Mi villano favorito 4 - Por Pablo Croquevielle

Han pasado casi 15 años desde que “MI VILLANO FAVORITO” apareció en las salas de cine, anunciando el arribo de una nueva fuerza en la animación estadounidense, logrando también una máquina de dinero gracias a sus personajes animados mas famosos en muchos años –Los Minions-.

Ahora, luego de varias películas a modo de spin off, enfocadas en sus personajes amarillos de habla graciosa, estamos por fin de vuelta en la saga principal que estuvo ausente un buen tiempo. Y aún así, no es que haya muchos cambios.

Gru (Steve Carell) sigue siendo un villano reformado sin ganas de volver a su mal camino. Sigue estando muy enamorado de su familia, con su esposa Lucy (Kristen Wiig), sus hijas adoptivas Margo (Miranda Cosgrove), Edith (Dana Gaier) y Agnes (Madison Polan), y tampoco es que haga mucho con sus Minions.

Lo único nuevo que se agrega a la película es que ahora Gru es papá. Gru Jr es un mini-Gru pero con un un poquito más de cabello.
El agregado del hijo es suficiente para que la película tenga una historia para contar, y ahora con una dinámica mas enfocada en la familia, debería ser al menos interesante para comenzar una segunda trilogía para la franquicia.

El problema es que “MI VILLANO FAVORITO 4” quiere abarcar demasiados temas, junto a diferentes subtramas y personajes, pareciera que estás viendo una miniserie de 10 capítulos. Y para variar, no es sorpresa que cada una de esas historias son abandonadas rápidamente en favor de la siguiente.

Sí, tenemos un buen trabajo de iluminación y animación, las visuales como siempre resaltan para el caos que significa esta franquicia, eso no se puede negar. Pero lo sobresaturada que se encuentra esta cuarta entrega hace que se abandone mucho a los personajes o a su historia, apostando más que nada solo a chistes, personajes y pequeñas historias que no aportan en nada.
De todas maneras, si esto resulta efectivo para la audiencia más pequeña (los niños), habrá risas seguras ante tanta situación absurda.

Irónicamente, el real villano de “MI VILLANO FAVORITO 4” es él mismo y por cuán gigantes se han convertido los Minions, especialmente en la cultura popular, debido a que se han convertido –como dije anteriormente– en una máquina de hacer dinero, haciendo que todo lo demás quede en segundo o tercer plano.
La primera parte tenía buenos momentos emocionantes junto a algunos chistes y personajes que ayudaban a la trama. Esta cuarta entrega pareciera que prefiere que la audiencia cree a sus personajes en vez de que el guión (escrito por Ken Daurio y Mike White) los lleve a algún punto. Ninguno de ellos ha cambiado desde la primera película, ninguno ha envejecido y todos se sienten como un episodio de TV en vez de el comienzo de una nueva era para Gru y compañía.

En esta cuarta entrega, luego de que el viejo némesis de Gru, Maxime Le Mal (Will Ferrell) y su novia Valentina (Sofía Vergara) fuerzan a nuestro protagonista y a su familia a pedir ayuda a la ley y entrar al programa de Protección de Testigos, Margo sufre por no tener amigos en su escuela nueva y sufrir de bullying, mientras que Agnes tiene problemas en dejar a su amada mascota atrás durante la mudanza. ¿Y a Gru le importa? ¿Él ayuda a los niños? No, no hay tiempo.
Lucy obtiene un trabajo en un salón de belleza y accidentalmente arruina el cabello de una mujer rica que le exige venganza. ¿Causa algún conflicto? ¿Existe algo ahí? No, aquí no ha pasado nada, queda en anécdota y listo, movernos al siguiente problema.
Gru visita su antigua escuela, pero ahora él es un héroe y trabaja con la Liga Anti Villanos ¿Tiene problemas al ver a sus antiguos compañeros? No tenemos idea, Gru pasa por alguna que otra aventura personal aprovechando el programa pero apenas tenemos comedia.

Tampoco ayuda que todos los personajes nuevos sean olvidables, mientras que la actuación de Ferrell como siempre es sobresaliente, se siente demasiado exagerado en su acento y los diálogos de Vergara (que son muy pocos) parecen sacados de ChatGPT cuando le preguntas sobre su personaje de “Modern Family“.

Lo único que se mantiene y que realmente funciona en esta película es, adivinen…sí, los Minions otra vez. A esta altura ya te resignas a disfrutar en todo lo estúpido que hacen estas pequeñas criaturas amarillas, por que obvio, es lo que mantiene la franquicia a flote. Ahora los tienes parodiando a personajes de Marvel. Tienes al que se alarga, al musculoso, al que puede volar y al que tira lasers por los ojos como Cyclpos de los X-men.
Es estúpido, pero al final funciona, ya que se siente más como una burla al dominio de los superhéroes en el cine y a las franquicias de las que -irónicamente- ellos son parte.

MI VILLANO FAVORITO 4 tiene algunos chistes y momentos que valen la pena y sacan una sonrisa, pero te das cuenta que es una formula agotada de una franquicia que ya parece no saber como seguir.

Total, tienen a los Minions para salvar la taquilla.

Siempre habrá un mañana - Por Carlos Correa Acuña

Película que destaca por ofrecer una muestra de la transición de la posguerra italiana, un período narrado desde muchos ángulos en el cine, pero que aquí enseña una nueva voz a través de la mirada de una mujer. La directora y protagonista, Paola Cortellesi, entrega una ópera prima que no elude el riesgo y se compromete a fondo con la temática abordada.

La historia se centra en Delia, -Cortellesi-, una mujer cuya vida transcurre entre tareas domésticas y pequeños trabajos como enfermera y costurera, mientras debe soportar el maltrato de su marido Ivano -Valerio Mastandrea-. La película parte con una bofetada, signo evidente de un machismo violento que se desenvuelve en un círculo vicioso extremo. Con su base neorrealista, la cinta da cuenta de una especie de fábula capaz de hacernos reflexionar, tanto sobre el tiempo que retrata, como sobre los distintos personajes representados.

La directora posee un manejo seguro y una visión clara de lo que quiere transmitir. Su habilidad se encuentra en el equilibrio de aquellos momentos más dramáticos con números musicales que funcionan como sueños y evasión, entregando un respiro momentáneo al drama al permitir que el espectador se sumerja en un anhelo imposible que se materializa a través de la música y el baile.

Las actuaciones resultan sólidas. Cortellesi alumbra su papel, mostrando una gama de emociones que despiertan desde la empatía hasta la admiración por su fortaleza. Mastandrea, por su parte, entrega una actuación convincente que encarna la opresión del patriarcado de la época. La fotografía en blanco y negro, a cargo de Davide Leone, captura fielmente la esencia de la época, utilizando luces y la sombras para resaltar la dualidad de la vida de Delia, entre la opresión y la esperanza. La edición complementa esta visión, con cortes que enfatizan tanto la tensión dramática como aquellos momentos de verdadera liberación.

La música juega también su papel. No solo acompaña la narrativa, sino que además se convierte en otro personaje que refleja estados emocionales junto a un contrapunto que marca la realidad. Los números musicales, utilizados de manera efectiva, permiten aligerar la tensión dramática y, al mismo tiempo, intensificar el horror de cada situación.

“C’è ancora domani”, a través de su particular estética y una narrativa posmoderna, encierra lo fundamental de una época pasada y también los desafíos contemporáneos al lograr combinar un tema serio y denso con apuntes originales. Si nos quedamos con lo evidente, el machismo y la violencia, es posible que nos abrumemos profusamente, pero tal vez sea bueno incursionar en una capa que contenga otra mirada, la del amor y el tremendo cariño de Delia por sus hijos, aquello que no le permite escapar del yugo para entregarse en cuerpo y alma por el bienestar de su familia.

Con toques de humor irónico, escenas musicales y una fuerte reivindicación del rol de la mujer, este filme italiano del año 2023 ofrece una experiencia rica y a la vez compleja para reflejar la realidad, al tiempo de entregar, también, una necesaria luz de esperanza.

Ficha técnica

Título original: C’è ancora domani
Año: 2023
Duración: 118 minutos
País: Italia
Compañías: Wildside, Vision Distribution, Sky Italia, Netflix, Ministero della Cultura
Género: Comedia. Drama. Romance | Familia. Años 40
Guion: Furio Andreotti, Giulia Calenda, Paola Cortellesi
Música: Lele Marchitelli
Fotografía: Davide Leone (B&W)
Reparto: Paola Cortellesi, Valerio Mastandrea, Romana Maggiora Vergano, Emanuela Fanelli, Giorgio Colangeli, Vinicio Marchioni, Alessia Barela, Francesco Centorame, Raffaele Vannoli, Paola Tiziana Cruciani
Dirección: Paola Cortellesi

Cómplices del engaño - Por Jackie O.

Sinopsis: Gary Johnson es un apacible profesor de psicología y filosofía en la Universidad de Nueva Orleans que también trabaja de incógnito con el Departamento de Policía de Nueva Orleans para ayudar en operaciones encubiertas, pero tras bambalinas. Cuando Jasper, un policía que interpreta a falsos asesinos a sueldo para solicitar confesiones de asesinato y pagos de los sospechosos, debe ausentarse, Gary es introducido involuntariamente en su trabajo, comenzando una nueva vida para él.

Inspirada en un personaje real, el director nos sumerge en esta historia que comienza lento al mostrarnos la rutina de nuestro protagonista, pero toma vuelo cuando este pasa a tomar otro rol en su trabajo, que es el de "asesino a sueldo", por supuesto que, falso asesino a sueldo, ya que trabaja para la policía resultando muy bien en su primera misión. Gary comienza a improvisar con disfraces con cada sospechoso que le toca entrevistar, pero todo cambia cuando conoce a una de estas "clientas", Madison, una bella joven que quiere deshacerse de su abusivo marido. La atracción de Gary, quien usaba el disfraz de un nuevo personaje llamado Ron, es inmediata y la disuade de cometer tal acto delictivo. Desde ese día la vida de ambos se transforma en pasión y peligrosos enredos.

Glen Powell nos ofrece otro protagónico en este año, el año de Glen prácticamente, un actorazo que casi siempre estaba de secundario, un buen soporte en las película que participaba y agradezco su visibilización al mundo, aunque haya sido por TopGun: Maverik, digo lamentablemente, porque han pasado muchos años desde que comenzó a realizar sus primeras película. Sobre Adri Arjona, solo hace poco supe que era la hija del cantante Ricardo Arjona, pero si escudriñamos un poquito, ella no es tan desconocida si menciono la serie Andor, o la película Morbius.

En cuanto a esta cinta, tanto Glen como Adria tienen una gran química, la dinámica en la cinta es de menos a más, todo comienza con una mentira, que parece todo bien, pero de a poco hay que salir de esa mentira y enfrentar la realidad.

¿Qué pasará cuando Adria sepa que de quien se enamoró no es Ron sino que es Gary? ¿Qué estaría dispuesto a hacer Gary por Adria, y cuántos peligros estarán dispuesto a asumir?

Enredos en este thriller con toques de comedia negra, al borde del absurdo, a veces, que nos entretendrán. Buena dirección, y actuaciones secundarias buenas sin destacar a nadie en particular.

Donde los temas de identidad, la ética y lo moral, son puestos en juego

Ficha técnica

Hit Man
Dirigida por Richard Linklater
Guión de Richard Linklater y Glen Powell
Basada en "Hit Man" de Skip Hollandsworth
Protagonizada por Glen Powell, Adria Arjona, Austin Amelio, Retta, Sanjay Rao.
Cinematografía por Shane F. Kelly
Editada por Sandra Adair
Música por Graham Reynolds
2024 

115 minutos

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 28 de Junio 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.

M.A.S.H. - Por José Luis Nicolás

En un hospital de campaña en plena “Guerra de Corea”, tres médicos estadounidenses intentan aplacar la crueldad de los combates con algo de humor. Este es el argumento de M.A.S.H. (sigla que significa Mobil Army Surgical Hospital o traducido al español: Hospital Quirúrgico Móvil del Ejército), una película de Robert Altman ambientada en el conflicto que inauguró la Guerra Fría.

Esta cinta, de 1970, es protagonizada por Donald Sutherland, Tom Skerritt y Elliott Gould. Sutherland (intérprete canadiense fallecido el 20 de junio de 2024 a punto de cumplir 89) debutó en la gran pantalla como figura principal de esta comedia ambientada en un escenario donde las risas eran improbables.

M.A.S.H. es originalmente una novela de Robert Hooker. Para ser llevado a la pantalla grande, el libro fue adaptado por Ring Lardner Jr. que obtuvo un Óscar por su muy (y casi en exceso) hilarante guión.

La película (estrenada en la época de la Guerra de Vietnam) tuvo mucho éxito, tanto así que inspiró una serie homónima de gran aceptación entre los televidentes estadounidenses.

El director Robert Altman y otro de los protagonistas, Tom Skerritt, sirvieron en la Fuerza Aérea estadounidense, tiempo antes de embarcarse en este proyecto. De hecho, Altman no llegaba a los 20 años de edad cuando fungió como copiloto de un avión bombardero, en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial.

Lo cierto es que M.A.S.H. no ha envejecido bien debido a su humor machista. Tampoco goza de buena reputación al cubrir “La guerra de Corea” con un manto de optimismo inverosímil. M.A.S.H. solo nos recuerda que en una península oriental, la Unión Soviética y Estados Unidos iniciaron una confrontación que finalizó oficialmente en 1953, pero que sigue distanciando a Pyongyang y Seúl.

Disponible en Star Plus.

Ficha técnica

Año: 1970
Duración: 116 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Robert Altman
Guión: Ring Lardner Jr.. Novela: Richard Hooker
Reparto: Donald Sutherland, Tom Skerritt, Elliott Gould, Robert Duvall, Sally Kellerman
Música: Johnny Mandel
Fotografía: Harold Stine
Compañías: 20th Century Fox

Mi villano favorito 4 - Por Elizabeth Salazar T.

"Un padre en busca de conexión"

El villano calvo y no tan malo como él se cree, vuelve esta semana a los cines. En esta entrega, Gru tendrá que adaptarse a una nueva vida en el anonimato, junto a Lucy y sus hijas Margo, Edith y Agnes. Deberán vivir con una nueva identidad bajo el apellido Godinovsky, esto mientras intenta continuar con su labor de agente secreto e intenta conectar con su pequeño hijo, Gru Jr.

Lo que nos sucede en el colegio, nos marca la vida, y al parecer Gru no es la excepción, porque su nuevo enemigo es un ex compañero, Maxime Le Mal, con quien se reencuentra en una junta de egresados. La rivalidad entre los dos resurge, y Maxime junto a su novia Valentina, tratarán de encontrar a Gru y su familia, para vengarse.

Los pequeños Minions, por supuesto, son los amigos inseparables de Gru y esta vez lo acompañarán y ayudarán en esta nueva aventura. Incluso conoceremos a alguno de ellos con algunos poderes especiales… Donde están los Minions siempre hay confusión, caos y situaciones graciosas, y esta vez no será la excepción.

En su reparto en inglés, es doblado por Steve Carrell como Gru, Kristen Wiig como Lucy y Miranda Cosgrove como Margo. Además, hay otros famosos como: Will Ferrell, Sofía Vergara, Joey King, Stephen Colbert y Chloe Fineman.

Viendo esta animación, los niños pasarán un rato entretenido con las aventuras de Gru y su familia. A partir de situaciones graciosas, les enseñan a ser empáticos, no mentir, ayudar a sus pares y el sentido de familia, entre otras moralejas.

Director: Chris Renaud.
Duración: 96 Minutos.
Distribuye: Andes Films.

Siempre habrá un mañana - Por Elizabeth Salazar T.

"Una mujer resiliente"

Ambientada en Italia, en la época de postguerra, nos muestra a Delia (Paola Cortellesi), una dueña de casa que vive junto a sus hijos y su marido Ivano (Valerio Mastandrea), quien la maltrata cada vez que puede. Ella se mantiene estoica y resignada a recibir estos castigos, hasta que le llega un sobre…Una noticia revoluciona la cotidianidad, Marcella (Romana Maggiora), la hija mayor, se compromete con un simpático chico de clase media, llamado Giulio (Francesco Centorame), la joven se siente enamorada, pero también anhela escapar de su familia.

Esta película trata de forma asertiva una dolorosa historia. Delia vive en una humilde casa, en la Italia de los años cuarenta, su marido es el proveedor y como tal, se siente con todos los derechos de hacer lo que le dé la gana, es prepotente y siente que su mujer es su empleada, la trata en forma despectiva y violenta. Los hijos de la familia han crecido viendo esta situación y sin duda, los ha afectado, en especial a Marcella, que no entiende las razones de su madre para aceptar los golpes y gritos de su padre.

Filmada bellamente en blanco y negro, esta película nos remece porque muestra una realidad que era muy normalizada durante esa época. Delia se resigna a aceptar su destino, hasta que le van sucediendo una serie de hechos que la hacen replantearse, darse cuenta de lo valiosa que es. Ella anhela que sus hijos, y en especial Marcella, tengan otras posibilidades en la vida y ayuda un poco al destino para que así ocurra…

El final de este filme está marcado por un hecho histórico y creo que es un cierre muy emotivo para Delia. La protagonista y directora de “Siempre habrá un mañana” es Paola Cortellesi, quien realiza una gran actuación y una película que nos recuerda a esas historias que escuchamos de nuestras abuelas o madres, sobre alguna mujer que conocieron, o incluso de ellas mismas. Viéndola nos invita a reflexionar acerca de las posibilidades que tenemos actualmente y tomar conciencia sobre la violencia con que los hombres trataron, y algunos aún tratan, a sus mujeres (tristemente). Dolorosa, necesaria y esperanzadora.

Directora: Paola Cortellesi
Duración: 118 Minutos
Distribuye: CDI Films Chile.

Cómplices del engaño - Por Carlos Correa Acuña

Gary Johnson -Glen Powell-, es profesor de psicología y filosofía en la Universidad de Nueva Orleans. Con una vida rutinaria y nada especial, esconde un secreto: también trabaja de incógnito para el Departamento de Policía ayudando en operaciones encubiertas. Cuando Jasper -Austin Amelio-, un compañero que se hace pasar por un sicario falso para obtener confesiones y pagos, es suspendido, Gary lo debe reemplazar y asumir su papel. No está preparado, pero, a lo hecho, pecho.

Nuestro protagonista rápidamente se involucra y adopta una personalidad única para cada uno de los supuestos asesinos a sueldo, en una colorida muestra de representaciones que funciona muy bien en la pantalla, y también en la vida personal de Gary. Tanto es así, que al adoptar la personalidad de un hombre llamado "Ron" para desenmascarar a Madison -Adria Arjona-, una mujer casada que está tratando de conseguir a alguien que mate a su marido abusador, Gary se siente atraído por ella, al punto que cuando le quiere pagar, él rechaza el dinero y le sugiere que lo use para reiniciar su vida, causando gran decepción en sus compañeros de trabajo.

Liviana, simple y atractiva, “Hit Man”, escrita por el director Richard Linklater y por el propio Glen Powell, funciona gracias a varios elementos que se encuentran bien combinados y en su justa medida. Primero, es una cinta que va de menos a más, con un inicio un tanto lento, pero que poco a poco avanza y revela sus cartas haciendo que nos sumerjamos en un mundo bastante poco cierto pero al parecer real. Lo segundo que llama la atención es el carisma de Powell para disfrazarse, resultando simpático y oportuno, tanto en su diseño físico como en los acentos y personalidades empleadas en sus representaciones. Aunque son breves, cada uno de los sicarios que encarna sacan al menos alguna sonrisa, en un recurso que, aunque tal vez puede que se repita mucho, logra finalmente engancharnos.

El tercer elemento, quizás el más distintivo, es la excelente química que se da entre Powell y Adria Arjona, un efecto magnético que atrapa y sitúa al relato un peldaño más arriba, ya que no importa tanto lo que suceda con la trama -que se alarga y alarga dando vueltas sobre sí misma-, sino más bien pone el foco en la evolución de la relación de esta extraña pareja.

Glen Powell es el actor de moda, qué duda cabe, y su carrera va en vertiginoso ascenso. Su rol en esta película es otro botón de muestra, porque el peso de la película lo lleva él para sacar adelante una historia basada en hechos reales y de la que no sabemos cuánto condimento adicional le han agregado sus productores, Powell incluido.

“Cómplices del engaño”, con casi dos horas de duración, no deja de ser entretenida. Un buen ritmo y edición aportan lo suyo a una cinta que no será memorable, pero que sí resulta interesante para descansar, relajarse, reír un poco, y así disfrutar de una salida al cine una lluviosa tarde de viernes o sábado.

Ficha técnica

Título original: Hit Man
Año: 2023
Duración: 113 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: AGC Studios, Barnstorm Productions, Detour Pictures, Cinetic Media, Aggregate Films. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller. Comedia | Basado en hechos reales. Comedia negra. Neo-noir
Guion: Richard Linklater, Glen Powell, Skip Hollandsworth
Música: Graham Reynolds
Fotografía: Shane F. Kelly
Reparto: Glen Powell, Adria Arjona, Austin Amelio, Retta
Dirección: Richard Linklater

Siempre habrá un mañana - Por Juan Pablo Donoso

La talentosa actriz y guionista Paola Cortellesi (Perdóname por Existir - 2014) ahora incursionó en la dirección y superó sus marcas anteriores.

Reincide en su temática de reivindicar la dignidad de la mujer en nuestros tiempos.

Con humor agridulce nos presenta a Delia - esposa y madre de clase medía baja - durante la posguerra en los años 40 en Italia.

Junto con realizar variadas tareas para aportar dinero a la casa, recibía - ¡como algo natural! - las golpizas de su marido. Época en que una bofetada en la cara, pasaba como si nada bajo el menor pretexto.

Filmada con el nostálgico blanco y negro de los clásicos neorrealistas de Rossellini y De Sica, desde el comienzo atrae por su calidez actoral. Entrañable espontaneidad de los secundarios, incluyendo a los vecinos, abuelos y niños.

Tema verosímil que, solo en apariencia, se ve simplón y pedestre. La impotencia femenina bulle resentida bajo las convenciones sociales. Hay diálogos cotidianos que a ratos nos hacen reír, luego nos indignan para, ilusoriamente, vislumbrar rayitos de esperanza redentora.

Siendo tan realista en su tratamiento exterior, la cinta nos permite compartir las fantasías más íntimas de Delia. Así, las escenas de peor violencia se subliman en su corazón solo con bellas melodías y movimientos de danza liberada.

Pero un drama que pareciera destinado a nunca romper su monotonía, experimenta tres giros imponderables: la cena con los potenciales consuegros de la hija casadera, la recepción de una carta misteriosa que podría iluminar las tinieblas, y el muy inesperado evento final que - lejos de todo lo que nos han hecho suponer - entreabre las compuertas para la dignidad de las mujeres del futuro.

Con gran talento se nos demuestra cómo, sin claudicar de su femineidad, una esposa y madre común logra superar la estulticia del machismo ancestral.

ESTUPENDO MELODRAMA TRAGICÓMICO NARRADO EN MODO NEORREALISTA. AMENA Y MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica  

Título original: C’è ancora domani

2023 Tragicomedia familiar Italia - 1,58 hrs. 

Fotografía: Davide Leone 

Edición: Valentina Mariani 

Música: Lele Marchitelli 

Diseño Prod.: Paola Comencini 

Guion: Furio Andreotti, Giulia Calenda, Paola Cortellesi 

Actores: Paola Cortellesi, Valerio Mastandrea, Romana Maggiora 

Dirección: Paola Cortellesi

Siempre habrá un mañana - Por Jackie O.

“Levantarse y seguir con dignidad”

Roma, mayo de 1946. La ciudad está dividida al igual que el resto de Italia, entre la pobreza y la trágica devastación bélica dejada por la Segunda Guerra Mundial. Allí encontramos a Delia, una mujer casada con el maltratador Ivano, más sus tres hijos, y su suegro que yace postrado, quienes viven en la parte baja de un edificio.

Delia es una mujer muy esforzada, hace pequeños trabajos en diferentes lugares, donde va y viene, sin tener tiempo para ella. Su rostro mantiene tristeza y amargura, rara vez se le ve sonreír, pero no en su hogar. El dinero debe entregárselo a su marido quien lo gasta en lo que quiere, no hay que reclamarle nada. Además, la humilla y golpea diariamente; Delia no se protege, se entrega pues es algo habitual, es “normal” ser propiedad de alguien, es parte de lo que es un hombre en esta década de Italia, donde además la mujer no tiene derecho a nada. Su hija mayor está de novia y le urge casarse, no solo por estar enamorada, sino porque ansía salir de ese tóxico lugar. Los dos menores viven su mundo infantil.

Tenemos diversas historias, pero la violencia intrafamiliar y la enorme desigualdad de género, están muy marcadas, son el centro.

Su protagonista y también directora de esta, su primera película, utiliza el sarcasmo para contarnos una historia muy triste, eso hace que no nos devastemos tanto viéndola, de lo contrario sería para muchos llantos a mares. Nos muestra la vida de las mujeres en la postguerra romana, con desigualdad de género, la inexistente posibilidad de divorcio, la sumisión femenina que era vista normal, la violencia aceptada.

Maravillosamente construida en blanco y negro, hecho que no es fácil de hacer pues esa falta de color (que sigue siendo color) debe darse en enfoques de cámaras acertados, hace que su fotografía sea maravillosa.

Las actuaciones son fabulosas, desde su protagonista, esta mujer de cara triste, su infame marido, aquel antiguo amor, ese soldado cortés, la hija desesperada, las amigas que contienen, incluso aquellas vecinas copuchentas, le dan ese toque tan real que nos transporta a la época. El vestuario muy bueno. El maquillaje espectacular, con pequeños efectos visuales que pueden pasar desapercibidos, exquisitamente incorporados. La banda sonora muy acorde, incluso en aquellos momentos duros que los transforma en algo más liviano a la vista, pero que nuestra mente sabe lo que sucede.

Estamos ante la historia dura de una mujer que quiere y hace lo posible por el bienestar de sus hijos, de tratar de ella sobrevivir, de tomar fuerzas de flaqueza para revelarse, no importando las consecuencias. Con un final que avanza hacia la esperanza.

Gran película que ha tenido diversas nominaciones, premiada en el Festival de Roma, David Donatello, entre otros.

**No permitas que la violencia se tome tu hogar: Denuncia, pide ayuda:

Concurre a cualquier unidad de Carabineros, Policía de Investigaciones o Fiscalía.

Fono de orientación en violencia contra las mujeres (1455)

Toma medidas como, cambiar las chapas o cerraduras de puertas, avísale a familiares o amigos de la situación, bloquea su número de teléfono, no lo escuches hablar, etc.

Ficha técnica

C'è ancora domani
Dirección y guion: Paola Cortellesi
Música: Lele Marchitelli
Fotografía: Davide Leone
Italia. 2023. 112 minutos
Protagonistas: Paola Cortellesi, Valerio Mastandrea, Romana Maggiora Vergano, Emanuela Fanelli, Giorgio Colangeli, Vinicio Marchioni, Gabriele Paolocá, Francesco Centorame, Lele Vannoli

Varita Rota - Por Jackie O.

“Las diferencias generacionales”

Un joven preadolescente es enviado a la casa de su abuelo. El muchacho de mala gana llega al lugar totalmente hipnotizado por su video juego, ignorando a su animado abuelo quien lo recibe feliz. El abuelo, vestido de mago, lo trata de entretener con diversos trucos fallidos, pero eso hace que ni una mueca esboce este aburrido niño. Hasta que este abuelo se siente abrumado, recapacitando en su actitud este menor.

Un corto mudo que nos sumerge en las relaciones generacionales, nos va guiando a través de su música y colorido con dos personajes con rasgos muy definidos para expresarnos su sentir en cada segundo, lo que hace que estemos interesados en qué sucederá.

No conocemos las historias familiares de cada ser humano, si estas son buenas, cercanas o no, como para poder interpretar o censurar el actuar de cada persona. Y cuando las diferencias generacionales son muy notorias puede que no tengan intereses comunes como para acercarse, o hacer primar el respeto y poner atención al otro siendo amable ante los esfuerzos de brindar un buen momento.

Una corta historia reflexiva que nos hace pensar en cuantas “roturas” familiares existen solo por no saber comunicarnos, sin presiones y con respeto.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Título original: Broken Wand
Año: 2014. EEUU.
Duración: 3 minutos
Dirección y guion: Anne Yang, Michael Altman
Música: Wei-San Hsu
Género: Animación. Comedia. Magia. Cortometraje (animación)

Un Caballero en Moscú - Por Jackie O.

"Adaptarse o morir"

Nacido en San Petersburgo, Rusia, el 24 de octubre de 1889, Alexander Ilyich Rostov es un aristócrata recientemente llegado de Paris, el cual es condenado por un comité revolucionario en 1922 (la revolución de octubre), y aunque se esperaba que fuera declarado culpable, y ejecutado debido a un poema revolucionario atribuido a él, su vida se salva por su linaje, y se le impone arresto domiciliario de por vida por un tribunal bolchevique, en el lujoso Hotel Metropol en el centro de Moscú, donde estará sigilosamente vigilado por el camarada Osip Glebnikov, quien buscará cualquier momento en que ponga un pie fuera del hotel para matarlo sin piedad. Pero, mientras tanto, lo despoja de todos los lujos en los que vivía, llevándolo a la habitación mas pequeña y desolada en el ático del hotel. Pero sí lo deja disfrutar de las bondades del lujoso hotel en cuanto a comida y entretenimientos, esto último no era mucho, salvo leer el diario y conversar con los residentes.

Pero con lo que no contaba el camarada Glebnikov, y todos, era en la humildad, valentía, carisma y educación del Conde Rostov, que hacía que cada día no fuera el último, sino que, a medida que el régimen soviético cae en la tiranía, el Conde, quien en su vida nunca tuvo que esforzarse en nada, nunca trabajó, nunca necesitó nada, descubre el valor del amor, el coraje y la comunidad, donde vemos cómo. a medida que pasa un año, 2, 5, 10... y muchos más años, su relación con el camarada Glebnikov se va modificando en ciertos aspectos. La amistad que entabla el Conde con los empleados hace que sean su familia, el curioso lazo con una menor de edad, Nina, lo transforma. Y la llegada de la joven actriz Anna Urbanova le da esperanza. Pero su peor enemigo, con los años, radica bajo su mismo techo, teniendo que lidiar con él hasta el último momento.

Pero no hablamos de un hecho verídico, más bien es un personaje ficticio creado por el escritor Amor Towles en su novela de 2016, pero que nos hace reflexionar sobre la vida en esa época tumultuosa de Rusia, y por qué no, sobre la vida misma.

Estéticamente es un trabajo muy bien cuidado en todos sus detalles, la ambientación es asombrosa llevándonos, aunque con pocas instalaciones, a dicha época, sus escenarios están bien tratados, siendo parte de la vida del Conde con momentos de alegría y tristeza. La fotografía y las cámaras están bien posicionadas, la música con una elegante introducción, más la banda sonora en cada capítulo nos impregna de nostalgia. Las actuaciones son muy buenas, con un McGregor entregado al rol, donde es imposible no encantarnos con el personaje, un hombre quien vivió una lamentable situación que es la de estar privado de libertad sin haber cometido delito (al parecer), y por más que su entorno sea agradable, la sensación de encierro no la pierde, solo sabe de su exterior por el periódico y la radio, pero no puede salir a disfrutar o impregnarse de la situación país, o peor aún, con su familia.

Es un drama que carece de acción y que transcurre prácticamente en el Hotel, pero se transforma en una historia muy humana, que se destaca por la profundidad de sus personajes, ya que todos son un gran aporte para su desarrollo y de la historia que se va entretejiendo, es un mundo que se va abriendo en lo emocional. Con un humor que esta justo en la tónica ,va quebrando momentos de tensión, y, contada de forma pausada al comienzo, hace que el guion fluya con delicadeza.

En qué puede fallar: aunque sabemos que la inclusión forzada que tiene la miniserie pareciera ser necesaria en esta época, puede molestar a algunos pues difiere de la novela y del momento histórica en sí. Pero calma, los actores afroamericanos son muy buenos en su rol.

Lo otro, puede ser que su comienzo pausado no haga enganchar a algunos, pero tenedle paciencia.

Disponible en Paramount +

Ficha técnica

A Gentleman in Moscow
Género: Drama histórico
Guion: Ben Vanstone Nessah Muthy
Dirigido por: Sam Miller y Sarah O'Gorman
Protagonistas: Ewan McGregor, Mary Elizabeth Winstead, Fehinti Balogun, Johnny Harris , John Heffernan
Compositor: Federico Jusid
País: Reino Unido. 2024
Episodios: 8 - Miniserie

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 21 de Junio 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro Contreras y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.

La decisión de Sophie - Por José Luis Nicolás

Brooklyn, segunda mitad de la década de 1940. A una pensión de este condado neoyorquino llega Stingo, un aspirante a escritor. Ahí se vincula a la joven pareja de Nathan y Sophie. Nathan dice que trabaja en el laboratorio Pfizer; y Sophie ejerce como transcriptora, es polaca y sobrevivió al cautiverio en Auschwitz. En la vida de esta mujer de Cracovia hay muchos secretos que no han salido a la luz, y Stingo está a punto de descubrirlos.

Este es el escenario que nos presenta La decisión de Sophie, adecuación cinematográfica de la novela homónima de William Styron, dirigida por Alan Jay Pakula en 1982. El realizador, que algunos años antes rozó la gloria gracias a Todos los hombres del Presidente, en esta cinta escribe el libreto y también queda cerca del triunfo: consigue una candidatura al Óscar en la categoría de “Mejor Guión adaptado”.

Pakula arribó al cine gracias a su amigo, el director Robert Mulligan. Con él tuvo la posibilidad de debutar muy joven en el séptimo arte, y en 1962 (con 34 años) fungió como su productor en Matar a un Ruiseñor. Desde ese icónico comienzo delineó un concepto de conducción cinematográfica que liga íntimamente el argumento con la fotografía: el énfasis en el claroscuro.

Para darle carne a este estilo, le otorga el rol de Sophie a Meryl Streep, que cumple con creces la tarea de encarnar a una mujer de rostro diáfano pero poseedora de un trágico pasado. Streep, que ya había ganado el Óscar en 1980 por Kramer vs Kramer, es capaz de invitar a Kevin Klein (intérprete de Nathan) y a Peter Mcnicol (que personifica a Stingo) a dar su mejor nivel. Y lo logra.

En La decisión de Sophie, la invitada indeseada es “la culpa”. Pero no andará libre durante las dos horas y media que dura el filme, porque será seguida de cerca por “la redención”, que agotará los medios para conseguir que Sophie se perdone a sí misma y pueda gozar del porvenir.

Disponible en Apple TV y Prime Video (en ambas para arriendo)

Ficha Técnica

Título original: Sophie's Choice
Año: 1982
Duración: 157 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Alan J. Pakula
Guión: Alan J. Pakula. Novela: William Styron
Reparto: Meryl Streep, Kevin Kline, Peter McNicol
Música: Marvin Hamlisch
Fotografía: Néstor Almendros
Compañías: ITC. Distribuidora: Universal Pictures

El Último Conjuro - Por Jackie O.

“Mala semilla”

El joven matrimonio compuesto por Miyuki y Naoto Ihara, tienen un hijo de siete años, Haruto; y vemos que disfrutan su cotidianidad de forma normal, más bien felices.

Y una tarde, el pequeño se impresiona al ver que una lagartija perdió su cola, pero su padre, para que lo tome a bien, le dice que de esa cola saldrá otra lagartija si la entierra y le reza un “mantra”, eso lo hace feliz y entierra la cola en el patio. Es un acto inocente.

Un día cualquiera, Miyuki tiene un accidente de tránsito con su hijo. Desesperado el padre, concurre al hospital y presencia la muerte de ambos. Pero las inclemencias del tiempo hacen que un rayo caiga justo en el hospital, específicamente en la sala del pequeño, reviviéndolo milagrosamente.

En un momento determinado, y mientras nadie se percata (menos nosotros), el pequeño se lleva de la morgue un dedo de su madre y lo entierra en el patio de su casa, con la intensión que vuelva a nacer como aquella lagartija, rezándole diariamente dicho mantra.

Paralelamente tenemos la historia de la joven Hiroko, una antigua compañera de trabajo y ex pretendiente de Naoto, quien trabaja en una cadena televisiva, y va al funeral a darle las condolencias a Naoto, comenzando a experimentar situaciones paranormales que ignora en un principio; sucesos que había experimentado en el pasado vuelven a atormentarla. Hasta que su canal, donde tiene un programa de “sucesos paranormales” que Hiroko encuentra que es una falsedad, entrevistan a un “vidente”, quien en una conversación privada con la joven, le señala que a ella la persigue un ente maligno.

Ambas historias se entrelazan, y nos vamos enterando sobre las situaciones paranormales que le suceden a Hiroko y que la conectan a la familia Ihara.

Naoto deja de trabajar y se dedica a su hijo, además de verse atormentado, su hijo pasa en el patio rezando y conversando con alguien que no vemos.

Hiroko y todo quien se le acerca a ella resultan accidentados o en horribles muertes, por lo que decide indagar más en la historia d este matrimonio, y descubre un maligno secreto.

El director Hideo Nakata, considerado dentro de los destacados en el género del suspenso y principalmente exponente de J-Horror, teniendo una fuerte filmografía que lo avala, nos trae en esta oportunidad una historia de celos, venganza y herencia, donde involucra, como en otras oportunidades, a mujeres y niños en problemas.

El montaje a cargo de Naoko Aono, es muy disperso. Salta de un estado a otro sin sentido, a veces, haciendo que la cinta vaya de más a menos y que, sin perder interés en la trama, no sorprenda. El guion no logra el equilibrio entre su parte terrorífica con la dramática historia de fondo.

Los efectos visuales están entre lo burdo y lo interesante, por lo que es una mezcla de momentos donde la atención siempre la mantenemos.

En cuanto a las actuaciones, los cuatro roles principales: la reportera ex colega, no alcanza a repuntar como personaje interesante, haciéndola poco creíble; el viudo es tolerable en su actuar; la fantasmagórica fallecida resulta escabrosa, tanto viva como espectral, atrapada en un maquillaje que resulta en momentos tan bello como gracioso. Y el pequeño, pareciera que es quien tiene la actuación más interesante.

Lamentablemente el director no les saca partido a otros personajes, poniéndolos en tono caricaturesco, como el médium Kenshin Daimon y su ayudante Kawasaki, e incluso la monja del orfanato donde creció Miyuki, pero pasan con demasiada rapidez en la historia y solo sirven para tener un par de secuencias atrayentes, u ofrecer información a los protagonistas y telespectadores sobre la trama.

Como señalé, Kurasawa vuelve a la tónica de mujeres y niños en problemas para volverlos malignos, recordándonos películas como “Cementerio Maldito” e incluso “El Aro”. Pero, esta vez, no ha explotado con profundidad una historia que pudo haber sido terroríficamente dramática.

A pesar de tocar temas de interés, como la pérdida y lidiar con ella, los celos, las herencias que traemos de nuestros progenitores, y otros, no logra provocar, solo nos hace ver algo que puede resultar interesante.

Ficha técnica

Título original: Kinjirareta asobi. (The Forbidden Play)
Título nativo: 禁じられた遊び
Guión: Karma Shimizu y Noriaki Sugihara
Reparto:
Kanna Hashimoto, Daiki Shigeoka, Minato Shougaki, Uika First Summer, Mayu Hotta, Yuki Kura
Fotografía: Takahiro Imai
Japón. 2023. 110 minutos.

El Club de los Vándalos - Por Pablo Croquevielle

Para mirar esta obra de tuercas y motos que Nichols finalmente pudo adaptar del trabajo de Danny Lyon (el fotógrafo), hay que comprender cómo se sintió en aquel momento. Y para ver esta película hay que aguantar 45 de los más largos -y sin sentido-, minutos que Nichols no cortó de la cinta, porque si no, no tendría una historia decente que contar sobre aquella obsesión que lo acompañó por tantos años.

Tal como dice, en un momento de la película, el líder de los Vándalos, Johnny, al ver cómo todo lo que construyó se diluía entre sus pies: “puedes entregarte por completo a algo y aún así tendrá pasar lo que tiene que pasar“. Sin embargo, jamás se podrá negar que “El club de los vándalos” logra un excelente trabajo para contar sobre el mundo que Johnny tanto se esmeró por construir y está por perder, aún cuando esta es la primera película de Nichols desde su “Midnight Special” del 2016, este logra fortalecer a los personajes con su propia identidad, algo que ellos mismos tan desesperadamente tratan de alcanzar.

Johnny, interpretado de una manera bastante particular por Tom Hardy (quien se siente más como en su trabajo de Capone, 2020) solo fundó a su grupo al ver a Marlon Brando en la película “The Wild One“. Él ya era un hombre de Chicago, casado con dos hijos, y con esa idea en mente fundó un club de motocicletas donde gente con nombres tan extraños como Cucaracha, Zipco o Shitty Pete, se podían sentar a beber todo el día en el bar antes de subirse en sus motos e ir a cualquier lado. Algunos hombres solo necesitaban “el llamado“, y Marlon Brando lo fue para el líder de Los Vándalos.

Nuevamente, el deseo de ser parte de algo mas grande que tú, no es algo exclusivo de géneros, y Kathy -una camaleónica Jodie Comer-, se transforma en uno de “los chicos” una vez que posa sus ojos en el elusivo Benny (Austin Butler, quien aún tiene un poco de ese Elvis que caracterizó). Nichols usa el noviazgo de ambos personajes para entrarnos en la historia donde nos entrega una genial secuencia en que Benny estaciona fuera de la casa de Kathy y la espera (por muchas horas), para que finalmente el novio de ella de ese momento se enoje y se vaya.

“No he conocido nada más que problemas desde que conocí a Benny”, es lo que dice el personaje de Jodie como monólogo introductorio de la cinta (que recuerda de forma bastante torpe a la intro de “Goodfellas“) “Esto no puede ser amor, sino estupidez”
Y bueno, la estupidez puede ser algo bastante mágico si se comparte con las personas correctas, y el romance inicial entre Kathy y Benny genera esa química que llega hasta a Los Vándalos y a la película consigo.

El cast de la cinta de Nichols se equilibra entre lo macho duro y vulnerable. Estos chicos son muy duros pero se necesitan entre ellos como una familia de respaldo. Y la parte humana de la película funciona lo bastante bien para que el resto de personajes te interesen, pero al mismo tiempo llega un punto donde nada sucede y las escenas se sienten eternas, y pierdas por un momento el interés de lo que estás viendo.

Para los Vándalos, su historia se va rápidamente al tacho cuando el club comienza a crecer, al comienzo con filiales pequeñas, esparcidas por ahí y por allá. Pero luego al crecer y crecer, llegan personajes indeseables, llegan jóvenes con delirios de grandeza que no les importa pasar a llevar a los más viejos, quieren imponer sus costumbres. Lo nuevo contra lo pasado de moda. Así vamos viendo como Johnny entiende que lo que alguna vez construyó gracias a Marlon Brando, ya no le pertenece solamente a él y este se ve atrapado en la presión.

Nichols nos entrega finalmente una cinta sobre la golden age de las motocicletas. Una cinta que, la verdad, tenía todo para ser un nuevo clásico del cine moderno, pero al final se queda sin gas a la orilla de la carretera. Pero no se puede negar que El Club de los Vándalos tiene lo suyo, tal vez no para premios, pero sí actuaciones decentes, fotografías de paisajes bonitos y mucho ruido de motor.

El Último Conjuro - Por Juan Pablo Donoso

Un promisorio drama japonés de terror que falla por un guion disperso y mal depurado.

Una madre encantadora - Miyuki - y su hijito Haruto fallecen en un accidente de tránsito. Pero tras un relámpago, el niño resucita milagrosamente.

El padre, muy triste, y para consolar a su hijo le enseña un mantra - “Eloim Essaim”- como conjuro para constatar que la cola de una lagartija seguirá viviendo.

El niño, que guardaba sólo un dedo de su madre, lo entierra en el jardín, y con mucha fe le reza el mantra para que su mamá vuelva a la vida.

Esta es sólo una faceta del relato. En forma paralela, una joven camarógrafa - Hiroko Kurosawa - ex compañera de trabajo del padre, comienza a tener invisibles ataques a su integridad física.

De aquí en adelante la muchacha (Kanna Hashimoto) comienza a investigar la causa de esta maldición hallando su origen en la familia de su ex compañero laboral.

El director Hideo Nakata logra suspenso y momentos de acertado terror. Demostró su talento en filmes previos como El Aro 1 y 2 (1998 y 99) y Aguas Oscuras (2002). El éxito mundial de los “Aros”, motivó las versiones homónimas de Hollywood protagonizadas por Naomi Watts. La primera (Dir: Gore Verbinski) quedó casi mejor que la japonesa. Cosa diferente sucedió con la secuela (2005), paradojalmente dirigida por el mismo Nakata invitado a EE.UU..

A nuestro parecer este nuevo filme pecó de “facilismo”. El director sabe crear atmósferas siniestras, y dotarlas con suspenso. Domina su oficio. Pero se apoyó en personajes similares a los de sus éxitos anteriores: heroína/víctima periodista, niño vulnerable a los fantasmas, matrimonio en apariencia feliz y - lo más lamentable - un espectro femenino demoníaco que viene a cobrar venganza.

Justifican este relato con la sentencia: “el odio de los espectros vivientes es más fuerte que el de los muertos”. Por lo tanto, “debes destruir los cuerpos resucitados”. (¡!)

Si se hubieran centrado en el tema central: resucitar a una madre celosa (versátil actriz Uika Fāsutosamā) y decantar los pasos para combatirla, habrían evitado un relato que patina para muchos lados, con varios falsos finales, gratuidades ilógicas y la sensación de que ignoraban cómo terminarla.

Protagonismo difuso.

Grata canción en los créditos finales.

BUEN OFICIO TÉCNICO DE TERROR PARA UN GUION MAL PIVOTEADO. CELOS FEMENINOS LLEVADOS AL PAROXISMO MONSTRUOSO.

Ficha técnica      

Título Original: 禁じられた遊び - Kinjirareta asobi -

2023 Terror, suspenso Japón - 1,50 hrs. 

Guion: Karma Shimizu (su novela ), Noriaki Sugihara 

Música: RIM 

Efectos Visuales: Sherlyn Chng Yeen Ching 

Guion: Noriaki Sugihara, Karma Shimizu (su novela) 

Actores: Daiki Shigeoka, Kanna Hashimoto, Minato Shougaki 

Director: Hideo Nakata

Cómplices de engaño - Por Elizabeth Salazar T.

"El maestro del disfraz"

El director Richard Linklater, responsable de “Escuela de rock”, “Boyhood” y la trilogía de Antes, vuelve con una comedia de acción, protagonizada por Glen Powell, como Gary Johnson, un agente encubierto que es el más buscado de Nueva Orleans. Para sus clientes, es el sicario ideal, con cero errores y siempre muy profesional. Esto cambiará cuando rompa el protocolo para ayudar a Madison Figueroa (Adri Arjona), una atractiva y desesperada mujer que intenta huir de su marido maltratador. Para esta misión, Gary se convertirá en uno de sus falsos personajes y tendrá que decidir entre seguir con la misión o enamorarse, sabiendo el peligro que los dos correrían…

El protagonista de esta película tiene una doble vida, es un profesor de filosofía que intenta entender las conductas humanas y por casualidad es designado a ser un agente encubierto. Él se esfuerza para hacerlo lo mejor posible, comienza a caracterizarse de forma diferente para sus clientes, para mantener su anonimato. A medida que esto va sucediendo, él también va teniendo cambios en su forma de ser, por lo que vamos viendo la evolución de este personaje, algo que resulta muy divertido. Cuando está cómodo con su trabajo de “sicario” y todo va bien, aparece Madison, lo que complica todo. Ella igualmente tiene algunos cambios, hasta mostrar cómo es realmente. Quién engaña al otro…

El carismático Glen Powell, que saltó a la fama con “Top Gun: Maverik”, se está consolidando como un gran comediante, esta vez con un personaje complejo, por los diferentes roles que debe adoptar, pero lo logra en muy buena forma. Igualmente, tiene una gran química con Adri Arjona. Ella también hace una buena interpretación.

Tal vez al comienzo cuesta enganchar un poco, pero creo que desde el momento en que Gary conoce a Madison, la película mantiene entretenido a sus espectadores, que reirán de buena gana con Gary hasta el final. Para divertirse y pasar un buen rato.

Orgullo y prejuicio - Por Bernardita Santander Navarro

Sinopsis: Elizabeth Bennet es la hija de una familia inglesa, de clase media, que se enamora perdidamente de un joven rico, soltero y orgulloso llamado Mr. Darcy. Si bien en un comienzo se llevan mal, con el paso del tiempo y algunos encuentros, dejarán de lado sus orgullos y prejuicios, para tener una intensa y compleja relación. Todo esto en un contexto histórico donde las mujeres tenían dos alternativas: casarse bien o quedarse solteronas.

Siempre es bueno recordar o volver a ver una película que fue muy popular, específicamente en el año 2005. Orgullo y Prejuicio (publicada en 1813), fue una de las novelas más famosas de la escritora inglesa, Jane Austen, y en esta adaptación cinematográfica podemos ver algunas luces y sombras en relación a la novela original.

Uno de estos puntos, es la crítica social que hace Jane Austen en su obra, pero que no logra resaltarse tanto en esta adaptación. Y como generalmente pasa en el cine, muchas veces las buenas novelas no logran ser tan bien adaptadas en la pantalla grande, dejando por ejemplo algunos personajes en segundo plano, como es por ejemplo el caso del Sr. Collins, que tiene mucho más protagonismo en el texto de Austen.

Sin embargo, hay buenos puntos a resaltar, como por ejemplo las actuaciones de Keira Knightley, quien interpreta a Elizabeth Bennet y Matthew Macfadyen, quien dio vida al Sr. Darcy. Ya que desde un comienzo se nota y se percibe muy bien la atracción que tienen ambos personajes y cómo estos sufren para aceptar lo que realmente sienten el uno por el otro.

Puedo decir abiertamente que a pesar de las críticas de los lectores de Jane Austen, esta adaptación audiovisual logra transportarnos muy bien a la época de la Regencia en Inglaterra, que ocurrió entre los años 1797 y 1815. Y nos sorprende especialmente con su nivel de producción, especialmente en cuanto al vestuario, las coreografías de los bailes y las locaciones o paisajes, que además son muy propios de ese país y que se conservan hasta el día de hoy.

Con un excelente guion, que intenta acercar el lenguaje de la época, recomiendo ver esta película en familia o acompañada. Sin duda una cinta mágica para los amantes del romance y las novelas históricas.

Disponible en Netflix, Prime Video, Max, Apple TV y Vix.

Ficha Técnica

Título original: Pride and Prejudice
Año: 2005
Duración: 127 minutos
País: Reino Unido
Dirección: Joe Wright
Guion: Deborah Moggach
Basado en la novela de: Jane Austen
Elenco: Keira Knightley, Matthew Macfadyen, Tom Hollander, Rosamund Pike, Carey Mulligan, Jena Malone, Donald Sutherland, Brenda Blethyn y Judi Dench.
Música: Dario Marianelli
Fotografía: Roman Osin
Compañías: Universal Pictures, Studiocanal, Working Title Films
Género: Romance, drama, drama romántico, drama de época

Al otro lado del viento - Por Alejandro Caro

Sinopsis: La historia de un legendario director llamado J.J. "Jake" Hannaford, que regresa a Hollywood desde los años de semi-exilio en Europa, con planes para completar el trabajo en su propia película, también titulada "Al otro lado del viento" y volver al estrellato

Este es el último largometraje de Orson Welles, que por razones económicas no pudo finalizar, y solo fue terminado en 2018 por un equipo de profesionales siguiendo las anotaciones del realizador.

De alguna manera, es Welles que hace de sí mismo una sátira para presentar ese mundo del cual ha sido excluido -ya nadie financia sus filmes-, y el regreso no se ve posible a pesar de su fama. Mientras que otros que no tienen esa estrella son los que están en la cúspide con filmes que varias veces han fracasado.

Siendo un filme dentro otro, no es para todo público, en el sentido que es una obra hecha para quienes el cine está en sus vidas, y que por supuesto tengan algunas nociones de Welles y sepan dónde va su filmografía.

Recordemos que fue realizado por su director en los años setenta y nos desafía a conocer un mundo más bien lejano a nuestras vidas y que vemos en una pantalla. Es un cine de experiencia: uno el que nos plantea el metraje del relato, y otro es la historia que nosotros apreciamos con nuestra mirada. ¿Será eso lo que realmente y de manera premeditada Orson Welles dejó inconcluso?

Finalmente recomiendo verla teniendo en cuenta que puede ser un buen desafío y aventura el ver a uno de los grandes: director, guionista y actor.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: The Other Side of the Wind

Año: 2018

Duración: 122 minutos

País: Francia

Dirección: Orson Welles

Guion: Orson Welles

Reparto: John Huston, Robert Random, Peter Bogdanovich, Susan Strasberg, Oja Kodar, Joseph McBride, Lilli Palmer, Edmond O'Brien, Mercedes McCambridge, Cameron Mitchell, Paul Stewart, Peter Jason, Tonio Selwart

Música: Michel Legrand

Fotografía: Gary Graver

Compañías: Coproducción Francia-Irán; Royal Road Entertainment, Americas Film Conservancy, Les Films de l'Astrophore, SACI. Distribuidora: Netflix

Género: Drama | Cine dentro del cine

Premios
2018: Festival de Venecia: Fuera de concurso (Eventos especiales); National Board of Review (NBR): William K. Everson Film History Award; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mención especial; Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor montaje;Círculo de Críticos de San Francisco: Mejor montaje; Asociación de Críticos de Boston: Nominada a mejor montaje.

Más allá del universo - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Dirigida por Diego Freitas y estrenada en Netflix el año 2022, esta cinta narra la historia de Nina -Giulia Be-, una talentosa pianista que lucha contra el lupus, una enfermedad que amenaza con destruir sus sueños musicales. A la espera de un trasplante de riñón, Nina conoce a Gabriel -Henry Zaga-, uno de sus médicos, con quien entabla una conexión profunda que la impulsa a perseguir sus anhelos con renovada energía.

La película es sensible respecto a los temas que aborda, como la enfermedad, la pérdida, la esperanza y el amor. Freitas nos presenta a una protagonista resiliente que, a pesar de las dificultades, nunca pierde la fe en sí misma ni en su pasión por hacer música. La relación entre Nina y Gabriel se desarrolla de manera natural, aportando muchos momentos de ternura y emoción a la trama.

Uno de los aspectos destacados de este filme es justamente su banda sonora. Junto a piezas clásicas, muy conocidas, escuchamos también canciones compuestas por la propia Giulia Be. Las melodías al piano son conmovedoras y transmiten las emociones de la protagonista. La fotografía también resulta preciosa, ya que captura la particular belleza de São Paulo, y al mismo tiempo es capaz de crear atmósferas íntimas y melancólicas.

No obstante lo anterior, esta película presenta algunas debilidades. Aparte de lo predecible de ciertas secuencias, el ritmo de la narración resulta un tanto lento en varios momentos. En ocasiones se extiende demasiado y en otras parece concluyente, como haciendo un guiño más a una serie que a una película propiamente tal. Además de los antes dicho, algunos de los personajes secundarios no están del todo desarrollados -o en algunos casos caricaturizados-, por lo que quedan, así, relegados a un segundo plano.

"Más allá del universo" es una película que contiene una historia inspiradora gracias a la química que se desarrolla entre Giulia Be y Henry Zaga, entregando una capa de autenticidad al romance y así lograr transmitir el mensaje de esperanza inherente a la excepcional belleza de la música.

Ficha técnica

Título original: Depois do Universo
Año: 2022
Duración: 126 minutos
País: Brasil
Compañías: Camisa Listrada. Distribuidora: Netflix
Género: Romance. Comedia. Drama | Comedia romántica. Música. Enfermedad
Guion: Diego Freitas, Ana Reber
Música: Ed Cortes, Giulia Be
Fotografía: Kaue Zilli
Reparto: Giulia Be, Henry Zaga, Leo Bahia, Viviane Araújo, Othon Bastos, João Miguel.
Dirección: Diego Freitas

No estás sola: la lucha contra la manada - Por Jackie O.

"Manada de canallas"

Estamos ante un documental sobre el caso de violencia sexual de los llamados "La Manada", que remeció al mundo, y que se produjo durante los Sanfermines de 2016, en Pamplona. 

Este trabajo nos advierte de algunas situaciones que veremos y escucharemos. Un hecho escabroso, que donde ocurra y a quien le suceda, la violencia física o psicológica o aprovecharse de la condición débil de la víctima, es inhumano, y la existencia de rufianes que se aprovechan para atacar cobardemente en solitario o en grupo, en este caso en una manada de cinco, es deplorable. 

Todo sucede en una festividad típica de un lugar de España, donde todo es alegría. Ahí sucede este hecho vil, pero la rapidez del actuar de personas que ayudaron a la víctima, y la policía que toma el caso seriamente, en poco tiempo, e increíblemente, da con los atacantes.
Nos muestran la forma de proceder, escuchamos a algunas autoridades hablar, y sabemos del relato de la persona afectada, es duro, triste...
Con imágenes de archivo, fotografías y entrevistas, vamos conociendo esta historia, y lo que va destapando en evidencias de estos sujetos que los incriminan más. Pero las autoridades y las leyes del sector deparan otra cosa, lo cual, esto último, es sujeto a debate, ya que se rigen por sus leyes. Defensa y fiscalía se enfrentan, cada quien aporta desde su punto de vista, lo cual no debe cuestionarse, a pesar de que podemos tomar, inevitablemente, un bando.

Ante ello, vemos el impacto mediático, donde un millón de personas, principalmente mujeres y jóvenes, toman las calles al grito de «Hermana, yo sí te creo» y rompen el silencio en las redes con #Cuéntalo.

Un relato que nos sumerge en esta historia que sucede lamentablemente siempre, donde el aprovechamiento de personas sobre otra y la poca empatía sobre el hecho, tristemente seguirán existiendo.

Una historia que nos hará reflexionar sobre la vida, sobre la responsabilidad que le compete a cada persona en su actuar, en la enseñanza sobre educación sexual y sobre el respeto.

Bien editada, bien dirigida, con un guión claro.
En qué puedo discrepar, es en la voz de la actriz que relata.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirección y guion: Almudena Carracedo y Robert Bahar
Música: Jacobo Lieberman
País: España. 2024
Documental. 102 minutos 

Intensa-Mente 2 - Por Carlos Correa Acuña

Notable secuela de la exitosa película del año 2015. El mundo imaginativo de Pete Docter, el creador y director de la primera entrega, parece no tener fin. Basada en su idea “De cinco a veintisiete emociones”, y esta vez de la mano del director debutante Kelsey Mann, la cinta explora y desarrolla aún más el tema emocional, ampliando la cantidad de emociones presentes en la mente de Riley, en un tira y afloja sin pausa que jamás se detiene a lo largo de todo el metraje.

¡Qué hermoso ejemplo gráfico de un tema tan complejo y difícil! Ya lo vimos en la primera, donde solo cinco emociones se disputaban el control mental de una niña que transitaba velozmente por cambios conductuales impredecibles. Pero en aquella oportunidad solo vislumbrábamos que vendría ese evento todavía más desestabilizador -la pubertad y el comienzo de la adolescencia, justamente la base de este nuevo relato-, y que trae nuevos personajes, nuevas aventuras y una compleja trama colorida y desafiante.

La magia de la animación permite realizar representaciones que no se podrían conseguir con personajes de carne y hueso. Por eso, la repentina destrucción del centro de control para dar espacio a nuevos conductores es solo una señal de alerta de lo que vendrá. Alegría, tristeza, furia, temor y desagrado ya no están solas. Se suman Ansiedad, envidia, aburrimiento y vergüenza, y ahora la disputa es de marca mayor. ¿Quién se impondrá? ¿Habrá ganadores y vencidos? ¿Qué pasará con Riley? ¿Logrará aceptar sus cambios y controlar ese verdadero vendaval emocional que se parece más una vertiginosa montaña rusa?

Podríamos escribir y describir muchísimo esta estupenda segunda parte pero la idea es no adelantar nada. Para disfrutar a cabalidad la historia debemos descubrirla, dejarnos guiar por ella, porque lo más importante, quizás, no es tanto el argumento como aquello que logra trasmitir a través de las acciones de sus diferentes personajes. Ahí está la clave, lo fundamental, porque nos identificamos con cada uno de ellos -o más bien con lo que nos hacen sentir-, ya que hablamos de emociones que están presentes de forma permanente en nuestras vidas. A veces las identificamos, a veces podemos prever que llegarán, en otras nos vemos sorprendidos, sobrepasados, y la mayoría de las veces, aún teniendo muchos años de convivencia con ellas, nos pillan desprevenidos, sin saber cómo reaccionar adecuadamente.

“Intensa-Mente 2” es una película educativa, llena de valores, y principalmente, una fábula animada perfecta sobre un tema central de los seres humanos. A mi modo de ver, y a pesar de ser una película infantil, los adultos gozaremos con los diálogos mientras los más pequeños disfrutarán sus bellísimas animaciones, algo que se transforma en una conjugación fantástica para una historia que no debería quedarse solo en lo que muestra la pantalla, sino que bien podría ser un buen punto de partida para conversar en profundidad aspectos que muchas veces, por complicados y difíciles, se evitan o se esconden.

Las emociones nos condicionan y a veces parece que nos controlan. No podemos evitarlas ni tampoco camuflarlas. Siempre estarán y nos acompañarán en las buenas y en las malas. Conocerlas -conocernos-, y aprender a reconocer nuestras reacciones es el gran desafío, una tarea permanente y que, tal como lo muestra la película, es un proceso que no termina nunca.

Ps. No salgan rápido, disfruten los créditos y esperen la escena final.

Ficha técnica

Título original: Inside Out 2
Año: 2024
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures. Distribuidora: Walt Disney Pictures, Disney+
Género: Animación. Comedia. Fantástico. Aventuras | Adolescencia. Secuela. Pixar
Guion: Meg LeFauve
Fotografía: Animación
Dirección: Kelsey Mann

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 14 de Junio 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro Contreras y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.

Indiana Jones y la Última Cruzada - Por José Luis Nicolás

Indiana Jones deja sus forzados deberes académicos para viajar rumbo a Venecia (Italia), lugar donde su padre, que lideraba la búsqueda del Santo Grial, desapareció. Este es el motor argumental de Indiana Jones y la Última Cruzada, película de 1989 y tercera de la saga que comenzó, 8 años antes, con Los Cazadores del Arca Perdida.

Como en las dos cintas anteriores, protagonizadas por el arqueólogo más famoso del cine, también dirige Steven Spielberg. Lo acompaña en esta aventura su amigo George Lucas, que aquí figura como productor ejecutivo e ideólogo de la historia (al igual que en Los Cazadores del Arca Perdida e Indiana Jones y el Templo de la Perdición).

Lucas y Spielberg vuelven a confiar a Harrison Ford la tarea de interpretar al héroe de sombrero, látigo y chaqueta de cuero. Pero no se conforman con la luminosidad de esta estrella: para interpretar al padre de Indiana Jones, escogen a Sean Connery.

La elección de Connery no es casual. Antes de la concepción de Los Cazadores del Arca Perdida, Spielberg le confidenció a Lucas su deseo de dirigir una cinta de la serie de James Bond. Pero Lucas le sugirió abandonar esa idea, y lo invitó a hacerse cargo de la saga del arqueólogo aventurero.

Sean Connery -que interpretó a “007” en 7 ocasiones- representa (junto a Alison Doody y Julian Glover, que también actuaron en alguna película del agente con licencia para matar) la deuda que, con Indiana Jones y la Última Cruzada, Spielberg saldó consigo mismo.

Indiana Jones y la Última Cruzada es un filme familiar. Su nudo central gira en torno a la relación de un padre distante y reflexivo, y un hijo apasionado e idealista. El aventurero y su progenitor simbolizan la distancia generacional de dos personas que tienen mucho más en común de lo que creen. En su relación filial, ambos descubrirán un tesoro insospechado e invaluable. Esta es una película para ver, entretenerse y reflexionar.

Disponible en: Disney Plus y Paramount Plus.

Ficha técnica

Título original: Indiana Jones and the Last Crusade
Año: 1989
Duración: 127 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Steven Spielberg
Guión: Jeffrey Boam. Historia: George Lucas, Menno Meyjes
Reparto: Harrison Ford, Sean Connery, Alison Doody, Julian Glover, River Phoenix, Denholm Elliott, John Rhys-Davies
Música: John Williams
Fotografía: Douglas Slocombe
Compañías: Paramount Pictures, Lucasfilm

Intensa-Mente 2 - Por Jackie O.

“Montaña rusa de emociones”

La tan esperada película animada regresa, y nuevamente estamos en la mente de la ahora adolescente Riley, justo cuando la sede central de la mente está sufriendo una repentina demolición para dejar espacio a algo completamente inesperado: ¡nuevas emociones! Alegría, Tristeza, Furia, Temor y Desagrado, quienes llevan mucho tiempo en una exitosa operación en todos los sentidos, no están seguros de cómo sentirse cuando aparece Ansiedad, Aburrimiento, Envidia y Vergüenza.

Secuela de la película del año 2015, la cual recomiendo vean primero (Disney)

Riley está en otra etapa de su vida, una de varias que se vendrán, cumplió 13 años y tiene nuevas grandes amigas en el colegio, juega hockey, y está con sus amorosos padres, nada malo podría pasar. Hasta que le llega una invitación para que pase un fin de semana en un campamento de hockey donde estará su equipo favorito que son de la secundaria, algo que ella aspira integrar, más la entrenadora que está captando nuevos talentos. Todo esto provoca nuevos sentimientos en nuestra pequeña amiguita, dándole cabida a estas nuevas emociones que comenzarán a disputar la mente de la muchacha. Dos bandos, las emociones antiguas versus las nuevas, ¿Qué podrá pasar?

Una cinta animada genial, donde sabe de forma graciosa tocar temas muy delicados como son nuestros sentimientos y los cambios que se van produciendo en la media que vamos creciendo y/o adoptando nuevos desafíos. De cómo nuestra mente se va moviendo junto con las manecillas de nuestra cabecita, donde están trabajando todas nuestras emociones.

Nos hace reflexionar, se explica la realidad de la identidad, los desafíos de crecer y cómo superarlos. El simbolismo presentado muestra cuán complejas pueden ser nuestras emociones a lo largo de nuestro crecimiento y madurez. Todas las emociones reflejadas en esta cinta, algunas con más notoriedad que otras, brillan en su momento, y saben que decir o hacer en el momento adecuado. Están tan bien personificadas estas emociones, cada quien con su color, voz y personalidad propia que nos podemos sentir identificados con ellos desde ya, reírnos y emocionarlos con su actuar y lo que dicen.

Me atrevo a recomendar esta película de preadolescentes hacia arriba, creo que los infantes no entenderán la complejidad de sus diálogos, por lo mismo padres que insistirán igual en llevar a sus pequeñitos: explíquenles los conceptos de la película antes de verla con ellos. Aunque es claro que las emociones son difíciles y complejas de entender, incluso para los adultos, es preferible, creo yo, darles un adelanto ya que al ser tan pequeños pueden quedar confundidos, guíenlos para que vean lo que el mensaje de esta película intenta decir.

Estéticamente, teniendo a un nuevo director, la cinta resultó tan buena como la primera, un debut para Kelsey que le brindará muchos frutos pues las nominaciones a mejor película y otros le lloverán, y sus emociones se verán totalmente revolucionadas. El guion está de la mano de una de las coescritoras de la cinta anterior, siendo un texto totalmente satisfactorio. Y visualmente se encuentra muy bien animada en cuanto a forma y colores.

Además, Dacher Keltner profesor de la Universidad de Berkeley, colaboró nuevamente con el equipo creativo para asegurar que las nuevas emociones fueran fieles a la realidad psicológica de un adolescente. Según Keltner, el objetivo es que las antiguas y nuevas emociones coexistan para lograr el bienestar emocional de Riley, aunque el camino será desafiante.

La película no solo habla de una niña que pasa a otra etapa, sino también que nosotros, como adultos, nos podemos sentir reflejados al pasar por distintas etapas emocionales, laborales, familiares, etc. Una cinta que también enseña el valor de la amistad y los principios morales que has adquirido a lo largo de los años para conquistar todos los desafíos que encontrarás en la vida, y que te fortalecerá.

Ficha técnica

Inside Out 2
Dirección: Kelsey Mann
Diseño de producción: Jason Deamer
Guion: Meg LeFauve
Música: Michael Giacchino
Fotografía Jonathan Pytko
Guion gráfico: John Hoffman
Animación, comedia. 2024. 1hr 36 minutos
Personajes:
Kensington Tallman: Riley Andersen
Amy Poehler/ Cristina Hernández: Alegría.
Phyllis Smith/ Kerygma Flores: Tristeza.
Lewis Black/ Jaime Vega: Furia.
Tony Hale/ Moisés Iván Mora: Temor.
Liza Lapira/ Erika Ugalde: Desagrado.
Maya Hawke como Ansiedad.
Ayo Edebiri/ Nycolle González: Envidia.
Adèle Exarchopoulos/ Alicia Barragán: Ennui (on-wee) "Aburrimiento".
Paul Walter Hauser como Vergüenza.
June Squibb/ Ángela Villanueva: Nostalgia

Intensa-Mente 2 - Por Juan Pablo Donoso

Largometraje animado, muy inteligente, gracioso y de excelente realización.

Secuela del de 2015. Sus argumentos juegan con mostrar en paralelo los mundos externos e interiores de la psiquis de una niñita llamada Riley.

En la anterior veíamos cómo cada una de sus emociones básicas eran personajes diferentes que habitaban en su cabeza y corazón. Eran Alegría, Tristeza, Furia, Miedo y Disgusto. Ahí jugaban y se mantenían como un grupo de amigas de inocente picardía. Y lo que ellas hacían se reflejaba en la conducta de Riley, en su vida personal y familiar.

Pero cuando la niña entra en la adolescencia - INTENSA-MENTE 2 - se incorporan la Ansiedad, la Vergüenza y la Envidia. Con la presencia de estas nuevas hermanas, habrá convulsión en el universo psíquico de la niña, el que se manifestará en casi todas sus acciones exteriores: familia, amistades, competencias y conflictos de auto-identidad.

La gracia principal del cuento radica en que cada una de las emociones tiene un color, una forma, una voz y un carácter diferente. A todas les afecta lo que su ama hace en la vida exterior y, a la vez, ellas influyen en sus actos, pensamientos y sensaciones llevando a la niña a un estado de caos y dolorosas contradicciones en la búsqueda de sí misma.

En realidad, es un profundo retrato psicológico de aquel difícil período de la adolescencia. Sin embargo, al darle carácter de personajes a sus instintos y emociones, y hacerlos interactuar lúdicamente entre ellos en ese universo lleno de estrellas, luces y botones de la psiquis, el relato se torna gracioso, inocente y, a la vez, muy dinámico ya que demora mucho en estabilizarse.

Será esa turbulencia interior la que logrará - gradualmente - que la joven muchachita, eximia jugadora de hockey, recupere hasta donde sea posible, la confianza en sus talentos y la armonía con su propia identidad y con otras personas.

Ya sus títulos nos dan la clave de esta tragicomedia: Inside Out (en inglés) nos dice cómo lo de adentro incide en lo de afuera, e, Intensa-mente (en español) nos remite a la fuerte agitación existencial que sacude aquellos años difíciles en la formación de una personalidad definitiva rumbo a la madurez.

Si bien la animación es ágil, cómica y variada, por aludir a elementos esenciales de la psicología, nos atrevemos a recomendarla más a públicos adolescentes (y adultos nostálgicos) que a niños muy pequeños. Les podría resultar algo confusa y extenuante.

“Todo está cambiando… todo es inestable... como si todo estuviera en construcción…”, (Jonas Rivera, productor ejecutivo).

LÚDICA, GRACIOSA E IDENTITARIA PARA ADOLESCENTES Y ADULTOS QUE PUEDAN, Y QUIERAN, COMPRENDERLA. MUY BUENA.

Ficha técnica  

Título Original: Inside Out 2

Animación, aventuras, tragicomedia EE.UU. - Japón - 1,40 hrs. 

Fotografía: Adam Habib, Jonathan Pytko 

Edición: Maurissa Horwitz 

Música: Andrea Datzman 

Diseño Prod.: Jason Deamer 

Guion: Dave Holstein, Meg LeFauve 

Voces en inglés: Amy Poehler, Phyllis Smith, Lewis Black Director: Kelsey Mann

Intensa-Mente 2 - Por Elizabeth Salazar T.

"Torbellino de emociones"

La pequeña Riley está creciendo, está entrando en la adolescencia, no en vano han pasado nueve años, del estreno de “Intensa-mente” el 2015. Esta vez, el cuartel general está sufriendo una repentina demolición para hacer sitio a algo totalmente inesperado: Riley junto a los cambios físicos que está experimentando, siente ¡nuevas emociones! Alegría, tristeza, furia, temor y desagrado, que llevan mucho tiempo llevando a cabo una operación exitosa, no están seguras de cómo sentirse cuando aparece ansiedad. y parece que no está sola.

Los que dicen que las segundas partes nunca son buenas, tendrán que morderse la lengua al ver esta animación. Si bien su protagonista es una adolescente, pasa por todas las emociones y sensaciones que todos hemos tenido alguna vez. Además, Riley en su crecimiento, experimenta las inseguridades, la necesidad de encajar en nuevos círculos, cambios en su estado de ánimo y conflicto con sus padres. Es inevitable no identificarse con ella.

Con mucho humor e inteligencia, “Intensa-Mente 2”, nos adentra en un viaje emocional que sacará sonrisas por montón, pero también nos invita a reflexionar e incluso emocionar, en más de alguna escena.

A las emociones de la primera entrega, Alegría, Tristeza, Desagrado, Furia y Temor, se suman nuevos personajes que viven en Riley: están la Ansiedad, la Vergüenza y la Envidia, entre otras. Cuenta con un gran elenco en sus voces en inglés: Maya Hawke es la ansiedad, Amy Poehler como Alegría, Phyllis Smith es la Tristeza, Lewis Black como Furia, Tony Hale como Temor y Liza Lapira dobla al Desagrado. Aunque no todos los personajes son emociones, también hay otros…

Es una película que entretiene a grandes y chicos, pero creo que la trama está más dirigida a los adultos, que lograrán entender la profundidad del mensaje que estos simpáticos y tiernos personajes nos traen. Estoy segura de que le llegará al corazón. Vaya a verla en familia, sobre todo si tiene hijos adolescentes, puede dar pie a una buena conversación.

Director: Kelsey Mann
Duración: 100 minutos
Distribuye: Cinecolor films