jueves, 26 de octubre de 2017

Thor: Ragnarok - Por Juan Pablo Donoso

Tremenda epopeya mitológica que, afortunadamente, tiene chispazos de buen humor.

Inspirada en el héroe legendario Thor – de la empresa Marvel de comics – contrataron al neozelandés Taika Waititi para dirigir este capítulo #17 de la saga. Y fue una decisión acertada.

Ragnarok significa destrucción total del planeta Tierra con todos sus habitantes. En la mitología nórdica es la batalla del fin del mundo (destino de los dioses).

Esta vez Thor (Chris Hemsworth) es prisionero en el otro extremo del universo. Con urgencia necesita volver a la galaxia Asgard para impedir Ragnarok, y salvar aquellas civilizaciones contra la bella y despiadada Hela, Diosa de la Muerte (Cate Blanchette), que desea recuperar su trono y dominar el firmamento.

Pero esta es sólo una de las muchas polaridades de la gran batalla. Son demasiados los combates y abundantes los nuevos personajes que surgen en este capítulo: su hermano Loki (Tom Hiddleston), Sulfur, el Dios del Fuego, Hulk, como furioso enemigo combatiente, llevando en su interior al gentil Dr. Banner (Mark Ruffalo) como su aliado, Karl Uban como feroz guerrero y Tessa Thompson como la invencible mulatita valkiria wagneriana. Y por sobre ellos, en una dimensión de lejana sabiduría, la inspiración del dios Odin guiándolo espiritualmente (Anthony Hopkins). Y varias otras estrellas taquilleras del cine como Benedict Cumbderbatch (Codigo Enigma) para ser el Dr. Strange.

Atmósfera y tratamiento onírico. Evoca surrealismo y tecnología futurista.

El argumento mítico tiene profundidad. Y aunque desconozcamos antecedentes, lo que fascina y mantiene nuestra atención es la acción sorpresiva y continuada.

Gran belleza escenográfica, vestuarios, maquillajes y efectos especiales.

Cualquier evento o traslado de escenario parece posible por medio de la magia inherente mezclada con chatarra futurista. Elementos escatológicos, transformismo y refinada tanatología.

El relato es tan abundante y variado que sólo hay que dejarse llevar para disfrutarlo, y pedirle el mínimo de lógica; las peripecias se multiplican por sí mismas a medida que avanzan las aventuras y los giros temáticos.

Hay hasta alusiones a ritos masónicos, con Gran Maestro incluido (Jeff Goldblum).

Reminiscencias de Espartaco, Gladiator y Guerra de las Galaxias (por algo intervino Industrial Light & Magic de George Lucas).

Thor, héroe casi invencible, especialmente cuando esgrime su martillo metálico con retorno de bumerang, repite varias veces su motivación para luchar:

“Asgard no es un lugar, es la gente, la humanidad”.

INMENSA, COMPLEJA, MUY DINÁMICA, TAQUILLERA Y QUE LOGRA MANTENERNOS ATENTOS Y DESLUMBRADOS.

Ficha técnica


Cinecolor Films 
Acción, Aventuras, Ciencia ficción EE.UU. - 130 minutos 
Fotografía: Javier Aguirresarobe 
Edición: Zene Baker y Joel Negron 
Música: Mark Mothersbaugh 
Diseño Prod.: Dan Hennah y Ra Vincent 
Guionistas: Creg Kyle, Christopher Yost, Erik Pearson 
Actores: Chris Hemsworth, Tom Hiddleston, Cate Blanchett, Benedict Cumberbatch 
Director: Taika Waititi (Neo Zelandés)

Más Allá de la Montaña - Por Juan Pablo Donoso

Lo más rescatable son los bellos paisajes nevados y la simpatía del perro.

El piloto de una avioneta sufre un infarto mientras vuela sobre los montes rocallosos de Denver. La nave se cae y los dos pasajeros sobreviven en las cumbres nevadas, lejos de toda ayuda. Ella es una fotógrafa que iba a casarse, él es un neurocirujano negro que iba a realizar una operación.

En medio de la soledad y el frío, el médico afirma que “el corazón es sólo un músculo hasta que descubre - ¡oh novedad! – que también es símbolo de sentimientos".

Se toman 112 minutos para contar lo que habría bastado con 45 elaborados con realismo inteligente.

Los actores se empeñan en dar lo mejor de sí, pero con semejante guión toda la historia sucumbe en absurdos y pueriles reiteraciones. Tal vez la novela de Charles Martin permitía tantas reflexiones, pero en tensión fílmica, por muy crítica que sea la situación, se torna inverosímil y melodramática. Llena de concesiones innecesarias y diálogos repetidos; ilógicos saltos de tiempo: de pronto nos enteramos que pasaron 3 días o semanas de penuria, y los rostros, cuerpos y ropas siguen iguales. ¿Por motivos de glamour comercial?

La inclusión de un puma en la soledad de la nieve fue sólo un artificio para crear suspenso y comérselo a él. Peripecias forzadas con hielo que se quiebra y una providencial cabaña solitaria en la montaña, equipada con alimentos, camas y aseo. Especial para insertar, ¡obvio!, la infaltable escena de sexo. Los diálogos, aunque fueran referentes, suenan pedestres porque están mal insertados en el pulso narrativo.

Precaria situación de pareja solitaria muy difícil de mantener como drama en un largometraje. Giros gratuitos y poco verosímiles. Faltaron secuencias intercaladas para justificar antecedentes personales. Sólo se dedicaron a contarlos verbalmente una y otra vez. Epílogo estirado, dulzón y visto miles de veces en otras películas.

LAMENTABLE MELODRAMA ROMÁNTICON TRAS UN ACCIDENTE AÉREO EN LAS MONTAÑAS.

Ficha técnica


Título Original: The Mountain Between Us 
Fox Aventura, drama, romance EE.UU. – 112 minutos 
Fotografía: Mandy Walker 
Edición: Lee Percy 
Música: Ramin Djawadi 
Diseño Prod.: Patrice Vermette 
Guionistas: J. Mills Goodloe, Charles Martin, Chris Weitz 
Actores: Idris Elba, Kate Winslet, Beau Bridges 
Director: Hany Abu-Assad

La Familia Monster - Por Juan Pablo Donoso

Los niños disfrutarán con las aventuras de esta loca familia. Los adultos hallarán momentos graciosos. Lo mejor es la calidad de su animación.

Holger Tappe, uno de los más expertos directores alemanes en dibujos animados – El Carrusel (2015) – Animales Unidos Jamás serán Vencidos (2010) – La Isla Maravillosa (2008) – se basó en el libro y guion de David Safier para realizar este largometraje.

La familia Wishbone es poco feliz y bastante disfuncional. El padre es un empleado mediocre aburrido y pedorro. La hija adolescente sólo pensaba en su apariencia. El hermanito estudioso es víctima de bulling, y hay una madre hermosa que intenta levantar los ánimos. Para ello organiza una fiesta en que todos se disfrazan como la Familia Munster de la TV (década de los 60). Pero del paseo se entera el Conde Drácula y se empeña en secuestrarlos seduciendo a la mamá, Emma.

Con la ayuda de una bruja loca, Baba Yaga, que al comienzo colabora con Drácula, pero después ayuda a la familia, vivirán momentos de miedo y turbulencia.

Quedarán perdidos en el desierto de Egipto y serán víctimas de un Faraón megalomaníaco, además de varias otras criaturas tanto humanoides como vampiroides.

Se supone que toda la odisea que experimentan disfrazados como Familia Munter les servirá para terminar siendo, finalmente, una Feliz Familia Wishbone otra vez.

La calidad de la animación, la fluidez del relato con variados episodios, y el empeño de los personajes por liberarse de aquel torbellino les hará comprender que, en realidad, sus vidas originales eran mejor de lo que creían. Hasta la rebelde adolescente Fay descubrirá que su belleza interior es superior a la externa.

En este género fueron más efectivas las pasadas versiones vampíricas de Hotel Transilvania (2012 y 2015).

Las voces de los personajes originales – Emma Watson. Jason Isaacs, Nick Frost y los otros - están dobladas al castellano

COPRODUCCIÓN GERMANO/INGLESA, AMENA PARA NIÑOS. MEJOR LA PRIMERA MITAD QUE LA SEGUNDA.

Ficha técnica


Título Original: Happy Family 
BFDistribution 
Comedia familiar, Aventura, Animación Alemania – 96 minutos 
Edición: Bjorn Teubner 
Música: Hendrick Schwarzer 
Diseño Prod.: Tino Roeger 
Guionistas: David Safier, Catharina Junk 
Voces originales: Emily Watson, Jason Isaacs, Nick Frost 
Director: Holge Tappe

La Posesión de Verónica - Por Juan Pablo Donoso

Por fin una película de horror que tiene nobleza de ESTILO y sensibilidad de fondo y forma.

Inspirada en un hecho policial verdadero cuyo misterio paranormal jamás fue resuelto.

Madrid, junio de 1991; Verónica es una colegial adolescente de 15 años cuyo padre acaba de morir. Como la madre trabaja de garzona en una tasca cercana, ella debe cuidar a sus 3 hermanos menores: unas gemelas y al pequeño Antoñito, estrábico e indefenso.

Aprovechando que en el colegio todos suben a la terraza a ver un eclipse, Verónica y dos amigas bajan al subterráneo e intentan invocar al espíritu de su padre. Pero una extraña fuerza sobrenatural aturde a la muchacha. En la enfermería, donde se recobra, nos enteramos que a esa edad aún carece de menstruación. A esa alteración hormonal atribuyen las extrañas alucinaciones que sufrirá más adelante.

Una monja vieja y ciega del colegio intuye que la niña está poseída por fuerzas malignas, y le aconseja “cerrar la puerta que nunca debieron abrir”. Dice, “No me hacen falta ojos para ver la realidad”.

Más, la presencia diabólica seguirá atormentándola a ella y a sus hermanitos en el hogar, hasta llegar a niveles fuera de todo control.

Aterrada, la niña se pregunta: “Si el fantasma no es mi padre, ¿quién es entonces?... ¡Soy YO MISMA!”

El inspector policial Ramón Romero y sus ayudantes fueron testigos presenciales de las consecuencias paranormales y quedaron traumatizados para toda la vida.

En el rol de la madre reaparece en nuestras pantallas la actriz Ana Torrent, aquella carismática niñita de 10 años en el filme de Carlos Saura CRÍA CUERVOS de 1975. Es grato ver como conserva su fuerza emotiva.

Lo que distingue a este filme de tantos otros de terror extrasensorial es el amor que el director, Paco Plaza, siente por sus personajes, y como ese afecto se nos transmite a los espectadores. Aquí nadie es “malo”, ni por ello debiéramos repudiarlo, sino que todos son vulnerables a posibles fuerzas negativas del más allá. Incluso deja abierta la posibilidad de que los hechos fueran provocados por la psicokinesis de Verónica. Este tratamiento aterrador genera en nosotros sentimientos de conmiseración más que de repulsión. Ni siquiera la monja ciega es maligna. Al parecer, ella también antes fue víctima de fuerzas siniestras.

Se agradece la falta de efectismos sonoros y visuales. Lo fantasmagórico sólo se manifiesta como sombras o presencias sutiles.

UN BUEN FILME DE TERROR ESPAÑOL, CONCEBIDO Y REALIZADO CON RESPETO POR SUS VÍCTIMAS. BASADO EN UN HECHO REAL.

Ficha técnica


Andes Films Terror España – 105 minutos 
Fotografía: Pablo Rosso 
Edición: Martí Roca Música: Chucky Namanera 
Diseño Prod.: Javier Alvariño 
Guión: Fdo. Navarro, Paco Plaza 
Actores: Sandra Escacena, Bruna González, Claudia Placer , Ana Torrent 
Director: Paco Plaza

Maudie, el Color de la Vida - Por Juan Pablo Donoso

Biografía emocionalmente lograda en lo estético y actoral.

Nos dan a conocer a Maud Lewis (1903), una excepcional pintora naif de Nueva Escocia, región costera de Canadá.

Maud desde pequeña sufrió de aguda artritis reumatoidea. Esto la hacía caminar agachada y con dificultad para usar brazos, manos y piernas. Su familia la trataba como minusválida y hasta retardada mental.

Pero ella amaba la pintura y hacía cuadritos ingenuos inspirándose en la fauna y flora que la rodeaba. Fumaba copiosamente para calmar sus dolores. Tuvo una hijita natural y la engañaron diciéndole que había muerto por deformidades congénitas.

Queriendo darle sentido útil a su vida se empleó como sirvienta de un rústico y abrutado pescador artesanal. Éste al comienzo la maltrataba porque era la única forma que conocía para tratar con otras personas. Pero gradualmente ella, además de convertirse en su conviviente primero y esposa después, comenzó a civilizarlo.

Una dama neoyorkina de las vecindades reparó en el talento pictórico de Maud, le compró las primeras ilustraciones y empezó a difundir su talento en círculos urbanos más sofisticados. Al cabo de un tiempo la jibarizada y despreciada mujercita se transformó en una celebridad. Pero siempre fiel a su marido ignorante, y jamás abandonando su humilde vivienda y terruño.

De cierta forma nos evocó la relación de pareja de Gelsomina y Zampanó en La Strada de Fellini. Con la diferencia que este caso fue real.

El guion de Sherry White y la dirección de la irlandesa Aisling Walsh transmiten con fuerza los matices y perfiles de estos personajes. La fotografía paisajística de Guy Godfree ambienta el relato con bellísima precisión; y la música de Michael Timmins, en las canciones y fondos, consolida el mensaje medular de esa pintora excepcional: “La totalidad de la vida se encuadra en una ventana”.

Cabe aplaudir la actuación de la inglesa Sally Hawkins por su perfecta caracterización y ternura. Ethan Hawke, que siendo un buen actor, de manera irregular combina la imagen de brutalidad con su proceso de transformación amorosa. Tal vez predominó su imagen de galán hollywoodense sobre la del auténtico gañán primitivo.

El golpe de gracia lo dan las realizadoras cuando al final, con breves filmaciones de la época, nos muestran a los verdaderos Maud Dowley y de su esposo Everett Lewis.

BIOGRAFÍA PROFUNDAMENTE CONMOVEDORA Y DE GRAN BELLEZA VISUAL. MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica


Cine Arte Galería Patricia Ready 
Biografía, drama, romance Irlanda, Canadá – 115 minutos 
Fotografía: Guy Godfree 
Edición: Stephen O´Connell 
Música: Michael Timmins 
Diseño Prod.: John Hand 
Guionista: Sherry White Actores: Sally Hawkins, Ethan Hawke, Kari Matchett 
Directora: Aisling Walsh

miércoles, 25 de octubre de 2017

Thor: Ragnarok - Por Carlos Correa

Cuando nos referimos al “universo cinematográfico” de Marvel puede que resulte ser una expresión exagerada. Sin embargo, al contener historias mitológicas, aventuras espaciales, extraños planetas y personajes extravagantes, estamos realmente en presencia de una universalidad especial y “Thor: Ragnarok” es una perfecta muestra de aquello pues combina con eficacia todos esos elementos y desarrolla una cinta con un notable nivel de producción artística.

La historia es más simple de lo que parece en esta tercera parte de la trilogía comenzada el 2011. El Dios del Trueno -Chris Hemsworth- ha vuelto a su planeta Asgard donde las cosas han cambiado. Su padre Odin -Anthony Hopkins- predice el “Ragnarok” que es la destrucción total de la civilización a manos de Hela -Cate Blanchett-, la Diosa de la Muerte. Por supuesto su hermano Loki -Tom Hiddleston-, tan voluble como pintoresco, poco ayuda en este desafío que comienza en el planeta Sakaar, donde el Gran Maestro -Jeff Goldblum- organiza combates entre gladiadores donde la estrella principal es nada menos que nuestro conocido Hulk -Mark Ruffalo-.

Taika Waititi conduce una cinta que pone su principal acento en los absurdos y en las bromas constantes entre sus personajes. Todo es divertido, incluso las secuencias de mayor tensión resultan graciosas. Este permanente sentido del humor hace que la cinta fluya y que no se detenga demasiado en la emocionalidad de los protagonistas pues cuando algo puede ser un poco más profundo o dramático, un chiste irrumpe de golpe. Risas y acción por doquier, complementan secuencias de efectos especiales que resultan alucinantes y que son precisos para graficar fielmente el relato.

Una nueva heroina, Valkyrie -Tessa Thompson- se presenta en esta saga y resulta tener muchísima química con Thor. Hay historias ocultas -un pasado trágico y un presente bastante plano y sin mayores pretensiones- en un personaje que ofrece un genial y marcado contrapunto a la relación “Hulk-Thor” que enlaza en forma graciosa y directa con “Los Vengadores”.

“Thor: Ragnarok” funciona muy bien. Sus 130 minutos son entretenidos y sin duda se transforman en un nuevo logro de la familia Marvel. Aun cuando podamos discutir si la emocionalidad es eclipsada por las persistentes bromas, los productores y el director hacen gala de un sólido oficio, dando forma y estructura a una historia ágilmente relatada, con un elenco de lujo y algunas actuaciones que quedarán en la retina, en especial lo conseguido por la estupenda Cate Blanchett y por el desopilante e histriónico Jeff Goldblum.

Ficha técnica

Título original: Thor: Ragnarok
Año: 2017
Duración: 130 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Marvel Entertainment / Marvel Studios / Walt Disney Pictures
Género: Fantástico. Acción. Aventuras | Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. Secuela. 3-D
Guión: Eric Pearson (Historia: Craig Kyle, Christopher Yost)
Música: Mark Mothersbaugh
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Reparto: Chris Hemsworth, Tom Hiddleston, Cate Blanchett, Anthony Hopkins, Mark Ruffalo, Tessa Thompson, Benedict Cumberbatch, Idris Elba, Jeff Goldblum, Jaimie Alexander, Sam Neill, Ray Stevenson, Tadanobu Asano, Taika Waititi, Karl Urban, Stan Lee
Director: Taika Waititi

Más allá de la montaña - Por Carlos Correa

“¿Y si tu vida dependiera de un extraño?” es la frase con la que comienza el trailer promocional y marca la película. Un accidente en avión a gran altura y ambos protagonistas sobreviven. No los están buscando y deben decidir cuidadosamente sus pasos. Ella es impulsiva y él conservador. Un hombre y una mujer cuya principal preocupación es intentar permanecer vivos. Tal vez una historia de este tipo puede ser bastante clásica y por ello uno esperaría que el relato pudiera hacer diferencias. Lamentablemente esto no sucede en “Más allá de la montaña”. Alex -Kate Winslet- y Ben -Idris Elba- están prácticamente toda la cinta actuando solos en pantalla. No es menor el desafío incluso tomando en cuenta su buen nivel actoral. El entorno es realmente maravilloso. Altas montañas cubiertas de nieve y un paisaje que es alucinante. Pero ni siquiera el gran trabajo de fotografía y montaje y el despliegue de la producción es capaz de afirmar un guión que es tan frágil como la avioneta que capota en las nevadas cumbres de Colorado.

Una vez más estamos en presencia de una producción con buenos recursos y que se deshace debido a la debilidad de su fuente narrativa. Las imágenes resultan muy reales. El accidente está filmado en un primer plano que hace nos aferremos a nuestra butaca como si fuéramos también pasajeros. Los abismos inconmensurables observados desde lo alto y los hielos que se hacen trizas también generan tensión, junto a la natural frustración y desolación. Si todo eso funciona bien, ¿qué es lo que falla? No es tanto la trama sino la manera de dar forma al relato. Allí está la mayor debilidad de esta película que no logra convencer ni menos emocionar. Hay muchos detalles que también juegan en contra. Los protagonistas no tienen prácticamente nada de comida y sin embargo en un lapso importante de tiempo los vemos igual, sin siquiera adelgazar. Su piel se va recuperando con el paso del tiempo en vez de ir empeorando bajo las condiciones de extremo frío, un intenso sol y exposición permanente a la nieve. Es decir lo formal tampoco cambia la percepción que podemos hacernos de esta cinta.

“The Mountain Between Us”, su título original, es sin duda más adecuado que la desafortunada traducción que le da su nombre en español y tal vez da cuenta un poco mejor de la única temática que podríamos rescatar desde el fondo del abismo y que tiene que ver con una decisión crucial y sobre la que sin duda puede haber más de una lectura. ¿Quedarse o moverse? ¿Arriesgar o mantenerse? No hay un camino único; es y será siempre discutible. Y esta luz, sin embargo, tampoco es profundizada, desaprovechando a mi modo de ver quizás la única opción existente.

Todo lo que sucede en sus largos 104 minutos es bastante obvio y predecible. Y así sucede, tal como lo vamos adivinando. Es por ello que es tan importante el guión y debemos ser majaderos en ello. Si, la alta montaña y sus paisajes son envolventes. La extrema grandeza de la naturaleza llama a la contemplación. Ante esto, el ser humano es frágil y pequeño. Pero una película debiera ir más allá. Es esencialmente una experiencia emocional, no solo la suma de bellas imágenes contrapuestas a situaciones límite. Para eso está el relato, para dar sustancia y peso dramático a una historia por más simple y conocida (u obvia) que esta sea. Y en este caso, también existe una tremenda montaña que claramente no logra ser superada satisfactoriamente.

Ficha técnica

Título original: The Mountain Between Us
Año: 2017
Duración: 104 minutos
País: Estados Unidos
Productora: 20th Century Fox / Chernin Entertainment
Género: Aventuras. Drama. Romance | Supervivencia. Naturaleza
Guión: Chris Weitz, J. Mills Goodloe (Novela: Charles Martin)
Música: Ramin Djawadi
Fotografía: Mandy Walker
Reparto: Idris Elba, Kate Winslet, Dermot Mulroney, Beau Bridges, Waleed Zuaiter, Lucia Walters, Marci T. House, Lee Majdoub, Tintswalo Khumbuza, Adam Lolacher
Director: Hany Abu-Assad

jueves, 19 de octubre de 2017

Amor.com - Por Juan Pablo Donoso

Esta grata comedia de enredos hay que valorarla en dos niveles: la historia propiamente tal, y el retorno de Pierre Richard a nuestras pantallas.

Un abuelo anciano y viudo (Pierre Richard) vive confinado en su departamento, inconsolable por el fallecimiento de su adorada esposa. El resto de la familia busca la manera de animar su vida. Para ello contratan a Alex, novio de su nieta, un guionista cesante (Yanis Lespert), para que le enseñe a usar un computador. Pero le ocultan la identidad del joven ya que el anciano está enemistado con su nieta.

Navegando con el ordenador, Pierre descubre las páginas de mujeres que buscan pareja. Le atrae una masajista belga, llamada Flora, de sólo 30 años. En su curiosidad por acercarse a ella luego de una sensible correspondencia, le paga a Alex para que lo reemplace en el primer encuentro. Pierre, de casi 80 años, se mantendrá cerca y seguirá el proceso de acercamiento personal.

La muchacha cree, fascinada, que ese joven buenmozo es el autor de tan bellas cartas. Más adelante lo visitará en París alojándose en el departamento del anciano Pierre, quien finge ser el abuelo del novio. Poco a poco irán apareciendo la hija y la nieta de Pierre creyendo que Flora es la novia del anciano.

Luego de sustos y bochornos, estos enredos se irán aclarando para satisfacción de todos. Incluso para Pierre quien al final parecía ser el único abandonado.

Hasta aquí la anécdota que nos recordó, a su manera, los encubrimientos del clásico Cyrano de Bergerac de Edmond Rostand tras la juventud de un Christian de Neuvillette. El juego de engaños logra su romanticismo narrativo.

Pero la gran sorpresa – y deleite – fue reencontrarnos después de tantos años con el comediante francés Pierre Richard, en el rol del anciano galán incógnito. Muchos recordarán la época en que Richard protagonizó aquellas comedias tan exitosas como El Rubio del Zapato Negro (1973), El Soñador (1970), La Cabra (1983) y Los Compadres, entre muchas otras sátiras. Varias de ellas recreadas en EE.UU. De pronto, nunca más llegaron sus nuevos filmes a nuestro país.

Ahora lo recibimos interpretando al abuelo Pierre. Mucho mayor, de pelo blanco desgreñado, menos dinámico en lo corporal, pero extraordinario como actor capaz de entregar sutilezas, ironías, y con un carisma que baña el filme con elegante ternura y conmiseración.

FINA COMEDIA FRANCESA DE ENREDOS. FELIZ REAPARICIÓN DE PIERRE RICHARD.

Ficha técnica


Título Original : Un Profil pour Deux 
BFDistribution 
Comedia, romance Austria, Francia, Bélgica, Alemania – 99 minutos 
Fotografia: Priscila Guedes 
Edición: Patrick Wilfert 
Diseño: Patrick Dechesne 
Música: Vladimir Cosma 
Actores:Pierre Richard, Yaniss Lespert, Fanny Valette 
Guionista y Director: Stephane Rebelin

Después de la Tormenta - Por Juan Pablo Donoso

Sabio filme japonés, aparentemente coloquial, pero lleno de metáforas, tanto habladas como circunstanciales.

“Las mujeres prefieren pintar con oleo porque tapan lo que hubo antes en el cuadro… pero aquello oculto seguirá siempre latiendo en sus corazones”.

En otro momento dice la abuela Yoshiki: “Mientras más reposado esté el guiso, más sabor tendrá… igual sucede con las personas".

La misma “tormenta” del título es el pivote que permite encerrar a los personajes en un ámbito estrecho y familiar y, obligarlos a enfrentar sus flaquezas, temores, mentiras y esperanzas.

Nuestro personaje central (Hiroshi Abe) vuelve al hogar materno con la esperanza de reconstruir su matrimonio y recuperar el afecto y respeto de su pequeño hijo. Aunque tuvo éxito con su primera novela, vive soñando con los triunfos que tendrá más adelante, mientras comete insensateces consigo mismo y con su familia en el presente.

Nos invita a mirar el Presente cara a cara y responderle con honestidad. Es el factor que mueve y determina a las mujeres del film. El Pasado condicionó y gravitó en la historia de cada uno, pero sólo quedó como referencia y aprendizaje. Y el Futuro, con su canto de sirena, impide que el hombre asuma su responsabilidad y camine con los pies en la tierra del Aquí y Ahora.

Cada personaje cotidiano – desde sus respectivas edades y situaciones – al quedar arrinconados por una tormenta (tifones habituales en Japón), en el transcurso de dos días, entregan una reflexión de lo que es el duro proceso de crecimiento.

Asombra la calma con que los japoneses toman el advenimiento de un huracán, en comparación con otros países.

Todavía en Chile conocemos muy poco del cine de Hirokazu Koreeda (1962) (De tal Padre tal Hijo, Nadie Sabe).

Este director nos permite escuchar los pensamientos y las emociones más sutiles, como lo hace un buen afinador de pianos. Para Koreeda los pequeños momentos conducen a las grandes verdades.

A la interacción familiar le da un tratamiento minimalista y a ratos satírico .Es por ello gran exponente de un cine contemplativo.

“Si sigues esperando que llegue la felicidad a tu vida, ignorarás que ésta ya llegó… pero de manera distinta a lo que tú creías”.

La belleza habita en las palabras sin decir, que flotan en el aire como la lluvia: las oportunidades perdidas de ser feliz ya se fueron y, a la vez, también siguen aquí.

Interesante tratamiento musical: hay un tema diferente según la importancia del personaje en cada ocasión.

RELATO MADURO QUE, SIN ALARDES, NOS INVITA A REFLEXIONAR CON PERSONAJES COMUNES Y SENCILLOS. HAY QUE ENTRAR EN SU RITMO TRANQUILO.

Ficha técnica


Título Original: Umi Yori Mo Mada Fukaku 
Cine Arte Galería Patricia Ready 
Drama Japón – 117 minutos 
Fotografía: Yutaka Yamakazi 
Música: Haranegumi 
Diseño Prod.: Keiko Mitsumatsu 
Actores: Hiroshi Abe, Yôko Maki, Satomi Kobayashi 
Director, Guionista y Editor: Hirokazu Koreeda

viernes, 13 de octubre de 2017

Loving Vincent - Por Carlos Correa

“Loving Vincent” es una pequeña joya, una obra de arte en su esencia, composición y estética. Se trata de una película animada que tiene una particularidad asombrosa. Está compuesta por 62.450 fotogramas, instantáneas en alta resolución de igual número de pinturas al óleo realizadas por más de 100 artistas, en un trabajo desarrollado en los estudios de Danzica y Wroclaw en Polonia y que tomó en total más de cinco años de trabajo. Gracias a una colaboración polaco-británica y a la titánica tarea de los directores Dorota Kobiela y Hugh Welchman, el filme está basado en cerca de 800 cartas y 120 obras icónicas del gran pintor holandés Vincent Van Gogh.

El relato transcurre un año después de la muerte del artista. Armand Roulin, el hijo del cartero de Van Gogh, viaja a Auvers-sur-Oise con el fin de entregar una carta al hermano del pintor, Theo. Producto de este encargo, Armand va conociendo a diversos personajes que estuvieron cerca, el doctor Paul Gachet, su hija Marguerite y Louise Chevalier, entre otros, cuyos recuerdos van componiendo una trama inquietante sobre sus últimos años y los motivos que pudieron haberlo arrastrado al suicidio. En este camino, y esto es literal, cobran vida propia pinturas como "La noche estrellada", "Terraza de café por la noche", el “Dormitorio de Arlés” y la "Orilla del Oise en Auvers", cuando Roulin conversa con el barquero del pueblo. "El café de medianoche" también aparece cuando el protagonista duerme sobre una mesa al recibir el valioso encargo.

“Loving Vincent” tiene un sobresaliente nivel de producción. No obstante aquello, el guión no alcanza a ser tan profundo. La emotividad y el peso dramático de la cinta está en la reproducción y animación de esa inconfundible realidad post-impresionista del genio y que gracias a la superposición de imágenes -al menos 12 óleos por cada segundo de composición- crea un ambiente y un ritmo mágico y encantador. El colorido es envolvente. Su contrapunto está dado por imágenes en blanco y negro que dan cuenta del pasado, recurso también utilizado como una forma de equilibrar una exposición profusa e intensa a los largos trazos pintados.

Con mucho de pedagogía, bastante de historia y una tendencia marcada hacia una devenida investigación policial -al protagonista no le calzan muchos de los hechos y situaciones previas al suicidio- el metraje fluye a pesar de ciertos tropiezos accidentales en su último tercio. Nada grave, por cierto, ya que no es sencillo combinar una producción monumental, con una filmación base con actores reales, para luego construir, con un trabajo detallista, fino y pulcro, una pieza original que vemos en sus 90 minutos de duración.

Con esta película se presenta una oportunidad única para conocer más a Vincent Van Gogh, para homenajearlo y admirarlo. ¡Qué similitud tiene con otros genios, pienso en Beethoven por ejemplo! ¡Cuánto rechazo y qué difícil les resultaba vivir! Parece ser que las mayores inspiraciones provienen de mundos oscuros, dificultosos y ambientes terribles y desgarradores. El arte se sobrepone a aquello, eleva el alma y permite liberar el espíritu. Hay una conexión indescriptible entre la profunda y precaria humanidad del artista y su extrema genialidad, que es misteriosa y cautivante. Hacer arte sobre arte es un tremendo desafío y esta película lo consigue de manera similar a lo que su título propone, es decir, “Loving Vincent.”

Ficha técnica

Título original: Loving Vincent
Año: 2017
Duración: 90 minutos
País: Reino Unido
Género: Animación. Drama | Pintura. Biográfico
Productora: BreakThru Films
Guión: Jacek Dehnel, Dorota Kobiela, Hugh Welchman
Música: Clint Mansell
Fotografía: Tristan Oliver, Lukasz Zal
Reparto: Animation, Helen McCrory, Saoirse Ronan, Aidan Turner, Eleanor Tomlinson, Chris O'Dowd, Douglas Booth, Jerome Flynn, John Sessions, Holly Earl, Robert Gulaczyk, James Greene, Bill Thomas, Martin Herdman, Josh Burdett, Richard Banks, Shaun Newnham
Directores: Dorota Kobiela, Hugh Welchman

miércoles, 11 de octubre de 2017

Por Siempre Jóvenes - Por Juan Pablo Donoso

“Aunque me sienta joven de cabeza y corazón, la mirada de otros me pone en mi lugar”.

Comedia liviana y muy grata sobre cómo asumir las edades en un mundo donde todos parecieran hablar el mismo idioma y participar de las mismas actividades.

Y en este oropel donde todos conviven con – aparentemente – las mismas condiciones, es donde aflora la realidad y los diversos niveles de madurez y aceptación.

Se nos presenta un grupo de personas amigas y/o compañeros de trabajo. Casi todos se conocen entre sí e interactúan, ya sea por amistad o sexualmente. Pero hay abismos generacionales insoslayables.

Al comienzo las diferencias parecen mínimas, casi inexistentes. Pero con el correr de los días y de las circunstancias, cada cual debe asumir su edad, su salud y el rol que le corresponde.

Es un caleidoscopio de personas de clase media, hombres maduros, jóvenes estudiantes, mujeres mayores pero aun sexualmente atractivas y necesitadas de afecto, profesionales de la comunicación que van quedando desplazados por las nuevas tendencias, en fin, grupos etarios emergentes en medio de grupos etarios que se niegan a reconocer que van siendo desplazados, e insisten en participar junto a los nuevos cayendo gradualmente en el ridículo o la conmiseración.

Por donde se la mire es una comedia, con momentos muy graciosos, pero como toda buena farsa detrás de la risa y la aparente liviandad se ocultan dolores reales que, tarde o temprano, hay que asumir. Es el interminable camino hacia la madurez, tanto física como erótica y mental.

COMEDIA SOCIAL ENCANTADORA TRAS LA CUAL SE ESCONDE EL PROCESO DOLOROSO DE LA MADURACIÓN.

Ficha técnica


Título Original: Per Semper Giovani 
Cinecolor Films Comedia Italia – 95 minutos 
Fotografía: Marcello Montarsi
Edición: Luciana Pandolfelli
Diseño Prod.: Massimiliano Forlenza, María Stilde Ambruzzi
Guión: Fausto Brizzi, Edoardo Maria Falcone, Marco Martani
Actores: Sabrina Ferilli, Luisa Ranieri, Fabrizio Bentivoglio, Nino Frassica, Claudia Zanella
Director: Fausto Brizzi

Asesino: Misión Venganza - Por Juan Pablo Donoso

Será efectiva para los aficionados a las películas de acción.

Con un presupuesto de US$ 33.000.000 se pueden dar el lujo de seguir a los héroes por muchos países europeos y sus hermosas capitales.

Como argumento está lleno de lugares comunes expuestos muchas veces en este tipo de filmes.

El primer tercio – cuando plantean el problema y se vislumbra el conflicto – nos abre el interés por conocer el desarrollo: lo logra con atmósfera sofisticada y personajes de alta prominencia internacional.

En el segundo tercio, cuando ya se desata el conflicto y la trama comienza a complicarse, aumenta el suspenso y comienzan las persecuciones, los combates, las traiciones y las intrigas de espionaje.

En la tercera parte, como hay que ir amarrando las diversas situaciones, caen en las viejas, pero efectivas, fórmulas de matinée para que los buenos triunfen con sus hazañas inverosímiles, algunos secundarios perezcan mientras otros son brutalmente torturados, los malos sean vencidos y el mundo entero se salve de un desastre nuclear.

La vorágine de acción comienza cuando a un muchacho inocente le matan a su novia en una playa de Ibiza. Un grupo de terroristas irrumpe en el balneario ametrallando a la mayoría de los veraneantes. El joven, inconsolable, ingresa a la CIA con el propósito de vengarse de los asesinos. 

Simultáneamente se sabe que una potencia del Medio Oriente tiene en su poder una bomba de plutonio que detonará si EE.UU. y sus aliados rehúsan sus aspiraciones de poder. Y será nuestro joven héroe Mitch Ripp (Dylan O´Brien) quien, al igual que los asesinos, se entrenará con un feroz maestro ex combatiente, y emprenderá su propia “misión de venganza”, con motivaciones más personales que altruistas, ya que los políticos también apestan a solapada corrupción.

ENTRETENIDA PELICULA DE ACCIÓN E INTRIGA INTERNACIONAL CON BUEN MANEJO DE LOS HABITUALES CLICHÉS.

Ficha técnica


Título Original: American Assassin 
BFDistribution 
Acción, suspenso, intriga internacional 
EE.UU. – 111 minutos
Fotografía: Enrique Chediak
Edición: Conrad Buff IV
Música: Steven Price
Diseño de Prod.: Andrew Laws
Guionistas: Stephen Schiff, Michael Finch
Actores: Dylan O'Brien, Michael Keaton, Sanaa Lathan
Director: Michael Cuesta

Condorito la Película - Por Juan Pablo Donoso

Versión internacional de nuestro querido y criollo Condorito de Pelotillehue, Chile.

Excelente nivel de animación: a la altura de los mejores filmes de este género.

Como fue realizada por equipos multinacionales fue necesario expandir las hazañas a un ámbito más universal, pero afortunadamente, conservando su inconfundible chilenidad: Pajarraco Films.

Las historietas y los personajes ya pertenecen al ideario de muchos países de Latinoamérica.

Es difícil contentar a todos cuando se trata de personajes legendarios que ya han echado raíces en la imaginación de los lectores, especialmente chilenos.

Fue doblada por diferentes equipos de actores, de diversos países, para transmitir con más claridad los giros idiomáticos.

Está la mayoría de los personajes tradicionales, faltando sólo el quiltro fiel, el Comegatos y el Dr. Matasanos.

Lo conocemos desde 1949 en sus versiones de anécdotas cortas del tamaño de una página, cada una como un chiste individual. Aquí, para darle narrativa a un filme de 83 minutos, fue necesario crear una historia más larga, una aventura evocando paradigmáticos filmes como Guerra de las Galaxias, 2001 Odisea del Espacio, La Joya del Nilo, Indiana Jones y otras.

Son nuevos los alienígenas, una especie de pulpos verdes quienes, con humor y torpeza, atraen simpatía. También hay un aporte referido a los ancestros mitológicos de Condorito en los pueblos prehistóricos de América.

Gran acierto es que la voz y el comportamiento de Condorito y su sobrino Coné se mantienen fieles a lo supuesto por la mayoría de sus lectores. Cosa difícil de lograr ya que cada seguidor los imagina con determinados timbres. Meritorio fue recrear un personaje de historieta que ya pertenece a nuestra cultura popular.

Los demás prototipos, como el Cumpa, Yayita, Huevo Duro, Garganta de Lata, Ungenio, Papá de Yayita, y Pepe Cortisona (el gran rival, ahora un poco más gordo) se comportan en consonancia con la tradición del comic, pero sin episodios propios. Sólo Doña Tremebunda, la mamá de Yayita, adquiere una mayor relevancia argumental; en ella percibimos pequeñas diferencias físicas, y temperamentales, con la caricatura tradicional de Pepo.

MANTIENE LA FIDELIDAD Y EL HUMOR DE LOS PERSONAJES ORIGINALES DE RENÉ RÍOS, PEPO. VERSIÓN ANIMADA DE BUEN NIVEL TÉCNICO Y ANECDÓTICO.

Ficha técnica


Fox Perú, E.E.UU.
83 minutos 
Formato 2D y 3D 
Comedia, animación 
Edición: Pablo García Revert 
Música: Frank Revert 
Diseño de Arte: Alejandro Barbesi - Marco Merletti 
Guionistas: Rodrigo Moraes, Martin Piroyanski, Ishai Ravid 
Voces: Rodrigo Saavedra, Loreto Araya, Camila Rojas, Alexis Quiroz, Cristián de la Fuente, Coco Legrand, Sergio Schmied 
Directores: Alex Orelle y Eduardo Schuldt

Feliz Día de tu Muerte - Por Juan Pablo Donoso

De nuevo la dinámica de un sueño dentro de otro sueño, y así sucesivamente. Tantas que al final sugiere tragicomedia.

Los guionistas tuvieron la honestidad – y el humor - de hacer explícita alusión al filme Hechizo del Tiempo (Groundhog Day – 1993); esa fue la inspiración para elaborar esta fábula paranormal de suspenso, crimen y moraleja puritana muy al estilo yanqui.

En el día de su cumpleaños, a través de continuos sueños macabros y despertares, una muchacha universitaria soberbia, agresiva, descortés y amoral se va encontrando con el mismo asesino enmascarado (tipo Scream) que siempre logra matarla.

Pero, en sueño tras sueño, y en su desesperación por distinguir cuál es la realidad y cual la pesadilla, logra revisar su vida, sus resentimientos, y sus culpas. Como las pesadillas se suceden con cada vez más velocidad y angustia, actúan como catarsis para la recuperación psíquica y espiritual de la protagonista (Jessica Rothe).

Esta vez, y para mantener la tensión, la película pareciera culminar varias veces, incorpora el factor policiaco, la sorpresa final de quién es el verdadero “malulo”, para remachar con el clásico cliché del “happy end” complaciente.

Si esta idea la hubieran realizado los franceses (Las Diabólicas - 1954) los checos o los polacos (Zulawski o Polanski) habría alcanzado un nivel mucho más cruel, amargo e impactante por su potencial psicótico y extrasensorial.

TRATAMIENTO ALMIBARADO DE UN TEMA QUE PUDO SER REFINADAMENTE PERTURBADOR.

Ficha técnica

Andes Films 
Terror, misterio, suspenso 
EE.UU. – 96 minutos 
Fotografía: Toby Oliver Edición: Gregory Plotkin 
Música: Bear McCreary 
Guión: Scott Lobdell 
Actores: Jessica Rothe, Israel Broussard, Ruby Modine 
Director: Christopher Landon

Por Siempre jóvenes - Por Carlos Correa

Esta comedia italiana del año 2016 y que recién llega a nuestra cartelera es una cinta que tiene varias lecturas. La más sencilla y simple es que se trata de una suma de caricaturas, de situaciones obvias y lugares comunes que poco aportan y que no son ninguna novedad. Otra podría estar referida a la sutil forma que tienen los italianos de reírse de sus particularidades, caso en el que sin duda no es de las más hilarantes ni en forma ni estilo. Una tercera va un poco más allá, sin embargo debemos lograr pasar un par de capas primero, para intentar visualizar un fondo más transparente sobre el centro del mensaje, que está recubierto de parodia, burlas y absurdos. Esta tercera, es la que me motiva a escribir estas líneas.

El director Fausto Brizzi compone, a través de un nutrido coro de personajes, una obra que presenta cuatro realidades diferentes que cuentan con un eje común. Diego -Pasquale Petrolo-, famoso DJ de radio, ve amenazada su historia y trayectoria por un joven recién llegado que es furor en redes sociales; Giorgio -Fabrizio Bentivoglio-, un incansable cincuentón con una estupenda novia veinteañera y que sin embargo comienza a serle infiel con su masajista de 48; Angela -Sabrina Ferilli-, quien buscando un amante joven, termina en una fogosa relación con un activo chico de 19 que resulta ser el hijo de su amiga; y Franco -Teo Teocoli-, un fanático de la actividad física que comienza a darse cuenta que el tiempo pasa y que su cuerpo ya no es el mismo. Las parejas con bastante diferencia de edad, la obsolescencia profesional producto del cambio de era y el ascenso de las nuevas generaciones y el inevitable desgaste físico que implica el paso de los años, son tres temáticas que se funden en el día a día de cada uno de los personajes.

Abusando de las caricaturas y confiando mucho en las excelentes actuaciones del elenco, la película es fluida, entretiene y saca algunas carcajadas. ¿Dónde está el conflicto? ¿En las relaciones, infidelidades o recovecos entrelazados en las historias? Pues no, allí no está. El conflicto es interno, está en cada uno de los personajes mayores y en la vida que están viviendo. Parece que no quieren aceptar el paso del tiempo. Pero, ¿de verdad no quieren renunciar a ser jóvenes? Por allí tenemos una luz que indica que existe una capa más profunda que tiene que ver con el lugar que vamos ocupando -o debemos ocupar- de acuerdo a lo que somos, a lo que dicta nuestro entorno y a la suma de los años de experiencia que vamos recogiendo.

Y hay algo más, al menos dos temas que se esbozan sin alcanzar el protagonismo de las principales historias. El primero, la visión de los jóvenes veinteañeros enamorados de sus parejas maduras que podrían ser su papá o su mamá. El asunto no es menor, porque no se puede observar solo desde la persona mayor que busca juventud sino también se debe mirar desde la juventud que se siente atraída por una figura mayor. El segundo es la sub historia de la hija de Franco, Marta y su marido Lorenzo. Ella, es la cellista solista de la Orquesta de la ciudad y él un remolón segundo violín. Subyace acá otra arista interesante que es otra diferencia, en este caso no de edad sino profesional, de esfuerzo y compromiso, de éxito y mediocridad. Algo de la estable zona de confort y el incómodo desafío de lo desconocido. ¿Eje común? La frustración. Porque sin duda la no aceptación de algunos aspectos de la vida puede ser tan dañino como la permanente obsesión de no envejecer o de ser siempre exitoso.

“Forever Young”, su título original que hace referencia a la famosa canción, es una película que debería impulsarnos a reflexionar, siempre en tono de comedia, sobre varios aspectos de la vida real que tarde o temprano nos puede tocar enfrentar. No le pidamos más a esta cinta que cumple su cometido y eso es bastante. A la “italiana” podemos acoger el desafío o dejarlo pasar. En tiempos veloces, de comunicación instantánea y de constantes bombardeos de información mediática, a veces bien vale parar un momento para tomar conciencia donde estamos antes de seguir el camino. Lo que está claro es que posiblemente siempre seremos jóvenes dentro de un cuerpo que va cambiando y que no solo acumulamos años sino también vivencias y aquello también vale.

Ficha técnica 

Título original :Forever Young
Año: 2016
Duración: 95 minutos
País: Italia
Productora: Wildside
Género: Comedia
Guión: Fausto Brizzi, Edoardo Maria Falcone, Marco Martani
Música: Bruno Zambrini
Fotografía: Marcello Montarsi
Reparto: Sabrina Ferilli, Luisa Ranieri, Fabrizio Bentivoglio, Teo Teocoli, Pasquale Petrolo, Claudia Zanella, Nino Frassica, Stefano Fresi, Lorenza Indovina, Emanuel Caserio, Pilar Fogliati
Director: Fausto Brizzi

jueves, 5 de octubre de 2017

El pacto de Adriana - Por Carlos Correa

Este documental de la realizadora chilena Lissette Orozco es su primer trabajo y fue seleccionado para debutar en la sección Panorama de la Berlinale en febrero pasado. Allí recogió abundantes elogios, ganando varios premios en festivales posteriores -Guadalajara, Toulouse y Uruguay entre otros- y junto con ello se rodeó de un aura polémica. ¿Por qué? La historia que narra se introduce en el período más oscuro de la dictadora de Pinochet, aquel que transcurre en los años de operación de la DINA, la agencia del Gobierno que ejecutó las mayores torturas, asesinatos y desapariciones de personas contrarias a la Junta Militar que tuvo el mando armado del país desde el quiebre democrático de septiembre de 1973.

Lissette tuvo en su infancia un modelo. Además de la abuela que la crió, tenía una tía que era su ídola. Carismática, elegante, simpática y llena de vigor, la “Chani” siempre fue el centro de atención de la familia cada vez que venía desde Australia a visitarles. Algo cambió bruscamente el 2007 en su última visita. En cuanto llegó al Aeropuerto fue detenida por el Caso Conferencia. Adriana Rivas, la “Chani”, no solo había trabajado en la Fuerza Aérea sino que también había integrado la temida DINA. Secretaria bilingüe, con 19 años, llegó a ser la asistente personal del general Manuel Contreras, la mano derecha del dictador y que fue condenado por la justicia chilena a más de 200 años de cárcel por los horrorosos crímenes cometidos.

Este trabajo documental comienza de forma árida. No sabemos muy bien la intención del relato, hay una textura incómoda, cortes bruscos y la voz de Lissette introduciendo las personas y los hechos. No obstante este difícil comienzo, las imágenes, los testimonios y la conducción del guión, lentamente nos van permitiendo conectar con su fondo. Lissette se ha propuesto buscar la verdad. Adriana también quiere contar su propia verdad a través de su sobrina. Y el relato gira en torno a las conversaciones personales y por Skype entre ambas, diálogos con su círculo familiar más cercano, llamados y encuentros con amigas y conocidos de la ex agente en su paso por la Brigada Lautaro y su emblemático Cuartel Simón Bolívar del que ningún torturado salía vivo y un implacable tesón de Lissette para seguir recorriendo el camino contra viento y marea pues su tía en cuanto consigue libertad condicional se fuga a Sidney donde actualmente enfrenta un proceso de extradición dispuesto por la Corte Suprema de Chile.

“El pacto de Adriana” es un documento imperdible. Aporta ángulos no vistos con anterioridad y desde un plano privilegiado, íntimo y cercano. Estremece y emociona. Es capaz de sumergirnos en una historia dolorosa, descubre los cambios con el correr de los años, confronta diversas versiones e interpela crudamente para intentar descorrer el velo de un pacto de silencio que ha sido tal vez uno de los peores castigos para los familiares de los detenidos y desaparecidos de la dictadura que es no saber la verdad de lo ocurrido con sus seres queridos.

Lissette Orozco tiene mano firme y una voluntad encomiable. Gracias a esas virtudes puede obviarse cualquier problema de edición, continuidad o montaje de su trabajo porque su fondo es robusto. Estamos en presencia de una profunda humanidad, donde conviven fuertes lazos familiares, angustia, desazón, rabia, tristeza, algo de lo mejor y lo peor de un ser humano personificado en la “Chani”. ¿Es Adriana la que miente o son los centenares que la acusan quienes faltan a la verdad? La respuesta parecería sencilla y entregarla así de fácil, un acto simple y desafortunado. Y este es, a mi juicio, el mayor valor de este documental, justamente la forma que emplea su directora para llevar la historia, para conducirla con firmeza, decisión, honestidad y coraje. Estas características revelan a Lissette Orozco como una realizadora con un potencial magnífico que esperamos sea un aporte importante a la filmografía nacional.

Ficha técnica

Título original: El pacto de Adriana
Año: 2017
Duración: 96 minutos
País: Chile
Género: Documental | Familia. Dictadura chilena
Productora: Salmón Producciones / Storyboard Media / Ursus Films / Carnada Films
Guión: Lissette Orozco
Música: Santiago Farah
Fotografía: Julio Zuñiga, Daniela Ibaceta, Brian Martínez
Reparto: Documentary, Adriana Rivas, Lissette Orozco
Directora: Lissette Orozco

miércoles, 4 de octubre de 2017

El Último Virrey de la India - Por Juan Pablo Donoso

Una historia de amor casi imposible en un momento histórico también casi imposible de resolver.

India, Nueva Delhi, marzo de 1947. Fastuoso palacio del Virreinato. El país acaba de lograr, después de 300 años, su independencia del Imperio Británico. El nuevo virrey – Lord Louis Mountbatten – se instala con su esposa Lady Edwina y su hija Pamela para hacer efectiva la transición, tanto diplomática como políticamente. Pero la población está dividida entre los hinduistas y los musulmanes.

Hay una cruenta guerra civil. Los nuevos políticos quieren separar el estado de Pakistán de la India. Hay conflicto para demarcar con claridad incluso la frontera de ambos territorios. La nueva nación pakistana sería islámica; la India oficialmente hindú.

Entre el personal subalterno del Palacio Virreinal hay una pareja de enamorados. Ella, Aalia, de familia musulmana y él, Jeet, hindú.

Período de gran turbulencia social y religiosa; titánico de reajustar. ¿Qué decisiones arbitrales debería tomar el nuevo Virrey, sobre quien recaen todas las miradas?

El desarrollo de los acontecimientos conduce a que las antiguas familias islámicas sean trasplantadas al nuevo Pakistán y las antiguas hindúes se trasladen a territorio indio. Se multiplican las masacres por ambos lados; los patriotas y los rebeldes se oponen al dictamen. Cualquier solución es conflictiva.

En medio de aquel torbellino geopolítico en que poco participa Gandhi y mucho Nehru además del nuevo gobernante pakistaní, se configura la separación fatal de los jóvenes enamorados. Ella será arrastrada al nuevo territorio e incluso dada por muerta en las siguientes asonadas.

La ya prestigiosa directora británica de origen indio, Gurinder Chadha, conoce bien su oficio. Como descendiente de los que vivieron en esos tiempos de convulsión, sus filmes acuden a temas con esas raíces (Jugando con el Destino, Bahji en la Playa, etc.) al punto de finalizar la película mostrando fotos de sus propios antepasados.

La situación política fue mucho más compleja, incluyendo trampas solapadas del gobierno británico y romances ocultos entre altas figuras de la diplomacia.

VERSIÓN CONTEMPORÁNEA DE ROMEO Y JULIETA EN UN “AMOR CON BARRERAS” ENTRE HINDÚES, MUSULMANES E INGLESES.

Ficha técnica


Título Original: Viceroy´s House 
Cine Arte Galería Patricia Ready 
Drama, historia Inglaterra, India, Suecia – 106 minutos 
Fotografía: Ben Smithard 
Edición: Valerio Bonelli y Victoria Boydell 
Música: A.R. Rahman Diseño Prod.: Laurence Dorman 
Guionistas: Paul Mayeda Berges. Moira Buffini 
Actores: Gillian Anderson, Michael Gambon, Simon Callow 
Directora: Gurinder Chahda