El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Alejandro Caro en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.
La misión global de SIGNIS es colaborar con profesionales de los medios de comunicación y ayudar a transformar la cultura a través de valores artísticos, promoviendo la dignidad humana, la justicia y la reconciliación. La directiva en Chile está formada por Juan Pablo Donoso, Presidente, Elizabeth Salazar T., Vicepresidenta, y Jackie P. Olivo, Secretaria. Son miembros, Bernardita Santander Navarro, Pablo Crocquevielle, José Luis Nicolás, Alejandro Caro Contreras y Carlos Correa Acuña.
viernes, 30 de septiembre de 2022
El Chef - Por Elizabeth Salazar T.
Este filme tiene una propuesta distinta, ya que se encuentra filmada con una cámara continua, es decir, que nunca corta la toma (plano secuencia), y va siguiendo a los diferentes personajes que forman parte de este restaurant. Cada una de las personas que integran el equipo son mostrados mientras desarrollan sus labores y, también, con los problemas que cada uno de ellos tienen. En inglés el título es “Boilint point”, que significa “Hierve”, y tiene mucho sentido, porque esa es la sensación que da. Dentro de esa cocina, donde no solo las ollas están a punto de hervir, sino que quienes están ahí están a punto de estallar, hay gritos, discusiones, llanto; las emociones están al límite.
El protagonista de la película, Stephen Graham, realiza una excelente interpretación. Lo vemos inquieto, nervioso, haciendo algunos esfuerzos para mantener el control en su cocina, pero le resulta imposible. La presión es muy grande, están los clientes, los críticos y debe lidiar con su equipo, la verdad resulta difícil estar en sus zapatos, es imposible no empatizar con él, incluso sentir pena por todo lo que le está pasando a nivel profesional y familiar. Se nota una persona tratando de sobrevivir, pero muy superado por todo. Lo peor es que cuando en esos momentos difíciles hay quienes toman malas decisiones y se busca alivio en adicciones.
Ganadora de cuatro premios Bafta (British Academy of Film and Television and Arts), este filme muestra el lado más íntimo de una cocina. Sin duda, no dejará indiferente al espectador, logra estremecer y emocionar.
Director: Philip Barantini
Duración: 95 Minutos
Distribuye Cinetopia
El Chef - Por Juan Pablo Donoso
Torbellino laboral cercano a la Navidad. Se centra en Andy Jones (Stephen Graham) - el Chef - que deberá enfrentar problemas dentro y fuera de la cocina. Está al borde de sucumbir ante una crisis familiar y profesional que podría derrumbar todo aquello por lo que ha trabajado.
En inglés se llama Boiling Point (punto de ebullición), o también Hierve. Y es lo que presenciamos durante hora y media: un hervidero de gente tratando de prestar el mejor servicio posible a un público exigente y refinado.
Una enorme tensión del personal en la cocina y de las garzonas quienes, a la vez, deben mantenerse amables y obsecuentes con su distinguida clientela, entre la cual también hay críticos culinarios de gran prestigio.
El febril recorrido de la cámara nos permite ir conociendo y escuchando los diálogos parciales de personas muy variadas, tantos de los trabajadores del local como de los parroquianos.
La película es admirable en todos sus niveles: a) fascinante galería de actores y actrices encarnando personajes muy diversos, b) el enorme contraste entre el ambiente abrumador de la cocina, y el de los clientes que vienen a disfrutar de buena comida y de un grato momento de diversión, c) la individualidad de cada trabajador, y los conflictos de relación entre ellos, d) el estrés del Chef que debe mantener todo funcionando a la perfección y, al mismo tiempo, atender a un dilema familiar y económico, e) la opción cinematográfica de filmar la velada en un solo “plano secuencia”, es decir, sin cortes entre una escena y otra, f) mantenernos cautivados por el ritmo frenético, la variedad de ambientes, y la claridad con se nos entregan las múltiples situaciones y los dramas humanos que van surgiendo.
Entre los avatares hay clientes difíciles y agresivos a los que habrá que complacer igual. Otra sufrirá un ataque grave de alergia por un ingrediente equivocado que pone al restaurante bajo alerta de denuncia judicial.
Iban a filmar la historia entera 8 veces y elegir la mejor. Pero bastaron sólo 4. Logro brillante de los guionistas, el director, los actores y en especial del Director de Fotografía, Matthew Lewis..
Sólo así consiguieron ese hálito de verdad, urgencia, nerviosismo y variedad tan espontáneos y, a la vez, íntimo y empático para el espectador.
Recientemente ganó 4 BIFA: mejor actriz secundaria (Vinette Robinson), mejor fotografía, mejor reparto y mejor sonido, y fue nominada en 11 categorías.
UNA EXPERIENCIA APASIONANTE. TAN VEROSIMIL COMO SI NUNCA LA HUBIERAN ENSAYADO. MUY RECOMENDABLE.
Ficha técnica
Título Original: Boiling Point
Título Original: Boiling Point
2021 Drama, suspenso Inglaterra - 1,35 hrs.
Fotografía: Matthew Lewis
Edición: Alex Fountain
Música: Aaron May, David Ridley
Diseño Prod.: Aimee Meek Guion: Philip BarantiniJames Cummings
Actores: Stephen Graham, Vinette Robinson, Jason Flemyng
Director: Philip Barantini
Director: Philip Barantini
jueves, 29 de septiembre de 2022
Pasaje al paraíso - Por Carlos Correa
David -Clooney-, y Georgia -Roberts-, estuvieron sólo cinco años juntos antes de divorciarse. Esto hace ya un buen lote de años, los mismos que tiene su hija Lily -Kaitlyn Dever-, quien acaba de graduarse de la Universidad. Como festejo por haber obtenido su grado de abogada, Lily inicia unas vacaciones soñadas junto a su mejor amiga, y nada menos que en Bali. Tras un poco más de un mes, todo resulta tan espectacular que su vida gira en 180 grados: ya no desea regresar a la ciudad y ejercer su profesión, se ha enamorado de un apuesto joven y ambos han tomado la decisión de casarse en la isla.
Si ya fue odioso reencontrase para la graduación de su hija, la noticia de la boda es un balde de agua fría para estos padres que están convencidos de que Lily está tomando una decisión equivocada. Como quieren lo mejor para ella, están incluso dispuestos a sobrellevar sus profundas discrepancias para elaborar juntos un plan que desactive el compromiso, algo así como una suerte de intervención extrema para que no se concrete la unión de estos jóvenes novios.
Georgia y David vuelan a Bali y allí comienzan a desarrollar una serie de aventuras y desventuras con el fin de concretar su propósito, acciones que conllevan una seguidilla de situaciones de todo tipo, y de todos los colores, insertas en un relato que resulta tan predecible como ameno.
Con locaciones maravillosas, paisajes preciosos y un entorno paradisiaco, la cinta fluye gracias al carisma de sus actores principales. La dupla tiene una muy buena complicidad y una innegable química, que explota aún más cuando pelean, lo que deja reducido al mínimo a todos los demás personajes secundarios como, por ejemplo, al joven novio de Georgia -Lucas Bravo-, quien prácticamente está demás; plano y francamente irreconocible.
Esta “boba”película agarra vuelo en el camino aunque denote algunos baches narrativos cuando intenta, en algunos momentos, imprimir mayor sensibilidad. Ciertamente funciona mejor cuando se centra en la comedia romántica que sin duda es, porque tiene muchas escenas que arrancan sonrisas y tal vez algunas carcajadas. Se nota que lo pasaron bien haciéndola, y por lo mismo resultan imperdibles los créditos finales con chascarros de la filmación, algunos que son aún mejores que las escenas originales.
Destinada para pasar un rato agradable, ¿tiene algún mensaje esta película? Puede ser, aunque no es el fin que se propone. Además, la temática ya la hemos visto en muchas otras ocasiones; los caminos propios de los hijos y la poco afortunada interferencia de los padres para “corregir” ese rumbo, algo que, a todas luces y la mayoría de las veces, nunca sale como se prevé. En síntesis, una propuesta ágil y liviana, recomendada para desconectarse totalmente del mundo por casi dos horas.
Ficha técnica
Título original: Ticket to Paradise
Año: 2022
Duración: 104 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Universal Pictures, Red Om Films, Working Title Films, Smoke House Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Romance. Comedia | Comedia romántica
Guion: Daniel Pipski, Ol Parker
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Ole Bratt Birkeland
Reparto: George Clooney, Julia Roberts, Kaitlyn Dever, Billie Lourd, Lucas Bravo, Senayt Mebrahtu, Talha Şentürk, Maxime Bouttier, Leo Castro, Murran Kain, Sean Lynch, Isaac Priest, Romy Poulier
Dirección: Ol Parker
La Huérfana: el origen - Por Jackie O.
La película se remonta a 2007 en Estonia, donde Anna, una terapeuta artística, está en camino hacia el instituto psiquiátrico Saarne para brindarle terapia a Leena Klammer, una paciente psicópata con enanismo.
Conocimos a la inocente Esther en el año 2009, cautivándonos o, más bien, impresionándonos con esta película que dio un giro inesperado en su momento, donde Isabelle Fuhrman, de ese entonces 12 años, interpretaba a una pequeña huérfana que buscaba el afecto de una familia. Y a sus 23 años, comenzó a filmar esta película, su precuela, esto es, lo que sucedió antes con esta pequeña, de la cual sabemos más al respecto si es que vimos la primera mencionada.
Esta trama nos presenta hechos que habrían ocurrido en el año 2007, antes que Esther llegase a E.E.U.U., y de dónde sacó dicho nombre.
La película, en sí, es fuerte al verla, por el exceso de sangre, pero a quienes les gusta el gore estarán fascinados.
Volviendo a la trama, Esther, luego de escapar del psiquiátrico y engañando a las autoridades, es llevada a E.E.U.U., por su audaz mentira, y así escapar de la búsqueda que se efectuará en Estonia.
Ya en E.E.U.U. logra llegar a un hogar que la acoge gratamente, en especial el padre. Pero nos encontraremos con un giro inesperado que oculta dicha familia, que hará que Esther se arrepienta de lo que ha hecho.
Como señalé, si ya vimos la película del 2009, sabemos que pasa con Esther, por lo que eso no es sorpresa. Pero, ¿cómo será la interacción, y qué le sucederá con esta familia?
En este filme destacan las mujeres protagonistas, Isabelle Fuhrman y Julia Stiles, ambas con una fuerza temible. Buen guion. El maquillaje bueno, como para hacer que Isabella se vea como una niña. La música también buena, así como la ambientación tensa que en algunos momentos nos presenta.
No la catalogaría de terror, no lo tiene, pero sí de suspenso.
Y aunque no es lo mejor que se haya hecho en esta materia, sabe captar la atención.
¿Tendremos más Esther? Yo creo que sí. Un director/guionista creativo puede sacarle más punta al personaje, pero hacerlo bien, que nos sorprenda realmente, como: Una nueva familia, o, ir más al pasado de Esther como su estancia en el psiquiátrico, o más aún, saber de su real familia... Se pueden sacar más historias, pero atreverse a hacerlo muy bien.
Ya que, a pesar de todo, se transformó en un personaje reconocido dentro del cine.
Ficha técnica
Orphan: First Kill
Dirección: William Brent Bell
Guion: David Coggeshall
Música: Brett Detar
Sonido: Russ Dyck
Maquillaje: Kristy Greig
Vestuario: Kim H. Ngo1
Efectos especiales: Jean-Mathieu Berube, Carlos Harrietha Y Casey Markus
Protagonistas: Isabelle Fuhrman, Julia Stiles, Rossif Sutherland, Hiro Kanagawa, Jade Michael
País: Estados Unidos - Canadá
Año: 2022
Género: Crímenes, drama, terror, misterio y suspenso
Duración: 99 minutos
La Mujer Rey - Por Juan Pablo Donoso
Sudáfica - 1823.
Ghezo (John Boyega), rey africano de Dahomey tiene varias esposas, destinadas a la reproducción y crianza; muchos soldados, y también un batallón de mujeres guerreras vírgenes, ferozmente preparadas para el combate y resistir el dolor. Son las Agojie.
Su tribu debe luchar contra la de Obu, otro monarca que vende como esclavos(as) - a mercaderes europeos y americanos - los prisioneros negros capturados en batallas.
Las Agojie están al mando de la General Nanisca (Viola Davis), feroz e imponente figura de quien más adelante se nos revelará un secreto fundamental para esta historia. Cuando esclava, en su adolescencia, fue violada por el jefe Obu de la tribu enemiga.
Este relato comienza cuando Mawi (espléndida Thuso Mbedu), una muchachita de 19 años prefirió incorporarse al batallón Agojie antes que dejarse vender por sus padres como esposa a un mercader viejo, cruel y machista.
Como alternativa deberá someterse a un largo y doloroso entrenamiento bajo la implacable severidad de Nanisca. Con el tiempo y sacrificio obtendrá la calidad de guerrera digna de pertenecer al batallón. Fraternizará con muchas entrañables compañeras de combate.
El filme, a lo largo de su discurso cinematográfico, tiene todos los elementos de una gran epopeya: mucha acción, fieros antagonistas, revelaciones inesperadas y triunfos heroicos.
El relato tiene profundidad histórica, una apasionante trama exterior, y también reveladoras anécdotas secundarias que le dan el sustento humanitario interno. Guion sensible y bien concebido.
Muchas y violentas batallas, resaltando el poder femenino africano.
Entre los traficantes portugueses está Malik, mestizo con madre proveniente de Dahomey (Jordan Bolger). Con él Mawi establecerá un vínculo afectivo aportando así la dosis de romance a la historia. Este elemento rosa contribuye a matizar la violencia de los combates sangrientos que bañan el fluir de los hechos.
Bella música incidental africana, con ligeras remembranzas de El Rey León.
Toda la plana creativa y productora del filme fue hecha por mujeres, como también gran parte del equipo técnico.
Una gran película de acción, con un elenco mayoritariamente de mujeres negras y dirigida por una mujer negra, muy escaso en este tipo de superproducciones.
Para algunos historiadores críticos los Dahomey tampoco pusieron fin al comercio esclavista, ya que solo dejaron de comerciar con esclavos a mediados del siglo XIX porque los británicos los obligaron a detenerse.
AMENA, EMOTIVA. RESALTA VALORES DE LEALTAD AL REY, JUNTO A LA SOLIDADIDAD Y A LA VINDICACIÓN DEL ABUSO COLONIALISTA CONTRA LA RAZA NEGRA.
GESTA HEROICA DEL FEMINISMO CUANDO ES JUSTO E INTELIGENTE.
Ficha técnica
Título Original: The Woman King
Título Original: The Woman King
2022 Acción, drama, historia Canadá, EE.UU. - 2,15 hrs.
Fotografía: Polly Morgan
Edición: Terilyn A. Shropshire
Música: Terence Blanchard
Diseño Prod.: Akin McKenzie
Guión: Dana Stevens, María Bello
Actores: Viola Davis, Thuso Mbedu, Lashana Lynch
Dirección: Gina Prince-Bythewood
Sonríe - Por Juan Pablo Donoso
Admirable que siendo tan larga - casi 2 horas - mantenga la tensión gracias a la incógnita que sigue creciendo.
Después de presenciar el incidente brutal que sufre una paciente, la psiquiatra Dra. Rose Cotter comienza a experimentar sucesos aterradores y reiterados. Deberá enfrentar su inquietante pasado para sobrevivir y escapar de su nueva realidad.
Sosie Baconmeer (Yegua de Eastown - 2021) es una conocida actriz de TV. Denota dominio actoral. La dignidad con que reviste a su personaje se nos hace más empática cuando va perdiendo la cordura. Nos comparte la prisión de soledad que siente.
Los demás actores y actrices - casi todos suelen participar en películas de terror - se integran al excelente manejo de cámara para contribuir a la sensación de progresivo desquicio de la protagonista.
Para ser su primer largometraje, el guionista/director Parker Finn, revela buen pulso narrativo. Crea adecuadas transiciones entre las escenas. La fotografía se siente familiar y, a la vez, inquietante. La música incidental y los sonidos potencian los momentos de miedo y angustia. Ojalá hubiera sido aún más sutil con algunos “screamers” (sobresaltos bruscos). Bastaba la subjetividad de la protagonista.
La tesis denuncia cuántos de nosotros nunca lidiamos con nuestros traumas internos. Existe ese miedo universal de estar solo en el mundo, y el aislamiento impulsa a las personas a sumergirse en las redes sociales.
Aunque recurre a las mejores partes de películas de terror similares, este realizador las convierte en algo propio.
Buen equilibrio entre locura y pavor.
SUPERA EL ESTÁNDAR DEL GÉNERO PSICO-TERRORÍFICO. ABORDA LA SALUD MENTAL EN LA SOCIEDAD CONTEMPORÁNEA. LAS SONRISAS A MENUDO PUEDEN SER UNA MÁSCARA.
Ficha técnica
Título Original: Smile
2022 Misterio y terror EE.UU. - 1,55 hrs.
Fotografía: Charlie Sarroff
Edición: Elliot Greenberg
Música: Cristóbal Tapia de Veer Diseño Prod.: Lester Cohen Actores: Sosie Bacon y Kyle Gallner (Scream 2022)
Guionista y Director: Parker Finn
Súper… ¿quién? - Por Juan Pablo Donoso
Farsa repleta de gags visuales y orales.
Sátira de películas de héroes con giros inesperados y, por supuesto, estupidez intencionada.
Sobre cómo - cine en el cine - tratan de filmar una pésima película de paladines donde, al final, ambas resultan exitosas.
Muy francesa en el humor, la dirección y guion. Sin duda se divirtieron haciéndola, tal vez más que los espectadores.
Mezcla de chistes directos con elementos surrealistas. Echan mano a cualquier disparate para mantener el humor vivo y el ritmo ágil.
Todos los personajes son caricaturas, y de ellos se puede esperar cualquier pampirolada.
Admirable que el mismo protagonista (Phillipe Lacheau- Niñera 2 - 2015) haya sido también el guionista y director de esta sátira tan movida que hará reír, creemos, más a los niños franceses que a los chilenos.
Conociendo las películas de Marvel, y la sociedad francesa, se entenderán mejor las bromas. Sólo así, la entretención estará garantizada.
HUMOR GRUESO EN UNA CHACOTA DE DURACIÓN SOPORTABLE. ASTRACANADA SIN LA MENOR SUTILEZA. CÓMICA.
Ficha técnica
Título Original: Super-héros malgré lui
Título Original: Super-héros malgré lui
2021 Farsa, acción Francia, Bélgica - 1,22 hrs.
Fotografía: Vincent Richard
Edición: Marc David (escenas de acción), Antoine Vareille
Música: Maxime Desprez, Michaël Tordjman
Diseño Prod.: Samuel Teisseire
Guion: Julien Arruti, Pierre Dudan, Philippe Lacheau Pierre Lacheau Actores: Jean-Hugues Anglade, Julien Arruti, Rayane Bensetti
Director: Philippe Lacheau
miércoles, 28 de septiembre de 2022
No te preocupes cariño - Por Carlos Correa
Todo parece tan perfecto que aparentemente no se observan grietas. Sin embargo, y producto de lo cotidiano, Alice comienza a tener ciertas dudas. Su círculo cercano no entrega pistas, pero hay algunos quiebres, algunas luces que dejan entrever que tal vez no todo es lo que parece. Un hecho inusual, un avión que cae detrás de una montaña, provoca que los cuestionamientos se acrecienten cuando Alice comience a investigar lo sucedido y se acerque a una zona límite, en una incursión que resultará ser el comienzo de una serie de sorpresas y giros que el relato traerá aparejados.
El guion escrito por Katie Silberman, Carey Van Dyke y Shane Van Dyke resulta interesante por las ideas que expone, mas no por su desarrollo y ejecución. En este caso, vemos que la historia es bastante más interesante que su puesta en escena, y probablemente por varias razones. Por ejemplo, demora en exponer el nudo principal del conflicto, es decir, este existe desde un comienzo -las sospechas de que algo está mal, este curioso mundo de vida tan perfecta, etc-, pero el real conflicto tarda mucho en aparecer, y cuando emerge ya es tarde, todo se desencadena muy rápido y sin mayor consistencia.
Bajo una óptica podríamos mencionar que es una cinta que denota abuso y opresión sobre la mujer. Hay una utilización, un rol fijado, un estereotipo. Si sumamos el ambiente de los 50, lo anterior podría ser respondido desde una fuerza feminista, de reacción, de empoderamiento, sin embargo la cinta es ambigua en su definición producto de los hechos que lentamente va develando.
De lo más destacable de este filme son sus actuaciones. Florence Pugh configura un personaje que encarna muy bien su rol y que, al mismo tiempo, es capaz de dejar entrar la luz de la desconfianza. Ese juego bivalente, o al menos plagado de incertidumbres, lo personifica correctamente, tal vez incluso postergando a un segundo plano al buen Harry Styles en su papel de esposo tremendamente cariñoso pero insanamente adicto al trabajo. Por su parte, el ininteligible Frank, resulta ser predecible, aunque su figura debiera haber cumplido con otra condición dado que corresponde la parte misteriosa del relato.
“Don't Worry Darling” -bien traducida al español-, resulta lenta a pesar de tener buenos ambientes y buena fotografía. Sumado a lo anterior, estas recreaciones de un mundo ideal, a lo “Truman Show”, no alcanzan para darle vuelo a una película fallida que deja sabor a poco aunque finalmente se deje ver.
Ficha técnica
Título original: Don't Worry Darling
Año: 2022
Duración: 122 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Vertigo Entertainment, New Line Cinema. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Thriller. Intriga | Thriller psicológico. Años 50
Guion: Katie Silberman, Carey Van Dyke, Shane Van Dyke
Música: John Powell
Fotografía: Matthew Libatique
Reparto: Florence Pugh, Harry Styles, Olivia Wilde, Gemma Chan, Chris Pine, KiKi Layne, Nick Kroll, Douglas Smith, Kate Berlant, Asif Ali, Dita Von Teese, Timothy Simons, Sydney Chandler
Dirección: Olivia Wilde
Pasaje al Paraíso - Por Jackie O.
Comedia romántica con paisajes delirantemente bellos, que te darán ganas de correr a Bali. Y si gozas del amor en pareja, acá está el lugar.
Con dos consagrados actores, Julia Robert y George Clooney, se centra esta película, cargada de simpatía, gracias a ellos.
¿Quiénes son ellos? Un matrimonio que duró cinco años y llevan veinte años divorciados. Tuvieron una hija que está, en este momento, graduándose de la universidad. Eso hace que deban juntarse para el evento, y esta chica sabe que es algo catastrófico, pero sucede, y sobreviven al acto.
Luego de cinco años de puro estudio, con su mejor amiga se van de vacaciones a Bali.
Estando allá ocurre lo esperado, y como esto es película, se enamora a primera vista y se queda más de un mes, aproximadamente, en esos hermosos parajes y le informa a sus padres que se casará con un joven y agradable muchachote.
Pasan 37 días y deben aparecer estos padres que aman a su hija, pero ellos no se soportan, no aceptan la boda, no quieren que cometa su hija el error que ellos, dicen, cometieron, por lo que están de acuerdo en unirse solo para boicotear la boda y volver con hija.
Así van sucediendo diferentes situaciones divertidas de nuestros protagonistas, que sin ellos, tal vez, esta película haya pasado sin pena ni gloria.
Pero la película funciona bien; Julia y George tienen una química fantástica, y ambos muy guapos.
¿Qué pasará con esta chica? Tantos años de esfuerzo en su carrera, ¿la dejará por el amor? ¿Sus padres lograrán convencerla de volver? Este joven, ¿será el adecuado?
Paisajes bellísimos que dan ganas de ir a pasar una buenas vacaciones ahí, con buena música, un guion muy simple pero que deja conforme, y el resto del elenco funciona pero son totalmente olvidables.
Una película que nos habla de luchar por lo que quieres, de los padres que buscan lo mejor para sus hijos versus lo que los hijos deciden, y apoyarlos -pero no está de más darles algún consejo, no imponiendo-, y por supuesto, el amor como el principal ingrediente.
Para disfrutar en casa o en un viaje. Buena.
Ficha técnica
Título original: Ticket to Paradise
Duración: 104 minutos
Director: Ol Parker
Productores: Julia Roberts, George Clooney, Deborah Balderstone, Sarah Harvey, Tim Bevan
Guión: Ol Parker
Fotografía: Ole Birkeland
Comedia romántica
Reparto: George Clooney, Julia Roberts, Kaitlyn Dever, Billie Lourd,
Lucas Bravo, Senayt Mebrahtu, Talha Şentürk
Título original: Ticket to Paradise
Duración: 104 minutos
Director: Ol Parker
Productores: Julia Roberts, George Clooney, Deborah Balderstone, Sarah Harvey, Tim Bevan
Guión: Ol Parker
Fotografía: Ole Birkeland
Comedia romántica
Reparto: George Clooney, Julia Roberts, Kaitlyn Dever, Billie Lourd,
Lucas Bravo, Senayt Mebrahtu, Talha Şentürk
La familia perfecta - Por Alejandro Caro
Los protagonistas, tanto Rueda como Coronado, y el séquito de actores llevan adelante una comedia que, sin tener un guion tan original, muestra la vida de dos familias de diferentes clases sociales que tienen sus propias particularidades, al parecer irreconciliables: una tradicional y la otra más desenfadada. Pero la vida los llevará a descubrir, en esas diferencias, que no son tan distintas a sus propios mundos personales.
Si bien esta es una comedia, no deja de tener un fondo, y nos puede plantear algunas preguntas como los roles que jugamos en nuestras familias y las circunstancias que han moldeado lo que somos, a veces levantando un mundo imaginario que no existe.
El filme hace un fuerte guiño al mundo femenino por sus roles en la familia, y cada uno de esos personajes hace apología de su opción como mujer tomando decisiones, a veces radicales, y de esa forma alcanzar la felicidad, en otras palabras siendo ellas mismas.
Filme bien realizado, con un uso de cámara que se ve que bien utilizado para la construcción de algunos planos en movimiento de los personajes. No digo más para que se fijen en ello.
Finalmente, no es una obra maestra, pero nos hará pasar un buen rato con buenas actuaciones y algo de humor.
Disponible en Netflix.
Ficha técnica
Título original: La familia perfecta
Año: 2021
Duración: 110 minutos
País: España
Dirección: Arantxa Echevarria
Guion: Olatz Arroyo
Música: Pascal Gaigne
Fotografia: Pilar Sánchez Díaz
Reparto: Belén Rueda, José Coronado, Gonzalo de Castro, Carolina Yuste, Gonzalo Ramos, Jesús Vidal, Pepa Aniorte, Pepe Ocio, María Hervás
Género: Comedia, Familia
Productora: Atresmedia Cine, Lazona Producciones, The Snake Films, Mogambo
domingo, 25 de septiembre de 2022
Inventando a Anna - Por Jackie O.
Anna Delvey era el seudónimo de una mujer alemana llamada Anna Sorokin que se mudó a Nueva York en el 2013. Con el nombre falso, Sorokin fingió ser una rica heredera alemana para establecerse en la escena social de Nueva York.
Inspirada en Anna. Una miniserie ficticia, donde gran parte de lo expuesto no es verídico, pero el resto... no lo sabemos. De todas formas, es una historia interesante en sí.
Comenzamos desde el final, esto es, una chica detenida, con una personalidad claramente con problemas psicológicos, y no hay que ser experto para darse cuenta.
Tenemos a dos mujeres, una es Anna, ambiciosa a más no poder, renegando de su pasado, del cual tal vez sabremos muy poco, pero sí sabemos que es una mujer dispuesta a conseguir poder y dinero. La otra, Vivian, una periodista que cometió un error laboral que la tiene "degradada" en su trabajo, y encuentra en esta joven una historia potente para investigar.
Así, ambas mujeres se unen casualmente, cada quien con su historia, vamos conociéndolas, como a muchos partícipes de ella.
¿Quién fue Anna? ¿Venía de una familia pobre que la avergonzaba? ¿Solo era ambiciosas? O, ¿ simplemente una mujer sin escrúpulos?.
Una mujer que supo burlar a las grandes corporaciones, y grandes personajes del negocio. Se burló de ellos.
Rodeada de lujos, gastaba dinero sin parar, era dadivosa con todos; bueno... el perfil de un estafador. Gasta, regala y la mejor puesta en escena, hasta que caes en la red y no puedes escabullirte, o es tarde. Quienes trataron de salir, de igual forma sacaron provecho.
Anna y Vivian buscan el éxito, buscan el reconocimiento, y lo encuentran a su modo.
¿Qué es cierto en todo esto?
Anna fue fue condena el 25 de abril de 2019 por hurto mayor, hurto en segundo grado y robo de servicios (fraude). Actualmente, liberada en febrero de 2021, bajo la custodia de los Estados Unidos. Y Vivian, quien en realidad representa a la periodista Jessica Pressler, no solo escribió el artículo "How Anna Delvey tricked New York’s Party People", el año 2018, en el que se inspira la miniserie de Netflix "Inventing Anna", sino que también el artículo "The Hustlers at Scores", publicado en 2015, y que fue nominado para el National Magazine Award. La trama de la película Estafadoras de Wall Street está basada en este artículo.
Una miniserie interesante para ver, con una buena puesta en escena y actuaciones muy convincentes. Una edición bien construída. Maquillaje y vestuario, fabulosos.
Ficha técnica
Netflix
Inventing Anna
Nº de episodios : 9
Año:2022
Drama
Creador: Shonda Rhimes
Dirigido por S. J. Clarkson
Protagonistas: Julia Garner, Anna Chlumsky, Arian Moayed, Katie Lowes, Laverne Cox, Alexis Floyd, Anders Holm, Anna Deavere Smith
Creador: Shonda Rhimes
Dirigido por S. J. Clarkson
Protagonistas: Julia Garner, Anna Chlumsky, Arian Moayed, Katie Lowes, Laverne Cox, Alexis Floyd, Anders Holm, Anna Deavere Smith
sábado, 24 de septiembre de 2022
La huérfana: el origen - Por Elizabeth Salazar T.
Como dice el dicho, “las apariencias engañan”. Creo que esta frase sintetiza muy bien la trama de esta película. Una mujer, haciéndose pasar por una niña, y una madre (Julia Stiles), que tampoco es lo que aparenta (no contaré más para no spoilear), ambas motivada en conseguir sus objetivos sin ningún límite, son astutas e inescrupulosas, tratando de obtener lo que quieren, hacer realidad ese ideal que tienen en sus mentes retorcidas.
El filme comienza de forma violenta, en un lugar aislado y frío, lo que hace parecer aún más crudo lo que ahí sucede. La protagonista utiliza toda su astucia para lograr escapar y obtener sus objetivos, porque esta precuela nos confirma que ella es capaz de hacer lo imposible por conseguir lo que quiere. De hecho, en este filme el duelo de mujeres es intenso; Julia Stiles, nos entrega una buena actuación y Leena Klammer, reafirma su personaje de niña-mujer, una especie de Merlina maligna, que no tiene límites, aunque esta vez se entiende que el espectador tiene la información del filme anterior y nos muestran más actitudes de adultas de Esther. Si bien ya no tenemos el factor sorpresa, igualmente es un filme que tiene buenos momentos. Mi favorito fue verla conduciendo mientras escucha en el auto "Maniac" de Michael Sembello (canción famosa por ser del soundtrack de “Flashdance), cuya letra tiene mucho sentido por el momento y el personaje.
Un filme que tiene momentos que intrigan, si les gusta el suspenso más que el terror, les hará pasar un buen rato.
Dirección: William Brent Bell
Duración: 99 Minutos
Distribuye: Diamond Films
viernes, 23 de septiembre de 2022
"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine Viernes 23 de Septiembre 2022
El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.
jueves, 22 de septiembre de 2022
La Huérfana, el Origen - Por Juan Pablo Donoso
Y el morbo se complace cuando nos entregan como protagonista a una niñita con apariencia de 9 años que en realidad tiene 31, y mata sin piedad al que se atraviese en su camino.
Como nadie conoce su historia previa, y debido a su enanismo, es internada en diversos orfelinatos. Luego, con sibilina sagacidad se las ingenia para hacerse adoptar por familias que han perdido a una hijita y, una vez integrada, con su fingida ternura y talento para tocar piano, da rienda suelta a sus ambiciones y a sus instintos bestiales.
Tanto en literatura, como en teatro y cine, el tema de la inocente niñita capaz de los más monstruosos crímenes ha sido tratado por grandes escritores como Henry James en Los Inocentes - The Turn of the Screw, 8 veces llevada al cine - y La Mala Semilla, de Maxwell Anderson. Esta última fue un éxito apoteótico en Broadway y luego en Inglaterra y otros importantes centros teatrales.
La obra se estrenó en EE.UU. protagonizada por Patty McCormack cuando aún era muy chiquita, lo que hacía que su personaje fuera más siniestro. Y luego, esa misma actriz infantil encarnó al personaje en la película homónima (1956) dirigida por Mervyn LeRoy, siendo nominada al Óscar.
Aquí, Isabelle Fuhrman - actriz adulta y de tamaño normal - encarna a la pequeña autollamada Ester. Se encargará de incorporarse a una familia en duelo. Su objetivo será seducir al padre y apropiarse de la mansión. Más, gradualmente, la madre y el hermanastro comenzarán a sospechar de ella. Cosa que desatará su maquiavélica protervia.
Hacia el final la historia tendrá giros inesperados donde sabremos que, salvo el bonachón marido, los demás también tenían torvos secretos. Terminarán luchando todos contra todos liberándose, como es obvio, sólo la pécora enana...para las próximas secuelas.
El tratamiento visual es de constantes penumbras, apropiadas para crear la atmósfera maligna. Excelente Julia Stiles (El Lado Bueno de las Cosas - 2012) como la madre, y también los trucos para lograr que Ester se vea pequeña entre los demás. Nadie es tan santo como parece y los eventos se disparan en direcciones audaces y sorpresivos.
MÁS QUE DE TERROR ES UNA REFINADA PRECUELA DE MALDAD Y DESQUICIO. ATMOSFÉRICA E INQUIETANTE.
Ficha técnica
Título Original: Orphan: First Kill
Título Original: Orphan: First Kill
2022 Crimen, drama, maldad EE.UU.. Canadá - 1,39 hrs.
Fotografía: Karim Hussain
Edición: Jose Ethier
Música: Brett Detar
Diseño Prod.: Mateo Davies
Guion: David Coggeshall, David Leslie Johnson-McGoldrick, Alex Mace
Actores: Isabelle Fuhrman, Julia Stiles, Rossif Sutherland
Dirección: William Brent Bell
La Dama del Furgón - Por Juan Pablo Donoso
Una de aquellas películas inglesas - u obras teatrales - en que, aparentemente, sucede poco y donde toda la magia está en sus actores.
Exquisita sutileza narrativa. Coinciden los tormentos creativos de un escritor con el advenimiento de un personaje - ¡de aspecto desastroso! - que viene a iluminarle la vida como hombre y como artista.
Versión cinematográfica de la obra teatral de Alan Bennett que en el escenario protagonizó la legendaria Maggie Smith, y que sin su talento habría sido imposible realizar.
Se nos cuenta en varios planos simultáneos. La mezcla de todos ellos nos lleva a la conmovedora resolución de tan insólitas coincidencias.
El dramaturgo solterón Bennett, en la vida real, sufre de crisis creativa. Se refugia en un tranquilo barrio de Londres para huir del mundanal barullo. Allí, en la quietud de su casa, con un solo arrendatario, podrá dialogar consigo mismo, como si fuera su doble, para hallar inspiración.
Verá interrumpida su paz cuando una anciana vagabunda se instale a vivir en un destartalado furgón frente a su casa. Se niega a marcharse, y permanecerá ahí hasta fallecer al cabo de 15 años.
Despertará su compasión dándole de comer y facilitándole el baño para que - ¡a veces! - haga allí sus necesidades. En otros momentos usará ella también la vereda o el tarro de basura en la calle.
Ante la imposibilidad de liberarse de su presencia, crecerá una relación entre ellos mezcla de piedad, molestia e impotencia. Hay en la miseria y desaseo de Miss Shepherd un halo de dignidad que, gradualmente, va subyugando la curiosidad del escritor.
¿Quién era esa señora tan arrogante y, a la vez, tan paupérrima? Aquí viene la otra dimensión de la historia. Su verdadero nombre era Margaret Fairchild. Eximia pianista en un comienzo, monja católica después, y fugitiva de la policía al atropellar por accidente a un motociclista en la carretera.
El mundo de ella - con escuálidas mesadas de un hermano - y su vagancia por las calles recogiendo cachureos, se nos va develando a lo largo del tiempo. Su altanería, insolencia y extraña fragilidad se van filtrando en los diálogos del dramaturgo con su doble hasta crear - ¡por fin! - su obra teatral más feliz y entrañable.
La sumisión de Bennett como simple ciudadano compasivo fue la iluminación para que su alter ego escritor concibiera tal vez la mejor creación de su vida. Lo que en el autor era sólo intelecto, en el hombre vulnerable era la humanidad que le faltaba.
La dupla de Alex Jennings como Bennett (y su doble), con Maggie Smith como la anciana pordiosera configuran una de las premisas más poderosas del arte dramático: alma, inteligencia e inefable compasión.
1 Premio BAFTA y 8 nominaciones
UN PRODIGIO DE MADUREZ, TALENTO ACTORAL Y FINURA NARRATIVA. ¡MAGNÍFICA!
Ficha técnica
Título Original: The Lady in the Van
Título Original: The Lady in the Van
2015 Biografía, tragicomedia Inglaterra - 1,44 hrs.
Fotografía: Andrew Dunn
Edición: Tariq Anwar Música: George Fenton
Diseño Prod.: Juan Barba Guion: Alan Bennett
Actores: Maggie Smith, Alex Jennings, Jim Broadbent
Director: Nicholas Hytner
Born to be Blue - Por Juan Pablo Donoso
Sensible re-creación biográfica de uno de los máximos exponentes blancos del jazz en Estados Unidos: Chet Baker.
Este filme se concentra en el único período - de aprox. 2 años en que el genial trompetista - durante los 60, se abstuvo de la droga, halló el amor y apoyo de una mujer, y cuál fue el resultado para el desarrollo de su destino.
Ethan Hawke deslumbra. Siempre ha sido un actor sólido y verosímil. Aquí hace maravillas con el papel y logra que el personaje principal sea lo más simpático posible teniendo en cuenta sus lamentables circunstancias.
El breve período en cuestión coincide con la paliza que le dieron unos matones traficantes, a quienes debía dinero. Le volaron los dientes a patadas dejándolo incapacitado para tocar y retomar durante mucho tiempo su brillante carrera.
Fue durante esta invalidez que conoció a la mulata Jane (Carmen Ejogo, excelente actriz inglesa) cuando debió sobrevivir haciendo trabajos menores y tan lejanos de su talento y vocación.
Lo que este filme expone - y a la vez denuncia - es el siniestro declive de tantos jazzistas de todo el mundo - con leves excepciones como Louis Armstrong, por ejemplo, y otros pocos - hacia la droga que, finalmente, termina matándolos.
En el caso de Chet Baker, junto a quien vivimos su calvario de abstinencia - se nos revela que para alcanzar cimas gloriosas de improvisación musical, la mente del ejecutante debe mantenerse en un estado de relativa, o intensa, alienación.
Fenómeno que también ha matado a otros eximios artistas musicales de arrolladora popularidad (Elvis). ¿Será el dinero que les trae la fama, o la liberación de la creatividad que algunos sólo alcanzan en estados de éxtasis?
Este es el tema, y el dilema, de la película. Un hombre joven admirado por gigantes como Miles Davis y Dizzy Gillespie, y a la vez émulo de Charlie Parker “Bird”(otra víctima de los excesos) que sin la toxina estimulante cae en la mediocridad y casi en el olvido, y que, a pesar de haber hallado el amor de una gran mujer, y una vida de paz familiar, vive atormentado por su ansia de volver a su edén musical, aunque al hacerlo pierda todos los tesoros humanos, falleciendo años después al caer de la ventana de un edificio, sin duda bajo los efectos de la heroína. Pero embriagado en la liberación de su espíritu fecundo.
Acertado título en inglés. En su doble traducción dice “nacido para el Blue” que también significa “tristeza”.
Si deseamos disfrutar mejor de sus ejecuciones, sugerimos permanecer sentados en la sala durante los créditos finales: escucharemos su trompeta durante un rato prolongado, y con un nudo de emoción en la garganta.
BIOGRAFÍA FASCINANTE Y DOLOROSA DE UN GENIO CONDENADO POR SU VOCACIÓN Y TALENTO IRRESISTIBLES.
Ficha técnica
Biografía, música, tragedia Canadá, Inglaterra - 1,37 hrs
Biografía, música, tragedia Canadá, Inglaterra - 1,37 hrs
Año: 2015
Fotografía: Steve Cosens
Edición: David Freeman
Diseño Prod.:Aidan Leroux
Actores: Ethan Hawke, Carmen Ejogo, Callum Keith Rennie
Guionista y Director: Robert Budreau
Rompiendo Barreras - Por Alejandro Caro
Interesante animación de un proyecto final del máster de Animación 3D. Además, su relato nos plantea no solo la responsabilidad y el compromiso de actuar frente a las circunstancias, tal como lo hace la anciana frente a una necesidad, y con un poco amabilidad hace que cambie su vida y la de su vecino y por lo tanto se transforman ellos y su comunidad, provocando una sinergia colaborativa.
Es un relato construido con buenos personajes, sin textos, acompañado solo con efectos de sonidos y una música que permite construir perfectamente la historia.
Para ser vista por todo tipo de público, niños, jóvenes y adultos. Transformar nuestro mundo y comunidad en un lugar mejor comienza desde nosotros mismos hacia afuera; así de fácil.
Disponible en YouTube.
Ficha técnica
Titulo original: Viejos vecinos.
País: España
Duración: 6 minutos 57 segundos.
Año: 2015
Modelado y animación: Diego de la Nuez, Marvin Orellana, Juan Carlos Pérez, Ana Landi.
Supervisión: José Antonio Navarrete.
Música: Javier López Vila
Composición: Diego de la Nuez.
Edición: Marvin Orellana.
Efectos de sonido: diego de la Nuez, Marvin Orellana
Género: Animación 3D, drama, tercera edad, amistad, compartir.
martes, 20 de septiembre de 2022
Goodnight Mommy - Por Jackie O.
Los gemelos vuelven a la casa de campo con su madre, quien se sometió al parecer a una operación estética, pues su cara está cubierta por una malla. A eso le agregamos que su comprotamiento es diferente.
Película que es un remake de 2014, la cual no vi aunque sabía de su existencia, pero no de su desarrollo, o sea, vi esta película en blanco. ¿Con qué me encontré?
Con una película que no tiene nada de thriller ni suspenso, a pesar de que su trío de protagonistas ponen todo de sí para efectuar un buen desarrollo, pero no lo logran.
No hay giro argumental, por más que digan que sí, y ¿por qué?: porque no lo desarrollan bien en el transcurso de la trama, todo es muy predecible desde el comienzo, nada impresiona, ni te genera el más mínimo saltito del asiento, ni ansiedad ni preocupación.
Los remakes no son malos, el problema es el guion, actuación y la dirección. Es un todo que debe complementarse para darnos la impresión que nos da la película original, o sorprender con un cambio que nos deje boquiabiertos, o simplemente jugar con los mismos elementos.
Acá, las actuaciones estuvieron muy buenas, madre e hijos son muy creíbles, incluso la policía aporta muy bien. Entonces... guion y dirección.
Alexander Dynan nos entregó una buena fotografía, pero no fue suficiente. La música de Alex Weston, no llegaba en el momento preciso.
En resumen... una película que me hizo querer ver la original.
Una película que resultó un fracaso para el curriculum de Naomi y de su director.
Una historia que ya está siendo muy común ver en estos días, gemelos, donde predices todo, lo cual insisto, no debe ser malo, porque debe sorprendernos igual, e ahí el trabajo en equipo.
Una película que habla de la familia, la unión y separación abrupta, los traumas, las enfermedades mentales.
Disponible en Amazon Prime.
Ficha técnica
Dirección: Matt Sobel
Reparto: Naomi Watts, Cameron Crovetti, Nicholas Crovetti, Crystal Lucas-Perry, Jeremy Bobb, Peter Hermann
Género, Terror Thriller Drama Thriller psicológico Remake
Guion: Matt Sobel, Kyle Warren
Música: Alex Weston
Fotografía: Alexander Dynan
92 minutos
Año 2022
La Escuela Católica - Por Jackie O.
Inspirada en un hecho verídico, donde en 1975, tres estudiantes de una prestigiosa escuela secundaria católica para hombres en Roma, cometen un crimen horrible que conmociona a sus compañeros de clase y a la comunidad.
La película, en sí, está basada en la novela del mismo nombre escrita por Edoardo Albinati, en la que nos relata unos hechos escabrosos y misóginos donde fueron víctimas dos adolescentes a manos de tres jóvenes desquiciados, quienes las violaron y torturaron.
Jovenes de buena situación económica, así nos muestran a cada uno de los partícipes, quienes son estudiantes de una prestigiosa Escuela Católica. Todos con sus diferentes historias, algunos de padres divorciados, de grandes y unidas familias, pero también los están aquellos que viven distanciados emocionalmente de sus padres. Cursan la etapa final de la secundaria o enseñanza media, y tienen sus "rollos". Cada quien con sus inquietudes, sean de tipo sexual, cumplir metas, familiares, indiferencia al mundo, u otras problemáticas internas.
¿Quién en la adolescencia no hizo o pensó algo que creía que nadie los entendía, o tenían definido su futuro, o no sabíamos qué hacer, o un sinfín de preguntas que nunca se aclararon?
¿Cuántos fuimos a fiestas o no asistimos a ninguna, o fuimos cómplices de bullying o víctimas de ello?
La juventud...
Pero la mente del ser humano es un misterio.
Te pueden criar de una forma, pero puedes aprender cosas por fuera, buenas o malas, pero aprendes algo. Pero están esas otras cosas que están ya insertas en el ser humano, y que explotan en algún momento.
La película desfila por lo ya dicho, vemos familias y comportamientos de jóvenes. Sabemos como estos chicos conocen a las víctimas, pero la edición es tan dispar que se diluye la historia. Faltó enforcarse más en estos criminales.
Se dio muchas vueltas hablando de lo general, que al momento del crimen es todo muy rápido, y el final aún más.
Vestuario y maquillaje buenos, nos transportan a los 70'.
Las actuaciones son variadas, hay algunas buenas y creíbles, pero priman mucho las poco destacables. La edición, ya lo dije, mal efectuada a mi parecer.
El guion contribuyó a que la edición no fuera adecuada, lo que me hace querer leer el libro, o simplemente googlear sobre este escabroso crimen, de tres jóvenes totalmente perturbados.
Pero hay algo que nos recuerda como adultos, que es conversar con los menores, y los cuidados que deben tener con los recién conocidos, y no impresionarse ante la abundancia, pues recordemos que las víctimas eran de clase media a baja, lamentablemente fáciles de impresionar.
Pudo haber sido una gran película. Pudo haber tenido incluso otro nombre, o haber desarrollado mejor el tema de "la escuela católica", pero sirvió para contarnos un hecho verídico, que siempre eso es bueno, del cual podemos averiguar más y conversarlo.
Disponible en Netflix
Ficha técnica
La scuola cattolica
Género: Drama
Idioma original: Italiano
Director: Stefano Mordini
Guion: Massimo Gaudioso , Luca Infascelli , Stefano Mordini
Duración: 1h 46m
La scuola cattolica
Género: Drama
Idioma original: Italiano
Director: Stefano Mordini
Guion: Massimo Gaudioso , Luca Infascelli , Stefano Mordini
Duración: 1h 46m
jueves, 15 de septiembre de 2022
"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine Jueves 15 de Septiembre 2022
El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.
Emergencia en el Aire - Por Carlos Correa
En el Aeropuerto Internacional de Incheon (Corea del Sur), Jae-hyuk -Lee Byung-un-, se embarca junto a su hija enferma en el vuelo KI501 con destino Hawai. Jae-hyuk tiene miedo a volar, alguna experiencia traumática lleva consigo, y hace lo imposible por mitigar sus temores en beneficio de la salud de su pequeña.
Tanto en el Aeropuerto como a bordo, un extraño pasajero, Ryu Jin-seok -Si-wan-, se comporta erráticamente. Sabemos que es la clave del problema pero desconocemos lo que vendrá a continuación.
Paralelamente, pero esta vez en tierra, el detective In-ho -Song Kang-ho-, investiga una extraña muerte ocurrida en circunstancias indeterminadas y altamente tóxicas, posiblemente debido a patógenos en extremo contagiosos que generan efectos devastadores. Además, comienza a circular la noticia de una amenaza terrorista ligada al vuelo KI501 y le afecta directamente pues su esposa se encuentra en dicho avión. In-ho inmediatamente comienza a atar los cabos los que, por supuesto, se relacionan con su objeto de investigación.
Volvamos a bordo. Un pasajero muere casi en forma instantánea y fulminante desatando el caos. Las circunstancias tienen tal envergadura -redes sociales, mensajes y todo tipo de comunicaciones dan cuenta de todo lo que está sucediendo en tiempo real-, que el piloto Hyun-soo -Kim Nam-gil-, decide declarase en emergencia, es decir, solicita aterrizar de manera urgente en el Aeropuerto más cercano, petición que le es denegada. La incertidumbre aumenta, la amenaza se ha difundido por todo el mundo y el avión parece no tener otro destino que quedarse sin combustible y caer. ¿Qué pasará finalmente?
Esta película, escrita y dirigida por Han Jae-rim, tiene dos escenarios delimitados: aire y tierra, y los combina adecuadamente para mantener la tensión durante sus 147 minutos de duración. El guion también maneja tópicos paralelos; una amenaza terrorista en el aire, las movilizaciones, el manejo técnico y político de la emergencia en tierra, y las reacciones y actitudes humanas que son aspectos transversales en ambos escenarios.
El paralelo mayor se produce entre el padre y su hija en el aire, con su influyente pasado y presente, y lo que sucede con el detective en tierra, con su familia, sus motivaciones y su capacidad de acción. Cuando se declara la emergencia, tanto a bordo como en los controles terrestres, surge la inseguridad, el espanto y el descontrol. Nadie sabe qué hacer, qué decidir, cómo actuar, qué decisiones tomar. ¿Cómo se puede -o se debe- actuar ante una amenaza así? Cuando se prevén efectos devastadores, ¿se les debe permitir aterrizar, o no? ¿Quién toma una decisión así? ¿Alguien puede determinar el destino de aquellas vidas?
Surgen espontáneamente todo tipo de instintos ante la desesperación y el miedo que cunde y se expande por doquier. Las negaciones afloran, el sentido de protección también aparece, surge la posibilidad de una renuncia y algunos destellos de comprensión. Ojalá que no nos veamos expuestos a situaciones como las que describe esta película, porque sin duda que la realidad superaría la ficción. Baste ver los atentados aéreos que conocemos y tantas otras amenazas, algunas sofocadas y otras devenidas en tragedias de proporciones.
“Declaración de Emergencia”, traducida en Chile como “Emergencia en el aire” funciona, no solo por lo tenso de su argumento sino porque también se arriesga a explorar comportamientos humanos bajo diversas dimensiones. El componente socio cultural también juega un papel fundamental, las reacciones emocionales otro tanto, y sobre todo la incertidumbre que sugiere una amenaza desconocida, sin muchos antecedentes, donde las personas se dividen, los instintos priman por sobre la racionalidad, y la frialdad de pensamiento brilla por su ausencia.
Interesante, y con incógnitas hasta el último minuto, esta no es la típica película de desastres aéreos; quiere ir un poco más allá y a mi juicio lo consigue. Con roles protagónicos a cargo de dos reconocidos actores -de “Parásitos” y “El Juego del Calamar”-, no dudo que tendrá una buena taquilla, y no necesariamente por ese marketing sino porque explora algunos tópicos con bastante honestidad.
Ficha técnica
Título original: 비상선언
Año: 2021
Duración: 147 minutos
País: Corea del Sur
Productora: C-JeS Entertainment. Distribuidora: Showbox/Mediaplex
Género: Thriller. Drama. Acción | Crimen. Aviones
Guion: Han Jae-rim
Fotografía: Lee Mo-gae, Park Jong-chul
Reparto: Song Kang-ho, Lee Byung-hun, Jeon Do-yeon, Kim Nam-gil, Park Hae-jun, Im Si-wan, Kim So-Jin
Dirección: Han Jae-rim
Fotografía: Lee Mo-gae, Park Jong-chul
Reparto: Song Kang-ho, Lee Byung-hun, Jeon Do-yeon, Kim Nam-gil, Park Hae-jun, Im Si-wan, Kim So-Jin
Dirección: Han Jae-rim
Emergencia en el Aire - Por Elizabeth Salazar T.
A partir de los primeros contagiados, -quienes deben estar identificados y ser apartados en un sector diferente-, podemos ver cómo los pasajeros van solidarizando con los enfermos e igualmente con aquellos que solo quieren salvarse a toda costa, quienes no muestran nada de empatía frente a las personas que están cerca. En este sentido, la experimentación con un virus desconocido, no solo dentro del avión, también en el planeta, produce en ellos desesperación e incertidumbre con el futuro que les depara, las personas tienen miedo para dejar aterrizar al fatídico vuelo ya que no saben a lo que se enfrentan.
Como he señalado anteriormente, en situaciones extremas puede salir lo mejor y lo peor del ser humano, y acá no es la excepción, podemos ver la unión que se genera en algunos y los esfuerzos desesperados, también, que realizan algunas personas que se encuentran en tierra.
¿Hay algo que asuste más que lo desconocido?… esta película nos muestra a un grupo de personas que debe tratar de sobrevivir a un destino desconocido. Tal vez, -en cierta medida-, nos identifica a todos, desde aquellos momentos en que se confirmó la pandemia del Covid-19 a nivel mundial y, especialmente, cuando surgieron los primeros casos en el país, pues refleja esa sensación de ver que personas de nuestro entorno se comenzaban a contagiar de un virus y la incertidumbre de no saber qué pasaría con ellos e inclusive, con nosotros. Quizás, si hubiésemos visto esta película antes de la pandemia, concebiríamos que nos están mostrando una ficción muy lejana, y hasta habríamos cuestionado lo qué sucedía, pero, a partir de lo que nos tocó vivir con el Covid-19, es imposible no sentirse reconocidos en aquellos personajes y en las emociones que van experimentando durante el transcurso de la historia.
Esta megaproducción surcoreana, que se encuentra protagonizada por las estrellas de “El juego del calamar” y “Parasite”, muestra de manera cruda los límites entre la sobrevivencia y el hecho de enfrentarse a lo desconocido. Hay escenas que son verdaderamente vertiginosas, las que invitan a cuestionar la idea de subir nuevamente a un avión.
Además, cabe destacar que cuenta con buenas actuaciones y cumple con su cometido, es decir, generar incertidumbre y casi terror al enfrentarnos ante situaciones que no podemos prevenir. Si bien solo le habría restado algunos minutos, es una buena realización de un género que hace tiempo no teníamos la posibilidad de ver.
Fecha de estreno: 15 de septiembre en cines
Director: Han Jae-rim
Duración: 121 Minutos
Distribuye: BF Distribution
Emergencia en el Aire - Por Juan Pablo Donoso
Hoy día, si se pretende hacer una película de suspenso en base a un avión en peligro, hay que evitar repetir lo que decenas han logrado exitosamente a lo largo de los últimos 70 años.
El tema, de por sí, es más agradecido que incluso el de naufragios. Tremendo éxito mundial fue Lo Alto y Poderoso en 1954 de William Wellman, con John Wayne y otras estrellas, cuando todavía los aviones eran con hélices. Hasta la música incidental de Dimitri Tiomkin sigue siendo un clásico de colección.
Y después vino la sucesión exitosa de Aeropuertos, muy bien realizados y también copados con estrellas de la época. Y esto sin contar las decenas con secuestros terroristas, serpientes o fallas en el tren de aterrizaje.
Para colmo, aprovechando la taquilla de todas las anteriores, los guionistas/directores Abrahams, Zucker y Zucker, batieron marcas mundiales con la hilarante comedia ¿Y Dónde está el Piloto? (1y2).
Pues bien, esta producción coreana - que nos llega con rimbombante publicidad - aplica todos los recursos de aquellas otras y, lamentablemente, con errores de guion y dirección.
Es increíble que después de una caricatura tan lograda como ¿Y Dónde está el Piloto? se atrevan a utilizar - ¡ahora en serio! - emergencias y soluciones similares.
Como guion quedó demasiado largo, por lo tanto, pierde suspenso a cada rato. Por lo mismo dosifica mal la relación entre tensión y distensión (fórmula elemental de cualquier narrativa dramática). El exceso de personajes orientales - en su mayoría muy parecidos unos con otros- nos obliga a distraernos del conflicto.
Hasta en lo técnico es irregular: las primeras secuencias en el aeropuerto de embarque traen un velo dicroico que nos hacen creer que nuestros ojos requieren colirio. Cosa que desaparece en las escenas al interior del avión, para reaparecer luego en los exteriores.
La única novedad posible venía en el factor de que ningún país del mundo autorizaba el aterrizaje de la nave con pasajeros infectados. Cosa que los obligaría a la autoinmolación. Pero, como tampoco ello resultaba comercial, hubo que hallar una salida fácil de antiguas matinées.
Por último, es curioso que distribuyan una historia que se burla de la estupidez de las autoridades políticas de su propio país.
UNA TEDIOSA SUPERPRODUCCIÓN DE CATÁSTROFE QUE, AL PARECER, DISTRIBUYERON SIN ESCRUTARLA PREVIAMENTE.
Ficha técnica
Título Original: Bisang seoneon
Título Original: Bisang seoneon
2021 Drama, suspenso Corea del Sur - 2,21 hrs.
Fotografía: Mo-gae Lee, Parque Jong Chul
Edición: Han Jae-rim, Woo Hyun Kim, Kang Il Lee
Diseño Prod.: Mok-won Lee
Actores: Song Kang-ho, Lee Byung-hun, Jeon Do-yeon
Guionista y Director: Han Jae-rim
Pasaje al Paraíso -Por Juan Pablo Donoso
Con situaciones previsibles desde el comienzo, nos lleva de vacaciones a Bali, introduciendo también actores y actrices jóvenes cuyas carreras están empezando a descollar.
Una pareja divorciada hace años, y en franca enemistad mutua, padres orgullosos de su hija Lily que recién se tituló de abogado, se verán obligados a viajar juntos a Bali para impedir que la muchacha se case con un isleño artesano.
Lo que comenzó como vacaciones de dos amigas recién tituladas que sólo querían divertirse y celebrar, da origen a un romance furioso de la hija del matrimonio con el nativo balinés. Los padres, al entrarse del proyecto, deciden viajar para impedir la boda a toda costa.
La belleza del paisaje, la cordialidad de los balineses, y lo pintoresco de sus tradiciones, harán que esos burgueses estadounidenses recapaciten sobre sus vidas, examinen sus escalas de valores y, gradualmente, se reencuentren con las emociones más esenciales de su juventud.
George Clooney y Julia Roberts - además de protagonizarla - produjeron esta comedia rosa con evidente afán comercial. En ella aprovechan de confirmar sus talentos Kaitlin Dever, como la hija (La Noche de los Nerds - 2019), Billie Lourd como Wren, la carismática amiga leal (Star Wars) y la atinada selección de Maxime Bouttier, de origen indonesio, como el novio balinés.
Recomendable para hacer más cortas las horas durante un vuelo en avión. Sin desplantes ni vulgaridades. Humor de salón.
COMEDIA GRATA, TURÍSTICA, GENTIL, CON BUEN PRESUPUESTO, Y EN MANOS DE ACTORES Y REALIZADORES QUE CONOCEN SU OFICIO.
Ficha técnica
Título Original: Ticket to Paradise
2022 Comedia, romance EE.UU. - 1,44 hrs.
Fotografía: Ole Bratt Birkeland
Edición: Pedro Lamberto
Música: Lorne Balfe
Diseño Prod.: Owen Paterson
Guion: Daniel Pipski, Ol Parker
Actores: George Clooney, Julia Roberts, Kaitlyn Dever
Director: Ol Parker
Moonage Daydream - Por Juan Pablo Donoso
Con este gigantesco filme - lleno de detalles de su vida - constatamos que el cantante - al igual que otras estrellas musicales - sacraliza su tremendo egocentrismo.
Avanza trepidante y sin dar un respiro al espectador a lo largo de sus 140 minutos. Al propio Bowie le habría encantado.
El famoso rockero megalómano supo administrar, sin pudor, la publicidad en su beneficio. Siempre tuvo una cámara filmándolo en sus viajes, conciertos, talleres de pintura, y hasta en sus momentos más íntimos.
Dirigido por Brett Morgen, requirió cinco años de trabajo, con el respaldo y la complicidad de la familia y colaboradores de Bowie. Cabe mencionar que esta obra de Morgen viene precedida por otras también despampanantes biografías documentales: su introspección en la vida y carrera del astro suicida Kurt Cobain (2015), de Robert Evans (2002), productor de los máximos éxitos de Paramount en las décadas del 60 y 70, y su incursión por el universo ecologista de Jane Goodall y sus gorilas (2017).
En lenguaje cinematográfico podríamos comparar la obra documental de Morgen con la de aquellos otros gigantes literarios de la semblanza como fueron Emil Ludwig y Stephan Zweig.
Como documento Moonage Daydream es de los más ambiciosos que hemos visto en mucho tiempo. Funciona para aquellos, que a partir de la imagen de Bowie, quieran perderse en su universo.
Por ahora, este minucioso, estridente y voluminoso registro ya tiene plasmado a Bowie - en imágenes y sonido - para quienes deseen examinar su personalidad en el futuro.
¿Talento + publicidad para inmortalizarse junto a otras estrellas artísticas de nuestros días? ¡Sólo el tiempo lo dirá!
Además de la psicodélica realización, los objetivos de fondo quedan claros y contundentes: sobrexponer la imagen provocativa, el talento múltiple y la filosofía existencial del cantautor inglés. Si obtuvo Premios 2022 - Festival de Cannes - Sección Oficial (fuera de concurso), se debe a la titánica odisea cinematográfica de sus realizadores.
Será la historia, el arte, y las generaciones venideras quienes le darán el sitial definitivo entre las figuras que lograron perdurar.
Al presenciar el filme de Brett Morgen en IMAX se cumple aún en mayor medida el afán de Bowie por impactar y saturarnos con su exuberante narcisismo.
UN BANQUETE PANTAGRUÉLICO PARA LOS ADMIRADORES DE BOWIE, Y UN DOCUMENTAL QUE DEJARÁ EXHAUSTOS A QUIENES IMAGINEN EL TALENTO Y ESFUERZO EN SU REALIZACIÓN. ¡DESCOMUNAL!
Documental biográfico
2022 - EE.UU. - 2,20 hrs.
Actores: David Bowie
Guionista, editor y director: Brett Morgen
martes, 13 de septiembre de 2022
Fall (Vértigo) - Por Carlos Correa
Lo segundo se refiere a la trama y su realización audiovisual. Becky -Grace Caroline-, y Hunter -Virginia Gardner-, dos ultra amigas adictas a la adrenalina que produce escalar alturas siempre al límite, se reúnen luego de un año del accidente que modificó sus vidas. Hunter insiste en que la mejor manera de superar la tragedia es cumplir un nuevo desafío, y esta vez se trata de trepar la abandonada torre radial B67, en el desierto de Arizona, una antena de 2.000 piés, es decir, un poco más de 600 metros de altura.
La renuencia inicial de Becky, y su natural miedo, no resulta ser obstáculo. Ambas amigas se embarcan en la misión de llegar a la cima en una escalada que, dada su experiencia, debiera ser cubierta dentro del mismo día. Además, tienen una misión clara que cumplir, por lo que el reto no solo significa superar la altura sino que, al mismo tiempo, desean encontrar un camino de sanación que repare, o al menos mitigue en parte, lo acontecido.
El mayor problema es que ninguna de las dos pudo prever las condiciones materiales de la estructura ni los otros factores externos que podrían afectar el de por sí peligroso ascenso. En breve, y como vemos en todos los adelantos y trailers, quedan atrapadas en una pequeña plataforma situada a metros de la punta de la antena, sin comunicación, casi sin ninguna herramienta, prácticamente a la deriva; en síntesis, más cerca de una nueva tragedia que de salvar sus vidas.
La fotografía de Miguel De Olaso es muy buena. Tanto las tomas como los efectos están muy bien logrados; parece que ellas están allí, y aquello traspasa la pantalla porque, al menos en mi caso, lo sentí, de verdad, muy real.
En el guion escrito por Jonathan Frank, y el mismo director, Scott Mann, logra que la tensión se mantenga siempre al límite. A mi juicio podrían faltar algunas pausas -pero puede ser muy personal esta apreciación, porque las hay aunque son breves-, porque la historia vuelve rauda a la incomodidad permanente que viene a ser una marca registrada.
Uno de los aspectos interesantes es la forma de mantener un metraje con tan pocos elementos. Claro, hay situaciones predecibles pero funcionan. ¿Podría ser más breve? Sí, pero no se sienten los minutos. Pasa rápido, y para quienes tememos las alturas resulta totalmente creíble, amenazante y verosímil.
Siendo entretención pura, esta cinta también contiene algunos mensajes en su interior: avisar y tomar precauciones; tomar riesgos, bien, pero algunos pueden ser innecesarios. ¿Son trascendentes todos los desafíos? Tal vez sí, pero es bueno preguntarse para qué, para demostrar qué, a qué costo, dónde está el límite entre la prudencia y la imprudencia, etc.
Finalmente, y como corolario, la película enseña un buen giro del guion que, si bien podría haberse supuesto, es capaz de cubrirlo muy bien, tapando pistas y desviando la atención hacia otros detalles que podremos unir adecuadamente al concluir el relato. Aunque no me gusta su traducción al español, porque “Vértigo” hay una sola, “Fall” es una buena película: permanentemente al límite, muy estresante y al mismo tiempo emocionante.
Ficha técnica
Título original: Fall
Año: 2022
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Scott Mann
Guion: Jonathan Frank, Scott Mann
Música: Tim Despic
Fotografía: Miguel De Olaso
Reparto/ Grace Fulton, Virginia Gardner, Jeffrey Dean Morgan, Mason Gooding, Julia Pace Mitchell, Jasper Cole, Darrell Dennis
Productora: Capstone Studios, Tea Shop & Film Company. Distribuidora: Lionsgate
Género: Thriller. Drama | Alpinismo / Escalada
El Rey de las Máscaras - Por Alejandro Caro
Historia sencilla, sin muchas pretensiones, que alcanza una profundidad para contarnos un relato sobre cómo las tradiciones culturales amarran el desarrollo humano y su crecimiento dejando de lado a una parte de esa humanidad marginada, sin poder abandonar su situación precaria, determinándola a permanecer ahí, en este caso solo por el hecho de ser mujer.
Es una buena historia, con una ambientación bien lograda de la ciudad China de Sichuan; con una fotografía que nos permite situarnos en la época donde el director nos quiere ubicar, y con una música que refuerza las actuaciones de actores que, con su naturalidad, hacen muy creíble la historia. Un poco lenta por momentos, con un final previsible, quizás allí faltó ser más audaz en su epílogo, aunque logra zafar.
Interesante filme que deja al descubierto las contradicciones culturales y religiosas, por un lado, menospreciando el mundo femenino y paradójicamente pidiendo ayuda a una diosa para solucionar las dificultades y sentido de la vida.
Finalmente, el filme nos sugiere una cierta mirada crítica sobre la dignidad de la mujer así como de la familia y la amistad. En algunos casos lo hace con una construcción literaria que en sí misma contiene una riqueza en su relato, como son las metáforas.
Disponible en YouTube.
Ficha técnica
Título original: Bian Lian (King of Masks)
Año: 1996
Duración: 101 minutos
País: China
Dirección:Wu Tianming
Guion: Wei Minglun. Historia: Man-Kwai Chan
Música: Zhao Jiping
Fotografía: Mu Dayuan
Reparto: Chu Yuk, Chao Yim Yin, Zhang Riuyang, Zhao Zhigang, Jia Zhaoji, Zhigang Zhao, Zhu Xu
Productora: Coproducción China-Hong Kong; Shaw Brothers
Género: Drama, Años 30, machismo, paternidad, amistad.
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