miércoles, 31 de diciembre de 2014

APOCALIPSIS - Por Musia Rosa

Basada en el libro "Left Behind", donde Tim LaHaye y Jerry B. Jenkins interpretan profecías bíblicas.

La historia empieza presentando a los personajes centrales para engancharnos en los conflictos familiares y las situaciones emotivas que los unen, lo que podrá llevarnos con mayor interés al desastre que anuncia el título del filme que vamos a ver.

Ellos son: Rayford (Nicolas Cage) un piloto comercial, su esposa (Lea Thomson)  temerosa de las profecías bíblicas del fin del mundo, y la hija de ambos Chloe (Cassi Thomas) quien fue a visitar a su padre que está de cumpleaños y al no encontrarlo porque ha tenido que viajar urgente a Londres, se dirige al aeropuerto sólo para saludarlo y se sorprende al  verlo demasiado animoso con la azafata que viaja con él. Chloe, a su vez, conoce en el aeropuerto a Buck, (Chad Michael Murray) un periodista que también irá en el vuelo a Londres y con quien queda levemente comprometida a volverse a ver.
Entramos al avión, completo de pasajeros, el piloto y copiloto van a la cabina y comienzan los problemas.

En acciones paralelas se va mostrando la tragedia “in crescendo” tanto  en aire, donde se encuentran Rayford y Buck, como en tierra, donde vemos a Chloe y a su hermano chico, quien desaparece en medio de la catástrofe, mostrada con el despliegue de efectos especiales al que estamos ya acostumbrados, correctas actuaciones y una buena música acorde al tema.

El director británico Vic Armstrong no ofrece mayores novedades en este género fílmico ni tampoco incursiona en los problemas personales en que quiso involucrarnos al principio.

 El cine de catástrofes apocalípticas conduce a la muerte del ser humano, que para los no creyentes es el fin de todo y para los creyentes de diversas religiones es la vida eterna, en otro estado u otra dimensión. Esto último, más la necesidad de prepararse para la muerte terrenal, unida a arrepentimientos ante males cometidos, podría ser el mensaje con que pretende el director, en una forma simple, poco trabajada y con ninguna profundidad en las alusiones bíblicas, llegar a un público que hoy día es bastante más exigente.  
Ficha técnica

Título original: “Left Behind”
País: EE.UU.
Año: 2014
Calificación:
Duración: 104 minutos
Género: Drama, Acción, Suspenso
Elenco: Nicolas Cage, Cassi Thomson, Chad Michael Murray.
Director: Vic Armstrong

EXODO - Dioses y Reyes - Por José Astorga

Al escribir de cine bíblico, tal vez la primera cinta que se nos viene a la cabeza es "Jesús de Nazaret" (1977), la miniserie para televisión realizada por Franco Zefirelli, que inmortalizó al actor inglés Robert Powell en el papel de Jesús, y que la TV muestra cada Semana Santa.

Sin embargo, este no es el principio de la larga historia, debemos remontarnos a 1907 con "Ben Hur" (un corto mudo de 15 minutos dirigido por Sidney Olcott), que se yergue como la primera cinta en estar basada en la Biblia; posteriormente, en 1916, llega "Intolerancia", de D. W. Griffith, que, en cuatro historias paralelas, nos muestra episodios tanto históricos como bíblicos de injusticia; en 1923, Cecil B. DeMille estrena "Los diez mandamientos", parte de su trilogía religiosa que completó con "Rey de reyes" (1927) y "El signo de la cruz" (1932); en 1956, hace un remake de "Los diez mandamientos" con Charlon Heston, Yul Brynner y Anne Baxter en los papeles estelares.

Posteriormente, se suman al nombre de DeMille, Mervyn LeRoy con "Quo Vadis (1951) y William Wyler, "Ben Hur" (1959), quien hace famoso a Charlton Heston en el papel de Judá Ben Hur, y recibe 11 premios Óscar de la Academia (cantidad sólo conseguida por "Titanic" en 1997 y "El señor de los anillos, el retorno del rey, en 2003).

Sin lugar a dudas, en esta extensa lista de filmes –de la que sólo nombro algunos–, se deben mencionar a "La Biblia" (1966), de John Huston y producción de Dino De Laurentiis; y, finalmente, a "La última tentación de Cristo" (1977), de Martin Scorsese, opinión personal y retrato simbólico de una apreciación subjetiva de un capítulo de las Santas Escrituras.

Todas ellas, sin embargo, concuerdan en ser películas monumentales, filmaciones épicas (y en algunos casos discursos grandilocuentes), hechas para la familia y amparadas en espectaculares efectos especiales.

Ahora, Riddley Scott, quien dirigió "Alien, el octavo pasajero" (1979), "Blade Runner" (1982) y "Prometheus" –precuela de "Alien" en 2012–, llega con "Éxodo, Dioses y reyes", –que en ningún caso es una nueva versión de "Exodus" ("Éxodo", 1960), dirigida por Otto Preminger–, filmada principalmente en Almería, Fuerteventura, y el oasis artificial de la Rambla de Tabernas, España, que originalmente sirvió de escenario a la película Lawrence de Arabia, al igual que las predecesoras, es una cinta de proporciones míticas, de escenarios colosales, magistral fotografía de paisaje y desastres bíblicos a la altura de la irá del Dios (sin nombre y con rostro de niño) que escucha el doloroso lamento de cuatrocientos años de su pueblo hebreo, esclavizado, humillado y pisoteado por los faraones egipcios y su banal idea de inmortalidad.

El discurso, sin embargo, se pierde entre la monumentalidad de los escenarios, los catastróficos efectos especiales, el paisaje majestuoso, la omnipresente y perfecta música de Alberto Iglesias (vinculado a las cintas de Pedro Almodóvar); el sonido atronador, que intenta aplastar al espectador con una atmósfera descomunal, agobiante y pútrida, cubierta de pestilencias al estilo de una dolorosa ópera de Wagner; y la libre interpretación de los hechos narrados en la Biblia y en los libros de historia.

En suma, las dos horas treinta del metraje se sienten, hasta la mullida butaca incomoda, y sólo se espera a las proverbiales plagas que azoten de una vez por todas al arrogante Ramsés y Dios haga su entrada triunfante y demuestre el poder del Cielo y abra de una vez por todas las aguas para que Moisés (porfiado y bueno para discutirle al Dios niño) logre cruzar el mar con los refugiados en pos de la Tierra Prometida y aparezcan los vaticinados créditos finales.

Ficha técnica

Titulo Original: Exodus: Gods and Kings
Distribuidor: 20th Century Fox
Duración: 150 minutos
Calificación: TE +7
Género: Bíblica - Histórica
Año: 2014
País: Estados Unidos, Reino Unido, España
Elenco: Christian Bale, Joel Edgerton, Ben Kingsley, Sigourney Weaver y María Valverde
Director: Ridley Scott

martes, 30 de diciembre de 2014

EXODO - Dioses y Reyes - Por Juan Pablo Donoso

Esta vez Ridley Scott estuvo bajo el nivel de sus famosos filmes anteriores: Gladiador – Blade Runner – Alien el 8° Pasajero – Thelma y Louise – G.I. Jane – Hannibal, para sólo nombrar algunos. Y tal vez su declarado agnosticismo influyó en el resultado.

El realizador incluso reemplaza la presencia de Yavé por la de un niño mensajero de Dios para dictarle los 10 mandamientos. ¿Para qué? ¿Sería una metáfora de su propia conciencia? Mostrado así tampoco gravita lo suficiente como dilema de fe.

Conociendo la inteligencia y prolijidad de las obras anteriores de Scott resulta extraño que al finalizar este largo filme, nos preguntemos qué reflexión importante nos quiso proponer el realizador y sus guionistas, especialmente si entre ellos estuvo Steven Zaillian, autor ni más ni menos que de La Lista de Schindler y Hanibbal entre muchos otros.  

Desde Los 10 Mandamientos de Cecil B. de Mille hasta Moisés el Legislador (1974), áspera, y realista teleserie protagonizada por Burt Lancaster, el tamaño humano y espiritual de Moisés invade el alma de cualquier relato. 

Scott declara su interés por las relaciones entre sus personajes; pero en esta película predominan las batallas, los grandes escenarios egipcios y desérticos, los episodios bíblicos imprescindibles (las plagas y el Mar Rojo), y los personajes prominentes quedan sólo esbozados, unidimensionales, y con tibia humanidad. ¿Será tal vez porque fue filmada para durar 4 horas, y hubo que recortarla?

Las plagas devastadoras y otras escenas espectaculares se resolvieron con efectos especiales demasiado obvios. ¿Serán tal vez para salvar la taquilla – US$140.000.000 – y complacer al público masivo?

Primó la INDEFINICIÓN, en cualquiera de sus opciones.

 Si bien Christian Bale (Moisés) es un buen actor, la vaguedad de los guionistas para abordar el ángulo novedoso del personaje, lo deja desdibujado, y sólo reaccionando con tibieza ante el devenir de los acontecimientos. Bajo cualquier óptica, Moisés fue uno de los máximos líderes espirituales y políticos de la historia de la cultura occidental. 

Joel Edgerton –Ramsés –joven y carismático actor australiano tuvo la suerte de tener un personaje con mayor profundidad emotiva.
La demasiado glamorosa actriz española María Valverde (Séfora), al igual que Penélope, esperó que su esposo Moisés regresara triunfante trayendo consigo a los 600.000 hebreos desde Egipto. ¿Sería tan bella y sensual a esa edad? 
Sigourney Weaver, irreconocible, pero siempre digna en su brevísimo rol.
La mayoría de los demás actores de renombre cumplen papeles muy secundarios, que pudieron ser interpretados por otros menos conocidos y que se parecieran más a los egipcios de aquella época.

Por último, la Esfinge de Giza en aquel tiempo todavía tenía nariz; se la volaron en el siglo 14 de nuestra era. Además, ¿cómo pudo Ramsés ser el ÚNICO sobreviviente del Mar Rojo?

PREDOMINARON LAS AVENTURAS, LAS LICENCIAS HISTÓRICAS Y LOS EFECTOS ESPECIALES POR SOBRE EL FONDO POLITICO Y DIVINO DEL RELATO.  MEJOR VOLVER A LA BIBLIA. 

Ficha técnica

Director: Ridley Scott 
Guionistas: Adam Cooper, Bill Collage, Jeffrey Caine y Steven Zillian
Actores: Christian Bale, Joel Edgerton, Ben Kingsley, Maria Valverde 
Bíblica – Acción
150 minutos 
Inglaterra, EE.UU. España



viernes, 26 de diciembre de 2014

Magia a la Luz de la Luna - Por Musia Rosa

Stanley (Colin Firth), un exitoso mago inglés, reconocido mundialmente, pretende desenmascarar, como lo ha hecho en muchas ocasiones, a Sophie (Ema Stone), una renombrada médium que se encuentra en la Riviera Francesa deslumbrando con sus poderes extrasensoriales.


El sarcasmo y la lógica de Stanley se cruza con la sencillez y frescor de Sophie, produciendo un encuentro vivaz, chispiante y enigmático a la vez, que mantendrá entusiasmado y en suspenso al espectador.

La simpática anécdota se desarrolla en los años 20, con la ambientación precisa: magníficos escenarios naturales, suntuosos salones, hermoso y elegante vestuario, todo ello unido al abundante diálogo con que a Woody Allen le gusta interpelar al espectador.

Las bellas imágenes más las excelentes actuaciones  logran crear un clima adecuado y atractivo para la  contienda verbal y las actitudes antagónicas de Stanley y Sophie,  frente a la vida y el amor.

Comedia ligera, sin grandes cuestionamientos existenciales ni pretensiones intelectuales, sin embargo esta pequeña historia, aunque se mueve con soltura, levedad y encanto, no deja de remecernos un poco ante el sentido de la vida, el amor, lo esotérico y la espiritualidad aquí cuestionada.

Ficha técnica

Titulo Original: Magic in the moonlight
Distribuidor: BF Distribution
Calificación: 14
Duración: 97 minutos
Género: Comedia y Drama
Año: 2014
País: Estados Unidos
Elenco: Emma Stone, Colin Firth, Marcia Gay Harden
Director: Woody Allen

Primicia mortal - Por Carlos Correa

Lou Bloom -excelente interpretación de Jake Gyllenhaal- es un joven errático que busca ganarse la vida en Los Ángeles de cualquier forma y que descubre por accidente el mundo de los camarógrafos independientes que filman exclusivas que luego venden a los ávidos canales de TV que buscan esas imágenes para nutrir su crónica roja.

Esta cinta del debutante Dan Gilroy es oscura. No solo por su filmación, sino también por su temática, valores, ética y moralidad involucrada. Los accidentes, el crimen y los desastres generan audiencia. La prensa lo sabe, hay un gran mercado que lo consume. Sin embargo, ¿no es este un círculo vicioso? Si se muestra se consume. Si no se muestra, ¿podrían cambiar las prioridades? ¿Qué es primero, la necesidad de informar o ganar la mejor exclusiva aunque se pase a llevar la dignidad de las personas? No es un tema nuevo, se ha escrito mucho de él, se ha debatido y analizado en profundidad sin llegar a una respuesta única o al menos de consenso.

Gyllenhaal deslumbra con su interpretación. Su caracterización es creíble dentro de un mundo que aparece bastante falso, caricaturizado y vacío. Rene Russo como Nina, la productora de noticias es su excelente contraparte. Le exige premura, novedad, primicia. Llegar primero es lo único importante, pero ¿dónde está el límite?. Lou Bloom es inteligente y tiene una capacidad notable de adaptarse a los escenarios que va conociendo y recorriendo. Aprende de cada situación, de cada persona. Él es el centro, no tiene principios, escrúpulos, es arriesgado y no le importa sacrificar lo necesario por alcanzar sus propios objetivos. ¿El fin justifica los medios? En este caso, indudablemente. No hay asomo de cuestionamiento y si existen algunas personas que se cruzan en el metraje que no están de acuerdo terminan cediendo por la fuerza del dinero, por la necesidad o por la fuerza de las circunstancias.

“Nightcrawler” es interesante pero hay que leerla bien. No es solo una crítica a los medios, es mucho más profunda que eso. Da cuenta del riesgo de la irreflexión, de la codicia y del poder. La influencia de las imágenes exclusivas es al parecer omnipotente. Parece superarlo todo, incluso el orden establecido y la legalidad. ¿Quién detiene este proceso que se incrementa con los avances tecnológicos y que tiene como base la libertad de expresión y de información? En ese sentido, la cinta no solo deja planteada la interrogante sino que su mensaje es que en definitiva estamos perdiendo la partida.

Ficha técnica

Titulo Original: Nightcrawler
Distribuidor: Diamond
Calificación: 14
Duración: 117 minutos
Género: Thriller, Drama y Crimen
Año: 2014
País: Estados Unidos
Elenco: Jake Gyllenhaal y Rene Russo
Director: Dan Gilroy

jueves, 25 de diciembre de 2014

Magia a la Luz de la Luna - Por Juan Pablo Donoso

Cuando Woody Allen se propone hacer una comedia simple y encantadora, siempre lo logra.

Ahora nos transporta a los años 20 en el sur de Francia con una  elegante fábula de amor y de magia.

Colin Firth (Stanley) es un famoso y engreído mago de grandes espectáculos. Se jacta de ser escéptico, racionalista, y ateo. Se siente capaz de desenmascarar hasta a los más avezados espiritistas. Un colega y amigo lo invita al sur de Francia para presentarle a una prodigiosa vidente. Lo desafía a descubrir si es falsa. Stanley acepta, y al poco tiempo cae deslumbrado por las habilidades de la joven medium estadounidense. Su escepticismo vacila e incluso se atreve a incursionar en la fe religiosa.

El filme es deliberadamente ingenuo y  trata de temas  recurrentes que obsesionan a Woody Allen: la religión, la fantasía, y el vértigo irrefrenable del amor.

Los misterios del corazón vencerán la arrogancia del mago inglés y, mediante un final feliz, lo pondrán de rodillas ante la astucia intuitiva del sexo femenino.    

Película de bellísima ambientación y lúdicos personajes secundarios, hace alarde de diálogos obvios, para que la historia se sienta clara y amena en todo momento.

El propósito  es demostrarnos que las emociones de la vida y sus giros inesperados serán siempre más mágicos y poderosos que los grandes trucos y malabares intelectuales.

FÁBULA  DE  AMOR  Y  MAGIA  ENCANTADORA  POR  SU SENCILLEZ  E  INGENUIDAD.

Ficha técnica

Titulo Original: Magic in the moonlight
Distribuidor: BF Distribution
Calificación: 14
Duración: 97 minutos
Género: Comedia y Drama
Año: 2014
País: Estados Unidos
Elenco: Emma Stone, Colin Firth, Marcia Gay Harden
Director: Woody Allen

lunes, 22 de diciembre de 2014

La mejor oferta - Por Juan Pablo Donoso

Excelente película con muchos niveles de lectura. Y todos están claros y logrados.

Un martillero, coleccionista, y gran experto en obras de arte es famoso por ser presumido, prepotente y misántropo. Hasta que una muchacha millonaria, joven y misteriosa consigue -gradualmente- derribar sus barreras de soberbia y dejarlo sometido a sus pies. 

Tornatore combina magistralmente diversos géneros: amor, suspenso, misterio, belleza y sátira; y todos ellos con fineza y profundidad.

El deslumbrante desfile de cuadros y esculturas son el caldo de cultivo visual para ablandar el corazón más duro: del protagonista y del espectador.

Si bien el tema central pareciera ser el ARTE, distante y admirable, en verdad denuncia la fragilidad, las vilezas y las imperfecciones del ser humano. 

En paralelo con las joyas de pinacoteca, la decoración y la artesanía mecánica, el autor agrega una mujer secundaria, fea y contrahecha, pero con una mente tan prodigiosa como las obras exhibidas.

Para denunciar la vulnerabilidad de todo lo supuestamente original, el relato expone su tesis:  

“Siempre hay algo auténtico en toda falsificación: porque el falsificador siente el vértigo irresistible de dejar su propia huella”.

Y al internarse en el corazón del protagonista, intenta comprobar ese planteamiento

El ARTE de AMAR será, tarde o temprano, la piedra de tope para derribar la prepotencia de cualquier parafernalia. 

Una pugna multifacética entre la Pasión y la Posesión; y Tornatore, como guionista y director, logra urdir esta trama con talento magistral. 

UNO DE  LOS  FILMES  MÁS  BELLOS, COMPLEJOS  Y  APASIONANTES  ESTRENADOS  EN CHILE  DURANTE  2014

Ficha técnica

Título original: La Migliore Oferta – The Best Offer
Fotografía: Fabio Zamarion
Música: Ennio Morricone
Artes plásticas – Romance - Suspenso
Italia – 131 minutos
Actores: Geoffrey Rush, Jim Sturgess, Sylvia Hoeks, Donald Sutherland
Director y Guionista: Giuseppe Tornatore 


viernes, 12 de diciembre de 2014

El aprendiz - Por Juan Pablo Donoso

Nuevo thriller de acción, espionaje internacional y violencia ambientado en Europa de los años 70.

El súper héroe es Pierce Brosnan, quien fue James Bond en algunos filmes anteriores. La estructura de esta fábula nos recuerda mucho aquellas, aunque con menos glamour y erotismo.

Un experto ex agente de la CIA vuelve a su antiguo trabajo debido a una misión muy personal. Un antiguo protegido y discípulo joven, ahora es antagonista que, por órdenes superiores, debe destruir a su maestro. En el conflicto están implicados oficiales con altos cargos  en el Gobierno de Estados Unidos, además del entonces candidato a Presidente de Rusia. Autoridades corruptas de todos los bandos, e implacables en su afán de asesinar a sus opositores.

Por la gran cantidad de personajes – masculinos y femeninos – la trama resulta algo compleja al comienzo. Poco a poco, gracias al ritmo de acción y de montaje, se va aclarando (en parte), ya que hay secuencias con personajes secundarios de cuya presencia podría prescindirse sin  afectar la historia total.

Las mujeres juegan un rol notorio: por sus dudosas inocencias, o por sus brutales talentos para asesinar a sangre fría.
Peter Devereaux (Brosnan) es indestructible, tanto por su experticia como ex agente, como por su capacidad para matar guardaespaldas y policías por  montones.

La muchachita principal – Olga Kurylenko – logra aquí un mejor desempeño que en Quantum Solace. Es lo mejor de su breve carrera estelar. Por su parte Brosnan, como veterano héroe de acción, cumple profesionalmente con lo que corresponde. 

Además, aquí es el padre de una niñita de 12 años que también es utilizada como rehén para intentar aplacarlo.  

ENTRETIENE A PESAR DE SUS INVEROSÍMILES HAZAÑAS DE ESPIONAJE E INTRIGA INTERNACIONAL. POCA NOVEDOSA. ERA MEJOR LA SAGA DE BOURNE.

Ficha técnica

Titulo Original: Novenmber Man
Distribuidor: BF Distribution
Calificación: +14
Duración: 108 min.
Género: Acción y Thriller
Año: 2013
País: Estados Unidos
Elenco: Eliza Taylor, Pierce Brosnan y Luke Bracey
Director: Roger Donaldson

martes, 9 de diciembre de 2014

Calvario - Por Carlos Correa

De la mano del director y guionista Irlandés, John Michael McDonagh, “Calvario” narra la historia de un sacerdote que es amenazado de muerte en una confesión. Quien lo amenaza ha sido abusado desde los 7 años por otro sacerdote que ya está muerto y busca vengar su vida asesinando a un buen sacerdote, el padre James, interpretado por el excelente Brendan Gleeson.

Filmada con serenidad en la costa de Irlanda, en los alrededores de Sligo y su incomparable montaña Benbulbin, McDonagh describe una comunidad alejada de valores, con variados estereotipos y grandes problemas. La belleza del paisaje es un contrapunto perfecto a la decadencia del pueblo que lo habita. Vemos así a un anciano escritor a punto de morir, mujeres adúlteras, un médico cínico, al extraño dueño del Pub local, a un mecánico inmigrante, un rico burgués alcoholizado, al carnicero y al comisario de policía; todos personajes dañados que contrastan con este cura bueno, ya maduro, que ha sido ordenado tras la muerte de su mujer y cuya hija le visita justamente en esta especial semana.

La cinta es fragmentada. La compone una serie de cuadros -las acciones pastorales que el Padre James sigue realizando a pesar de la amenaza- que cobran especial fuerza en la medida que se acerca el domingo elegido. El Padre sabe quien lo ha amenazado, sin embargo no lo denuncia. Solo lo habla con un obispo que no es capaz de aconsejarle sino que le traspasa toda la responsabilidad a su propia decisión. 

“Calvario” es reflexiva. Da cuenta del grave problema de abusos cometidos por sacerdotes en Irlanda y sus consecuencias posteriores donde la Iglesia es puesta en duda y sus pastores juzgados por los excesos de otros. En ese sentido, la historia es brutal, desde la primera línea del guión -la cruda confesión de los abusos y la amenaza de muerte- hasta su desenlace, provocando una tensión que no cede hasta el final. Vale la pena observarla. No deja indiferente, y tampoco entrega una clara sensación al concluir. Necesita pausa y meditación para comprender el mensaje que entrega y procesarlo. Una vez hecho esto, la película adquiere otra dimensión, que se resume en palabras del propio director: “probablemente hay películas en desarrollo sobre sacerdotes involucrados en abusos. Mi misión era hacer lo contrario de lo que hacen los demás, yo quería hacer una película sobre un buen sacerdote."

Ficha técnica

Titulo Original: Calvary
Distribuidor: 20th Century Fox (FOX-WB)
Calificación: +14
Duración: 102 minutos
Género: Drama
Año: 2014
País: Irlanda
Elenco: Brendan Gleeson, Kelly Reilly
Director: John Michael McDonagh

Caminando entre tumbas - Por Carlos Correa

Liam Nesson es Matt Scudder, un oficial retirado de la Policía de Nueva York que ahora trabaja como detective sin licencia. Su rutina es básica pero su historia es una pesada mochila emocional que lleva al hombro desde que un desafortunado incidente le hiciera renunciar. Y es un alcohólico en rehabilitación. Uno de los principales traficantes de la ciudad lo convence de ayudarlo a resolver el caso del secuestro de su mujer, por la que pagó rescate y sin embargo de igual modo fue asesinada. Scudder comienza a investigar, a encontrar cabos sueltos y pistas que le llevan por los lugares más oscuros de un sórdido Nueva York, en busca de respuestas y culpables.

El director Scott Frank filma una cinta violenta y oscura sobre una ciudad donde el miedo, la corrupción, la decadencia y la obsesión son pan de cada día. Nesson es sólido con su personaje y lidera un buen reparto que consigue credibilidad en sus actuaciones. La historia por momentos se hace confusa. Los personajes abundan, no ha mucha descripción ni diálogo, sino más bien asociaciones y un relato que avanza entre sombras.

“Caminando entre tumbas” por momentos se hace extensa, dura y cruda. Sin ceder, transita por lugares por los que nadie quisiera caminar. Y paralelo a su rudeza, la cinta también es una historia personal de salvación. Matt tiene una deuda con la vida y quiere saldarla. Aunque los medios puedan discutirse, el objetivo es su principal preocupación. ¿El fin justifica los medios? En este caso, el mensaje entregado es justamente así y es debatible. Sin embargo hay un desarrollo en aquello que alberga una pequeña esperanza en un mundo que parece avanzar hacia su propia perdición. ¿Lograremos superar la prueba? Ciertamente, de nosotros depende.

Ficha técnica

Titulo Original: : A Walk Among the Tombstones
Distribuidor: Cinecolor
Calificación: +14
Duración: 114 min.
Género: Thriller
Año: 2014
País: Estados Unidos
Elenco: Liam Nesson, Boyd Holbrook, Dan Stevens, Adam David Thompson, Ólafur Darri Ólafsson, David Harbour, Eric Nelsen y Mark Consuelos.
Director: Scott Frank

viernes, 28 de noviembre de 2014

Aurora - Por Musia Rosa

Un hecho real ocurrido en Puerto Montt y que apareció como noticia en la prensa, fue lo que impresionó y  motivó al cineasta Rodrigo Sepúlveda (“Padre Nuestro”) a conocer la historia y contarla en una película de ficción.

Sofía (Amparo Noguera) es una profesora en la localidad de Ventanas que no puede tener hijos a causa de una violación sufrida a los 14 años. Ella y su esposo (Luis Gnecco) esperan con ansias y pocas posibilidades, porque la demanda supera la oferta, adoptar un niño a quien amar.

Cuando sale en el diario que se ha encontrado una guagua muerta en un basural, Sofía se obsesiona con darle sepultura, para que el cadáver no vaya a la fosa común. La llama Aurora y recorre todos los caminos legales posibles para conseguir su objetivo. Su esposo, un santo varón, la acompaña en su empeño, pocos la entienden, hasta la creen loca y ante la pregunta del por qué quiere hacer esto, solo dice enfáticamente “porque tengo que hacerlo”, “porque sí”. 

El juez (Jaime Vadell), ante un caso insólito y sin lógica, pero con gran paciencia y aunque sin comprender la vehemencia de Sofía, le dice finalmente que la única posibilidad legal sería adoptar a la criatura muerta.

El director Rodrigo Sepúlveda logra una película inteligente y conmovedora, con  desoladoras y expresivas imágenes, del vertedero,  del humo saliendo de las industrias,  de Sofía  seis meses visitando al juez, de su estoica y denodada porfía y de las personas que la ayudan y solidarizan con ella aún sin entender.

“Aurora” es una película para pensar y meditar y verla con unción, con respeto, sin juzgar a Sofía, sólo acompañándola  en su viaje interior, desde la frustración de no ser madre, al deseo de tener un bebé a quien visitar aunque sea en su tumba, lo que quizás podría ser su terapia de sanación personal, quien sabe, la vida es un misterio y la muerte también.

Ficha técnica

País: Chile
Año: 2014
Calificación: Todo Espectador
Duración: 83 minutos
Género: Drama
Elenco: Amparo Noguera, Luis Gnecco, Francisco Pérez-Bannen, Mariana Loyola, Patricia Rivadeneira.
Director: Rodrigo Sepúlveda

viernes, 21 de noviembre de 2014

El juez - Por Carlos Correa

Hank Palmer -Robert Downey Jr.-, exitoso abogado de las grandes ligas, regresa a su pueblo natal producto de la muerte de su madre. Su padre, el Juez Palmer -Robert Duvall- lleva 42 años ejerciendo justicia en el condado y un accidente mortal lo sindica como el principal sospechoso. La relación padre - hijo es prácticamente inexistente, a pesar de lo que Hank decide defender a su padre para descubrir la verdad.

Esta película trata principalmente de humanidad. Aquella que tal vez se pierde en las grandes ciudades y bajo las adulaciones de un mundo lleno de lujos y exigencias. Habla de reencuentros, familiares, amorosos y de amistad. El camino no es sencillo para Hank. El carácter de su padre es imposible, el principal obstáculo para desarrollar una mejor relación. Y Hank tampoco se queda atrás. Su soberbia, exitismo e inteligencia le impiden en ocasiones avanzar hacia lazos afectivos más honestos, puros y simples.

“El Juez” avanza implacable en la construcción de una historia cuyo final es menos importante que su desarrollo. Su ritmo es constante, pausado, sin apuro, lo que entrega al relato un aire de tensión permanente. La producción es de muy buen nivel y las actuaciones de los protagonistas son excelentes. Probablemente supera en expectativas lo que promete y revitaliza la sensación que siempre es posible la redención y el reencuentro cuando se persevera honestamente.

Ficha técnica

Titulo Original: The Judge
Distribuidor: Warner Bros (FOX-WB)
Calificación:
Duración: 142 minutos
Género: Drama
Año: 2014
País: Estados Unidos
Elenco: Robert Downey Jr., Robert Duvall, Vera Farmiga
Director: David Dobkin

jueves, 20 de noviembre de 2014

Sinsajo parte 1 - Por Juan Pablo Donoso

Continúa la saga de JUEGOS DEL HAMBRE, inspirada en la novela homónima de Suzanne Collins.

Hay un estado totalitario futurista – Capitol - donde un grupo de jóvenes fueron seleccionados por sus destrezas para salir a luchar engañados – unos contras otros - por una bestial sobrevivencia.

SINSAJO serán dos películas – 1ª y 2ª parte – continuación de lo que sucedió a los héroes de la anterior epopeya.

El nombre SINSAJO es el de la heroína Kidniss Everdeen – una joven “supermujer” genial con el arco y las flechas. En inglés se la llama Mockinjay. 

Mega producción que pone todo en la parrilla para lograr el máximo de emoción y ganancias comerciales. Costó US$ 140.000.000.

Con varios actores antiguos y consagrados, mas una promoción de nuevos rostros juveniles.

Espectaculares efectos especiales con eximio sonido envolvente. 

Cientos de extras – reales y computarizados.

Ritmo ágil en un relato de apariencia confuso al comienzo, pero que la eficacia del guión va aclarando a medida que la acción prosigue sin ralentarse.

Los realizadores supieron graduar y compensar el dinamismo con las explicaciones verbales del cuento y – muy importante – evita cualquier profundidad psicológica de sus personajes: todos deben ser “prototipos”.
Típico manejo del “heroísmo contemporáneo”: juventud, feminismo y alarde tecnológico.

El antagonismo corre por cuenta de los adultos maduros, poderosos en dinero, pero decadentes en su elegancia, soberbia y crueldad.

Son los Rebeldes de Penem (nuestros héroes de bajo tierra) versus el poderío y sadismo de Capitolio, que tiraniza a un planeta en ruinas.

Los Rebeldes combaten desde los submundos: Distritos Numerados y en extinción – viendo morir a miles de víctimas inocentes bajo las potentes armas bélicas del enemigo dominante.

Sólo el coraje y la belleza de los jóvenes combatientes podría salvar a la humanidad de un mundo catastrófico y perversamente globalizado de aquel futuro.

Conserva la sencilla y contagiosa canción de toda la saga: El Árbol de la Horca, de James Newton Howard. 

Mejor que en la primera gesta, ahora la actriz Jennifer Lawrence comprendió mejor a su disyuntivo personaje de Katniss. La acompañamos en su dolor al descubrir que su amado Peeta sobrevivió, pero satánicamente alienado.

El final queda, obviamente, abierto para dar paso a la 2ª Parte, que ya está en filmación.


VIRTUOSO DESPLIEGUE DE ACCIÓN, FUTURISMO CORRUPTO Y HOLOCÁUSTICO.   

Ficha técnica

Titulo Original: The Hunger Games: Mockingjay - Part 1
Distribuidor: BF Distribution
Calificación: TE +7
Duración: 123 minutos
Género: Drama - Acción
Año: 2014
País: Estados Unidos
Elenco: Julianne Moore, Elizabeth Banks, Stanley Tucci, Toby Jones, Jennifer Lawrence, Jena Malone, Woody Harrelson, Donald Sutherland, Philip Seymour Hoffman, Jeffrey Wright, Natalie Dormer, Liam Hemsworth, Willow Shields, Sam Claflin, Josh Hutcherson
Director: Francis Lawrence

Sinsajo parte 1 - Por Carlos Correa

“Sinsajo” es la tercera parte de la exitosa trilogía “Los juegos del hambre” escrita por Suzzane Collins. En su versión para la pantalla grande, la historia ha sido dividida en dos partes. Katniss Everdeen -Jennifer Lawrence- ha sido rescatada del Tercer Vasallaje de los 25 por la resistencia al capitolio que habita en el Distrito 13. Liderados por la presidenta Alma Coin -Julianne Moore- los rebeldes necesitan un símbolo de la revolución para valerse de su categoría de Sinsajo y así contagiar al resto de los distritos. Katniss es la elegida para representarles, sin embargo sus contradicciones internas, sus temores e indecisiones y la necesidad de rescatar a Peeta Mellark -Josh Hutcherson-, quien ha sido capturado por el Capitolio, atentan contra dicho objetivo.

En esta cinta dirigida por Francis Lawrence, vemos un desarrollo mucho más íntimo en la protagonista. Katniss se vuelca mucho más hacia su interior, hacia sus dudas, que a la acción propiamente tal. Es como una gran preparación, un volcán que está pasivo y que en cualquier momento se activa y explota. La sensación es de máximo control. Un tenso control, que no permite toda la fluidez de las dos entregas anteriores. Y se entiende, al ser una sola historia dividida comercialmente en dos partes, pero atenta naturalmente contra el ritmo del relato que por momentos es bastante lento.

“Sinsajo” es excelente en términos de producción. El elenco destaca -es especial la memoria a Philip Seymour Hoffman- y la filmación se desarrolla a gran nivel. La música compuesta por James Newton Howard y particularmente la canción interpretada por la propia Jennifer Lawrence entregan el contraste preciso a la oscuridad general de la cinta.

Si bien esta entrega se percibe como inconclusa, está al menos un peldaño abajo de las anteriores en cuanto a su peso dramático. Para quienes no hemos leído el libro, el guión se percibe más bien plano y sin claros puntos de llegada. Es la tendencia. Es la industria comercial que obliga a separar en partes aquellas historias que deberían ser un todo. Y si bien los guionistas y quienes adaptan la historia hacen un gran esfuerzo para darle sentido unitario, estos capítulos extendidos tienden a no funcionar del todo. Habrá que esperar un año para concluir la historia. Por ahora, “Sinsajo” se prepara y nosotros aguardamos que el cierre cumpla con las expectativas generadas a lo largo de estos largos “Juegos del hambre”.

Ficha técnica

Titulo Original: The Hunger Games: Mockingjay - Part 1
Distribuidor: BF Distribution
Calificación: TE +7
Duración: 123 minutos
Género: Drama - Acción
Año: 2014
País: Estados Unidos
Elenco: Julianne Moore, Elizabeth Banks, Stanley Tucci, Toby Jones, Jennifer Lawrence, Jena Malone, Woody Harrelson, Donald Sutherland, Philip Seymour Hoffman, Jeffrey Wright, Natalie Dormer, Liam Hemsworth, Willow Shields, Sam Claflin, Josh Hutcherson
Director: Francis Lawrence

Elsa y Fred - Por Musia Rosa

¿Recuerda usted la película argentina española “Elsa y Fred”, con China Zorrilla y Manuel Alexandre, realizada en 2005 por Marcos Carnavale? Esta que nos preocupa ahora es la misma historia, pero en versión norteamericana.

Los que vimos la primera, nos parecerá, como dicen los franceses un “deja vu”. Pero eso no quiere decir que no la disfrutemos como realmente se lo merece, y los que conocerán por primera vez la historia la apreciarán y gozarán también en su justa medida.

El eje de la historia y lo que mueve la acción es la Fontana de Trevi, que vemos en grandes afiches y en pantallas de televisión, con Anita Ekberg y Marcello Matroianni en el recordado filme “La Dolce Vita de Federico Fellini, donde a ambos se los veía en un momento mágico dentro de la fuente. Y es esta escena la que ha obsesionado a la protagonista poder realizar alguna vez en su ya larga vida. 

En ambas películas las situaciones son las mismas y los diálogos también. Lo que cambia son los actores, en el personaje que interpretó la gran actriz uruguaya China Zorrilla ahora veremos a la extraordinaria Shirley MacLaine, como Elsa, la anciana vivaz y loquilla que logra sacar de la inercia y el aburrimiento al octogenario Fred, recién instalado en un departamento frente al suyo, por la hija que lo quiere, pero trata como a un inválido, y un yerno que sólo quiere su plata para instalar un nuevo negocio.

El director Michael Radford (“El Cartero”,  “El Mercader de Venecia”), con “Elsa y Fred” incursiona en el género comedia y drama, donde adultos mayores protagonizan situaciones acordes a su edad, dentro de un contexto social   donde muchas veces los más cercanos no los entienden; situación que el cine, gran espejo de la vida, sabe manifestar a través de las imágenes, logrando también así sensibilizar a las personas frente al tema de los adultos mayores.   

La diferencia en las dos versiones de “Elsa y Fred” está en la mirada latina de la primera versión y la mirada norteamericana de la segunda, donde el humor, el realismo y la chispa tienen distintas tonalidades y sabores, pero igualmente emocionan, divierten y cumplen con devolverle sentido a la vida, aunque la muerte parezca cerca, debido a que está presente el humor que todo lo aliviana y, por sobretodo, reina el verdadero amor que sostiene y trasciende la existencia humana.

Ficha técnica

Titulo Original: Elsa & Fred
Distribuidor: Diamond Films
Calificación: TE
Duración: 97 minutos
Género: Comedia - Romántica
Año: 2014
País: Estados Unidos
Elenco:Shirley MacLaine, Christopher Plummer
Director: Michael Radford

viernes, 7 de noviembre de 2014

Interestelar - Por José Astorga

El planeta Tierra está moribundo. Sólo se puede cultivar maíz. La superficie es azotada por ráfagas de nubes atemorizantes de polvo que hacen imposible la supervivencia de las futuras generaciones. La exploración del espacio ya no existe. NASA no existe, al menos en el papel.

Christopher Nolan, director entre otras cintas de "Memento", la trilogía de "Batman, el caballero de la noche" y "Superman, el hombre de acero", crea un discurso que aborda el tema de la extinción humana, de sus perspectivas evolutivas desde Einstein a Kip Thorne, este último especialista en la Teoría General de la Relatividad de Einstein, física gravitacional y astrofísica.

En su relato, Nolan no sólo analiza las teorías científicas con una perspectiva simple –para el neófito–, sino que las utiliza para dar la verosimilitud a una cinta agobiante, asfixiante, que agarra en esas montañas rusas de emociones y altibajos argumentales que, apoyados por la música, el relato visual, la coherencia del guion y las actuaciones, hacen que el espectador se agarre a la butaca y, de pronto, se vea catapultado a una distante galaxia, vecina de un gran agujero negro, que será centro y explicación de las acciones del resto de la ficción.

La historia tiene una serie de vuelcos, contada en acciones paralelas con distintas visiones espacio-temporales (el tiempo espacial, al borde de un agujero negro y en la Tierra no funcionan igual), donde los protagonistas sienten la pérdida, el abandono, la soledad, porque más que una historia de ciencia ficción, es una historia de humanidad, amor, mentira, miedo, fe, esperanza/desesperanza y fuerza para vencer la adversidad y, por sobre todo, una historia donde el amor une más que ninguna otra cosa en el universo.

En suma, una historia de humanidad, esperanza y fe, donde la ciencia es una herramienta para la supervivencia de la raza humana y, como cine, una obra acogedora y monumental.

Ficha técnica


Titulo Original: Interstellar
Distribuidor: Warner Bros
Duración: 169 minutos
Calificación: TE +7
Género: Acción – Ciencia ficción
Año: 2014
País: Estados Unidos
Elenco: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain y Michael Caine
Director: Christopher Nolan

jueves, 6 de noviembre de 2014

Interestelar - Por Carlos Correa

Coop -Matthew McConaughey- es un granjero que se ve enfrentado a un desafío mayúsculo. La tierra ha ido perdiendo su capacidad de producción de alimentos y es azotada por temporales de viento y polvo que hacen la vida cada vez más insostenible. A cargo de sus dos hijos y de su padre, su mujer murió hace unos años, Coop trata de salir adelante ante toda esta adversidad. Unas misteriosas señales, principalmente descubiertas por su hija Murph -Ellen Burstyn- les llevan a descubrir un proyecto científico que tiene como misión la búsqueda de una solución para la crisis que el planeta vive intensamente: búsqueda de nuevos horizontes, nuevas opciones, exploración más allá de los límites conocidos, un riesgo imposible de dimensionar.

Christopher Nolan nos regala tal vez su película más personal. Basado en una teoría que puede ser avalada o cuestionada, Nolan nos invita a volar y a dejar correr nuestra imaginación y nuestros sueños. El director imprime un sello particular que se encuentra en toda su filmografía que es la obsesión por el tiempo, por su relatividad, por lo circular y unidos que pueden estar los más distanciados extremos, desde lo físico a lo emocional.

“Interestelar” es una película de ciencia ficción sin embargo repleta de una profundidad emocional y humana notable. Nolan sabe sacar partido de sus personajes. Con un elenco de lujo, da forma a un filme de 169 minutos que en ningún momento pierde interés, gracias a un guión inteligente, preciso y lleno de fluidez. Anne Hathaway como la doctora Brand y Jessica Chastain como Murph ya adulta, dotan a la cinta de un peso dramático importante, creíble y sólido.

Es muy interesante tanto el fondo como la forma de esta cinta. Comprender el universo que nos presenta Christopher Nolan puede no resultar sencillo. Su construcción es particularmente gigante, universal, “interestelar”. Podemos perdernos en él, sin embargo hay un punto central que es el eje vital de todo el movimiento: el amor y los deseos profundos de poder cerrar un círculo virtuoso, especialmente afectivo pero también científico y cinematográfico.

“Interestelar” se inscribe dentro de las mejores películas de este 2014. Con una producción notable, efectos especiales adecuados y una banda sonora delicada y sobrecogedora de Hans Zimmer, la cinta propone una visión diferente a las ya conocidas historias de nuestro planeta en riesgo de extinción. Es una visión de esperanza, de humildad y principalmente de humanidad, donde claramente el mensaje es que lo que realmente nos permitirá seguir habitando la tierra va a ser nuestra capacidad de amar y de encontrar soluciones que van más allá de las posibilidades que actualmente vislumbramos. Mantener nuestra capacidad de asombro, no temer los cambios y aquello desconocido son aspectos clave para nuestra supervivencia. Es el fondo de esta película y tal vez lo más importante en el lenguaje del cine de Nolan que nos logra transmitir en cada una de su original filmografía.

Ficha técnica

Titulo Original: Interestellar
Distribuidor: Warner Bros. (FOX-WB)
Calificación: TE +7
Duración: 169 minutos
Género: Ciencia Ficción
Año: 2014
País: Estados Unidos
Elenco: Matthew McConaughey, Anne Hathaway y Jessica Chastain
Director: Christopher Nolan

viernes, 24 de octubre de 2014

Perdida - Por Carlos Correa

El día de su quinto aniversario de matrimonio, Nick Dunne -Ben Affleck-, vuelve a casa y se da cuenta que su esposa Amy -Rosamund Pike- ha desaparecido misteriosamente. Hay signos de violencia, tal vez de una pelea, la puerta está abierta... La llegada de la policía, los interrogatorios de rigor y las respuestas entregadas a los detectives Rhonda Boney -Kim Dickens- y Jim Gilpin -Patrick Fugit-, confunden aún más la historia. Hay detalles que no calzan totalmente, algunas contradicciones y varias actitudes extrañas de Nick que poco a poco lo transforman de marido ejemplar a sospechoso de secuestro y asesinato.

David Fincher es el encargado de llevar al cine la exitosa novela "Gone Girl" publicada el año 2012 por Gillian Flynn, y lo hace con maestría, apoyado en un excelente guión escrito por la propia autora. El relato es ágil. Se basa en los sucesos desde el momento de la desaparición y en un diario de vida de Amy Elliott Dunne. Estos saltos temporales entre el presente y el pasado, permiten entender el contexto, obtener antecedentes y conocer detalles de un thriller psicológico muy bien desarrollado, con una atmósfera que rememora a los maestros del suspenso.

La cinta expone varias temáticas en sus 150 minutos de duración. Por cierto está presente el matrimonio, sus crisis, sus altos y bajos, la influencia familiar que encarna la hermana de Nick y los "exitosos" padres de Amy, y la poderosa influencia que ejercen los medios de comunicación en el desarrollo del caso, entre otras. La calificación de inocencia y culpabilidad pasa de un lado a otro de la balanza, como un péndulo que no termina nunca su movimiento. La verdad y la honestidad son cuestionadas a cada momento. No sabemos quien miente, a quien creer y en quien confiar. Todo esto es parte de la excelente intriga que la película logra transmitir y no decae hasta su desenlace.

"Perdida" es una excelente cinta. Ben Affleck construye un robusto papel en el rol de Nick. Rosamund Pike, por su parte, logra dotar a Amy Elliott Dunne de las características principales de su inquietante personalidad. La mano de Flincher se deja sentir en el ritmo del relato y en la configuración de una tensión permanente. La película toca temas sensibles, aporta sucesos que no están ajenos a la realidad y además nos mantiene alertas de principio a fin. Eso si una sugerencia: no es recomendable saber muchos detalles de la historia. Es mejor dejarse llevar por los hechos e ir descubriendo junto a los protagonistas el desarrollo de los acontecimientos, pues parte del trato implícito que propone el filme es que permitamos que nos sorprenda. Y eso también está en nuestras manos, en nosotros, sus espectadores.

Ficha técnica

Titulo Original: Gone Girl
Distribuidor: 20th Century Fox
Calificación: +14
Duración: 149 minutos
Género: Drama - Thriller
Año: 2014
País: Estados Unidos
Elenco: Ben Affleck, Rosamund Pike y Neil Patrick Harris
Director: David Fincher

jueves, 23 de octubre de 2014

Sola contigo - Por Musia Rosa

María Teresa Maradei (Ariadna Gil), jefe de personal de una empresa, es una mujer separada con prohibición judicial de ver a sus hijas que están con el padre, y que vive angustiada ante esta situación  y el acoso constante de la amenaza de que morirá en 5 días.

La película es un thriller que obedece a un original guión del director Alberto Lecchi y Leonardo Siciliano, que logra sostenerse especialmente por la gran actuación protagónica de Ariadna Gil,  secundada por un  elenco, donde también vemos al actor chileno Gonzalo Valenzuela, quienes apoyan en cortos y potentes roles el desarrollo del entretenido y tortuoso argumento.

Limpias imágenes, con elocuentes “close ups”, nos dan pistas de lo que pasa  en la mente de los personajes y lo que podría suceder en el futuro de la acción, intercalando también momentos pasados que algo alumbran al espectador y lo atrapan sin soltarlo jamás.

La intriga se desarrolla en forma laberíntica, permitiéndonos conocer parte de la historia y de los personajes, en una trama urdida caprichosamente, para desorientarnos, entusiasmarnos y mantenernos en permanente misterio y suspenso hasta llegar a un desconcertante final.

Ficha técnica

Título original: Sola contigo
País: Argentina
Año: 2013
Género: Drama, Suspenso
Duración: 98 minutos
Elenco: Ariadna Gil, Leonardo Sbaraglia, Sabrina Garciarena, Gonzalo Valenzuela, Antonio Birabent, Carlos Hugo Astarain.
Director: Alberto Lecchi

sábado, 18 de octubre de 2014

Matar a un hombre - Por Musia Rosa

Es una historia que se repite día a día en las zonas marginales de la ciudad, donde los malos del barrio acosan a la gente buena que conforma familias honestas y luchadoras, quienes terminan sintiéndose impotentes frente a la lentitud y burocracia de los organismos legales, que no saben protegerlos de la maldad criminal que los aterroriza con amenazas y golpizas…hasta obligarlos   a tomarse la justicia por sus propias manos.

No vamos a contar los detalles de la historia real que narra la película, porque para eso hay que verla, sino a destacar los méritos que tiene que ya la han hecho a creedora al importante premio World Cinema del Festival de Sundance en Los Estados Unidos. También ha sido seleccionada para postular al premio Goya de España y al Oscar de Hollywood.

Es un filme honesto, que con un lenguaje cinematográfico riguroso y parco, muestra lo justo y necesario para tomar conciencia de una realidad que existe y golpea sin misericordia a muchas personas en nuestro país.

Sin música incidental, sólo con sonidos potentes va marcando la atmósfera de peligro e impotencia que empujará, paso a paso, al tranquilo protagonista a tomar una difícil decisión. 

Las limpias y elocuentes imágenes describen lo que sucede y dicen lo que básicamente sienten los personajes ante una vida precaria, difícil y valientemente asumida.

El director Alejandro Fernández, en este su tercer largometraje (Huacho, Sentados frente al fuego) nos entrega una gran película, que no habla de venganzas sino de acciones desesperadas para salvar a la familia de reiterados y crueles atentados delictuales.
Ficha técnica
  
País: Chile
Año: 2014
Calificación: Mayores de 14 años
Género: Drama
Duración: 82 minutos
Elenco: Daniel Candia, Daniel Antivilo, Alejndra Yáñez, Ariel Mateluna.
Director: Alejandro Fernández Almendras

Cantinflas - Por Juan Pablo Donoso

Lo mejor es Oscar Jaenada encarnando a Cantinflas. Logra un gran parecido físico, verbal y gestual con el personaje.

Es lamentable que a lo largo de la historia se mantenga siempre de la misma edad corporal que en sus comienzos. Otro tanto sucede con los demás personajes.

Podríamos considerarla una “glamorosa fantasía” biográfica por su tratamiento audiovisual, su música plagada de boleros, y por su narrativa que es más un homenaje a la memoria popular de Cantinflas que a la concreción de su vida. 

Quienes lo conocieron personalmente concordarán en que el filme es sólo una selección halagüeña de viñetas históricas.

El relato es un paralelo entre su contratación para el filme La Vuelta al Mundo en 80 Días de Hollywood, y sus comienzos como humilde boxeador, torero y arrequín de los vodeviles de carpa en los años 30.

Optaron por acumular etapas anecdóticas más que profundizar en el carácter y la personalidad del actor.

Tanto las actuaciones como los maquillajes y pelucas de los personajes secundarios son tan burdos que parecieran puestos así de propósito.

Los millones de admiradores de Cantinflas durante los 60 años de su carrera disfrutarán – ¡ojalá! – con esta ingenua y gruesa añoranza nostálgica.

BIOGRAFÍA  SINÓPTICA DE LA CARRERA  ARTÍSTICA  DEL GRAN BUFO MEXICANO. GENTIL GALERÍA DE GROTESCAS CARICATURAS  DE  PERSONAS REALES. 

Ficha técnica

Titulo Original: Cantinflas
Distribuidor: BF
Calificación: TE
Duración: 102 minutos
Género: Biografia - Drama
Año: 2014
País: México
Elenco: Oscar Jaenada , Luis Arrieta, Magali Boysselle y Casandra Ciangherotti.
Director: Sebastian del Amo

El Niño Rojo - Por Juan Pablo Donoso

Excelente ambientación, en todos los aspectos: vestuarios, utilería, maquillajes, y prolija selección de casas coloniales de campo y ciudad.

El Diseño de Producción nos transporta – con su recreación de época - a fines del siglo 18 y comienzos del 19.

La banda sonora a menudo nos permite escuchar ruidos de agua de las viejas destiladeras, campanas y otros sonidos propios de aquellos lugares y tiempos.

En las actuaciones se perciben ciertas irregularidades; algunos actores y actrices logran personajes carismáticos y sensibles, como la niñera mapuche, Fsco. de Miranda, y otros secundarios de breves intervenciones.

Los niños y adolescentes escogidos para interpretar las diferentes edades de Bernardo, en general son acertados.

Así mismo lo es el actor que encarna la pivotal presencia de Ambrosio O´Higgins.

Sin embargo, otros de bastante relieve, por inexplicable razón permanecen de la misma edad, apariencia y ropaje con el pasar de muchos años (¿?).

A nuestro parecer – e incluyendo todas las virtudes señaladas – la dificultad radica en el guión y en la obviedad de los diálogos.

Este filme pareciera ser la síntesis de una estupenda teleserie de muchos capítulos. Como relato unitario se siente sólo expositivo de una época histórica, y poco profundo en la psicología emocional de los personajes centrales. Si bien se “dice” y dialogan lo que supuestamente están sintiendo, la obra avanza sin permitir que los actores transmitan sus emociones más internas. En términos generales quedan claras, pero distantes, sólo “expuestas” para nuestro conocimiento.

Así, el relato carece de suspenso y se siente plano, recargado de incidentes informativos, más que de emociones empáticas hacia sus personajes.

Creemos que, sin duda, una teleserie más reposada y minuciosa de las diferentes etapas del joven Bernardo, en cada capítulo, nos acercarían más al corazón de sus figuras.
Nos preguntamos: ¿será este filme una gran sinopsis promocional de una gran teleserie?

PROLIJO  RELATO DE  LA  INFANCIA  DE  O´HIGGINS, PERO COMO PELÍCULA  DEMASIADO  SOMERA  Y  EXPOSITIVA  EN SU  DRAMATISMO.

Ficha técnica

Director: Ricardo Larraín
Actores: Francisco Ibarra, 7 años (Bernardo niño); Ignacio Plagges, 11 años (Bernardo adolescente); Daniel Kiblisky, 27 años (Bernardo joven); el actor argentino Fernando Cia, como Ambrosio O’Higgins; Ana Burgos; Álvaro Espinoza; Gabriela Arancibia; Carlos Morales; Aníbal Reina y Vilma Verdejo
Ficción semi-biográfica
Chile – 114 minutos