El tiempo que tenemos - Por Carlos Correa Acuña

Almut y Tobias. Florence Pugh y Andrew Garfield dan vida a estos dos jóvenes cuyo amor traspasa la pantalla. Y no se trata de cualquier amor. Es uno que se va construyendo con el paso del tiempo, que se va forjando ante la adversidad, y cuya fuerza radica en la resiliencia que emerge de los acontecimientos que enfrentan a lo largo de una década.

La cronología es muy clara pero no en un comienzo. El director John Crowley dirige un guion de Nick Payne que utiliza una línea de tiempo desordenada como recurso narrativo, con saltos temporales que, si no estamos atentos, podrían confundirnos y enredar ligeramente la secuencia de los hechos. Esta es, a mi juicio, una decisión acertada, pues si la historia fuera lineal, es posible que sin el efecto sorpresa la cinta hubiera perdido gran porcentaje de su encanto.

La trama, simplificando al máximo, presenta a dos jóvenes que se encuentran casualmente. Está bien, las casualidades no existen, pero en este caso parece que definitivamente sí, porque ambos son “acontecidos”, porque ambos son de esas personas a las que les sucede todo tipo de cosas y llaman permanentemente la puerta del destino. Creo que no vale la pena adelantar mucha más información, porque justamente la magia consiste en descubrirla a medida que los minutos avanzan. Dejarse llevar, enlazar hechos, suponer, equivocarse, y finalmente armar un puzzle, en apariencia complejo, que se revela hacia el final en todo su esplendor.

Los protagonistas de la historia hacen un muy buen trabajo. Existe buena química, pero hay algo más: son creíbles en sus interpretaciones. Garfield está siempre con un nudo en la garganta, en un trance intermedio entre su interior y su exterior. Por otra parte, Florence Pugh convence, no solo por sus cambios físicos, sino por una inesperada evolución en todos los sentidos.

Hay pistas claras si estamos alertas. Y, por cierto, hay otras más escondidas que se revelan a posteriori para completar así el relato. No me refiero a lo evidente, sino a aquello que se encuentra un par de niveles más profundos, radicado en la historia íntima de la pareja. El dolor, la esperanza y la resignación pugnan por ser los ejes principales, sin embargo se eleva con fuerza el valor de la familia, tanto el amor de pareja como el filial, para completar un círculo virtuoso que entrega vitalidad a un futuro incierto.

El título original, “We Live in Time”, es mejor que el que recibe en español. Al llamarla “El tiempo que tenemos”, sin querer, o bien queriendo, entrega demasiada información sobre lo que veremos en un poco menos de dos horas. Puede parecer exagerado lo que digo, sí, pero es indudable que uno va con ciertos prejuicios a ver una película que más o menos sabe por dónde va, y que desarrollará una temática tan profunda como es la enfermedad y la muerte.

Si bien no estamos ante una cinta inolvidable, puedo decir que esta película supera con creces la media del género romántico habitual. Y quiero destacar dos razones para esta afirmación: la primera, por supuesto, la pareja protagónica junto a la natural figura de la pequeña Grace Delaney; y segundo, el abordar una temática actual y acuciante respecto a una enfermedad como el cáncer, su tratamiento (o no tratamiento), y lo que significa la calidad de vida producto de las decisiones que se tomen. El guion no se inclina ni toma partido por ninguna opción. Expone un camino, sí, pero plantea muchas más interrogantes, que, bien abordadas, podrían ofrecer herramientas útiles para enfrentar este tipo de situaciones.

Ficha técnica

Título original: We Live in Time
Año: 2024
Duración: 107 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Francia; Film4 Productions, Studiocanal, SunnyMarch, Film Four, Shoebox Films, Canal+. Distribuidora: A24
Género: Romance. Drama | Drama romántico. Enfermedad
Guion: Nick Payne
Música: Bryce Dessner
Fotografía: Stuart Bentley
Reparto: Andrew Garfield, Florence Pugh, Grace Delaney, Lee Braithwaite, Aoife Hinds, Adam James
Dirección: John Crowley

El tiempo que tenemos - Por Pablo Croquevielle

Me gustan las películas románticas, o al menos aquellas que se sienten reales a la vista y al corazón. Y en “We live in time” (El tiempo que tenemos), trata la historia de una pareja a través del tiempo; esa es su temática central. Y claro, no es solo el tiempo que llegamos a palpar en nuestras manos, sino el que se fue, el que se convierte en recuerdos, los que aprovechamos a su debido momento o al final desperdiciamos.

Y obvio, el tiempo que también decidimos pasar junto a nuestros seres queridos -un tiempo que en ocasiones damos por sentado-. Esta no es una cinta que intente endulzar o romantizar estas cosas, al contrario, no se guarda nada, y es un drama romántico (que a veces tiene un poco de comedia), sencillo, que se siente clásico y al mismo tiempo moderno. Se siente intimo.

Ahora, no se puede negar que a ratos “We live in time” se esfuerza bastante para que el público llore, y eso puede ser bueno para algunos pero no del todo convincente para otros. Yo, en lo personal, no llegué a derramar ninguna lágrima, pero eso no quiere decir que no tenga corazón. Suspiré, me reí, me motivó, me llegó al alma, y sentí que era testigo de una hermosa historia de amor que -como dije al comienzo-, se siente realista. Pero no lloré.

Pero no por eso esta película es mala. Al contrario, creo que si bien no es LA película del año (venía esperándola hace meses), sí cumple bien…pero al mismo tiempo tantas expectativas me causaron una ligera y muy pequeña decepción.

Ahora, lo mejor de la cinta -y es algo totalmente incuestionable-, LA razón de existir que logra conectar con el espectador, refiere a las espectaculares actuaciones de Andrew Garfield y Florence Pugh. Ella es tal vez una de las mejores actrices de su generación, y él hace mucho tiempo que logró superar a Spider-Man (¿o no recuerdan Tik Tik Boom?). Ambos nos entregan una hermosa química que se siente real, fresca y creíble. Son personajes memorables.

Acá interpretan a Almut y Tobias respectivamente, una pareja británica que se nos presenta en tres momentos específicos de sus vidas: cuando se conocen, cuando intentan tener un bebé, y finalmente cuando a ella le diagnostican cáncer, con todo lo que eso conlleva.

La gran gracia, entonces, de “We live in time”, es que toda la historia ocurre entrelazada, con saltos en las tres líneas de tiempo que, si bien no son confusos y son fáciles de entender, creo que más de alguien puede quedar un tanto perdido. Pero al final, igual la película te lleva de la mano para saber qué es lo que está pasando.

El tema de los saltos temporales debe haber sido una decisión tanto del director John Crowley como del guionista Nick Payne, porque trabajaban en una película sobre -sorpresa- la forma del tiempo y cómo lo utilizamos. Todo al final se conecta con el tema del tiempo que, sea como sea, es algo que, mientras escribo esta critica, me doy cuenta que resulta ser inevitable, un puzzle que se resuelve a medida que se va escribiendo.

La fuerza que tiene “We live in time” está, probablemente, en sus personajes. Se sienten reales y no caricaturas. Este es un trabajo honesto y todos se sienten como si los conocieras de hace tiempo al acompañarlos en las buenas y en las malas. El espectador es el tercero en esta relación, alguien invisible que observa y se siente parte de. Y, si bien esta película es sobre gente común que se encuentra, este es un trabajo que funciona como una suerte de muestra de lo que puede hacer el poder del amor, y de cómo el conocer a alguien puede cambiar el rumbo de nuestras vidas, e incluso de la forma en que tomamos las decisiones o como percibimos nuestro día a día.

Ambos protagonistas son muy distintos pero al mismo tiempo muy iguales. Almut (Pugh) es una mujer competitiva, dueña y chef de un restaurante. Por lo mismo, no se dejaría vencer por un cáncer y prefiere aprovechar el tiempo que -asume- le queda para hacer lo que quiere hacer. Por otro lado, Tobias (Garfield) es una persona gentil, un tanto tímido, introvertido, que no le gusta su trabajo ni le apasionan muchas cosas excepto su mujer y su hija.

Lógicamente, ambos logran crear unos personajes que rozan la perfección, que son cotidianos, gente que puede existir en tu vida. Por un lado Pugh convierte a su Almut en una mujer de carácter fuerte pero que desborda amor por su familia y por los demás, y Garfield le inyecta a Tobias esa ansiedad social que lo hace adorable, pero a ratos insoportable por lo pasivo que es (aunque con mucha determinación a la hora de tomar decisiones).

Crowley es un viejo conocido de Andrew ya que juntos trabajaron en la dramática “Boy A” (2007) que fue una de las primeras películas del actor, así es que me imagino que años después, volver a reencontrarse en una cinta tan íntima sirve mucho para ver cuánto ha crecido Garfield como actor. Este director utiliza momentos de cámara en mano para convertir esta película en algo íntimo e inmediato. Es por eso que siempre sabremos en qué etapa del tiempo estamos, ya que podemos apreciar mucho más sus reacciones y expresiones, ya sea cuando se están recién conociendo, cuando están intentando concebir, o cuando ya tienen a su hija, llamada Ella (hay que decir que la escena de la travesía al hospital y todo lo que sucede, debe ser una de las mas graciosas pero al mismo tiempo íntimas y exasperantes).

“We live in time” funciona gracias a sus actuaciones, al estilo visual de Crowley y su director de fotografía, Stuart Bentley. Esta película nos entrega una experiencia convincente, apropiadamente sentimental, y suficientemente interesante a nivel temático. Es decir, hace todo lo que debe hacer, y debería satisfacer a aquellos que estén extrañando este tipo de películas en las salas de cine.

Ficha técnica

Título original: We live in time

Año: 2024

Duración: 107 min.

País: Reino Unido

Dirección: John Crowley

Guión: Nick Payne

Elenco: Andrew Garfield, Florence Pugh, Adam James, Marama Corlett, Aofe Hinds

Música: Bryce Dessner

Fotografía: Stuart Bentley

Compañías: Coproducción Reino Unido-Francia,  Film4 Productions

Distribuidora Internacional: A24

Género: Romance, Drama, Comedia

El Pingüino - Por Jackie O.

"Ten el poder y tendrás el mundo "

Basada en el personaje de DC Comics del mismo nombre. Es un spin-off de la película The Batman (2022), que explora el ascenso al poder del Pingüino en el inframundo criminal de Gotham City.

La serie comienza justo cuando termina la película "The Batman", con esa inundación, con todo ese caos de gente muerta, damnificada, y de cómo las diferencias sociales se muestran. Esto es, la gente de altos recursos económicos no sufre estragos, pero el resto sí.

De ahí, de las sombras, surge un personaje llamado Oswald Cobb, alias Oz, o El Pingüino, un sujeto sin escrúpulos, un capo del crimen, desfigurado, y ex lugarteniente del difunto jefe del crimen, Carmine Falcone, y que está en ascenso para convertirse en un jefe del crimen por derecho propio.

OZ busca la forma de sobrevivir, es astuto, sabe qué hacer, y por sobretodo, qué decir, y es ambicioso. Y un sujeto ambicioso es peligroso.
Cuida cada paso que da, y oculta su vida personal, esto es, a su madre. Así vamos conociendo su historia, con analepsias vemos su pasado y su oscuro secreto.
Conocemos a Víctor, un adolescente perdido en la vida. Su familia falleció, sin trabajo y oportunidades, con grupo de amigos delincuentes liderados por "Calamar", y que una noche quisieron robarle al tipo equivocado: Oz. Error, él atrapa a Víctor y lo obliga a trabajar con él. Vic es tímido y le teme, por lo que está obligado a estar a su servicio, pero solo en un comienzo, ya que mientras avanza la trama nace una conexión entre ellos.

Por otro lado, en el pasado de OZ, y como sabemos, fue trabajador de Carmine Falcone, pero tenía otra función en esos tiempos: ser chofer de su hija Sofia Falcone, conocida como La Ahorcado, una presunta asesina en serie psicópata que, después de ser liberada del Asilo Arkham, lucha contra Oz por el control del submundo criminal de Ciudad Gotham. Ambas vidas se cruzan; más analepsias de la vida de Sofía para conocer por qué es como es. Y por qué cambia su apellido al de su madre, Sofía Gigante.
En ambos nace una guerra de la cual no hay tregua, no hay acuerdo. Entonces, ¿quién gana?

La historia va directo al grano, se trata de poder, de sacar lo peor del ser humano para ser temido más que respetado. De traición, no importa a quien, de sacar del paso a quien molesta a sus propósitos. No hay cabida para los corazones nobles.
Las actuaciones todas buenas, pero el tartamudeo de Vic lo encontré innecesario, pero es por encontrarle algo malo.
Detrás del Pingüino es impensado creer que está Colin, quien hace un trabajo de voz y de gesticulación muy buenos. Merecidas todas las nominaciones futuras para él. Excelente maquillaje, además.
Dura tarea le dieron a Cristin para personificar a Sofía, una mujer desquiciada, perdida en sus tormentos.
La puesta en escena nos lleva a las oscuras alcantarillas y desoladas calles de Gotham. Buena.
Buen guión, que nos lleva a un personaje de la historia DC, pero espero una segunda temporada para saber más sobre OZ, pues quedaron cosas para lograr entender su presente en base a su pasado.

Una serie oscura y violenta, con escenas de muertes y drogas, donde la traición prima, la deslealtad, la corrupción, la falta de empatía, el poder mal enfocado que destruye, y un Estado inconsciente contra el más desvalido. Pero también, en esa oscuridad, hay pequeños destellos de gente que busca el bien.

Disponible en HBO Max.

Ficha técnica

Género: Criminal y Drama
Creado por Lauren LeFranc
Basado en El Pingüino de Bob Kane y Bill Finger
Protagonistas: Colin Farrell, Cristin Milioti, Rhenzy Feliz, Clancy Brown, Deirdre O'Connell, Michael Zegen, Michael Kelly
Compositor: Michael Giacchino
EEUU. 2024.
8 capítulos

Seraphine - Por Juan Pablo Donoso

Relato directo, gentil, ingenuo, tal como fue nuestro personaje principal.

Biografía de Seraphine Louis, del pueblito francés de Senlis (1864-1942). Una humilde aseadora de domicilios adinerados. Criada en un orfelinato de monjas, semi analfabeta, absolutamente autodidacta como pintora. Y sin embargo, sus cuadros cuelgan hoy en los principales museos y pinacotecas del mundo.

El director Provost entrega breves secuencias cronológicas, muy simples, las deja reposar, y luego cambia a la siguiente.

Evocación atmosférica, por iluminación, ritmo pausado y por los detalles de utilería.

Devota católica, elemental, sentía que su ángel de la guarda le ordenaba pintar - sin descanso - flores y plantas siguiendo sólo los impulsos de su intuición.

Como era muy pobre, para hacerlo utilizaba los dedos, vino ordinario, zumo de malezas del campo, y hasta la esperma que chorreaban las velas de la parroquia.

Estando de visita en una mansión aristocrática, el famoso coleccionista de arte - Wilhelm Uhde - halló por casualidad un dibujo botado en el suelo. Los trazos y colores llamaron su atención. Preguntó de quién era. Le dijeron que, por descuido, se la había caído a la sirvienta.

Uhde insistió en conocerla y visitar su miserable dormitorio de pensión. Al ver las pinturas allí acumuladas comprendió que estaba frente a un prodigio en bruto. Había descubierto a una de las más originales exponentes del arte “naive” del siglo 19.

De ahí en adelante siguió estimulándola para que continuara con su creación. Como el estilo era aún despreciado en París, el visionario curador la siguió financiando de manera particular.

Cuando estaban prontos a inaugurar una exposición parisina, sobrevino la 1ª Guerra Mundial. Los alemanes debieron huir de Francia, Seraphine volvió a su pobre covacha, cesante como aseadora e, incluso, mendigando alimentos.

Aunque después de la guerra recuperó el patrocinio económico de Uhde, la mujercita ya manifestaba síntomas de esquizofrenia. Inició una conducta errática que la llevó a pasar sus últimos años en un manicomio, tranquila - ausente - sentada bajo un árbol inmenso.

El gran valor de esta película, aparte de su delicado tratamiento, es revelarnos la existencia de una creadora inmortal.

Admirable interpretación de Yolande Moreau, como Seraphine, proyectando el misterio de un ser humano, con inteligencia casi primitiva, pero inconmensurable como criatura capaz de expresar las maravillas más recónditas de la naturaleza, guiada sólo por el instinto y la inspiración espiritual.

Filme ganador de siete premios César, versión gala de los Óscares, e incluyendo como mejor actriz a la protagonista.

Era capaz de ver las flores del Edén. Lo “naive” (ingenuo) es un humilde reflejo de la luz que ilumina las sombras del alma.

Eterno misterio del proceso creativo. Seraphine misma era una obra de arte.

Para los que creen que la vida es más que astucias, mentiras e hipocresía.

Visible en YouTube.

¿DÓNDE TERMINA EL GENIO Y COMIENZA LA LOCURA? SENSIBLE TESTIMONIO DE UN ALMA PURA Y GENIAL, PERO INSONDABLE EN SUS MOTIVACIONES.

Ficha técnica   

2008 Biografía, drama Francia, Bélgica - 2,05 hrs. 

Fotografía: Laurent Brunet 

Edición: Ludo Troch 

Música: Michael Galasso 

Diseño de Prod.: Thierry François 

Guion: Marc Abdelnour, Martin Provost 

Actores: Yolande Moreau, Ulrich Tukur, Anne Bennent 

Director: Marcel Provost

Moana 2 - Por Carlos Correa Acuña

Han pasado tres años desde los eventos de la primera película y Moana parece estar más feliz que nunca al lado de su familia y de su gente, aunque persiste en ella una inquietud que no la deja tranquila. Moana quiere ir más allá y explorar. Intuye que hay un mundo desconocido que la espera y que es vital para el desafío de liderar a su comunidad.

Cuando se hacen presentes los antepasados, su llamado es clave. ¿La misión? Romper el maleficio del dios Nalo y conectar a la gente del océano a través de la isla oculta de Motufetu. El camino no es sencillo. Debe armarse de valor, formar su propio equipo y embarcarse hacia los lejanos mares de Oceanía. Pero no está sola. En esta aventura la acompañan sus inseparables amigos y, por supuesto, el semidios Maui, con quienes deberá enfrentar a viejos y nuevos enemigos, incluidos los Kakamoras y la diosa del inframundo Matangi.

Visualmente, esta segunda película de Disney resulta tan deslumbrante como la primera. Desde un comienzo existe preocupación máxima por infinitos detalles. Como muestra un botón: la composición del pelo de Moana y la forma ondulante cómo este se mueve. La música es arrebatadora. Colabora enormemente para marcar los caracteres de personajes que transitan por animaciones veloces que, en general, casi no dan tregua. ¡Qué decir del colorido! Exuberante, con una paleta vibrante que queda impresa en la retina, con verdes y azules intensos combinados con colores pasteles que brillan también dentro de un conjunto estético perfectamente organizado.

La trama aborda temáticas profundas de manera sencilla y lúdica. Destaca la presencia de los ancestros, estos valorados antepasados que sirven de guía y de compañía, y respetados debido a su conexión con la historia. Asimismo, el sentido de comunidad está presente siempre, al igual que el valor de la familia como vínculo fundamental, bellamente retratado en su relación con Simea, su pequeña hermanita. La diversidad es otro mensaje importante de la cinta, reflejado en las cualidades únicas de cada personaje, como también por lo que representan algunos otros secundarios que por momentos se roban la película.

En “Moana 2” la entretención está garantizada. Esta esperada segunda parte, llena de aventuras continuas y mucho humor, resulta graciosa, amable y tremendamente positiva. La forma de presentar la naturaleza y sus diversas criaturas es muy atractiva, y la relación que se da entre todos, a todo nivel, abre una ventana de esperanza para el mundo actual. Es cierto que es una película destinada a un público infantil; sin embargo es mucho más transversal de lo que parece. Los que somos niños de corazón también podemos disfrutar de esta fábula animada, pues abriga mensajes que pueden quedar resonando fuertemente, y que son ideales para conversar con los más pequeños después de verla.

“¿Quién dijo que todo está perdido?”, preguntaba Fito Páez en su canción. Moana nos enseña con su carácter, decisión y entrega, que hay mucho por hacer y que efectivamente no está todo perdido cuando se persigue honestamente el bien común. “Yo vengo a ofrecer mi corazón”, responde Fito, y Moana lo hace realidad con una generosidad a toda prueba, y literalmente, contra viento y marea.

Ficha técnica

Título original: Moana 2
Año: 2024
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Walt Disney Animation Studios. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Animación. Aventuras. Fantástico | Secuela
Guion: Jared Bush, Dana Ledoux Miller. Historia: Jared Bush, Dana Ledoux Miller, Rebekah F. Smith
Música: Opetaia Foa'i, Mark Mancina, Abigail Barlow, Emily Bear
Fotografía: Animación
Reparto: Auliʻi Cravalho, Dwayne Johnson, Temuera Morrison, Nicole Scherzinger, Rachel House y Alan Tudyk
Dirección: David G. Derrick Jr., Jason Hand, Dana Ledoux Miller

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 29 de Noviembre 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Alejandro Caro en el Programa Semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.

La Máscara - Por José Luis Nicolás

Al joven ejecutivo bancario Stanley Ibkiss le cambia la vida el día en que encuentra una poderosa máscara ancestral. Al entrar en contacto con este objeto, dejará de ser el sujeto desabrido que no destaca en nada, y con mala suerte en el amor.

Así se explica La Máscara, una película de 1994 dirigida por Chuck Russell. Los ejecutivos de New Line Cinema -distribuidora del largometraje- compraron los derechos de un cómic del mismo nombre que salió al mercado 12 años antes, en 1982. Eso sí La Máscara del papel era distinta a la que llegó al celuloide: la historieta, creada por Mike Richardson para la editorial Dark Horse, tenía como protagonista a un criminal.

Para el personaje de Stanley Ibkiss audicionaron Nicolas Cage, Robin Williams y Matthew Broderick pero ninguno daba la talla con lo que quería el director. Y si ninguna estrella fulgurante cumplía con las expectativas, tal vez Chuck Russell debía apostar por lo desconocido. Y lo desconocido lo representaba un joven comediante canadiense que peregrinaba por los bares de Hollywood: Jim Carrey.

Otro de los grandes enigmas que tenía que resolver la producción era escoger a la actriz que interpretaría a Tina, la enamorada de Stanley Ibkiss. Anna Nicoles Smith era la favorita hasta que hizo el casting. Entonces nuevamente se jugaron por lo nuevo y reclutaron a una joven modelo sin experiencia escénica: Cameron Díaz.

Carrey y Díaz se convirtieron en grandes estrellas; y esta comedia plagada de pirotecnia visual, en un ícono de su tiempo. Pero la película de Chuck Russell es mucho más que un gran espectáculo, fiel reflejo de la sofisticada década de 1990.

La Máscara sobrevive en la cultura popular gracias a la inesperada profundidad que posee. Bien podría haber sido un chiste tonto de una hora y media (como si lo fueron Ace ventura y Una pareja de idiotas, las otras dos películas que protagonizó Jim Carrey en 1994), pero resultó siendo una cinta centrada en un hombre sin amor propio que buscó en una identidad ajena la esquiva felicidad. ¿A quién no le ha pasado?

Disponible en Max.

Ficha técnica

Título original: The Mask
Año: 1994
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Chuck Russell
Guión: Michael Fallon, Mark Verheiden, Mike Werb
Reparto: Jim carrey, Cameron Díaz
Música: Randy Edelman
Fotografía: John R. Leonetti
Compañías: New Line Cinema

Disco, Ibiza, Loco Mía - Por Jackie O.

“Ascenso meteórico, caída trepidante”

Cinta que nos cuenta los inicios del grupo revolucionario que fue Loco Mía a finales de los 80, y sus problemáticas en los 90.

Comienza un mensaje advirtiéndonos que está basada en hechos reales, y que de ficcionada tiene bastante.

Estamos en una reunión, una mediadora debe tomar una decisión, para lo cual escuchará a ambas partes: Uno de ellos es el grupo Loco Mía, encabezado por Xavi Font, junto a parte del grupo, y en especial con Lurdes, la quinta componente del grupo. Por otro lado, está el poderoso productor musical José Luis Gil, quien los demanda por incumplimiento de contrato. A partir de ahí, todas las partes rememoran los inicios de Loco Mía, un grupo de alocados ibicencos, que llegaron a ser más de 10 integrantes, que comenzaron bailando en las discotecas de Ibiza, mostrando sus arriesgados y exagerados diseños e inolvidables abanicos. Fue en una de esas fiestas en que el productor los descubrió y, pese a que no tenían ni idea de cantar, montó un grupo en torno a cuatro, que después fue variando en función de quién entraba y salía de acuerdo con su potencial.

Jose Luis era reconocido en el área, catapultó la carrera de muchos artistas, eso hizo que estos chicos se cruzaran con estrellas como Julio Iglesias, Tina Turner e, incluso, Freddie Mercury (que tiene especial relevancia para ellos por dos acontecimientos que figuran en la cinta)

Xavier y Lurdes, amigos entrañables que solo querían triunfar con sus extravagantes diseños de vestuario y calzado, junto a la pareja de él, Manolo, y a su hermano Luis Font, más otros amigos que iban llegando, armaron un pequeño taller de vestuario, consiguiendo trabajo de bailarines, ideal para mostrarse. Convivían todos juntos, noches y días, no solo de trabajo, también mucha fiesta, droga y sexo, al punto de transformarlo en orgías. Disfrutaban el aquí y ahora, a pesar de padecer en momentos carencias económicas.

En cuanto a la puesta en escena de esta película, está bien lograda, el uso de cámara con tonalidad ochentera nos remota a la época, trajes, peinados y vestuario muy acordes, en especial la exageración de la que eran presa nuestros protagonistas.

Las actuaciones, algo mediocres en la mayoría, no cuentan con la pasión con la que representaban sus bailes, tildándolos inclusos algunos de ser torpes. Salvo un irreconocible Alberto Amman, quien otorga poder a Jose Luis Gil, y Blanca Suarez como la quinta Loco Mía, entregan la pasión, que es la esencia del grupo.

El guion es débil, más bien caricaturesco, pudiendo haberse enfocado en una buena comedia dramática, deja a medias los géneros, incluso queriendo poner, en algún momento, coreografías sin estar en escenario, donde la falta de coordinación se nota. Lo que es terrible ver, son las escenas donde ellos actúan como grupo, una falta de pasión en el baile, y canto, que es vergonzosa. Ahí faltó mayor preparación a los actores.

La disputa de egos y la frustración, en momentos se siente, pero la fanaticada no estará conforme con esta cinta, que solo sirve para recordar que existió un grupo fenomenal, éxito del momento, y que sigue buscando un espacio en su historia con nuevos personajes y nuevo estilo, pero que lamentablemente es un rotundo “ya fue”.

Película ligera en el sentido de mostrarla más como comedia y que su director al parecer no quiso tomar nada muy en serio, muestra sin tapujo los problemas de egos, traiciones, excesos, soledad y amistad, pero que contiene escenas de desnudos y drogas, que no la hacen apta para todo público.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirección: Kike Maíllo
Guion: Marta Libertad y Kike Maíllo
España. 2024. 104 minutos.
Reparto:
Jaime Lorente: Xavi Font
Alberto Ammann: José Luis Gil
Alejandro Speitzer: Carlos Armas
Iván Pellicer: Manolo Arjona
Pol Granch: Jaume (Frances)
Blanca Suárez: Lourdes Iribar
Javier Morgade: Luis Font
Albert Baró como Juan Antonio Fuentes

Los Hiperbóreos - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: La actriz y psicóloga Antonia Giesen decide filmar un guión revelado por una voz dentro de la mente de uno de sus pacientes. Buscando la colaboración del dúo de cineastas León & Cociña, elaboran un cruce de teatro, ciencia ficción, animación y biopic fabulado, poblado de mundos paralelos y perseguido por la sombra de un escritor nazi chileno, Miguel Serrano, como figura demoníaca.

Esta película lleva el sello de los directores Joaquín Cociña y Cristóbal León. Y tal vez eso es bastante más que un sello, porque estamos ante un estilo particular que mezcla varios géneros y se propone innovar en cada uno de ellos. Si vamos por parte, el argumento es bastante claro, hasta clásico podríamos decir, cuando reconstruye los pasos del mencionado escritor chileno. Pero esa es solo una línea, porque varias más se entrelazan a partir de la historia central presentada por la actriz principal en su faceta de psicóloga profesional, cuyas vertientes se funden con el protagonismo de los mismos directores.

En este trabajo prima la forma por sobre el fondo, al menos en mi percepción, y esta opción distrae y tiende a desenfocar, nublando el verdadero hilo conductor del relato. No resulta fácil comprender las secuencias, sobre todo porque constantemente se está moviendo el eje central. Pasamos de una arista a otra sin cerrar completamente, mientras se abren nuevas puertas hacia satélites que empiezan a brillar poco a poco.

Uno de los aspectos más interesantes es el montaje que propone esta obra audiovisual. No podemos anticipar ninguna jugada, porque todo va y viene con rapidez y frescura. Debemos estar atentos, porque la estructura se va llenando de símbolos y figuras etéreas. Todo esto se da, en parte, por la mezcla de acción en vivo, stop-motion, títeres y otros recursos artísticos que sirven para ilustrar una biografía poco convencional del poeta Serrano, reconocido por su cercanía con las filosofías neonazis.

“Los hiperbóreos” es una obra abstracta, propia de un surrealismo que desafía la imaginación y que puede transformarse en algo complejo e incluso desagradable. Por momentos, todos los elementos parecen estar en una batidora de la que no sabemos qué podría salir. Sin embargo, los realizadores logran sortear con éxito algunos nudos que podrían frenar en seco cualquier intento de avance multilineal.

En algo en que tal vez podemos estar de acuerdo con los cineastas es que lo que observamos se trata de un viaje. En ese sentido, surgen de inmediato algunas preguntas: ¿es un viaje interno, tiene algún destino, o está radicado en el mundo interior de sus personajes, enraizado como una búsqueda propia y vital? Aflora allí la temporalidad; el pasado, con los padres de Antonia -Chile, Alemania, el Nazismo-; el presente, con la recreación del momento; y el futuro, con la definición de diferentes avatares.

El que el guion remita a una película ya filmada, robada desde las oficinas de la producción, entrega el piso para construir una recreación de la misma en 360 grados, y que no distingue entre cuadros principales o accesorios complementarios. En la escena todo se funde, al igual que los elementos artísticos, la vida, la política, la historia de nuestro país y la llegada a esa “tierra hueca” que tal vez represente el vacío absoluto o la mayor de las esperanzas.

León & Cociña nos presentan un desafío. Se trata de cine experimental, un laboratorio que requiere ser analizado e interpretado. Sigue la línea de películas complejas de ver y ricas en elementos para debatir posteriormente. Es, sin duda, una apuesta que juega cartas altas con el riesgo de quedarse con el naipe en la mano, sin poder descartarse. Acaso este sería su mayor mérito; apostar a ganador con una propuesta diferente y enrevesada, una madeja llena de enlaces que debemos ser capaces de unir para intentar llegar a la esencia del mensaje a transmitir. ¿Podremos hacerlo?

Ficha técnica

Título original: Los hiperbóreos
Año: 2024
Duración: 71 minutos
País: Chile
Compañías: León & Cociña Films, Globo Rojo Films
Género: Animación | Surrealismo. Histórico
Guion: Joaquín Cociña, Cristóbal León, Alejandra Moffat
Música: Valo Sonoro
Fotografía: Animación, Natalia Medina Leiva
Reparto: Antonia Giesen, Francisco Visceral, Jaime Vadell, Marcelo Liápiz, Álvaro Morales.
Dirección: Joaquín Cociña, Cristóbal León

Pedro Páramo - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Juan Preciado busca a su padre, Pedro Páramo, y al fallecer su madre emprende un viaje a Comala, lugar donde vive su progenitor, para exigirle respuestas por el abandono, pero al llegar al pueblo se encuentra con algo distinto y extraño en un pueblo condenado por la violencia y la furia de un amor frustrado que desató la furia en aquel lugar.

Rodrigo Prieto nos regala una de las más reconocidas obras literarias del autor mexicano Juan Rulfo, autor al cual Neruda le dedicó un poema durante su visita Chile durante el año 1969. Pero bueno, esa es otra historia.

Pedro Páramo es una obra cargada de simbolismos, que el filme de Rodrigo Prieto recoge muy bien en la pantalla, pues es una historia marcada por la tragedia, el misterio y también la posibilidad de redimirse.

El relato del filme va haciendo un recorrido entre el presente y el pasado para preguntarnos si lo que vemos en la pantalla es real, y si los personajes están vivos, muertos, o solo es un imaginario de la mente del protagonista.

El pasado tormentoso originado por la ambición, el poder y la crueldad siguen marcando el presente con sus secretos, culpas, y, al parecer, los siguen más allá de esta vida.

Por supuesto, detrás la mixtura de realidad y fantasía está la mano de Juan Rulfo que crea una atmósfera cargada de una difícil definición. ¿Dónde está el límite de la vida y la muerte en este relato?

El croma oscuro, con una aridez del paisaje, se transforma en un personaje más que va acompañando el desarrollo del relato y las emociones de los protagonistas.

Finalmente, este es un filme que toca los grandes temas de la naturaleza humana, como la búsqueda de identidad, el reencuentro con el pasado, y tener la posibilidad de redención de todos sus antepasados.

Disponible en Netflix.

Fiche técnica

Título original: Pedro Páramo

Año: 2024

Duración: 123 minutos

País: México

Dirección: Rodrigo Prieto

Guion: Mateo Gil. Novela: Juan Rulfo

Música: Gustavo Santaolalla

Reparto: Manuel García-Rulfo, Tenoch Huerta, Ilse Salas, Mayra Batalla, Dolores Heredia, Noé Hernández, Hector Kotsifakis, Roberto Sosa, Giovanna Zacarías, Yoshira Escárrega

Fotografía: Nico Aguilar

Compañías: Woo Films, Redrum. Distribuidora: Netflix

Género: Drama. Fantástico. Terror | Realismo mágico

Wicked - Por Pablo Croquevielle

En 1995, Gregory Maguire escribió una novela ambientada en el mundo del Mago de Oz que terminó convirtiéndose en una especie de precuela oficial del cuento de 1900 llamada “Wicked: Memorias de una bruja mala“. Fue tal su éxito, que el escritor sacó tres novelas más llamadas “Hijo de bruja“, “Un león entre hombres” y “Fuera de Oz“. Esta saga sería bautizada como “The Wicked Years“.

Wicked está ambientada años antes de la llegada de Dorothy a las tierras de Oz y cuenta la historia de Elphaba, una niña que nació con la piel verde, quien, a futuro, se convertiría en la malvada bruja del Oeste, por lo que en esta historia veremos todos los acontecimientos que la llevaron dicha decisión, desde su niñez hasta su encuentro con la muchacha de Kansas.

El cuento de "El Mago de Oz" ha tenido variadas adaptaciones, tanto su historia como sus personajes, a quienes hemos vistos en la ya clásica cinta de 1939, como en novelas gráficas, en series de TV como “Once upon a time”, y un largo etc… No es primera (y no será la última) vez que llegue a tener una versión en pantalla. Lo interesante es cuando se convierte en un musical.

El año 2003 fue el estreno de “Wicked” en Broadway, y ha cosechado éxitos al punto que más de veinte años después se puede seguir viendo la obra musical original. A ese nivel de bien le fue. Y claro, tuvo varias conversaciones para llevar esta obra al cine, pero debió pasar MUCHO tiempo para que finalmente llegásemos a tener algo en la pantalla grande.

Y en cuanto a la adaptación en cines de este 2024, ¿vale la pena? ¿funciona? ¿las actuaciones están bien? Mi respuesta a todo es un ROTUNDO Sí. Es cierto que su duración para ser el acto uno (160 minutos) agota un poco, especialmente si lo ves en pantalla gigante de IMAX (como tuve la suerte de hacerlo), pero al mismo tiempo no hay otra forma de verlo, por que debe ser así. La película es colorida, brillante, unos vestuarios hermosos y los musicales están a tope.

Y claro, al espectador de hoy en día le repele un poco la idea de ir a ver un musical, y son contados los casos realmente exitosos (Tik Tik Boom, Hamilton, Wonka, Rocketman y otros) pero por favor: DENLE UNA OPORTUNIDAD.

Hacer esta reseña de Wicked es resumir bastante,  porque tiene historia, tiene producción, tiene muchos detalles en su concepción y es difícil hablar de ella si no eres fan del género. Solo diré algo que me contó una amiga que ha esperado todos estos años por ver este trabajo: básicamente es la adaptación más fiel que se ha visto en pantalla de una obra de Broadway. Todo el trabajo de diseño, de música, guion y todo lo demás, está a un nivel que se nota que le han puesto cariño.

En cuanto a las actuaciones principales, Ariana Grande logra causar esa antipatía con su personaje de Galinda, una chica rica, superficial e insoportable, básicamente una “Mean Girl” con todo lo que eso conlleva. Ella en el futuro, para cuando Dorothy llegue a Oz, será la “Hada buena“, así que aquí vamos viendo también sus orígenes. Y claro, quien se lleva mis aplausos es Cynthia Erivo como Elphaba, una niña de piel verde, nacida de un affair entre su madre y un desconocido que causó que su piel fuese verde de nacimiento, causando rechazo hacia ella por parte de toda la gente (y especialmente sus padres).

En esta historia somos acompañados por Nessarose, la hermana discapacitada de Elphaba (quien se culpa por su condición), la legendaria Madam Morribleb (una notoria Michelle Yeoh), el extrovertidísimo Fiyero (Jonathan Bailey) quien es un estudiante que prefiere la buena vida a los estudios, y el maravilloso Jeff Goldblum como el famoso Mago de Oz. ¿Hay algo que este hombre no haga bien?

Es una cinta llena de personajes, cameos de los actores de Broadway, momentos icónicos para los fans, etc…Una película que, si bien en lo personal no está en lo mas alto del año para estar entre las mejores de este 2024, si es una película que se defiende bastante y que logrará cautivar a grandes, chicos y gente no fan de los musicales.

Ficha técnica

Título original: Wicked: Part One

Año: 2024

Duración: 160 min.

País: Estados Unidos Estados Unidos

Dirección: Jon M. Chu

Guión: Frank Baum, Winnie Holzman, Gregory Maguire

Elenco: Cynthia Erivo, Ariana Grande, Jonathan Bailey, Marissa Bode, Ethan Slater, Michelle Yeoh, Jeff Goldblum, Kiala Settle, Bronwyn James, Bowen Yang

Música: Stephen Schwartz

Fotografía: Alice Brooks

Compañías: Universal Pictures, Marc Platt Productions

Distribuidora Internacional: Universal Pictures

Género: Fantástico, Aventuras, Musical, Tornados, Huracanes

Fecha de Estreno en Chile: 21 de Noviembre 2024

Distribuido en Chile por: Andes Films

Moana 2 - Por Elizabeth Salazar T.

"Debes perderte para encontrar el camino"

Uno de los estrenos anunciados por Disney, esperado por niños y también adultos. “Moana 2”, llega a la cartelera. Esta animación trata acerca de un nuevo y grandioso viaje con Moana, Maui y una nueva tripulación de inusuales marineros. Tras recibir una inesperada llamada de sus antepasados, Moana debe viajar por los lejanos mares de Oceanía y adentrarse en peligrosas aguas perdidas para vivir una aventura sin precedentes.

Moana, creció, es una joven muy valiente y determinada. Busca el bien de su familia y de los habitantes de su isla, pero, ¿qué hay más allá?… Moana lidera un viaje a través del océano, donde aprenderá importantes lecciones en la compañía de unos particulares personajes.

En la entrega anterior, era una niña, no tenía mucho que perder. A medida que va creciendo, los desafíos son mayores, es parte de ir madurando, por supuesto. Ella es una joven de buenos sentimientos, quiere mucho a su hermana menor Simea, que es pequeña y astuta. Ellas tienen una relación muy estrecha. Igualmente con sus padres y con su entorno. Moana es una joven, valiente, empoderada y feminista. A partir de diferentes hechos.

Visualmente esta animación es muy bonita, la paleta de colores que utilizaron hace que los paisajes y los personajes luzcan reales. Incluso el cabello de Moana, luce hermoso. Incluye personajes, antiguos y nuevos. En su doblaje en inglés, la voz de Mau, la continúa realizando Dwayne “La roca” Johnson

Con mucho humor, personajes nuevos y también, antiguos, esta película los hará pasar un buen rato.

Director: David G. Derrick Jr
Duración: 100 Minutos
Distribuye: Cinecolor Chile

Mi otra yo - Por Jackie O.

¿Cómo sanas?

Tres amigas emprenden un viaje a un pueblo costero a un futuro transformador donde hacer las paces con su pasado, tomar decisiones que les cambien la vida y, finalmente, crear su propio otro yo.

La médico Ada, la abogada Sevgi, y la dueña de casa/influencer Leyla, son excelente amigas, treintañeras que bordan los 40 años que se conocieron en la Universidad, donde al poco tiempo Leyla dejó los estudios al enamorarse de un empresario millonario y convertirse en madre.

Ellas nunca se han separado, han compartido momentos de alegría y de tristeza, incluso la enfermedad de Sevgi quien lucha con un cáncer. Un día, mientras Sevgi concurre a su rutinaria visita médica, se encuentra con una paciente. Viéndola de buen ánimo, ante la sorpresa, le consulta qué ha hecho, manifestándole, ella, que no es solo gracias a la quimioterapia, sino que, además de ello, la ha combinado con una medicina alternativa, entregándole todos los datos.

Sevgi se arriesga, para ella todo es válido, pues está en una situación en que nada pierde.

La dirección la lleva a un pueblo costero donde conoce a Zaman Bey, un sujeto que realiza “costelaciones familiares”, participando de sus sesiones con buenos resultados, mejora su actitud y su semblante comienza a verse mucho mejor. Sus amigas al verla a las tres semanas en el pueblo costero, no tienen enfrente a Sevgi demacrada y triste. Entonces, ¿qué ha sucedido?

Una serie interesante, en lo personal no tenía idea de la existencia de una terapia alternativa llamada “costelaciones”. No es medicina de acuerdo a mis averiguaciones y lo que circula en redes, se trata de una dinámica terapéutica creada por el psicoterapeuta, pedagogo y ex-sacerdote católico, Bert Hellinger, que tiene el objetivo de abordar la resolución de conflictos, aumentar el autoconocimiento y favorecer el cambio personal. Vamos viendo la dinámica y en qué consisten estas constelaciones, ya que Sevgi les pide a sus amigas que la acompañen. Ada es la más escéptica de las tres, para ella todo es y debe ser ciencia. Pero las tres comienzan a internarse en un mundo diferente e increíble, algo que va más allá de la ciencia y la razón. Sus recuerdos más profundos, e incluso los que tenían olvidados aparecen. Imágenes de sueños que nunca pudieron descifrar, ahora saben su significado. En palabras más simples, todos somos parte de un clan, y muchas veces pasa que repetimos patrones de algún antepasado, y eso está en nuestro inconsciente. Las constelaciones, lo que tratan de hacer, es de alguna forma sanar esas heridas o sucesos que afectaron a nuestros antepasados, o que logremos entender por qué suceden.

¿Cómo nuestro pasado afecta nuestro presente?

Por supuesto, esto no es automático, va conforme avanza esta serie, donde se van explicando las situaciones que van experimentando las protagonistas, y conocemos cómo interactúan con los lugareños. Seremos testigos de cómo solucionan diversas problemáticas, y si es que tienen solución. Ahí está lo entretenido de la serie. Aparte de las complicaciones familiares, hay muchos líos amorosos que se van presentando. Todo en torno a la sanación interna.

Muchas personas requieren y van donde psicólogos para poder descifrar sus problemáticas. Esta es otra vía parecida y diferente a la vez. Sí, la serie exagera, porque vemos lo que están pensando, pero es un tema que borda la psicología. Algo muy discutible y que irá en las creencias de cada uno.

En cuanto a las actuaciones, es mixta, pues hay buenas y otras no tanto. Pero las tres protagonistas abordan bien sus roles, y la interacción entre ellas hace una buena química.

El guion es interesante al hablarnos de este hecho que existe y que tal vez no sea tan conocido aunque en algunos momentos el cliché telenovesco aflora.

Una serie muy femenina, en el sentido de marcar la presencia femenina de empoderamiento, de ser muy independientes al hacer las cosas solas, pero al final siempre requieren una compañía masculina, lo que no es malo, En entrelineas se ve así; por más empoderamiento que se vea por encima, en entrelineas el amor de pareja también lo necesitan. Porque el ser humano es así, y eso es natural y bello.

Las locaciones en playas turcas muy bonitas, y la banda sonora acorde al país y las situaciones vividas.

¿Ayuda o fraude? Solo queda a criterio de cada persona en cuanto a sus creencias.

La serie nos toca muchos temas interesantes aparte de la sanación interna. También está la amistad, la familia, el perdón, no solo al otro sino que a uno mismo, las despedidas, el aceptarse, el amor, volver a empezar y vivir en paz.

En un mundo donde lo superficial prima, es bueno detenerse y mirar desde adentro hacia afuera.

Una serie fácil y rápida de ver.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Zeytin Ağacı (Another Self)
Escrita por Nuran Evren Sit
Dirigida por Burcu Alptekin y Erdem Tepegöz
Protagonizada por Tuba Büyüküstün, Seda Bakan, Boncuk Yılmaz
País: Turquía
Temporada 1: 2022 (8 capítulos)
Temporada 2: 2024. (8 capítulos)

Un muñeco de nieve para derretirse - Por Carlos Correa Acuña

¿Quieren desconectarse un poco en estos días? Tenemos aquí una opción liviana con un toque navideño, algo de comedia, y también uno que otro guiño reflexivo. ¿De qué se trata? Veamos.

Kathy Barrett -Lacey Chabert-, es dueña del Kathy's Kafe en pleno centro de Hope Springs, Nueva York. Recientemente ha perdido a su esposo por lo que se encuentra triste y deprimida. Además, problemas domésticos la agobian, tiene averiada la calefacción en su casa, el techo que gotea y una tabla de su escalera en pésimo estado. Al llevarle una colación a sus amigos de la tienda de ropa "Reclaimed Rags”, amorosamente le regalan una bufanda roja "destinada" para ella. La animan, con esto, a buscar felicidad después del duelo. Pero al regresar a casa, Kathy observa varias esculturas de nieve, pone la bufanda en un musculoso muñeco y le toma una foto. Sin que ella siquiera lo sospeche, el muñeco cobra vida, y sus aventuras comienzan a transitar entre el frío polar ambiente y el calor de hogar.

No resulta sencillo, sobre todo en estos tiempos, crear algo nuevo sobre las fiestas de fin de año. O son temas derechamente románticos y familiares, o bien aventuras en tono fantasioso que se escapan del ámbito de lo material y concreto. No obstante, en esta película, el guion escrito por Russell Hainline emprende camino hacia una arista que la hace un poquito distinta, aunque ya hayamos visto temáticas similares.

La idea de dar vida a un muñeco es de larga data, pero en este caso, la figura de nieve se transforma en la gran atracción para un pequeño pueblo que vive fuertemente el sentido de comunidad. Como un ángel caído del cielo, no solo para nuestra protagonista, Jack se las arregla para solucionar cada uno de los problemas con los que se encuentra en el camino. Dueño de una simpatía deslumbrante y un físico hecho a mano, el actor Dustin Milligan da vida a un personaje sencillo, ingenuo y libre de cualquier contaminación terrena.

“Hot Frosty” no desperdicia tiempo en detalles innecesarios y tampoco es necesario ser avezado para pronosticar lo que sucederá en el camino. La idea es disfrutar de esta entretención y dejarse llevar por un halo de misterio improbable que solo puede ser posible gracias a la magia que nos trae el tiempo de Navidad. Las formas de superar un duelo pueden ser muchas y diversas, pero tal vez la forma presentada sea una de las más reconfortantes.

Recibir un regalo de Navidad de esta naturaleza puede ayudar, y mucho. Pero también, aunque bastante oculto, podríamos encontrar el valor de dar vida que aún posee una persona que ha perdido lo más preciado para ella en el mundo. ¿Con cuál de estas dos hipótesis se quedan ustedes? A mí me gusta la segunda, pero solo si queremos ir un poco más allá en este filme grato y simpático, ideal para pasarlo bien una tranquila tarde de domingo.

Ficha técnica

Título original: Hot Frosty
Año: 2024
Duración: 90 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Canadá; Muse Entertainment, Muse Entertainment LLC. Distribuidora: Netflix
Género: Comedia. Romance. Fantástico | Comedia romántica. Navidad
Guion: Russell Hainline
Música: Ari Posner
Fotografía: Eric Cayla
Reparto: Lacey Chabert, Dustin Milligan, Katy Mixon Greer, Lauren Holly, Chrishell Stause, Joe Lo Truglio, and Craig Robinson
Dirección: Jerry Ciccoritti

Azúcar y estrellas - Por Jackie O.

"Pasión y determinación"

Sinopsis: A pesar de una infancia difícil en hogares de acogida, Yazid aspira a ser pastelero. Con una determinación inquebrantable, practica sin descanso con el objetivo de ganar el campeonato de reposteros.
Inspirada en un hecho real.

Yazid Ichemrahen, un joven inmigrante en Francia, que ha tenido una vida muy difícil y eso ha forjado su carácter, siendo pequeño vivía con su descuidada madre y su hermano infante quien fallece por el descuido de esta mujer que nunca se preocupaba de sus hijos y abusaba del sistema.
Yazid era feliz en la familia de su tía (no consanguínea), pero tuvo que ser enviado a hogares de acogida donde nunca se esfumó el sueño de ser repostero. Sí, cometió errores, pero su alma noble y pasión por lo que amaba logró abrirle puertas a un mundo donde las estrellas fue su refugio, y el azúcar su destino.

Vemos el estresante mundo en la cocina, ahora no la entrada o plato principal, sino la delicia del término: el postre. Cómo se trasforma en un arte, no solo por la combinación de productos, sino que también por el cuidadoso detalle de su presentación.

Una cinta donde vemos la difícil vida de un niño y su sueño. De cómo forjó amigos y también enemigos en este mundo que muchas veces no es dulce. Pero su esfuerzo lo sacó adelante.
La película es contada con muchas analepsias de su presente y su infancia. Analepsias que no entorpecen el relato, sino que sirven de base para ver y entender la vida de este joven, por lo que la edición es buena.
Los efectos sutiles utilizados con movimientos de cámaras lentos al momento de la ejecución de los platos, dan toques de magia.
Ademas, mantiene acertados planos.
El primer largometraje de este director que supo jugar con los ingredientes. Tal vez faltó más sazón para darle más drama, ese dulzor que nos estremeciera más. Pero aún así, nos deja una bonita historia.

Un drama con final feliz, ya que nos habla de alguien que actualmente disfruta el éxito en base a su esfuerzo, pero que es necesario saber cómo forjó su camino, lo que puede servir de inspiración a muchos joven que no saben qué hacer de su vida.

Al final, cuan joven majos de tijeras, presenta su último trabajo, y el primero en abrirle las puertas al éxito, en un claro mensaje al perdón y la reconciliación.

Recomendada.

Ficha técnica

Título original: À la belle étoile
Duración: 110 minutos
Director: Sébastien Tulard
Guion: Cédric Ido y Yazid Ichemrahem
Música: Brice Davoli
Fotografía: Pierre Dejon
2023 / Francia

Wicked - Por Jackie O.

"Las Apariencias engañan"

Una película de fantasía musical dirigida por Jon M. Chu y adaptada a la pantalla por Winnie Holzman y Stephen Schwartz de su musical de 2003 del mismo nombre, que a su vez se basa en la novela de 1995 de Gregory Maguire, del mismo nombre.

Todos conocemos la historia del Mago de OZ. Vimos a Dorothy, Toto y las Brujas del Sur y Oeste actuar. Pero esta historia es diferente, es sobre aquellas brujas.

Elphaba Thropp, es una chica inteligente honesta. En términos generales, estamos ante una persona normal, pero no, y por qué, se preguntarán. Ella es verde, sí, su piel es de color verde, lo que la hace diferente al resto y la miran mal, no la aceptan, la discriminan. Ella llega a una escuela especial para hechiceros. La autoridad del lugar intuye su potencial, pero entiende que nadie la quiere, pero aún así la asigna a la compartir habitación con la más popular del lugar, Ga-Linda.

Vemos como ambas no se soportan. Galinda es toda femineidad, rosadito y brillitos. Y Elphaba es de tonos oscuros y que solo sobresale por el verde de su piel. Hasta que... Algo sucede, algo las hace cambiar, algo detona que no son tan distintas la una de la otra, y se convierten en amigas, algo inimaginable.
Pero se interpone un hombre, llega un príncipe a la universidad, y Galinda, futura Glinda, pone sus ojos en él, y él los pone en ella, pero también en Elphaba, y lo tiene confundido.
Elphaba lo quiere en secreto pero no quiere lastimar a su amiga Glinda, por lo mismo se aleja. Glinda es una inocente y bien intencionada chica que no sospecha esta cercanía entre su príncipe y su amiga.

Por otro lado, Madame Morrible, directora de la Universidad de Shiz, tiene fe en Elphana, sabe su potencial, y no le gusta Glinda. Y tiene razón con Elphana. Ella tiene poderes que hay que explotar, por lo que mueve sus influencias y le concede una cita con el mago de Oz en ciudad Esmeralda, algo sumamente codiciado. Pero Elphaba es una buena chica, y lleva a su querida amiga Glinda, también una chica buena sin malas intenciones, solo algo torpe. Así es que ambas emprenden el rumbo a esta aventura en ciudad Esmeralda.

Película musical, casi toda es cantadita, donde sus protagonistas demuestran una alta calidad vocal y de actuación. Se siente la buena química en ambas. Pero debo quedarme solo con Adriana Grande, ella es espectacular, juega en su rol otorgándole gracia y autenticidad. Mi apuesta por ella en futuras nominaciones a Festivales.

Las coreografías, esto es canto y bailes, son minuciosamente tratadas y ser ven perfectas.
No soy fan de los musicales y tiendo a aburrirme, y aunque acá esta todo bien ejecutado, me aburrí igual en algún momento por la repetividad de situaciones que hacen que la cinta se alargue innecesariamente.

Escenográficamente esta bellísima, sabe destacar cada cuadro, los efectos visuales son buenos para mostrarnos un mundo de fantasía.
Vestuario, peinado y maquillaje perfectos nominados para mí.
Banda sonora buena, pero tratándose de un musical, no hay ninguna canción que destaque, que quede en la memoria, o que al escucharla se le relacione a esta película. Nada. Las canciones son buenas, claro, pero insisto, no destacan al ser un musical que es prioridad.

Galinda, Alias Glinda, y Elphaba, son personas buenas que vamos viendo que han sido usadas por una o más personas que aparentaban hacer el bien a otros pero en su fuero interno son malos y usan a inocentes para sus fechorías. ¿Lograrán engañarlas? ¿La maldad saldrá a la luz?
Primera parte de una historia de amistad, engaños y de sobreviviencia. Hay que esperar la segunda parte para ver su desenlace.

Temas abordados, el aceptar a otros con sus diferencias, más que todo dar la oportunidad de conocerlos. Nos muestra la maldad de quienes pregonan las buenas intenciones y en el fondo son seres malvados que buscan su bienestar usando a incautos, versus aquellos que creen malos por ser diferentes y más honestos, y son los que buscan el bienestar común, así como a los animales que vemos en la cinta; personas diferentes que solo buscan el bienestar y son atacados por ser diferentes y, peor aún, porque a los malvados no les conviene que existan quienes unen, sino que les gusta separar y ellos gobernar. Lo que nos habla de aprender a dar oportunidades para conocer bien al ser humano.
Como vemos, las películas no son solo fantasía sino que apuntan a hechos que se viven día a día.

Wicked parte uno, nos da una dosis de mucha música más que fondo y sustancia de una trama. Pero es entretenida por su puesta en escena y la simpatía de sus protagonistas.

Ficha técnica

Wicked: Part One
Dirección: Jon M. Chu
Guion: Winnie Holzman y Stephen Schwartz
Música: Stephen Schwartz
Fotografía: Alice Brooks
Vestuario: Paul Tazewell
2024. EEUU, Reino Unido
Género: Fantasía, musical y película basada en un cuento de hadas
160 minutos
Protagonistas: Cynthia Erivo, Ariana Grande, Michelle Yeoh, Jeff Goldblum, Jonathan Bailey, Ethan Slater

Deepfaked - Por Carlos Correa Acuña

Una cautivante premisa presenta esta cinta escrita y dirigida por Iñaki Velásquez. En solo 31 minutos, despliega una buena cantidad de elementos que actualmente se encuentran en el ojo del huracán. Veamos.

Los antecedentes señalan que estamos en medio de una campaña presidencial en la que deepfakes con contenido generado por inteligencia artificial se han vuelto un dolor de cabeza para la jefa del comando de la candidata Danka Marull -Katty Kowaleczko. Priscilla Ebers -Tamara Acosta-, sospecha que ha sido alguien de su misma oficina quien ha falseado contenido de su contrincante.

Primero surge lo más evidente. Una elección presidencial en Chile que enfrenta a dos candidatas mujeres. ¿Pasado? ¿Futuro? Aunque no es tan trascendente, porque el segundo punto es que la campaña ha traspasado varios límites. La película comienza con un video de la contrincante de Danka, el que puede otorgarle dividendos políticos, pero resulta que es falso. Dos temas acá. Uno, el logrado truco que hace parecer reales las declaraciones de la candidata; y dos, que la procedencia del video sea del comando opositor a ella.

Vamos un poco más adentro entonces. La pregunta que emerge es qué hacer con todo esto. Priscilla, asumiendo valientemente su responsabilidad, comienza a investigar, pide ayuda, consulta, pregunta, y lo que recibe de vuelta es una bofetada. Todo apunta a su comando, pero nadie asume nada. El encargado de Redes Sociales está “en llamas” con los últimos acontecimientos de la campaña. Solo importan los números, los “likes”, el impacto en la opinión pública. Y todo aquello va en alza sostenida. Entonces, Priscilla recurre directamente a la candidata, y es la misma Danka la que termina por sepultar toda posibilidad de esperanza. Priscilla se queda sola, sin piso, y en ese momento se hace evidente lo más trascendente: cuál es su convicción moral, aquellos principios intransables que pueden poner en riesgo el ganar una elección.

Dos subtramas se tejen en paralelo a la historia principal. El tema familiar de Priscilla, y su relación con Danka. Sin profundizar, el director deja claras las piezas para que armemos rápidamente el mapa y entendamos mejor las acciones que lleva a cabo la jefa de campaña. No es necesario ahondar más, los quiebres son tan claros como el agua, y el daño, profundo como un océano.

Excelentes actuaciones de Tamara Acosta y Katty Kowaleczko, sensibles, emotivas, y al mismo tiempo violentas, fuertes y sinceras. Es una lástima que los personajes secundarios no estén a la misma altura, porque la diferencia es demasiado grande, no solo en sus diálogos, sino que también en posturas corporales, miradas y actitudes.

El tema de la inteligencia artificial captura el debate actual. ¿Usarla, no usarla? Beneficios y ventajas, versus falencias y pérdida de autenticidad. La película no toma una opción, pero sí nos hace ver, al menos, algunos de sus peligros. Y no están en la tecnología, sino en la manera cómo la utilizamos. Hace mucho tiempo que la falsedad se ha tomado los espacios públicos digitales con audios falsos y videos falsos. No es de ahora, esto lleva años. El tema es que actualmente las herramientas para crearlos están disponibles casi para todo el mundo y de forma prácticamente gratuita, y tal vez por ello el riesgo es aún mayor.

Quizás sin proponérselo, esta apuesta de Iñaki Velásquez se decanta por sensibilizar acerca de este tema que está en boga aportando una mirada lúcida respecto a las prioridades que están en juego. Primero, la verdad, segundo, la convicción moral en el actuar, y tercero, firmes principios que hagan frente a potentes efectos desestabilizadores. ¿Cómo se consigue todo esto? No hay recetas, sin embargo intuyo que la respuesta va por el camino de la educación y el discernimiento en valores. Y esto ha sido y sigue siendo fundamental, con o sin inteligencia artificial.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Título original (Español): Deepfaked_
Título en Inglés: Deepfaked_
Formato: Cortometraje
Género: Ficción
Sub-género: Drama / Thriller
Duración: 31 minutos
Año: 2024
Productora: Prismático Cine / Mags Films

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 22 de Noviembre 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa Acuña en el Programa Semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.

Temple de Acero (1969) - Por José Luis Nicolás

Al padre de Mae Ross lo asesinaron. El autor del homicidio es un empleado de la casa familiar llamado Tom Chaney, que luego de cometer el crimen huye junto a otro malhechor. Mae Rose quiere justicia, y para eso contrata al más desalmado, borracho y viejo de los sheriff del oeste: Rooster Cogburn. A la muchacha y al veterano cazador de infractores de la ley, se suma un oficial de Texas conocido como La Beauf, que está siguiendo la pista del compañero de Chaney en sus tropelías.

Esta es la trama de Temple de Acero, versión cinematográfica estrenada en 1969, de la célebre novela escrita por Charles Portis. Dirigió esta película Henry Hathaway, una figura del viejo Hollywood que agotaba aquí sus últimos cartuchos de talento.

Hathaway nació a fines del siglo XIX y conoció el celuloide en sus años fundacionales. En la década de 1920 trabajó a la sombra de Victor Fleming, un cineasta que ya gozaba de respeto por aquel entonces. De ser asistente pasó a mandar en el set, y comenzó a desplegar su destreza comandando equipos en los boyantes estudios estadounidenses.

Glorias de la talla de Gary Cooper oyeron su claqueta, y lo respetaban. Con John Wayne bajo sus órdenes no dirigió tantas películas, pero sí de temáticas variadas. En Temple de Acero ambos venían de vuelta. “El Duque” le dio vida a Rooster Cogburn y gracias a ese rol obtuvo su único Óscar.

Y lo secundó una nueva generación que salvó a esta película de pasar por añeja: Kim Darby encarnó a Mae Ross, y Glenn Campbell a La Beouf. Henry Hathaway pudo haber llegado un poco tarde. Los espectadores que le dieron una oportunidad a su película ya no eran sorprendidos por la pirotecnia del viejo cine.

Temple de Acero trata sobre una venganza espuria disfrazada de justicia. Con todo, los personajes de este largometrajes no son tan duros como el metal y, de alguna manera, buscarán el camino para salir de la espiral de odio en la que están insertos. Esta es una cinta para ver y olvidar que fue lanzada el mismo año de Busco mi destino, su némesis en la cartelera de 1969. Será la única forma de tomarla en serio.

Disponible en Prime Video y Apple TV (para compra y arriendo en ambas plataforma)

Ficha Técnica

Título original: True Grit
Año: 1969
Duración: 122 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Henry Hathaway
Guión: Marguerite Roberts. Novela: Charles Portis
Reparto: John Wayne, Kim Darby, Glenn Campbell, Robert Duvall, Jeff Corey, Dennis Hopper
Música: Elmer Bernstein
Fotografía: Lucien Ballard
Compañías: Paramount Pictures

Gladiador II - Por Jackie O.

"Sangre y arena"

16 años después de la muerte de Máximo Decimo Meridio, su hijo Lucio Vero vive refugiado con su esposa Arishat, en Numidia bajo el nombre de "Hanno". Hasta que el ejército romano, dirigido por el general Marco Acacio, invade la ciudad y durante la guerra, Arishat muere asesinada por órdenes de Acacio, mientras que Lucio es esclavizado tras la conquista de Numidia para ser obligado a luchar en la arena local como prueba para los traficantes que desean comprar esclavos como gladiadores.

Misma fórmula conocida: la venganza y recobrar un legado. Fórmula que funciona, ya que vemos camo Lucio está lleno de irá para cobrar venganza con Acacio por la muerte de su mujer, y eso lo lleva a destacar en la arena, ganar la confianza "de su comprador", Macrino, un sujeto inescrupuloso que busca sacar el máximo provecho de lo que sea, y por supuesto con Lucio, lográndolo, porque Lucio es el mejor y lo demuestra en cada pelea que vemos en pantalla. Pero cuando Lucilla se percata que está frente a su hijo, la historia comienza a tener otro rumbo, aquel de recobrar la herencia que por sangre le corresponde a Lucio, y que ha sido arrebatada por los emperadores desquiciados, Geta y Caracalla.

La historia está bien contada y actuada por su protagonista, Paul Mescal, su interpretación es creíble. Y aunque algunos señalen que trata de parecerse y no es Russel Crowe, pues les digo: debe parecerse, es su hijo, y Mescal trabajó en posturas y gesticulación similar. Denzel Washington, destacadísimo, digno de nominaciones en los próximos festivales. En cuanto a Pedro Pascal, está apagado, sin profundidad, un rol que cualquier actor, y hasta uno desconocido, lo habría realizado.

El guion es bueno, pero nada memorable, es efectiva, directa y violenta. Por supuesto que tiene fallas de historia universal, porque no estamos ante un documental, es una película ficcionada, hecha para taquilla.

Vestuario, maquillaje y peinado fabulosos.
Escenografías deslumbrantes, con mucho detalle interesante.
Efectos visuales, más o menos, nada que destacar.
Efectos de sonido buenos. Con la banda sonora hubo un acierto en colocar piezas de la banda de su predecesora.

Cinta que muestra situaciones de carácter social y político, donde la maldad humana está latente y es brutal, hasta el punto de incomodar, con diversos temas que van desde la venganza, envidia, amor, traición, lealtad, dolor, perdón y esperanza.

Ficha técnica

Dirección: Ridley Scott
Guion: David Scarpa
Música: Harry Gregson-Williams
Fotografía: John Mathieson
Montaje: Claire Simpson
Protagonistas: Paul Mescal, Denzel Washington, Pedro Pascal, Joseph Quinn, Fred Hechinger, May Calamawy, Connie Nielsen, Derek JacobiVer todos los créditos
Reino Unido. 2024
Género: Acción Drama, Histórico
148 minutos

El Nuevo Look - Por Jackie O.

"La moda en tiempos de guerra"

Sinopsis: La serie sigue la historia del gremio de la moda en la ciudad de París después del fin de la Segunda Guerra Mundial, con la llegada de los nuevos enfoques y de los nuevos diseñadores de moda que crearon tendencia, como Christian Dior (Ben Mendelsohn) y su línea de ropa y estilo The New Look, o la brillante Coco Chanel (Juliette Binoche).

La serie comienza con una entrevista a Dior, quien ante una pregunta incómoda, pero que él quiere aclarar, sobre su participación o no con nazis en la Segunda Guerra Mundial, y de cómo afrontó esa intervención, él comienza a explayarse mientras retrocedemos a los hechos visualmente.

Ahí vemos a jóvenes, y poco o nada conocidos, diseñadores de moda, que al escuchar sus nombres hoy los veneramos por el gran aporte a la industria de la moda. Vemos cómo comenzaron a escalar, pero los principales protagonistas son Christian Dior y Coco Chanel, esta última ya consagrada en ese momento. Ambos tienen historias separadas, cada quien con sus problemas, sean personales o de la industria del diseño. Pero los une la invasión nazi y cómo sobrevivieron a ella. De cómo Christian se entera que su hermana Catherine está involucrada en grupos de revolucionarios cansados de esta ocupación nazi y de cómo debe lidiar cruelmente con ellos.

Una biografía ficcionada que nos cuenta cómo la moda fue clave en ayudar a la sociedad a salir de la posguerra, de que no estamos ante, tal vez se cree, algo superficial o banal, sino que salvó a algunos y levantó un país.

Y aunque los protagonistas y posibles rivales de la industria que nos presentan, este apacible Christian Dior, y una odiosa y fuerte Coco Chanel, la serie no se centra del todo en la rivalidad de ambos, que tal vez se esperaba por los auditores. Sí sabe canalizar y unir las diversas historias que vamos viendo.

La introducción en cada capítulo está muy bien ejecutada, y se ve muy bella a pesar de su horror, ya que mezcla la belleza de la moda con los horrores de lo que conocemos en de la Segunda Guerra Mundial.

Vestuario, por supuesto que bello, y me habría gustado ver más.
Maquillaje y peinados buenos, así como la escenografía.
Las actuaciones, muy destacables de los protagonistas, aunque algunos secundarios se ven diluidos por momentos.

Una historia de los horrores de la Segunda Guerra Mundial contada desde otro punto de vista, donde algo que tal vez, como ya señalé, se crea superficial, como es la moda, ha servido para que muchos pudieran crecer y levantarse.

Disponible en Apple TV+.

Ficha técnica

Creado por Todd A. Kessler
Protagonistas: Ben Mendelsohn, Juliette Binoche, Maisie Williams, John Malkovich, Emily Mortimer, Claes Bang.
Compositor James S. Levine
EEUU. 2024
Temporadas: 1
Episodios: 10

Wicked - Por Elizabeth Salazar T.

"Quizás algunos somos diferentes"

Basada en uno de los musicales más exitosos en Broadway y adaptada por sus creadores Winnie Holzman y Stephen Schwartz, llega la primera parte de “Wicked”, que narra la historia de Elphaba Tropp (Cynthia Erivo) y Galinda (Ariana Grande), quienes ingresan a la Universidad de Shiz para convertirse en hechiceras. Ellas son diametralmente opuestas, mientras que, Galinda es rubia y popular, Elphaba es verde y poco amistosa, no obstante, tras un incidente deben compartir habitación, lo que les dará una oportunidad para conocerse.

Esta es la historia de la bruja del oeste del “Mago de Oz” antes de que se convirtiera en aquel temido y odiado personaje. En su juventud, Elphaba es una chica que siente que no pertenece a ningún lado, desde pequeña ha sido discriminada por su color de piel, por lo que no tiene amigos, e inclusive, hasta su familia -en especial su padre- la ha rechazado. Su vida da un giro al llegar a la Universidad de Shiz, cuando Madame Morrible (Michelle Yeoh), logra ver su talento en la magia, algo que ni la propia Elphaba nota. El aprender a controlar y utilizar sus poderes, y conocer al famoso y poderoso Mago de Oz, quien le podría conceder un deseo de su corazón, se convierten en sus principales motivaciones para quedarse en este lugar.

Este musical se presenta como si fuera un cuento, y como tal tiene un príncipe: Fiyero (Jonathan Bailey), quien, al igual que Galinda, logra captar la atención de todos en cuanto llega a la Universidad de Shiz, pero siempre hay excepciones.

Es un filme que nos habla sobre aceptarnos a nosotros mismos, así también de abrazar la diversidad que nos rodea, puesto que todos somos distintos físicamente y tenemos experiencias que nos van forjando nuestro propio pensar y actuar. En este sentido, la inclusión es un aspecto fundamental que se manifiesta a medida que avanza la trama, donde se ven personajes con variados tonos de piel y cuerpos interactuando entre sí, de manera que no están definidos por lo que se observa a primera vista. Estos hechos no solo se vislumbran delante de la pantalla, sino que dentro del elenco se ha incorporado a actores y actrices que representan esta diversidad. De hecho, la intérprete de Nessarose (Marissa Edob), en la vida real utiliza una silla de ruedas, debido a que a los 11 años quedó discapacitada a raíz de un accidente automovilístico. Este es un hecho que marca un precedente sobre la representación de personas en situación de discapacidad en la industria cinematográfica.

Esta película tiene muchos mensajes positivos para dar: la comprensión, la empatía, el apoyar a los demás, sentirse entendido, y a pesar de tener mucho humor, de igual manera logra emocionar en algunas escenas. Es hermoso ver el nacimiento de una amistad -bastante improbable- entre Elphaba y Galinda, (o Glinda, como se hace llamar posteriormente).

Con una escenografía impresionante, colorida, excelentes coreografías, y con las canciones del musical original, este filme logra impactar. El vestuario es hermoso, estoy segura que estará nominado en esta categoría en los premios Óscar. Además, tiene un elenco muy bien escogido, sus protagonistas realizan una excelente interpretación. Mientras Cynthia Erivo encarna un rol más dramático, Ariana Grande es más cómica en su personaje. Sumado a ellas, Michelle Yeoh está extraordinaria y Jonathan Bayle es un príncipe que les sacará más de una carcajada.

El verde y el rosa se llevan muy bien, eso nos queda muy claro en esta entrega, un mensaje que invita a aceptar y querer a las personas independiente de sus diferencias. Este musical les brindará un muy buen rato, pero también los hará emocionarse. Vayan a verla, es una feel good movie, sí, de esas que hacen bien y que tanto necesitamos.

Director: Jon M. Chu
Duración: 160 minutos
Distribuye: Andes Films

Desprecio - Por Alejandro Caro

Sinopsis: La aclamada periodista Catherine Ravenscroft ha construido su reputación revelando los delitos y transgresiones de otros. Cuando recibe la novela de un autor desconocido, se horroriza al darse cuenta de que ahora ella es la protagonista de una historia que expone sus secretos más oscuros.

Basada en la novela de Renée Knight (2015), y adaptada por Alfonso Cuarón, esta serie presenta la historia de Ravenscroft. Alguien se ha propuesto terminar con su exitosa vida al divulgar la novela “El perfecto desconocido”, la que va develando parte de su pasado, transformándose en un personaje oscuro que será digno de una venganza, la que queda planteada desde el comienzo de la novela: “cualquier parecido con personas vivas o muertas, no es una coincidencia“

Acompaña a la protagonista un marido distante, y lo será más cuando se entere que ella es el personaje central de una historia real novelada que muestra a dos personas, tanto al divulgador como a la protagonista, perturbados; el primero con su afán de venganza, y ella por traer a flote un hecho del pasado ya casi olvidado.

La cámara va siguiendo a los personajes con sus emociones de rabia, pasión o silencios, que con una puesta en escena del pasado con un croma cálido, y otro más frio del presente, dan la textura al fotograma cargado de emoción para un tema de suyo complejo.

Es un filme para el que debemos afinar nuestra mirada para comprender la propuesta del director, la que no ofrece respuestas fáciles, aunque no de forma manifiesta. Por ejemplo, no existe una realidad objetiva fácil de alcanzar; cuestiona la moralidad de quienes detentan el poder y cómo rinden cuentas frente a la sociedad; la memoria y el pasado, y cómo pueden ser reinterpretados, e incluso manipulados; las relaciones familiares y sus complejidades, cada una con sus oscuridades.

En fin, son temas que podemos conversar de acuerdo al pasado que nos sigue, si es que lo hace…

Finalmente, pienso que es mucho para siete episodios y es un filme para adultos.

Disponible en Apple TV.

Ficha técnica

Título original: Disclaimer

Año: 2024

Duración: 45 min. 7 episodios. Miniserie.

País: Reino Unido

Dirección: Alfonso Cuarón (Creador), Alfonso Cuarón

Guion: Alfonso Cuarón. Novela: Renee Knight

Reparto: Cate Blanchett, Kevin Kline, Sacha Baron Cohen, Lesley Manville, Louis Partridge, Leila George, Kodi Smit-McPhee, Jung Ho-yeon.

Música: Finneas O'Connell

Fotografía: Emmanuel Lubezki, Bruno Delbonnel

CompañíasCoproducción Reino Unido-Italia; Esperanto Filmoj, Anonymous Content, Parts Labor. Productor: Alfonso Cuarón. Distribuidora: Apple TV+

Género: Serie de TV. Thriller. Intriga. Drama | Thriller psicológico. Miniserie de TV

Wicked - Por Carlos Correa Acuña

Una pregunta detona todo: ¿eran amigas? Hablamos de la Bruja Buena del Norte y la Bruja Mala del Oeste, las dos protagonistas de “Wicked”, compuesto por Stephen Schwartz, y que se convirtió en un verdadero fenómeno de taquilla luego de ser estrenado el año 2023. Broadway marca la pauta; era solo cuestión de tiempo para que este musical, el segundo más exitoso de la historia y uno de los “top 3” en superar el millón de dólares en recaudación, llegara a la pantalla grande.

Pasaron 21 años y ya tenemos el producto terminado, o al menos en su fase uno, pues esta película de 2024 se limita solo al primer acto de la exitosa obra. En un escenario anterior a los hechos narrados por Baum en la historia original, vemos a Galinda -Ariana Grande-, y a Elphaba -Cynthia Erivo-, cuando llegan a la Universidad Shiz para formarse como hechiceras. Es decir, esta primera entrega describe con lujo de detalles la juventud de las que serán futuras enemigas.

Elphaba, de piel verde y tímidos comportamientos, asiste principalmente para acompañar y cuidar a su hermana Nessarose -Marissa Bode-, pero destaca de inmediato debido a poderes que llaman la atención de Madame Morrible -Michelle Yeoh-, la directora de la institución. Elphaba y Galinda hacen cortocircuito, no se llevan por nada, marcando un inicio en el que son como agua y aceite, y que, con el correr de los minutos, va mutando hacia una gran amistad que les llevará a ubicarse en primera línea y emprender un viaje alucinante para conocer, nada más y nada menos, que al renombrado y misterioso Mago de Oz -Jeff Goldblum-.

Lo primero que destaca de esta mega producción es su sonido y filmación. La partitura de Stephen Schwartz es vibrante, y responde casi al cien por ciento de la esencia de este trabajo. Representa muy bien el ensueño, un mundo mágico muy bien llevado a la pantalla que combina coreografías y cantos, con un amplio despliegue escénico propio del mundo de las maravillas.

Si bien no es mucho lo que en acontecimientos sucede, la película se da todo el tiempo del mundo para explorar en las características de sus protagonistas, casi como si se tratara de un estudio acabado de personalidades. Y aquí, al menos, tenemos dos estereotipos básicos. Galinda, que representa la corrección absoluta, el deber ser, y el camino trazado con mucha anticipación; y el de Elphaba, en las antípodas, muy diferente y en extremo conflictuado, lleno de temores que provienen de un sinnúmero de situaciones no resueltas.

Aparecen dos conceptos clave a la hora de mostrar los caminos que finalmente emprenden ambas jóvenes. Uno, lo que implica ser popular; y dos, el enorme valor de la amistad. Galinda es popular, lo sabe y además lo usa. Tiene todo a su favor, sin embargo algo le dice que no puede dejar atrás a Elphaba. Es interesante cómo se va desarrollando este acercamiento, desde una enemistad odiosa, hasta una cercanía como si fueran hermanas de sangre.

A pesar de no ser fan de los musicales, “Wicked” me parece que está bien logrado. Si bien no me cautivó, reconozco sus méritos y percibo que tendrá un gran éxito, tal como su obra homónima. Los 160 minutos de duración, eso sí, se sienten, no pasan rápido, pero la música aliviana muchas escenas argumentalmente débiles gracias al desplante de los roles protagónicos. Dentro de los números, uno de los más logrados es “No soy esa chica”, un solo de Elphaba que corresponde a un momento de inflexión tanto dentro de la historia como también respecto a la propuesta vocal y musical.

“Wicked: Part One”, también tiene un par de cartas bajo la manga con las que quiero finalizar mi reflexión. La estrategia de lograr la unión en base a un enemigo común es tan vieja como el hilo negro, tanto como la premisa “divide para gobernar”. En este caso, aplican al cien por ciento, y su dureza se hace sentir. Aunque la historia parte con los hechos recientes y luego se remonta al pasado, parece que en miles de años el mundo no ha cambiado un ápice. La segunda carta se refiere al proteccionismo animal y sus consecuencias, algo que daría para otro comentario pero no es menester profundizar en estas líneas. Y como tercera, lo que representa la figura del Mago de Oz: ese gran poder de liberación que encarna y que logra cambiar el rumbo de la historia y, por supuesto, de sus protagonistas.

En un año más tendremos la segunda parte y se cerrará el ciclo. Solo 365 días de espera, nada más. Vamos por ello.

Ficha técnica

Título original: Wicked: Part One
Año: 2024
Duración: 160 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Universal Pictures, Marc Platt Productions. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Fantástico. Aventuras. Musical | Tornados / Huracanes
Guion: Winnie Holzman, Stephen Schwartz. Musical: Winnie Holzman. Novela: Gregory Maguire. Personaje: L. Frank Baum
Música: Stephen Schwartz
Fotografía: Alice Brooks
Reparto: Cynthia Erivo, Ariana Grande, Jonathan Bailey, Ethan Slater, Bowen Yang, Marissa Bode, Peter Dinklage, Michelle Yeoh, and Jeff Goldblum
Dirección: Jon M. Chu