jueves, 30 de septiembre de 2021

The Nevers - Por Jackie O.

"Las X-Woman".


Esta serie gira en torno a un grupo de personas comunes, que después de ser golpeados por un fenómeno sobrenatural a mediados de 1896, reciben habilidades excepcionales, pero principalmente las mujeres, por lo que son perseguidos por el gobierno, y categorizados por todos, en especial la prensa, como aberraciones; más bien se les llaman "los Tocados".

Entre todo esto encontramos a Amalia, quien lidera un orfanato que proporciona refugio seguro para "los Tocados", ya sean mujeres u hombres. Y por supuesto, ella es una de estas personas con ciertas habilidades. La ayuda en esta travesía su mejor amiga, una brillante inventora, ambas defienden su especie y luchan por el reconocimiento.

Casualmente quien patrocina y cuida este especial orfanato es una mujer que anda en silla de ruedas, como una "Charles Xavier".

Las habilidades que mantienen todos son relativamente de corte mágico y bastante inusuales, como tocar algo y congelarlo, crecimiento extremo, visiones futuras, etc., las cuales pueden resultar encantadoras e inquietantes. Pero su misión parece depender directamente del destino del mundo, algo que veremos en el transcurso de la trama, ya que se incluye un tema alienígena y algo de viajes en el tiempo. Pero además de tener la importante misión de cambiar el mundo, Amalia también necesita detener a "Maladie", una chica también "tocada", pero completamente inestable y homicida ,que declara la guerra a la élite victoriana, haciendo que todos "los tocados" sean aún más odiados y temidos por la sociedad, por lo que nuestras protagonistas no solo tendrán que enfrentarse a bandas rivales, sino que veremos como la alta sociedad también tiene otros planes con ellos, como por ejemplo explotarlos económicamente (hay un prostíbulo que tiene un personaje de la serie) o incluso someterlos a experimentos.

Una serie que sus capítulos se sienten largos, donde no hacen más que hablar y hablar, a veces sin llegar a un punto, algunas peleas por aquí y por allá para la emoción, y ver las habilidades que tienen, donde dejan la intriga siempre a medias. Los últimos dos capítulos, más o menos y de forma muy rápida, meten todo lo que pudieron haber mezclado desde un comienzo de forma coherente y sutil, por lo que creo que el guion acá estuvo algo perdido.

Su vestuario es bello, una mezcla antigua con modernidad muy femenina. El maquillaje y peinado también debo destacarlo. Las actuaciones son relativas, entre buenas, sobreactuadas e innecesarias. Efectos visuales, en su mayoría buenos.

No se ha mencionado cuándo sería la segunda temporada, y deberían darla, ya que dejó temas inconclusos, como el sótano de un elegante caballero, el alienígena, viajes en el tiempo, temas climáticos, etc.

Interesante, verla cuando se tenga tiempo de sobra. Y tengo la esperanza de que la segunda parte la puedan mejorar en la estructura de su narrativa.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Género: Ciencia ficción - Drama
Creado por Joss Whedon (Avengers, Serenity)
Protagonistas: Laura Donnelly, Ann Skelly, Olivia Williams, James Norton, Tom Riley, Pip Torrens, Denis O'Hare. otros
Serie de televisión. EEUU
Temporadas 1
Episodios 6
Estreno: abril 2021.
Cada cap. 55 min.

Testigos silenciosos - Por Carlos Correa

Disponible en Cinemark.cl


Se anuncia un diluvio para nochebuena. La recomendación es no salir de casa y resguardarse, para así evitar contratiempos y accidentes. Pero para Chen, un médico forense, y su asistente Lynn, dichas precauciones no sirven de mucho pues aun se encuentran en la morgue realizando su trabajo cotidiano: hacer autopsias.

La sorpresa de la noche no se produce por el agua que cae a cántaros, o por el cierre del trabajo, o la pizza compartida, sino que está dada por el intempestivo ingreso al lugar de tres sujetos enmascarados y fuertemente armados, que exigen extraer una bala de un cuerpo femenino que se encuentra en el depósito de cadáveres. Chen deduce de inmediato sus intenciones, eliminar rastros y deshacerse de pruebas que los inculpen, por lo que estratégicamente intenta convencerlos de que la bala no está alojada en el cuerpo de la mujer. Parece resultar, pero las cosas se complican cuando los hombres regresan, piden explicaciones y obviamente actúan con más violencia. La noche avanza y lo de “buena” queda totalmente en el olvido.

Renny Harlin dirige con oficio un thriller de acción que imprime un ritmo vertiginoso de comienzo a fin. No hay pausas, y si las hay, los respiros solo son momentáneos. Como es lógico, hay demasiadas cosas inverosímiles, pero qué importa, se disculpan entre los tiroteos, los golpes y la progresiva destrucción del lugar.

La película funciona y la verdad es que uno no le pide mucho más. ¿Qué es lo que vale? Que siga su línea, que respete el género, que no decaiga en tensión y que llegue al final entera, sin grandes tropiezos o desencajes. Lo consigue en cortos 94 minutos, donde vemos cosas archiconocidas, peleas de todo tipo y situaciones absurdas que, a pesar de todo, nos mantienen alerta esperando el desenlace.

“Testigos silenciosos”, nombre en español para “Chen mo de zheng ren” y también titulada en inglés como “Bodies at Rest”, genera adrenalina. Con actores y locaciones diferentes para una plantilla conocida pero que de igual forma se debe ejecutar correctamente, Renny Harlin no tiene inconvenientes para unir las piezas de forma adecuada e imprimirle un estilo ágil, para un producto de consumo que resulta bien armado y articulado, y que cumple con la premisa de entretener sin mayores pretensiones.

Ficha técnica

Título original: Chen mo de zheng ren
Año: 2019
Duración: 94 minutos
País: Hong Kong
Productora: Media Asia Films, Wanda Media
Género: Acción. Thriller
Guion: David Lesser
Música: Lasse Enersen
Fotografía: Perry Ho
Reparto: Nick Cheung, Richie Ren, Yang Zi, Feng Jiayi, Carlos Chan, Ron Ng, Clara Lee, Sonija Kwok, Shu-liang Ma, Jin Auyeung, Roger Kwok
Dirección: Renny Harlin

miércoles, 29 de septiembre de 2021

La Casa Oscura - Por Jackie O.

"Cuando los sueños nos previenen".


Beth (Rebecca Hall) intenta superar la repentina muerte de su marido, y queda sola en su casa cerca de un lago tratando de seguir con su vida, pero comienza a tener sueños extraños. 

Son perturbadoras visiones en las noches de una presencia que la llama en la casa, que comienzan a ser cada vez más frecuente. Pero de día todo parece normal, y Beth empieza a desesperarse pues cree que se vuelve loca. Sus amigos le aconsejan que busque ayuda o se aleje de su casa para tener su duelo tranquila, pero ella los ignora y empieza a obsesionarse e investigar que quieren decirle esos sueños extraños. Comienza a revisar las pertenencias de su marido tratando de encontrar alguna respuesta. Allí se topa con extraños y terribles secretos que él mantenía.

Este joven director es considerado, dentro de la nueva generación de directores del suspenso y terror, como uno al que hay que ponerle atención. A pesar de que el tema de fantasmas o espectros es recurrente, no todos logran la tensión que sí nos trae esta película, aunque sea en algunos momentos. Pero es efectiva.
Rebecca Hall mantiene la película de muy buena forma, su actuación es creíble y te genera empatía. La casa es otro personaje, así como su alrededor misterioso.
No saltarás de tu asiento, pero no querrás dejarla de ver porque sabe mantener el ritmo de la intriga.

Con efectos visuales que no caen en el exceso, la hacen visualmente atractiva.
Música adecuada, que provoca en el momento justo.
Los personajes secundarios aportan para darle un sentido a la obra.

En qué puede fallar, es que no se desarrolló bien el tema de la "magia..."

Disponible en cines.

Ficha técnica

The Night House
Dirección: David Bruckner
Guion: Ben Collins
Música: Ben Lovett
Fotografía: Elisha Christian
Montaje: David Marks
Protagonistas: Rebecca Hall, Sarah Goldberg, Stacy Martín, Evan Jonigkeit, Vondie Curtis-Hall
País: EEUU 
Año: 2020
Género: Suspenso
Duración: 108 minutos

Escuadrón Suicida 2 - Por Jackie O.

"Dementes simpáticos, pero muy violentos".


Esta es la secuela de "Suicide Squad 2016", que trata sobre un grupo de convictos superpoderosos o sobrehumanos que son liberados de prisión para salvar al mundo.

Mejor que la anterior pero, obviamente, no está completamente relacionado con la primera, donde tenemos algunos de los personajes clave que regresan en esta película: Harley Quinn y Rick Flag, así como un nuevo grupo de antihéroes.

Este grupo de villanos, perdón super villanos, se encuentran encerrados en Belle Reve, una prisión de alta seguridad que para salir de allí harán cualquier cosa, lo que los lleva a unirse al grupo "Task Force X", que se dedica a llevar a cabo misiones suicidas bajo las órdenes de Amanda Waller. Así es que, fuertemente armados, son enviados a la isla Corto Maltese, una jungla repleta de enemigos. El grupo que va a esta misión son: Savant, Blackguard, TDK, Weasel, Javelin, Mongal, Boomerang, junto a Harley Quinn y Rick Flag. Pero algo sale mal y... debe aparecer el grupo 2 de estos "suicidas" a completar la misión, y son: King Shark -Nanaue, Bloodsport, Ratcathcer 2, Polka-Dot Man y Peacemaker.

¿Y cuál es esa misión? En esa isla remota deben destruir una prisión y un laboratorio de la era nazi, pero entran en conflicto con unos soldados y además del villano, disculpen de nuevo es archivillano, y alienígena telepático llamado Starro.

Del minuto 1 y medio vemos violencia, por lo que la película está catalogada con una gran R. El director no deja nada a la imaginación, y hace que tampoco dejemos nuestros asientos, ya que la acción no para, así como las situaciones disparatadas, haciendo una mezcla bien lograda entre acción, actuaciones e ingenio, donde el humor también está muy presente en la película, ya sea a través de la rivalidad entre Bloodsport y Peacemaker o King Shark que trata de adaptarse a los humanos sin comérselos. Pero el humor que maneja es preponderantemente negro, un agudo guión y mucha violencia extrema, lejos de la película de David Ayer en 2016.

Como dije, tiene un ritmo constante y la estructura narrativa de ir y volver en el tiempo en algunos tramos, la hace más fluida para cambiar de escenarios y no sobrecargar la escena o los personajes. La trama es muy simple, y desde el comienzo nos comenzamos a encariñar con algún personaje, pero creo que falla en que muy pocos de ellos tienen una profundidad o un desarrollo para transmitir empatía. Eso hace que los encuentres innecesarios o absurdos, cuando son personajes que son parte de la historia cómics, pero no olvidemos que también se pueden crear nuevos personajes para hacer de alguna forma fluida o coherente la trama, y acá no es la excepción.

La fotografía de Henry Braham (Guardianes de la Galaxia Vol.2, The Legend of Tarzan) hace un gran trabajo en planos dinámicos, colores e iluminaciones para crear una atmósfera distendida. La composición musical de John Murphy (Kick-Ass, 28 Days Later) es muy buena y contagiosa. El vestuario es genial, en manos de Judianna Makovsky (Harry Potter y la piedra filosofal, Los juegos del hambre), y el maquillaje no defrauda nuevamente, donde Heba Thorisdottir encabeza el equipo (Había Una Vez en Hollywood, Ant-Man y la Avispa). En resumen, un trabajo técnico bueno pero, tengo otro pero, en lo que también la hace fallar un poco es en el guion, donde muchas situaciones graciosas, que me reí bastante, también tenían chiste muy infantiles que pueden cansar a algunos.

Y para terminar, aunque tiene esta película un final muy bizarro y arriesgado que perfectamente hubiera hundido la película de una, no lo hace, y en esa extravagancia loca, cumple.

Una entretenida película para quienes gusten de los cómics, seguidores de DC, o simplemente les guste la acción al por mayor, donde no hay nada que pensar.

Y ojo hay escena post crédito, obvio es DC.

Disponible en HBO Max.

Ficha técnica

The Suicide Squad
Dirección y guion: James Gunn
Música: John Murphy
Fotografía: Henry Braham
Montaje: Fred Raskin y Christian Wagner
Género: Acción
Duración: 2 horas, 12 minutos
Año: 2021 
País: EEUU
Protagonistas: Margot Robbie, Idris Elba, John Cena, Joel Kinnaman, Sylvester Stallone, Viola Davis, Jai Courtney, Peter Capaldi

martes, 28 de septiembre de 2021

Clickbait - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Cuando Nick Brewer (Adrian Grenier), un padre de familia, es secuestrado con un siniestro y macabro juego online, la gente más cercana a él intentará contra el tiempo descubrir quién es el secuestrador y cuáles son sus intenciones últimas.


Todo comienza cuando la hermana menor de Nick, Pia Brewer (Zoe Kazan), descubre un video online de su hermano donde este aparece ensangrentado y con un cartel en el que se lee: "A las 5 millones de visualizaciones, moriré".

El título ha sido traducido al español como ciber anzuelo o ciber cebo, aunque el título de la miniserie, tanto en inglés como en español, es engañoso, para lo que esta producción ofrece.

El filme mantiene el interés del espectador por desentrañar la intriga, pero tiene un guion débil, falto de novedad, que parece no tener claridad hacia dónde va. El relato posee una trama interesante como el de las redes sociales y los ingredientes de un thriller, peor no logra profundizar en ninguno de los dos y, al final, la historia pasa a ser una más entre tantas que conocemos en estas temáticas.

La miniserie va haciendo un recorrido en cada episodio por algunos personajes y miembros de la familia, quienes tienen su propio episodio, más el policía y la amante, creando una conmoción y confusión sobre si Nick es el buen hombre que conocen o el extraño que están descubriendo.

La investigación sobre la muerte de Nick se desarrolla en medio de giros y vueltas, mientras su familia profundiza en sus supuestos perfiles secretos de citas.

Al final, Clickbait logra atar los cabos sueltos de la familia Brewer, quedando en deuda con los generadores del conflicto.

Destaquemos los giros inesperados del relato, pero les falta credibilidad, aunque le da el factor sorpresa a la trama, para un final, por lo menos, inesperado. Esos los mantendrá interesados.

De las actuaciones se destaca el trabajo de la actriz norteamericana Zoe Kazan, convence en su rol de hermana, por descubrir la verdad de su familiar perdido.

Thriller a fuego lento y se puede ver rápido. 

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Clickbait 
Año: 2021 
Duración: 8 episodios de 45 min. miniserie 
País: Australia 
Dirección: Tony Ayres, Christian White ,Brad Anderson 
Guion: Tony Ayres, Christian White 
Música: Cornel Wilczek 
Fotografía: Mark Wareham, Marden Dean 
Reparto: Adrian Grenier, Betty Gabriel, Zoe Kazan, Jessica Collins, Camaron Engels, Jaylin Fletcher, Motell Gyn Foster, Daniel Henshall, Abraham Lim, Ian Meadows, Phoenix Raei, Elizabeth Alexander, Hannah Brooke. 
Género: Miniserie de tv, intriga, crimen, redes sociales, secuestros. 
ProductoraCoproducción Australia-Estados Unidos; Master Key Production, Matchbox Pictures, Tony Ayres Productions. Distribuidora: Netflix.

Shang Chi y la leyenda de los diez anillos

"Personajes de los cómics, que se deben conocer".


Lo que nos muestra Marvel (o DC) respecto a personajes principales, son existentes, tienen ya su historia, se cambian algunas partes de su relato original para efectos de llevar el cómic a la pantalla, así como también pueden inventar otros personajes e historias para hacer coherente lo que veremos.

Por eso, casi todo lo que vemos no es producto de la imaginación de los directores o guionistas, solo hacen su tarea buscando sus orígenes y llevándolos a la pantalla en carne y hueso; adaptan. Aunque a veces los puristas quieren más lo que corresponde a la real historia.

Es el caso de Shang-Chi, quien nace en la "edad de bronce" de los cómics, esto es el año 1973. Hijo de Fu Manchu (Zheng Zu/ Xu Wenwu/ Doctor Zu/Han) al cual le dieron un tratamiento diferente en la película, y de Ying Li. Su hermana es Xialing, que no es un personaje existente en el cómic, se cree que es una fusión de todas las hermanas que tiene Shang Chi. Y en cuanto a los 10 anillos, no son brazaletes como la película, son anillos de verdad en su historia original.

Uf! el mundo del cómics tiene mucha historia y enredos, pero debería tener la menor alteración posible al ser llevados al cine/tv, y eso es lo que le restó puntos a esta película.

En cuanto a la película en sí, la trama la hicieron de la siguiente forma: un hombre se enamora de la guardiana de una aldea y, al no ser aceptado ese amor por el pueblo de ella, se van lejos y tienen dos hijos. La madre muere por razones que veremos en el transcurso de la trama, y el padre comienza a entrenar duramente a su hijo, como una maquina de matar. Su hermana, a escondidas, entrena también y sale profesional (un hecho inverosímil, pero es Marvel). El joven, Shang-Chi, a los 16 años, huye de su hogar, dejando a su hermana, pero esta huye después para hacer su vida.

Shang-Chi se cambia el nombre a Shaun y trabaja de "valet parking" en EEUU. con su gran amiga Katy. Hasta que un día, ambos son atacados en un bus por "Razon Firs", quien le roba el collar que porta nuestro joven protagonista. Pero debido al peligro que enfrenta su amiga, Shaun da a conocer sus habilidades en artes marciales, para luego contarle la verdad de su vida a su amiga.

Entre peleas, hay una nota que lo hace viajar a China a buscar a su hermana. Ambos hermanos son emboscados, y tenemos más peleas, comenzando a desenmarañarse la historia de ellos y su padre, la cual es nada compleja y fácil de seguir.

Por la historia del padre de Shang Chi, sabemos que su mente actúa extraña, y acá lo demuestra diciendo que escucha ciertas voces que dicen es su mujer, y eso lo hace pensar en hacer cosas terribles. Su hijo, lamentablemente, deberá detenerlo cuando llegan a la aldea que es el hogar de su madre, lugar que su tía custodia sigilosamente.

Estéticamente es una trama bien hecha en gtérminos generales, dinámica, con toques de emotividad y divertida. Personajes bien logrados, guion simple, con ciertas incongruencias pero entendible, toca temas familiares y la rica mitología oriental. Montaje adecuado, música muy acorde. Vestuario hermoso, así como maquillaje y peluquería. Buenas coreografías, y los CGI se ven bien.

Sí, quiero destacar lo siguiente: las películas de artes marciales no son solo películas de golpes, es una disciplina. Son movimientos bien estructurados, por mucho que los efectos especiales ayuden y se noten, los asiaticos que ya manejan este arte lo hacen ver diferente. No es lo mismo una película hecha por cualquier actor/actriz, que solo meses antes comenzó a prepararse para grabar, versus personas que ese es su estilo de vida. El movimiento, las coreografías, las posiciones de manos y cuerpo, en general, es diferente. Y se ve armonioso, elegante, extremo y natural.

Me encanta Michelle Yeoh, grande en cualquier papel. Pero acá, creo que destacó mucho más Tony Leung, nos dio a un mandarín notable. Un personaje con historia que tiene un desarrollo bien logrado, que nos hace entender por qué su actuar. El resto del elenco estuvo bien.

Simu Liu ya se convirtió en un personaje al tomar este rol protagónico y debe cuidarlo, ya que su actuación estuvo en el "límite" de lo correcto. Este rol es su oportunidad. Un joven actor desconocido, sin haber recibido protagónicos solo secundarios o de extras. Este es su golpe de suerte, lo hizo bien, pero puede darnos más.

Pero estamos ante una película Marvel/Disney, por lo que no vamos a encontrarnos con situaciones reflexivas. Solo disfruta de los fuegos artificiales, que están bien.

Y siendo Marvel tiene escena post crédito, en realidad dos.

Disponible en Cines.

Ficha técnica

Título Shang-Chi and the legend of the Ten Rings
Dirección: Destin Daniel Cretton
Guion: Destin Daniel Cretton y David Callaham
Basada en Shang-Chi de Steve Englehart y Jim Starlin
Fotografía: Bill Pope
Montaje: Nat Sanders
País: EEUU 
Año: 2021
Género: Acción, Ciencia ficción, superhéroes, artes marciales
Duración: 132 minutos.
Protagonistas: Simu Liu , Tony Leung, Awkwafina, Meng'er Zhang , Fala Chen , Florian Munteanu, Michelle Yeoh, Ben Kingsley , Andy Le

Viejos - Por Jackie O.

"El tiempos pasa... y no sé qué hemos hecho..."

Como parte de la historia de cine no puedo dejar de mencionarles cada vez que puedo el origen de algunas películas y, en este caso, no es la excepción respecto del último trabajo de M. Night Shyamalan: “Viejos”, la que es una adaptación de un cómic o novela gráfica de Pierre Oscar Levy y Frederik Peeters, llamada “Castillo de Arena”, que narra sobre cuestionamientos morales y sociales.

Pero cómic como películas, varían en algunas partes de la trama y tienen un desenlace distinto.

En cuanto a la película, no tenía la menor idea de que estaba en cartelera, solo me topé con ella y la vi para salir del común de lo que se ve habitualmente, encontrándome con una grata sorpresa, pero no exenta de detalles técnicos en cuanto a su estética, que lamentablemente no puedo dejar pasar esta vez.

Tenemos un matrimonio y sus dos hijos menores que van de vacaciones a un lugar paradisiaco, desconocido por muchos. Al llegar, todo es perfecto, y el más pequeño hace de inmediato amistad con el sobrino del gerente del hotel. Luego nos enteramos que este matrimonio pasa por un momento difícil en su relación.

Un día determinado, el Gerente les hace la proposición de ir a una playa oculta y hermosa para que pasen el día. Esta familia acepta, encontrándose que otra familia también concurre al lugar.

Al llegar comienzan a suceder cosas extrañas casi de inmediato, como por ejemplo, encontrar una persona muerta, para luego agregar el aceleramiento de los años en ellos, notándose más en los niños. Pocas horas, son años. Comienza la desesperación, ¿qué lugar es ese? y ¿cómo puedo escapar?.

Creo que no se debe decir mucho de la película para no perder la magia o la tensión que sabe mantener.

Pero no tendrás ese giro de tuerca, o sorpresa, o magia de "sexto sentido" o "el Protegido", ya que en su tercera parte comienza a decaer, o sea, en su desenlace. Es como si se desconectara de lo que nos venía presentando desde un comienzo, que era esa tensión de cómo salir de este embrollo.

La tensión juega un rol importante y lo mantiene en gran parte de la obra, al igual que el montaje que está bien. Pero su guion flaquea. En esto último, si no quizo seguir el guion original, debió haber usado o, más los silencios, o un guion más filosófico.

Porque la premisa es interesante. No hablamos solo de envejecer, de que se pierden nuestros sentidos o fuerzas; es mayor, es el tiempo que se nos va. Y esto puedes interpretarlo de muchas formas. 

En cuanto a otra materia que quiso meter en la película, como un grito de alerta y creo que se dió su gustito, pero fue forzado. Me refiero a esa parte inventada de M. Night Shyamalan que es sobre la empresa farmacéutica, con su aprovechamiento y el usar a las personas en "el fin justifica los medios". Buena idea, pero no quedó bien construida.

Los efectos visuales tengo unas contradicciones, ya que se ven cercanos, casi en 3D, pero a la vez falsos en momentos que hace incomodar. El maquillaje, fatal en sus protagonistas, nunca parecieron de la tercera ni menos cuarta edad, mal.

Y el final, debo insistir, fue precipitado e incongruente un poco.

Aun así, es una buena película para ver, si la vez con ojos no tan inquisitivos como tal vez lo vi. Deja mucho que pensar.

¿Qué hacemos con nuestro tiempo? ¿Preocuparnos por el otro en qué es lo que hace? o ¿solo vivir de nuestra apariencia, no enfrentando los problemas?.

Cuánto vale el tiempo, cómo lo aprovechamos, ¿lo aprovechamos bien? ¿Estamos con las personas adecuadas, o solo es por no estar solos? ¿Sabemos tomar desiciones?

En tiempos de pandemia nos dimos cuenta de cuánto hemos o no hecho. Más de alguien comenzó una lista de "que cosas haré cuando salga de acá", se analizaron muchas materias, y también nos cuestionamos muchas cosas.

Luego de vivir lo que es una pandemia, aunque aún no termina, cuanto hemos cambiado , ¿cómo estamos ocupando nuestro tiempo?

No dejemos que se nos escape de las manos.

Una cinta interesante para verla con calma, que da para conversar.

Disponible en Cines.

Ficha técnica

Título original: Old
Dirección y guion: M. Night Shyamalan
Basada en Sandcastle, de Pierre Oscar Levy y Frederik Peeters
Música: Trevor Gureckis
Fotografía: Mike Gioulakis
Montaje: Brett M. Reed
País: Estados Unidos
Año: 2021 
Género: Suspense
Duración: 109 minutos
Protagonistas: Gael García Bernal, Eliza Scanlen,Thomasin McKenzie, Aaron Pierre, Alex Wolff, Vicky Krieps, Abbey Lee Kershaw, Embeth Davidtz, Rufus Sewell.

lunes, 27 de septiembre de 2021

Cry Macho - Por Carlos Correa

Disponible en Cines.


Fines de los años 70, Texas, Estados Unidos. Mike Milo -Clint Eastwood-, es despedido del puesto que desempeñó por años como criador de caballos por su jefe y amigo Howard Polk -Dwight Yoakam-, quien se hartó de su creciente displicencia e indolencia, dejando como un lindo recuerdo aquellos años de estrella rutilante del rodeo tejano.

No obstante, las vueltas de la vida siempre traen alguna sorpresa. Al cabo de un año, Howard regresa para pedirle un favor: necesita que viaje a México y que traiga de regreso a su hijo adolescente para darle una mejor vida, lejos de su conflictiva madre. Sin convicción, pero con espíritu solidario y consciente de su deuda por todas las ayudas brindadas en el pasado por su amigo, Mike emprende un viaje que no comienza de la mejor forma.

Leta -Fernanda Urrejola-, no quiere dar su brazo a torcer, a pesar de que su hijo “Rafo” -Eduardo Minett-, pasa su vida cotidiana en la calle participando en peleas de gallos, tal vez la única actividad que le permite tener un espacio propio, algo de identidad y quizás algún arraigo. Inseparable de su gallo “Macho”, Rafo resulta ser un joven escurridizo, sin embargo Mike da con él con prontitud para exponerle los motivos de su encargo y pese a encontrar las obvias reticencias del muchacho, logra convencerle de regresar a la casa de su padre, lo que seguramente le podría entregar mejores horizontes.

Clint Eastwood, como actor y director, nos trae una película íntima, muy íntima, tal vez de las más personales a su haber. Y es que a sus 91 años no solo sigue vigente como productor y cineasta, sino que aun logra conmover y sorprender. En la cinta también pueden verse ciertas contradicciones, por el uso de formas y elementos que su autor declara. Ver en pantalla el cuerpo delgado y frágil de Eastwood, y a la vez observar la robustez de su dirección, puede ser un claro ejemplo. Este eje debilidad-fortaleza también se expresa a través de otros marcados contrapuntos, como presente-pasado, vejez-juventud y desdicha-amor.

“Cry Macho” puede ser visto como un relato sobre el ocaso de la vida. ¿Qué viene cuando se pierde el sentido? ¿Se vive del pasado o existe algún futuro? Las preguntas en esta realización son más profundas que las respuestas. La filmación es hermosa, hay detalles muy cuidados en varias de sus escenas que, junto con una particular iluminación, entregan algunas pistas acerca del fuero más íntimo del protagonista. Eastwood también filma con la calma que dan los años, con esa sabiduría que solo entrega la edad y la experiencia junto con kilómetros de rodaje.

Basada en la novela de N. Richard Nash, el guion es continuo, no tiene grandes sorpresas y tampoco presenta muchos desafíos. El ingrediente especial, entonces, es la forma de llevar la historia, es decir, todos esos condimentos que Clint Eastwood sabe combinar muy bien. Aunque hay algunas secuencias que carecen de un correlato, las podemos disculpar porque priman otros aspectos que resultan fundamentales como la búsqueda de paz interior, la reconciliación, la pausa necesaria y el amor.

El viaje por el desierto es también simbólico, otra metáfora unida por polos opuestos: uno de ellos se dirige hacia una nueva oportunidad, el otro, hacia su parada final. Acá, el blanco y negro no es literal, está en las capas más profundas, esas capas que descubrimos una vez que logramos sortear la inocencia juvenil de Rafo, las verdaderas intenciones de sus padres y las decisiones que Mike toma en su camino.

Una mención para dos actuaciones femeninas, también con un contrapunto marcado. Fernanda Urrejola logra, en pocos minutos, componer un personaje complejo y del que nos imaginamos claramente su esencia. Por otra parte, Natalia Traven da vida a Marta, una viuda que acoge a los viajeros con una hospitalidad que evoca generosidad y entrega, algo que se transforma en un punto de inicio o tal vez de llegada, una estación cercana, acogedora e inspiradora.

“Cry Macho” esconde bastante tras su aparente simpleza. Miramos a través de los ojos de sus protagonistas y podemos atisbar así el interior de nuestras propias historias. Tal como en muchas oportunidades, completamos el relato en la medida que nos comprometemos con él. Y de la mano de Clint Eastwood no oponemos resistencia, porque nos cautiva con pequeños detalles, nos guía amablemente con una mirada penetrante y una leve sonrisa. Sabemos que allí hay profundidad, lo vemos a través de sus ojos transparentes y lo confirmamos al percibir las debilidades de su cuerpo. Sin embargo, lo que hay allí es un roble, un árbol maduro, un pilar indiscutido, que sigue haciendo lo que más le gusta hacer que es componer buen cine.

Ficha técnica

Título original: Cry Macho
Año: 2021
Duración: 104 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Malpaso Productions, Albert S. Ruddy Productions, Daniel Grodnik Productions, QED International. Distribuidora: Warner Bros., HBO Max
Género: Drama | Road Movie. Vejez / Madurez. Años 70. Años 80
Guion: N. Richard Nash, Nick Schenk. Novela: N. Richard Nash
Música: Mark Mancina
Fotografía: Ben Davis
Reparto: Clint Eastwood, Eduardo Minett, Natalia Traven, Dwight Yoakam, Fernanda Urrejola, Sebestien Soliz, Horacio García Rojas, Daniel V. Graulau, Ana Rey, Brytnee Ratledge, Paul Lincoln Alayo, Alexandra Ruddy, Amber Lynn Ashley
Dirección: Clint Eastwood

El Estornino - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.


Tragicomedia sentimental sobre cómo un matrimonio logra superar el duelo por la muerte de su única hijita.

La moraleja de la fábula es más sutil que directa. Evitaron el melodrama deprimente y también la frivolización de una experiencia tan dolorosa.

Hay dos elementos alegóricos que ayudan a redimir la tragedia. Ellos son un estornino - pajarito díscolo y agresivo - y un atormentado veterinario (Kevin Line) que antes fue un renombrado psiquiatra.

El relato comienza cuando el marido (Chris O´Dowd) habita un sanatorio mental para pacientes depresivos, mientras su esposa (la siempre carismática Melissa McCarthy - Las Reinas del Crimen, 2019) sigue trabajando en un supermercado cada vez más perturbada por su duelo maternal.

Mientras desmaleza el jardín, en la soledad de su hogar, un pajarito insiste en atacarla cada vez que la ve. Entre el bajo rendimiento en su trabajo y las constantes agresiones del estornino, decide consultar a un psiquiatra, Dr. Larry Fine (homónimo con Larry de Los Tres Chiflados), quien cambió de giro dedicándose a la veterinaria.

Cuando la historia comienza están todos en un impasse. El marido esconde las medicinas para permanecer hospitalizado. La abatida esposa, además de la pena y el peligro de cesantía, debe cultivar el jardín protegiéndose la cabeza con un casco de motociclista contra el pájaro. Y el veterinario, ante la insistencia de Lilly, hace una excepción e intentar tratarla psicológicamente, pero sin éxito.

El guionista Matt Harris hace confluir estos casos, aparentemente sin solución, dejando que sea el estornino, con su nido en el árbol del jardín quien, con su persistente agresión, les enseñe a los humanos a enfrentar - y superar - los golpes de la vida.

La gracia del filme es cómo contrasta, de manera natural, los factores graciosos del diario acontecer con las angustias de cada personaje, dejando que sea la familia de estorninos quien les dé el ejemplo de cómo reconciliarse con la vida, con los seres queridos, y consigo mismos.

Muy adecuada elección de la actriz Melissa McCarthy, humorista y comediante, para encarnar a Lilly; de Chris O´Dowd como el padre inmaduro y cobarde frente al dolor; y al consagrado actor Kevin Kline (La Decisión de Sofía - 1982) quien, gracias a la combinación de veterinaria y psicología, avanzó una etapa en su proceso de maduración personal.

PARA REIR, LLORAR, Y APRENDER A RECONCILIARNOS CON LA NATURALEZA Y LOS DESIGNIOS DEL DESTINO. GRATA Y ESTIMULANTE. 

Ficha técnica  

Título Original: The Starling
2021 Tragicomedia EE.UU. - 1,42 hrs. 
Fotografía: Lawrence Sher 
Edición: Matt Friedman, Peter Teschner 
Música: Benjamin Wallfisch 
Diseño de Prod.: Stephanie Hamilton 
Guion: Matt Harris Actores: Melissa McCarthy, Chris O´Dowd, Kevin Kline 
Director: Teodore Melfi

Amenaza bajo el agua - Por Jackie O.

"Sigiloso y temerario".


Estamos ante una secuela de la película "Black Water" (2007), la que estaba basada en hechos reales, donde los protagonistas también debían hacer frente a un terrorífico cocodrilo. En esta segunda entrega, nuevamente el mismo director Andrew Traucki (ahora en solitario), se aventura en la misma temática.

Esta vez nos cuenta la historia de cinco amigos que van a incursionar a una cueva, encuentran el hecho muy audaz ya que quieren pasar un momento memorable de aventura, sin tomar muchas medidas. Y nos hace pensar con mayor detención que, al salir de excursión, debemos hacerlo respetando lar reglas, esto es: ir a lugares aptos para el tránsito del público, con la vestimenta adecuada, con conocimiento claro del clima, aviso a las autoridades del sector que te adentrarás a determinado lugar, etc., pues en la vida, un accidente real supera la ficción.

Volviendo a la película, esta no da tantos rodeos y se mueve rápido, a los pocos minutos nuestros protagonistas ya se ven en apuros. Al llegar a la cueva, una tormenta los deja atrapados a su suerte. Percatándose que no están solos en dicho lugar, existe un temerario y enorme cocodrilo que los acecha. Ahí comienza la real aventura de este grupo: la sobreviviencia. ¿Pero, sobrevivirá alguno?

No podemos decir que es una película predecible, pues no sabemos si alguno saldrá con vida, y si alguien vive, quién.

Esto nos obliga a ver la película completa, ya que queremos saber su desenlace.

En dicho encierro vemos quién es él o la más valiente, algunos secretos que salen a la luz, quién muere primero y como, etc.

La tensión la sabe manejar el director, pues así como ellos, no vemos a este reptil, no sabemos en qué momento puede o no aparecer, tratamos de agudizar nuestra vista o el oido para que no nos atrape.

Además, contamos con solo cinco partícipes en un lugar claustrofóbico, y el dilema de cómo salir de ahí. Una propuesta interesante y compleja.

Los efectos visuales son simples y efectivos. Buen maquillaje.

Falla en su final de casi superhéroe, algo irrisorio, que es lo predecible en estas películas. Y las actuaciones no son del todo creíbles, pero aceptables.

Es una cinta que sabe mantener la tensión, pero que no se supo aprovechar al cien por ciento. Aún así se deja ver.

Disponible en Cines.

Ficha técnica

Título original: Black Water, Abyss
Año: 2020 
Duración: 98 minutos
País: Australia
Dirección: Andrew Traucki
Guion: John Ridley y Sarah Smith
Música: Michael Lira
Fotografía: Damien Beebe
Reparto: Jessica McNamee, Luke Mitchell, Amali Golden, Anthony Sharpe, Benjamin Hoetjes, Rumi Kikuchi, Lynne Rose, Stu Kirk, Vicky Wanless, Tyson Brannigan
Género: Terror. Acción. Drama - Secuela. Cocodrilos

Terror en Altamar - Por Jackie O.

"Niamh Chinn Óir".


Existe más agua que tierra, no es algo nuevo lo que digo, todos lo sabemos, y eso hace que el mar esté lleno de historia, leyendas de monstruos marinos, dioses o de nuevas tramas que vayan surgiendo en algún arrecife o lago. Da para mucho, más cuando es un terreno que por su dimensión no está explorado al cien por ciento, por lo que los guionistas y directores tienen mucho material. 

Acá nos presentan a una joven oceanógrafa, muy poco sociable, que estudia el comportamiento de las profundidades del mar, y para su trabajo se une a un pesquero irlandés.

Todo va muy bien, pero el barco repentinamente se atasca, solo ven que algo daña las paredes, y al atreverse a sumergirse a las profundidades ven que se han topado con algún tipo de organismo vivo con protuberancias adheridas al casco. Los dueños del barco lo ven como un negocio, algo común en muchas cosas de la vida, donde la ambición del ser humano abunda sin importar las consecuencias.
Hasta que nos enteramos que es un parásito que comienza una infección a gran escala. Es ahí donde deberán unirse y luchar por sus vidas para poder ver si salen o no de esta amenaza, ya que se encuentran aislados en el gran océano.

La película cumple con mostrarnos un ambiente claustrofóbico, ya que el escenario es un pequeño barco en el océano. Las actuaciones son simples y sin destacar ninguna, a pesar de haber dos grandes consagrados del cine ahí (Connie Nielsen y Dougray Scott).
Los efectos visuales no tienen nada que envidiarle a las grandes producciones, estos son simples, limpios y efectivos. Buenos.
Tiene una coloración agradable y nítida. Sus encuadres de cámara son acertados.

En qué puede fallar, en su guión, pues no mantiene la tensión que se requiere en toda la película, y se ve envuelto por momentos en situaciones nada importantes que pierden el foco de la trama.

Para pasar un rato sin pensar y solo distraerse, no está mal.

Si quieres analizar temas, podemos mencionar el ecosistema de las profundidades del océano, y cuanto hay que saber o dejar, sin alterar. También, vemos cómo se mezcla la fe (Dios) con las supersticiones, ambas las mantienen nuestros tripulantes, versus la ciencia y la necesidad de pensar en frío sin sentimentalismos ante el peligro, como esta joven científica.

Disponible en Cinemark.cl

Ficha técnica

Título Original: Sea Fever
Dirección y guion: Neasa Hardiman
Año / País: 2019 / Irlanda Irlanda
Duración: 94 minutos
Música: Christoffer Franzén
Fotografía: Ruairi O'Brien
Reparto: Connie Nielsen, Dougray Scott, Hermione Corfield, Olwen Fouere, Jack Hickey, Ardalan Esmaili, Elie Bouakaze, Dag Malmberg.

domingo, 26 de septiembre de 2021

Antes que sea tarde - Por Jackie O.

Leonardo Di Caprio, muy conocido por sus películas pero también como muchas personas, ocupa su tiempo en otros quehaceres relevantes, como por ejemplo, ser embajador de la ONU. Y este documental es parte de su experiencia en ello, donde nos recuerda la belleza y la diversidad de nuestro mundo y nos impulsa a hacer lo que sea necesario para salvar el planeta, y a nosotros mismos. 

Durante los dos años que sirvió como mensajero de paz, registró momentos desgarradores y bellos de nuestro planeta. Se reunió con grandes científicos, ambientalistas, mandatarios, tales como Bill Clinton, Barack Obama, John Kerry, Elon Musk, el Papa, y otros, y también con personas que no creen en el cambio climático que vive el planeta. Todos con fuertes antecedentes que avalan sus dichos.

Cuando crees en algo te aferras a ello, sentir algo y no cambiar porque "es tú verdad", así se muestra acá, adeptos y detractores por el tema del calentamiento global, y sobre los desastres que muchas grandes empresas le hacen al planeta (empresas con nombre y apellido se mencionan)

Pero lo peor es que todos ocupamos esos contaminantes, no somos capaces de crear conciencia y cambiar nuestro estilo de vida. ¿Por qué no nos tomamos el tiempo para hacer algo mejor, para vivir mejor?

No debemos cambiar al 100% de inmediato, pero pequeños actos hacen la diferencia. Pequeños actos que nos harán bien, y podemos incentivar a otros.

Que las futuras generaciones no reciban las cenizas de lo que fue este planeta.

El documental aborda muchos aspectos del cambio climático: desde el derretimiento de los glaciares hasta el problema de la deforestación, el cambio en Groenlandia y las consecuencias en muchas especies animales en peligro de extinción. Con imagenes impresionantes, que nos gritan que cuidemos nuestro hogar.

Es nuestra casa, cómo es que la destruimos de a poco, sin tomar conciencia.

Una cinta que da una comprensión del contexto y los problemas de la crisis del calentamiento global, del impacto en el sector agrícola, la pesca, economía y sociedad, en el ser humano.

Un guion profundo, unas imágenes impactantes, una edición correcta, y un buen locutor.

Hoy en día es necesaria la conciencia medioambiental, por lo que le pedimos a los mandatarios de cada país que, en sus discursos y campañas políticas, tengan presente el medio ambiente, pero no solo en discurso, sino que en actos concretos.

Estamos en el "jardín de las delicias", donde tenemos tiempo de cambiar. No pasemos "al infierno".

Disponible en Disney.

Ficha técnica

Título: Before the flood
Género: Documental.
Dirección: Fisher Stevens.
Producción: Leonardo DiCaprio
Productora: National Geographic Channel.
Reparto: Ecologistas, científicos, políticos, presidentes, expertos de la Nasa.
País: EEUU. Año: 2016
Dirección: 95 minutos.

viernes, 24 de septiembre de 2021

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 24 de septiembre 2021

El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

jueves, 23 de septiembre de 2021

Viejos - Por Carlos Correa

Disponible en Cines.


Una familia llega de vacaciones a un Resort paradisiaco sin sospechar lo que vendrá a continuación. Guy -Gael García Bernal- y Prisca -Vicky Krieps-, solo quieren tener un espacio de descanso, desconectarse de sus problemas y brindar a sus dos hijos pequeños, Maddox y Trent, una experiencia inolvidable.

La pareja pasa por momentos estresantes por lo que esta escapada la visualizan como una oportunidad ideal. Sin embargo, y a poco andar, nos damos cuenta de que el matrimonio se encuentra en serias dificultades y que la decisión de concurrir a este lujoso hotel es producto de otras razones.

El lugar es hermoso, el entorno es ideal y la hospitalidad de quienes están allí para facilitar sus días destaca por amabilidad, simpatía y disposición. Es por ello que, cuando el gerente les ofrece visitar una playa exclusiva a la que solo algunos de los huéspedes son invitados, la oferta se enmarca perfectamente dentro de un cuadro que resulta imposible de rechazar.

La excursión los sorprende en compañía de otras personas: Charles -Rufus Sewell-, un médico cirujano acompañado por su madre Agnes, su esposa Chrystal -Abbey Lee- y su hija Kara; Jarin -Ken Leung-, un enfermero casado con Patricia -Nikki Amuka-Bird-, de profesión psicóloga; y Mid-Sized Sedan -Aaron Pierre-, un conocido y famoso rapero.

La verdad sea dicha, el lugar es un paraíso en la tierra, o bien, como dicen sus anfitriones, “su propia versión del paraíso”. No obstante tanta maravilla, surge una gran preocupación: en la playa comienzan a suceder varias situaciones extrañas que no tienen explicación razonable. La sorpresa es aún mayor ante descubrimientos que parecen imposibles referidos a una situación que comienza poco a poco a desesperarles: se dan cuenta que el tiempo transcurre muchísimo, pero muchísimo más rápido de lo habitual, envejecen aceleradamente y, además, se ven imposibilitados de abandonar el lugar.

M. Night Shyamalan, con su imaginación y oficio, nos brinda un baño teñido de aspectos que comenzamos a dilucidar lentamente en la medida que avanza el metraje. Basada en la novela gráfica “Sandcastle”, escrita por Pierre Oscar Levy y Frederik Peeters, el director compone un guion que nos sumerge en el misterio de este envejecimiento repentino. La premisa es interesantísima, porque reduce el espacio-tiempo, lo comprime al máximo y además le entrega elementos de suspenso que capturan nuestra atención de manera consistente.

Quienes están en la playa deben resolver la ecuación que se les presenta. Desconocen lo que sucede sin embargo deben intentar despejar los términos correspondientes. ¿Cómo actuamos ante lo desconocido?¿Cómo cambiamos nuestro actuar ante aquello que no logramos entender? Hay acá, una reflexión sobre estar atrapados, con múltiples variables pero una constante que es inexorable: el vertiginoso avance del tiempo. En la playa todo pasa extremadamente rápido, no hay espacio para comprender aquello, no hay forma de detenerse y reflexionar; es una bola de nueve que amenaza con pasarles por encima en fracción de minutos.

Como el núcleo central es el tiempo, Shyamalan retrata con sus personajes lo que podríamos asimilar a la angustia por la falta de tiempo sumada al agobio de un encierro forzado. Claro, la pandemia mundial ha provocado un cambio de paradigma y de percepciones: parece que el tiempo se hubiese detenido, o bien no observamos claramente su avance; o tal vez todo ha sucedido tan rápido en estos últimos casi dos años que nos perdemos totalmente, o quizá es como si se tratara de una dimensión que nunca hubiera existido. Este juego abstracto -qué es real, qué no es real, qué percibo, qué no percibo-, es la esencia de un relato que no da tregua en sus 108 minutos de duración.

Shyamalan nos llena de preguntas sin respuestas a través de los diálogos y las acciones de sus protagonistas. Observamos el vacío, la infinitud, la desesperación y la calma, tanto en forma contradictoria como complementaria. Asimismo, y en una reflexión sobre la vida, se presenta un conflicto humano, moral, ético y científico de insospechadas proporciones.

¿Y si la vida fuera así de corta? ¿Nos reconciliaríamos con el paso del tiempo? ¿Alcanzaríamos la anhelada paz ? La película entrega un sinnúmero de sensaciones y se transforma por ello en una experiencia. Estamos viendo algo diferente y podemos dejarnos envolver para disfrutarlo al máximo. Además, Shyamalan filma todo al detalle, con un estilo particular, con enfoques especiales, vivos colores y una edición que destaca por su natural continuidad. Sumemos a esto que las actuaciones resultan convincentes para terminar de configurar una producción que asoma impetuosa gracias a su buena ambientación y a una banda sonora precisa para generar tensión y reacción.

En pocas palabras, “Old” se inscribe en la lista del director de “Sexto Sentido” y “Fragmentados”, como un relato sólido, tal vez no para todo público, pero que a quienes seguimos a este realizador no nos defrauda en absoluto. 108 minutos que pasan tan rápido como lo que la película recrea, tal vez en una asociación sublineal con su esencia. Una nueva experiencia, otra dimensión del paso del tiempo, tan reflexiva y profunda como el punto al que queramos llegar.

Ficha técnica

Título original: Old
Año: 2021
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Blinding Edge Pictures, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Intriga. Fantástico. Thriller. Drama | Familia. Sobrenatural. Cómic
Guion: M. Night Shyamalan. Novela gráfica: Pierre-Oscar Lévy, Frederick Peeters
Música: Trevor Gureckis
Fotografía: Mike Gioulakis
Reparto: Gael García Bernal, Vicky Krieps, Rufus Sewell, Thomasin McKenzie, Alex Wolff, Nikki Amuka-Bird, Abbey Lee, Ken Leung, Aaron Pierre, Eliza Scanlen, Emun Elliott, Embeth Davidtz, Alexa Swinton
Dirección: M. Night Shyamalan

Terror en Altamar - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cinemark.cl


Terror y misterio en un tema ya tratado en excelentes filmes anteriores como La Cosa (1982) y Alien, el Octavo Pasajero (1979). Sólo que ahora sucede en el mar de Irlanda.

Al parecer, nos advierten de lo peligroso que es alterar el equilibrio ecológico de las desconocidas criaturas que habitan en los océanos.

Casi todo sucede en un pequeño barco pesquero a punto de ser expropiado. Del éxito de esta travesía dependerá que los dueños puedan pagar sus deudas.

Siobhan (Hermione Corfield - Star Wars, 2017) está pronta a doctorarse en biología marina. Sus maestros le exigen realizar la práctica final a bordo de un jabeguero.

Su carácter retraído le hará aún más difícil la convivencia en medio de una tripulación supersticiosa referente a llevar pasajeras colorinas.

A poco navegar, - por zonas donde la pesca está vedada - la quilla del barco comienza a desintegrarse. Una extraña criatura luminosa, similar a un pulpo, está disolviendo la madera. Secreta una sustancia capaz de traspasar incluso el acero. Ya masacró a la dotación de otro barquito que encontraron en su ruta.

Nuestros personajes comenzarán a sentir síntomas de malestar, cefaleas, manchas en los ojos que crecen hasta reventar y dejarlos ciegos para, finalmente, ir muriendo uno por uno.

Mientras avanza el relato - de manera muy lenta y pausada - nos preguntamos cómo terminará, quién se salvará y cómo.

Por más que la bióloga trate - sin éxito - de averiguar las características del monstruo para contrarrestarlo, y devolverlo a su hábitat, la nave está demasiado lejos y sólo queda incendiarla y quedar a la deriva en el mar.

Más que terror, la historia nos hace compadecer a esas pobres personas sometidas impotentes a un destino fatal.

La evolución de los personajes, y sus motivaciones, son esquemáticas y a ratos inexplicable. Teniendo sobre sus hombros el protagonismo, la bióloga Siodhan vive la encrucijada entre proteger las especies animales venenosas, a sus compañeros humanos, o claudicar definitivamente a todas ellas dando así un remache a la fábula.

UN DILEMA DE SOBREVIVENCIA PLANTEADO COMO PELÍCULA DE TERROR VERSUS MORAL ECOLÓGICA. 

Ficha técnica   

Título Original: Sea Fever
2019 Misterio, terror, ecología 
Irlanda, Inglaterra, Suecia, Bélgica, EE.UU. - 1,35 hrs. 
Fotografía: Ruairí O'Brien 
Edición: Barry Moen, Julian Ulrichs 
Música: Christoffer Franzén 
Diseño Prod.: Ray Ball 
Actores: Hermione Corfield, Dag Malmberg, Jack Hickey 
Guionista y Directora: Neasa Hardiman 

lunes, 20 de septiembre de 2021

Entre Navajas y Secretos - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Cuando el renombrado novelista de misterio Harlan Thrombey (Christopher Plummer) es encontrado muerto en su mansión, justo después de la celebración familiar de su 85 cumpleaños, el inquisitivo y cortés detective Benoit Blanc (Daniel Craig) es misteriosamente reclutado para investigar el asunto. Se moverá entre una red de pistas falsas y mentiras interesadas para tratar de descubrir la verdad tras la muerte del escritor.


Filme que cuenta con un sinnúmero de nominaciones y premios, con un gran reparto, haciendo que la historia se construya de manera natural y en perfecta armonía, donde ninguna estrella opaca a la otra y por supuesto la dirección de Rian Jhonson logra hacer la perfecta conjunción de ellas.

Por otra parte, nos propone algo distinto y a la vez sugerente para el espectador y que podemos encontrar en las novelas policiacas como las de Agatha Christie. Partiendo con la premisa, ¿quién lo ha hecho?, en este caso el crimen se transforma en un rompecabezas, tanto en el relato como tal como para el espectador, colocando un desafío para este último y ver si logra descubrir al criminal antes que lo haga el investigador del filme.

Es un filme bien hecho, en su guion y dirección, entretenido, a veces un poco loco, con un fino humor negro en lenguaje de comedia, pero lo mejor es cómo incorpora al espectador en el misterio del asesinato y la investigación.

Locaciones, escenografía están para que relato fluya acompañado de la música de Nathan Jhonson.

Ha sido tal el éxito que ya se está trabajando en la segunda parte, pero otra plataforma ganó su producción.

Ficha técnica

Título original: Knives Out 
Año: 2019 
Duración: 130 minutos
País: Estados Unidos 
Dirección: Rian Johnson 
Guion: Rian Johnson 
Música: Nathan Johnson 
Fotografia: Steve Yedlin 
Reparto: Daniel Craig, Ana de Armas, Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Toni Collette, Don Johnson, Michael Shannon, Christopher Plummer, Lakeith Stanfield, Katherine Langford, Jaeden Martell, Riki Lindhome, Edi Patterson, Raúl Castillo, Frank Oz, M. Emmet Walsh 
Género: Intriga, crimen, comedia negra. 
Productora: Filmnation Entertainment, Ram Bergman Productions, Media Rights Capital (MRC). Distribuidora: Lionsgate 

Premios 

2019: Premios Oscar: Nominada a mejor guion original 
2019: Globos de Oro: Nom. a mejor film comedia, actor (Craig) y actriz (de Armas) 
2019: Premios BAFTA: Nominada a mejor guion original 
2019: National Board of Review (NBR): Mejor reparto. Top films del año 
2019: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año 
2019: Critics Choice Awards: Nominada a mejor comedia, reparto y guion original 
2019: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor guion y dirección artística 
2019: Círculo de Críticos de San Francisco: Nominada a mejor guion original 
2019: Satellite Awards: Mejor reparto. 4 nominaciones, incluyendo mejor comedia 
2019: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película 
2019: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion original 

Locked Down - Por Carlos Correa

Disponible en HBO Max.


Londres, Marzo de 2020. Una pareja vive el confinamiento producto de la pandemia de COVID-19. Ella, Linda -Anne Hathaway-, es directora ejecutiva de una empresa multinacional y desarrolla teletrabajo. Él, Paxton -Chiwetel Ejiofor-, oficia de conductor de camiones de reparto. Ambos llevan un buen tiempo juntos pero están pasando por malos momentos, agravados por el encierro y las escasas perspectivas con que ven su relación para el futuro.

Sin embargo, surge una luz. Producto del cierre de inventarios en los almacenes Harrods, Linda debe gestionar el envío de un oneroso diamante a Estados Unidos, pieza avaluada en más de 3 millones de dólares. Y como en la tienda existe una réplica, una idea resulta prometedora: enviar la copia al comprador anónimo, conservar el original y después que todo pase, venderlo al mejor postor.

Paxton y Linda deciden aplazar sus decisiones radicales de separación por el atractivo de este inusual atraco, para el que deberán coordinar todos los detalles en forma precisa, en una ciudad prácticamente vacía, con controles de seguridad estrictos aunque siempre con espacios sensibles y vulnerables.

Doug Liman dirige un guion de Steven Knight que sitúa la acción mayormente en locaciones cerradas. Es obvio, remite a la necesidad de evitar al máximo la circulación por la amenaza global del coronavirus. Y dado el contexto, gran parte del metraje juega con las ya conocidas reuniones virtuales, espacios caseros, rutinas aprendidas a la fuerza y muy pocos exteriores, solo los indispensables para dar cuenta de un ambiente que se percibe absolutamente anormal, algo que para todos nosotros es revivir los peores momentos del confinamiento personal y familiar.

La cinta fluye a pesar de sus ripios. El ritmo es cansino y solo por momentos pisa un poquito el acelerador. La filmación se mantiene gracias al ángel y carisma de Anne Hathaway y Chiwetel Ejiofor, y solo ellos, porque resulta muy curioso el poco desarrollo y configuración de los personajes secundarios que les acompañan en esta oportunidad.

La historia, a pesar de su aparente simpleza, tiene otros elementos de los que pudo haber obtenido un mejor partido. Por ejemplo, en los nutridos diálogos de la pareja se dejan entrever temáticas de su vida juntos y también sobre las decisiones acerca del futuro. Por eso resulta confuso que el texto desaproveche la oportunidad de profundizar, máxime si tampoco se enfoca en una acción que, supuestamente, los mantiene reunidos.

También se explora en dilemas morales, en hacer o no lo correcto a pesar de una evidente oportunidad. Acá, quizás, está un poco más extendido su desarrollo, pero aun así no alcanza a situarse como un tema sustantivo y de mayor reflexión. Otros esbozos corresponden a las disquisiciones individuales de Paxton y Linda: qué han hecho con sus vidas, cómo les afecta el pasado y qué quieren construir a futuro, ya sea juntos o cada cual por caminos individuales. Si bien surgen luces, tampoco es algo que el guion logre enrielar ni menos elaborar en forma apropiada.

En resumen, “Locked Down” -muy mal titulada en español como ”El amor en tiempos del Covid”-, algo entretiene y se deja ver, pero deja el sabor agridulce de haber perdido una oportunidad inmejorable, no obstante un elenco poderoso, para elaborar una película más inquietante sobre una realidad que a todos nos ha pasado por encima y que naturalmente tiene de antemano nuestra cercanía y empatía.

Ficha técnica

Título original: Locked Down
Año: 2021
Duración: 118 minutos
País: Reino Unido
Productora: Storyteller Productions. Distribuidora: Warner Bros., HBO Max, HBO
Género: Romance. Comedia | Robos & Atracos. Coronavirus (COVID-19)
Guion: Steven Knight
Música: John Powell
Fotografía: Remi Adefarasin
Reparto: Anne Hathaway, Chiwetel Ejiofor, Ben Stiller, Lucy Boynton, Ben Kingsley, Mindy Kaling, Stephen Merchant, Dulé Hill, Mark Gatiss, Jazmyn Simon, Bobby Schofield
Dirección: Doug Liman

sábado, 18 de septiembre de 2021

Testigos Silenciosos - Por Jackie O.

"Dispuestos a todo."


Trabajando en la morgue y en nochebuena, un forense y su asistente son repentinamente abordados por intrusos enmascarados que exigen el acceso a un cuerpo.

Nos encontramos con una película asiatica de acción que no aburre, pues te mantiene en constante atención. Su premisa es interesante: unos enmascarados buscan un cuerpo en la morgue pues los involucra en un crimen y no deben dejar huella. En dicha morgue está un viudo forense con su asistente, más el guardia de seguridad, un hombre de avanzada edad. A los pocos minutos de lo que sería una noche más, aparecen tres enmascarados y comienza una caótica noche, pues no tenían presente que nuestros protagonistas harían lo posible por defenderse, y para que se haga justicia.

A medida que avanza la cinta, vamos conocimiendo a los protagonistas y las razones de por qué nuestros antagonistas están interesados en dicho cuerpo. Cada quien tiene su personalidad. Vemos la brutalidad de algunos, la torpeza de otros, así como la astucia de los principales.

Dinámica, predecible, pero sabe mantener el ritmo de la acción con golpes, balazos, y hasta los mismos muertos sirven de apoyo para defenderse. Incluso, mantiene la tensión, lo que no todas las películas últimamente provocan, y eso a asta se le agradece.

Las actuaciones son relativas, el médico forense es muy creíble así como el antagonista mayor. El resto solo cumple. La banda sonora intensa y acorde a cada movimiento que veíamos.

Simple, sin tanto efecto visual excesivo, sabe distraerte en una tarde donde no querrás pensar en nada, solo mirar golpes y algo de sangre.

Disponible en Cinemark.cl y Cining.cl

Ficha técnica

Título original: Chen mo de zheng ren aka (Bodies at Rest)
Año: 2019 
Duración: 90 minutos
País: Hong Kong
Dirección: Renny Harlin
Guion: David Lesser
Música: Lasse Enersen
Fotografía: Perry Ho
Reparto: Nick Cheung, Richie Ren, Yang Zi, Feng Jiayi, Carlos Chan, Ron Ng, Sonija Kwok, Shu-liang Ma, Jin Auyeung, Roger Kwok
Género: Acción, Thriller

jueves, 16 de septiembre de 2021

J’accuse - Por Carlos Correa

Disponible en Cines.

Un batallón de soldados marcha solemnemente. La extensión parece amplia y la cámara lentamente acompaña sus movimientos. El ambiente es tenso, algo importante sucederá. Se trata de una declaración, la lectura de una sentencia, un antes y un después en la vida del capitán francés Alfred Dreyfus -Louis Garrel-. Para este joven oficial judío el castigo por sus actos de espionaje para favorecer a Alemania consiste en cadena perpetua y relegación a la Isla del Diablo, en la Guyana Francesa. Dreyfus insiste que es un hombre inocente.

Posterior a su nombramiento como jefe de la sección de inteligencia del ejército, el coronel Georges Picquart -Jean Dujardin-, quien fuera parte en el juicio contra Dreyfus, observa nuevos antecedentes que le hacen dudar respecto del verdadero responsable de las filtraciones, debido a que el flujo de secretos aun continúa. Por eso, y ahora desde otra posición, comienza a investigar, y lo que encuentra es una red oscura de encubrimientos, mentiras y corrupción, en un grado difícil de imaginar y comprender.

Basada en la novela "An Oficial and a Spy”, escrita por Robert Harris, la esencia de la cinta es el verdadero caso Dreyfus, que adquiere una connotación especial desde que el escritor Èmile Zola publicara en 1898 en el diario L'Aurore la famosa carta J’accuse…!, dirigida al Presidente de la República, exponiendo inconsistencias y detalles precisos acerca de un hecho que conmocionó fuertemente a la sociedad de la época.

Roman Polanski dirige esta película con indudable maestría. Gracias a un pulso y un ritmo “in crescendo”, la narración compromete en la medida que entramos en su interior. La edición es notable, no hay detalle dejado al azar. Asimismo, la ambientación de cada uno de los lugares, su particular luminosidad y colores empleados, entregan al relato una dimensión que se complementa con encuadres estéticos y una banda sonora que está posicionada en momentos clave.

El guion resulta apasionante. Si bien se cocina a fuego lento y va de menos a más, su forma de construcción permite ir sumando poco a poco los antecedentes que permiten componer el cuadro general. Es hermosa la forma de introducir los recuerdos y también la manera de volver al presente. Son ventanas simbólicas, una transición artística y a la vez sicológica para un protagonista que se cuestiona, reflexiona y decide sus acciones, reflejando una interioridad que se expresa en forma gráfica y convincente.

La personificación de Picquart es excelente, coincidente con el trabajo actoral de un grupo que destaca en todas las secuencias. Resulta creíble que se desafíe la institucionalidad, adquiere peso la importancia de hacer lo correcto, de ir contra la corriente para destapar el oscurantismo de la corrupción. También se evidencian las falsas lealtades y la conveniencia de los actos que colisionan con principios rectores que no debieran ser vulnerados. Punto aparte para el vigor de la defensa que se lleva a cabo, la decidida lucha por demostrar la inocencia de una persona aun sin que existan vínculos de afecto o amistad.

Obviamente, no todo en Picquart es fortaleza, valores y principios. Tiene debilidades, como cualquier ser humano y también es vulnerable, sin embargo su impulso por descubrir la verdad, es lo que prima en su actuar. No es sencillo para él enfrentarse al poder militar y político. Implica un esfuerzo extenuante e incluso peligroso. Además, sus acciones se inscriben dentro de la manera de resolver los problemas de esa época, donde el honor está en juego y los duelos a muerte son habituales.

Una consideración adicional. La carta pública " J’accuse" destapa algo que se transforma en escándalo, da cuenta del poder de la prensa -el llamado cuarto poder-, el que, incluso con su influencia y notoriedad, no logra encausar el orden de las cosas, ni tampoco develar la verdad de los sucesos. Pero aun así hay consecuencias; exponer públicamente es algo que trae cola, puede resultar tan beneficioso como perjudicial y peligroso. Acá lo vemos, con un segundo juicio y una apelación, con el paso de años y años para conseguir que se aclarare todo.

Sin eludir la actual condición legal de Roman Polanski, esta cinta se podría perfectamente relacionar con su propia situación, lo que agrega discusión respeto de esta expresión artística. Y como todo elemento importante, se transforma en parte sustancial del debate, aunque sobrepase este trabajo puntual o se asocie a otras condiciones. No obstante lo anterior, “J’accuse” es interesante por sí misma, independiente su realizador, pero sin duda no es posible separarles del todo.

Como consideración final una ratificación: Polanski filma de una manera excelente, su relato es sólido y sus acentos son ya característicos. Ver su cine siempre es una experiencia y esta película no desentona en lo absoluto. Y por favor no se pierda los créditos finales, momento para el que Alexandre Desplat junto con el director, destinan, tal vez, la mejor partitura de la cinta.

Ficha técnica

Título original: J’accuse
Año: 2019
Duración: 126 minutos
País: Francia
Productora: Coproducción Francia-Italia; Gaumont, Légende Films, Canal+, Eliseo Cinema, France 2 Cinema, France 3 Cinéma, RAI Cinema
Género: Drama. Intriga | Biográfico. Histórico. Siglo XIX. Ejército. Años 1900 (circa)
Guion: Roman Polanski, Robert Harris. Novela: Robert Harris
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Pawel Edelman
Reparto: Jean Dujardin, Louis Garrel, Emmanuelle Seigner, Grégory Gadebois, Hervé Pierre, Wladimir Yordanoff, Didier Sandre, Melvil Poupaud, Mathieu Amalric, Laurent Stocker, Eric Ruf, Vincent Pérez, Michel Vuillermoz, ver 10 más
Dirección: Roman Polanski

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Jueves 16 de septiembre 2021

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

Ainbo: la guerrera del Amazonas - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cines.


Lo mejor de esta epopeya animada es la belleza de sus dibujos, y la perfección técnica de sus detalles.

Lo demás es la compleja aventura de una niñita indígena del Amazonas, llamada Ainbo, que debe ir en busca de un árbol mágico cuya raíz salvará a los habitantes de Candamo, la aldea donde vive su tribu.

Tiempo atrás un demonio llamado Yakuruna les echó una maldición para que los ancianos y peces fallecieran, que los jóvenes se marcharan, y le dejaran la tierra a él para excavarla y llenarse de oro.

El debilitado Jefe de la tribu le transfiere el poder a otra niñita llamada Zumi para que guíe, y cuide, a los sobrevivientes. A su vez, le encargan a la pequeña huerfanita Ainbo que, debido a su destreza con el arco y las flechas, vaya en busca de la raíz mágica que podría salvarlos a todos.

La niña, acompañada de sus amiguitos, un armadillo - Dillo - y un tapir gordo y grande - Vaca - iniciarán una larguísima y arriesgada expedición en busca de la cura milagrosa.

Estos compañeros juguetones serán sus Espíritus Guías, para socorrerla cada vez que esté en peligro.

Con recursos narrativos ya vistos en excelentes animaciones anteriores como Moana y Frozen, esta fábula se nos hace abrumadora por el sobrecargo de peripecias y nuevos personajes que van apareciendo.

A nuestro parecer faltaron canciones y bailes para crear distensión entre una hazaña y la siguiente. Son tantas las etapas del viaje, y algunas dejando cabos sueltos, que más bien parece la síntesis de una larga y amena teleserie infantil. Si cada etapa fuera un capítulo separado, más breve, con los mismos protagonistas, incluyendo cantos y danzas, las unidades podrían desarrollarse mejor, quedando más redondeadas y, lo más importantes, dejarnos con ganas de ver el próximo episodio.

De todos modos la historia general es hermosa y abunda en valores humanitarios. Hay compañerismo, solidaridad, antagonistas satánicos y desalmados, espíritus mágicos que se encarnan para rescatar a los inocentes, y una corriente amorosa que atraviesa toda la fábula.

Es posible que los niños la disfruten más que los adultos ya que retendrán en sus memorias los incidentes en forma dispersa sin saber que el relato - con más selección - pudo tener una coherencia menos episódica.

FÁBULA INFANTIL AMAZÓNICA CON BELLÍSIMAS IMÁGENES ANIMADAS CUYO ARGUMENTO TRATÓ DE ENTREGAR DEMASIADOS VALORES EN UN LAPSO COMPACTO.

Ficha técnica

Animación, aventuras, fantasía ecológica
2021 Perú, Países Bajos -1,24 hrs. 
Edición: Job ter Burg 
Música: Vidjay Beerepoot 
Dirección de Arte: Pierre Salazar 
Guionistas: Brian Cleveland, Jason Cleveland, Larry Wilson, Jose Zelada 
Voces: Bernardo De Paula, Thom Hoffman, Alejandra Gollas 
Directores: Richard Claus, Jose Zelada

lunes, 13 de septiembre de 2021

Misha y los lobos - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 


Este documental narra la historia que está detrás del libro “Misha: una memoria de los años del Holocausto”. El trabajo se centra en la autora, quien en su escrito da cuenta de una impresionante historia sobre cómo sobrevivió desde los siete años caminando por países ocupados por las fuerzas nazi, en un recorrido de cientos de kilómetros acompañada solo por lobos, buscando a sus padres deportados.

El relato de Misha genera una tremenda oportunidad literaria. Los planes de un libro a gran escala toman forma e incluso se observan perspectivas de llegar a una audiencia aun mayor por el interés de Oprah, sin embargo todo aquello se frustra con una demanda y un millonario juicio que obliga, a quien publicaría el testimonio, el pago de 22.5 millones de dólares, como resultado de una sentencia abrumadora y lapidaria.

Jane Daniel, editora de Mt. Ivy Press, recibe el fuerte golpe y no da crédito a los acontecimientos. Algo no cuadra, esto no puede ser posible. Inicia, entonces, una investigación incierta. Contacta a Evelyne Haendel, genealogista belga y también sobreviviente del Holocausto, para buscar información, datos, fechas, nombres y circunstancias. Lo que parecía una increíble historia de supervivencia, a la luz de los nuevos antecedentes recabados, adquiere una perspectiva diferente, con infinitas aristas y muchísimos más protagonistas.

Este documental, escrito y dirigido por Sam Hobkinson, pasa de ser un testimonio pasivo a componer un verdadero thriller activo. Atrapa, aunque no de entrada, porque vamos por un camino y de improviso giramos hacia otro, nos devolvemos, giramos de nuevo y tomamos un rumbo diferente. Su composición lineal ayuda a presentar los elementos y así acompañar cada vertiente, con entrevistas que crecen en audacia y que sorprenden por sus aportes y giros. El tratamiento, como modelo, es clásico, sin embargo la acertada edición del documental genera inquietud: ansiamos conocer la resolución de sus diferentes ramificaciones.

Adelantar la trama haría un flaco favor. Yo, al menos, lo vi sin ningún antecedente salvo el título, por lo que me fui sorprendiendo de una forma que no me lo esperaba en absoluto. La madeja de la historia se va desenredando gradualmente y emergen temas trascendentes que tienen que ver con la verdad y su precio, el surgimiento de cuestionamientos, la verificación de fuentes, el contraste de opiniones, lo meticuloso que debe ser el trabajo periodístico y la labor fundamental de la validación editorial respecto de cualquier tipo de contenido que se quiera hacer público.

Si usted quiere descubrir por sí mismo el documental, le sugiero leer solo hasta acá, no por riesgo de spoiler, sino por algunas apreciaciones sobre aspectos que se ponen de relieve en este trabajo.

Una mención importante es que, en general, ante una tragedia mayor no parece existir ningún asomo de duda de parte de quienes reciben la información. ¿Cómo cuestionar a una persona que ha sufrido en extremo? Esa actitud, ¿es correcta o incorrecta? El documental no opina, solo expone, porque es un trauma de proporciones, y la confianza ante los hechos descritos no se pone en duda. Sin embargo, cuando se traiciona la credibilidad aparecen los problemas, porque alguien que es víctima puede, irreparablemente, pasar a ser un villano. ¿O puede, también, pertenecer a ambas categorías?

Sam Hobkinson presenta, además, otros puntos de inflexión en su trabajo, sin embargo nos deja a nosotros que hagamos la interpretación. ¿Son verdaderos esos puntos? ¿Están definidos o son difusos? ¿Existen límites, que en este caso, se han cruzado?

Finalmente, algunas preguntas adicionales en esta reflexión. ¿Hay, acá, mala intención? ¿Corresponde a un aprovechamiento? ¿El objetivo es la fama, o el dinero, o ambos? ¿O tan solo nos encontramos con un ser humano sufriente, que posee su propia verdad, que con su imaginación se protege de su vulnerabilidad y construye una historia que tiene características sanadoras y reparadoras? Los elementos están en la mesa para componer nuestro juicio de valor.

Ficha técnica

Título original: Misha and the Wolves
Año: 2021
Duración: 89 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Bélgica; APT Film and Television, Arts Alliance Productions, Bright Yellow Films, Las Belgas, Met Film Production, Take Five
Género: Documental | Holocausto
Guion: Sam Hobkinson
Música: Nick Foster
Fotografía: Will Pugh
Reparto: Documental
Dirección: Sam Hobkinson

Pelotón - Por Jackie O.

"El horror de las guerras". 


Una película bélica que vale verla. Una cinta que está ambientada en la guerra de Vietnam.

Estamos en 1967, donde Charlie Sheen es un joven de buena familia que se alista como voluntario en el ejército y es asignado cerca de la frontera de Camboya. Ahí pasa muchas dificultades, comenzando con su inexperiencia, el abuso de poder, la locura y la irá, sin dejar de lado la amistad.

El director supo plasmar la decadencia del ser humano y otras caras de la guerra, las que se ven reflejadas entre los protagonistas. Tom Berenger es el soldado malo, cruel y sobreviviente, a quien no le importar nada, y Williem Dafoe es el soldado bueno, humano y más correcto. Valores con los que nace cada persona, o que va forjando en su vida.
Así, vamos viendo muchas historias, muchos eventos traumáticos y desiciones duras que tomar.

Acá se grafica la guerra de forma cruel, y destacando que los estadounidense sí cometieron atrocidades en la guerra, en una época política complicada para ellos.

¿Quién es al final el enemigo, el otro país con el que combates, uno mismo, los poderosos que te envían?

La Dirección es magistral, pues guía de forma correcta las actuaciones y nos lleva a esa desastrosa época, con una ambientación bien recreada. Las actuaciones, todas muy buenas, vemos varias conocidas en roles principales y otros bien secundarios. 

Vestuario y maquillaje destacan. Qué decir del guión, es una historia bien contada.
Sobre la música, aunque nos encontramos con el "Adagio para cuerdas" de Samuel Barber, "White Rabbit" de Jefferson Airplane, y otros, está muy acorde a la trama, en este ambiente hostil.

Como dato les cuento que esta es la primera de la trilogía de películas que Oliver Stone dirigió sobre la Guerra de Vietnam, siendo las otras dos, Nacido el 4 de julio (1989) y El cielo y la tierra (1993).
Y ganó 4 Óscar y 1 Globo de Oro.

Disponible en YouTube o la puedes arrendar en Google Play. 

Ficha técnica

Nombre original. Platoon
Dirección y guion: Oliver Stone
País: EE.UU.
Año: 1986
Género: Drama. Bélico
Duración: 120 minutos
Música: Georges Delerue
Sonido: John K. Wilkinson. Richard D. Rogers. Charles Grenzbach y Simon Kaye
Maquillaje: Gordon J. Smith
Fotografía: Robert Richardson
Montaje: Claire Simpson
Vestuario: Wynn Arenas
Efectos especiales: Yves De Bono
Protagonistas: Willem Dafoe, Charlie Sheen, Tom Berenger, Forest Whitaker, Kevin Dillon, Keith David, Johnny Depp, otros.

Capitana Marvel - Por Jackie O.

"Superheroínas en acción".


Una película que fue muy taquillera el 2019, pero no fue lo que esperaba en ese momento, ¿Por qué?

La historia de Danvers, les puedo decir que apareció por primera vez como oficial de la Fuerza Aérea de los EEUU y colega del superhéroe Kree, Mar-Vell en el comics Marvel Super-Heroes # 13 (marzo de 1968), donde una pelea entre Mar-Vell y el comandante Yon-Rogg terminó con la explosión de un arma Kree, que afectó a Carol. La radiación modificó su estructura genética y la convirtió en un híbrido humano-kree de enormes poderes, transformándose en Ms. Marvel que se puede ver en "Ms. Marvel #1" en enero de 1977. ( Pero en el año 1970, apareció en otro comics honónimo).

En cuanto a la película, tenemos a una chica en otro planeta, con poderes, que trata de controlarlos con ayuda de un mentor. ¿Y qué sabemos de ella? Poco, solo que tiene vagos recuerdos (pesadillas) de lo que le pasó en algún momento de su vida y trata de indagar en ello. Por supuesto, al final de la trama se sabrá. Pero aun así no existe una historia de ella: no se muestra el mundo en que vive, cómo es su día a día en ese planeta, cómo ha lidiado con su poder… nada.

Para Carol Danvers/Vers (nuestra Capitana B. Larson) todo es confuso, no logra recordar bien su pasado. La vemos con súper poderes desde el comienzo, los cuales fueron adquiridos de una forma determinada (teseracto), reitero, no se ve un proceso desde que los obtuvo hasta cuando la vemos en acción. Espero que eso en el futuro lo desarrollen mejor (Capitana Marvel 2, se dice que viene a finales del 2022), ya que esta trama es algo plana al comienzo, porque no se construye bien un relato

Cuando llega el momento en que esta chica se enfrenta a los “enemigos”, o eso se cree, los llamados Skrull, unos seres que pueden cambiar de aspecto, es en una pelea que los lleva a la Tierra. A una Tierra desconocida por Carol y estos Skrull, en una época con toda la onda de los años 90, muy bien adaptada.

Entre tanto alboroto, Carol/Vers conoce a Nick Fury (S.L. Jackson), y aquí es donde comienza lo bueno de la película. El ritmo cambia y se hace interesante. Además, vemos al agente Coulson como un novato agente, ambos muy jóvenes con Fury. La química entre Nick y la Capitana es muy buena (es en los únicos instantes en que se le ve a ella con carisma y naturalidad).

Cuando Carol/Vers logra recordar y saber de su pasado, lo hace con la ayuda de su gran amiga, y la hija de esta (ojo con esta niña, no es casualidad que esté). ¿Recuerdan cómo se llama?:

Mónica ¿Eso les dice algo?... ¡Pero como! ¡Vamos, recuerden!

Es Photon o Spectrum y nos puede sorprender en el futuro, aunque acá cuentan diferente la relación que existe entre ellas.

Después de haber dado unas pinceladas por aquí y allá de la historia, les diré lo bueno y malo estéticamente según yo:

LO BUENO: - El gato, ustedes creyeron que lo había olvidado, pues no. Él y Samuel te causaran más de una sonrisa. - Los efectos que hacen ver más joven a Fury y al agente Coulson. - La ambientación noventera. - Las coreográficas peleas, se ven buenos efectos visuales. – El vestuario de todos, en especial de Brie (menos cuando cambia de color, eso fue tan rebuscado). – La música. – La primera escena post créditos (la segunda no vale quedarse, si quieren se las cuento yo). - Samuel L.  Jackson, se maneja muy bien en el rol. - Y por supuesto el homenaje a Stan Lee y su cameo.

LO MALO: - Brie Larson, no tiene carisma para el personaje por lo que es reemplazable (espero se reivindique ya que la encuentro una gran actriz. Así que le daré otra oportunidad: Quiero verla más empoderada y con naturalidad en su rol). - Los antagonistas no fueron muy convincentes. Ahí falló el o los villanos. Ni Ronan molestó. – El guion malo, no tiene un relato bien contado, y con chistes, en su mayoría, fomes. – Mala dirección de estos novatos Directores. – Forzada, para el contexto en que fue contada la historia lo de sus súper extra macro poderes de Capitana (Sé que es poderosa, pero como fue contada la historia no fue una buena trama) – Horror la forma en que Nick perdió el ojo. Mala idea a quien se le ocurrió, no entiendo por qué no siguieron la línea del comics en esta parte.

¿DUDA EXISTENCIAL? ¿El agente Coulson será un Skrull? o Fury?

Disponible en Disney+.

Ficha técnica

Dirección: Anna Boden y Ryan Fleck
Guion: Anna Boden, Ryan Fleck, Geneva Robertson-Dworet y Jac Schaeffer
Historia: Nicole Perlman, Anna Waterhouse y Joe Schrapnel
Basada en Carol Danvers de Roy Thomas y Gene Colan
Música: Pinar Toprak
Fotografía: Ben Davis
Montaje: Elliot Graham y Debbie Berman
Vestuario: Sanja Milkovic Hays
Protagonistas: Brie Larson, Samuel L. Jackson, Ben Mendelsohn, Djimon Hounsou, Lee Pace, Lashana Lynch, otros.

domingo, 12 de septiembre de 2021

El hombre del futuro - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Relata la historia de Michelsen, (José Soza) un solitario camionero que ha tenido que jubilar a la fuerza y emprende un último viaje por el extremo sur de Chile. Su objetivo es reencontrase con su hija Elena (Antonia Giesen) a la que no ve hace más de 15 años y redimir los errores del pasado. Un viaje de reencuentro enmarcada en la naturaleza salvaje de la región de Aysén.


Es el primer largometraje de Felipe Ríos, teniendo buena acogida en festivales y también en plataformas de streaming.

Este es un filme íntimo en su relato y construcción; conecta con las emociones tanto del protagonista como con el espectador, colocando sobre la mesa dos elementos clave en la relación de un padre con su hija como son el reencuentro y la posibilidad del perdón. La alternativa de esto último es algo perentorio para Michelsen pero, como siempre, la posibilidad del perdón está dada por la compasión de quien se lo puede otorgar, Elena.

La ambientación muy bien lograda, donde esos camiones que recorren esa agreste ruta le otorgan una naturalidad al relato. Además, acompañado por los hermosos parajes de la región de Aysén, a la vez, crudo por su frio y lluvia, le entrega una atmósfera y carácter a los personajes propios de esa región de Chile.

Es un relato de pocas palabras, silencios y primeros planos; las actuaciones hacen lo suyo, construyendo una historia sin sentimentalismos, por lo tanto, muy real.

Historia de emociones contenidas. Al parecer en ese sur chileno solo la naturaleza expresa lo que desea en el tiempo que quiere.

Buen filme chileno para ver en familia y puede que permita expresar algunas emociones no expresadas a aquellos que queremos.

Disponible en OndaMedia.cl

Ficha técnica

Título original: El hombre del futuro 
Año: 2019 
Duración: 92 minutos
País: Chile 
Dirección: Felipe Ríos Fuentes 
Guion: Felipe Ríos Fuentes 
Fotografía: Eduardo Bunster 
Reparto: Jose Soza, Antonia Giesen, Roberto Farias, María Alché, Giannina Fruttero, Amparo Noguera 
Género: Drama
Productora: Quijote Films y Sagrado Films. Co-producción con Unión de los Ríos de Argentina

Testimonio - Por Jackie O.

"Almas que fueron olvidadas".


Un documental que, en solo pocos minutos, te muestra una realidad olvidada, desconocida o simplemente ignorada.

Hecho a fines de los 60 -durante el Gobierno de Eduardo Frei Montalva, padre del después Presidente de Chile Eduardo Frei Ruiz-Tagle-, se filmó este documental donde nos muestran cómo era en ese entonces el Servicio de Psiquiatría del Hospital General de Iquique, un lugar olvidado. Encontramos a 29 hombres y 23 mujeres pacientes que comparten un baño, viven en piezas en condiciones deplorables, cuentan con un auxiliar de enfermería, un empleado que tiene turno cada 24 horas y un médico psiquiatra, pero solo vemos a un hombre darles de comer. Ver a los pacientes es peor en ese momento, comen en cualquier lugar, el suelo, de pie, donde sea. Sus condiciones higiénicas son horribles, y las mujeres,  aunque se ven más ordenaditas, están igual de perdidas.

No vemos a nadie más, no hay entrevistas a los encargados, solo es una cámara "intrusa" que recorre ese pequeño espacio olvidado por Dios... por todos.
No sabemos quiénes son esos seres, si fueron horribles personas que dañaron a su familia o a otros, si fueron buenos y simplemente por su enfermedad sus familias los dejaron. No sabemos nada de ellos.
Pero no pueden estar en esas condiciones.
Es diferente, creo yo, a los internos de recintos penales los que cometieron actos ruines, pero no me remitiré a eso ahora.

La salud mental es algo dejado de lado como varias enfermedades en toda la historia, nunca se abarcan las condiciones de una manera global, siempre de a poco.
Pero, en tiempos de pandemia, afloró el tema, ya que aumentaron los casos de enfermedades mentales. No como las que vemos en este documental, tal vez, pero no deja de ser preocupante.

¿Qué pasó con estas personas? Nadie sabe. Solo fueron parte de un documental experimental del momento, que mostró algo sin ser preparado, algo inhumano, algo triste.

Grabado en un precioso blanco y negro que capta la luz, la simetría perfectamente de algo tan triste, y una música como si fuera una película de terror (pero no está tan lejos de eso). Con una voz en off, que nos relata en algunos momentos este escenario, que cumple tanto como el mismo silencio, que nos bofetea para reaccionar.

Este corto lo había visto hace unos años y me volvió a estremecer, tanto como esa primera vez.
Los invito a que lo vean, porque no nos deja indeferentes.
Nos da un remezón como sociedad, como seres humanos.
Muchas veces no podemos tener las condiciones para tener un familiar con alguna enfermedad, pero no nos olvidemos de su existencia. No hagamos como que ya desaparecieron.

"Con más o menos modestia queríamos aportar a este cambio. La denuncia de situaciones absurdas, de injusticia y de las contradicciones propias del sistema era un camino para crear conciencia de esta necesidad de cambio" . (Entrevista a Pedro Chaskel, Fondo Cineteca Universidad de Chile).

Se conserva en la Cineteca de la Universidad de Chile.

Velo en este enlace.

Ficha técnica

Año: 1969 PAíS: Chile
Duración : 8m
Formato: 16 mm
Idioma: Español
Pedro Chaskel (Dirección, montaje y guion)
Edición: Dalila Muñoz Lira, Catalina Araya
Hector Ríos (Dirección de Fotografía)
Zoltan Kodaly y Leó Schidlowsky (Música)
Héctor Noguera (Narración)