gerald Olin. 
Mary McCormack como Lily Enslin. 
Tony Shalhoub como Sam Farrell. 
Len Cariou como Padre de Mike. 
Jasmine Jessica Anthony como Katie Enslin.

La Red Avispa - Por Carlos Correa

René González -Édgar Ramírez-, roba un avión, vuela bajo los radares y aterriza en una base militar en Miami. Huye de Cuba para iniciar una nueva vida en Estados Unidos y justifica su deserción porque en la isla escasea todo; la electricidad y la comida. Atrás queda su esposa Olga Salanueva -Penélope Cruz- y su hija Irma, lo que hace aun más difícil su radical decisión. Corren los años 90 y los cruces en balsa desde la isla a las costas de Florida están en pleno apogeo. René, recién llegado, se une a un grupo de exiliados cubanos y opositores de Castro denominado “Hermanos al rescate”, que es liderada por José Basulto -Leonardo Sbaraglia-, y que vuelan sobre el espacio aéreo cubano para ayudar a los balseros a completar su anhelado viaje. Este grupo también realiza operaciones militares para degradar la industria turística cubana y tiene más de alguna conexión con el contrabando de drogas y armas en centro américa.

Dirigida por Olivier Assayas e inspirada en el libro “The Last Soldiers on the Cold War” de Fernando Morais, “Wasp Network” está basada en el caso denominado “Miami Five”, cinco oficiales de inteligencia cubanos destinados a observar e infiltrarse en los grupos terroristas “Alpha 66”, los “Comandos F4”, la “Fundación Nacional Cubano Americana” y “Hermanos al Rescate” formando una red de contraespionaje llamada “La Red Avispa” dirigida por Manuel Viramontez, también conocido como Gerardo Hernández que es interpretado por Gael García Bernal.

El guion escrito por el mismo Olivier Assayas abarca muchos personajes. Por ejemplo, otro piloto cubano, Juan Pablo Roque -Wagner Moura-, escapa del régimen militar nadando aguas peligrosas, solicita asilo político en la Base Naval de Guantánamo y llega a Miami. La película lo muestra como una estrella, se establece en territorio norteamericano y se casa con Ana Margarita Martínez -Ana de Armas-. Poco después regresa a La Habana dejando clara su misión de infiltrado en asociaciones anticastristas como primer aviso que las cosas no son lo que parecen y que en realidad nuestro protagonista, René González, no es un “gusano” sino un verdadero héroe de la revolución.

La cinta tiene una premisa interesante que lamentablemente se enreda por la forma sinuosa que adquiere el relato. Si bien la acción se centra en René y en Olga, la aparición y desaparición de otros personajes diluyen la tensión narrativa. Es allí donde se confunden los roles, de buenas a primeras entendemos poco lo que está pasando y solo algunas luces nos dan cuenta que en realidad “La Red Avispa” es una contra organización castrista. Al despejar incógnitas, la trama se hace más interesante, los hechos reales cobran protagonismo y las bombas C-4 detonadas en hoteles de La Habana en septiembre de 1997 marcan un giro radical en la historia.

“La Red Avispa” tiene un elenco potente. Vemos a sus actores adoptar el acento cubano, como la española Penélope Cruz, el argentino Leonardo Sbaraglia y el venezolano Edgar Ramirez. Ellos se notan algo forzados en varias escenas aunque pasan la difícil prueba con altos y bajos. Gael García Bernal, quien entra a escena desde la mitad del relato, se ve bastante cómodo. Con él, la cinta adquiere otro tono e incluso otro ritmo, ya que se transforma en el contrapunto de los protagonistas que han sido un poco abandonados a su propia suerte.

Son numerosos los cabos sueltos que deja la cinta. El director juega al menos a dos bandas -en contra y a favor del régimen cubano, apoyando y criticando a las agrupaciones anticastristas norteamericanas- sin tomar un partido definitivo por alguna de las partes. Por momentos un aspecto documental asoma en el relato pero se abandona rápidamente cuando las piezas no terminan de cuajar. Aquello genera más confusión en una película que se alarga y que al final no profundiza en ninguno de sus aspectos más importantes. Lo bueno, eso si, es que deja tarea para la casa. Nos insta a investigar un poco más sobre la historia de los “Miami Five”, con lo sucedido con estas redes de espionaje-contraespionaje en los albores del siglo 21 y la realidad actual de Cuba a más de 60 años de la revolución.

Ficha técnica

Título original: Wasp Network
Año: 2019
Duración: 123 minutos
País: Francia
Productora: Coproducción Francia-España-Bélgica-Brasil; CG Cinéma / RT Features / Nostromo Pictures / Scope Pictures
Género: Thriller | Años 90. Espionaje
Guion: Olivier Assayas
Fotografía: Denis Lenoir
Reparto: Penélope Cruz, Edgar Ramirez, Wagner Moura, Gael García Bernal, Ana de Armas, Leonardo Sbaraglia, Harlys Becerra, Julian Flynn, Gisela Chipe, Steve Howard, Michael Vitovich, Brannon Cross, Stephen W. Tenner, Johanna Sol, Eric Goode, Thomas Dubyna, Ruairi Rhodes, Julio Gabay, Adria Carey Perez
Dirección: Olivier Assayas

El lado oscuro del chocolate - Por Jackie O.


"Como algo que te estimula positivamente, puede tener un amargo secreto".


Este documental fue producido por el periodista danés Miki Mistrati, que investigó el tráfico de menores de edad para la cosecha de cacao, en las costa de Marfil y otros sectores cercanos.
Aprovechando la gran pobreza de ese sector de África, es fácil conseguir mano de obra infantil para la explotación y a muy bajo costo, cuando se paga.

El tráfico de seres humanos se ha conocido por siglos, en todo tipo de trabajos. Y el chocolate no se escapó ante esta situación.

Este documental nos muestra mediante entrevistas y cámaras ocultas, como niños de entre 10 a 15 años aproximadamente, son alejados de sus hogares y vendidos a productores del cacao (y en algunos casos entregados por sus padres).
Los traficantes ganan buenas sumas de dineros por llevarlos a su destino, pero generalmente estos menores no recibían pagas.

Todas las empresas niegan que tengan a menores trabajando, todos ignoran que haya tráfico de niños, todos niegan no pagar ni malos tratos a personas. Pero cuando ponen las pruebas a la vista, las escuzas sobran.

Lo dulce, lo sabroso, ese amargor espectacular, aquel manjar afrodisíaco, recetado para curar algunas enfermedades, subir el ánimo, se transforma en un amargo dolor.

Antes de llevarnos a la boca ese magnífico bocado, crees que podríamos consultar a nuestra marca favorita:
¿Dónde se cultiva el cacao? y ¿En qué condiciones?
Crees que responderían?

DOCUMENTAL que puedes ver en YouTube.

Ficha técnica

Título original: The Dark Side of Chocolate
Duración: 46 min.
Año / País: 2010, Dinamarca
Guion: Miki Mistrati
Música: Jonas Colstrup
Fotografía: Henrik Bohn Ipsen, U. Roberto Romano, Niels Thastum.
Productora: Bastard Film

domingo, 21 de junio de 2020

5 sangres - Por Jackie O.

“Campo minado de recuerdos, paranoia, hermandad y ambición”. 


5 amigos afroamericanos encuentran en plena guerra de Vietman unos lingotes de oro.

Uno de ellos muere y escoden ese oro junto al cuerpo de su amigo con la promesa de volver por ellos.

Spike Lee nuevamente político lo mezcla con el drama, el cine bélico, y todo lo que quieran agregarle ustedes. Así como injusticia y racismo, algo que nunca acaba.

Con un hecho lamentable sucedido hace poco sobre violencia hacia un afroamericano, fue el mejor trampolín para esta película. Un hecho lamentable que sirvió para el negocio, pero que habla muy mal como seres humanos.

Con Muhammad Ali, Martin Luther King y otros se pasea LEE por varios personajes de la historia de la humanidad en esta película, en donde los “negros” han sufrido abusos. Con discursos, fotografías y videos de archivos crudos, polémicos, nos muestran el dolor y abuso vividos, se entremezclan en esta cinta mientras nuestros protagonistas viven con sus demonios en medio de la selva.

Amigos que se reúnen luego de 50 años para cumplir una promesa, pero más que eso para poder vivir en paz con ellos mismos.

La película es larga pero no tediosa, combina presente y pasado con unas analepsias bien montadas.

Las actuaciones están buenas, en especial Delroy Lindo con unos monólogos donde impregna pasión y su estrés post traumático resulta muy creíble, un buen candidato para las próximas nominaciones.

La banda sonora muy buena, me gustaba mucho cuando cantan en grupo me hizo recordar los cantos en los campos de algodones en la esclavitud (puesto intencionalmente, de seguro).

El hecho de que las analepsias los mostraran con su aspecto actual, creo yo, refleja esos demonios que no pueden dejar en el pasado, sus estresados tormentos no los abandonan y deben lidiar en el presente con ellos. Me resultó interesante esa propuesta.

Una película buena, que igual tienen sus fallas como la narrativa. Spike Lee se entrampa queriendo mostrar o decir un discurso completo en sus películas, que hacen que se mezclen hechos o situaciones de los intérpretes que a veces puede resultar inadecuado en el contexto que presenta.

Guerra, sangre, locura, ambición, recuerdos, muchas cosas verás en esta cinta que nos hacen ver a los seres humanos no importan el color, que somos egoístas e incluso ingenuos al pelear batallas (de todo tipo) por y de otros.

Recomendada.

Disponible en NETFLIX 

Ficha técnica

Título original: Da 5 Bloods
Dirección: Spike Lee
Género: Drama y cine bélico
Duración: 154 minutos
Reparto:
Delroy Lindo es Paul
Jonathan Majors es David
Clarke Peters es Otis
Norm Lewis es Eddie
Isiah Whitlock Jr. es Melvin
Chadwick Boseman es Norman Earl Holloway
Johnny Trí Nguyễn es Vinh
Mélanie Thierry es Hedy Bouvier
Jean Reno es Desroche
Veronica Ngo es Hanoi Hannah
Música: Terence Blanchard
Fotografía: Newton Thomas Sigel
País Estados Unidos

viernes, 19 de junio de 2020

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 19 de Junio 2020

Programa "En Marcha" en Radio María. SIGNIS en el Cine.

El Método Kominsky - Por Juan Pablo Donoso

Las actuaciones y los diálogos son la cumbre de esta teleserie. 

Los acontecimientos, aunque tragicómicos, corresponden al diario vivir. ¿Qué la hace tan irresistible? La exuberante humanidad de todos sus personajes, y la capacidad de mostrar tan crudamente sus flaquezas y de reírse de sus penas para evitar sucumbir.

La primera temporada trae 16 episodios de 30 minutos cada uno. Si la vemos de corrido, al cabo de 8 horas seguiremos preguntándonos a dónde conduce este apasionante relato. Tal vez la 2ª temporada traiga la respuesta. Más, lo innegable es que nos atrapa desde el primer capítulo.

Los protagonistas son 2 amigos de toda una vida, septuagenarios, con los achaques propios de la edad. Michael Douglas es Sandy Kominsky, ex actor y ahora dueño de una academia de Actuación para jóvenes en Los Ángeles. Alan Arkin, Norman, es el presidente y propietario de una gran Agencia de Talentos.

La mayoría de las teleseries- mientras nos presentan a los personajes y sus circunstancias - requieren de varios capítulos iniciales antes de entrar al meollo del conflicto. Aquí, el talento y experticia del guionista Chuck Lorre (Dos Hombre y Medio y La Teoría del Big Bang) entra de inmediato en materia con la viudez de Norman.

Otro tanto sucede con Sandy, tres veces divorciado, al intentar transmitirle a sus ilusionados alumnos los secretos de la buena actuación, sabiendo que ni el talento ni el carisma, son garantía del triunfo ni de la fama.

Subyace en ambos ancianos la sospecha de que, al margen del éxito aparente, sus vidas aún carecen de un sentido más profundo. Hay algo oculto tras el amor de sus mujeres que podría darles la esperada respuesta.

Conoceremos cómo por medio de sus hijas - aún tanto o más frágiles que ellos - siguen madurando como padres en tolerancia y humildad.

En cada capítulo asistimos a sus tormentos prostáticos, cánceres incipientes y, a la vez, a los desafíos sexuales que surgen con nuevos romances. Una mezcolanza de emociones y sentimientos en que las pasiones se entrelazan con la vejez.

Hay una continua aparición de antiguos actores cuyos cameos aportan refrescantes chispas de familiaridad al público mayor, como Danny de Vito, Ann-Margret, Elliott Gould, Patti LaBelle, Allison Janney, Haley Joel Osment entre muchos más. Y los rescates de figuras secundarias como Paul Reiser, Jane Seymour, Nancy Travis, Susan Sullivan y Lisa Edelstein.

Las sesiones de Sandy en sus clases de actuación nos permiten convivir con una variada fauna de alumnos interpretando escenas clásicas, bien o mal, y escuchando las correcciones del maestro en que, de una manera u otra, se vislumbran sus propios enigmas existenciales.

Se dice que la 2ª temporada vendría aún mejor que la 1ª. Para enamorarse de todos los personajes.

PRIMERA TEMPORADA DE UNA TELESERIE PLENAMENTE LOGRADA. LA RISA Y EL DRAMA SE MANCOMUNAN EN UN TESTIMONIO DE FRAGILIDAD Y MADUREZ. FASCINANTE.

Ficha técnica

Título Original: The Kominsky Method
2018 Tragicomedia - EE.UU. Teleserie 16 episodios - 30 min. c/u 
Fotografía: Anette Haellmigk 
Edición: Gina Sansom 
Música: Jeff Cardoni Diseño 
Prod.: Denny Dugally 
Actores: Michael Douglas, Alan Arkin, Susan Baker 
Guionista y Director: Chuck Lorre y otros

jueves, 18 de junio de 2020

Sin amor (Loveless) - Por Alejandro Caro

Sinopsis 

Una pareja disfuncional que atraviesa por un divorcio, deben unir sus fuerzas para encontrar a su hijo desaparecido después de una disputa familiar. 


El ruso Andrey Zvyagintsev a lo largo de su carrera, es un maestro de los dramas familiares. Los filmes "Leviatán"y “Elena” exploran las relaciones familiares en situaciones extremas y "Sin amor (Loveless)" no es una excepción. En este caso, no se trata de terribles secretos sino algo mucho más común pero igual de devastador: un divorcio. En especial, en cómo afecta un proceso así a los niños, siendo un caso dramático y traumático. Es una película brillante y profundamente pesimista, pero compuesta con habilidad cinematográfica e inteligencia. 

"Sin Amor" es un drama cruel, inquietante, desalentador y misterioso. Apoyado por las actuaciones y su tono, la película es una experiencia tan cautivadora aún en sus largas panorámicas de la naturaleza para ilustrar la crueldad que envuelve a una pareja en plena crisis. 

Voy a situar a Zvyagintsev en un cine de autor implacable, contundente e impecable, con un trasfondo inteligente que alcanza la conexión con el espectador por la universalidad de sus premisas y vuelve a mostrar su estilo personal para contar historias sobre el drama humano, como la incomunicación, la crueldad, el abandono y con una buena dosis de crudeza. No por nada, "Sin amor (Loveless)", es nominado a la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 2017, en el que consigue el premio del Jurado. También tiene mucho éxito en Múnich, Londres y otros festivales europeos. 

Ficha técnica

Título original: Nelyubov 
Año: 2017 
Duración: 128 minutos
País: Rusia 
Dirección: Andrey Zvyagintsev 
Guion: Andrey Zvyagintsev, Oleg Negin 
Música:Evgueni Galperine 
Fotografía: Mikhail Krichman 
Reparto: Maryana Spivak, Aleksey Rozin, Matvey Novikov, Marina Vasilyeva, Andris Keishs, Alexey Fateev 
Género: Drama | Secuestros / Desapariciones 
Productora:arte France Cinéma / Why Not Productions

Disponible en Youtube 

Premios 

2017: Premios Oscar: Nominada a mejor película de habla no inglesa 
2017: Festival de Cannes: Premio del Jurado 
2017: Globos de Oro: Nominada a Mejor película de habla no inglesa 
2017: Premios BAFTA: Nominada a Mejor película en habla no inglesa 
2017: Premios del Cine Europeo: Mejor BSO y fotografía 
2017: National Board of Review (NBR): Mejores películas extranjeras del año 
2017: Asociación de Críticos de Los Ángeles: Mejor película extranjera 
2017: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor película extranjera 
2017: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera 
2017: Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa 
2017: British Independent Film Awards (BIFA): Nom. a mejor pel. internacional indep. 
2017: Premios César: Mejor película extranjera 
2017: Premios David di Donatello: Nominada a Mejor film extranjero

martes, 16 de junio de 2020

5 Sangres - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Cuatro ex veteranos de guerra regresan a Vietnam. El presente es muy diferente a lo que dejaron atrás a principios de los años setenta. Ho Chi Minh City -Saigon- una ciudad moderna, luminosa y con gran presencia de la cultura occidental es el contrapunto de la selva donde pelearon la más cruda de sus batallas. Ellos eran cinco y se llamaban “5 sangres”. Pedieron a su referente, al jefe del escuadrón, al mejor soldado. Paul -Delroy Lindo-, Otis -Clarke Peters-, Eddie -Norm Lewis- y Melvin -Isiah Whitlock, Jr.-, vuelven entonces con dos objetivos claros: encontrar los restos de Norman -Chadwick Boseman-, para llevarlo de regreso a casa, y desenterrar un millonario tesoro destinado al pago del ejército vietnamita que dejaron oculto en el lugar.

Spike Lee y Kevin Willmott firman un guion construido sobre una historia escrita por Danny Bilson, Paul De Meo y Matthew Billingsly. Los guiños son permanentes y el tono de comedia negra y sátira no abandona el metraje. Lee se sumerge en los traumas de la guerra, en la injusticia y principalmente en el racismo. Muchas imágenes de esos años entremezcladas con las del presente evocan el envío de afroamericanos a Vietnam destinados al sacrificio de la primera línea; en secuencias crudas lo revivimos y observamos las cuestionadas decisiones de la época. Todo es veloz. Parodia, lírica y otros géneros se cruzan en pantalla y por momentos nos desorientan, sin embargo la batuta del cineasta, con convicción, no pierde nunca de vista el objetivo final. La cinta es un homenaje a los abatidos en la guerra que pasa por un explícito recuerdo de “Apocalypse Now” de Francis Ford Coppola, un referente indispensable para Lee sobre Vietnam. Pero no solo recuerda a los soldados muertos. Cuando descubrimos uno a uno a los protagonistas vemos las profundas secuelas que sufren, aquello que les atormenta, sus conflictos internos y el pulso vital que aun les mantiene con vida. Es fuerte pues no solo vemos, sino que además lo llegamos a sentir gracias a planos cercanos, llenos de detalles y de emociones.

Concebida “a gran escala”, como el mismo director señala, esta búsqueda del hermano caído y de honrar su memoria se dificulta por la codicia que despierta en cada uno de ellos el tesoro redescubierto. Esta dualidad es peligrosa, atenta contra sus principios esenciales y hace que los ex combatientes pierdan fácilmente el horizonte de realidad y también la razón. Los mismos actores se representan de jóvenes, no hay trucos ni maquillajes, algo que llama la atención y produce confusión temporal aunque la pantalla se recoja en esos momentos. Solo cobra sentido posteriormente al conocer la visión del director quien lo explica por carencia de presupuesto y las condiciones del lugar. Lee agrega que le pareció interesante “transportar el físico de los viejos a sus yo juveniles, así el espectador observa a personajes que se contemplan a sí mismos”.

La banda sonora proporcionada por Terence Blanchard es muy interesante. Colaborador de años con el cineasta, el compositor combina canciones, trozos musicales y una partitura escrita especialmente para la película. Destacan los temas de Marvin Gaye y por supuesto la famosa “Cabalgata de las valquirias”, en otro enlace con “Apocalypse…”. El oficio de Blanchard se explaya en variadas secuencias que por momentos parecieran no congeniar con la escena y que sin embargo cobran luego un valor particular.

Las referencias políticas son marcadas especialmente cuando aparecen en pantalla los ex-presidentes Lyndon B. Johnson y Nixon. En contraposición observamos la enorme figura de Martin Luther King junto a intervenciones de Muhammad Ali y muchos otros. Nada es ajeno para el cineasta quien también endurece el tono contra Donal Trump -el detalle de la gorra de campaña que usa Paul es notable- sin esquivar ningún tema. “Da 5 Bloods” es controvertida y tal vez por ello se siente tan actual. Spike Lee, fiel a su lenguaje audaz, nos provoca, nos hace sentir, nos desafía y nos lleva a reflexionar. El cine es mayormente emoción y el director nos lo recuerda secuencia tras secuencia. La fotografía nos maravilla, la música nos sumerge y el relato, que se toma bastante tiempo para un pausado desarrollo narrativo, nos llega a fascinar al recorrerlo junto a los protagonistas. Es difícil ser solo espectadores de una cinta de esta naturaleza pues indudablemente logra que nos involucremos. Lee, con talento y maestría, sabe ubicar cada elemento para lograrlo y en “5 Sangres”, una vez más, lo consigue con creces.

Ficha técnica

Título original: Da 5 Bloods
Año: 2020
Duración: 154 minutos
País: Estados Unidos
Productora: 40 Acres & A Mule Filmworks. Distribuida por Netflix
Género: Bélico. Drama | Guerra de Vietnam
Guion: Spike Lee, Kevin Willmott (Historia: Danny Bilson, Paul De Meo, Matthew Billingsly)
Música: Terence Blanchard
Fotografía: Newton Thomas Sigel
Reparto: Delroy Lindo, Clarke Peters, Norm Lewis, Isiah Whitlock Jr., Chadwick Boseman, Jonathan Majors, Jean Reno, Paul Walter Hauser, Veronica Ngo, Mélanie Thierry, Jasper Pääkkönen, Rick Shuster, Mav Kang, Alexander Winters, Devin Rumer, Casey Clark, Andrey Kasushkin
Dirección: Spike Lee

Mary Shelley - Por Jackie O.


El inicio del subgénero "mad doctors”.


La película relata la historia de la relación amorosa de la escritora Mary Shelley con el poeta Percy Bysshe Shelley, y su inspiración para crear Frankenstein.

Poco se sabe de esta gran escritora Mary Wollstonecraft Godwin. Quién en su época, y como bien sabemos, las mujeres eran pasadas a segundo plano.

Está película más que intensificar sobre su vida literaria, que habría sido muy interesante, es más bien una historia romántica con su esposo. Y viéndola desde ese punto de vista y quien no conoce bien a la escritora, está bien.

Elle Fanning, como Mary y sin tener un parecido físico a ella, si tiene ese aire de época que la hace ideal para el rol. Traspasa su ingenuidad, pasión, libertad, motivación y desmoronamiento a la pantalla. Ella lleva el peso de la obra, que teniendo a muchos personajes de la literatura en ella, pasan más bien desapercibidos por sus actuaciones.

La ambientación es la adecuada, un vestuario simple en momentos y ostentoso en otros, rememora los momentos de altos y bajos que vivió esta joven escritora cuando era amante y posteriormente esposa de Percy.

Su relación con su padre, madrastra, hermastra y amigos, nos da una pincelada de su vida, en especial aquel momento esperado por todos: la creación de su gran obra.

La creación de este monstruo que de la muerte nacía, refleja su vida: La historia con varios abortos, infidelidades de su pareja, el alejamiento de su familia, su deseo de escribir, su espíritu libre y sus depresiones. Ella necesitaba revivir, necesita ese shock de electricidad para renacer.

La historia como señalé se va más a la parte romántica y dramática de su vida.
Habría sido interesante escudriñar más y mejor su vida literaria, en especial el momento de cómo se imagino está gran novela. Así como habría sido bueno saber más de su madre que fue una gran feminista de la época. 

Pero es una entretención para quienes gustan de los dramas de época, y en especial si trata de alguien tan famoso y poco conocido (para algunos) como es la gran Mary Shelley.

Ficha técnica

Netflix
120 minutos. AÑO 2017
DIRECCIÓN, Haifaa al-Mansour
Elenco: 
Elle Fanning como Mary Shelley
Douglas Booth como Percy Bysshe Shelley
Tom Sturridge como Lord Byron
Bel Powley como Claire Clairmont
Stephen Dillane como William Godwin
Ben Hardy como John William Polidori
Maisie Williams como Isabel Baxter
Joanne Froggatt como Mary Jane Clairmont.
Ficha TÉCNICA:
Producción. Alan Moloney
Guion. Emma Jensen
Música. Amelia Warner
Fotografía. David Ungaro
Montaje. Alex Mackie

lunes, 15 de junio de 2020

El alienista - Por Jackie O.

¿Qué hay detrás de la mente de un criminal para cometer actos viles?


Sinopsis:

A fines del siglo XIX el Dr. Laszlo Kreizler, con la ayuda de John Moore, Sara Howard y el comisionado de policía Theodore Roosevelt, utiliza la disciplina emergente de la psicología para localizar a un asesino en serie de niños, en la ciudad de Nueva York.

Serie Creada por Cary Fukunaga, basada en la novela de Caleb Carr de 1994. Y que fue transmitida por TNT el año 2018, y posteriormente adquirida por Netflix.

Un thriller ambientado en 1896, nos narra la historia de un asesino en serie que mata a niños que ejercen la prostitución en Nueva York.

Donde las herramientas para poder hacer una investigación eran escasas, aparece un psiquiatra que estudia las patologías mentales de una manera moderna, y es la forma que se tiene para poder descubrir la policía a este asesino, “quién es”, pero para este psiquiatra lo importante es el “por qué”.

Junto a un grupo de profesionales compuesto por un ilustrador, el comisionado, y una dama de sociedad que se convierte en la primera mujer que trabaja en la policía, van desentrañando cada pista que van encontrando tras la muerte de estos menores de edad.

La serie es entretenida y puedes ver que no es nada nuevo bajo el sol, es historia que ya viste en otras oportunidades, pero ésta está muy bien echa porque llama la atención el morbo de la historia relacionada a crimen contra menores de edad, donde también encuentras la corrupción policial, las marcadas diferencias sociales, los protagonistas con sus dramas personales, el carisma y química del elenco, y la perfecta ambientación con detalles de los sucesos de la época tales como, la tímida aparición del cinematógrafo, la lucha de posicionamiento en las mujeres, las herramientas de los profesionales de la salud o los primeros pasos técnicos de investigación. Sin dejar de mencionar su maravilloso vestuario, el detalle de los decorados, gran fotografía, etc.

En que puede fallar, el guion tiene ciertos baches como su final que fue muy precipitado, y no se profundiza bien los traumas de los personajes. Tal vez faltó 1 o 2 capítulos más.

Aun así, es una muy entretenida serie para ver.

Se espera la segunda temporada que dicen llega a fines de julio por TNT, donde tendrá como nombre “El Alienista: Angel de la muerte”.

Obtuvo el Premio EMMY Awards, Primetime Emmy por efectos visuales especiales sobresalientes 2018.

Para mayores de 16 años.

NETFLIX.

Primer episodio: 22 de enero de 2018
Último episodio: 26 de marzo de 2018
Temporadas: 1. Episodios: 10

Elenco y personajes:
Daniel Brühl como el doctor Laszlo Kreizler
Luke Evans como John Moore
Dakota Fanning como Sara Howard
Brian Geraghty como Theodore Roosevelt
Robert Ray Wisdom como Cyrus Montrose
Douglas Smith como Marcus Isaacson
Matthew Shear como Lucius Isaacson
Q'orianka Kilcher como Mary Palmer
Matt Lintz como Stevie Taggert

viernes, 12 de junio de 2020

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 12 de Junio 2020

Programa "En Marcha" en Radio María. SIGNIS en el Cine.

 

Los Caballeros - Por Juan Pablo Donoso

Juego magistral de astucias. Hasta el último momento nos mantiene en ascuas, ignorando cuál de todos los crápulas será el vencedor.

Guion fabulosamente escrito y dirigido por Guy Ritchie - de tremenda complejidad que, gracias a su talento, resulta claro y en todo momento inquietante. (Cerdos y Diamantes (2000) - Aladino (2019).

Michael Peerson, un brillante egresado de Oxford (Matthew McConaughey), ha creado un poderoso imperio elaborando marihuana. Comprando inmuebles de aristócratas ingleses arruinados instaló una cadena de laboratorios clandestinos.

Su objetivo es vendérselos a poderosos jefes de diversas mafias internacionales, todos rivales entre sí. Provocando charcos de sangre a su paso, se rige bajo el lema de “Si deseas ser el rey de la selva no basta actuar como un rey, debes SER el rey”.

Un escritor inglés, Fletcher (Hugh Grant - Dr. House), le ha seguido el rastro por años. Escribió un guion cinematográfico con todos los detalles. De ser adquirido por algún productor, dejaría al descubierto el gigantesco imperio de la droga, y a todos los implicados. Para mantenerlo en silencio los chantajea por una elevada suma de dinero.

El filme es una maraña de tretas, con una galería de individuos diversos, que nos lleva - con elegante crueldad - de sorpresa en sorpresa. Llena de giros inesperados.

Aunque hay acción y violencia, predominan los diálogos. Cada nuevo personaje, con ironía, va incrementando la inquietud, la maldad y el suspenso. ¿Cuál de todos es más perverso y sagaz? ¿Cuál de todos estos zorros será el rey triunfador? Lo sabremos al final de este thriller que atrapa y mantiene hasta el último fotograma.

Actores de lujo para una realización que poco tiene que envidiarle a los mejores filmes de gansters de Scorsese, y narrada con un protocolo más refinado que las de Tarantino.

APASIONANTE EN SU COMPLEJIDAD. EQUILIBRA LA VIOLENCIA CON LA IRONÍA. EXCELENTE.

Ficha técnica


Título Original: The Gentlemen
Netflix
Crimen, acción Inglaterra, EE.UU. - 1,53 hrs. 
Fotografía: Alan Stewart 
Edición: James Herbert, Paul Machliss 
Música: Christopher Benstead 
Diseño Prod.: Gemma Jackson 
Actores: Matthew McConaughey, Charlie Hunnam, Colin Farrell, Hugh Grant 
Guionista y Director: Guy Ritchie

miércoles, 10 de junio de 2020

La fiebre del ladrillo - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Escrita y dirigida por Cüneyt Kaya, narra la historia de Viktor -David Kross-, un joven que se muda a Berlín en busca de oportunidades y un futuro mejor. Cuando conoce a Gerry -Frederick Lau-, se propone explotar el negocio inmobiliario y transformarse en millonario. La vida de Viktor no ha sido fácil. La infancia y adolescencia con un padre cariñoso y preocupado pero lleno de deudas forja en el protagonista un especial espíritu de resiliencia al punto de confundir la realidad. “Sonríe y conquistarás el mundo” le dice su padre, y es lo que Viktor ha decidido poner en práctica.

La película posee un ritmo ágil y tiene mucha similitud con otros trabajos que conocemos. Algo del aroma de “Atrápame si puedes” y una conexión mayor con la trama de “El lobo de Wall Street” es lo que el metraje se propone desarrollar. El texto se interna en los negocios turbios, en la corrupción y en las estafas; específicamente en cómo estos socios con la ayuda de una joven ejecutiva bancaria, Nicole -Janina Uhse-, van tejiendo una red implacable que avanza sin consideraciones legales, morales ni éticas con el solo objetivo de ganar dinero.

“La fiebre del ladrillo” -“Betonrausch” su original y “Rising High” en inglés”- juega siempre con un doble estándar, no solo en la forma de actuar de Viktor sino también con el tono con el que narra la historia. Hay tanto de drama como de comedia, el relato se nutre de ello y lo desarrolla a través de un “racconto” conducido por el propio Viktor.

El guion tiene varios cabos sueltos. No desarrolla demasiado la forma en que se producen los fraudes, especialmente los que dicen relación con los préstamos de dinero y las nuevas inversiones del negocio. Destaca a las víctimas porque desde un punto de vista el propio Viktor es una de ellas. La historia esboza a quienes quedan en el camino porque el éxito de Viktor es también su fracaso. Su matrimonio con Nicole es el día más feliz de su vida y también el comienzo del fin.

La conciencia de que el éxito no se puede comprar y que las estafas tarde o temprano se descubren -o se desmoronan por los impuestos- es lo que Viktor entiende cuando ya es demasiado tarde. En ese momento debe emplear al máximo su resiliencia y resignificar su vida. No está claro que lo pueda hacer y tampoco la historia profundiza en ello. La rueda gira y sigue girando. Tal vez la reinvención es necesaria para comenzar un nuevo ciclo. No lo sabemos, pero conocemos la sonrisa de Viktor y entendemos que con ella está decidido a conquistar el mundo.

Ficha técnica

Título original: Betonrausch
Año: 2020
Duración: 94 minutos
País: Alemania
Productora: Distribuida por Netflix
Género: Comedia | Bolsa & Negocios
Música: Christopher Bremus
Fotografía: Sebastian Bäumler
Reparto: David Kross, Emily Goss, Frederick Lau, Dejan Bucin, Janina Uhse, Jerry Kwarteng, Uwe Preuss, Silvina Buchbauer, Heike Hanold-Lynch, Alexander Yassin, Jimmy Gutzeit, Enrico Lo Verso, David Haack, Sophia Thomalla, Anne Schäfer
Guion y Dirección: Cüneyt Kaya

La Extraña Fuente de la Fortuna - Por Alejandro Caro

Sinopsis 

Sarita (Saiyami Kher) es una mujer que gracias a su trabajo en el banco, intenta sacar adelante a su familia mientras su marido Sushant (Roshan Mathew), un hombre cesante y lleno de deudas, intenta cumplir su sueño de ser músico. Pero gracias a un descubrimiento accidental, la vida de esta familia comienza a mejorar cuando Sarita encuentra…. Lo cual traerá problemas cuando averigüen su procedencia.


Este es un film dirigido por uno de los más importantes directores de la India en la actualidad, Anurag Kashyap y protagonizada por una joven actriz bolywoodense (el término Bollywood se acuñó en los años 70 para referirse a la poderosa industria del cine en idioma hindi, ubicada en Bombay) Saiyami Ker.

Con algunos tintes de thriller y un toque de comedia este drama se sitúa en 2016 cuando el gobierno indio ordenó la desmonetización de los billetes de 500 y 1000 rupias, en un intento por retirar de circulación el dinero falsificado y restar recursos, tanto, al mercado negro como al crimen organizado. Sin embargo, más allá del contexto social se centra en la historia de una mujer que intenta salir de sus problemas económicos.

La historia es sólida, pero algo plana y un poco larga. Faltó síntesis narrativa. Está bien interpretada. Por último, la relación de Sarita y Sushant pierde su fuerza, pues allí hay una fuerte crisis comunicacional de pareja que el film no resuelve bien. 

Ficha técnica

Título original: Choked  
Año: 2020 
Duración: 114 minutos
País: India 
Dirección: Anurag Kashyap 
Guion: Nihit Bhave 
Fotografía: Sylvester Fonseca 
Reparto: Saiyami Kher, Rajshri Deshpande, Amruta Subhash, Tushar Dalvi, Roshan Mathew, Aditya Kumar, Upendra Limaye, Sanjay Bhatia, Uday Nene, Milind Phatak 
Género: Drama. 
Productora: Good Bad Films. Distribuida por Netflix

Basada en hechos reales - Por José Blanco

Disponible en Amazon Prime.

El poeta simbolista Stéphane Mallarmé (1842-1898) expresó su obsesión por la página blanca, porque toda la poesía debe ponerse como única tarea representar lo absoluto. Pero para un autor cuyos libros se venden, la página blanca puede representar más que nada un mal negocio.

Es lo que sufre Delphine (Emmanuelle Seigner), autora de un best seller dedicado a su madre, que ahora recibe cartas anónimas que la acusan de haber dado a la luz historias de su familia que deberían haber permanecido privadas.

La página blanca ya no es de papel, sino que es la pantalla del computador esperando esas palabras que no llegan. Entonces, aparece Elle, o sea “Ella” (Eva Green), una admiradora que parece querer apoyarla en este difícil momento. Termina por aceptarla en compartir su departamento y se produce la situación que ya se ha visto en películas como Mujer blanca soltera busca (Single White Female, de Barber Schroeder, 1992) y El sirviente (The Servant, de Joseph Losey, 1963). O en otras del mismo Polanski, como Repulsion (1965) y Cul-de-sac (1966).

Pero hay otro tema recurrente: el de la literatura, sus lectores y sus creadores. Es el caso de La novena puerta (The Ninth Gate, 1999) y El escritor oculto (The Ghost Writer, 2010). Y si a ellas agregamos Misery, basada en el libro de Stephen King (de Rob Reiner, 1990), tenemos antecedentes más que suficientes para un déja vu.

Basada en la novela de Delphine De Vigan, la trama se apoya en la relación entre las dos mujeres, que – interpretadas a la perfección - se transforman cada una el “alter ego” de la otra. ¿O no es así? ¿Quién explota a quién? ¿Delphine está manipulando a Elle para escribir su nueva novela? Pero es Elle la que está maltratando a Delphine. Y Polanski – como es su estilo – desarrolla un relato agobiante que lleva a desconfiar de todo lo que se está viendo. Baste una sola secuencia: en el sótano hay ratas y Delphine, a pesar de su problema en la pierna, debe bajar a arrojarles el veneno. Me hizo pensar en Borges cuando, en El Aleph, cree que su amigo Daneri quiere en cerrarlo para deshacerse de él.

En realidad, el director y actor judío-polaco es un genio que ha pasado por momentos muy traumáticos y que sabe identificar los demonios más destructivos de la personalidad humana. No siempre son los representantes de una secta satánica como en El bebé de Rosemary (Rosemary’s Baby, 1968) o los miembros de un conglomerado político como en El pianista (The Pianist, 2002). ¡No! Como el William Wilson de Edgar Allan Poe, suele ser uno mismo.

(D’après une histoire vraie/Based On a True Story. Francia/Bélgica/Polonia, 2017)

lunes, 8 de junio de 2020

La buena esposa - Por Jackie O.

"Donde prima la comunicación no verbal, sobran las palabras".

Película basada en lo novela titulada "The wife", de Meg Wolitzer publicada el año 2003.

SINOPSIS: "Genn Close, interpreta a Joan la devota esposa de Joe Castleman (Jonathan Pryce), un afamado escritor a punto de recibir el Premio Nobel de Literatura en 1992. Y junto a su hijo David (Max Irons), quien sueña con convertirse en escritor, la familia se embarca a Estocolmo para recibir el galardón".

Al conocer a esta familia, es evidente que algo no marcha bien entre la pareja y existen muchas frustraciones y resentimientos entre los esposos.

A través de flashbacks que nos remontan a la década del 50 y 60, descubrimos que Joan también era escritora, incluso mejor que Joe, pero no logró tener una oportunidad en la industria por ser mujer y se conformó con el papel de la buena esposa. En un mundo de cinismo y apariencias.

En que puede fallar la cinta: el guión a veces decae un poco. Debió haberse arriesgado más el director. 

PERO LO BUENO: -El elenco, cada uno en su rol es genial.
-Las analepsis (flashback) van revelando este gran secreto que mantienen sus protagonistas, que no necesariamente se devela al final, lo descubres antes.
-Excelente ver a Annie Maude Starke interpretar a su madre de joven (sí, es hija de GClose en vida real)
-Ver a Christian Slater, ahora como ese reportero que más que instuir la verdad, la sabe y necesita la confirmación.
- GLENN habla con el silencio, sus ojos, su boca, su contención dicen más que un diálogo. Habla con el cuerpo. Es genial. Una leyenda viviente.
-El final de esta trama debía ser así, un final cortando esas cadenas, un final de liberación, como una hoja en blanco que invita a que la llenes con una nueva historia.

LOS INVITO A VER ESTE DRAMA, LENTO COMO LA VIDA DE SUS PROTAGONISTAS, LENTO PARA APRECIAR EL ENTORNO Y LA COMUNICACIÓN NO VERBAL.

DISPONIBLE EN netflix y Google Play Películas.

Ficha técnica

Título original. The Wife
Dirección. Björn Runge
Guion. Jane Anderson
Basada en The Wife, de Meg Wolitzer
Música. Jocelyn Pook
Fotografía. Ulf Brant°as
Vestuario. Trisha Biggar
Protagonistas:
Glenn Close
Jonathan Pryce
Christian Slater
Max Irons
Annie Starke
Harry Lloyd
Elizabeth McGovern

viernes, 5 de junio de 2020

La Langosta - Por Juan Pablo Donoso

Pudo ser provocativo por su temática y admirable por sus actores y realización. Quedó pretencioso, errático y progresivamente fuera de control.

Digamos que su talentoso director, el griego Yorgos Lanthimos, tal vez por inexperiencia temprana sometió su motor creativo a un exceso de revoluciones. Aprendió la lección realizando después dos excelentes películas - El Sacrificio del Ciervo Sagrado - 2017, y La Favorita - 2018 (Ambas comentadas en SIGNIS).

En ellas enmendó los ripios de ésta, consolidando un crudo estilo personal para relatar sus historias.

Pudo centrar más el tema de fondo. Se diluye en demasiados incidentes dispersos que, finalmente, sólo confunden.

Un recién divorciado arquitecto, David, se somete voluntariamente a la disciplina de un misterioso hotel en las montañas. Ahí alojan sólo personas solteras. Le dan 40 días para escoger pareja entre los clientes. De lo contrario, será transformado en un animal de su elección. Él sería langosta. Empezará la convivencia con la estrambótica variedad de pasajeros, y las excursiones al bosque para cazar solteros empedernidos que se fugaron.

Recargada de metáforas, cada vez más difusas, y personajes secundarios cuyas motivaciones parecen importantes, pero que sólo ellos conocen.

Los actores y técnicos - muy buenos - hicieron lo mejor posible confiando plenamente en el director y en el guion, convencidos que la película sería mejor de lo que resultó.

Se hace difícil detectar la idea central debido al exceso de alegorías psico-sociales.

Una interesante propuesta inicial se va poniendo cada vez más críptica. Son capas de cebolla unas dentro de otras. Pierde el eje antagónico, y hacia el final queda en tierra de nadie. Termina con un chocante final abierto, como si los autores nunca supieron como redondear la historia.

Si en algún momento quiso tener humor negro, o absurdo, a nadie hace reír. Al contrario, desagrada. Mientras suceden las cosas más brutales y aberrantes, los personajes deberán permanecer impertérritos, manteniendo los buenos modales. Crueldad imperturbable considerada una virtud.

Un fallido remedo de los guiños grotescos de Wes Anderson (El Gran Hotel Budapest-2014), Buñuel, Fellini, Hitchcock, Truffaut y, por supuesto, de Paolo Sorrentino en La Gran Belleza (2013).

Alambicada manera de plantear una sátira social, que pudo ser más breve, con diálogos más mordaces, y con personajes más empáticos. 

INTENTO PRETENCIOSO DE CINE-ARTE QUE SÓLO INTERESARÁ A QUIENES GOCEN DESCIFRANDO CLAVES REBUSCADAS. UNA CÁSCARA VACÍA.

Ficha técnica


Título Original: The Lobster - 2015 - YouTube 
Tragicomedia, sátira social Irlanda, Inglaterra, Grecia, Francia, Holanda, EE.UU. 
Fotografía: Thimios Bakatakis 
Edición: Yorgos Mavropsaridis 
Diseño Prod.: Jacqueline Abrahams 
Guion: Yorgos Lanthimos, Efthymis Filippou 
Actores: Colin Farrell, Rachel Weisz, Jessica Barden 
Director: Yorgos Lanthimos

jueves, 4 de junio de 2020

Mesías - Por Jackie O.

“La desesperanza provoca debilidad, la debilidad miedo, y el miedo provoca caos”.

Para creyente y no creyentes, para crédulos e incrédulos.

¿Qué pasaría si Dios envía a su hijo a este mundo ahora en pleno siglo 21?

¿Cuántos followers tendría?

¿Dejarías todo por seguirlo?

¿Realmente podría pasar algo así?

Bueno, muchas preguntas nos haremos durante y después de ver esta serie. Seas persona de fe o no, no pasará inadvertida. La cual señalan tajantemente que no habrá segunda temporada, pero lo dudo.

De qué trata: Un sujeto parecido a cristo aparece en pleno conflicto de Siria en el 2019, y bajo una tormenta de arena entremedio de los bombardeos a Damasco, se pone a predicar la palabra de Dios. Se autoproclama que está para traer el nuevo mundo.

El flautista de Hamelin lo apodan en la CIA, quienes alertados de la presencia de este hombre el cual está conduciendo lo que sería su rebaño a través del desierto de camino a Cisjordania, están atento. ¿Quién es? ¿Quién lo patrocina?

Se hace llamar o lo hacen llamar el mesías "Al Massih".

En la frontera es apresado por las autoridades e interrogado por Avrim Dahan, un policía local que tiene sus propios métodos de trabajo.

Pero escapa misteriosamente o milagrosamente. ¿Cómo lo hizo?

Desde el primer capítulo te atrapa, primero por el argumento atípico, por las situaciones “raras” en la que este Mesías participa, y quieres saber más en cada capítulo.

Que sucedería si un real Mesías, hijo de Dios, o como tu fe o creencias te hagan llamarlo, estuviera en este momento acá. Habría como lo muestra esta serie incredulidad de la gente, fanatismo para seguirlo, un temor del imperio (esta vez EEUU, Roma en su momento), lo llamarían falso profeta, generaría el caos entre Islam, Catolicismo y cuanta religión hay…

Muchos puntos suspensivos y signos de interrogación nos dejará.

Pero te has puesto a pensar si eso pasa? Cuantos sujetos con sus sectas han atraído a gente para embaucarlas y peor aún generar suicidios colectivos? (ojo pues hay una escena donde muestran que pasan por Waco en Texas)

¿Cómo sana de un balazo a un niño en el medio oriente, escapa de ese lugar y aparecer cerca de un tornado en Texas? Milagro para muchos, pero no para EVA una agente de la CIA a lo cual ella le encuentra explicación a todo, y no descansará hasta desacreditar su farsantería. De demostrar cómo está embaucando a la gente.

¿Milagro, terrorismo, al-Masih ad-Dajjal?

En la medida que avanza la serie, vamos conociendo a diferentes personajes y como este Mesías influye en ellos. En especial en dos discípulos que mantiene, uno en el medio oriente y otro en EEUU. A los cuales eligió estratégicamente.

La estética, la fotografía, los desafíos argumentales, los personajes son buenos con sus dudas, iras, frustraciones, además nos muestra de forma elegante a más de 1 personaje gay, etc.

Tiene sus altos y bajos pues no estamos ante una obra de arte, pero sí un buen entretenimiento que nos hará pensar quieras o no. Ya que salimos de lo común en series vistas.

¿Estamos evolucionando o involucionando como personas con respecto a nuestro valores?

Esperemos haya una segunda temporada ya que quedaron abiertos muchos temas, y lo ideal es concluir al menos parte de ellos. Sí te recomiendo dejar los subtítulos activos, pues la serie se habla en dos idiomas.

Tengo mis propias teorías en algunas cosas, pero el truco real está en hacerte creer.

Ficha técnica

Título Original: Messiah
Creada por Michael Petroni.
Serie: 1 Temporada de 10 capítulos.
Estrenada el 1 de enero de 2020 a través de Netflix.
Elenco principal:
Michelle Monaghan como la agente de la CIA, Eva Gellar
Mehdi Dehbi como Al-Massih ad dajjal
John Ortiz como Félix Iguero
Tomer Sisley como Aviram Dahan5​
Melinda Page Hamilton como Anna Iguero
Stefania LaVie Owen como Rebecca Iguero
Jane Adams como Miriam Keneally
Sayyid El Alami como Jibril Medina
Fares Landoulsi como Samir
Wil Traval como Will Mathers

miércoles, 3 de junio de 2020

De dioses y hombres - Por Alejandro Caro

Sinopsis

A finales del siglo pasado, en un monasterio situado en las montañas del Magreb (Argelia), ocho monjes cistercienses viven en perfecta armonía con sus hermanos musulmanes. Pero una ola de violencia y terror se apodera lentamente de la región. A pesar del creciente peligro que los rodea y de las amenazas de los terroristas, los monjes deciden quedarse y resistir. 

El director galo Xavier Beauvois, cuenta admirablemente y no hace trampas en esta fábula moral. Sin forzar el sentimentalismo, la historia de estos religiosos conmueve y Beauvois sorprende con este drama minimalista que se basa en un hecho real. Y es que en 1996, durante la guerra civil de Argelia, ocho monjes cristianos fueron…. por un grupo de fundamentalistas islámicos armados. Pero, lejos de centrarse en la morbosidad de lo que sucede, Beauvois se dedicó a retratar la vida cotidiana de los religiosos, sus reflexiones y opciones de vida que cada uno de ellos a realizado, por sobre la escalada de violencia que se observaban en la zona donde viven.

Este film en su narrativa te lleva a sentir los ritmos de la vida de los monjes, a pesar del ambiente que rodea la vida de estos religiosos.

Cabe destacar las grandes interpretaciones del elenco protagonista, en especial, de Lambert Wilson ("Matrix") y el veterano Michael Lonsdale ("Moonrake"). Precisamente este último se llevó el César (el equivalente francés al Goya) al mejor actor de reparto. No fue el único galardón que recogió en esta gala, pues también fue premiada a la mejor película y fotografía (Caroline Champetier).

Este es un film atemporal marcado por la humanidad y el entendimiento de lo que que es corecto, ensalsando los valores, que en estos tiempos nos hemos habituado a descreer, en todos los ámbitos politicos, religiosos y sociales. Estas son las bases que sustentan este film.


Ficha técnica

Título original: Des hommes et des dieux (Of Gods and Men)
Año: 2010
Duración: 120 minutos
País: Francia
Dirección: Xavier Beauvois
Guion: Xavier Beauvois, Etienne Comar
Música: Varios Autores
Fotografía: Caroline Champetier
Reparto: Lambert Wilson, Michael Lonsdale, Olivier Rabourdin, Philippe Laundenbach, Jacques Herlin, Loic Pichon, Xavier Maly, Jean Marie Frien, Abdelhafid Metalsi, Sabrina Quazani, Goran Kostic.
Género: Drama| Religión. Basado en hechos reales. Historia años 90.
Produccón: Why Not Pro / France 3 Cinéma

Premios

2010: Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado
2010: 3 Premios Cesar: Mejor película, actor secundario y fotografía. 11 nominaciones
2010: Nominada Premios BAFTA: Mejor película en habla no inglesa
2010: NBR - Asociación de Críticos Norteamericanos: mejor film extranjero
2010: Premios del Cine Europeo: Nominada mejor película y fotografía
2010: Premios Independent Spirit: Nominada mejor película extranjera