El Hilo Invisible - Por Juan Pablo Donoso

Lo QUÉ sucede es menos apasionante de CÓMO sucede.

Nos mantiene disfrutando de tan hermosa factura durante 2,10 hrs. porque deseamos saber cómo culminará esa trama tan sutil.

Tal vez demasiado sutil para ciertos espectadores que quisieran conocer desde el principio el objetivo dramático de los personajes centrales.

Para esos espectadores el final, aparentemente diluido, resulta decepcionante por ser inferior a todo lo que se nos venía insinuando con tanta elegancia. Pero si nos remitimos al título – El Hilo Invisible (o Fantasma) – comprendemos la agresividad que motivó al personaje de Alma (Vicky Kieps) quien, de manera intuitiva y astuta, se encarga de coser con “hilo y aguja invisibles” su destino junto al hombre que ama.

Reynold Woodcock es un afamado y obsesivo modisto de las damas más distinguidas de la realeza y la sociedad. Llevará a vivir con él a una sencilla mesera de pueblo – Alma - para que sirva de modelo a sus futuras creaciones. Desde el comienzo ella, fascinada con él, luchará por conquistar el corazón de ese solterón maduro, neurótico y narcisista. ¿Lo conseguirá? ¿Y a qué precio?

Estupendas actuaciones y, como de costumbre, la versatilidad de Daniel Day-Lewis (Lincoln, Mi Pie Izquierdo, Pandillas de Nueva York), se contrapone a una tierna y siniestra Vicky Kieps (Hanna, 2011).

La clave simbólica está en el nombre de la protagonista: Alma. De cómo se clava en la vida de ese hombre “desalmado” por el perfeccionismo de su profesión, e inocula de manera incluso perversa un elemento humanizador, de dulce y de agraz.

En todo momento la música clásica de fondo, ejecutada en piano, va tiñendo las etapas emocionales como si fuera la tela sobre la cual se cose aquel “hilo invisible” del título del filme.

Se podría pensar que por la exquisitez de los detalles y por el tratamiento atmosférico el director y guionista es inglés, pero es joven y estadounidense: Paul Thomas Anderson (Boogie Nights – 1997).

Daniel Day-Lewis habla, por fin, con su acento británico original.

LENTA Y SUTIL. HERMOSA DE VER Y ESCUCHAR. ESPLÉNDIDAS ACTUACIONES. PARA PÚBLICO REFINADO.

Ficha técnica

Título Original: Phantom Thread 

Galería de Arte Patricia Ready 

Drama, romance EE.UU.- Inglaterra – 2,10 hrs. 

Edición: Dylan Tichenor 

Música: Jonny Greenwood 

Diseño Prod.: Mark Tildesley 

Actores: Vicky Krieps, Daniel Day-Lewis, Lesley Manville 

Fotografía, Guion y Dirección: Paul Thomas Anderson

Basada en Hechos Reales - Por Juan Pablo Donoso

Aunque es un filme de intriga, esta vez Roman Polanski se enredó en su propia maraña.

Una exitosa novelista (Emmanuelle Seigner) sufre la intrusión de una admiradora sagaz (Eva Green) en su vida íntima, que la irá subyugando por motivos que nunca se nos revelan con claridad, para mantenernos en vilo.

Como siempre, el oficio de Polanski es impecable: dirección de actores, fotografía, música, edición y diseño. Lo que disminuyó la tensión, característica de sus películas, fueron las peripecias del argumento. El conflicto básico ha sido tratado muchas veces en el cine. Si bien, por medio de claves ambiguas nos hacen sospechar lo que vendrá, el exceso de recovecos en el relato diluye el suspenso que pareciera anunciar al principio.

Quedó lejos de la apasionante morbosidad de La Perversa Luna de Hiel (1992); del pavor satánico de El Bebé de Rosemary (1968); de la sensual codicia en Macbeth (1971); la burla al género de terror con La Danza de los Vampiros (1967); la perfecta imbricación mafiosa de Chinatown (1974); y menos aún de aquel prodigio de sutileza política de Un Cuchillo en el Agua (1962).

Son muchas las obras admirables de este realizador octogenario. Más, por eximio que sea su oficio artesanal, esta vez faltó esa médula siniestra que tan bien sabe manejar este gran director.

INTRIGA Y MISTERIO QUE PUDO TENER MÁS SUSPENSO Y NOVEDAD. POLANSKI NOS TIENE MAL ACOSTUMBRADOS.

Ficha técnica

Título Original: D'après une histoire vraie 

BF Distribution Intriga, misterio Francia, Polonia, Bélgica – 1,50 hrs. 

Fotografía: Pawel Edelman 

Edición: Margot Meynier 

Música: Alexandre Desplat 

Diseño Prod.: Jean Rabasse 

Guionistas: Olivier Assayas, Delphine de Vigan (novela) 

Actores: Emmanuelle Seigner, Eva Green, Vincent Perez 

Director: Roman Polanski 

La Novia del Desierto - Por Juan Pablo Donoso

El mérito de esta pequeña historia descansa estrepitosamente en el talento de nuestra compatriota Paulina “Pali” García. Y la secunda con natural encanto Claudio Rissi, voluminoso y popular intérprete de insignes teleserie argentinas como El Puntero y Los Simuladores, entre otras.

Teresa, una empleada doméstica chilena radicada en Buenos Aires, ha trabajado durante muchos años para una familia argentina. Ahora deberá trasladar sus servicios a una nueva familia en la provincia de San Juan. En el viaje, por un descuido, pierde el equipaje con su ropa y principales documentos. Iniciará la búsqueda rastreando al vendedor en cuya tienda móvil dejó olvidada su maleta.

Tras hallarlo, acompañará en su camión por la pampa, recorriendo los lugares en que el buhonero, apodado “Gringo”, pudo haber dejado la valija de la mujer.

La dupla de Cecilia Atán y Valeia Pivato, jóvenes argentinas que han aprendido cine colaborando con buenos directores anteriores, elaboraron un guion claro y sensible, y con una profunda intuición femenina dejaron que Pali García interpretara las emociones y sentimientos de aquella humilde mujer de pueblo.

Prolijo tratamiento de cámara y minuciosa iluminación. La música, de Leo Sujatovich, con sólo pequeños acordes en piano expresa sencillez y soledad. Amplios espacios exteriores y ritmo cansino. Bellos encuadres y composiciones a través de puertas, pasillos estrechos y ventanas pequeñas.

Por ser un relato “rutero” – viajes largos por caminos – en algunos momentos se alude y rinde homenaje a la milagrosa Difunta Correa, de gran devoción popular y campesina. Y tal vez, fue precisamente esta “santita”, la que concedió su favor al deseo afectivo que, como mujer, nuestra protagonista tenía insatisfecho y dormido.

RELATO SENCILLO, MUY FEMENINO, REALIZADO CON SENSIBILIDAD Y CARISMÁTICA ACTUACIÓN DE PAULINA “PALI” GARCÍA (GLORIA).

Ficha técnica

Drama, rutero Storyboard Media Chile, Argentina – 1,18 hrs. 

Fotografía: Sergio Armstrong 

Edición: Andrea Chignoli 

Música: Leo Sujatovich 

Diseño Prod.: Mariela Rípodas 

Actores: Paulina García, Claudio Rissi, Daniel Muñoz 

Directoras y guionistas: Cecilia Atán, Valeria Pivato 

 

Festival de Cannes – Selección Oficial – Un Certain Regard. 

Nominada a un premio Platino como mejor Ópera Prima de Ficción.

Rescate en Entebbe - Por Juan Pablo Donoso

Es la 3ª versión de este incidente internacional. Por el resultado cabe preguntarse cuál fue el propósito de filmarla nuevamente.

La 1ª fue Rescate en Entebbe – 1976 - excelente. Dirigida por Irvin Kershner, con Charles Bronson y Yaphet Koto como Idi Amin. La 2ª, Victoria en Entebbe – 1976 - buena pero algo inferior: director Marvin J. Chomsky, con Kirk Douglas.

Ésta sólo aporta información sobre lo que fue aquel secuestro y cómo se resolvió. Pero como película de acción resulta floja, desordenada y, espuriamente alegórica. ¿Para qué?

En 1976 un grupo de revolucionarios, acompañados de 2 alemanes, secuestran un avión Air France que venía de Grecia y lo desvían a Uganda. Allá, bajo el amparo de Idi Amín, presionarían al gobierno de Israel para que libere a unos prisioneros palestinos.

Durante 7 días los 248 pasajeros permanecieron como rehenes en el inhóspito aeropuerto. Los viajeros israelitas, con niños y ancianos, eran los más expuestos a ser ejecutados si el intercambio fallaba.

En la cinta vemos lo que acontecía, diaria y paralelamente, en Uganda y entre los altos mandatarios judíos. Las deliberaciones gubernamentales ante la presión y, a la vez, las reflexiones de los secuestradores donde, los cada vez más vacilantes y pesimistas eran los alemanes.

Esa era la situación política conocida por la prensa en todo el mundo. Pero en este filme – quien sabe con qué propósito alegórico – inician el relato con un ballet contemporáneo que, en diversos momentos vuelve a aparecer, y donde la novia de uno de los soldados israelitas tenía un rol preponderante: debía desmayarse una y otra vez (¿?).

Rosamund Pike (Orgullo y Prejuicio) y Daniel Brühl (Colonia Dignidad), eran los alemanes inseguros del éxito. A ella le permiten lucir su talento en una dramática conversación telefónica. Mientras el versátil actor inglés Eddie Marsan (21 Gramos) resulta grotesco e incómodo encarnando a Shimon Peres: mal maquillado y sin parecerse al futuro Primer Ministro israelí.

INFERIOR 3ª VERSIÓN. CONFUSA PERO RECORDATORIA. DEBIÓ SER SÓLO PARA LA TV.

Ficha técnica

Título Original: 7 Days in Entebbe 

Diamond Films Historia, suspenso Inglaterra y EE.UU. – 1,47 hrs 

Fotografía: Lula Carvalho 

Edición: Daniel Rezende 

Música: Rodrigo Amarante 

Diseño Prod.: Kave Quinn 

Guionista: Gregory Burke 

Actores: Rosamund Pike, Daniel Brühl, Eddie Marsan 

Director: José Padilha

Gnomos al Ataque - Por Juan Pablo Donoso

Una compleja y sincrética aventura de animación.

Aunque el guion está bien estructurado, y los personajes tienen objetivos claros, los eventos acumulan tal cantidad de conflictos y dimensiones que, finalmente, resulta difícil empatizar con la historia en su totalidad.

El director canadiense Peter Lepeniotis (Locos por las Nueces – 2014) y los guionistas Schwartz y Zaflow, concentran en una vieja casona victoriana un combate que pone en jaque, ni más ni menos, que la vida de todo nuestro planeta. Y para peor, será una niñita de pelo rosado, Chloe, con su pequeño vecino Liam quienes definirán la titánica batalla.

La guerra es entre unos gnomos de jardín que habitan la casa (mezcla de legendarios Leprechauns irlandeses y enanitos de Blanca Nieves) contra una raza de pelotas con dientes afilados que devoran todo lo que encuentran llamados Troggs.

El líder de los gnomos cayó por un agujero negro al reino de los infernales trogloditas. La niña y su amiguito deberán entrar en esa otra dimensión a rescatarlo y, confrontados con una bestia gigantesca hecha de fuego, dar la batalla final para salvar al mundo, a la humanidad y a los enanitos buenos.

Todo esto alternado con vivencias escolares donde los niños también son objeto de “bullying” por una banda de niñitas presumidas que también serán víctimas de los Troggs.

Es tal la cantidad de peripecias que experimentan los pequeños héroes, son tan alocados los gnomos y tan voraces los Troggs, que muchos niños espectadores sentirán más miedo que simpatía por estos personajes.

Destacamos la inteligencia expresiva con que los animadores articulan los ojos de los protagonistas, el ingenio de los ángulos de cámara con que los gnomos miran hacia arriba el mundo que los rodea y, muy especialmente, las bellas las canciones compuestas por Peter Stump, famoso guitarrista e intérprete de la banda Fall Out Boys.

UNA BIEN ELABORADA EPOPEYA QUE, PARECIENDO INFANTIL, JUEGA CON ELEMENTOS COMPLEJOS Y PAVOROSOS.

Ficha técnica

Título Original: Gnome Alone 

Cinecolor Films 

Animación, aventuras, terror Canadá, Inglaterra, EE.UU. – 1,25 hrs. 

Edición:Rob Neal 

Música: Patrick Stump 

Diseño de Prod.: Gil Rimmer 

Guionistas: Michael Schwartz y Zina Zaflow 

Voces: Becky G, Josh Peck, Tara Strong 

Director: Peter Lepeniotis

Retrato de Familia - Por Juan Pablo Donoso

Un drama familiar cotidiano naturalmente emotivo. Sucede en Singapur, y es hablada en mandarín e inglés

Siendo una ópera prima del director Anthony Chen, obtuvo el Premio Cámara de Oro en el Festival de Cannes 2013.

Inspirado en sus recuerdos de niñez, demuestra que tras la cotidianeidad está el secreto de toda existencia.

El título original ILO ILO significa en mandarín “Papá y mamá no están en casa”. Y de eso trata la historia: de un padre que busca trabajo, una madre laboral embarazada y un niño pre-adolescente.

Durante la crisis económica en Asia – 1997 – ambos adultos deben trabajar para mantener el hogar. Para cuidar al pequeño Jiale contratan a Teresa, una muchacha filipina que necesita enviar dinero a su país donde dejó una criatura de un año de edad.

La clase media de Singapur es recelosa de los extranjeros, y Teresa sufre la desconfianza de la esposa, y la rebeldía del niño. Lo pasa mal al comienzo.

Gradualmente, todos reconocerán la bondad de la niñera y se irán encariñando con ella. Y la muchacha también con sus patrones.

Llegará el momento en que las condiciones económicas son tan apremiantes que deberán tomar una dura decisión.

Todo lo que ocurre en ese hogar son pequeños incidentes cotidianos. Y el encanto del relato es ir pulsando la forma en que cada personaje aborda las dificultades de todos los días.

Es habitual que en relatos así la gran víctima sea la humilde empleada. Pero en este filme, los sentimientos de todos los miembros de la familia evolucionan con creciente honestidad.

El espectador se sentirá un miembro más de esa casa. Empatizará tanto con los dueños como con Teresa.

Se sigue más con el corazón que con el pensamiento. Y solidarizamos con todos sus miembros, incluyendo al pequeño Jiale, que de una irracional agresividad deviene en irrefrenable ternura.

Un filme sensible, grato de ver y disfrutar. Nada sobra ni falta. Es como dice su título en español un Retrato de Familia.

DRAMA UNIVERSAL DE CARIÑOS, APEGOS Y DOLOROSOS ADIOSES. MUY RECOMENDABLE PARA CUALQUIER ESPECTADOR.

Ficha técnica

Título Original: Ilo Ilo 

Cine Arte Galeria Patricia Ready 

Drama familiar Singapur, Japón, Taiwán y Francia – 1,39 hrs. 

Fotografía: Benoit Soler 

Edición: Hoping Chen y Joanne Cheong 

Diseño Prod. : Michael Wee 

Actores: Yann Yann Yeo, Tian Wen Chen, Angeli Bayani 

Guionista y Director: Anthony Chen

La novia del desierto - Por Carlos Correa

Paulina García es Teresa. Luego de toda una vida trabajando como empleada doméstica en Buenos Aires, ya no puede continuar ayudando a la familia que la ha contratado. Han debido vender la casa y es imposible seguir junto a ellos. Teresa, entonces, está obligada buscar nuevos horizontes y se traslada a San Juan por un nuevo empleo, una nueva oportunidad, algo desconocido y sin ninguna certeza. En el camino, el bus sufre un percance cerca del Santuario de la “Difunta Correa”, lo que acrecienta su angustia e incertidumbre. Y para colmo, extravía su bolso en la casa rodante de un comerciante ambulante, un “puestero” de las afueras del Santuario.

Estrenada en la sección “Una Cierta Mirada” del Festival de Cannes, esta ópera prima de las realizadoras argentinas Cecilia Atán y Valeria Pivato, ha conseguido varios reconocimientos, premios y nominaciones. En el Festival de Huelva ganó el Colón de Oro al Mejor Largometraje, y el Colón de Plata a la Mejor Actriz y al Mejor Actor, en tanto en la competencia oficial del Festival de La Habana, Cuba, fue elegida como la mejor Ópera Prima, premio que también recibió en la Competencia Oficial de Ficción del Festival de Lima. Estuvo en la sección Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián y en la Competencia Internacional del Festival de Zurich. Además, en el año 2017 Paulina García fue nominada en los Premios Fénix por la Mejor Actuación Femenina.

La cinta entrega el peso del relato a Teresa. Paulina García configura un papel sólido, más que por lo que representa, por aquello que logra expresivamente ocultar y encapsular, de su vida, de su pasado y de su historia. Teresa busca un rumbo. Se siente perdida, ha salido de su zona cómoda y aquello la tensiona. En este camino de soledad, en este tránsito por el desierto, encuentra acogida en el “gringo”, -Claudio Rissi- un hombre que siempre se está moviendo, alegre y también algo charlatán, que comienza a intentar acercarse a ella a pesar de las innumerables trabas y barreras que la protagonista levanta para impedir cualquier tipo de acoso.

“La novia del desierto” es una pequeña oda a la tristeza. El tiempo y el espacio se agigantan y la añoranza del pasado es recurrente sin necesariamente ser urgente. La música de Leo Sujatovich es minimalista, sencilla; doliente. Paulina García logra una interpretación llena de detalles. Uno de ellos es realmente significativo. Una noche, al acostarse, llora. Sus ojos se humedecen con lágrimas que no salen con facilidad y sus ojos se mueven inquietos bajo sus párpados. Allí, como gotas cristalinas, las notas de la partitura se sincronizan con su llanto y con el movimiento. Un ejemplo sutil que encuentra en la fotografía de Sergio Armstrong un correlato con aquellos extensos y hermosos paisajes del norte argentino, cuya amplitud y belleza abren paso a la intimidad más profunda del alma de Teresa.

Ficha técnica

Título original: La novia del desierto
Año: 2017
Duración: 77 minutos
País: Argentina
Productora: Ceibita Films / El Perro en la Luna / Haddock Films
Género: Drama | Road Movie
Guion: Cecilia Atán, Valeria Pivato
Música: Leo Sujatovich
Fotografía: Sergio Armstrong
Reparto: Paulina García, Claudio Rissi
Dirección: Cecilia Atán, Valeria Pivato

Basada en hechos reales - Por Carlos Correa

Roman Polanski despliega su oficio para dar vida a la novela de Delphine de Vigan, “D’après une histoire vraie”. Delphine, la escritora protagonista de la historia que es interpretada por Emmanuelle Seigner, acaba de tener un éxito rotundo con su última novela. En medio de la presentación del libro en diversos eventos, ferias, firmas de autógrafos y cenas sociales, ella sabe que tiene un desafío inmediato que es su siguiente trabajo, sin embargo la presión de la “pagina en blanco” la atormenta día y noche. En medio de estas múltiples responsabilidades y una exasperante ausencia creativa conoce a Elle -Eva Green- una mujer decidida y muy segura de sí misma. Algo hace que entre ellas nazca confianza y cercanía, sin embargo esta enigmática mujer va tomando cada vez más protagonismo en la vida de Delphine, quien realmente ha perdido su rumbo y orientación pues está transitando por un momento difícil y comienza a perder su control emocional el que empieza a ser dominado por la misteriosa Elle.

Polanski sabe usar muy bien las cámaras, la línea de tiempo y los contrastes para filmar un thriller psicológico tenso que juega permanentemente con el control, la mentira-verdad y la dependencia emocional. Delphine parece haber encontrado su alter ego. Elle es una mujer sumamente interesante, que escucha, que presta atención y parece conocer cada detalle de la personalidad de la escritora. En el imaginario de Delphine está escribir su próxima obra sobre un relato de ficción, sin embargo Elle le impulsa decididamente a volver la mirada a su propia historia, es decir, basarlo sobre hechos reales, sobre otra historia de su vida.

En el relato está muy bien representada la soledad de esta escritora “best seller”. El éxito público y la aclamación, chocan irremediablemente con el desarrollo plano de su vida, con dos hijos adolescentes que ya no viven con ella y con una pareja “puertas afuera”, un cordial y comprensivo presentador cultural de televisión que se encuentra de gira por Estados Unidos. Inherentemente hay un colapso, algo muy cercano al sentimiento de fracaso personal del cual es muy complejo despegarse. De hecho, Delphine lentamente se ha ido subsumiendo en un círculo vicioso que evidentemente la conduce a una fuerte depresión.

Con este escenario complejo, la relación de ambas mujeres es la que soporta la línea principal del relato, el que por cierto se centra fundamentalmente en aquello que incuba íntimamente la protagonista. El misterio y el suspenso son el resultado de un enigma que tiene tanto de imaginario como de realidad. Aún decayendo en ritmo, profundidad y forma, la narración nos mantiene pendientes en espera de algo que intuimos pero no logramos descifrar. Y la respuesta tampoco llega clara y prístina. Es como si al director se le hubiera acabado el tiempo de filmación urgiéndolo a desarrollar un final abrupto que deja más interrogantes que certezas.

Digno de destacar es el trabajo del compositor Alexandre Desplat. Junto a una banda sonora muy adecuada, solo él puede tener detalles tan finos en los que imprime su sello. Combina una secuencia armónica con el famoso sonido de las sirenas de ambulancia y crea con los avisos auditivos de un nuevo mensaje en un iPhone, que siempre son disrruptivos y molestos, otro momento importante produciendo una atmósfera mágica y sonora. Detalles imperdibles y brillantes, que asoman con luces propias dentro de una cinta que se observa llena de oficio y experiencia pero que resulta sustancialmente opaca en su desarrollo.

Ficha técnica 

Título original: D’après une histoire vraie
Año: 2017
Duración: 110 minutos
País: Francia
Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Wy Productions / Belga Productions / Belga Films Fund
Género: Thriller. Drama | Thriller psicológico
Guion: Olivier Assayas, Roman Polanski (Novela: Delphine de Vigan)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Pawel Edelman
Reparto: Emmanuelle Seigner, Eva Green, Vincent Pérez, Damien Bonnard, Camille Chamoux, Josée Dayan, Noémie Lvovsky, Dominique Pinon, Brigitte Roüan, Alexia Séféroglou
Dirección: Roman Polanski

...Y de pronto el amanecer

Pancho Veloso -Julio Jung- emprende viaje a su tierra natal, Chiloé, en busca de inspiración para escribir algunas crónicas encomendadas por su editor. Lo que Pancho desconoce pero intuye, es que este regreso es mucho más trascendente. Allá están sus raíces, su origen y la mayoría de sus recuerdos. Han pasado más de cuarenta años desde que dejó la zona para establecerse en la capital en el oficio de escritor de artículos de farándula y anecdotarios. En el ser íntimo de Pancho habita un poeta, un escritor que con su vida ha ido construyendo una historia que está a punto de ver la luz, de ser narrada, contada, escrita y también revivida.

Silvio Caiozzi, un artesano del lenguaje cinematográfico, concede al guion escrito junto a Jaime Casas, un ritmo que ya es un sello del director. Lo hemos visto en “Julio comienza en Julio, observado en “La luna en el espejo” y confirmado en “Coronación”. Caiozzi necesita espacio, requiere de un entorno amplio para poder desarrollar estados de ánimo, con un seguimiento cercano y delicado de cada uno de sus protagonistas.

En este viaje al corazón de Pancho hay una belleza expresiva que entrega el maravilloso entorno natural de los parajes del sur de Chile. La fotografía de Nelson Fuentes es preciosa. La poesía fluye con naturalidad en las imágenes, sutileza no siempre presente y coincidente en los textos y narraciones “en off” del escritor.

El relato es entrañable. Esta historia de vida, incompleta hasta ahora, comienza a sumar sus últimos párrafos con una reflexión íntima inundada de profundos sentimientos. Se componen del presente de Pancho, de imágenes intercaladas de su niñez y juventud junto al seguimiento de su vitalidad juvenil llena de sueños e ideales, interrumpida de pronto por una parada brusca provocada por el golpe militar de 1973. Los detalles son incontables y las capas múltiples, en un camino intenso y largo.

La mayor sutileza son los detalles. El tiempo detenido, la pausa justa, el recuerdo añorado y un presente que amenaza con derrumbar lo vivido. La música de Valentina Caiozzi es aún más sutil y comprometida. Un acierto inseparable de la empática narración.

La extensión de la cinta llama indudablemente la atención. Son tres horas y quince minutos que no son sencillos de mantener ni tampoco de seguir, sin embargo son claramente necesarios para dotar a esta obra de una melancolía que trasciende profundamente al espectador.

Hay, en cada uno de los personajes construidos, un mundo propio y particular. En su gran amigo de infancia Miguel -Sergio Hernández-, en Luciano -Arnoldo Berríos-, y en su amada Rosita -Magdalena Müller-, entre otros, vemos figuras que constituyen la vida y personalidad de Veloso. Reviven su dolor, y también su amor y pasión juvenil. Producen quiebre y frustración, sin embargo son un punto de partida para la búsqueda y encuentro de una sanación tan profunda como necesaria.

“...Y de pronto el amanecer” encuentra a Pancho frente a un reencuentro inevitable. Es el reencuentro interior, consigo mismo, y también exterior, con su gran amigo Miguel. La búsqueda parece haber terminado. El recuerdo de su padre, que está siempre presente tratando de capturar el sol del atardecer en su mano, brilla aún más resplandeciente cuando las primeras luces del alba lentamente dejan que los profundos sentimientos y afectos se sobrepongan a cualquier hecho pasado.

Esa luz de esperanza, ese rayo de sol, es realmente significativo. Es la vida entera, inseparable, indestructible, que cobra fuerza en un hermoso amanecer prístino y cristalino. Es Caiozzi en su máxima realización. Lenguaje, paisaje, imagen y texto. Cine hecho con paciente artesanía.

Ficha técnica

Título original: …Y de pronto el amanecer
Año: 2017
Duración: 195 minutos
País: Chile
Género: Drama
Guion: Jaime Casas, Silvio Caiozzi
Música: Valentina Caiozzi
Fotografía: Nelson Fuentes
Reparto: Julio Jung, Sergio Hernández, Arnaldo Berrios, Magdalena Müller, Mauricio Riveros, Pablo Schwarz, Anita Reeves, Pedro Vicuña, Nelson Brodt
Dirección: Silvio Caiozzi

Rampage: Devastación - Por Juan Pablo Donoso

Espectacular aventura de ciencia ficción. Eficaz combinación comercial de catástrofes, violencia, heroísmo y ternura hacia George, un inocente y picaresco gorila blanco.

La estrella es Dwayn Johnson (The Rock): campeón mundial negro de lucha libre que desde años incursiona como héroe en películas de acción.

Se recomienda verla en IMAX para vivir con mayor fuerza los efectos especiales que incluyen aviones, helicópteros, manipulación de genes para dominar el mundo, rascacielos de Chicago que se desmoronan estrepitosamente, y un sinfín de peripecias propias de juegos electrónicos.

En medio de toda la seriedad con que los personajes – buenos, cínicos y/o malvados – viven la odisea, los realizadores tuvieron la inteligencia de incluir elementos de humor, que van implícitos en los diálogos y en los giros de la trama.

Se la puede mirar como una apasionante historia de turbios poderes enfrentados a superhéroes y sufrir con sus riesgos, o, tomarla como una sátira grotesca cuyo histrionismo se esconde tras las actuaciones exageradas, los diálogos deliberadamente maqueteados, y las acciones que superan, sin disimulo, todo lo que lógicamente podría suceder.

También hay reminiscencias a King Kong, Godzilla y el Monstruo de la Laguna Negra.

Un perverso experimento genético transforma a ciertos animales en criaturas furiosas de enorme tamaño que, atraídas por una onda sonora, avanzan por Estados Unidos destruyendo todo a su paso. Sólo el primatólogo Oyoke (The Rock) que había criado al gorila casi como a un niño, intentará calmarlo, administrar el antídoto y - ¡tal vez! – salvar a la humanidad contra los demás monstruos desbocados por el virus maligno.

Es admirable el trabajo de Jason Liles, de 2,07 mts de estatura, caracterizando al gigantesco gorila George. Este joven actor que se ha especializado en interpretar engendros paranormales, logra transmitir las dosis de ternura e inocencia tan necesarias para conquistar al público.

Si Ud. quiere la toma en serio y se deja llevar por el suspenso, pero si descubre la veta graciosa subliminal (actuaciones caricaturescas y situaciones insólitas) reirá de buena gana. Porque, al igual que los espectáculos de lucha libre, es una chacota que finge ser muy trascendente y verdadera.

Los admiradores de The Rock quedarán absolutamente satisfechos con su héroe.

ADMIRABLES EFECTOS ESPECIALES CON UN SUTIL HUMORISMO QUE SE AGRADECE EN ESTE TIPO DE PELÍCULAS CATASTRÓFICAS.

Ficha técnica

Título Original: Rampage: 

Devastación Acción, aventuras, ciencia ficción 

Warner Bros. EE.UU – 1,47 hrs. 

Fotografía: Jaron Presant 

Edición: Bob Ducsay y Jim May 

Música: Andrew Lockington 

Diseño Prod.: Barry Chusid 

Guionistas: Ryan Engle, Carlton Cuse 

Actores: Dwayne Johnson, Jeffrey Dean Morgan, Malin Akerman 

Director: Brad Peyton

Hare Krishna - Por Juan Pablo Donoso

Exhaustivo y claro documental sobre el guru Srila Prabhupada; su persona, sus enseñanzas y la repercusión que su presencia tuvo en Estados Unidos, y más tarde en casi todos los países del mundo occidental: los Hare Krishnas.

Llegó a Nueva York desde la India, a los 70 años, en un barco de carga, sin dinero ni lugar donde vivir ni comer. Venía siguiendo el consejo de su maestro Bhaktisidhanta de traducir y explicar los principios de la religión krisnaísta, contenida en los textos sánscritos milenarios del Bhagavad-guita y Bhágavata-purana.

Llegó en un momento cultural crítico – década del 60 - en que las corrientes Hippie y Beat – otrora tan promisorias de una Nueva Era comenzaban a decaer y a decepcionar a sus seguidores.

Las prácticas iniciales de este maestro a un reducido grupo de jóvenes, artistas e intelectuales, comenzó a irradiarse con enorme velocidad, dando origen a lo que fue el movimiento Hare Krishna, vigente hasta el día de hoy.

Traía el revolucionario mensaje de hallar la paz interior por medio del Bhakti, devoción a Dios cantando y bailando el sagrado mantra de Hare Hare, y adoptando una forma de vivir sencilla, austera, y elevar los pensamientos hacia lo divino.

Sus discípulos, purificando el espíritu, comenzaron a experimentar una profunda alegría de vivir, que se manifestaba con cantos, bailes, alimentos sanos y un inmenso sentido de ayuda y compasión por al prójimo.

Al cabo de poco tiempo se habían integrado intelectuales como Allen Ginsberg, compositores como George Harrison, políticos, científicos y académicos de las más prestigiadas Universidades del mundo.

Algo había en su conducta, en sus palabras, y en sus comunidades, que generaban una respuesta espiritual – anti materialista – que miles de personas añoraban desde hacía tiempo.

Algunos medios de comunicación lo acusaban de iniciar una secta destinada a “lavar el cerebro de sus seguidores”. A lo que él respondía: “Por supuesto que sí: nos lavamos el cerebro de todas las impurezas y consignas que nos habían inculcado desde la infancia”.

El documental realizado durante 40 años por John y Jean Griesser, y Lauren Ross, recopiló imágenes, textos, palabras y testimonios que, más allá de lo propagandístico, ilustra sin eufemismos, lo que ese hombre aportó a la espiritualidad de occidente. Cómo con su vida dedicada al servicio de Dios fue un testimonio vivo de amor y compasión por la humanidad.

Se dice que si la grandeza de Gandhi estuvo en su sencillez, la de Prahbupada radicó en su pureza y apertura para todos los que sinceramente quieren abrirse a Dios, sin importar a cual religión pertenecen.

Para quienes somos cristianos los Hare Krishnas, con sus cabezas rapadas, sus túnicas naranjas y crótalos nos resultan extraños y lejanos. Pero con películas como esta, constatamos cuan unidos estamos en los principios esenciales de las verdades trascendentales.

UN DOCUMENTAL EDUCATIVO QUE NOS CONCILIA CON OTROS CAMINOS EN LA BUSQUEDA Y EL ENCUENTRO CON EL MISMO DIOS.

Ficha técnica

Embajada de la India, ISKCON, CineHoyts y Cinetopia 

Documental, biografia, espiritualidad 

EE.UU. – 1,30 hrs. 

Fotografia: Krishna Sanchez y Adric Watson 

Edición: Lauren Ross, Krishna Sanchez, Hilary Zakheim 

Música: Michael Mollura 

Guionistas: Mukunda Michael Dewil, Jean Griesser 

Actores: Sally Agarwal, Boy George, Edwin Bryant 

Directores: John Griesser, Jean Griesser, Lauren Ross

Y de Pronto el Amanecer - Por Juan Pablo Donoso

Un canto a la Reconciliación: de un hombre consigo mismo, con sus amigos, con su infancia, con sus raíces, con sus recuerdos, con sus fantasías y con el balance de toda su vida.

Tal es el origen del nombre: “Y de pronto el amanecer…” porque por fin amanece para él una comprensión más madura de lo que ha sido su existencia. Ahora, por fin es capaz de armar las piezas del caleidoscopio, y con la distancia en el tiempo, reconocer sus faltas y perdonar las debilidades ajenas.

Y con la dinámica de un caleidoscopio es la forma en que Silvio Caiozzi aborda la novela evocativa de Jaime Casas.

La cinta es deliberadamente larga – 3,15 hrs. Es el tiempo cinematográfico que se toma el realizador para sintonizarse con el lento proceso del protagonista – Pancho Veloso (Julio Jung) – de ir recuperando y ligando momentos de su pasado que estaban dispersos, o incluso, olvidados. Fue una opción en favor de la intimidad y los efectos del tiempo en el protagonista.

El viejo periodista de farándula que viaja a su tierra natal, la Patagonia del extremo sur de Chile, para hacer sólo un reportaje, sentirá el impacto de reencontrarse con sus raíces. Y en vez de una crónica rutinaria, sentirá renacer el poeta, hasta ahora dormido, de su juventud, y decidirá escribir las memorias que ese lugar le inspiran.

Es el desgarrado proceso de una catarsis.

Y, en forma aparentemente desordenada, se abrirá una inmensa galería de personas que, incluso desde el momento de su concepción, fueron configurando sus orígenes más remotos hasta traerlo al momento actual.

Durante el desarrollo pareciera ser más una cálida vivencia que un relato dramáticamente estructurado. Pero las secuencias finales amarran todo lo vivido en una profunda y conmovedora resolución de Sabiduría y Humanidad.

Hay en Caiozzi un talento para conjugar en forma equilibrada la interioridad de sus personajes con el discurso audiovisual que incorpora una bellísima fotografía (Nelson Fuentes), con una edición compleja y a la vez clara del meollo de cada escena, una banda sonora de textos y música en perfecta coherencia, y una dirección de actores en que los intérpretes se ven cómodos, lúdicos y capaces de dar lo mejor de sus personajes.

Sólo con estas virtudes fílmicas logra contrastar lo real con lo alegórico, y lo mágico de la fantasía infantil con los dolorosos momentos de la historia política de nuestro país.

GRANDIOSA “CANTATA” DE MUCHOS PERÍODOS, NIVELES DE LECTURA, COLORES DE NUESTRA PATRIA Y DE NUESTRA GENTE.

Ficha técnica

Andrea Films y Arcadia Films 

Drama, costumbrismo Chile – 3,15 hrs. 

Fotografía: Nelson Fuentes 

Música: Luis Advis y Valentina Caiozzi 

Diseño de Producción: Fernando Venegas 

Guionistas: Silvio Caiozzi y Jaime Casas 

Actores: Julio Jung, Sergio Hernández, Mauricio Riveros, Magdalena Müller, Arnaldo Berríos

Director y editor: Silvio Caiozzi

Selección Oficial en Competencia Festival Clase “A” de Cine del Mundo de Montreal

Asalto en el Huracán - Por Juan Pablo Donoso

El título lo dice todo: un gran huracán y un asalto armado a un depósito estatal de billetes. Típica aventura de matinée de los años 70 y 80.

Sus méritos serían: recrear un gigantesco huracán; mucha acción; admirables hazañas de los “dobles” en las escenas de peligro (saltar de un camión a otro en movimiento); estruendosa banda sonora, y una indiscutible diferencia entre los “jovencitos buenos” y los “malulos feos, venales y antipáticos”.

Sus carencias: sobra toda la secuencia inicial; grotescamente inverosímil; diálogos ramplones y explicativos sin necesidad; personajes clichés: héroes magullables pero sin dolor para seguir luchando; heroína capaz de conducir enormes camiones, pelear a puñetes y disparar cualquier tipo de ametralladora que caiga en sus manos.

Aunque sólo sucede en un pueblito campestre de EE.UU., se filmó también en Bulgaria e Inglaterra

El objetivo fue invertir US$ 35.000.000 para mantener al público siguiendo la acción de una película al más trillado estilo “yanqui”.

Sería inútil pedirle mayor fundamento a tan millonaria maqueta comercial.

UN COSTOSO CLICHÉ DE ACCIÓN Y VIOLENCIA. DESCARADAMENTE INVEROSÍMIL.

Ficha técnica

Título Original: Hurricane Heist 

Cinetopia Acción EE.UU. – 1,43 hrs. 

Fotografía: Shelly Johnson 

Edición: Niven Howie 

Música: Lorne Balfe 

Diseño Prod.: Kes Bonnet 

Guionistas: Scott Windhauser y Jeff Dixon 

Actores: Toby Kebbell, Maggie Grace, Ryan Kwanten, Ralph Ineson 

Director: Rob Cohen

120 Pulsaciones por Minuto - Por Juan Pablo Donoso

En este premiado filme se trenzan dos situaciones dramáticas: 1) la reivindicación de los enfermos de SIDA contra las autoridades, y 2) una historia de amor entre dos jóvenes contagiados.

A comienzos de los 90 el SIDA ya contaba numerosas muertes en el mundo. Cuando ya existía una organización llamada ACT UP en Nueva York, surgió una equivalente en Francia. El objetivo era reclamar el derecho de los enfermos a que los gobiernos y laboratorios los atendieran como víctimas de cualquier otra enfermedad grave y mortal.

Los pacientes, por ser en su mayoría homosexuales, drogadictos o prostitutas, eran discriminados y peyorizados por la sociedad.

Asistimos a muchas reuniones del ACT UP de París, donde sus socios debatían sobre la mejor forma de reclamar sus derechos. Los políticos evadían el tema y los laboratorios invertían poco en investigar el origen y la cura del virus.

La organización optó por la vía agresiva: irrumpir violentamente en las empresas o realizar actos públicos difundiendo carteles alusivos, lanzándoles bolsas con sangre a las autoridades o tiñendo de rojo las aguas del Sena.

Era necesario crear conciencia de cualquier forma, y vimos el desarrollo del proceso.

En forma paralela surge el romance de dos muchachos del grupo, uno de ellos con VIH positivo y el otro negativo. Mientras avanza el movimiento social vemos cómo Sean (Nahual Perez Biscayart) de 19 años se va consumiendo frente a la desolación e impotencia de su amado Nathan (Arnaud Valois), algo mayor.

El filme nos sumerge en aquel mundo gay alternando asambleas, fiestas, nuevos amoríos e intimidades sexuales. El afán de los guionistas y director es interiorizarnos – sin eufemismos – en las actividades y conversaciones de esa gente. Es por ello que presenciamos momentos de intensas – y casi indiscretas – escenas explícitas de coitos homosexuales.

Más, creemos que la crudeza de aquel tratamiento se diferencia de cualquier película pornográfica; pretende demostrarnos que el amor entre esos personajes es tan necesario y sincero como si fuera de una pareja heterosexual de cualquier época. Nos acerca a lo humano y denuncia la intolerancia y los prejuicios.

Es por ello que las secuencias finales de la cinta – con la agonía y muerte de Sean – logran emocionarnos y empatizar con el dolor de su madre y sus amigos.

A nuestro parecer las escenas de asambleas y debates se prolongan y reiteran demasiado. De las 2 horas y 23 minutos pudieron seleccionar los momentos más significativos y sensibles para decir lo mismo con idéntico efecto emotivo y conceptual. Será tal vez porque el director – quien también fue editor – se engolosinó demostrando virtuosismo de compaginación. Con lo que se denuncia, y con el dolor de los personajes bastaba para entregar su mensaje.

INTELIGENTE, CRUDA, Y BIEN REALIZADA DENUNCIA CONTRA LA INTOLERANCIA Y LOS PREJUICIOS SOCIALES. 

Ficha técnica      

Título Original: 120 battements par minute BAMA (Bs.As) 

Drama social, SIDA 

Francia - 2,23 hrs. 

Fotografía: Jeanne Lapoirie Edición: Robin Campillo, Stephanie Leger, Anita Roth 

Música: Arnaud Rebotini Guionistas: Robin Campillo y Philippe Mangeot 

Actores: Nahuel Pérez Biscayart, Arnaud Valois, Adèle Haenel 

Director: Robin Campillo 

Premios: Grand Prix de Cannes 2017 y Palma Gay de Cannes 2017 2017

Swing - Por Juan Pablo Donoso

Tragicomedia chilena, bien realizada, con actores lúdicos, comprometidos con sus personajes, y bien dirigidos.

Quienes quieran pasar un rato agradable, con una comedia picaresca, tendrán buena fotografía, montaje fluido, adecuado vestuario y música apropiada para el tono semi festivo del relato.

Los que vieron El Bebé de Bridget Jones (2017) hallarán aquí una anécdota similar: mujer embarazada que ignora cuál es el padre de la criatura que viene. Y amigos que se atribuyen la posible paternidad de la guagua.

Dos parejas amigas conviven en la misma casa. Una noche, después de jugar y beber mucho alcohol, se tientan por hacer un intercambio sexual. El embarazo de la dueña de casa alterará la relación de todos, aunque sigan viviendo juntos.

Guion, diálogos y secuencias minimalistas exploran y discuten hasta los detalles más pequeños de la trama. Esto la hace larga y casi indiscretamente íntima; en especial con los pormenores de sus prácticas sexuales.

Película que en un Chile de hoy, próspero y glamoroso, pone a sus personajes en arduas disyuntivas: la validez del matrimonio “para siempre”, desafíos de vivir en pareja sin casarse, y las opciones de mujeres jóvenes, que trabajan al igual que los hombres, frente a la maternidad. Terapias ante la inmadurez afectiva, y un ángulo poco tratado con anterioridad: el desconcierto de las generaciones mayores (Alejandro Trejo y Coca Guazzini), que tampoco tienen los valores muy claros, y que sólo atinan a ser solidarias con sus hijos.

Una trama con muchos niveles de análisis que, por lo mismo, a ratos pareciera estancar la fluidez del relato.

Quien se encariñe con los personajes, y empatice con sus giros psico-emocionales, disfrutará del embrollado proceso que conduce a un final salomónico.

Para otros espectadores parecerá demasiado minuciosa y reiterativa en cosas que pudieran resolverse en un tiempo más breve.

¿Por qué tanto lucimiento de los glúteos desnudos masculinos?

DILEMA DE PATERNIDAD REALIZADO CON SIMPATIA Y BUEN OFICIO. GRACIAS AL “HAPPY END” LA MORALIDAD SALE INVICTA.

Ficha técnica

Tragicomedia BFDistribution Chile – 1,44 hrs. 

Fotografía: Jonathan Maldonado 

Edición: Roberto Doveris 

Música: Laurent Apffel 

Diseño Prod.: Claudia Gallardo y Sebastián Muñoz 

Actores: Alejandro Trejo, Coca Guazzini, Daniela Ramírez, Elisa Zulueta, Héctor Morales, Koke Santa Ana 

Guionista y Director: Lucho Smok

El Taller de Escritura - Por Juan Pablo Donoso

Relato aparentemente sencillo y directo que guarda misteriosas implicancias existenciales, sicológicas y sociales.

En el puerto La Ciotat del sur de Francia hubo, tiempo atrás, un importante astillero que dio trabajo a muchos obreros. Hoy día es sólo un pueblito pesquero de pocos habitantes. Un grupo de jóvenes locales ha sido convocado por una novelista consagrada, Olivia Dejazet (Marina Foïs) para integrar un taller literario. Se trata de concebir una sangrienta historia policial ambientada justamente en aquella aldea.

Son muchachos y niñas de diversas razas y religiones. Entre ellos resalta Antoine (Matthieu Lucci), un adolescente rebelde que, desde el primer momento desafía tanto a sus compañeros como a la maestra, obstaculizando el ya difícil proceso creativo en común.

Actuaciones muy naturales, a ratos casi como de “reality”, y carentes de sexualidad o de amoríos. Salvo la creciente curiosidad de la profesora por las motivaciones agresivas de Antoine y, a la vez las del muchacho por fisgonear en la intimidad de la escritora.

Muy prolijo tratamiento de cámara en interiores y paisajes.

Película extensa por sus diálogos y discusiones teóricas sobre literatura, política y prejuicios raciales. Durante los debates intelectuales nos preguntamos qué cosa importante está en juego, dónde estaría el conflicto, hacia dónde va la trama.

¿Será que el cine francés actual tiene poco que contar y se deleita en atmósferas y menudencias formales? Sólo muy cerca del final, mediante una carta del joven protagónico, seguida por una breve secuencia en imágenes, comprendemos el sentido de fondo de sus comportamientos. El realizador, Laurent Cantet, valiéndose del protagonista, lanza con claridad su denuncia sobre cómo la ficción muchas veces nos impide mirar de frente la realidad, y nos distrae de vivirla naturalmente.

Aunque inteligentes y bien narrados, los motivos nos parecen demasiado sutiles para haberle otorgado tantos premios internacionales.

UN MINUCIOSO RELATO DE SUSPENSO CON EXCESIVA SUTILEZA INTELECTUAL.

Ficha Técnica

Título Original: L´Atelier 

Cinemark Chile (Festival Cine Francés 2018 – Santiago y Viña del Mar) 

Drama, intriga, literatura Francia - 1,53, hrs. 

Fotografía: Pierre Milon 

Edición: Mathilde Muyard 

Música: Edouard Pons y Bedis Tir 

Guión: Robin Campillo y Laurent Cantet 

Actores: Marina Foïs, Matthieu Lucci, Florian Beaujean, Mamadou Moumbia 

Director: Laurent Cantet 

2017: Festival de Cannes: Un Certain Regard (Sección oficial) 

2017: Festival de Sevilla: Sección Oficial 

2017: Premios César: Nominada a Mejor actriz (Marina Foïs)