jueves, 29 de noviembre de 2018

Viudas - Por Carlos Correa

Algo sale mal. Inesperadamente, un atraco termina con la violenta muerte de una banda criminal. Todo reducido a nada. Solo quedan las viudas de los integrantes, perdidas, sin rumbo, a la deriva. Cada una con su historia y sus temores. ¿Qué viene ahora? Una prueba de fuego. Para sobrevivir deben ejecutar el siguiente golpe que está descrito con lujo de detalles en una preciada agenda que el líder le deja a su esposa en una caja de seguridad.

Basada en la miniserie británica “Las Viudas” creada por Lynda La Plante,  este relato original firmado por la escritora Gillian Flynn -“Perdida”- y el director Steve McQueen -“12 años de esclavitud”- contiene todos los elementos de un thriller inteligente y bien desarrollado. El guion posee un ritmo lento pero consistente, que atrapa la atención y no decae. Si bien la presentación inicial es breve, es suficiente para ir directo a los hechos, aunque ello signifique solo delinear a sus personajes. Verónica -excelente Viola Davis- es quien debe liderar. Su esposo -Liam Neeson- con quien llevaba una vida acomodada y sin sobresaltos, encabezaba el grupo. Ahora ella es puesta a prueba porque le están cobrando dos millones de dólares que fueron robados por los asaltantes y que debe reponer en pocos días. La secundan Linda -Michelle Rodriguez-, Alice -Elizabeth Debicki- y Belle -Cynthia Erivo- en roles diferentes y con abundante peso dramático.

Steve McQueen demuestra su oficio narrativo con efectivas técnicas. Primeros planos, enlaces temporales y algunas secuencias resultan provocadoras. Sin perder de vista el acertado rol de Neeson, McQueen también genera el espacio apropiado para el lucimiento de Robert Duvall quien construye un excelente e importante secundario como el padre del candidato a alcalde, Jack Mulligan interpretado por Colin Farrell. La partitura de Hans Zimmer es diferente a su conocido estilo. Esta vez, con un bajo perfil, se transforma en una vertiente paralela, casi oculta, que une de forma casi imperceptible cada una de las descriptivas instancias que el relato va generando.

La muerte de sus esposos provoca en estas mujeres un dolor enorme. El amor, el pilar y el centro de sus vidas se ha esfumado. El vacío es inmenso. La sin razón de lo acontecido amenaza con la inmovilidad, sin embargo la templanza y valiente decisión de Verónica empodera a las mujeres para realizar algo que parece en extremo fuera de sus posibilidades. Desconocemos si ellas sabían de los negocios por lo que sus motivaciones son diferentes y la búsqueda de un destino mejor las impulsa a la acción. La rectitud o la moral pasan a ser relativas pues ahora lo que está en juego son sus vidas. No hay opción ni vuelta atrás. Se trata de la construcción de sus propios caminos hacia la libertad y la redención lo que ven verdad importa. Con ello la lealtad se transforma en su valor fundamental y principal foco de atención.

El tema que más me llama la atención luego del referido al urdido robo que las viudas deben ejecutar, es el de la elección de alcalde. La ciudad es Chicago y durante años el “Mayor” ha sido un Mulligan. Los intereses familiares son evidentes. Nepotismo, corrupción e intereses personales encabezan la lista. Pero, ¿qué hay en la otra vereda? Un candidato de color, cuyo comando de campaña está situado al interior de una Iglesia. ¿Prueba de idoneidad o transparencia? No. Jamal Manning -Brian Tyree Henry- es el candidato opositor y junto a su hermano Jatemme -Daniel Kaluuya- dominan el crimen y la corrupción subterránea de la ciudad. ¿Qué opciones hay? Parece que ninguna. Quien salga electo tiene más defectos que virtudes en un mundo político tóxico y en franca descomposición. ¿Y la Iglesia? Juega un papel, el papel del reverendo, secundario pero a la vez principal. Muchos niveles, variados ambientes, todos claros, bien tratados y actuales. Otro aporte interesante y provocador de la cinta de McQueen.

Ficha técnica

Título original: Widows
Año: 2018
Duración: 128 minutos
País: Reino Unido
Productora: 20th Century Fox / New Regency Pictures / See-Saw Films / Film 4. Distribuida por 20th Century Fox
Género: Thriller. Drama | Crimen. Robos & Atracos
Guion: Gillian Flynn, Steve McQueen (Personajes: Lynda La Plante)
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Sean Bobbitt
Reparto: Viola Davis, Michelle Rodriguez, Elizabeth Debicki, Cynthia Erivo, Colin Farrell, Brian Tyree Henry, Daniel Kaluuya, Jacki Weaver, Carrie Coon, Robert Duvall, Liam Neeson, Jon Bernthal, André Holland, Garret Dillahunt, Kevin J. O'Connor, Lukas Haas, Manuel García-Rulfo
Dirección: Steve McQueen

Familia al instante - Por Carlos Correa

Una joven pareja reflexiona sobre convertirse o no en padres. Pete -Mark Wahlberg- y Ellie -Rose Byrne- tienen muchas dudas; no hay claridad ni luces al respecto. Tal parece que están bien solos, con un emprendimiento que consiste en la remodelación de casas y con ello pasan una vida bastante tranquila. Sin embargo, no es suficiente y algo les falta. Ellie tiene la idea de adoptar, Pete, temeroso en verdad, no está muy convencido. Todo cambia cuando conocen a Lizzie y a sus hermanos Juan y Lita, deciden sumarlos a su hogar y transformarse en sus “padres temporales”. Comienza una nueva historia, una vida diferente a todo lo conocido y que se transforma en un desafiante día a día lleno de descubrimientos, dolores de cabeza y emocionantes sentimientos.

La historia está basada en las vivencias del director de la película Sean Anders, también autor del guion junto a John Morris. La narración que ofrece Anders no abandona nunca el tono de comedia para internarse en diferentes problemáticas que son bastante profundas. Por un lado están los niños que buscan familia por diversas razones: orfandad, abandono, padres que han perdido su tuición por problemas de alcohol o drogas, etc. Diversas edades, múltiples orígenes, una diversidad sobrecogedora. Por otro lado están los padres que buscan adoptarlos. El sistema permite este encuentro -tal vez lo menos logrado son las escenas de la “feria de adopciones”- pero hay restricciones: deben hacer un taller grupal, pasar etapas y pruebas para llegar a un primer momento que es esta temporalidad paternal para poner a prueba la conformación de la nueva familia.

La película funciona, al menos en la capa exterior. No podemos pedir o exigir más porque obviamente es tremendamente complejo abordar esta temática para que no se transforme en un melodrama. Las secuencias, eso sí, parecen algo desconectadas, sin algunos cierres o explicaciones necesarias. Vamos pasando cada una de las etapas en secuencia y sin mayor dificultad. El conflicto es esperable, está anunciado y es evidente: la relación con Lizzie -muy bien Isabela Moner interpretando a una desafiante adolescente con enormes virtudes y gran cantidad de dudas-, el apego de los más pequeños Juan -Gustavo Quiroz- y la pequeña Lita -encantadora Julianna Gamiz- a los nuevos padres y la reaparición de la madre biológica de los tres hermanos.

Sean Anders logra salvar varias vallas en la construcción narrativa gracias a jocosas situaciones y también a momentos emotivos. No recordaremos esta película como un prodigioso relato, sin embargo podemos decir que da cuenta de una situación difícil y actual. “Familia al instante” es justamente eso: trata el hecho de formar una familia de la noche a la mañana, con niños “grandes” y los desafíos que ello implica. Casi nadie está dispuesto a aquello, la mayoría de los padres quieren bebés para criarlos y formarlos desde pequeños. Sin embargo un mundo diferente surge con los mayores, un mundo de afecto, acogida y amor que se debe construir paso a paso, día a día, con mucho esfuerzo de todas las partes involucradas y que fortalece el valor fundamental de formar y ampliar una familia.

Ficha técnica

Título original: Instant Family
Año: 2018
Duración: 119 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Paramount Pictures
Género: Comedia | Familia. Adopción. Cine familiar
Guion: Sean Anders, John Morris
Música: Michael Andrews
Fotografía: Brett Pawlak
Reparto: Mark Wahlberg, Rose Byrne, Octavia Spencer, Isabela Moner, Iliza Shlesinger, Eve Harlow, Tom Segura, Tig Notaro, Julie Hagerty, Britt Rentschler, Gary Weeks, Allyn Rachel, Randy Havens, Carson Holmes
Dirección: Sean Anders

Viudas - Por Juan Pablo Donoso

De EE.UU. nos llega un filme policial que, sin ocultar los ingredientes comerciales, luce inteligencia, intriga, suspenso y buena factura.

Su director, Steve McQueen, ya premiado antes por su estupenda 12 AÑOS DE ESCLAVITUD (2013), se nos confirma como experto realizador.

Ahora contó con la coescritora y autora de best-sellers Gillian Flynn (“Perdida” - 2016). La colaboración de ambos se refleja en el resultado.

Como se trata de una historia de intriga y suspenso, sólo esbozaremos que 4 viudas inocentes, y en peligro de quedar arruinadas, deciden organizarse para dar el golpe final que sus maridos delincuentes tenían planeado antes de fallecer.

Es por ello que nos limitaremos a señalar los valores de este “thriller”.

Alto nivel de actuación, en especial de Viola Davis (admirable en FENCES - 2016). Combinación de estrellas famosas como Colin Farrell y Robert Duvall, con rostros nuevos y bien escogidos.

Un guion que baraja secuencias con ingenio y claridad narrativa, mezclando el pasado con el presente para justificar las motivaciones de sus protagonistas.

Equilibrada imbricación de corruptela política, mafias, racismo y falsa religiosidad en un Chicago de hoy.

Tormento emocional de relaciones amorosas versus delincuencia e hipocresía.

Indiscutible empoderamiento feminista.

Si bien pareciera lenta al comienzo, va incubando, con perfecta graduación, un suspenso latente que se acumula hasta reventar con estrépito en el clímax, y dejarnos satisfechos con la resolución.

El tratamiento audiovisual, en sintonía con el guion y la música, va combinando los primeros planos con detalles de objetos y expresiones. Virtuosismo actoral en la escena que confronta al hijo magnate (Colin Farrell) con su padre (Robert Duvall) viejo zorro político, capaz de distinguir, aún en la corrupción, lo que es éticamente abominable.

Algunos le restarán méritos por considerarla, tal vez, demasiado convencional en su género policial estadounidense. También podrían reprocharle su origen, basado en la antigua serie televisiva inglesa de Lynda La Plante (Prime Suspect – 1973). Pero en sus propias reglas del juego, cumple a cabalidad con su propósito: lograr suspenso con personajes femeninos que deben hacerse justicia en una jungla machista de brutalidad y perversión.

INTRIGA Y SUSPENSO LOGRADOS CON MUY BUEN OFICIO EN SU GÉNERO TRADICIONAL.

Ficha técnica

Título Original: Widows 
Crimen, suspenso, corrupción Fox EE.UU. – 2,09 hrs. 
Fotografía:Sean Bobbitt 
Edición: Joe Walker 
Música: Hans Zimmer 
Diseño Prod.: Adam Stockhausen 
Guion: Gylian Flynn y Steve McQueen 
Actores: Viola Davis, Michelle Rodriguez, Elizabeth Debicki, Liam Neeson, Colin Farrell, Robert Duvall 
Director: Steve McQueen

Familia al Instante - Por Juan Pablo Donoso

El tema, los personajes y la edición conquistarán la simpatía hasta del más reacio espectador.

Sin rebuscamientos, hace reír y también conmueve.

El fluir natural de la situación resulta atractivo y se siente verosímil.

Una pareja sin hijos postula a adoptar niños sin hogar. La ley los obliga a tenerlos primero a prueba; la llamada “adopción temporal”. Si hay avenencia de ambas partes, al cabo de un plazo establecido, y vigilado, podría venir la adopción definitiva.

Pete (Mark Walhberg) y su esposa Ellie ( Rose Byrne – Amor de Vinilo) acogen a 3 hermanos latinos, hijos de una madre drogadicta. Era recomendable mantenerlos unidos. Lizzie (Isabella Moner), es una adolescente quinceañera, Juan (Gustavo Quiroz) es todavía un niño inquieto y, Lita (Julianna Gamiz), la más pequeña y caprichosa.

Una pareja anterior, de padres temporales, gente mayor y rústica, estuvieron felices de zafarse de estos tres hermanitos rebeldes.

El filme trata del difícil proceso de adaptación; por un lado la dichosa pareja por tener hijos al fin, y por otro, el trío de hermanitos, sobreprotegidos, acostumbrados a saltar de casa en casa por breves temporadas, y ser devueltos al Hogar de Menores.

Cada niño tendrá sus mañas, y los padres temporales deberán reunirse periódicamente con otros matrimonios para informar al Centro de Adopción y ser evaluados.

Cuando ya parecieran haber hallado un lenguaje familiar compatible, reaparece la madre biológica de los niños pidiendo su devolución. La convivencia conseguida con tantos incidentes cotidianos amenaza con derrumbarse. Este será el último y más doloroso escollo que salvar para todos.

La historia es una recreación aproximada de lo que vivió el guionista y director, Sean Anders, en su niñez. Tal vez por ello, y gracias a una muy ágil edición, es que el relato nos llega con tanta simpatía, humor e inteligencia emocional.

Todos los actores, adultos y niños, nos contagian el deleite de acompañarlos en esta aventura de cariño y solidaridad familiar.

ESTIMULANTE ODISEA DE ADOPCIÓN INFANTIL. VERDADERA, EMOTIVA, Y GRACIOSA.

Ficha técnica


Título Original: Instant Family 
Comedia familiar Andes Films EE.UU. – 1,58 hrs. 
Fotografía: Brett Pawlak 
Edición: Brad Wilhite 
Música: Michael Andrews 
Diseño Prod.: Clayton Hartley 
Guion: Sean Anders y John Morris 
Actores: Mark Wahlberg, Rose Byrne, Isabela Moner 
Director: Sean Anders

Robin Hood - Por Juan Pablo Donoso

La novedad de esta enésima versión de Robin Hood es que nos informa sobre el origen del heroico bandolero. Lo demás es pura acción, efectos especiales, pirotecnia y actores, en esta oportunidad, poco carismáticos.

Ya en 1938 Errol Flynn popularizó al legendario forajido en una estupenda película dirigida por Michael Curtiz y William Keighley, secundado por Olivia de Havilland, Claude Rains y Basil Rathbone, en sus mejores tiempos.

Como supuestamente es una leyenda muy comercial, y explotada hasta la saciedad incluso en dibujos animados, ahora recurrieron a la Precuela. Pudiendo haberse internado con seriedad histórica en un periodo medieval corrupto e inmoral, optaron por un facilismo de antiguas matinées.

Cuando el joven aristócrata Robin Loxley regresa de luchar en una sangrienta Cruzada contra los musulmanes, descubre que en su Nottingham natal las autoridades políticas se han mancomunado con la jerarquía eclesiástica para traicionar y destronar al Rey. Y para peor cuentan con el financiamiento de los mismos moros enemigos.

Asqueado por tanta inmoralidad, el joven noble adopta la causa de los campesinos pobres y explotados, y desde el interior del Cabildo y de la Iglesia urdirá una guerrilla subterránea, a la cual se van integrando sus colaboradores. Sólo al final de esta colosal revuelta se esconderá con su banda en los tupidos bosques de Sherwood para seguir haciendo justicia donde sea necesario.

Para quienes desde la infancia vimos tantas versiones anteriores, los anacronismos y caprichos de esta nos mantuvieron en constante distracción.

Señalemos sólo algunos. El vestuario – chaquetas repujadas de cuero sintético - y armamentos que corresponden a siglos posteriores; el antagonista, Alcalde de Nottingham, viste y peina a la moda de 1980 (¿postmodernismo?); el Fraile Tuck usa anteojos del siglo 18; el ducado de Loxley nunca fue un suburbio de Nottingham, porque está a 80 kilómetros de distancia; Robin llega en barco a Nottingham que jamás ha sido un puerto; la Cruz de San Jorge, mostrada en abundancia palaciega, se anarboló sólo en la Armada del Rey Juan I, y recién fue bandera algunos siglos más tarde; los fieles compinches se agrupan nada más que al final en miras de una “supuesta” secuela.

Un desperdicio de producción y de actores prestigiosos que, con más solvencia histórica, pudieron ser mejor aprovechados.

PRECUELA ERRÁTICA DE ROBIN HOOD QUE SE SOSTIENE POR LOS COMBATES, ESCENOGRAFÍAS Y EFECTOS ESPECIALES. MAL EJEMPLO PARA NUESTROS ENCAPUCHADOS VANDÁLICOS CHILENOS.

Ficha técnica


Aventuras BFDistribution EE.UU. – 1,57 hrs. 
Fotografía: George Steel 
Edición: Chris Barwell y Joe Hutshing 
Música: Joseph Trapanese 
Diseño Prod.: Jean-Vincent Puzos 
Guion: Ben Chandler, David James Kelly 
Actores: Taron Egerton, Jamie Foxx, Ben Mendelsohn 
Director: Otto Bathurst

Leche de Otoño - Por Juan Pablo Donoso

Autobiografía de Anna Wimschneider, campesina analfabeta, en cuya vida hay tanta grandeza como en la de grandes heroínas. Demostrar esta realidad fue el desafío del director Joseph Vilsmaier y sus guionistas colaboradores.

Quien espere violentos conflictos, entre buenos y malos, podría salir defraudado.

En cambio, quien se traslade a la campiña de Baja Baviera durante los comienzos del nazismo, convivirá con la intimidad de dos humildes familias, disfrutará con la belleza de los paisajes, y acompañará a la hermosa Anna desde su infancia hasta la maternidad.

A diferencia de las habituales tragedias bélicas y holocaustos, sus realizadores optan por la poesía cotidiana de campesinos iletrados, descalzos, que trabajan a la par con sus animales para sustentar a sus niños, mujeres y ancianos.

El padre de Anna quedó viudo con 6 hijos. Ella, la mayor, aún adolescente oficiará como madre de sus hermanitos, dueña de casa y cocinera.

Cuando en su vida aparece otro joven campesino, que sólo aprendió un oficio agrario, se inicia un romance con la sencillez milenaria de cualquier época de la historia.

Y en eso radica la fascinación de este relato: en el lento proceso de cortejo, enamoramiento, noviazgo y luego matrimonio, en que Anna enfrentará su nuevo rol de esposa y sierva en la familia, igualmente rústica, de su marido.

La 2ª Guerra Mundial apenas rozará a los habitantes de la región, reclutando jóvenes para el ejército: perdiendo a algunos y recuperando a otros. Y la vida seguirá igual con sus inviernos nevados, estaciones floridas, cosechas y fiestas populares con valses, cerveza artesanal y chucrut.

En todo momento esperamos que suceda algo trágico o espectacular. Pero basta mantenerse cerca de Anna y los suyos, para recordar que las cosas simples de la vida pueden ser tan conmovedoras como las grandes gestas.

Mientras en Europa arde la Guerra Mundial, y mueren millones de personas inocentes, en el interior de los hogares modestos las preocupaciones diarias, sueños, amores y pequeñas disputas permanecen igual a través de los siglos.

Hay carencia de sentimentalismo. Sólo la rudeza de cada día.

Fue el primer largometraje de Joseph Vilsmaier, quien también ofició como Director de Fotografía, su oficio anterior. En el tratamiento de encuadres y color acusa influencia de grandes pintores impresionistas alemanes como Slevogt y Liebermann. Logra admirable autenticidad en sus personajes secundarios. Y destacamos el inmenso talento de la actriz checa Dana Vávrová - fallecida muy joven - quien interpretando a Anna, irradia verdad por todos los poros. Fue la esposa del director y participó en muchos de sus filmes posteriores. Siempre alucinante.

ÁNGULO DIFERENTE Y POÉTICO DE LA 2ª GUERRA MUNDIAL ENTRE HUMILDES CAMPESINOS ALEMANES. BELLÍSIMA. 

Ficha técnica

Título Original: Herbstmilch 
Crónica familiar. Guerra 
Cine-Arte Patricia Ready 
Alemania – 1,51 hrs. 
Edición: Ingrid Broszat 
Música: Enjott Schneider 
Diseño Prod.: Wolfgang Hundhammer 
Guion: Willi Segler, Peter F. Steinbach 
Actores: Dana Vávrová, Werner Stocker, Claude-Oliver Rudolph 
Fotografía y Dirección: Joseph Vilsmaier

jueves, 22 de noviembre de 2018

El Primer Hombre en la Luna - Por Juan Pablo Donoso

Nos acerca y recuerda al eximio piloto e ingeniero de la NASA que fue Neil Armstrong, el primer hombre en pisar la Luna (julio de 1969).

Fue la misión más peligrosa en la historia de los viajes extraterrestres. Exploramos los entrenamientos, sacrificios y costos para un país – EE.UU. – y para el mismo Armstrong, en la competencia espacial desenfrenada contra la Unión Soviética.

La cinta expone tanto el proceso tecnológico como los conflictos personales y la perseverancia del famoso astronauta.

Revela las flaquezas y la increíble dedicación de aquellos primeros tripulantes en su contribución a la Historia de la Humanidad.

El lanzamiento y las imágenes espaciales del trayecto resultan sobrecogedoras. La secuencia del alunizaje, de la primera pisada, y de los brincos por la superficie selenita nos permiten – con perfecta nitidez - acompañarlos de cerca en la experiencia.

Los realizadores fueron lo suficientemente sobrios - y poco panfletarios - como para obviar el momento en que clavan la bandera de Estados Unidos.

En paralelo nos enteramos de los conflictos íntimos de Armstrong, como fue la temprana muerte de su pequeña hijita, y la angustia de su esposa e hijos ante un riesgo tan inminente.

Nos acompaña una bella musicalización en momentos oportunos, incluyendo los silencios “absolutos”, que se agradecen e incrementan la realidad de la mesósfera y de la Luna misma.

Para algunos espectadores el tratamiento de cámara podría resultar abrumador: hay un exceso de primerísimos planos de rostros y muy pocas tomas fijas. Un constante movimiento de las imágenes. Fue la opción fotográfica para acercarnos tanto a las sensaciones del piloto durante los vuelos, como también para comprender sus más profundas tribulaciones psicológicas como pionero, marido, padre y eventual suicida.

Como relato fue difícil priorizar entre los conflictos personales de Armstrong y la histórica gesta del Apolo 11. Al tratar de barajarlas, ambas pierden empátía con el espectador. Hay una mirada algo distanciada. Más emocionantes fueron ELEGIDOS PARA LA GLORIA (THE RIGHT STUFF – 1983) de Philip Kaufman, y APOLLO 13 (1995) de Ron Howard.

Es un sentido homenaje que el director Damien Chazelle le rinde a Neil Armstrong y a la NASA. Una vez más Chazelle ensalza en sus películas a personajes de enorme talento y coraje potencial (LA LA LAND - 2016 y Whiplash -2014).

DESLUMBRANTE EPISODIO HISTÓRICO DEL PROGRESO DEL HOMBRE Y DE CUÁNTO FALTA AÚN POR AVANZAR. MUY EDUCATIVA.

Ficha técnica

Título Original: First Man 
Biografía, drama, historia Andes Films EE.UU.- 2,21 hrs.
Fotografía: Linus Sandgren 
Edición: Tom Cross 
Música: Justin Hurwitz 
Efectos Especiales: Adam Lambert 
Diseño Prod.: Nathan Crowley 
Guion: Josh Singer, James R. Hansen (libro) 
Actores: Ryan Gosling, Claire Foy, Jason Clarke 
Director: Damien Chazelle

Wifi Ralph - Por Juan Pablo Donoso

Hermosa aventura de amistad entre dos tiernos personajes de video-juegos: Ralph y Vanellope von Scweetz.

En 2012 vimos RALPH EL DEMOLEDOR que, comparada con esta, era más sencilla y emotiva. Ahora desborda en hazañas, incorpora muchos más personajes, que en su mayoría ya pertenecen a la tradición de películas de Disney, y a heroínas de juegos electrónicos de acción.

Si bien el tema central es la AMISTAD entre el huraño Ralph y la pequeñita pero aguerrida Vanellope, (piloto campeona de autos de carrera), el ámbito en que todo ocurre será más familiar para los jóvenes que para los adultos mayores de 40 años.

La razón es que toda la epopeya sucede en el universo electrónico de video-juegos, modernos portales y plataformas computacionales.

Gracias a internet navegarán por una red mundial, multicolor autopista de información, llena de marcas y nuevos amigos también cibernéticos.

La expedición se desata cuando en un anticuado salón de video-juegos, a uno de los flippers se le rompe el manubrio. Las carreras serán imposibles. Habrá que internarse en el universo electrónico hasta encontrar al fabricante de volantes que, con los avances tecnológicos, ya están descontinuados.

Gracias al encanto femenino de Vanellope, el torpe y grandulón Ralph encuentra en ella una amiga y juntos emprenden la peripecia rumbo a un mundo electrónico desconocido y peligroso.

En su camino, lleno de riesgos y competencias, irán interactuando con figuras familiares para los antiguos jugadores de play stations, y más aún para los espectadores que desde niños vieron las películas de Walt Disney.

Aparecerá la sensual e intrépida Shank y, lo más sabroso del filme será cuando la pequeña Venellope se integre al Club compuesto por todas las tradicionales princesas de los cuentos de hadas, que van desde Blanca Nieves hasta las hermanas Anna y Elsa de FROZEN, pasando por la Bella Durmiente, Cenicienta, Mulan, la Sirenita, y una graciosa colorina que habla en jerigonza porque viene de otra empresa de cuentos animados. Pero igual, todas asociadas, venden la imagen de un círculo autónomo y de empoderamiento femenino… y feminista.

Aunque más rebuscada en sus peripecias, esta cinta tiene estupendas secuencias de acción y comicidad. Lleva implícitos algunos mensajes referentes a la importancia del avance tecnológico, y de la inconveniencia de quedarse atrasado en el lenguaje computacional.

Es por ello que, a pesar del enorme cariño y solidaridad entre estos amiguitos, el rústico Ralph debe dejar que Vanellope siga su camino de progreso aunque para él sea imposible comprender el fondo de los motivos.

MUY ENTRENIDA AVENTURA ANIMADA QUE REALZA EL PODER DE LA AMISTAD A PESAR DE LAS DIFERENCIAS. LA DISFRUTARÁN MÁS LOS JÓVENES QUE NACIERON CON LA COMPUTACIÓN.

Ficha técnica

Título Original: Ralph Breaks the Internet 
Animación, comedia Cinecolor EE.UU. – 1,52 hrs. 
Fotografía: Nathan Warner 
Música: Henry Jackman 
Diseño de Producción: Cory Loftis 
Guionistas: Phil Johnston, Pamela Ribon 
Voces en inglés: John C. Reilly, Sarah Silverman, Gal Gadot 
Directores: Phil Johnston, Rich Moore

miércoles, 21 de noviembre de 2018

El Primer Hombre en la Luna - Por Carlos Correa

El silencio. ¡Qué importante es el silencio! Y como el silencio es música, podemos entender las decisiones que toman en esta película el director Damien Chazelle junto al autor de la banda sonora, Justin Hurwitz. La cámara de Chazelle se concentra en planos cerrados, es vibrante y emotiva. La música esta vez no acompaña, es parte inseparable de las imágenes que observamos y que nos sumergen en una profunda humanidad.

“First Man” está basada en la novela biográfica de Neil Amstrong escrita por James R. Hansen y publicada el año 2005. El director filma el guion elaborado por Nicole Perlman y Josh Singer con un severo ritmo interior. El relato de la historia es tenso. Los tiempos son acotados. El suspenso es permanente. El trabajo de edición es brillante. Chazelle acierta con precisión en todo, principalmente en la elección de la perspectiva desde la que nos hace partícipes de la historia. La misión lunar implica un universo tan vasto y gigante que el director elige justamente lo contrario. Nos sitúa en aquello que forma parte de lo más íntimo del protagonista y que, por cierto, es también inmenso.

Los hechos los conocemos y a mí siempre me han fascinado. Recuerdo la revista “Cosmos”, empastada por mi padre, con todos las ediciones dedicadas al Apolo XI. También recuerdo una foto tomada a la televisión transmitiendo el descenso de Amstrong. Es cierto que varias voces y teorías hablan de trucos, que no fue cierto, que Estados Unidos armó todo un espectáculo para ganarle a Rusia la carrera espacial, etc. Sin embargo, prefiero creer que fue real, pues este suceso histórico me ha marcado desde pequeño.

Uno de los aspectos más interesantes en películas de este tipo es justamente cómo se elaboran si conocemos de antemano la historia y también conocemos el final. Parece que no tiene sentido, sobre todo en un mundo que se mueve justamente por descubrir el desenlace de tramas complejas, llenas de recovecos y que finalmente terminamos componiendo y descomponiendo para entenderlas en su contexto. Damien Chazelle, en un género distinto al que le conocemos en las brillantes “Wiplash” y “La La Land”, demuestra que su talento va más allá. Es capaz de narrar de forma brillante y de entregarnos perspectivas nuevas en cada plano y en cada escena. Su foco en lo humano y en los valores del protagonista resultan honestos. Así también la temprana pérdida de su pequeña hija y la búsqueda de unidad familiar, se presentan de forma relevante con las decisiones y acciones de Neil, donde Ryan Gosling interpreta con extrema delicadeza, preocupación y dedicación al primer hombre que pisó la luna. La presencia femenina en la cinta es reducida. Claire Foy hace un papel estupendo representando a la esposa de Neil, una mujer fuerte y clara que es sin duda un contrapeso importante para el astronauta e incluso para el equipo completo de la Misión.

“El primer hombre en la luna” muestra algunos detalles de lo que podríamos llamar “precarias condiciones”. Las fallas de los sistemas tecnológicos y mecánicos, los accidentes y las muertes ocasionadas, nos recuerdan que la carrera espacial tuvo un costo humano importante y consecuencias desgarradoras. La tecnología actual y sus avances -se dice que hoy llevamos en nuestros celulares más potencia y capacidad que el computador central de la Misión Apolo- nos hace olvidar que debemos mirar con perspectiva y respeto el equipamiento y el desarrollo informático de esos años. Sin duda sentó sólidas bases, propició mayor investigación y permitió avanzar con pasos gigantes al mundo digital que hoy tenemos a nuestro alcance.

Una gran cantidad de ensayos, pruebas, análisis, ingeniería, desarrollo y un durísimo entrenamiento son factores en extremo necesarios para una misión de la envergadura de esta hazaña. El éxito es finalmente la suma de intentos, fracasos y algunos logros. “Debemos fallar acá para no hacerlo en la luna” señala con convicción el protagonista. Y es verdad. Si no estamos dispuestos a salir de nuestra comodidad, no avanzaremos ni un solo metro. Retratarlo, tal vez por ser conocido u obvio -insisto, como saber el final-, es un desafío complejo. Chazelle lo asume y lo consigue de la mejor manera porque “First Man” es de esas películas que se recuerdan más por lo que nos produce, por todo aquello que su historia nos recuerda, porque es capaz de cuestionarnos y por supuesto porque nos logra emocionar.

Ficha técnica

Título original: First Man
Año: 2018
Duración: 141 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Universal Pictures / DreamWorks SKG / Temple Hill Entertainment / Perfect World Pictures
Género: Aventuras. Drama | Años 60. Biográfico. Aventura espacial
Guion: Nicole Perlman, Josh Singer (Libro: James R. Hansen)
Música: Justin Hurwitz
Fotografía: Linus Sandgren
Reparto: Ryan Gosling, Jason Clarke, Claire Foy, Kyle Chandler, Corey Stoll, Patrick Fugit, Lukas Haas, Pablo Schreiber, Brian d'Arcy James, Ciarán Hinds, Aurelien Gaya, Ethan Embry, Shea Whigham, Christopher Abbott, Cory Michael Smith, Brady Smith, Perla Middleton, J.D. Evermore
Dirección: Damien Chazelle

Wi Fi Ralph - Por Carlos Correa

Esta segunda parte de “Ralph, el demoledor” es muy entretenida. En la anterior conocimos el mundo al interior de los videojuegos. Acompañamos a los personajes en sus aventuras y vemos cómo nuestro protagonista se gradúa de héroe. Junto a su compañera Vanellope von Schweetz -voz de Sarah Silverman- desarrollan una gran amistad y prácticamente ya no se separan. En esta secuela Ralph está complacido, sin embargo Vanellope se encuentra aburrida de hacer siempre lo mismo. Una travesura creada por Ralph no sale bien y provoca que “Sugar Rush”, el videojuego de Vanellope, se estropee. ¿Solución? Encontrar la pieza de repuesto. ¿Dónde? En Internet. Los dos amigos viajan entonces a través de la gran autopista de la información -si, la sala de juegos ahora tiene conexión a Internet-, descubren nuevos amigos -y también enemigos- y la aventura se transforma en una montaña rusa de sensaciones y emociones.

El relato tiene una gran dosis de humor. Las carcajadas no se detienen porque en cada rincón hay una referencia, un símbolo o una situación que nos involucra. Es precioso lo que una historia sencilla y bien narrada puede provocar en nosotros. Los valores contenidos en la cinta son universales, en especial la amistad. Está tan bien ilustrada en la relación de Vanellopi y Ralph que no se necesitan palabras para describirla. Y la moraleja sorprende, porque apunta justamente a lo que podría transformarse en nuestro peor enemigo y que es nuestra propia inseguridad.

Walt Disney Animation Studios una vez más nos entrega una joyita, con una animación detallada, precisa y con personajes que son entrañables. Avanza un paso respecto a la primera, despega de su punto de partida para llevarla a otra dimensión, esta vez a la virtual, con una ambientación creativa y a la vez didáctica. Explica muy bien el funcionamiento de las redes informáticas, los viajes de los datos por la red, los peligros y también las bondades de una virtualidad que no tiene límites, salvo el que nosotros queramos definirle.

Colorida y vibrante, “Wifi Ralph” -su original es “Ralph Breaks the Internet”- realmente pone en aprietos a la red de redes con una fábula animada que tiene caracterizaciones notables -Jesss, el algoritmo estrella “BuzzTube”, Shank, una conductora excepcional y KnowsMore, el sabio de Internet- que muy divertidos. Imperdible la secuencia que reúne a Vanellope con todas las princesas de Disney, varias apariciones de otras franquicias y las escenas post créditos. Gran trabajo en la dirección de Rich Moore y Phil Johnston que logran un fluido metraje y que, pese a desplegar un universo de animación fascinante, nunca olvidan que lo central se encuentra en los sentimientos de los protagonistas.

Ficha técnica

Título original: Ralph Breaks the Internet
Año: 2018
Duración: 112 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Walt Disney Animation Studios / Walt Disney Pictures
Género: Animación. Fantástico. Aventuras | Videojuego. Secuela. 3-D
Guion. Phil Johnston, Pamela Ribon
Música: Henry Jackman
Fotografía: Animation, Nathan Warner
Reparto: Animation
Dirección: Rich Moore, Phil Johnston

Amor de vinilo - Por Carlos Correa

En una costera localidad inglesa la vida es apacible y tranquila. Tal vez demasiado para una pareja que divide su tiempo entre el trabajo y el hogar y que sin embargo la rutina ya les está pasando la cuenta. Duncan -Chris O’Dows- tiene una obsesión por un cantante rock norteamericano que solo publicó un disco y del que desde hace veinte años nadie sabe nada. Como uno de sus principales fans, ha creado una comunidad virtual en torno a la estrella donde se debate su historia, sus mitos, leyendas y se especula sobre su presente. Annie -Rose Byrne-, por su parte, ya está cansada del tema y no logra conseguir su propio espacio vital: quiere tener hijos y Duncan se opone, algo que sin duda los tensiona bastante. El punto de inflexión se produce cuando Duncan recibe un CD con las muestras iniciales del famoso álbum del artista llamado “Juliet, Naked”. Para él, es oro puro; para ella, algo vacío e insustancial, lo que origina variadas respuestas en el foro, incluida una muy particular del propio Tucker Crowe -personificado por Ethan Hawke- escrita directamente a Annie y que se convierte en el punto de partida de una cada vez más estrecha y cercana comunicación.

En esta comedia romántica basada en la novela de Nick Hornby, la música también es protagonista. Con una narración amable, la dirección de Jesse Peretz imprime al guion un ritmo que destaca algunos de los elementos propios de la construcción de un mito artístico. ¿Hay una sobre valoración del trabajo de Crowe? ¿La intriga y misterio que se crea en torno al artista le da mayor valor a un trabajo que tal vez pudiera ser calificado como “promedio”? No hay respuesta a estas preguntas. Es que la opinión que se tenga de una obra por parte del público -incluso la del propio autor- es muy distinta al afecto que esta creación produce en quien la recibe. Aquello es totalmente subjetivo pues así sucede con cualquier expresión artística.

El desarrollo del relato es interesante aunque podamos anticipar varios de los sucesos. La correspondencia electrónica entre Annie y Tucker los va acercando paulatina y profundamente, mientras en forma directamente proporcional aumenta el abismo con Duncan, pese a vivir juntos. La clave son las reacciones, los sentimientos y las relaciones entre los protagonistas. Tiene que ver con puntos de encuentro y con miradas comunes o distantes sobre la vida entre múltiples factores. La responsabilidad paternal, la preocupación o despreocupación sobre ello, el tener o no tener familia, son temáticas que cobran relevancia y están presentes especialmente en la historia de vida del cantante.

“Amor de vinilo”, título otorgado en español a la película no hace justicia con su original. Al contrario, nos da una pista falsa de la historia y nos confunde. En cambio, “Juliet, Naked”, el nombre de la única grabación de Tucker Crowe, es más significativo, pese a que “comercialmente” tal vez no sea del todo convincente. La buena elección de los actores para los roles principales permite a la cinta abordar el metraje desde diversas perspectivas sin abandonar un estilo amable y encantador que progresa hacia el sentido y profundidad que nosotros, los espectadores, estemos dispuestos a entregarle.

Ficha técnica

Título original: Juliet, Naked
Año: 2018
Duración: 105 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Apatow Productions
Género: Comedia. Drama | Música
Guion: Tamara Jenkins, Evgenia Peretz, Jim Taylor (Novela: Nick Hornby)
Música: Nathan Larson
Fotografía: Remi Adefarasin
Reparto: Rose Byrne, Ethan Hawke, Chris O'Dowd, Megan Dodds, Jimmy O. Yang, Lily Newmark, Lily Brazier, Johanna Thea, Azhy Robertson, Ayoola Smart, Georgina Bevan, Laura Camberley, Michael Chapman, Begoña Fernández Martín, Karol Steele, Janine Catterall, Lee Byford, Florence Keith-Roach, Andrew Dunkelberger, Thomas Gray, Sascha Panknin
Dirección: Jesse Peretz

Gauguin: Viaje a Tahiti - Por Carlos Correa

Fines del Siglo XIX. Paul Gauguin -Vincent Cassel- ve cómo se cierran puertas en Paris y anhela recuperar libertad creativa y también libertad de espíritu. Incomprensión familiar, una desesperante vida cotidiana y una personalidad especial lo tienen sumergido en una profunda soledad por lo que la idea de aventurarse a un viaje a la Polinesia -Tahiti- lo seduce fuertemente.

Con el desembarco del pintor en este idílico lugar comienza su escape, huida o tal vez un auto exilio. Los paisajes son exuberantes y la fotografía de la cinta lo realza. Es hermosa la fotografía y la cámara retrata en planos abiertos un mundo completo por descubrir, un mundo que para Gauguin puede transformarse en su propia salvación personal. Pero el protagonista es débil y enfermizo. Tras un ataque cardiaco su vida cambia pues conoce a Tehura, una joven que llama su atención de inmediato. Resurge su juventud y el amor recupera su motivación vital: la pintura.

El director Edouard Deluc retrata al artista desde una perspectiva íntima. La necesidad de pintar, de transmitir, de expresar y comunicar que siente el pintor, la película lo advierte en forma contemplativa. El guion no explica mayormente los hechos ni tampoco los procesos que los desencadenan. Los tiempos se confunden, hay ausencia de enlaces y el progreso es lento. Mucho realismo mágico, donde las cosas suceden y no sabemos mucho cuándo ni por qué.

Los escasos diálogos y los extensos valles narrativos se sostienen en la actuación del actor principal quien carga en sus hombros una enorme responsabilidad. Su actuación es adecuada sin ser brillante, sin traspasar una frontera, una especie de límite casi auto impuesto que no permite llegar a un grado mayor de empatía y conexión. Incluso el excelente casting de la joven Tehura interpretada por Malik Zidi, tampoco logra ayudar al vuelo de un relato condescendiente y que en varios momentos esconde su rumbo. Sin embargo, esta pérdida de sentido es tal vez lo más logrado de la película, pues la decepción, la tristeza y el abatimiento son los principales sentimientos que despierta una historia que no logra conmover más allá de las interpretaciones y gustos personales que podamos tener. Es un ciclo, el ciclo del artista; al fin y al cabo, el ciclo de la vida.

Ficha técnica

Título original: Gauguin: Voyage de Tahiti
Año: 2017
Duración: 102 minutos
País: Francia
Productora: Studiocanal
Género: Drama | Biográfico. Pintura. Siglo XIX
Guion: Etienne Comar, Edouard Deluc, Sarah Kaminsky, Thomas Lilti
Música: Warren Ellis
Fotografía: Pierre Cottereau
Reparto: Vincent Cassel, Malik Zidi, Ian McCamy, Pernille Bergendorff
Dirección: Edouard Deluc

jueves, 15 de noviembre de 2018

La Vida Misma - Por Juan Pablo Donoso

Grata, inteligente y madura.

Experimenta la tesis de contar una historia sin narrador, para evitar que la tiña con su subjetividad; entonces, se trataría de mostrar la Vida, las Personas y los Hechos tal como vienen, sin manipularlos, es decir, que LA VIDA MISMA, al azar, nos cuente la historia.

Sin duda esto es imposible de lograr en su cabalidad, ya que siempre influirá el criterio de selección que debe hacer el autor. Y lo mismo con los personajes que se incluyen o extraen.

El desafío del realizador Dan Vogelman es igualmente valioso y hábil. Dentro del juego generacional muestra diversas variantes, y textos alternativos, para una misma situación. Baraja los tiempos, lugares y países; muestra cómo ellos influyen en las futuras decisiones de los personajes.

Es grata y sus actores fueron bien escogidos; encarnan a seres vulnerables, dignos de compasión, difíciles de juzgar y, por sobre todo, víctimas de lo imponderable que cada día nos depara. Frente a este destino nos explicitan, al final, el mensaje de que aunque seamos derribados de rodillas a lo más bajo, aún podemos descender un poco más… pero que nuestra dignidad se sustenta en la capacidad de volver a levantarnos.

Reparto de conocidos actores que parecen simpatizar con el experimento dramático de Vogelman. (Annette Bening, Mandy Patinkin y Antonio Banderas, entre otros). Destacamos el carisma de la joven catalana Laia Costa, como Isabel (aunque nunca envejece ni se demacra con la enfermedad). Y Sergio Peris-Mencheta como el rudo pero sabio campesino andaluz.

Más vale aceptar las sorpresas de la vida, evitar juzgar a las personas por sus reacciones ante el dolor, y abrirse sin miedo a la tolerancia y al perdón. Atender primero a los sentimientos y después a las razones.

DE APARIENCIA SENCILLA PERO PROFUNDA. TRISTE, SORPRESIVA Y GRACIOSA A LA VEZ…COMO ES LA VIDA MISMA.

Ficha técnica

Título Original: Life Itself 
Tragicomedia BFDistribution EE.UU. – 1, 57 hrs. 
Fotografía: Brett Pawlak 
Edición: Julie Monroe 
Música: Federico Jusid 
Diseño Prod.: Gerald Sullivan 
Actores: Olivia Cooke, Oscar Isaac, Samuel L. Jackson Annette Bening, Antonio Banderas
Guionista y Director: Dan Fogelman

Animales Fantásticos: los Crímenes de Grindelwald - Por Juan Pablo Donoso

Grandilocuente. Exuberante en efectos especiales mágicos, una galería de actores famosos, y estupendos diseños de producción.

Sin duda la disfrutarán los antiguos seguidores de la saga de Harry Potter, con sus personajes y aventuras posteriores, todas creadas por la prolífica escritora inglesa J.K. Rowling.

Esta es la secuela de ANIMALES FANTÁSTICOS Y DÓNDE ENCONTRARLOS (2016) dirigida por el mismo David Yates y protagonizada también por Eddie Redmayne (La Chica Danesa, La Teoría del Todo) como el bonachón zoomago Newt Scamander.

Mas, para los novatos en la epopeya, esta película resultará recargada de personajes cuyos antecedentes desconoce, y donde sus conflictos parecieran haber comenzado mucho tiempo antes.

Al ver esta 2ª parte - LOS CRIMENES DE GRINDELWALD - el espectador sentirá que llegó atrasado a una historia cuyos orígenes se dan por sabidos.

Y como a cada rato surge un nuevo personaje – masculino o femenino – conocidos entre sí, y de los lugares más insólitos emergen animales mitológicos chicos y grandes, además de traspasar paredes o convertirse en llamaradas, la relación entre ellos se va multiplicando hasta lo demencial.

Una trama sumamente complicada que se inicia en el Ministerio de la Magia en Nueva York de 1927, pasa a Londres, luego a París, teniendo como principal enemigo a un poderoso hechicero llamado Grindelwald (Johnnie Depp), cuyos comienzos infantiles se hermanan con el entrañable Prof. Albus Dumbledore (Jude Law), para seguir con la interminable cadena de relaciones en aventuras mágicas sin fin.

Una superproducción cuidada al extremo en todos los aspectos: paisajes de comienzos del siglo 20, escenografías, vestuarios, utilería, maquillajes, música incidental casi constante, y sonidos viscerales si se la ve en salas estereofónicas.

Por todas estas cualidades será impactante aunque el espectador entienda la mínima parte de lo que en verdad está ocurriendo en el argumento y con sus personajes.

UN BANQUETE PARA LOS SEGUIDORES DE J.K. ROWLING. PARA LOS DEMÁS SERÁ DIFÍCIL COMPRENDER LA TRAMA. DEBERÁN CONFORMARSE CON LA ESPECTACULAR PIROTECNIA.

Ficha técnica

Título Original: Fantastic Beasts: The Crimes of Grindelwald 
Aventuras, magia, fantasía WarnerBrosChile 
Inglaterra, EE.UU. – 2,14 hrs. 
Fotografía: Philippe Rousselot 
Edición: Mark Day 
Música: James Newton Howard 
Diseño Prod.: Stuart Craig Guion: J.K. Rowling 
Actores: Eddie Redmayne, Katherine Waterston, Dan Fogler 
Director: David Yates

9 Satra: La Leyenda de Muay Thai - Por Juan Pablo Donoso

Hermosa y gigantesca animación épica tailandesa, colmada de aventuras, combates, héroes, y monstruos mitológicos.

Fusiona con inteligencia la fantasía, las artes marciales del Muay Thai, y el encanto de los entornos de Tailandia.

Les tomó 4 años realizarla. Y con la participación de más 200 animadores lograron que cada secuencia lograra ser admirable y entretenida.

Especial para adolescentes y adultos jóvenes que cada vez demandan más un cine con tecnología de punta, acción y batallas épicas puestas al servicio de una historia a escala humana: la de un joven común y corriente que, según dicta la profecía, salvará a su reino y a los oprimidos habitantes de su pueblo.

Ott, es un humilde joven destinado a salvar el místico reino de Ramthep oprimido por los Yaksas, ogros que esclavizan y matan humanos por una enemistad perpetuada tras varias generaciones. Su misión es llevar al Príncipe de Ramthep el 9 Satra-Escudo de Dios – talismán hecho de estrella, que al combinarse con las artes marciales del Muay Thai dotan al guerrero escogido de poderes especiales. Le acompañarán en esta aventura Xiaolan, una ruda pirata que pilotea una carabela voladora; Vata, juguetón líder del derrocado Reino de los Monos, y Asura, un general, desertor que vive en exilio. Sin embargo, Dehayaksas, gigantesco e ígneo rey de los Yaksas, no permitirá que sus planes sean interrumpidos por un simple joven. Y de ahí deriva la catarata de peripecias, peligros y hazañas.

En el dibujo, los personajes buenos tienen color y textura similar a la madera, más tostados los hombres y más claras las mujeres. Los malvados y sus armamentos brillan en un acero azulado. Y los colaboradores intermedios, Mono Vata y el General Asura, tienen la piel de un rojo fucsia. En cambio Geeza, el viejo y perverso profeta, es andrógino, servil a los malos, horrible y de rostro descompuesto por la lepra.

El relato fluye vigoroso, con diversos ángulos de cámara, pocas pero elocuentes expresiones faciales, y una música incidental que acompaña en perfecta sintonía el dramatismo - o humor - de cada escena.

Los múltiples personajes están claramente diferenciados según su carácter, y los combates marciales del héroe Ott se ajustan con gran fidelidad a la milenaria técnica del Muay Thai (boxeo tailandés).

INTERESANTE Y NOVEDOSO LARGOMETRAJE TAILANDÉS, LLENO DE AVENTURAS, COMBATES, MONSTRUOS Y HÉROES. ETERNA LUCHA MITOLÓGICA DEL BIEN CONTRA EL MAL.

Ficha técnica

Animación, leyenda, aventuras 
Cinetopia Tailandia – 1,42 hrs. 
Música: Ryan Shore 
Productor Ejecutivo: Juthathip Niramonpisan 
Supervisor Técnico: Artaya Boonsoong 
Guionistas: Nat Yoswatananont,Bryan Edward Hill y Daraka Wongsiri 
Directores: Pongsa Kornsri, Gun Phansuwon, Nat Yoswatananont

miércoles, 14 de noviembre de 2018

Dry Martina - Por Carlos Correa

Buenos Aires. Martina -Antonella Costa-, cantante pop argentina famosa en los noventa pero que ya no tiene reconocimiento, termina una presentación y se dirige a su casa. Los 40 años se acercan en un momento donde la nostalgia y añoranza de juventud la encuentran con un fuerte desencanto por el amor. Una joven pareja de chilenos coincide en el país trasandino. Han ido al partido de fútbol de las selecciones, pero no solo con ese objetivo. Francisca -Geraldine Neary-, fanática de Martina, convencida que ellas dos son hermanas está dispuesta a probar su teoría. César -Pedro Campos-, su novio, se involucra con la protagonista en una aventura que revive su pasión perdida. Entonces Martina decide viajar a Chile para buscar a este joven que le da una luz de esperanza a su vida, sin embargo encuentra a cambio una serie de situaciones inesperadas que se van complicando con el correr de los minutos y que, si bien no cumplen con su objetivo inicial, logran sacarla de la inmovilidad en la que estaba sumergida.

José Manuel “Che” Sandoval, director chileno que reside hace años en Argentina, presenta esta nueva producción que ha participado este año en las competencias de Tribeca, Bafici y Sanfic, con Antonella Costa como protagonista -nominada a los premios Fénix por su actuación- junto a un elenco donde destaca la participación de Patricio Contreras que interpreta al padre de Francisca, en un papel curioso, lleno de gracia, donde su oficio se impone con solidez.

Los reparos a “Dry Martina” no van por el lado de la producción ni de la filmación, aspectos que Sandoval y su equipo manejan muy bien. Los puntos débiles, en mi opinión, están en el guion, en la misma historia y en la construcción de los personajes que no logran consolidar un relato que tenga convicción narrativa y deje de ser una suma de situaciones vinculadas con el sexo. Las idea fuerza -añoranza, pérdida de deseo sexual, juventud que revitaliza, búsqueda de identidad y motivación vital, entre otras- se desvanecen al enredarse en un permanente deambular sin rumbo. Caminamos con sus protagonistas, viajamos, vamos y volvemos, observamos sus encuentros y desencuentros, sin embargo todo nos lleva a un punto ciego donde esa luz que Martina ve en el comienzo del metraje se apaga inexorablemente junto con el relato.

“Dry Martin” se enmarca dentro del proceso creativo de su realizador quien continúa su propia búsqueda conceptual. El oficio y el talento están, por lo que es posible que “Che” Sandoval nos tenga preparada más de una sorpresa en sus próximos trabajos.

Ficha técnica

Título original: Dry Martina
Año: 2018
Duración: 99 minutos
País: Chile
Productora: Productora Forastero / Rizoma Films / Escuela de Cine de Chile / Cine Sur
Género: Comedia. Drama
Guion: Che Sandoval
Música: Gabriel Chwojnik, Slowkiss
Fotografía: Benjamín Echazarreta
Reparto: Antonella Costa, Patricio Contreras, Dindi Jane, Pedro Campos, Héctor Morales
Dirección: "Che" Sandoval

viernes, 9 de noviembre de 2018

Somos Campeones - Por Carlos Correa

Marco Montes -Javier Gutiérrez- no lo pasa bien. Es despedido de su puesto de entrenador asistente de un equipo profesional de básquetbol por pelearse en plena cancha con su amigo, el entrenador principal del club. Arrogante y malas pulgas, Marco completa su “mala fortuna” al ser fiscalizado por la policía luego de chocar una patrulla, conduciendo en estado de ebriedad. ¿Castigo? Por supuesto. Dos años de prisión o noventa días de trabajo comunitario, sentencia una ruda e implacable jueza. Obviamente, Marco elige lo segundo pero ni siquiera sospecha de qué se trata: deberá entrenar un equipo de personas con discapacidad intelectual.

En esta cinta del realizador Javier Fesser, quien también colabora con el guion junto a David Marqués, la historia de referencia no es lo principal. El relato es una fábula que tiene un trasfondo profundo y que contiene lecciones de vida que, si bien no son novedosas, están muy bien retratadas y con ello adquieren una nueva frescura.

Marco comienza a descubrir algo que jamás había visualizado. Esto de la discapacidad intelectual o capacidades diferentes para él no es más que una anormalidad manifiesta, un tema alejado, extraño, tal vez hasta curioso y por supuesto absolutamente secundario. Y claro, en un mundo en que lo distinto nos provoca temor, derribar prejuicios y cambiar nuestra manera de pensar no es fácil. Se necesita, no pocas veces, una experiencia vital que nos obligue a hacerlo y esta es justamente la historia del protagonista.

Con actuaciones reales y honestas -los actores no profesionales fueron escogidos especialmente para la película- el director logra transmitir amabilidad y ternura y dar relevancia al tema de la inclusión. Con varios diálogos que nos dejan pensando, las historias individuales de los integrantes del equipo “Los Amigos” son un universo en sí mismas. Los prejuicios también los vemos reflejados en traumas pasados que provocan miedo incontrolable en el presente. Vemos el abuso laboral al que es sometido Benito, la fobia al agua y su enternecedor amor a los animales de Juanma, y la profunda desconfianza que muestra Román, el referente del equipo, producto de mentiras y abandonos sufridos en el pasado. Julio -Juan Margallo-, el encargado del centro donde se desarrolla la mayor parte del metraje, es un personaje encomiable, con una voluntad, cariño, vocación de servicio y dedicación que conmueve profundamente. También está presente Sonia -Athenea Mata-, la mujer de Marco, con sus sueños de tener hijos, su trabajo y una separación que ella no ha buscado.

Si bien la lectura se aborda desde la visión de Marco, me gustaría poner el foco al otro lado. La incidencia en la vida de cada uno de los integrantes del equipo está descrita por la cinta en tono mayor. La oportunidad que tienen de tener a Marco junto a ellos es única. Tal vez no lo entiendan y ni siquiera lo dimensionen, sin embargo su felicidad es real y absoluta. No se ve en ellos nada de amargura o de frustración en el proceso. Disfrutan cada minuto y cada instante. ¡Qué importante es estar ahí cuando se necesita! Acompañar, apoyar, corregir, guiar y liderar sin tirar la toalla o abandonar al primer desencuentro y así salir del espacio confortable para ingresar a un mundo diverso, distinto y especialmente cariñoso. Es lo que refleja esta obra de Javier Fesser que España ha elegido para que sea su representante para el Óscar a la película de habla no inglesa. Reconocer a quienes tienen capacidades diferentes como personas, respetando su identidad y dignidad como lo más sagrado que existe, con integridad, coraje y valor, sabiendo que hay mucho que aprender de ellos. Allí están, generosamente dispuestos, y sin esperar nada a cambio, solo nuestra acogida y comprensión.

Ficha técnica

Título original: Campeones
Año: 2018
Duración: 124 minutos
País: España
Productora: Morena Films / Movistar+ / Películas Pendleton
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Discapacidad. Baloncesto. Deporte
Guion: David Marqués, Javier Fesser
Música: Rafael Arnau
Fotografía: Chechu Graf
Reparto: Javier Gutiérrez, Juan Margallo, Luisa Gavasa, Jesús Vidal, Daniel Freire, Athenea Mata, Roberto Chinchilla, Alberto Nieto Ferrández, Gloria Ramos, Itziar Castro
Dirección: Javier Fesser

jueves, 8 de noviembre de 2018

Somos Campeones - Por Juan Pablo Donoso

Amena, graciosa y conmovedora.

Por un lado está la casi siempre exitosa temática de las competencias deportivas. Esta vez será el basquetbol.

Y por otro, el delicado asunto de sumergirse en el mundo de los jóvenes con Síndrome de Down y otras deficiencias mentales.

La feliz combinación de estos elementos dio como resultado esta encantadora película.

Un entrenador profesional, Marco ( Javier Gutiérrez), por hallarse en una crisis matrimonial, se ha tornado agresivo y bebedor. Lo expulsan del equipo en que trabaja y comete una grave falta en el tránsito. Junto con privarlo de su licencia de conducir, la Jueza le da como pena alternativa enseñarles a jugar basquetbol a un grupo de jóvenes con disfuncionalidad mental. El Centro Especial Deportivo lo rige un sabio anciano llamado Julio (Juan Peragallo) quien, con mucha paciencia, tranquiliza a Marco y lo induce a iniciar los entrenamientos.

Al comienzo parecía una tarea imposible y exasperante. Pero poco a poco los mismos jóvenes lo irán conquistando hasta llevarlos a un campeonato nacional de discapacitados.

La personalidad y dolencia de cada muchacho está claramente diferenciada, y los hace queribles: Manuel, Paquito, Jesús, Sergio, Fabián, Juanma, Benito, Marín y la única jugadora del equipo de apellido Collantes que resulta ser, además de diestra, capaz de agregar autoridad femenina en el grupo.

El humor y la ternura se combinan con equilibrio y respeto. La cinta da permiso para reír con las salidas inocentes de los jóvenes sin por ello sentirnos culpables de faltar a la caridad: ellos también se toman a sí mismos con humor.

El desafío artístico fue dirigir a estas personas en una ficción con argumento y textos definidos. Ni siquiera actores profesionales habría dado ese tipo de verdad y emoción.

Ágil y difícil edición, donde también demostró su talento el director Fesser, junto a Roberto Bolado.

El conflicto amoroso del protagónico resulta algo simplista y, tal vez, para complacer a la audiencia menos exigente.

Ya habíamos comentado estas temáticas en películas discriminatorias como LA BATALLA DE LOS SEXOS (2017), en lo deportivo, y LOS NIÑOS (2016) de nuestra compatriota Maite Alberti relativa a los jóvenes con Síndrome de Down. Y en ambos casos el resultado fue enriquecedor para el público

Una de las momentos dramáticos más deslumbrantes fue demostrar la maravillosa capacidad de esas criaturas para alegrarse – sin egoísmo alguno – con el triunfo ajeno. Testimonio de bondad pura, espontánea y natural.

Aconsejamos, de todo corazón, verla a quienes deseen emocionarse y salir optimistas del cine.

BELLA PELÍCULA ESPAÑOLA QUE NOS SENSIBILIZA Y RECONCILIA CON ESOS ÁNGELES QUE SON NUESTROS HERMANOS DISCAPACITADOS. UN BAÑO DE AMOR Y ALEGRÍA.

Ficha técnica

Tragicomedia, deportes 
Andes Films España, México – 2,04 hrs. 
Fotografía: Chechu Graf
Edición: Roberto Bolado, Javier Fesser 
Música: Rafael Arnau 
Diseño Prod.: Javier Fernández 
Guion: David Marqués, Javier Fesser Actores: Javier Gutiérrez, Athenea Mata, Juan Margallo Director: Javier Fesser

Operación Overlord - Por Juan Pablo Donoso

Una súper “melange” de todos los clichés taquilleros del cine comercial.

Es bélica, 2ª Guerra Mundial, abundan los zombies, los buenos son yanquis aunque a ratos tan despiadados como los enemigos nazis, muchos efectos especiales, una atractiva heroína francesa de la Resistencia, un niño juguetón, espectaculares sonidos ambientales, y suspenso permanente.

Una caricatura del género, a la manera de las antiguas películas de matinée, pero más cruel y con todos los adelantos técnicos del cine contemporáneo.

Lo mejor es la secuencia inicial en el avión que lleva a una pequeña patrulla de soldados a un pueblito de Francia. Deben destruir la torre de la iglesia en poder los nazis. Sólo si la derriban, los alemanes ignorarán el desembarco sorpresivo de las tropas aliadas en Normandía.

En la patrulla van todos los prototipos heroicos: el duro sargento, el soldado judío, el gringuito desatinado mascando chicle, el fotógrafo de guerra y el jovencito bueno: ahora es un negro descendiente de haitianos, que habla francés y vence los más insólitos escollos para sobrevivir. Además, es el único con sensibilidad ante la defensa de los “derechos humanos”… aunque estén masacrando a sus camaradas (¡!).

La médula de la trama ocurre en el subterráneo de la iglesia. Allí un médico alemán experimenta con los cadáveres de los habitantes de la aldea. Les inyecta un líquido experimental y resucitan… pero transformados en horribles monstruos asesinos, a prueba de balas y golpes letales.

Los aficionados al gore, a las antiguas películas de guerra y a los zombies, gozarán aún más viéndola en IMAX y con sonido envolvente.

ACCIÓN, VIOLENCIA Y TERROR CONSTANTES PARA QUIENES NECESITEN DESCARGAR ADRENALINA ACUMULADA.

Ficha técnica

Título Original: Overlord Accion, terror, ciencia ficción 
Andes Films EE.UU. – 1,49 hrs. 
Fotografía: Laurie Rose, Fabian Wagner 
Edición: Matt Evans 
Música: Jed Kurzel 
Diseño Prod.: Jon Henson 
Guion: Billy Ray, Mark L. Smith 
Actores: Wyatt Russell, Pilou Asbæk, John Magaro 
Director: Julius Avery

Trauma - Por Juan Pablo Donoso

Si se trata de competir entre quién hace la película más brutal, sádica, aberrante y perversa, sin duda TRAUMA va a entre las campeonas.

Hay violaciones, incestos, mutilaciones, degollamientos, pedofilia, infanticidios, etc.

Para hallar una motivación relativamente lógica a las atrocidades del gore, aquí justifican al monstruoso asesino como víctima de las torturas del gobierno militar en Chile. Cuando adolescente lo forzaron a violar a su madre.

Cuatro muchachas lesbianas deciden pasar un orgiástico fin de semana en la solitaria casa de campo de una de ellas. En la noche serán asaltadas por un asesino desquiciado que junto a su hijo, también trastornado, las violan, golpean y mantienen retenidas. Cuando ellas intentan escapar la fuga se convertirá en una persecución bestial en que serán masacradas una por una de las maneras más sangrientas posibles.

Es innegable el oficio cinematográfico de los realizadores: fotografía, iluminación, sonido, edición y música incidental. Todo, incluido el diseño de producción y maquillajes, revela prolijidad y eficacia. Más, como argumento, sólo hay facilismo efectista.

Dos de las actrices principales, disfrazadas de Halloween durante la Avant-premiere, nos advirtieron de la crudeza del filme que veríamos. Pero nos consolaron diciendo que ellas se habían divertido mucho durante la filmación. Era el primer consejo para evitar “traumatizarse” con la bestialidad del relato y, segundo consuelo, que viéramos la película completa porque al final habría una luz de redención y esperanza. (¡Gracias!).

Vista con objetividad nos parece un cuidadoso ejercicio de gore a la chilena. Los realizadores demuestran que dominan este género, y que van más allá del gore tradicional.

La industria cinematográfica chilena cada vez consigue mejores capitales para filmar con alto nivel técnico. Pero, a la vez, insiste en temas morbosos, deprimentes y nihilistas como si fueran la única “visión de mundo” que pueden expresar nuestros jóvenes creadores.

La reiteración de estos retratos en el extranjero, cada vez más premiados y aplaudidos, difunden una triste imagen y sensación de lo que es nuestro país actual y sus habitantes: TRASTORNOS DEL SUEÑO, JESÚS, MUJER FANTÁSTICA, EL CLUB, etc. Afortunadamente surgen también otras voces muy logradas luciendo valores humanos más estimulantes (Ej. Y DE PRONTO EL AMANECER).

TRIUNFALMENTE ENAJENADA, PERVERSA Y DESAGRADABLE. QUIEN SE LA TOME EN SERIO QUEDARÁ TAMBIÉN “TRAUMATIZADO”.

Ficha técnica

Crimen, tortura, sadismo, perversión 
Cineteca Nacional La Moneda Chile – 1,46 hrs. 
Fotografía: Sebastián Ballek 
Edición: Cristián Toledo y Lucio A. Rojas 
Música: Ignacio Redard 
Diseño Prod.: Pamela Rojas Actores: Catalina Martin, Macarena Carrere, Ximena del Solar 
Guionista y Director: Lucio A. Rojas

La Puerta Abierta - Por Juan Pablo Donoso

Concebida en “estado de gracia” por su guionista y directora – Marina Seresesky – junto a sus actores y todo el equipo de producción.

Cinco premios internacionales.

Sólo desde LAS NOCHES DE CABIRIA de Fellini (1957), un tema prostibulario, tan abyecto y deprimente, fue capaz de generar tanta emoción y pureza espiritual.

El talento de Marina Seresesky (1969), argentina radicada en España, barajó talento, intuición, coraje y sensibilidad. Un filme deslenguado, procaz y sórdido, hace reír, llorar, entretiene y reconforta con su dulzura narrativa.

Por ningún motivo confundirla con una “comedia negra”. Aquí los resortes narrativos son distintos.

En una “corrala madrileña” – especie de cité donde sus inquilinos arriendan míseros departamentos – habitan prostitutas callejeras y travestis. Una ramera rusa fallece por sobredosis dejando huérfana a una niñita de 7 años llamada Liuba. La pequeña, por influencia materna, teme a la policía; se esconde en la casa de Rosa (Carmen Machi), una meretriz vecina y madura que vive con a su madre anciana (Terele Pavez), algo senil, quien también ejerció el oficio público hasta quedar paralítica.

De muy malas ganas aceptan esconder a la niña por 3 días antes de entregarla a las autoridades para ponerla en un orfanato. La pequeña Liuba, poco a poco, irá resblandeciendo el corazón de Rosa, de la abuela y de un travesti vecino, llamado Lupita (Axier Exteandia), quien demuestra, desde el comienzo, más instinto maternal que ambas mujeres.

La convivencia de estas miserables criaturas, y sus cuitas con las demás habitantes del edificio, se irá complicando por la permanencia de la niña oculta y las pesquisas de la policía.

Todos los personajes – principales y secundarios - están muy bien definidos, sin caer en clichés ni efectismos.

Los diálogos son una lección de escritura. Las protagonistas, todas actrices españolas consagradas, fueron nominadas al Premio Goya por este trabajo. Tanto la pequeña Lucía Balas, como Axier Etxeandía (Lupita) irradian dignidad y a la vez desamparo.

Recomendamos ver este filme donde sea asequible. Matiza la tragedia con la obscenidad cotidiana manteniendo la delicadeza del fondo. Lo feroz y lo delirante, sazonados con lo cómico, cohabitan sin desafinar.

Todo exuda verdad, dolor, y tragicomedia.

PRODIGIO ARTÍSTICO DE UN TEMA MORBOSO QUE LOGRA TERNURA, ESPERANZA Y MISERICORDIA.

Ficha técnica

Tragicomedia 
Cine-Arte Galería Patricia Ready España – 1,22 hrs. 
Fotografía: Roberto Fernández 
Edición:Raúl de Torres 
Música: Mariano Marín 
Diseño Prod.: Javier Crespo 
Actores: Carmen Machi, Terele Pavez, Asier Etxeandia 
Guionista y Directora: Marina Seresesky

miércoles, 7 de noviembre de 2018

Operación Overlord - Por Carlos Correa

La película transcurre en plena Segunda Guerra Mundial, la víspera del “Día D”. El éxito de la “Operación Overlord”, nombre en clave para la Batalla de Normandía, depende de una misión especial y arriesgada que consiste en derribar una torre de comunicaciones alemana construida sobre la Iglesia de un pequeño pueblo francés. Dispuestos a cumplir su objetivo, un grupo de soldados logra descender en paracaídas sobre un bosque cercano de difícil acceso custodiado fuertemente por tropas germanas. Quienes aun sobreviven -a esta altura, y con muy pocos minutos de rodaje, la masacre es bastante alta- llegan al poblado gracias a la guía de una joven francesa a quien encuentran en el camino recogiendo objetos de valor entre los restos de los soldados fallecidos.

Esta superproducción concebida por J.J Abrams y escrita por Billy Ray tiene excelente fotografía -Laurie Rose, Fabian Wagner- buena música -Jed Kurzel- y un elenco sintonizado de actores donde destaca la química de los dos principales protagonistas, el soldado Boyce -Jovan Adepo- y la joven Cloe -Mathilde Ollivier-. Se suman a ellos el Capitán Ford -Wyatt Russell-, un experto en explosivos, el despreciable oficial nazi, Dr. Wafner -Pilou Asbæk- y el hermano menor de Cloe, Paul -Gianny Taufer-, junto a lo que queda de la misión.

Si se desconoce de qué se trata la historia -lo recomiendo, no averigüen mucho-, la cinta va entregando luces que los hechos narrados son improbables los que luego se ratifican son imposibles. El filme comienza como una sólida cinta bélica, con todos sus elementos cruciales, combates, ataques aéreos y terrestres, bombas, destrucción, sangre a borbotones y muchísima acción. El problema radica en que al momento del giro -no es spoiler, pues más detalles muestra el trailer-, es decir, desde el cruce de géneros, cuando cambiamos el switch a cinta de terror -o tal vez mixta- no logra traslapar bien el relato, se escapa de las manos la escritura del guion y la combinación queda aun más incómoda y forzada.

Con una manufactura sólida -Paramount Pictures y Bad Robot se preocupan por los detalles, como por ejemplo en la secuencia aérea inicial que es de alto impacto- y un sonido potente de gran envergadura especialmente en una sala IMAX, “Overlord”, en mi opinión, se queda a medio camino al no desarrollar adecuadamente una idea original que se vislumbra interesante. Tantos elementos bien logrados en el primer tercio se desvanecen cuando empezamos a confundirnos con experimentos nazi, sueros que reviven a los soldados muertos, historias y personajes que tienen muchos recovecos que apenas se logran explicar y que, además de ser predecibles, no entregan mayor valor agregado al metraje. El terror explícito que provoca la guerra -cruda, violenta e inhumana- ya es bastante, por lo que hacer el cruce bélico-terror no solo es arriesgado sino que se transforma en una apuesta de muy difícil solución.

Ficha técnica

Título original: Overlord
Año: 2018
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Bad Robot / Paramount Pictures. Distribuida por Paramount Pictures
Género: Acción. Terror. Intriga. Ciencia ficción. Thriller. Bélico | II Guerra Mundial. Nazismo
Guion: Billy Ray, Mark L. Smith (Historia: Billy Ray)
Música: Jed Kurzel
Fotografía: Laurie Rose, Fabian Wagner
Reparto: Wyatt Russell, John Magaro, Bokeem Woodbine, Iain De Caestecker, Jacob Anderson, Jovan Adepo, Marc Rissmann, Dominic Applewhite, Michael Epp, Mathilde Ollivier, Pilou Asbæk, Hélène Cardona, Jorge Leon Martinez, Éva Magyar, Shawn Dixon, Ben Tavassoli, Andy Wareham
Dirección: Julius Avery