Batman vs Superman: el origen de la justicia - Por Carlos Correa

Ver a dos de los más emblemáticos superhéroes juntos, en pantalla gigante, llama la atención desde el primer anuncio. Y si a esto sumamos que se enfrentarán, la expectación es aún mayor. La presencia de Superman luego de la última entrega en “El hombre de acero” y de Batman luego de “El caballero de la noche” genera una ilusión que lentamente se desvanece con el correr de sus extensos 151 minutos de duración.

Superman -Henry Cavill poco convincente y algo ausente- se ha transformado en una figura controversial. Al tener un poder inigualable, muchos lo consideran una amenaza para la humanidad y otros tantos lo ven como su única esperanza en el combate frente al mal. Por otro lado, Bruce Wayne -Ben Affleck interpretando por primera vez al multimillonario hombre murciélago-, no está muy convencido del papel que Superman ha adquirido y se acerca al grupo que cree que tanto poder es peligroso lejos de un control o supervisión más general. Hay controversia, una cierta rivalidad, sin embargo no es clara ni precisa. Hasta que aparece el hijo de un villano conocido, Lex Luthor Jr. -Jesse Eisenberg en un papel digno de admiración- que quiere continuar la obra de su padre y exterminar a Superman de una vez por todas.

El argumento de la cinta es confuso y oscuro. Mezcla los poderes políticos, con el sensacionalismo de los medios (no podemos olvidar que Clark Kent y Luisa Lane son reporteros del Daily Planet); los superpoderes con el amor; la maldad y el poder del dinero con la justicia y la libertad, en un guiso sin forma donde al parecer la consigna es “usar todo” y veamos qué sale de aquello.

El resultado de este experimento es desalentador. Las bases de sustento se degradan y solo quedan pequeños detalles que analizados por separado pueden funcionar, pero que en conjunto no alcanzan a darle unidad a una superproducción de tamaña ambición. Los efectos visuales son excelentes, la acción es vertiginosa, sin embargo aquello no es suficiente para salvar a los protagonistas de un naufragio seguro.

Lo mejor, Eisenberg como el nuevo Lex Luthor, locura, pasión y maldad encerrada en un gran cerebro; lo bueno, la banda sonora de Hans Zimmer y la espectacularidad de las acciones; lo malo, la construcción de ambos superhéroes, vacíos, distantes, con muy poco peso dramático; lo descartable, la aparición de otros superhéroes que parecen acudir más al rescate de la película que ser parte real de su argumento. Finalmente lo destacable: el viejo Alfred, con un inagotable -e inalterable- Jeremy Irons y Laurence Fishburne como el editor del Planet, dos excelentes actores en roles secundarios que piden sin lugar a dudas más presencia escénica.

Ficha técnica

Título original: Batman v Superman: Dawn of Justice

País: Estados Unidos

Año: 2016

Género: Ciencia ficción, Acción, Supehéroes

Duración: 151 minutos

Elenco: Henry Cavill, Ben Affleck, Amy Adams, Jesse Eisenberg, Diane Lane, Laurence Fishburne, Jeremy Irons, Holly Hunter, Gal Gadot

Director: Zack Snyder

Resucitado - Por Musia Rosa

El centurión romano Clavius (Joseph Fiennes) ha sido encargado con urgencia por Poncio Pilatos (Peter Firth), para encontrar el cadáver de Jesús crucificado, que ha desaparecido del sepulcro y ya cunde el rumor de que ha resucitado, faltando sólo diez días para la llegada del Emperador a la provincia romana de Judea, en la Tierra de Israel, que gobierna Pilatos.

Clavius, parte a cumplir su misión, averiguando el paradero de los discípulos y revisando lugares donde están los cadáveres ya en proceso de descomposición, escenas de un fuerte realismo que le dan verismo a la narración histórica de la época.

Los actores construyen los personajes, sin caer en los estereotipos de algunas películas de temas bíblicos, sino haciéndolos más naturales y espontáneos, para así sentirlos más reales y cercanos a la vez.

Por su parte, los lugares, las situaciones cotidianas y los diálogos, alejados del revestimiento pomposo de ciertos filmes, resumen autenticidad y así logran aproximarse con mayor facilidad a la verdad de los hechos acaecidos hace casi 2000 años atrás en la provincia romana de Judea.

El director y guionista Kevin Reynolds (“Robin Hood, príncipe de los ladrones”, “Tistán e Isolda”) logra elaborar un potente guión para  construir una atractiva historia de Jesús, con oficio, arte y respeto a las creencias religiosas cristianas, utilizando la  expresiva y bella fotografía de Lorenzo Senatore, al servicio de los escenarios naturales y las actuaciones, más la banda sonora de Roque Baños que acompaña con armoniosa mesura los acontecimientos narrados en el filme.  

Relato bíblico con algunas licencias que no perjudican lo medular y real en la historia de Jesucristo y que sí aportan verdad, emoción y sentimiento a la fe religiosa de una considerable parte de la humanidad.

Ficha técnica

Título Original: Risen 

País: Estados Unidos

Año: 2016

Duración: 108 minutos

Calificación: Todo Espectador

Actores: Joseph Fiennes, Peter Firth, Cliff Curtis, María Botto

Director: Kevin Reynolds

Resucitado - Por Juan Pablo Donoso

“Si Cristo no ha resucitado, vana es entonces nuestra predicación, y vana también vuestra fe”. San Pablo - 1 Corintios 15:14 

Bellísimo filme recomendable para diversos públicos. Superproducción con excelentes actuaciones, que combina en su argumento elementos de espiritualidad, acción bélica, policial e historia bíblica.

Si bien la anécdota es ficticia, la época y los acontecimientos son fidedignos. 

Sería como la continuación de LA PASIÓN DE CRISTO de Mel Gibson, que tanto éxito tuvo a nivel mundial. Y fue porque esa película nos transportó con brutal realismo a un hecho histórico y espiritual: la Crucifixión.  

Ahora trata lo sucedido luego de la “supuesta” resurrección de Jesús de Nazaret. Y decimos “supuesta” porque el Prefecto romano Poncio Pilato creyó que el cadáver había sido robado de la sepultura, y que la población difundiría el mito que habría resucitado de entre los muertos. Esto perjudicaría su gobierno en Judea y le daría mala imagen ante el Emperador Tiberio.

Para desenmascarar la mentira, Pilato encarga al talentoso general tribuno Clavio, para que investigue el paradero del cadáver de Jesús y arreste a los sediciosos apóstoles.

La primera mitad del filme relata estos hechos: búsqueda, soborno a delatores, extorsión; pero nada obtiene el centurión ni los subalternos sobre la verdad de lo que se comenta. Sólo hay gente sencilla que afirma haber visto al crucificado con vida después de su muerte en la cruz. 

La segunda parte se inicia con un giro dramático: Clovio, por fin, encuentra a los atemorizados apóstoles escondidos en una habitación, constata visualmente al nazareno entre ellos, que le sonríe con tranquilidad y de pronto desaparece.

Retira a la tropa y niega ante Pilato haberlo visto con sus ojos. Pero lleno de inquietud decide seguir en secreto, y de lejos, a los discípulos que viajan donde el Maestro les dijo que volverían a encontrarse. Y ahí, nuevamente, es testigo presencial de que Jesús está vivo y sano. Incluso presencia la curación de un leproso. Poco más adelante asistirá, como mero observador, al fenómeno paranormal de la Ascensión de Cristo al Cielo.

Lo valioso de esta cinta es el ángulo escogido para contar la historia. Si bien hay estupenda reconstrucción de escenarios, fidelidad en el vestuario y verosímiles maquillajes, poco glamorosos, el tratamiento es ágil, muy ameno, con mucha acción, y mantiene el suspenso por conocer el resultado de la pesquisa policial.

El nivel actoral de protagonistas y secundarios es digno de elogio. A diferencia de otros filmes bíblicos, donde suelen aparecer estereotipados y beatíficos, aquí son seres comunes, débiles, borrachos y falibles. Incluso Cliff Curtis ( Jinete de Ballenas) como Jesús, presenta el rostro redondo de un judío cotidiano de la época, tostado y vulgar, capaz de sonreír con sencillez y entristecerse como cualquiera de nosotros. Joseph Fiennes (Shakespeare Enamorado), como Clovio, nos comparte su fracaso profesional y tribulaciones psicológicas (junto con rogar a los dioses paganos y - ¡por si acaso! - también se encomienda al Yavé de los judíos). "La breve escena del soldado borracho en la taberna, que intenta disculparse, debió tener una nominación para su actor, Paco Manzanedo". Y por encima de la lista de encomiables secundarios, incluyendo a la argentina María Botto como Magdalena, sobresale el  talento de Peter Firth (Equus) consagrado ya desde sus comienzos juveniles en cine y teatro. En cada frase trasluce sus emociones y pensamientos. Un Poncio Pilato inolvidable por su evidente fragilidad política.

Es la mejor película hasta ahora del director Kevin Reynolds (Robin Hood, Rapa Nui, Tristán e Isolda, Montecristo). A diferencia de otras superproducciones aquí estuvieron bien invertidos los US$ 20.000.000.

UNA  EXCELENTE  SUPERPRODUCCIÓN  QUE  MERECE PERMANERCER  EN  CARTELERA  MUCHO  MÁS  ALLÁ  DE SEMANA  SANTA. 

Ficha técnica

                                 

Risen

Cristianismo, histórica y policial                                                            

EE.UU.

107 minutos                                                                                 

Andes Films

2016

Guión: Kevin Reynolds y Paul Aiello                                                

Fotografía: Lorenzo Senatore                                                                    

Edición: Steve Mirkovich                                                                      

Diseño: Stefano María Ortolani                                                            

Música: Roque Baños                                                                           

Actores: Joseph Fiennes, Tom Felton, Peter Firth, Maria Botto

Director: Kevin Reynolds   

A War, la otra guerra - Por Carlos Correa

Esta cinta del director danés Tobias Lindholm -“La Cacería”-, muestra una visión especial de los ámbitos extremos de la guerra y los efectos en las personas en múltiples aspectos de sus vidas. 

Claus Michael Pedersen -Pilou Asbaek- es comandante de 135 hombres que se encuentra en Afganistan en misiones de patrullaje para asegurar la vida de civiles que se encuentran amenazados por las milicias talibanes. Paralelamente, María, su esposa, debe hacer vida normal a cargo de sus tres pequeños hijos sin la compañía de su marido, a quien toda la familia extraña profundamente. En estos dos opuestos, o mundos paralelos, se desarrolla la primera parte de la cinta, con un ritmo pausado, reflexivo, entregando un contexto no siempre fácil de percibir.

En las misiones de patrullaje no todo está exento de problemas. Hay enfrentamientos, campos minados y situaciones extremas de crisis. Es justamente en una de estas últimas en la que Claus se ve enfrentado a tomar una decisión bajo extrema presión y que tendrá consecuencias, tanto para sus hombres a cargo, como para él y su familia, cuando deba justificar las razones que lo llevaron a proceder de aquella forma. En ese momento, la película tiene un giro y se abre un universo de interrogantes cuyo propósito no es resolverlas sino dejar planteado el debate.

Tobias Lindholm, filmando permanentemente con la tensión de la cámara en mano, dibuja un clima complejo de percibir. Las actuaciones son convincentes y cierta frialdad del protagonista es más bien un recurso dramático usado para transmitir -o tal vez imaginar- un mundo interior que se mueve entre el “deber ser”, las responsabilidades, los afectos y el amor de su familia.

Nominada al Óscar 2016 como una de las mejores películas extranjeras, “A War, la otra guerra” no nos deja indiferente. Podemos estar más o menos cercanos a su estilo de relato, pero sin duda aporta con una historia de seres humanos, con fortalezas, debilidades, miedos e ilusiones, en medio de un clima permanentemente hostil, lleno de dudas, soledad y esperanza.

Ficha técnica

Título original: Krigen

Año: 2015

Duración: 115

País: Dinamarca

Género: Drama

Música: Sune Rose Wagner

Fotografía: Magnus Nordenhof Jønck 

Empresas Productoras: Nordisk Film Production, DR, Studiocanal

Elenco: Pilou Asbaek, Tuva Novotny, Soren Mallin

Guión: Tobias Lindholm

Dirección: Tobias Lindholm

Gringo Rojo - Por Musia Rosa

El tema central de este documental es mostrar la relación del cantante pop norteamericano y activista político de izquierda, Dean Reed, con nuestro país, en la segunda mitad del siglo XX.

Por lo tanto no es una biografía del cantante, no nos habla de su vida ni de su familia, sólo conocemos su música, las tres visitas a nuestra patria y a otros países, como Rusia, Alemania Oriental y China. Logramos sí apreciar su mirada simplista a la sociedad, ya que la dividía entre capitalistas, pobres y revolucionarios, queriendo decir, entre los malos, las víctimas y los buenos.

El documental es realizado por el director, guionista, ensayista y crítico de cine Miguel Angel Vidaurre, quien arma su película con noticiarios de la época en blanco y negro, portadas de revistas con la imagen del cantante, combinado todo con escenas en colores, donde vemos a Dean Reed cantando, ovacionado por la juventud de entonces, que asistía a los recitales embelesada, no tanto con las canciones, sino con el gringo rubio, bonito y amable, que además mostraba buenas intenciones en su preocupación por los pobres, aunque con una visión unilateral y algo ingenua de la realidad histórica, social y política que vivía Chile y el mundo.

“Gringo Rojo” es una película sobre un hombre bueno y pacifista que quiere cambiar el mundo con sus canciones, para lo cual viaja con su guitarra, mirando a la humanidad desde una sola ribera y llevando un sueño imposible en su corazón.

Ficha técnica

País: Chile

Año: 2016

Distribuidora: Storyboard Media.cl

Género: Documental

Duración: 67 minutos

Actor y Cantante: Dean Reed
Director: Miguel Ángel Vidaurre

Gringo Rojo - Por Carlos Correa

Este documental del director chileno Miguel Ángel Vidaurre, nos muestra algunos aspectos de la vida pública de Dean Reed, un cantante pop norteamericano nacido en 1938 en Lakewood, Colorado, y que luego de visitar Chile, Argentina y otros países de la región, obtuvo aquella popularidad que en le fue esquiva en Estados Unidos, bajo la sombra del gran Elvis Presley. Su carisma y su voz cruzaron fronteras y le permitieron a Reed conocer la realidad latinoamericana y adherir a las ideas revolucionarias que tomaban fuerte impulso en los años 60 y 70.

El documental, con fragmentos de entrevistas -correctas y equilibradas- y un buen material histórico proveniente de noticiarios y revistas, retrata al hombre, al artista y al idealista en diferentes planos. Por una parte, un fenómeno de masas, admirado y seguido por miles de fanáticas; por otra, un buen cantante que sin brillar especialmente lograba transmitir alegría y entusiasmando a su público; y finalmente al hombre que se fue transformando en icono al realizar gestos como cuando frente al consulado estadounidense, lavó la bandera de su país por estar manchada con la sangre de víctimas de la guerra.

El trabajo de Vidaurre es cuidado, aunque por momentos incompleto. No es una biografía, sino un acercamiento al hombre público. Es cierto que es difícil dar cuenta en 67 minutos de una historia que puede estar llena de detalles, rodeada de la especial atmósfera de los sesenta. Sin embargo con más o menos recursos narrativos el documental se abre paso para cumplir al menos dos objetivos esenciales: recordar y conocer a un artista que pasó de la popularidad musical a la popularidad social, modificando su visión del mundo y su pensamiento político en una época marcada por grandes divisiones e ideales.

Ficha técnica

País: Chile

Año: 2016

Distribuidora: Storyboard Media.cl

Género: Documental

Duración: 67 minutos

Actor y Cantante: Dean Reed

Director: Miguel Ángel Vidaurre

Divergente la Serie: Leal - Por Juan Pablo Donoso

Tremenda super-producción que continúa la saga de la serie Insurgente-Divergente, basada en la novela de Verónica Roth. Acción, violencia, ciencia ficción futurista y efectos especiales a granel. Quien ya conoce las etapas anteriores -e incluso quienes recién se incorporan- se entretendrán de todas maneras. La fórmula argumental y el montaje están cocinados para multiplicar la inversión económica de la película.

Hay un muro que rodea Chicago. Ahí existía una sociedad protegida contra la destrucción de la humanidad, y dividida en Fracciones, que son las diversas categorías de personas según sus talentos y trabajos. En los capítulos anteriores hubo rebeliones, líderes femeninos buenos y autoridades perversas. 

Ahora, la superdotada Tris (Shailene Woodley) y su novio Cuatro (Theo James), junto a un pequeño grupo de colaboradores, deciden trascender el mítico “muro” y averiguar que hay afuera. Y es lo que emprenden contra la voluntad de las poderosas autoridades de la ciudad (Naomi Watts). 

Cuando logran pasar al otro lado se iniciará la nueva gesta, donde habrá otro mundo de alta tecnología, a cargo de otro tirano (Jeff Daniels) que finge ser bondadoso y sabio, pero que sólo desea aprovechar las destrezas de la “perfecta” (pura) Tris en su beneficio contra la dictadora de Chicago.

Los periplos de la compleja y larga aventura se suceden uno tras otro, y la guerra a muerte entre el viejo Chicago y esta rutilante civilización será implacable. Nuestra heroína y su novio quedarán al medio, sin pertenecer a ninguna de las perversas potencias, y una vez más, solos contra el mundo, y por lealtad, procurando subsistir.

La acción corre fluida, siendo lo más clara posible para el entendimiento de todo espectador, deslumbrando con sus naves voladoras antigravitacionales, y haciéndonos cómplices de los “jovencitos buenos”. Los diálogos estarán plagados de frases clichés y de lugares comunes. Y las hazañas, especialmente las de Tris, serán de niveles sobrehumanos, para triunfar en esta etapa y dejarnos listos para el próximo capítulo.

SÚPERPRODUCCIÓN DE MATINÉE DONDE LA TECNOLOGÍA DE LA HISTORIA COMPITE CON EL ALARDE TECNOLÓGICO DE LOS QUE FILMARON LA PELÍCULA.  REALIZADA PARA QUE NADIE SE ABURRA.  LAS 2 HORAS PASAN “VOLANDO”.         

Ficha técnica

Allegiant Part 1

Año: 2016

País: Estados Unidos

Género: Aventura, Ciencia Ficción

Duración: 121 Minutos

Elenco: Shailene Woodley, Miles Teller, Theo James

Director: Robert Schwentke

Divergente la Serie: Leal - Por Carlos Correa

Esta tercera película de la serie basada en la trilogía “Divergente” escrita por Veronica Roth abre la saga a un nuevo mundo. Volviendo unos pasos atrás, el comienzo desarrollado en la primera entrega me llamó mucho la atención desde el punto de vista de la idea conceptual que encerraba y el lenguaje juvenil que daba vida al relato. Lamentablemente algunos de estos elementos se perdieron en “Insurgente”, la segunda parte, carente de un fondo fílmico y dramático más sólido. Afortunadamente esta secuela retoma la línea inicial y entrega una cinta ágil, bien construida y que desarrolla una tensión creciente desde los primeros minutos.

Tris -Shailene Woodley- y Cuatro -Theo James- deciden enfrentar un nuevo desafío pues Chicago, ya sin facciones, se encuentra dividida y en crisis. Esta aventura es nada menos que traspasar el muro que rodea la ciudad, llevándolos a un horizonte totalmente desconocido, donde todo aquello que concebían ya no es así, cobrando otro sentido. Hay elementos nuevos y descubrimientos que cambiarán totalmente la historia y el camino de los jóvenes protagonistas.

Llama la atención la necesidad o sentido de urgencia que impulsa a Tris a explorar más allá de lo conocido, mucho más allá de su ámbito de acción. El tema es recurrente en la saga y es interesante la forma en que se muestra y se desarrolla en este relato. Hay numerosos valores en juego y que son de vital importancia como la lealtad, el amor y el sacrificio, entre otros. También están presentes acciones de valor comunitario y gestos de perdón que, si bien son básicos, comunes y evidentes, le entregan al metraje un interesante sentido de humanidad y de preocupación por los demás.

El director Robert Schwentke maneja mucho mejor los tiempos y las secuencias en esta secuela. La construcción de escenarios tiene una lograda estética, confrontando la oscuridad de este Chicago rodeado y destruido, con un ácido desierto como tránsito, versus la luminosidad espléndida de un “nuevo mundo”. Tanto los efectos especiales, como la fotografía y la música dotan a la cinta de características propias de una mega-producción lo que sin duda está muy bien logrado.

“Leal” es una película que podemos leerla desde diferentes capas o realidades. La más clara es desde la entretención de una saga juvenil, de acción y aventura. Sin embargo en otra profundidad, surgen claros e interesantes rasgos de desafío y superación de situaciones no deseadas. Una historia dinámica permite desarrollar -en ocasiones con más o menos éxito- esta figura de los “divergentes”, que son finalmente las personas que no se adaptan al sistema y por lo tanto son un peligro para su propia estabilidad. Ellos buscan caminos nuevos, soluciones diferentes y son los llamados a cambiar el mundo que habitan. Acá hay esperanza y futuro, hay una búsqueda impetuosa por ir más allá a través de estos dos personajes, que con sus claras diferencias de género, entienden que el camino es el riesgo y no la comodidad. 

Esta película, la penúltima de la serie, reafirma que nuevos lenguajes juveniles también pueden tener temáticas importantes y construirlas en forma entretenida, lo que ciertamente es un mérito. Si es atractivo al público juvenil, es además una oportunidad para poder entender sus dinámicas para aquellos que ya no somos tan jóvenes, y por ello sugiero no dejar pasar esta oportunidad. Más de alguno se sorprenderá si se deja seducir y acepta el llamado a salir y explorar aquello que no es tan cómodo. El desafío está y depende de nosotros.

Ficha técnica

Allegiant Part 1

Año: 2016

País: Estados Unidos

Género: Aventura, Ciencia Ficción

Duración: 121 Minutos

Elenco: Shailene Woodley, Miles Teller, Theo James

Director: Robert Schwentke

Historia de un Oso - Por Juan Pablo Donoso

Por primera vez Chile obtiene un premio Oscar. Bajo la asesoría de sus profesores de Diseño de la Universidad de Las Américas, Osorio, Castro y otros compañeros, concibieron y realizaron una breve historia animada que nos dio prestigio internacional.

La ternura de sus personajes – ositos – los humaniza para conmovernos con el drama que relatan.

La historia tiene varias lecturas, como cuentos dentro de otros cuentos. Pero lo que deja en claro es la ruptura violenta de una familia feliz por un ejército de circenses uniformados. Estos, para que su circo funcione necesitan capturar y amaestrar animales de distintas especies. Para ello los secuestran, los enjaulan, los entrenan, los explotan y los llevan a países lejanos.

Papá Oso, durante una función, aprovecha la acrobacia para  escapar de la carpa en su bicicleta, recorrer largas distancias y volver a su patria y a su hogar. Al llegar cree haber perdido a su esposa e hijito. Pero ellos lo esperaban a pesar del deterioro físico de la morada. ¿O habían desaparecido también y él sólo los imagina?

La historia la narra un oso organillero ambulante, por medio de figuritas musicales mecánicas, a un osezno infantil que le paga una moneda para presenciar el espectáculo en la calle. 

Según los realizadores la anécdota se inspiró en el exilio político del abuelo de uno de ellos.

El cuento es claro y sensible. El Oso organillero sería el mismo que fue arrebatado de su hogar por los circenses explotadores. Es decir, es autobiográfico. Queda a la imaginación – o a las desinformaciones del espectador - interpretar las metáforas que entrega, ya que nunca se sabe por qué los uniformados de un “circo”, mediante apaleos, se llevaron -de la noche a la mañana- a los pacíficos e inocentes animales de aquel edificio de departamentos que vivían tan felices en la ciudad.

TIERNO  FILME  DE  ANIMACIÓN  QUE  DENUNCIA  LA DESTRUCCIÓN  DE  INOCENTES  HOGARES  POR  MEDIO DEL ABUSO  Y  DE  LA  VIOLENCIA.       

Ficha técnica

Ganadora del Oscar 2016

Directora de Arte y Animación: Antonia Herrera

Música: Dënver

Cello: Felicia Morales

Animación – Drama político y familiar

Chile

11 minutos

Guión: Daniel  Castro y Gabriel Osorio

Director: Gabriel Osorio Vargas            

Hombre irracional - Por Musia Rosa

En una importante universidad se espera con expectante interés la llegada de un famoso profesor de filosofía, Abe Lucas (Joaquín Phoenix), quien resulta ser un brillante y atormentado intelectual al que se le ha ido la inspiración y el sentido de la vida, mostrándose apático en socializar con sus colegas, y sólo algo interesado en una de sus alumnas, por haberle entregado un  trabajo  que  lo motiva a conversar con ella. 

Jill (Emma Stone), la joven alumna, enamorada y comprometida con  Roy (Jamie Blackley) se siente halagada con la distinción del carismático y sufriente profesor y entablan una relación intelectual de interesantes diálogos sobre la vida y la muerte, la verdad y la mentira, la relatividad de lo moral en un mundo real, la acción e importancia del azar, en fin, se pasean por las visiones de grandes filósofos como Kant, Nietszche, Kirkegard y Simone de Beauvoir.

Por otro lado, se ve acosado por la profesora de química, infeliz en su matrimonio, que se acerca decidida a la conquista de Abe, para sacarlo de su pesimismo y de la crisis existencial en que está sumido y arrancarse con él a España.

Una escena que confirma la verdad de la situación anímica del profesor, es cuando en un grupo de alumnos  uno de ellos saca un revólver, le extrae las balas menos una con la intención de jugar a la ruleta rusa y el profesor pide el arma y la apunta a su sien y dispara una, dos veces… hasta que los alumnos, entrando en pánico, logran quitársela de las manos.

La película fluye como comedia suave y cautivante hasta que Abe y Jill oyen una conversación sobre la decisión  injusta de un juez que tiene angustiada a una madre porque le quitarán la custodia de sus hijos.

Este hecho puntual logra sacar al profesor de su marasmo vital para concebir un plan que dará un puntapié al filme para pasar abruptamente de la comedia a un drama violento y peligroso que mantendrá en suspenso al espectador.

Historia interesante desde el punto de vista filosófico y del cuestionamiento moral que plantea, atractiva por el inteligente guión que va construyendo la trama, e ingeniosa para atrapar la atención in crescendo del espectador hasta llegar a su fin.

Woody Allen (“Manhattan”, “Medianoche en París”, “Blue Jasmin”) es el cineasta más prolífico en la historia del cine, lo que le permite tener en su filmografía obras de arte, películas buenísimas y también obras menores que igual atraen a su público incondicional, que sabe valorar su singularidad y talento. 

“Un hombre irracional” no escapa a ese talento y originalidad para tratar la temática central de sus películas y seguir reflexionando y hurgando en la conducta humana y el sentido de la vida. Para ello se vale de notables actuaciones, fotografía y música precisas para centrarnos en lo medular de su siempre interesante propuesta fílmica, para provocar la reflexión y el discernimiento entre lo que está bien y lo que está mal, en la enmarañada sociedad actual en que vivimos, la que confunde y obliga a pensar y sentir para tomar las mejores decisiones, si queremos ser responsables de nuestro destino e influir, en alguna medida, en el bien de los demás. 

Ficha técnica

Hombre irracional

País: EE.UU.

Año: 2015

Duración: 97 Minutos

Calificación:

Género: Comedia, drama

Elenco: Emma Stone, Joaquín Phoenix, Parker Posey, Jamie Blackley, Ethan Phillips

Director y guionista: Woody Allen

Mustang - Por Juan Pablo Donoso

Drama de 5 hermanas huérfanas, en Turquía, que viven en provincia a cargo de la abuela y de un tío.

 En tiempos actuales son obligadas a cumplir con las tradiciones de castidad y matrimonios arreglados por los mayores. 

Eran adolescentes felices que al llegar a esta edad comienzan a sufrir los rigores convencionales y a sentirse prisioneras en ese hogar. Cada una, a su manera, intentará evadir esta prisión. 

Filme escrito y dirigido por mujeres, con el característico tratamiento minucioso de lenguaje audiovisual y actoral, pero con un conflicto que sólo gradualmente entra en clímax hacia el final de la película. 

Hermosas muchachas, agresiva denuncia de género, y fluida narración más sensible que conflictiva.  

                                                                                                                            

PROTESTA  FEMINISTA  CONTRA  LA OPRESIÓN  SOCIAL  HACIA  LAS MUJERES  ISLÁMICAS. GRATA,  LOCALISTA Y  DELICADA. 

Ficha Técnica

MUSTANG: Belleza Salvaje

2015

Guionistas: Deniz Gamze Ergüven, Alice Winocour 

Drama costumbrista y familiar                                                                                       

Turquía

97 minutos

Actores: Günes Sensoy, Doga Zeynep Doguslu, Tugba Sunguroglu

Director: Deniz Gamze Ergüven

Horas contadas - Por Carlos Correa

Película basada en el libro “The Finest Hours” escrito por Casey Sherman y Michael J. Tougias, es la historia real de la misión de rescate “Pendleton” en 1952 realizado por la guardia costera de Estados Unidos, luego que dos enormes barcos petroleros fueron partidos en dos por una enorme tormenta con nieve, lluvia, granizo, inundaciones y olas gigantescas. Este heroico rescate ocurrió en la costa del Cabo Cod y fue llevado a cabo por un sencillo bote salvavidas que logró sortear con éxito todos los desafíos que la situación climática presentaba, rescatando a los sobrevivientes de uno de los mayores desastres navales que se recuerde.

No considero negativo mencionar el desenlace pues el foco de la película no está puesto en aquello sino más bien en intentar retratar la angustia frente a lo incontrolable y el espíritu de coraje, valentía que logra superar el natural miedo a una naturaleza totalmente fuera de control.

La cinta es sin duda una muestra de efectos especiales. La crisis en el barco, la tormenta, las olas y lo extremo del clima están muy bien retratados. Sin embargo, donde naturalmente flaquea, es en la construcción del drama, pasando por una poca elaboración de sus personajes, realzando una caricatura de ellos y llenando sus diálogos de lugares comunes, anunciados y predecibles.

Lo bueno: tensión a raudales en plena tempestad, ágiles tomas y efectos dentro del barco y algunas imágenes de planos abiertos que parecen ciertos. Lo no tan bueno: los diálogos y la falta de un hilo conductor que los enlace y los lleve a hacerlos más creíbles y sólidos. Lo malo: el relato hace “literalmente agua” cuando intenta ser más profundo y no logra transmitir las emociones correctamente.

Lo imperdible es que esta cinta hay que verla en la pantalla de cine más grande que disponga, con el mejor sonido posible y llevar algo para cubrirse porque en más de alguna función el mar se saldrá e inundará la sala.

Ficha técnica

Título original: The finest hours

País: Estados Unidos

Año: 2016

Género: Drama catastrófico

Idioma: Inglés

Producción: Dorothy Aufiero, James Whitaker

Guión: Eric Johnson, Scott Silver, Paul Tamasy

Basada en: The Finest Hours de Casey Sherman y Michael J. Tougias

Música: Carter Burwell

Fotografía: Javier Aguirresarobe

Montaje: Tatiana S. Riegel

Protagonistas: Chris Pine, Casey Affleck, Holliday Grainger, Eric Bana, Ben Foster

Dirección: Craig Gillespie

Mustang - Por Carlos Correa

Nominada al Óscar como mejor película de habla no inglesa, “Mustang” es la primera cinta de la directora turca, nacionalizada francesa, Deniz Gamze Ergüven. El relato comprende la vida de cinco hermanas huérfanas, sus dificultades por ser niñas en una sociedad machista y conservadora. Su forma de composición basa la historia en la narración de la menor de las hermanas, quien con breves intervenciones entrega algunas pistas que ayudan a comenzar a entender lo que las jóvenes están viviendo.

El metraje comienza con el fin del año escolar, la despedida de su profesora que se va a radicar a Estambul, a 1.000 kilómetros de distancia. Las cinco hermanas han jugado con sus compañeros en el agua y al llegar a casa, su estricta abuela y su odioso tío comienzan a crear una verdadera prisión desde la que estas jóvenes solo saldrán casadas “por arreglo” con algún joven del pueblo, previo acuerdo de las familias y comprobación de su virginidad.

La cinta se va tornando aguda, espesa pues nos habla de una represión que a la luz de nuestros días parece improbable y claramente inaceptable. Sin embargo, sociedades así aun existen y la película da cuenta de ello con brío, energía y una línea que permanentemente se mueve en torno a la rebelión o resignación ante una realidad que parece insalvable.

Las personalidades se reflejan de manera estupenda en la construcción de cada una. Tan similares y tan diferentes, que es un real trabajo de joyería. Si bien el relato se presenta desordenado, las piezas empiezan a calzar con el correr de los minutos. Agobia por momentos, atormenta y nos crea una sensación de estar presenciando atropellos y faltas a la dignidad que dan deseos de denunciar a viva voz. Sin embargo, la esperanza surge y se abre paso para abrir la puerta de una historia que puede girar y que nos conmueve y llama a acompañar.

“Mustang” tiene merecidas todas sus nominaciones y premios. Es una valiente denuncia, un relato incisivo de opresión y liberación que fluye confuso, se desarrolla y alcanza altos grados de desarrollo en las actuaciones que lo sostienen. 

Ficha técnica

Mustang

Año: 2015

Género: Drama

Duración: 97 minutos

Idioma: Turco

Dirección artística: Serdar Yemisci

Producción: Charles Gillibert

Guión: Deniz Gamze Ergüven, Alice Winocour

Música: Warren Ellis

Actores: Günes Sensoy, Doga Zeynep Doguslu, Tugba Sunguroglu, Elit Iscan, Ilayda Akdogan, Nihal G. Koldas, Ayberk Pekcan

Dirección: Deniz Gamze Ergüven