La cordillera - Por Carlos Correa

La estrella que concentra la atención de esta película del director Santiago Mitre es Ricardo Darín. Si a esto le sumamos una historia enmarcada en una cumbre de gobernantes latinoamericanos y un escenario natural imponente- la mismísima cordillera- lo que proyecta el trailer resulta muy tentador. Y comienza así, misterios, preocupaciones, intrigas de Palacio y varios elementos que estando sueltos, podemos prever que podremos unir en la medida que avance el metraje.

Hernán Blanco -Ricardo Darin- el presidente argentino, lleva pocos meses de gobierno y este viaje es su primera cita continental. De bajo perfil público y cuestionado por ello, Blanco tiene claro que no quiere ocuparse en desmentir aquello que se le adjudica. Cree que puede sacar adelante su gobierno trabajando sin prestarse para disputas, controversias o públicos enfrentamientos. Una apuesta arriesgada, sobre todo cuando es ninguneada en todos los medios y ya lo llaman el presidente invisible.

La cumbre es importante porque allí se decidirá una alianza en torno a una gran empresa pretrolera que lidera la estrella sudamericana, el presidente de Brasil. Hay divisiones, intereses cruzados, verdades a medias y negociaciones de último minuto que pueden cambiar el desarrollo de las decisiones que los presidentes deben tomar. Pero no todo es solo política. La hija de Blanco, Martina, ha viajado a la cumbre por expresa petición de su padre para escapar del escándalo que acaba de hacerse público y que involucra a su exmarido quien aparece acusando a la actual administración de manejos turbios.

Tal cantidad de opciones y de elementos en vez de ir calzando se van sumando a otros que caen en el sin sentido hacen que la cinta extravíe el rumbo y se convierta en una suma de partes y fragmentos con mayor o menor tensión que simplemente no convencen. Además, con un ritmo inusualmente lento para un thriller político, que da más para pensar en el primer capítulo de una serie de TV más que en una película, el foco se ausenta constantemente. Esta falta de consistencia argumental y de desarrollo dramático se manifiesta a tal punto que actores como Paulina García y Alfredo Castro parecen venir de otras historias paralelas y no terminan de insertarse en algo que les resulta incómodo desde el comienzo.

Santiago Mitre construye un filme plano, poco emotivo, de rasgos confusos, seco y por momentos vacío. Tal vez nos obliga a suponer todo aquello que no está presente, lo que sería un tremendo desafío pues ello es bastante. Tal vez solo nos incentive a imaginarnos lo que pudo ser o no pudo ser, pero no sé si es ese el objetivo de una cinta de esta naturaleza. La verdad, y para ser honesto, no me queda claro el propósito del autor, sin embargo lo que si me queda claro es que no es suficiente. Ni con Ricardo Darín, ni con Paulina García, ni con Alfredo Castro, ni con Érica Rivas. Y si con ese elenco no alcanza, "Huston, We have a problem!"

Ficha técnica

Título original: La cordillera
Año: 2017
Duración: 114 minutos
País: Argentina
Productora: Coproducción Argentina-Francia-España; Kramer, Sigman Films / La Unión de los Ríos / Telefé / Telefonica Studios / Maneki Films / Mod Producciones
Género: Intriga. Drama | Política
Guión: Santiago Mitre
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: Javier Juliá
Reparto: Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Érica Rivas, Gerardo Romano, Paulina García, Alfredo Castro, Daniel Giménez Cacho, Elena Anaya, Leonardo Franco, Christian Slater
Director: Santiago Mitre

Johnny Cien Pesos 2 - Por Juan Pablo Donoso

El gran oficio narrativo de Gustavo Graef Marino hace aún más deprimente esta obra.

Es la secuela del laureado filme chileno homónimo de 1993.

El protagonista, apodado Johnny Cien Pesos, luego de una reclusión de 20 años en la cárcel, recupera la libertad e intenta reinsertarse en el Chile del siglo 21. Conocerá a un hijo engendrado antes de su presidio, quien ahora es traficante de drogas. Visita a su madre enferma y hospitalizada (M.E. Duvauchelle). Quiere dedicarse a una vida tranquila como reempastador de libros antiguos. Pero un líder mafioso lo conmina a secuestrar a la hija adolescente de un acaudalado empresario.

El guion de Patricio Lynch es complejo y abigarrado por la gran cantidad de personajes, peripecias, y saltos en el tiempo. Pero su mérito es la claridad de lo que está ocurriendo.

Con escenas de gran violencia, sangre y sexo, Johnny irá sorteando la forma de conseguir el rescate y proteger a su hijo y madre amenazados de muerte por el pérfido líder. Tanto el lumpen como la clase alta están llenos de corrupción e impunidad.

La crudeza y ritmo de las escenas nos evocan momentos de Perros de la Calle y Pulp Fiction de Tarantino, pero sin el humor amargo de aquellas. Quienes la vean deberán prepararse para ver un filme del género negro, sádico y de abierta denuncia a la forma en que reina, en nuestro país, el crimen “de cuello y corbata” donde nadie, ni señoras, muchachas acomodadas, jóvenes ni millonarios están limpios de la ciénaga en que se revuelcan. Deja pocas esperanzas de redención.

Sólo el experto delincuente protagónico intentará al final abocarse a una vida más tranquila, de bajo perfil, y de mayor madurez. La poca luz que nos deja, entre tanta mugre humana, es la posible paz del zarandeado Johnny Cien Pesos.

EXCELENTE REALIZACIÓN DE UN FILME POLICIAL NEGRO QUE DENUNCIA LA IMPUNIDAD DEL CRIMEN Y LA CORRUPCIÓN DE NUESTRA SOCIEDAD A TODO NIVEL.

Ficha técnica

Chile 

Drama policial, film noir 

Efectos visuales 3D: Eduardo Squella 

Vestuario: Loreto Vuskovic 

Música: Andrés Pollak 

Fotografía y Cámara: Vitoco Uribe 

Montaje: Camilo Campi 

Guionista: Patricio Lynch 

Actores: Armando Araiza, Luciana Echeverría, Lucas Bolvarán, Ignacia González, Juan Pablo Bastidas, Valentina Vargas, Alberto Ellena. 

Director: Gustavo Graef Marino

La Puerta del Guerrero - Por Juan Pablo Donoso

Aventuras, acción y fantasía muy a la manera de los años 70 y 80.

Artes marciales, leyendas chinas, malos muy feos y grotescos, princesa frágil y hermosa, brujas que pasan de sensuales vampiresas a monstruos horribles, hechiceros distraídos capaces de cualquier prodigio y, en medio de toda esta barahúnda, el héroe Jack Bronson, un adolescente de nuestros días, intentando salvar a la bella princesa Sulin de antaño.

Un juego electrónico transporta, por brujería, a un joven escolar yanqui a la China milenaria. Allá conoce a un invencible guerrero llamado Zhou. Se harán amigos e irán al rescate de la bella princesa Sulin (Ni Ni) raptada por el tatuado, grandote y malo Arún el Cruel, que desea casarse con ella.

Para llegar al enfrentamiento final los protagonistas pasarán por múltiples desafíos y peligros.

A los espectadores niños y jóvenes poco les importarán los contrasentidos de lógica, las imperfecciones de edición y los ramplones consejos de sabiduría tipo manual de Corta Palos. Se dejarán llevar por la acción, por los bellísimos paisajes montañosos y selváticos de Camboya, por los chistes pedestres y por la mezcla de juegos electrónicos con leyendas ancestrales.

Es imposible evitar comparaciones con los filmes de Bruce Lee. Con él estos mismos elementos de ferocidad fantasiosa, y filosófica, accedían a un nivel superior en este género de cine. Es por eso que, para quienes conocimos aquellas gestas, ésta se siente con poca novedad… salvo por el aporte de mejores tecnologías... y muchísimo más presupuesto.

JUEGO ELECTRÓNICO QUE SE CONVIERTE EN LEYENDA ORIENTAL DE AVENTURAS, MAGIA Y ARTES MARCIALES. ABSOLUTAMENTE DE MATINÉE.

Ficha técnica

Título Inglés: The Warriors Gate 

Cine Color Films 

Acción, aventuras y fantasía 

Francia, China y Cambodia – 108 minutos 

Fotografía: Maxime Alexandre 

Edición: Audrey Simonaud 

Música: Klaus Badelt 

Diseño de Producción: Hugues Tissandier 

Guionistas: Luc Besson y Robert Mark Kamen 

Actores : Uriah Shelton, Mark Chao, Ni Ni 

Director: Matthias Hoene

Generación Lobo - Por Juan Pablo Donoso

Relato que combina con acierto el suspenso, la ambición, el narcotráfico, la delincuencia y el amor filial.

Christian de la Cortina es actor, director y guionista de padres chilenos pero radicado desde niño en Canadá. Con este filme independiente, presentado en Sanfic 21, demuestra que puede narrar una historia con oficio y eficacia.

La palabra “Lobo” del título puede inducir a equívoco. El meollo dramático es la ambición y el éxito financiero. Generaciones de jóvenes emprendedores (lobos) – con tal de sacar adelante sus proyectos – son capaces de involucrarse en asociaciones ilícitas cuyas consecuencias culminan generalmente en la delincuencia y el crimen.

Vincent del Toro, ingeniero de California, emprende un proyecto de transformar automóviles antiguos y desechados, en modernos vehículos impulsados por energía eléctrica. Involucra a inversionistas para iniciar la empresa. Pero la Oficina Estatal de Licencias le obstaculizará cumplir con los plazos de entrega a sus clientes.

En su desesperación, Vincent recurre a su anciano padre, quien posee una pequeña propiedad rural en Michigan. Como aquello sería insuficiente, se involucra en un cultivo ilegal de marihuana que le propone Bill, un amigo de su infancia. La industria clandestina de su ex compañero le ha producido dinero rápido y abundante. En un galpón viejo de su padre Vincent emprende el cultivo artificial aprovechando sus conocimientos industriales de electricidad.

Pero detrás de toda esta bonanza se ocultaba una mafia a la cual abastecía su compañero Bill. Cuando se comienzan a producir algunos pequeños atrasos los secuaces comenzarán a presionar con la consabida brutalidad. Vincent deberá ingeniárselas para sobrevivir y reconciliarse con su padre. Lo que empezó como un buen y auspicioso proyecto empresarial entró en una espiral de violencia, angustias y asesinatos encubiertos.

Salvo el protagonista y realizador, Christian de la Cortina (Brooklyn, un Amor sin Fronteras, Los 4 Soldados, Secretos de la Montaña), los demás actores son aún poco conocidos en el panorama internacional. Pero entre ellos destacan grandes talentos empezando por nuestro laureado compatriota Sergio Hernández, como el padre, entregando siempre calidez y verdad; se nos revela Tyler Murree, como Bill, lúdico y versátil; y nos impacta el patetismo de Luc Morisette, como el viejo electricista alcohólico.

ACCIÓN Y SUSPENSO QUE, ADEMÁS, ABORDA CON SENSIBILIDAD LA PSICOLOGÍA DE SUS PERSONAJES PRINCIPALES.

Ficha técnica

Título Original: Generation Wolf 

Sanfic 2017 

Suspenso, acción y drama familiar 

Canadá – 90 minutos 

Fotografía: Vincent Allard 

Música: Martín Andrés Macek 

Diseño de Producción: Marjolaine Constantin 

Guionistas: Frank Baylis, Christian de la Cortina 

Actores: Christian de la Cortina, Sergio Hernández, Tyler Murree, Luc Morisette, Hayley Sales Director: Christian de la Cortina

La Cena con Beatriz - Por Juan Pablo Donoso

Resulta ocioso descifrar qué quisieron decirnos con esta película. Al final deja trunca cualquier conclusión relativamente novedosa o quizás inteligente.

Ni siquiera logra la atmósfera tensional de obras similares como Quién le Tiene Miedo al Lobo, Agosto, Septiembre, Es Sólo el Fin del Mundo y la reciente Perfectos Desconocidos, en que grupos de amigos, o familiares, se reúnen y comienzan a emerger las amargas verdades ocultas de sus integrantes.

Hay apenas un mediocre asomo de eso. Beatriz (Salma Hayek) es una sanadora holística mexicana que alivia a los enfermos terminales en EE.UU. con métodos orientales como el reiki, shiatzu y dígitopuntura. Recuperó las energías de Tara, la hijita moribunda de un acaudalado matrimonio estadounidense, por lo que en gratitud y admiración siguen recurriendo a sus tratamientos.

Un día, después de dar masajes a Kathy, la esposa y madre (Connie Britton), se estropea su auto y debe permanecer en la mansión hasta que vengan a repararle el vehículo al día siguiente. Pero esa noche había dos distinguidas parejas invitadas a cenar. También ricachones y elitistas. Incorporan a Beatriz, con sus sencillas ropas de trabajo, a la elegante reunión. Durante la cena Beatriz cree reconocer a Doug Stuartt (John Lithgow) como el empresario que asoló su pueblo chicano para construir allí un hotel turístico dejando en la miseria a sus antiguos habitantes rurales.

Durante la comida, y más tarde, se encargará de recriminar a quienes destruyen la naturaleza para enriquecerse. Su mente, supuestamente serena, ecologista y vegetariana, se irá llenando de odio incontenible hasta fantasear incluso con asesinar el magnate.

Terminará la historia cuando, volviendo a la ciudad, decide lanzarse vestida en el mar para limpiarse de la porquería de aquellos consumistas triunfadores que se jactan hasta de aniquilar animales en extinción.

Salma Hayek hace lo mejor posible con su personaje unidimensional, otro tanto aportan con su oficio John Lithgow y Connie Britton (Nashville), mientras los demás actores parecieran sobrar en este confuso panfleto concientizador.

ENSALADA SEUDO-ECOLOGISTA CUYOS INGREDIENTES DRAMÁTICOS QUEDARON TODOS A MEDIO CAMINO.

Ficha técnica

Título Original: Beatriz at Dinner 

Cine Arte Galería Patricia Ready 

Drama ecologista y social EE.UU. - 82 minutos - 2017

Fotografía: Wyatt Garfield 

Edición: Jay Deuby 

Música: Mark Mothersbaugh 

Guionista: Mike White Actores: Salma Hayek, John Lithgow, Connie Britton 

Director: Miguel Arteta

La puerta del guerrero - Por Carlos Correa

Esta cinta escrita por Luc Besson y Robert Mark Kamen tiene una combinada estética de videojuego y de artes marciales de los años setenta. Y resulta interesante, pues el joven fanático de un juego on line, Jack Bronson -Dave Bautista-, recibe un regalo de su instructor que resulta no ser solo ornamental sino que es una puerta “mágica” que conecta directamente varios milenios atrás, en China, donde justamente se reproduce el entorno que el juego recrea. Un guerrero llamado Zhou lo ha venido a buscar para que proteja y rescate a la princesa Sulin de manos del perverso "Arún el Cruel", que quiere casarse a la fuerza con ella.

El director Matthias Hoene conduce este relato de acción y aventura de manera correcta. La historia es simple, por lo que las bases sobre las que construye son también sencillas. La timidez del protagonista y el bullying adolescente que sufre Jack son indicadores claros de la contraparte que debe desarrollar, es decir, hacer realidad todas esas habilidades que le han llevado a ser un “ganador” en la virtualidad. La precariedad de su hogar, la falta de trabajo de su madre y su extrema bondad para con ella, quieren hacer otro contrapunto con la maldad de los personajes contra los que deberá luchar para rescatar a la princesa y salvar sus vidas.

Sin sorpresas y sin novedad, la cinta transcurre con un buen ritmo. Finos detalles enmarcados en un gran trabajo de producción, excelente fotografía y recreación de escenarios y varios diálogos divertidos hacen amena la trama, que va decantando en el naturalmente predecible final de la historia. Como otras cintas, esta podría ser una más entre muchas, sin embargo tiene un punto a favor que hace una diferencia y es que se sostiene en gran parte por la gracia de Sulin y Jack cuya química se percibe desde el primer encuentro, algo que no siempre es posible garantizar y que cuando se logra, es muy bien recibido.

Ficha técnica

Título original: The Warrior's Gate
Año: 2016
Duración: 107 minutos
País: Francia
Productora: EuropaCorp / Fundamental Films
Género: Fantástico. Acción | Artes marciales. Viajes en el tiempo
Guión: Luc Besson, Robert Mark Kamen
Música: Klaus Badelt
Fotografía: Maxime Alexandre
Reparto: Dave Bautista, Sienna Guillory, Uriah Shelton, Ni Ni, Ron Smoorenburg, Dakota Daulby, Byron Gibson, Eva Day, Mark Chao, Joel Adrian, Francis Ng, David Torok, Henry Mah, Svitlana Zavialova
Director: Matthias Hoene

Johnny 100 pesos, Capítulos dos - Por Musia Rosa

El director Gustavo Graef Marino en 1993 –con las licencias propias del cine de ficción- recreó un hecho delictual de gran impacto social, acaecido en Chile 16 años antes. La película se llamó “Johnny Cien Pesos”.

El director, con un buen guión y gran dominio de cámara, más acertadas actuaciones, logró una excelente película, considerada un thriller y una sátira social, la que obtuvo el éxito del público y el de la crítica especializada, logrando también premios nacionales e internacionales.

Ahora, 24 años después, con el mismo actor Armando Araiza, el director Graef Marino retoma la historia, desde el momento en que Johnny sale de la cárcel, cumplida ya su condena, con las mejores intenciones de trabajar en lo que aprendió en ella, restauración de libros antiguos.

Pero, el encuentro con su hijo a quien no conocía, y dándose cuenta que no andaba en buenos pasos, se ve involucrado en el secuestro de una joven, acción delictual ya en proceso y organizada por un grupo de delincuentes, donde el hijo ya estaba participando.

La rápida secuencia de violentas acciones y el relato alternado con escenas en blanco y negro y en colores, son acompañadas por una música que agobia, no por mala, sino por excesiva, que no da respiro y acusa la ausencia de silencios que impiden apreciar en su mérito la elaborada construcción y el excelente montaje del filme.

A pesar de lo antedicho, la historia que relata cinematográficamente la vida de Johnny García después de veinte años preso, mantiene el interés y la atención del espectador, especialmente en aquellos que vimos la primera parte de la historia, con el mismo actor y el mismo director, y que por tanto tiene un incentivo extra, la curiosidad de conocer cómo será la vida de Johnny adulto, fuera del presidio, veinte años después.

Una moneda de $100 pesos, en el título de ambas películas, es el detalle que une simbólicamente al personaje de Johnny en las dos etapas de su vida. En la primera el joven de 17 años la llevaba escondida en su zapato para pagar el boleto de regreso a casa, si fracasaba la acción delictual que iba a cometer. En esta segunda parte de la historia, lleva la moneda colgada al cuello un Johnny adulto que quiere recomenzar una vida nueva.

Una excelente fotografía y buenas actuaciones también contribuyen a dar valor a esta secuela de “Johnny cien pesos”, que esperamos tenga el éxito que se merece, teniendo en cuenta que segundas partes no siempre logran superar o igualar a las primeras, en la valoración y entusiasmo del espectador.

Ficha técnica

País: Chile
Año: 2017
Calificación:
Duración:
Género: Drama
Elenco: Armando Araiza, Francisca Gavilán, Luciana Echeverría, Valentina Vargas, Alberto Ellena, Daniel Antivilo, Ignacia González, María Elena Duvauchelle, Víctor Montero, Juan Pablo Bastidas.
Director: Gustavo Graef Marino

Johnny 100 pesos, Capítulos dos - Por Carlos Correa

Fue un hecho policial que marcó la década de los noventa en Santiago. Probablemente muchos lo recordamos por haberlo visto en la televisión, en los diarios y por la película que Gustavo Graef Marino realizó pocos años después de sucedido. Hoy, después de 20 años, Johnny es liberado luego de cumplir su pena y sale a un mundo irreconocible para él. Todo ha cambiado y es completamente diferente a lo que conocía. La idea de hacer una secuela ficcionada a partir de un hecho real es muy interesante. Permite dimensionar la distancia temporal, relevar los cambios, mostrar las transformaciones materiales, las físicas, las distintas costumbres y los avances vertiginosos de la tecnología. También debería ser capaz de visualizar la evolución o involución de las personas y sus entornos. Todo aquello se transforma en un buen desafío y genera muchas expectativas las que, lamentablemente, quedan a mitad de camino.

Johnny -Armando Araiza- tiene 38 años. Nadie lo espera al salir del penal. Toma un rumbo incierto hasta que por sorpresa su hijo Juan García -Lucas Bolvarán- logra reunirse con él alcanzando un bus para contarle de su existencia. Juan vive en la casa de Bárbara -Luciana Echeverría-, una casa grande y moderna ubicada en el sector más acomodado de la ciudad, con lujos y comodidades desconocidas para Johnny. A poco andar el protagonista descubre que su hijo incursiona en el negocio de la droga y por cierto quiere evitar a toda costa que sea atrapado por una historia similar a la vivida por él mismo en el pasado. Sin embargo, este reencuentro familiar no es gratuito. Hay mucho dinero en juego, deudas y desarreglos por lo que Johnny es obligado a cometer un nuevo delito para poder destrabar una situación que podría escaparse de las manos y terminar verdaderamente mal. Debe secuestrar a la hija de un reconocido hombre público lo que lo aleja completamente del oficio aprendido en la cárcel como restaurador de libros antiguos, lo devuelve de bruces a la escena criminal y lo pone en la mira de la policía.

El relato construido por el guionista Patricio Lynch tiene elementos muy interesantes. Hay una mezcla de temporalidad, una historia con múltiples conexiones, personajes variados y bastante acción. La filmación de Graef Marino es acorde a la trama y posee un alto nivel de producción. ¿Qué sucede entonces? ¿Es la forma de narrar o hay otros elementos que hacen que la cinta no despegue? A mi modo de ver, la respuesta recae en las actuaciones. Partiendo por el protagonista, Araiza no logra transmitir la esencia de su personaje. Se observa fragmentado, sin vuelo, fingido e incómodo, no por el papel representado sino tal vez por ser demasiado rudimentario, sin herramientas. Lucas Bolvarán, quien brillara con luz propia en la serie “Los 80”, está lejos de su potencial y salvo pequeñas gotas, también se diluye con el correr del metraje. Francisca Gavilán, la excelente “Violeta se fue a los cielos”, queda en inferioridad de recursos en su rol de Comisario, donde es más que nada una caricatura que no alcanza relevancia ni profundidad. Y algo similar pasa con todo el elenco. Se siente la incomodidad, se percibe algo forzado, los diálogos no fluyen y las escenas tampoco. Existe fragmentación de la línea, no se logra construir una atmósfera “ad hoc” y todos esos elementos confluyen en un resultado que no se percibe logrado. Solo la resolución de la trama mantiene algo de tensión, sin embargo tampoco es suficiente.

Sin duda es valorable el esfuerzo de recrear un personaje que para muchos pudiera haber sido “de culto”. No obstante la sensación es que Gustavo Graef Marino pudo haber hecho algo mejor. Es posible que exijamos más a lo largo de los años. Es posible también que, a la distancia, el primer “Johnny”, se vea más grande de lo que en su momento fue. Tal vez el nivel de la trama -un guión más de serie televisiva que cinematográfico- no esté a la altura de su desarrollo y producción. Puede ser alguna de estas variables o la suma de un conjunto mayor. Por ello, me quedo con otro aspecto sustantivo de una realización: si el elenco no logra vivir realmente la representación, ni el relato, ni la historia, ni la forma por si sola, pueden elevar el resultado final. Y en este caso, parece suceder aquello, quitando sustento, base y fuerza a un proyecto que pudo ser pero que falló en el intento. Así y todo, las cartas se lanzan para una nueva historia. Veremos si se materializa o solo queda esbozado.

Ficha técnica

Título original: Johnny 100 pesos - Capítulos dos
Productores: Gustavo Graef Marino y Patricio Lynch
Productores Ejecutivo: Marcos de Aguirre, Peter Bandera, Fernando Bandera, Óscar Zenteno, Isabel Chávez, Luis Manuel Aguirre, Francisco Inostroza, Óscar Zenteno, Alex Pérez.
Guionista: Patricio Lynch
Fotografía y cámara: Vitoco Uribe
Dirección de Arte: Hugo Urtubey
Montaje: Camilo Campi
Música: Andrés Pollak
Vestuario: Loreto Vuskovic
Efectos visuales 3D: Eduardo Squella
Actores: Armando Araiza , Lucas Bolvarán, Luciana Echeverría, Francisca Gavilán, Valentina Vargas, Juan Pablo Bastidas, Ignacia González, Alberto Ellena, María Elena Duvauchelle, Víctor Montero y Daniel Antivilo.
Director: Gustavo Graef Marino

Locos por las nueces 2 - Por Carlos Correa

La secuela de la cinta de 2014 ya llega a nuestras pantallas. Surly y sus amigos llevan ahora una verdadera “vida fácil” en la tienda de nueces que queda al frente de su hogar, el “Liberty Park”. Allí descansan, juegan, se divierten y comen, comen y comen nueces… pero esto no dura para siempre. La tienda explota inexplicablemente, Surly debe buscar comida en la ciudad -y pese a sus esfuerzos e imaginación no le resulta por ningún lado-, Andie quiere que todos vuelvan a vivir en el parque, pero… el Alcalde Muldoon tiene otros planes: el parque de Oakton no es rentable, no le da dinero, por lo que “Liberty Park” debe ser destruido y reemplazado por “Libertyland”, un enorme parque de diversiones.

La cinta es bien básica, tanto en sus personajes, como en el desarrollo del relato. Los estereotipos están tremendamente marcados y siguen un patrón de comportamiento muy obvio. Esta simpleza, sin embargo, no quita que la película sea entretenida por varios momentos. El trailer contiene las mejores partes, y ¡ojo! concentradas en solo dos minutos y medio. "Locos por..." contiene, eso sí, algunos esbozos de temas que sin duda son mucho más de fondo. Por ejemplo, la dicotomía entre la vida fácil en la tienda de nueces cuyo icono es Surly, versus la recolección natural de alimentos en forma comunitaria que propone retomar Andie. Otros ejemplos: el trabajo en equipo que puede sobreponerse a intereses particulares; la corrupción y el poder de una autoridad que quiere pasar por alto el medio ambiente y el cuidado de los animales en un hermoso parque de la ciudad. Todos ellos temas actuales, modernos y desafiantes -y con algo de lugar común también-, que contados a modo de fábula podrían ayudar a ilustrar valores positivos a los pequeños espectadores, aunque en este caso queda a medio camino.

Como producción, la cinta funciona bien. Hay acción continua, personajes adorables, algunos malos muy malos, los menos inocentes y otros buenos, muy buenos. Tal vez por ser tan simple que es que fluye tan poco la imaginación. Las risas abundan más por los “gags” que por bromas que llamen verdaderamente la atención. El tema del liderazgo, algo que cada vez se observa más explícito en estas películas infantiles, agrega un interesante contrapunto masculino, femenino -Surly y Andie- sin embargo se va diluyendo por la renuncia de ella y la liviandad de él. Personajes negativos, como Heather, la odiosa hija del alcalde, o el malvado exterminador Gunther, tienen su contraparte con la presencia de la mascota Frankie quien cae rendido ante Preciosa, y sobretodo por la comunidad de animales que no dudan en ser “uno para todos y todos para uno” cuando se sienten amenazados.

Simple y clásica película "de manual”, “Locos por las Nueces 2” entretiene por 91 minutos pero no deja mucho más. Es solo una historia que pudo ser una fábula. Tal vez no tiene pretensiones mayores y queremos forzosamente ver algo más debajo del agua, sin embargo no deja de ser preocupante que con buenas ideas y mejores herramientas no surja algo de mayor solidez. Liviana entretención; pasemos a la siguiente por favor.

Ficha Técnica

Título Original: The Nut Job 2: Nutty by Nature
Duración: 91 minutos
Música: Heitor Pereira
Elenco (voces en Inglés): Jackie Chan, Will Arnett, Katherine Heigl, Maya Rudolph
Director: Cal Brunker

Duro de Cuidar - Por Juan Pablo Donoso

Muy entretenida. Combinó bien los elementos eficaces de un filme típicamente comercial: mucha “mucha” acción, humor, espectaculares persecuciones de autos, antihéroes blancos (Ryan Reynolds) y negros (Samuel L. Jackson), mujeres de armas tomar y deslenguadas (Salma Hayek), bellas ciudades europeas (Amsterdam, Londres, Bulgaria), políticos muy corruptos y asesinos (Gary Oldman y Joaquin de Almeida), amores pendientes (Elodie Yung), constantes faltas de lógica, y protagonistas simpáticos que quisieron ser buenos alguna vez, pero terminaron malvados por culpa de las circunstancias.

En su género de intriga internacional contó con buenos y famosos actores, un guion bien elaborado, y una realización cara y adecuada para el propósito que persigue: entretener por medio de gran violencia, hacer reír, y hacernos creer que todo aquello es posible (¡!)… al menos mientras dura la película.

MUCHA ACCIÓN, MUY ENTRETENIDA, CÓMICA, Y DESCARADAMENTE INVEROSIMIL.

Ficha técnica

Título Original: The Hitman´s Bodyguard 

BFDistribution Comedia, Acción, Violencia 

EE.UU., Bulgaria, Holanda y China – 118 minutos - 2017

Fotografía: Jules O´Loughlin 

Edición: Jake Roberts Música: Atli Orvarsson 

Guionista: Tom O´Connor 

Actores: Ryan Reynolds, Samuel L. Jackson, Selma Hayek, Gary Oldman, Elodie Yung 

Director: Patrick Hughes

Ella lo Adora - Por Juan Pablo Donoso

Comedia policial de cómo un popular cantante de moda se aprovecha de una fanática admiradora para escapar de la policía.

Lo que mantiene el suspenso es la forma en que los protagonistas esquivan las claves que pudieran acusarlos. El final es novedoso porque, a diferencia de la mayoría de los filmes policiales, el conflicto logra una solución muy inesperada y poco habitual.

La actriz francesa Sandrine Kiberlain, como la fanática adulta, está espléndida en su rol. Con un mínimo de expresiones faciales entrega un poderoso subtexto emocional. Logra equilibrar a la madre de dos hijos adolescentes, divorciada, con la muchachita calcetinera que aún habita en su corazón. La desconocíamos tanto a ella como a la directora Jeanne Herry, también actriz en otros filmes galos.

La directora concibió un guion que mantiene el suspenso y el humor gracias a que sus personajes secundarios – la pareja de detectives – en medio de su pesquisa muestran también sus facetas de inmadurez sentimental.

Aunque la causa del crimen fue un accidente y tratan de ocultarlo, durante todo el desarrollo van surgiendo claves para descubrir a los sospechosos. Pero siempre, y con nuestra complicidad de espectadores, logran confundir a los policías contribuyendo al buen humor de la historia. Por lo demás, la víctima fallecida era tan insoportable que sentimos que ella misma se buscó su desgracia.

AMENA COMBINACION - MUY FEMENIA - DE SUSPENSO Y COMEDIA

Ficha técnica

Título Original: Elle l´adore 

Cine Arte Galería Patricia Ready 

Tragicomedia, suspenso Francia – 104 minutos - 2014

Fotografía: Axel Cosnefroiy 

Música: Pascal Sangla 

Diseño de Producción: Johann George 

Actores: Sandrine Kimberlaine, Laurent Lafitte, Pascal Demolon 

Directora y Guionista: Jeanne Herry 

La Chica sin Nombre - Por Juan Pablo Donoso

Apasionante relato cuyo tema es la CULPA.

Tenemos pocas oportunidades de ver películas escritas y dirigidas por Jean-Pierre y Luc Dardenne. Estos hermanos belgas, que siempre trabajan juntos, han ganado muchos premios internacionales: La Promesa (1996), Rosetta (1999, Palma de Oro en Cannes), Los Hijos (2002, Premio del Jurado Ecuménico en Cannes), El Niño de la Bicicleta (2011) Dos Días, Una Noche (2014), y varias más.

Casi siempre ambientan sus historias en algún pequeño pueblo de Bélgica, y sus personajes son gente sencilla pero expuesta a profundos dilemas emocionales.

Esta vez nos presentan a Jenny, una joven doctora de consultorio popular, de gran vocación y entrega a sus pacientes. La sociedad médica de la región la nombra digna heredera de su médico jefe que ya jubiló por enfermedad.

Una noche, cuando ya terminaba su trabajo tocan el timbre de la puerta de calle. Ella hace caso omiso del llamado por lo avanzado de la hora. Al día siguiente le informan que una muchachita de color ha sido brutalmente asesinada, al frente de su consulta, junto al río Meuse. Cuando ve las fotos reconoce, por la cámara de seguridad del edificio, a la misma niña que desesperada pedía auxilio la noche anterior.

La joven doctora será, desde ese momento, víctima de un obsesivo cargo de conciencia: ella pudo abrir la puerta y socorrerla.

De ahí en adelante Jenny, además de comprarle una sepultura anónima en el cementerio, se dará a la tarea de descubrir al asesino. Y a partir de graduales indicios que entregan sus pacientes, seguirá indagando hasta dar con él, o los criminales.

Los méritos de este filme son la madurez del relato, su deliberada falta de estridencia y efectismo, pero mucho suspenso. Nos aproxima tan de cerca a Jenny (planos muy cerrados) que logra contagiarnos su obsesión. Para compartir aún más su tormento, la película prescinde de música incidental: sólo los sonidos del ambiente y, especialmente, los silencios que permiten al espectador empaparse más con el misterio que la doctora necesita esclarecer.

Excelente actuación de Adele Haenel, joven actriz francesa cuyo talento desconocíamos, y magnífica respuesta lograron estos directores del resto de los personajes secundarios (adultos, ancianos y niños) que, en su mayoría son ajenos al oficio actoral.

RELATO MÉDICO/POLICIAL QUE SEDUCE POR SU OFICIO CINEMATOGRÁFICO Y POR LA SOBRIEDAD DE SU TRATAMIENTO HUMANITARIO.

Ficha técnica

Titulo Original: La Fille Inconnue 

Cine Radical Crimen, drama, misterio 

Bélgica y Francia – 113 minutos 

2016

Fotografía: Alain Marcoen 

Edición: Marie-Helene Dozo 

Diseño de Producción: Igor Gabriel 

Actores: Adele Haenel,Olivier Bonnaud, Jeremie Renier 

Directores y Guionistas: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne

Baby: el aprendiz del crimen - Por Carlos Correa

El director Edgar Wright escribe y dirige esta cinta de acción que se centra en la historia de Baby -Ansel Elgort- un audaz conductor, especialista en huir de la policía luego de cometer atracos con una banda liderada por el carismático Doc -Kevin Spacey-. El relato no es muy distinto a varias películas del género de persecuciones, robos y carreras de autos, sin embargo la dinámica que Wright suma al guión, en cuyo rol central destaca la banda sonora, le da a la cinta una dimensión diferente.

Baby tiene una dificultad crónica en su audición que solo supera escuchando permanentemente canciones de sus diferentes iPods. Tanto es así que tiene una pista para cada momento, situación u oportunidad. Incluso hace sus propias mezclas usando grabaciones de voz, así es que también es un DJ en veloz movimiento. Baby vive con su padrastro -tiene una historia familiar tremenda- y naturalmente en el camino conoce a la chica de sus sueños lo que le alienta a dejar el mundo criminal para poder realizar una vida normal.

Difícil aburrirse con tanta acción. Si bien no está dosificada y es permanente, los pocos momentos de calma, solo son puentes para nuevas escenas y fugaces carreras. En ese sentido, la cinta no se afirma y tampoco caracteriza más a sus personajes. Y hay bastantes: ladrones de poca monta, otros experimentados y un asesino, todos mezclados y siempre cambiando roles, que es la táctica usada por un característico Kevin Spacey, esta vez personificando al director del mal tras las sombras.

La película es bastante correcta no obstante aportar poco a su género. Las actuaciones, en especial la de Elgort, están bien logradas y a pesar de no ser en ningún momento muy profundas, alcanzan para delinear la esencia de los personajes. El crimen organizado, tecnológico y con una cuota de humanidad, esta vez dada por “Baby Driver”, siempre generará historias y habrá quien esté dispuesto a filmarlas.

En esta ocasión si existe un detalle no menor al poner a la música como protagonista. Incluso podría ser esta película clasificada como un tipo de musical -hay muchas secuencias que si lo son claramente, con coreografías y sincronizaciones interesantes entre imagen y sonido- pero lamentablemente queda a medio camino -nunca fue su intención- porque para ello se necesita algo más que una buena idea. Interesante narración del director Edgar Wright, vale la pena verla. Tenemos entretenimiento garantizado, persecuciones reales y una banda sonora para todos los gustos.

Ficha técnica

Título original: Baby Driver
Año :2017
Duración: 115 minutos
País: Reino Unido
Género: Acción. Comedia | Crimen. Robos & Atracos. Coches / Automovilismo
Guión: Edgar Wright
Música: Steven Price
Fotografía: Bill Pope
Reparto: Ansel Elgort, Lily James, Jamie Foxx, Jon Hamm, Kevin Spacey, Eiza González, Jon Bernthal, Ben VanderMey, Thurman Sewell, Allison King, Lance Palmer, Keith Hudson, Patrick R. Walker, Hudson Meek, Troy Faruk
Director: Edgar Wright

Por Siempre Amigos - Por Juan Pablo Donoso

Historia honesta y sencilla. Una bella amistad de dos muchachos adolescentes. El dilema de dos buenas familias que deben tomar una ingrata decisión. Agradable de ver y fácil de compadecer.

Cuando muere el abuelo Max, la familia de su hijo Brian, con su esposa e hijo Jake, se trasladan de Manhattan al departamento desocupado en Brooklyn. En el primer piso vive Leonor con su hijo Antonio. Su hogar es una tienda de ropa que ella misma elabora. El abuelo Max le tenía gran estima y le arrendaba el departamento por una suma moderada. Los hijos adolescentes de ambas familias se hacen muy amigos; comparten juegos, clases escolares, amigas, e ilusiones para el futuro.

Lo que se inicia como una cordial amistad de vecinos, se dificulta cuando la hermana de Brian, Audrey, heredera del primer piso, necesita arrendar esa propiedad para obtener ingresos.

Las relaciones se irán poniendo cada vez más tensas, ya que Leonor es incapaz de pagar lo que cuesta su tienda y domicilio. La amenaza de desalojo es inminente.

Ambas familias son sencillas, bien inspiradas, y querrían vivir en armonía. Pero la circunstancia legal los pone a todos en odioso antagonismo. Y lo sensible será la relación de los dos muchachos amigos, absolutamente ajenos al dilema de sus padres.

Esa es la trama general. El resto son las escenas cotidianas, la opaca vida de Brian como actor (Greg Kinnear), su esposa Kathy (Jennifer Ehle), psicoterapeuta, que debe mantener el hogar económicamente. La soledad de Leonor con su marido ausente en Angola. Las clases de arte de ambos muchachos: uno quiere ser actor y el otro pintor.

Lo cotidiano de este drama se realza con un montaje natural y la participación de excelentes actores. Jennifer Ehle (Orgullo y Prejuicio), Greg Kinnear (Mejor Imposible – Little Miss Sunshine), el tan versátil Alfred Molina y, para orgullo de los chilenos nuestra compatriota Paulina García, quien tiene la participación más difícil y lograda en este filme, como Leonor.

DRAMA FAMILIAR INEVITABLE, SIN ESTRIDENCIAS, DE BELLA AMISTAD JUVENIL Y PERSONAS BIEN INTENCIONADAS. GRATA.

Ficha técnica

Título Original: Little Men 

Drama familiar 

Grecia, Brasil, EE.UU. – 85 minutos 

Fotografía: Oscar Durán 

Edición: Mollie Goldstein y Alfonso Goncalves 

Música: Dickon Hinchliffe 

Guionistas: Ira Sachs y Mauricio Zacharias 

Actores: Greg Kinnear, Jennifer Ehle, Paulina García, Alfred Molina 

Director: Ira Sachs

El Bar - Por Juan Pablo Donoso

Tragicomedia de humor negro, suspenso y pavor. Denuncia el egoísmo cuando está en juego la sobrevivencia.

Sin duda la dupla de Alex de la Iglesia y el guionista Jorge Guerricaechevarría tiene talento y un estilo muy definido. Sus historias navegan en una salsa de aparente cordura inicial, pero que van creciendo en locuras hasta llegar al total desquicio. Magistrales han sido filmes anteriores como Crimen Ferpecto (2004), Las Brujas de Zugarramundi (2013) y Mi Gran Noche (2015). Esta vez juegan con el misterio y la claustrofobia.

Ocho parroquianos de un pequeño bar madrileño quedan encerrados porque alguien desconocido le dispara y asesina a todo el que salga a la vereda. En el WC hay un individuo que falleció víctima de una peste desconocida; todos podrían estar contagiados; pero el occiso llevaba consigo unas vacunas que podrían ser salvadoras. Comenzará la disputa por las inyecciones que sólo alcanzan para unos pocos.

En la línea de El Ángel Exterminador de Luis Buñuel (1962), ninguno entiende lo que está sucediendo, ni por qué siguen atrapados. También en la línea de Agatha Christie irán muriendo uno tras otro. Por un incendio en la calle ningún transeúnte se entera de lo que les sucede. El nudo se irá estrechando hasta quedar todos enclaustrados en el sótano agrediéndose, y después, aún más, cuando intentan escapar por las fétidas cloacas. (Reminiscencias de Kanal, de Andrzej Wajda – 1957).

Sin duda es una trama de suspenso. Los personajes están bien definidos mostrando las flaquezas y vicios de cada cual. En medio de la angustia hay facetas de humor negro y estupidez. Pero el relato está plagado de giros gratuitos e inconsecuencias sólo para mantener la continuidad de las acciones. Ya en las escenas de alcantarilla se nota el agotamiento argumental para sostener un mínimo de lógica verosímil, que nos haga siquiera compadecer a los personajes.

En la secuencia final cabe preguntarse qué quisieron demostrar los autores con este seudo apocalipsis. ¿Qué el hombre es el lobo del hombre? Lo hemos visto muchas veces. ¿Qué el encierro desata la locura de cada persona? También. Entonces, sólo nos queda admirar un eximio manejo audiovisual, estupenda edición, y un alto nivel de actuaciones entre las que destacan Jaime Ordóñez como el mendigo alcohólico, Terele Pávez como Amparo, la dueña del Bar, y los demás cumpliendo con eficiencia sus cometidos.

A diferencia de obras anteriores de estos autores, faltó la motivación lógica inicial que, partiendo de lo verosímil, deviene gradualmente en euforia demencial.

EN SU ESTILO DE HUMOR NEGRO HEMOS VISTO MEJORES FILMES DE ALEX DE LA IGLESIA.

Ficha técnica

Humor negro, misterio, suspenso 

Cine Color Films 

España y Argentina - 2017 - 102 minutos 

Fotografía: Ángel Amorós 

Edición: Domingo González 

Música: Carlos Riera y Joan Valente 

Vestuario: Paula Torres 

Guionistas: Jorge Guerricaechavarría y Alex de la Iglesia 

Actores: Blanca Suárez, Jaimes Ordóñez, Terele Pávez, Carmen Machi, Mario Casas 

Director: Alex de la Iglesia

Valerian, la Ciudad de los 1000 Planetas - Por Juan Pablo Donoso

Gigantesca superproducción galáctica de aventuras. Pero recargada, demasiado larga, le faltó selección de los episodios.

Así como hay reiteración de peripecias hay acumulación y alarde de efectos especiales (serían bellos, pero vistos por separado). Hay tantos personajes y escenarios que por momentos nos confundimos de quién es quién entre las autoridades, y de dónde estamos en determinados momentos, ya que las galaxias son infinitas.

Los diálogos son ramplones, más aún los seudo románticos (¿le aceptará la bella Laurelina los requiebros amorosos al enamorado Valerián?) Deberían generar suspenso amoroso, pero poco importan en medio de tanta batahola de combates y estridencias espaciales.

Adaptación cinematográfica del comic francés de ciencia ficción VALERIAN Y LAURELINE, de Pierre Christin y Jean-Claude Mezieres. €197.000.000 de euros. 2734 efectos especiales. Golosina para Luc Bresson, un buen director de filmes anteriores: Juana de Arco (1999), La Fuerza del Amor (2011), Una Familia Peligrosa (2013).

Los agentes especiales Valerian (Dane DeHaan) y Laureline (Cara Delevingne) trabajan juntos para mantener el orden en todo el universo. Son enviados por su comandante (Clive Owen) a una ciudad intergaláctica de Alpha, metrópolis en que conviven miles de especies distintas de todos los rincones del universo. Los millones de habitantes de Alpha han unido sus talentos y tecnología para el bien común. Pero fuerzas ocultas ponen en grave peligro la ciudad.

Hubo un idílico planeta llamado Mül, supuestamente destruido por perversos militares terrestres, habitado por criaturas angelicales: androides, cruza de primitivos africanos con semi-albinos de ojos celestes. El tesoro de esta raza evolucionada eran una perlas que obtenían del mar. Y unas mascotas – similares a carpinchos – se las comían, para luego defecarlas en millones de perlas más. Ese era el tesoro que anhelaban los malvados.

Esta es sólo una de las múltiples facetas de ese relato. Con unas pocas, bien seleccioandas, habría bastado para lucir toda la parafernalia de bellos efectos especiales. Y después, que vinieran la 2ª, 3ª y etc. secuelas. Trataron de contar demasiadas hazañas en una sola película.

ADMIRABLES ESCENARIOS GALÁCTICOS Y EFECTOS ESPACIALES, PERO SE SIENTE ABRUMADORA Y HASTA CONFUSA A RATOS. 

Ficha técnica   

Título Original: Valerian 

Diamond Films Chile 

Aventuras, ciencia-ficción 

Francia - 2017 - 132 minutos 

Música: Alexander Desplat 

Fotografía: Thierry Arbogast 

Edición: Julien Rey 

Dirección de Arte: Gilles Boillot y otros

Guionistas: Pierre Christin (comic book Valerian y Laureline), Jean-Claude Mézières (comic book), Luc Besson 

Actores: Ethan Hawke,Dane DeHaan, Cara Delevingne, Clive Owen, Rihanna, , John Goodman Director: Luc Besson

Dos son Familia - Por Juan Pablo Donoso

Versión francesa del filme mexicano No se Aceptan Devoluciones (2013) que fue dirigida y protagonizada por Eugenio Derbez (Como ser un Latin Lover).

Tuvo tal éxito esa película que le pidieron al mismo Derbez que adaptara el guion para recrearla en Francia.

Es un melodrama de temática familiar tratado en muchos otros filmes. Pero en este caso las actuaciones, el humor, la ternura y la tristeza se conjugan para lograr una obra llena de encanto.

Omar Sy, talentoso actor negro que se dio a conocer en Amigos (Untouchables – 2011) y luego en varias superproducciones taquilleras, es Samuel, libertino vividor en Marsella. Un día aparece una mujer estadounidense con una guagüita de meses en brazos (Clemence Poesy). Le dice que es hija suya, se la entrega y escapa a Londres. Samuel la sigue hasta allá pero sin hallarla. Solo, en Inglaterra, con una criaturita mulata, deberá trabajar para sobrevivir ambos.

Un agente gay de dobles cinematográficos (Antoine Bertrand), lo contrata y comparten departamento. Ambos se encargarán de cuidar a la pequeña Gloria (Gloria Colston) que crecerá junto a ellos hasta la edad de 9 años. Con su padre y su tío Bernie hay un vínculo de amor y alegría.

Más todo se altera cuando, después de largo tiempo, reaparece la madre, Kristin, a exigir que le devuelvan a la hijita que había abandonado, para llevársela a EE.UU.

El conflicto se centra en quién merece quedarse con la niña: su madre biológica o el padre que la crió y educó con tanto esmero.

El desarrollo y resolución de este dilema expondrá los sentimientos de estos cuatro personajes. La niña idealizaba a su madre creyéndola lejana sólo temporalmente y, a la vez, adorando a su padre y a su tío. Vendrá el juicio legal y otros bemoles inesperados que harán aún más dramática esta situación de ruptura.

La cinta está hecha con buen oficio narrativo. Y gracias a la excelencia de sus actores se salva de caer en el facilismo lacrimógeno. Cada uno de los cuatro actores principales encarna su personaje con honestidad. La mirada suplicante de Clemence Poesy (Fleur Delacour en Harry Potter), como la madre que a ratos detestaríamos, la humaniza; el tío, desde su condición de género aporta un bello puente de solidaridad; Samuel, como el padre, demuestra una vez más su versatilidad para el humor y la tristeza; y la pequeña Gloria Colston, lúdica y espontánea, se vislumbra como una de las grandes estrellas infantiles del cine internacional.

TRAGICOMEDIA ENCANTADORA QUE COMBINA HUMOR Y TRISTEZA CON UN BUEN GUION Y TALENTOSOS ACTORES.

Ficha técnica

Título Original: Demain Tout Commence 

BFDistribution Tragicomedia familiar 

Francia - 114 minutos -  2017

Música: Rob Simonsen 

Fotografía: Nicolas Massart 

Edición: Valentin Feron y Gregoire Sivan 

Guionistas: Eugenio Derbez, Igor Gotesman 

Actores: Omar Sy, Clemence Poesy, Antoine Bertrand 

Director: Hugo Gelin

Una Serena Pasión - Por Juan Pablo Donoso

"Nunca estropearía un sueño perfecto manchando su aura, mas bien ajustaría mi rutina diaria para volverlo a soñar."

Un deleite para los que aprecian la poesía de Emily Dickinson y que admiran una bella recreación de época. Para otros puede resultar lenta, distante y algo forzada.

Lejos de ser realista, es un relato muy inmerso en la atmósfera y costumbres de aquel romanticismo del siglo 19. Aquel tan ricamente expuesto por las hermanas Bronté en sus novelas.

Los diálogos suenan deliberadamente recitados, y Emily deja caer en sus conversaciones muchos de sus pensamientos y visiones de la realidad.

Es una reveladora aproximación al mundo intimo de la gran poetisa estadounidense.

Para el que busca una típica historia de amor novelesco resultará incluso extraña por su tratamiento.

El filme nos introduce en su mundo, en el de su familia y amistades. Escenas salpicadas con sus versos en OFF que, escuchados en inglés son infinitamente más bellos y poderosos que la traducción de los subtítulos.

“A wounded deer leaps the highest”.

La ambientación, los colores, la iluminación con velas en los salones y dormitorios, las flores del jardín, los vestuarios, peinados y utilería están cuidadas al extremo. Las actuaciones, más que realistas son estilizadas, aunque igual sus personajes disparan sarcasmos y punzantes perspicacias. El resto lo disfrutarán quienes se sumerjan en aquel mundo que los realizadores, inspirados en la poetisa, nos invitan a conocer.

Si bien es biográfica en los acontecimientos de su vida, el lenguaje audiovisual capta el ímpetu espiritual de tan importante escritora decimonónica. La profundidad y la riqueza de su obra se inserta en el grupo de aquellos gigantes literarios estadounidenses como Walt Whitman, Robert Frost, Edgar Allan Poe y Ralph Waldo Emerson.

“Parting is all we know of heaven, and all we need of hell”.

UN ACERCAMIENTO SERENO AL ALMA DE UNA DE LAS MÁS GRANDES POETAS DEL SIGLO 19: EMILY DICKINSON.

Ficha técnica

Título Original : A Quiet Passion 

Cine Arte Galería Patricia Ready 

Biografía, drama Inglaterra, Bélgica

2016 - 125 minutos 

Fotografía: Florian Hoffmeister 

Edición: Pia Di Ciaula 

Escenografía: Ilse Willocx 

Vestuario: Catherine Marchand 

Actores: Cynthia Nixon, Jennifer Ehle, Keith Carradine, Duncan Duff, Joanna Bacon, Catherine Bailey, Emma Bell 

Director y Guionista: Terence Davies

Francofonía - Por Juan Pablo Donoso

Francófono= Persona o comunidad que habla francés.

Interesante reflexión que faltó definirse entre ser una alegoría o un documental.

Su director, Alexander Sokurov, fue quien realizó en 2002 aquel prodigio cinematográfico llamado EL ARCA RUSA, filmada con un solo plano secuencia, y cientos de extras, en el Museo L´Hermitage de San Petersburgo.

Esta vez, quiso destacar la importancia del museo del Louvre: su origen histórico, sus rincones más secretos, sus tesoros artísticos, y de cómo el Conde Franz Wolff- Meternich, siendo un alto oficial nazi, evitó que se perdieran las joyas pictóricas.

El mismo autor Sokurov confiesa, al comienzo, que quedó insatisfecho con este filme, mientras un barco navega por mares muy bravos llevando tesoros del Museo. Quiso hacer algo, más o menos, similar al ARCA pero le faltó coherencia narrativa al mezclar demasiados elementos históricos: la Revolución Francesa, Napoléon, Hitler, Stalin, los preservadores de las obras de arte, y los trozos de antiguos documentales con ficticias recreaciones dramáticas.

Se torna lento y plano porque carece de una evolución dramática efectiva. Culminó el guion haciendo una premonición del futuro de ambos redentores del Museo: Jacquesd Jaugard (su Director durante la Guerra) y Franz Wolff-Meternich (patrono y visionario universal del arte).

Todo lo que expone y explica es interesante y educativo, pero esta vez quedó corto en amenidad y asombro para el grueso público.

SEMI-DOCUMENTAL QUE MANCOMUNA LA HISTORIA DEL ARTE CON LA HISTORIA BÉLICA DE EUROPA OCCIDENTAL.

Ficha técnica

Semi documental, historia, pintura 

Cine Arte Galería Patricia Ready 

Francia, Alemania y Holanda

2015 - 88 minutos 

Fotografía: Bruno Delbonnel 

Edición: Hansjörg Weißbrich 

Música: Murat Kabardokov 

Actores: Louis-Do de Lencquesaing, Benjamin Utzerath, Vincent Nemeth 

Director y Guionista: Alexander Sokurov

El bar - Por Carlos Correa

Centro de Madrid como primer tema. Caos y desorden generalizado en un pequeño bar, como contrapunto. Álex de la Iglesia es su director. ¿Resultado? Difícil de explicar, más bien debemos dejarnos llevar para descubrirlo.

Varias personas desayunan en un pequeño y céntrico local, cada cual en lo suyo, hasta que al salir por la puerta uno de ellos recibe un disparo mortal. Nadie sale, no saben que pasa. Otro se aventura a socorrer al caído y también es alcanzado por un certero balazo. Desesperación total, un infierno desatado. ¿Terrorismo, francotiradores, algo al interior, uno de ellos mismos? La tensión crece con el correr de los minutos. El miedo avanza, los instintos dominan a los protagonistas y todo se torna primario y violento. ¿Qué está sucediendo? No lo sabemos nosotros y tampoco quienes están en la pantalla. Contar más de la historia no se puede porque arruinaría el proyecto que está rodeado de incertidumbre desde el trailer inicial.

Una vez más, este director español hace de las suyas. Con un comienzo trepidante, con secuencias perfectas, introduce graciosamente a los personajes con los que conviviremos encerrados los siguientes 100 minutos. El humor negro, lo absurdo y grotesco es solo formal. Aumenta la provocación, incomoda y provoca rígidas sonrisas en la medida que los personajes van mostrando su lado más oscuro con el correr del relato.

No es nuevo, en el formato del director, comenzar a todo ritmo e ir dosificando hacia el tercio final. Es parte de su estilo y el es fiel a ello. Sin embargo en esta producción el metraje decae completamente en su desenlace. Es una lástima, pero una tensión como la provocada no tiene cómo desarrollarse. Es como correr desesperadamente 60 minutos y que en los últimos 30 te goleen de contragolpe porque ya las fuerzas no dan. Hay un evidente desequilibrio que conociendo al bilbaíno es sin duda intencional. Y ese desequilibrio quiere ser parte de la tensión, pero esta vez no resulta. Al contrario, le juega en contra a pesar de las secuencias estructuradas que tiene cada sección del relato.

Alex de la Iglesia tiene un talento formidable para filmar en espacios mínimos. Sus locaciones son restringidas y esa falta de espacio provoca gran angustia. Agreguemos una buena dosis de paranoia y personajes caricaturizados y todo debería funcionar. Y por largos momentos lo hace y es realmente reconocible en facetas, tiempos, colores y texturas. Esta teatralidad de la filmación es lo más logrado de esta cinta y justamente cuando la abandona, la película va decreciendo lentamente, aunque la tensión muta de propósito. Ahora queremos que todo acabe pronto.

De la Iglesia es provocador y fiel a ese estilo nos propone una historia en varias capas, donde la crítica social está siempre presente. También critica las apariencias, nuestras relaciones y formas de ser, prejuicios, valores y la difícil tolerancia existente en nuestros días. Su forma es muy original y puede tener férreos opositores cuyos anticuerpos se generan de forma espontánea. Sin embargo, una lectura más global nos puede permitir darle la oportunidad al director de mostrar la faceta más profunda de sus personajes. Una realidad que solo se aprecia en situaciones límite y donde no sabemos a qué seremos conducidos. La idea es brillante. ¿Y entonces, el resultado? Insisto que debemos descubrirlo.

Ficha técnica

Título original: El bar
Año: 2017
Duración: 102 minutos
País: España
Productora: Pokeepsie Films / Nadie es perfecto PC
Guión: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría
Género: Thriller. Intriga
Música: Carlos Riera, Joan Valent
Fotografía: Ángel Amorós
Reparto: Blanca Suárez, Mario Casas, Secun de la Rosa, Carmen Machi, Jaime Ordóñez, Terele Pávez, Joaquín Climent, Alejandro Awada, Jordi Aguilar, Diego Braguinsky, Mamen García
Director: Álex de la Iglesia

Valerian - Por Carlos Correa

Basada en la serie francesa de ciencia ficción “Valérian y Laureline” publicada por primera vez en 1967, escrita por Pierre Christin e ilustrada por Jean-Claude Mézières esta cinta del director Luc Besson está protagonizada por Dane DeHaan -Valerian- y Cara Delevingne -Laureline-. Además participan​ Clive Owen, Rihanna, Ethan Hawke, Herbie Hancock, Kris Wu y Rutger Hauer en los papeles secundarios, dando al elenco atractivos nombres. Sin embargo, la cinta queda a medio camino. Es cierto que el género del director de “El quinto elemento” y “Lucy” entre otras exitosas películas es llamado por algunos como “Ópera Espacial”. También es reconocida su estética y su tratamiento de la narración en la ciencia ficción. Pues bien, esta cinta no toma ninguno de los dos caminos. Es más, el guión es difuso y lleno de recovecos y la estética juega en contra de una lectura más fluida del relato.

El escenario es sencillo. En el siglo XXVIII, Valerian y Laureline son dos agentes espaciales que están a cargo de mantener el orden en los territorios humanos del universo. Se embarcan en una misión a la alucinante Alpha, la famosa Ciudad de los Mil Planetas donde, en permanente evolución, diversas especies han compartido conocimientos y culturas durante siglos. ¿Objetivo de la misión? Bastante obvio: una amenaza desconocida altera la paz y aquello podría repercutir en todo el universo.

Como vemos, estos dos agentes no se andan con temas pequeños y el director tampoco. La construcción del escenario, de los mundos y de las especies es asombroso. Puede gustarnos o no, pero hay una estética jugada, clara y futurista. En contraposición a un brillante juego de colores, sombras y lujo de detalles, tenemos una historia que lamentablemente no está a la altura. Por ello la cinta queda al debe y su natural provocación queda evidentemente sin sustento.

Sin duda una película así de ambiciosa -Besson estaba en la pre-producción de “Valerian” cuando vio “Avatar” y decidió por ello darle más tiempo a su nuevo proyecto- no es sencilla de componer pues los riesgos son enormes. ¿Es para adolescentes? La pareja protagónica está sin duda seleccionada para dicho público. ¿La ciencia ficción captura a los fans? El mundo de la historieta original llevado a la pantalla grande tiene múltiples opciones que no dejarán contentos a todos. ¿Los amantes de los Cómics, la adorarán o la olvidarán? Difícil respuesta cuando se abarcan tantos objetivos en un poco más de dos horas.

“Valerian” es de todas formas una cinta interesante. Alabarla o criticarla dependerá mucho de lo cercano o lejano a la estética y a la forma que propone, porque en cuanto al guión, tal vez logremos un mayor acuerdo en torno a su delgada construcción. No obstante lo anterior y estar claramente en el terreno contrario a la alabanza, rescato el estilo y honestidad del director francés. Podemos diferir, y eso finalmente es lo más significativo de las propuestas de autor.

Ficha técnica

Título original: Valerian and the City of a Thousand Planets
Año: 2017
Duración: 137 minutos
País: Francia
Productora: EuropaCorp / Fundamental Films / Grive Productions
Género: Ciencia ficción - Acción - Romance | Aventura espacial - Cómic
Guión: Luc Besson (Cómic: Pierre Christin, Jean-Claude Mézières)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Thierry Arbogast
Reparto: Dane DeHaan, Cara Delevingne, Clive Owen, Rihanna, Ethan Hawke, Herbie Hancock, John Goodman, Rutger Hauer, Kris Wu, Emilie Livingston, Aurelien Gaya
Director: Luc Besson

La ciudad perdida de Z - Por Carlos Correa

La búsqueda de una legendaria ciudad perdida en el Amazonas es el centro de esta película del director James Gray, basada en el libro del mismo título publicado en 2009 por David Grann. El explorador británico Percy Fawcett -Charlie Hunnam- es quien lidera expedición tras expedición para encontrar esta ciudad que ha cobrado la vida de cientos de personas. Es un misterio, una obsesión y acaso también la ilusión de un aventurero que también busca reconocimiento y ocupar un lugar en la historia.

La cinta desarrolla en forma magnífica los entornos selváticos y las dificultades esperadas e inesperadas de cada incursión. Es un territorio hostil, en parte nunca visitado por un ser humano y en otras habitado por tribus de diferentes culturas y formas de ser, desde nómadas y luchadores hasta recolectores y canibales.

La película relata los hechos reales con una perspectiva histórica fascinante. Es una poesía audiovisual, un cine clásico, en cuanto a forma y a despliegue. Un guión pausado, cuyo mayor mérito es la expansión de cada escena, permite que la cámara retrate significativamente los detalles y la composición de cada cuadro. Esto último es una verdadera proeza en tiempos donde la síntesis y la acción se sobreponen a la contemplación y la emoción.

La recreación de la época de los años 20, en especial lo que rodea a la última expedición de Fawcett, está perfectamente lograda, diríamos británicamente resuelta. Las luchas de poder, la búsqueda de reconocimiento, las envidias, la figuración en la alta sociedad y muchas otras temáticas sociales no son ajenas a la producción. También encontramos relaciones familiares poco comprensibles en nuestro siglo XXI, sin embargo ese contexto es desarrollado de forma clara y precisa.

Sin duda que esta es una cinta ambiciosa. Afloran los recuerdos de las clásicas -“Fitzcarraldo” entre muchas otras-, e inevitablemente las comparaciones. Sin embargo, bien lo sabemos, no podemos lograr puntos de comparación. Por momentos parecemos observar un reportaje en extenso de “National Geographic” y en otros una intrincada política londinense. Hay un gran mérito en unir ámbitos tan distintos, no obstante el ritmo del relato decae a menudo y no logra levantar un vuelo dramático que la lleve a un claro desarrollo y un punto de inflexión.

"La ciudad perdida de Z" aparece mucho más monumental de lo que es. Las expectativas son mayores y la ilusión también. Es posible que se disfrute y entienda mejor pasado unos días, cuando lentamente aparecen recuerdos fugaces, personajes, situaciones y sueños. Así, a la distancia, logra transportarnos todo aquello que durante su exhibición nos contuvo y nos frenó, y eso la hace más interesante en la medida que tomamos distancia del material cinematográfico y vamos decantando la poesía, la belleza y los sueños que envuelve en sus plano más íntimos.

Ficha técnica

Año: 2016
País: Estados Unidos
Género: Aventuras. Drama | Biográfico. Años 20
Duración: 141 minutos
Reparto: Charlie Hunnam, Sienna Miller, Tom Holland, Robert Pattinson, Angus Macfadyen, Bobby Smalldridge
Director:James Gray