jueves, 31 de marzo de 2022

Culpable - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.


Joe Baylor -Jake Gyllenhaal-, es un oficial de la policía de Los Ángeles que se encuentra destinado en un centro de llamadas del 911. Se nota cansado y cabreado, porque no es muy empático ni prolijo en los casos que tiene que atender, sin embargo el llamado de una mujer, Emily Lighton -voz de Riley Keough-, le resulta inquietante pues, entre sollozos, le revela que ha sido secuestrada. Las pistas son mínimas y Joe juega todas sus fichas para que la policía encuentre una camioneta blanca, vehículo en el que viajaría la mujer, aunque sin número de matrícula u otros datos, esto parece una misión imposible.

Joe se desespera, recurre a otras unidades, pero las puertas parecen cerrarse por completo. En ese momento decide llamar a la casa de Emily. Quien atiende el teléfono es su hija Abby, de solo seis años, y aporta antecedentes importantes respecto a su madre, su padre y su hermanito pequeño. El reloj corre y todo es contra el tiempo. ¿Podrá, Joe, salvar a Emily?

“The Guilty” resulta sorpresiva si no se conoce la película en la que está basada, porque este “remake” está, al menos, un tono más abajo que el original danés del 2018. Aun así, resulta interesante -aunque no necesaria o indispensable-, y esto es, básicamente, gracias a la actuación de su protagonista.

Antoine Fuqua da vida a un guion de Nic Pizzolatto basado en el texto escrito por Emil Nygaard Albertsen y Gustav Möller. El ritmo es vertiginoso, la edición certera, y se captan bien los espacios interiores cautivos para que podamos imaginar lo que sucede sin verlo en pantalla. Este diseño minimalista está bien concebido y la filmación de Fuqua le aporta claridad y precisión.

Jake Gyllenhaal vive su papel, se compenetra. Deja traslucir algunos rasgos de violencia de un protagonista que está a la espera de una audiencia en la corte por un incidente ocurrido algunos meses antes. Joe evidencia incomodidad, no sabe cómo resolver su mundo interior y traspasa aquello a su trabajo. Sus tonos de voz varían según las situaciones y denotan claramente su esencia, relevando el gran trabajo actoral de Gyllenhaal para soportar todo el peso de toda la película.

Con una duración justa de una hora y treinta minutos, “Culpable” logra que necesitemos resolver la incógnita, nos atrapa con sus giros y nos mantiene pegados a la pantalla. Si agregamos una capitulación correcta además de un cierre inesperado, estamos frente a una película que no solo funciona sino que, además, cumple perfectamente con lo que promete. Ni más ni menos, y eso ya es bastante que decir.

Ficha técnica

Título original: The Guilty
Año: 2021
Duración: 89 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Amet Entertainment, Bold Films, Fuqua Films, Nine Stories Productions, Endeavor Content. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller. Intriga | Policíaco. Secuestros / Desapariciones. Remake
Guion: Nic Pizzolatto. Guion original: Emil Nygaard Albertsen, Gustav Möller
Música: Marcelo Zarvos
Fotografía: Maz Makhani
Reparto: Jake Gyllenhaal, Adrian Martinez, Christina Vidal, Eli Goree, David Castaneda, Oscar Balderrama, Becky Wu, Bret Porter. Voz: Riley Keough, Peter Sarsgaard, Ethan Hawke, Paul Dano
Dirección: Antoine Fuqua

martes, 29 de marzo de 2022

Sin respiro - Por Alejandro Caro

Sinopsis: La historia se centra en Thomas Blin (Franck Gastambide), un policía que acaba de perder a su madre. De regreso del funeral, él va manejando y hace una maniobra brusca para evitar atropellar a un perro en la carretera, sin embargo, esta acción termina por cobrar la vida de un hombre. La decisión que tomó instantáneamente fue esconder el cuerpo, aunque ese singular accidente provocará que una serie de eventos perturbaran su vida.


Remake de una comedia negra de origen coreano del año 2014 llamada: "A Hard Day", de Kim Seong-hun.

Es un thriller policial con unas pinceladas de comedia negra, y los ingredientes de un policía corrupto, por su forma de trabajar, que el destino conducirá hacia una vorágine de situaciones de las que zafar se hace cada vez más difícil.

Régis Blondeauxv, experto en fotografía y en esta su opera prima como director, destaca la atmósfera que otorgan los fotogramas. La acción que expresan ellos permite que permanezcamos siguiendo la historia con sus giros y ritmos en el guion hasta que aparece el personaje incógnito; nos permitirá integrarlo al relato aunque la acción seguirá hasta alcanzar el desenlace con…

La historia de Blin lo hará recorrer lo más oscuro de su vida personal y profesional y podemos suponer que en algún momento lo llevará a enmendar su vida, pues parece que ya no se puede seguir viviendo de esa manera. Lo anterior, lo conducirá tomar una decisión que marcará, posiblemente, su nuevo destino. También delinea una trama de corrupción por aquellos que deben combatirla.

Como en toda cosa en la vida, siempre al final, las decisiones que se toman tienen consecuencias como sucede con el protagonista. Y en nuestra vida puede suceder algo parecido.

Finalmente, este policía que al comienzo nos parece de lo peor en todos los aspectos, a medida que aparecen otros compañeros, casi nos parece “bueno”.

Buen filme de su género, sin ser una gran novedad, pero sirve para disfrutar el momento, los mantendrá entretenidos. 

Disponible en Netflix. 

Ficha técnica

Título original: Sans répit 
Año: 2022 
Duración: 95 minutos
País: Francia 
Dirección: Régis Blondeau 
Guion: Régis Blondeau, Julien Colombani 
Fotografía: Danny Elsen 
Reparto: Franck Gastambide, Simon Abkarian, Michael Abiteboul, Tracy Gotoas, Jemima West, Serge Hazanavicius, Laurent Maurel, Pierre Cevaer, Michael Anthony Perez, Blaise Ludik, Kevin Debonne 
Productora: Bright Lights Films, Mahi Films, Umedia. 
Distribuidora: Netflix 
Género: Thriller, acción, crimen, suspenso, remake.

And Just Like That... - Por Jackie O.

"El paso del tiempo, con estilo".


Este verano tuvimos un reencuentro con una serie de los 90, la que ha sido transmitida en un canal nacional muchas veces (y sin contar las veces que la vi, por pertenecer a mi mini colección personal). Me refiero a la serie y películas de "Sex And The City", que esta vez apareció con una nueva serie de 10 capítulos, y que ya se comunicó una segunda temporada.

Los 2 primeros capítulos que tan ansiosamente esperábamos, los comenté, y les dejo el enlace acá, para que lo lean y así comenzar a hablar de lo favorable y desfavorable de este reencuentro.

Ya la fanaticada la vio, se emocionó o se molestó. 

Volvimos a verlas, a ellas, pero ya no eran 4 sino 3 mujeres maduras, ya no corriendo de bar en bar para divertirse, o estar buscando el amor ansiadamente; no, ya son mujeres cincuentonas estupendas. Con buena situación económica, enfrentando los pormenores de su día a día, del cual ya teníamos nociones de ello por la misma serie y sus películas.

Y solo así, me iré de lleno a desmenuzarla:
Sabíamos que Kim Catrall, Samantha, no participaría de este trabajo por problemas personales con Sarah Jessica Parker, Carrie, por lo que manejaron su ausencia de una forma no muy convincente, como si fuera un fantasma tras el teclado, sin dejar claras sus razones de este distanciamiento para la serie.

Charlotte sigue casada y con sus dos hijas, la adolescente fiel reflejo de la hija perfecta que Charlotte quería, y la menor, una preadolescente que aparece con esa inquietud de ambigüedad sexual, forzando el tema a mi parecer.
Charlotte siempre fue clasista, y acá por muy simpática que es, sigue igual. Para ella, la apariencia es importante, y la desorientación sexual que presenta su pequeña hija la complica. ¿Hay que crucificarla por ello? No.

Miranda aún casada, con su hijo que está por ingresar a la universidad, y con otros temas forzados, uno la libertad sexual con que se toma que el hijo se dedique casi toda la serie a tener sexo ruidoso con su novia en casa de sus padres. Y el otro tema forzado fue la incorporación del personaje más molesto de la serie, CHE, una comediante que se autodenomina "binarie, asexuada, chique, amigue" y todo eso, que comienza una relación con Miranda. Ya Miranda en alguna de las temporadas noventeras mostró su bisexualidad, así es que no se espante por favor de verla en eso, no fue novedad, pero sí lo trataron como si fuera algo nuevo en su vida; mal. El personaje en sí, Che, era de lo más molesto escucharla hablar, no fue ningún aporte interesante a la trama; es más, sin ella hubiera sido mejor cada capítulo. Su intervención dejó más ronchas que caritas felices.

Sobre Carrie, la chica de los tacones, viviendo feliz con su Mr.Big hasta su tragedia. Sí, a estas alturas, tú fanática, ya lo sabes, y estás haciendo un puchero de pena nuevamente. Mi duda:  ¿La ausencia del personaje estaba prevista de antes?, o ¿fue por las denuncias de acoso, no comprobadas, contra Chris Noth? No lo sabemos.
Pero le dió un aire diferente el tema que comienza a vivir Carrie, de cómo se enfrenta esa situación, donde nos hace ver que las personas reaccionamos de diferentes formas. Podemos llorar todos los días o tener una sensación de vacío, sentirnos desorientadas, caer en drogas, apartarnos de todo o comenzar de nuevo.

Otro tema que se trató fue la edad, querer aceptar o no nuestra apariencia con los años, y que es válido tomar las desiciones que te dé la gana al respecto.

Y el vestuario, ¿creen que lo iba a dejar pasar? Para nada. Es divino, lo amé. Es una real pasarela.
Muchos personajes nos muestran sus estilos diversos, donde grandes marcas no quisieron estar fuera. Es el lugar exacto donde debe estar lo mejor.
Molly Rogers, fue la encargada de supervisar el vestuario. Maravilloso trabajo.

Otra cosa que no me gustó fue la forma que trataron la ausencia de Willie Garson. Recordemos que su cáncer se empeoró en las grabaciones, y falleció. ¿Qué hicieron? Lo tomaron como "un viaje" que realizó dejando a su pareja. Mal forma de manejarlo, ¿qué pasó Sarah? Él es parte de la historia SATC, tiene un significado especial. Stanford Blatch merecía más.

Amor, canas, familia, trabajo, sexualidad y nostalgia; no fue lo mejor, pero vale verla igual.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Título original: And Just Like That...
Duración: 45 min. cada capítulo
10 capítulos
Guion: Michael Patrick King, Samantha Irby, Rachna Fruchbom, Keli Goff, Julie Rottenberg, Elisa Zuritsky
Música: Aaron Zigman
Fotografía: Tim Norman
País: EEUU
Año: 2021
Género: Serie de TV, Romance, Comedia, Miniserie, secuela, drama.

CODA: los sonidos del silencio - Por Juan Pablo Donoso

Es imposible evaluar esta nueva versión sin compararla con esa joya francesa que fue la original FAMILIA BELIER de 2014 dirigida por Eric Lartigau. (Ver comentario en SIGNIS -8 de enero - 2015). 

Aquella, la francesa, por su temática y realización alcanzó tal nivel de excelencia que, sin duda, era un “bocado de cardenal” recrearla en EE.UU. para nuevos públicos.

Y así fue, también, su resultado obteniendo el Oscar 2022 a la Mejor Película.

Sin embargo, quienes conocemos ambas producciones, consideramos que la premiación de CODA fue sobrevalorada frente a otras cintas más meritorias de la misma competencia.

CODA significa “hijos de sordos”. Y de eso trata la obra. Un tema sensible, emotivo y a veces heroico. Se ha tratado con éxito muchas veces en teatro y cine (Te Amaré en Silencio - 1986 - El Hombre de las mil Caras - 1957, y en aquel clásico inolvidable y también tan laureado que fue Johnny Belinda - 1948, etc.).

Esta vez, su guionista y directora Sian Heder, ambienta a la familia en una aldea pesquera en vez de una humilde granja rural. Padre, madre e hijo mayor son sordomudos. Sólo Ruby, la hija adolescente posee todas sus facultades. Es ella quien ejerce como única vocera de sus padres y hermano ante la comunidad laboral y estudiantil.

Cuando el profesor de música del colegio detecta gran talento en la voz de Ruby, la perfecciona y, pronto, la postula a una beca en Berkeley. Surge el dilema para la niña entre seguir su vocación musical o continuar siendo el nexo entre su familia y el mundo que los rodea.

Un bello conflicto que se hace doloroso debido a la sencillez de sus personajes minusválidos y a la encrucijada en que se encuentran. Y, por supuesto, a la feliz resolución con que salen adelante.

La versión estadounidense es sobria y respetuosa. Pero a nuestro parecer la trama se desvía de lo esencial con escenas románticas que pudieron ser más escuetas o prescindibles.

Es plausible que en el rol del padre, la madre, y el hijo (Daniel Durant), contaran con actores sordos de verdad. Y su desempeño es admirable. Y quien demuestra una vez más su carisma es el comediante y director mexicano Eugenio Derbez encarnando al voluble, pero encantador profesor de música.

Muy bien otorgado el Oscar Secundario a Troy Kotsur (el padre); y quien igual lo merecía fue Marlee Maltin (la madre). En general, el equipo se abocó al trabajo con mística y cariño. Y se nota.

Tal vez inspirados en el filme francés intentaron reproducir con la mejor intención aquel “estado de gracia” que muy pocas películas alcanzan. Al menos, valió el esfuerzo, fue reconocido, y llegará con su mensaje a una mayor cantidad de público que La Familia Belier.

LOGRA SU PROPÓSITO EMOTIVO PARA QUIENES NUNCA HAN VISTO LA VERSIÓN ORIGINAL.

Ficha técnica

Tragicomedia, música 
EE.UU., Francia, Canadá 1,51 hrs. 
Fotografía: Paula Huidobro 
Edición: Geraud Brisson 
Música: Marius De Vries 
Diseño Prod.: Diane Lederman 
Actores: Emilia Jones, Marlee Matlin, Troy Kotsur, Eugenio Derbez 
Guionista y Directora: Sian Heder

Una sombra en mi ojo - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Un hecho real sirve de base para esta película dirigida por Ole Bornedal. Se trata de un bombardeo ejecutado el 21 de marzo de 1945 por parte de la Fuerza Aérea Real para aniquilar la sede de la Gestapo en Copenhague. Un accidente, un error, y malas decisiones, permitieron que este ataque terminara en una tragedia de proporciones, destruyendo una escuela y provocando la muerte de más de 120 personas, 86 niños entre ellas. 

La película es previsible -conocemos la historia y su desenlace-, sin embargo está bien hecha. Al comenzar, el guion presenta varios escenarios, varias partes que se encuentran distantes y constituyen una suerte de puzzle. ¿Cómo podrán ser unidas? El relato lo consigue pausadamente, a través de un delgado hilo conductor que provoca lentamente que cada uno de sus componentes se vayan enlazando.

El horror, el miedo, la desolación y la destrucción que expone la cinta dan cuenta, una vez más, de lo absurda que es la guerra. Las imágenes crudas que presenciamos no dejan dudas. Sufren las víctimas inocentes pues esta clase de errores cuestan vidas, algo que marca el alma de muchas personas dejando heridas indelebles.

La historia está visada desde cuatro perspectivas diferentes. Primero, desde los niños, mostrando su inocencia, su fragilidad, la incomprensión sobre lo que sucede, provocando, en algunos, un estado de shock que inmoviliza. Vemos también una mirada desde la familia, desde la natural preocupación de los padres y las prioridades que deben escoger cuando la supervivencia se transforma en lo más crucial e importante.

Otra perspectiva es la que se entrega desde el mundo de la Fe. Los cuestionamientos que tiene esta joven monja dan cuenta de una prueba, de un trance que no tiene explicación, sobre todo si tomamos en cuenta lo que está sucediendo. Esta crisis de fe refleja la tensión entre racionalidad y espiritualidad, algo que desafía la lógica aunque finalmente sobresalga una maravillosa vocación de servicio.

La mirada desde los aviadores que llevan a cabo los ataques es tal vez la menos desarrollada. Se ve más lejana, incierta. Allí pareciera que el cometer un error no tiene consecuencias, visión que solo en una escena presenta algo diferente, un posible remordimiento, tal vez una pequeña toma de conciencia sobre una misión específica en la que han quedado completamente a la deriva y a ciegas.

Ante el vacío del alma en el que se sumerge este relato, surge como consuelo el amor. Cuando se cae en la desesperanza, aparece una luz de redención, de sacrificio, de trascendencia. Al mismo tiempo, se abre paso un enorme sentido de protección, lo que inclina la balanza hacia el lado más humano de un conflicto bélico que resulta tan cruento como incomprensible. Por si fuera poco, la actualidad de la cinta es inquietante. Lo que vemos en Ucrania, hoy día, en vivo y en directo, es muy similar, y es imposible no conmoverse y no sentir que se repite la historia, una y otra vez.

“Skyggen i mit øje” rescata un hecho doloroso, triste, absurdo, imperdonable. Es necesario contar esta historia, relevarla y difundirla para entender mejor los hechos originales y sus trágicas consecuencias. De esta forma, este trabajo llega a ser un honesto homenaje a las víctimas de aquella fatal operación de marzo de 1945 elevándose a través de su memoria.

Ficha

Título original: Skyggen i mit øje
Año: 2021
Duración: 107 minutos
País: Dinamarca
Productora: Miso Film
Género: Bélico. Drama | II Guerra Mundial
Guion: Ole Bornedal
Música: Marco Beltrami, Buck Sanders, Ceiri Torjussen
Fotografía: Lasse Frank Johannessen
Reparto: Danica Curcic, Alex Høgh Andersen, Susse Wold, Fanny Bornedal, Caspar Phillipson, Morten Suurballe, Maria Rossing, Patricia Schumann, Rikke Louise Andersson, Kristian Ibler, James Tarpey, Jens Sætter-Lassen, Mads Hjulmand
Dirección: Ole Bornedal

domingo, 27 de marzo de 2022

Drive my Car - Por Jackie O.

"Conduciendo mi destino".


Estamos ante una película basada en un relato corto de Haruki Murakami, de su colección de cuentos del 2014, "Hombres sin mujeres". Siete cuentos que hablan del amor, pero no el amor idílico, sino que el amor no correspondido, el amor perdido, desencuentros, etc, pero toca otros temas como la soledad, el deseo, la frustración, la muerte, la amistad, y más.

Todos esos elementos, más la aceptación, el duelo, la tristeza, el arrepentimiento y perdonarse, se conjugan de muy buena forma en esta trama, trama que se cuece a fuego lento, con un prólogo bien extenso para así conocer a nuestro protagonista, su vida en matrimonio, y entender su posición ante hechos que le suceden. Una historia con muchas metáforas, que puede no ser del gusto de todos, ya que el detalle es lo que importa acá.

Tenemos a una pareja, Oto Kafuku, quien es una famosa guionista, y Yūsuke Kafuku, un prestigioso actor y director, quienes en un momento dado su historia de pareja cambia radicalmente.

A él le piden dirigir una obra de Antón Chéjov: "Tío Vania", rol que él ya había personificado. No puedo dejar pasar este dato que me encantó. Chejov no es un escritor conocido, lo cual lamento mucho, y dicha obra habla mucho del sentimiento de inconformismo, de estar cansado de hacer lo que se hace, de tener lo que se tiene y no lo que se quiere, no estar conforme a nada, sobre una existencia mediocre en la vida, las cargas que llevamos y no ser felices, lo que, creo, encaja bien en esta cinta. Como veremos, es un tema que también provoca a "Yūsuke" por su intensidad, conforme a lo que a él le ha sucedido en su vida ultimamente. Cuando llega al lugar donde se efectuará esta obra de teatro, Hishoma -otra hermosa metáfora, ya que es una ciudad que fue destruida y construida nuevamente, lo que podría ser la construcción de nuestros personajes-, le asignan una chofer, él no quiere, señalando que él solamente conduce su auto, pero ante la insistencia de los organizadores acepta a duras penas, una chica que, a medida que pasan los días, se van dando cuenta que ambos tienen un sufrimiento, y nos hace ver que un alma perdida encontró a otra alma perdida, y deberán en la carretera de la vida, aclarar sus temas o seguir atormentándose, algo que debemos ir descubriendo.

Otro valor interesante de esta película es que la obra que están efectuando tiene la particularidad que los interpretes tienen "diferentes formas de expresarse al resto", lo que nos dice que lo que sientes puede perfectamente reflejarse y darse a conocer de muchas formas, siendo esto entendido.

Sé que tal vez he entregado mucha información en cuanto a las metáforas, que es algo que uno debe descubrir al verla, pero como sé que no es una película que sea fácil recomendar, ya que no es para todo público -y no por hacerme la intelectual-, sino que es por su trama y ritmo, ya que todo se teje de forma muy lenta, todo es admiración y reflexión, y me di la libertad de entregar algunos matices de ella para poder tentarlos a verla.

Su cinematografía es simple, opaca, minimalista y a la vez envolvente. La fotografía me encantó, sus planos son precisos, lo que ayuda mucho a los silencios que veremos recurrentemente. Mucho color blanco y negro, donde el vehículo resalta bastante debido a que es otro protagonista.

Nos encontraremos con misterio, algo de morbosidad (que no se mal entienda la expresión), y por supuesto, mucho drama en este cine arte.

En que podría fallar, solo por buscarle algo, es su duración. A mí no me incomodó, pero 30 minutos menos podría hacer que más personas se animen a verla.

Una película muy íntima, dirigidamente de forma elegante, que nos inmiscuye sobre los procesos de sanarse de duelos personales y perdonarse.

Disponible en cines.

Ficha técnica

Título original: ドライブ・マイ・カー /Doraibu mai kā
Dirección: Ryūsuke Hamaguchi
Guion: Ryūsuke Hamaguchi y Takamasa Oe
Basada en "Drive My Car", de Hombres sin mujeres de Haruki Murakami
Música: Eiko Ishibashi
Fotografía: Hidetoshi Shinomiya
Montaje: Azusa Yamazaki
País: Japón 
Año: 2021
Género: Drama
Duración: 179 minutos
Idioma(s): Japonés
Reparto:
Hidetoshi Nishijima como Yūsuke Kafuku;
Tōko Miura como Misaki Watari;
Masaki Okada como Kōji Takatsuki;
Reika Kirishima como Oto Kafuku, la esposa de Kafuku;
Park Yu-rim como Lee Yoo-na;
Jin Dae-yeon como Gong Yoon-soo;
Sonia Yuan como Janice Chang;
Ahn Hwitae como Ryu Jeong-eui;

viernes, 25 de marzo de 2022

Drive my Car - Por Carlos Correa

“Drive my Car”, dirigida por Ryûsuke Hamaguchi, es una película intensa, conmovedora, rebosante de metáforas. Con tono íntimo y reflexivo, logra tocar el alma gracias a un notable tratamiento impresionista. 

Yusuke Kafuku -Hidetoshi Nishijima-, actor y director de teatro, es contratado para realizar el montaje de la obra "Tío Vania”, de Antón Chéjov, en un festival en Hiroshima. Se trata de una propuesta original, innovadora y además multilingüe, que convoca a muchos actores que deben ser seleccionados a través de audiciones. Por otra parte, la producción del festival es estricta y tiene como norma asignar un chofer al director, quien ha llegado a la ciudad en su propio auto, un Saab 900 Turbo rojo del año 1987.

La reticencia inicial de Kafuku -no quiere por ningún motivo aceptar un chofer- va cediendo lentamente cuando la joven Misaki Watari -Toko Miura-, comienza a conducir su coche. Realmente es una experta a sus 23 años. Maneja con prudencia, convicción y un espíritu de servicio encomiable. Los trayectos, una rutina diaria de una hora de ida y otra de vuelta desde la hermosa residencia al lugar de ensayos, son aprovechados por Kafuku para escuchar una cinta que tiene los diálogos de la obra grabados por su mujer Oto -Reika Kirishima-, algo que le sirve de practica y memorización.

Como gran parte de la película se desarrolla durante estos viajes, es justamente allí donde conectan la mayoría de los temas que expone el relato, y además, es el lugar en el que la relación entre Watari y Kafuku comienza a ser transformadora para ambos. Son traslados que también involucran en un momento a Kōji Takatsuki -Masaki Okada-, el joven actor elegido para interpretar a “Tío Vania”, y quien ha trabajado con Oto en programas de televisión. Adelantar más de la historia o sumar otros antecedentes no creo que sea conveniente, porque una buena parte de la magia de esta película está en el descubrimiento de sus múltiples aristas y detalles.

“Drive my Car”, basada en un cuento del mismo nombre del escritor Haruki Murakami -de su colección de cuentos de 2014, Hombres sin mujeres-, es una película que explora varias dimensiones de historias personales que comprenden pérdidas, duelos y culpas, entre muchos otros temas. La búsqueda de sentido y rumbo, tomando como base el pasado con sus marcas indelebles, pasa por los sentimientos -“entender el corazón propio para entender los otros corazones”-, por la capacidad de resolver los conflictos en espíritu de superación y redención, de arrepentimiento y autoaceptación.

El trabajo artístico de Ryûsuke Hamaguchi es de excelencia. Las tomas y encuadres son precisos -y además preciosos-, la música es escogida con pinzas para los momentos adecuados y lo que me llama más la atención es la brillante utilización que se hace de los silencios. ¡Es notable! Además de las metáforas visuales, la cinta posee algunos detalles tan finos como aquel de la escena del muelle donde la cámara se desplaza antes que los actores en un determinado momento. Puede ser mínimo, pero cada punto, cada fracción de cada cuadro está controlada y permeada por un bellísimo sentido estético.

Las metáforas no solo son visuales, las hay de todo tipo. Como por ejemplo en la música, cuando suena el Cuarteto No. 3 del Op. 18 de Beethoven y el disco se pega, las proporciones de las tomas -dimensiones, tamaños-, las edades, la temporalidad abarcada, etc. Son infinitas, y cada vez que repasamos, encontramos más.

La película ofrece también algunos contrapuntos. Por ejemplo, que en Japón se conduce por la izquierda, sin embargo el Saab 900 tiene el volante a la izquierda y no a la derecha. También observamos tensiones, como la expresión verbal versus el lenguaje de señas, el hablar versus el escuchar, el incidir versus ser pasivo, la mecanización versus la improvisación, la rigidez versus la libertad, y el control-descontrol de las emociones,

Señalaba en un comienzo las múltiples aristas y detalles. Vemos acá muchas perspectivas humanas, gracias a un guion rico en capas y subtextos que nos hacen ser parte de la historia. Un ejemplo de esto se ve en una cena, donde parece que hubiéramos sido invitados también, gozando los diálogos, los silencios, y aprendiendo de un lenguaje de señas que expresa gran emotividad.

El delicioso tejido que proporcionan los textos de la obra de Antón Chéjov, sumados los del cuento original y las composiciones y adaptaciones creadas para la película, se va traslapando y afectando a sus personajes. El texto, de esa forma, interpela, habla, “toca la esencia”, tal como señala Kafuku a sus dirigidos. Existe una profunda densidad, mucha poesía y ritmo, lo que hace más contundente aún este trabajo cinematográfica.

El contar historias, punto de partida del relato, habla del trabajo creativo de los guionistas -y naturalmente de los escritores-, quienes deben elaborar textos para que luego sean representados en una escena teatral o de televisión. Es tal vez por eso que vemos actuación en escenarios y también observamos con bastante detalle el proceso de preparación de una obra, las lecturas, los ensayos, las marcas, la decisión de pasar al trabajo de escena, para llegar finalmente a la representación, que es aquello que logra completar el ciclo virtuoso.

“Drive my Car” acentúa el cómo surgen los lazos humanos, algo que es lento y pausado, y que se sumerge en los misterios de la comunicación no verbal, con gestos y actitudes para conocer y aprender. Asimismo, en la configuración formal de la cinta observamos al menos tres momentos -introducción, desarrollo y conclusión-, en los que una bien llevada tensión subterránea entrega variados puntos de inflexión. Por momentos es un verdadero thriller y por otro un relato contemplativo, es decir, va y viene, avanza y retrocede, suma y resta.

El movimiento retratado en esta cinta es también algo representativo del mensaje central. Son traslados que reflejan procesos externos e internos, procesos de cambio y transformación, la necesidad vital de profundizar, pensar, comprender y reflexionar. Estamos ante Cine Arte puro, un cine de autor que constituye una experiencia audiovisual imperdible. ¡Una joya por donde se la mire!

Ficha técnica

Título original: Doraibu mai
Año: 2021
Duración: 179 minutos
País: Japón
Productora: Bitters End, C&I Entertainment, Culture Entertainment, Asahi Shimbun. Distribuidora: Bitters End, The Match Factory
Género: Drama | Teatro
Guion: Ryûsuke Hamaguchi, Takamasa Oe. Historia: Haruki Murakami
Música: Eiko Ishibashi
Fotografía: Hidetoshi Shinomiya
Reparto: Hidetoshi Nishijima, Tôko Miura, Reika Kirishima, Sonia Yuan, Satoko Abe, Masaki Okada, Perry Dizon, Ahn Hwitae
Dirección: Ryûsuke Hamaguchi

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 25 de marzo 2022

El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

jueves, 24 de marzo de 2022

A Ciegas - Por Carlos Correa

Este thriller oscuro atrapa, ya que se introduce en el atractivo subgénero de ataques y defensas al interior de una casa. ¿De qué se trata “A ciegas”? 

Los sueños olímpicos de Sophie Scott -Skyler Davenport- se truncan cuando le diagnostican retinosis pigmentaria, una enfermedad ocular degenerativa que causa ceguera. Frustrada, decide renunciar a la posibilidad de participar con un guía en los Juegos Paralímpicos. Como tampoco se lleva bien con su madre, Sophie busca independencia haciendo algunos trabajos esporádicos en casas de adineradas personas.

Un anuncio para ser niñera de gatos aparece en su horizonte. Debra -Laura Vandervoort-, una mujer rica que vive en el norte del estado de Nueva York, se va de vacaciones después de divorciarse de su esposo y necesita que alguien cuide a su preciada mascota. Allá va Sophie, tan autosuficiente como segura de su accionar, sin embargo inesperadamente se queda fuera de la casa sin poder entrar nuevamente. En ese momento recurre a una App. llamada “See For Me” -que además es el título original de la película-, y recibe la ayuda de Kelly -Jessica Parker Kennedy-, una “gammer” de Florida, quien, a través de una videollamada, le ayuda a volver a ingresar a la mansión.

Pero la noche tiene más sorpresas deparadas para esta novel protagonista porque unos intrusos ingresan a la lujosa casa para robar la caja fuerte sin percatarse de su presencia. Desde ese momento, la cinta no se detiene pues está en juego la vida de Sophie por lo que debe recurrir a sus mejores herramientas y también pedir ayuda, algo que realmente le resulta contradictorio y le cuesta demasiado.

Si bien hemos visto historias similares, esta vez el director Randall Okita filma un guion de Adam Yorke y Tommy Gushue que presenta una novedad: la discapacidad visual de la protagonista. Además, plantea certeramente el tema de la autosuficiencia versus el pedir ayuda, un conflicto radicado tanto en la propia autoestima como en las relaciones con las demás personas de su entorno cercano.

Skyler Davenport es no vidente y actúa muy bien. No solo es creíble su papel, sino que además imprime fuerza cuando corresponde y vulnerabilidad en los momentos cruciales del relato. Asimismo, expresa muy bien la disyuntiva que presenta el texto acerca de los valores morales, es decir, el comportamiento y las acciones que supuestamente una persona discapacitada puede o debe realizar. Hay aquí una mirada interesante y diferente, donde choca el individualismo con la autocomplacencia, esa barrera exterior con la vulnerabilidad interior, ese conflicto íntimo que requiere rumbo y decisiones claras.

El guion también resulta interesante por sus giros y sorpresas, algo muy propio del género pero que está bien usado para generar atención. Además, suma el uso de la tecnología, en este caso como soporte para la discapacidad visual, una idea práctica y ciertamente útil.

Otro punto a tomar en cuenta es el nexo que se produce entre Sophie y Kelly, la primera exdeportista, la segunda excombatiente. Proceden de mundos tan diferentes que es impensable que se puedan entrecruzar, sin embargo, ambas logran conectar justamente a través de sus propias carencias.

“See for Me” es una película fresca que se deja ver y pasa rápido. Incluso puede generar debate y reflexión si se quiere profundizar un poco más. Constituye una grata sorpresa en esta temporada, con una duración más que apropiada, y logrando que los espectadores no nos separemos de la pantalla.

Ficha técnica

Título original: See for Me
Año: 2021
Duración: 92 minutos
País: Canadá
Productora: Wildling Pictures. Distribuidora: IFC Midnight
Género: Thriller. Drama. Intriga | Crimen. Discapacidad. Discapacidad visual
Guion: Adam Yorke, Tommy Gushue
Música: Joseph Murray, Lodewijk Vos
Fotografía: Jordan Oram, Jackson Parrell
Reparto: Skyler Davenport, Kim Coates, Jessica Parker Kennedy, Laura Vandervoort, Natalie Brown, Matthew Gouveia, George Tchortov, Pascal Langdale, Joe Pingue, Emily Piggford
Dirección: Randall Okita

Sexo Desafortunado o Porno Loco - Por Juan Pablo Donoso

Una sátira rumana fascinante, procaz y con toda razón ganadora del Oso de Oro de Berlín 2021.

Por algo Rumanía fue la cuna de Eugenio Ionesco, uno de los máximos exponentes del Teatro del Absurdo en el siglo XX.

Su guionista y director Radu Jude nos plantea el caso de una profesora de colegio - Emilia - querida y admirada por sus alumnos - sometida a juicio por el Consejo de padres y apoderados bajo los cargos de obscenidad, corrupción e impudicia.

Por accidente se filtró en las redes sociales un vídeo íntimo de la maestra teniendo sexo explícito con su marido en la intimidad de su dormitorio.

Como esto se hizo viral en los celulares de la mayoría de los estudiantes, la Dirección de la escuela ofrece a la maestra la posibilidad de hacer sus descargos públicos antes de ser exonerada.

La cinta se divide en 4 lúdicas partes: 1ª La angustia previa de la maestra, durante el día, mientras recorre las calles de la ciudad. 2ª Un divertimento documental exponiendo lemas y reflexiones absurdos de la historia, y de la sociedad, impuestos como verdades éticas sagradas e indiscutibles. 3ª y 4ª, el feroz enfrentamiento con los padres, en que sumando ridiculez sobre ridiculez se juega el destino laboral de la maestra.

La larga trayectoria inicial por la ciudad, nos prepara el ánimo para la crisis que presenciaremos en las dos últimas partes.

Una oda burlesca al fariseísmo. Tratada en tono de comedia para que lo patético se haga más ostensible.

Muchos niveles de lectura.

Solemnes perogrullos esgrimidos como valores trascendentales.

Crudas escenas de porno explícito que sirven para dejar aún más palmaria la indignación social.

Sin insolencia pone a cada espectador frente a sí mismo, a la ponderación de sus valores inculcados, a las contradicciones obvias, y a los más elementales dilemas de lógica.

Hasta las largas escenas - en plena pandemia - de discusiones éticas con mascarillas puestas aportan a la sorna de toda la obra.

Con un final grotesco, el autor termina de enrostrarle a sus compatriotas - y al mundo - las hipocresías sobre las cuales asientan sus “respetables” principios lógicos y morales.

Habrá momentos de risa, otros de pena, de vergüenza, de pudor y confusión. Una montaña rusa de varias emociones.

Recomendable sólo para personas maduras, de criterio amplio y sin prejuicios… justamente hacia lo que apunta la crítica de esta cinta.

EXCELENTE, MORDAZ Y MUY PROVOCATIVA. IMPERDIBLE PARA ADULTOS CON CRITERIO FORMADO. 

Ficha técnica  

Título Original: Babardeala cu bucluc sau porno balamuc
2021 Tragicomedia Rumania - 1,46hrs. 
Fotografía: Marius Panduru 
Edición: Catalin Cristutiu 
Música: Jura Ferina, Pavao Miholjevic 
Diseño Prod.: Cristian Niculescu 
Actores: Katia Pascariu, Nicodim Ungureanu, Alexandru Potocean 
Guionista y Director: Radu Jude

Rohingya - Por Carlos Correa

Este trabajo documental del director Ai Weiwei puede entregar al espectador, al menos, dos miradas: la primera se produce al verlo sin conocer nada de la historia o de qué se trata; la segunda se produce conociendo los detalles que están representados en la filmación. Hago esta distinción pues la aproximación al testimonio fílmico puede resultar muy diferente dependiendo la vertiente desde la que se proceda. 

Bajo la primera premisa, las imágenes que muestra la película pueden corresponder a un lugar indeterminado y no sería posible entender su significado hasta los créditos finales. Por lo mismo, en esta oportunidad sugiero conocer un mínimo de la historia para apreciar con mejor perspectiva lo que el trabajo desea ofrecer. De acuerdo a lo anterior, estas líneas las abordaré desde esta última mención, aunque varios puntos del análisis puedan resultar coincidentes entre ambas visiones.

“Rohingya” trata sobre el campo de refugiados más grande del mundo, en Cox's Bazar, Bangladesh. Los rohingya -minoría étnica musulmana del estado de Rakhine, en Myanmar- han sufrido años de persecución por parte del gobierno birmano. Tras una “limpieza étnica” realizada por el ejército en agosto de 2017, hubo un éxodo de más de 700.000 rohingya desde Myanmar a Cox's Bazar, donde se estima que actualmente habitan más de un millón de refugiados.

Lo primero que surge al inicio del documental es la sensación de estar viendo algo invasivo, con una cámara intrusa, incómoda, situación que genera un poco de pudor. No obstante usar planos fijos y abiertos, la cámara no es neutral y naturalmente incide en el comportamiento de quienes están siendo filmados. A través de sus secuencias, esta cámara fija se transforma en una ventana. La pantalla es el lugar donde observamos todo lo que sucede, el entorno, las viviendas, los paisajes, las calles, las personas, etc., es decir, todo.

La fotografía de cada toma es precisa, producto de la decisión de encuadre del director y la particularidad de los detalles que permite incorporar en cada plano elegido. Así, el realizador logra ofrecer perspectivas diferentes, basadas justamente en esas decisiones de ubicación de la cámara para de esa forma mostrar todo lo que acontece. El audio es totalmente natural. No hay una voz “en off” o un relato con cuadros de texto o letreros. Se registra lo que sucede y, por momentos, aquello se acompaña por una delicada banda sonora que no distrae, sino que potencia la exposición visual.

“Rohingya” es un retrato de la cultura, de la vida, y de lo cotidiano de cientos de miles de personas. Con un lenguaje simple, se revelan ritos, costumbres, oficios, y juegos de una comunidad que intenta sobrevivir. A pesar de la presencia de la cámara, el tratamiento resulta bastante natural, lo que otorga un sentido de “verdadero” al trabajo. De esa forma, nosotros, los espectadores, nos situamos frente a un gran ejercicio de contemplación. En este punto, las dos visiones se juntan; puede ser cualquiera de las dos. Esta comunidad, este pueblo o aldea podría ser indeterminada, sin embargo conociendo los antecedentes, inmediatamente le damos un significado diferente y, por supuesto, un peso distinto.

¿Qué hay acá entonces? ¿Qué diferencia habría con una recolección de imágenes de otras situaciones similares? Por esto, juega un papel vital saber de qué se trata el trabajo, pues así comprendemos -o bien le otorgamos significado- a lo que el director desea ofrecer a través de esta muestra.

Las dos horas de duración del documental de Ai Weiwei resultan especiales. Se sale de lo tradicional, del molde típico que uno espera en un trabajo de esta naturaleza. Expositivo, crudo por momentos, bello por otros, constituye un esfuerzo importante por mostrar una realidad que desde otro punto de vista tal vez no sea advertida. Es una denuncia, en clave estética, de una situación acuciante que debemos conocer y que nos aprieta el corazón y que al reconocerla en un plano más empático y emocional, la hace indudablemente más cercana.

Ficha técnica

Título: Rohingya
Duración: 122 minutos
País: Alemania
Año: 2021
Género: Documental
Director y productor: Ai Weiwei

Jujutsu Kaisen 0 - Por Juan Pablo Donoso

Precuela de la famosa manga y serie japonesa del mismo nombre.

Largometraje animado espectacular, en que conocemos el origen de los principales personajes de las secuelas siguientes.

Mejor la disfrutarán los adolescentes quienes ya conocían las mangas o series anteriores.

Sin embargo, el argumento y personajes de este filme serán accesibles, y amenos, incluso para los adultos novatos en la saga.

Su tema central - a pesar de toda la violencia y las aventuras esotéricas - es el amor de dos jóvenes separados por la muerte que siguen intentando reencontrarse.

El joven Yuuta se siente desconsolado y culpable por la muerte accidental de Rika, su amada desde la infancia. Un famoso maestro de artes marciales le propone ingresar a la Academia Jujutsu para aprender a combatir contra los fantasmas malditos que le impiden reunirse con Rika.

Comenzará un largo proceso de entrenamiento junto a 3 compañeros - entre ellos una agresiva muchacha y un panda - quienes al comienzo lo miran con desprecio para más tarde admirarlo y ayudarle a conseguir su propósito.

Se enfrentarán a un mundo paranormal habitado por espíritus Malditos donde habita Rika transformada en un horrible monstruo que desea, y necesita, ser liberada.

El joven y tímido Yuuta se atreverá a ingresar a tan estricta Academia con el solo propósito de salvar a Rika del infierno de los Malditos.

Aunque compleja, y llena de combates y nuevos enemigos que van apareciendo, el conflicto central se mantiene claro, y llega a un clímax grandioso dando origen a una grata resolución.

Para quienes desconozcan los antecedentes, estos personajes resultarán algo esquemáticos. Pero sus motivaciones serán igualmente claras en relación a la premisa central de la historia.

Destacamos entre los antagonistas la figura carismática de Gogo Saturo - un ex integrante de la Academia - quien, junto a sus secuaces, pretende con astucia aniquilar la Academia y sentar ahí su Reino de los Malditos.

La odisea intercala momentos de humor, mantiene un ritmo fluido, y nos permite simpatizar con los buenos y admirar la belleza demoníaca de los perversos.

Este logro confirma a MAPPA, Toho y Crunchyroll como uno de los mejores estudios de animación del mundo.

Para gozarla - y escucharla - en todo su esplendor recomendamos verla en salas IMAX.

UN BANQUETE PARA LOS SEGUIDORES DE LA MANGA, DE LA SERIE ANIMADA, Y DE TODOS ESOS TIERNOS, VIOLENTOS Y MÁGICOS PERSONAJES. 

Ficha técnica   

Título Original: 劇場版 呪術廻戦 
2021 Animación, acción, fantasía Japón - 1,45 hrs. 
Fotografía: Teppei Ito 
Música: Alisa Okehazama, Yoshimasa Terui, Hiroaki Tsutsumi 
Jefes de Animación: Benjamin Faure, Tadashi Hiramatsu 
Guion: Gege Akutami(manga), Hiroshi Seko(guión) 
Voces: Chinatsu Akasaki, Aya Endó, Kana Hanazawa 
Director: Seong-Hu Park

miércoles, 23 de marzo de 2022

El Proyecto Adam - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.


En el año 2050, Adam Reed -Ryan Reynolds-, un particular piloto de combate, roba un jet para viajar en el tiempo hasta el año 2018 para rescatar a su esposa Laura Shane -Zoe Saldaña-, quien ha desaparecido misteriosamente luego de una misión especial. El salto temporal no resulta bien y Adam aterriza por equivocación en el año 2022, justamente en su antigua casa, donde vive su yo de 12 años interpretado por Walker Scobell.

El extraño e inesperado encuentro es muy breve porque Adam es perseguido de cerca por Maya Sorian -Catherine Keener-, la mujer más poderosa de su tiempo, y su asistente Christos -Alex Mallari Jr.-; ambos tienen como misión llevarlo de regreso al 2050.

En eso están los dos Adam cuando son rescatados intempestivamente por Laura, quien se ha librado morir emboscada pero ha quedado varada en el pasado. Como todo es confuso, deben volver a la fuente, es decir a la raíz del problema, para encontrar una solución. La única forma, entonces, es regresar al 2018 y buscar la clave que corrija o logre enmendar los eventos futuros. Y hacia allá viajan los Adam a instancias de Laura, a pesar de toda la oposición que les ofrece Maya y sus secuaces.

Esta historia simple -aunque a primera vista pudiera parecer compleja-, es dirigida por Shawn Levy y es algo que ya hemos visto bastante, es decir, viajes en el tiempo, regreso al pasado, equívocos y también descubrimientos involuntarios. Y claro, la misión es cambiar el rumbo y modificar la historia, todo se juega en aquella premisa. ¿Podrán, o no podrán? ¿Cuántas idas y vueltas veremos hasta que encuentren una salida?

¿Es ingeniosa “The Adam Project”? No tanto, pero al menos se sostiene gracias al yo pequeño de Adam caracterizado por Walker Scobell. Tiene vigor y chispa, algo de lo que esta vez parece carecer Ryan Reynolds, quien se ve apagado, demasiado mordaz y un poco encasillado.

La cinta gana una enormidad cuando entra en escena Mark Ruffalo interpretando a Louis Reed, padre de Adam. No vale la pena adelantar su papel, ni menos lo que ocasiona -sería un spoiler-, pero con Ruffalo se conforma un trío que logra mejor simetría y equilibrio.

Los antagonistas en este relato son muy débiles, denotan poca fuerza. Es tal vez una de las razones por la que esta película, aunque intenta despegar varias veces, se queda en el camino. Y a pesar que explora con algo de acierto la química entre los dos “yo”, eso funciona solo en parte, los chistes se hacen cargantes y las historias personales también quedan a medio andar en un concierto de ritmos muy irregulares.

“El proyecto Adam” es un cine liviano destinado solo a la diversión. En este caso, incluso, se hace un poco larga y no aporta demasiado para justificar esa extensión. Al final de todo el análisis viene la pregunta del millón: ¿Entretiene? Tal vez para una tarde floja y sin perspectivas podría ser una buena opción. Eso y muy poco más.

Ficha técnica

Título original: The Adam Project
Año: 2022
Duración: 106 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Skydance Productions, 21 Laps Entertainment, Maximum Effort. Distribuidora: Netflix
Género: Ciencia ficción. Fantástico. Acción | Viajes en el tiempo. Cine familiar
Guion: Jennifer Flackett, Mark Levin, T.S. Nowlin, Jonathan Tropper
Música: Rob Simonsen
Fotografía: Tobias A. Schliessler
Reparto: Ryan Reynolds, Walker Scobell, Zoe Saldana, Catherine Keener, Jennifer Garner, Mark Ruffalo, Alex Mallari Jr., Milo Shandel, Lucie Guest, Braxton Bjerken, Ellie Harvie, Ben Wilkinson, Jessica Bodenarek, Esther Li
Dirección: Shawn Levy

martes, 22 de marzo de 2022

Una sombra en mi ojo - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Basada en hechos reales. El 21 de marzo de 1945, la Royal Air Force británica se embarcó en una misión para bombardear la sede de la Gestapo en Copenhague. La redada tuvo fatales consecuencias, ya que algunos de los bombarderos atacaron accidentalmente una escuela y más de 120 personas murieron, 86 de las cuales eran niños.


Bornedal hace que la historia fluya aunque deja cabos sueltos en su relato. Eso no quita su buena adaptación para un hecho real, del cual ya sabemos el desenlace.

Toda tragedia de guerra es siempre un drama amargo y triste. Eso posee este filme con su fotografía,  sostiene el ambiente de tragedia en tonos grises, permitiendo que este transmita la emoción que se requiere.

Les sugiero poner atención a la música magistralmente utilizada. Es un gran protagonista.

En este filme los actores jóvenes en sus roles de Rigmor, Eva, Henry, son los que se destacan con su protagonismo. También otros, que no son unos aparecidos; cuando los vean en el filme los reconocerán. Algo interesante es la actuación Fanny Bornedal, hija del director, quien nos coloca el dilema ético religioso; ella misma duda de su fe, pero el drama la lleva a tratar de salvar a otros.

En la historia del mundo siempre quedan momentos perdidos, pueden que se hallan escrito, pero el tiempo los hace olvidar. Este filme de Bornedal trae a nuestros ojos ese pedazo de la historia, que de seguro, no conocíamos, tanto por la lejanía de la II Guerra Mundial como por el lugar geográfico donde sucedió.

Esta operación llamada Cartago fue una tragedia producto de una confusión, afectando a la escuela francesa y no el cuartel de la Gestapo ubicado en el edificio Shellhuset.

Buen filme para dar una mirada a la historia y también hacer una reflexión. Frente a las acciones bélicas sólo pierden los inocentes y frágiles, para ello no hay excusa.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Skyggen i mit øje
Año: 2021 
Duración: 107 minutos
País: Dinamarca 
Dirección: Ole Bornedal 
Guion: Ole Bornedal 
Música: Marco Beltrami, Buck Sanders, Ceiri Torjussen 
Fotografía: Lasse Frank Johannessen 
Reparto: Danica Curcic, Alex Høgh Andersen, , Bertram Bisgaard Enevoldsen, Ella Josephine Lund Nilsson, Susse Wold, Caspar Phillipson, Morten Suurballe, Maria Rossing, Patricia Schumann, Rikke Louise Andersson, Kristian Ibler, James Tarpey. 
Género: Drama, bélica, ll Guerra Mundial. 
Productora: Miso Film

domingo, 20 de marzo de 2022

Period. End of Sentence - Por Jackie O.

"Romper con tabúes."


Este corto documental trata de un grupo de mujeres de la localidad de Hapur, India, que lideran una revolución sexual discreta, donde aprenden a manejar una máquina que fabrica toallas higiénicas, las cuales venden a otras mujeres a precios económicos. Esto no solamente contribuye a mejorar la higiene femenina al facilitar el acceso a productos básicos, sino que también apoya y empodera a las mujeres, para que se desprendan de los tabúes en la India que rodean a la menstruación.

No, no estamos viendo un trabajo cinematográfico de hace tres siglos atrás, estamos en pleno siglo XXI, donde existen muchos rincones de nuestro planeta donde la gente vive sumida en tabúes o ignorancia.
Vemos a mujeres que usan celulares, se arreglan para verse hermosas, pero desconocen los detalles de la menstruación.

Hablar de ese tema resulta repulsivo para algunos, pero ¿por qué? Por qué algo que es natural, inevitable, parte de la vida de una mujer, puede ser considerado tan repulsivo por muchos. No tengo la respuesta.

La menstruación está, existe, es molesta, incomoda y mucho más. Se debe hablar de ella, en especial a las niñas que van a experimentar ese cambio en su cuerpo. Pero en muchos lugares, ni siquiera apartados de la civilización, es un tabú.

Este trabajo nos muestra un sector rural de la India, donde las mujeres ignoran los detalles de lo que les sucede, solo saben que les llega su período, pero la ignorancia y vergüenza para hablarlo va de generación en generación, y este grupo de personas que las instan a mejorar su estilo de vida quiere que esta ignorancia pare acá. Y lo hace enseñándoles a fabricar y usar sus propias toallas higiénicas. Algo que para uno es tan básico, y al alcance de la mano, para ellas es nuevo.

Pero la directora y su equipo no las tratan de ignorantes, no se burlan de ellas ante el desconocimiento. No. Las ayudan a entender, incluso se habla con hombres del sector al respecto.
Porque no puede ser que algo tan simple deje a docenas de mujeres sin ir al colegio o a su trabajo, solo por que les llega su período. Solo era que alguien les dijera lo normal que es, y cómo deben cuidarse al respecto.

Era solo una visita, respetarlas y educarlas. Acompañarlas y hacerlas valer. Que lo que les sucede no es un castigo ni las hace menos como personas.

Y el hecho de que ellas mismas puedan fabricar sus toallas higiénicas es tremendamente un logro, pues no solo es calidad de vida, sino que, también, es un ingreso económico.
Ya no estarán más sumidas en la vergüenza de su cuerpo, en la ignorancia de los hechos, si no que además se independizarán y aspirarán a buscar sus sueños.

Un excelente trabajo de entrevistas, fotografía y montaje. Gran trabajo de cámara, donde de diferentes ángulos nos muestran la inocencia y esperanza de rostros femeninos.

Un trabajo que nos grita que no debemos avergonzarnos de nuestro cuerpo, y de la naturaleza de nuestro ser.

Disponible en Netflix.

• Ganador del Óscar al mejor documental corto - 91.ª edición de los Premios Óscar

• Ganador de los festivales en Cleveland International Film Festival, el Traverse City Film Festival, así como en muchos otros, incluyendo el AFIFest, y Savannah.


Ficha técnica

Dirección: Rayka Zehtabchi.
Música: Giosuè Greco, Dan Romer, Osei Essed
Fotografía y montaje: Sam Davis
País: Estados Unidos
Año: 2018
Género: Documental - mujeres
Duración: 25 minutos
Idioma(s): Hindi

sábado, 19 de marzo de 2022

Fresh - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Star+.


El tema de este filme es la antropofagia, o canibalismo. De ahí su ambivalente título: Fresh/Flesh= carne humana fresca.

Idea y desarrollo estremecedores - suavizados en EE.UU. - que pudieron ser más crudos hechos por un europeo. Desgraciadamente, culmina como las típicas películas de acción norteamericanas.

Fascinante para algunos, repugnante para otros, pero más que nada por la temática que por las imágenes.

Oscila entre el “gore” y un refinado sadismo.

Denuncia el soterrado comercio con carne humana financiado por ricachones corruptos.

Con prolija fotografía e iluminación, la novel directora Mini Cave, junto a la guionista Lauryn Kahn, previenen al público femenino - en especial a mujeres solas y necesitadas de afecto - contra el peligro de dejarse embaucar por seductores desconocidos.

Lo más importante de esta película es la DENUNCIA que hace de personas capaces de invertir mucho dinero para darse el placer de comer carne humana, en especial de mujeres, debido a su más sabroso contenido en grasas orgánicas. El resto es una anécdota de cómo, y con quiénes, logran conseguirla.

Los actores, jóvenes multinacionales, reaccionan de la manera más verosímil posible ante del desquicio aterrador de una situación como ésta.

Refleja la inconciencia moral a que pueden llegar algunos profesionales de la medicina en su afán de ganar más dinero.

Se pre-estrenó en el Sundance Film Festival en enero de 2022, y ha merecido el respeto de los aficionados a este género.

PROLIJA DENUNCIA QUE PUDO SER MÁS AUDAZ EN SU TRATAMIENTO. POCO RECOMENDABLE PARA ESPECTADORAS MELINDROSAS. 

Ficha técnica   

2022 Drama, suspenso, terror 
EE.UU., Canadá - 1,54 hrs. 
Fotografía: Pawel Pogorzelski 
Edición: Martin Pensa 
Música: Alex Somers 
Diseño Prod.: Jennifer Morden 
Guion: Lauryn Kahn 
Actores: Daisy Edgar-Jones, Sebastian Stan, Jojo T. Gibbs 
Directora: Mini Cave

viernes, 18 de marzo de 2022

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 18 de marzo 2022

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Carlos Correa en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

Los ojos de Tammy Faye - Por Elizabeth Salazar T.

Este jueves llegó a las salas de cine, la película que tiene nominada al Óscar como Mejor Actriz Principal a Jessica Chastain, que nos muestra la vida de la famosa telepredicadora Tammy Faye (Chastain), que desde su tierna infancia sintió una particular cercanía con Dios. De hecho, durante una prédica, conoce a quien se convertiría en su marido Jim Bakker (Andrew Garfield), él se dio cuenta desde el inicio que, con el talento para el canto de ella y la oratoria de él, formaban una buena sociedad para poder dedicarse a la difusión religiosa. Y tenía razón, ya que ambos, inclusive, llegaron a tener su propio programa de predicación durante los años 70 y 80, gracias al que fueron conocidos mundialmente, no conformes con eso, además, tuvieron un parque temático. 

Con un look particular, que incluía pestañas indelebles, abundante maquillaje, pieles y colores llamativos (Nominada al Óscar por Mejor Maquillaje y peinado), Tammy Faye, logró convertirse en todo un personaje, pero el éxito televisivo no iba de la mano con su vida familiar. Su matrimonio que en realidad no era lo que aparentaba, esto sumado a los problemas económicos que los llevaron hasta a tener problemas con la justicia, lo que se transformó en todo un escándalo en la época.

Una comedia negra, que tiene momentos tan bizarros como graciosos. En especial, quienes crecimos en los 80, aún recordamos este tipo de programas que convirtieron a predicadores en famosas estrellas televisivas. Recuerdo en particular, el caso del norteamericano Jimmy Swaggart, cuyo programa televisivo terminó cuando lo descubrieron junto a una prostituta. Esta película nos muestra la época donde estos programas eran grito y plata, gracias a lo cual Faye, su marido y entorno aprovecharon para sacar dividendos grandes y tener una vida acomodada, en torno a las ganancias que les producían todo lo que hacían en torno a la religión.

Tammy Faye, a pesar de su fama y dinero, no logró ser feliz, empezó a utilizar pastillas para mantenerse trabajando y mostrar esa felicidad aparente para las cámaras de televisión. Creo que Chastain, cumple con su rol, de buena forma, el maquillaje está bien logrado, además, se ve irreconocible en algunas escenas. Andrew Garfield, reafirmando que es un muy buen actor y que solo hasta ahora está siendo reconocido, de verdad creo que hace un excelente papel como Jim Bakker, a ratos llega a ser detestable.

Una película para pasar un buen rato, que revela, el lado oscuro de los predicadores, que mostraban ante su audiencia televisiva, la imagen de llevar unas vidas incólumes.

Ficha técnica

Director: Michael Showalter
Duración:126 Minutos
Distribuye: CineColor Films

jueves, 17 de marzo de 2022

Los Tipos Malos - Por Juan Pablo Donoso

Excelente fábula, compleja, que hará reír a los niños y pensar a los adultos.

Primer largometraje animado de Pierre Perifel quien - gracias a estupendos guionistas - logró una obra muy amena y con varios niveles de lectura.

Su tema: la vulnerable ambivalencia del alma humana, que nos hace dignos de cariño, perdón y compasión.

Los Tipos Malos son una famosa banda de ladrones que se saben invencibles frente a la Justicia. El líder es el Sr. Lobo, un elegante y astuto carterista. El Sr. Serpiente, experto en cajas fuertes; el frío Sr Tiburón, maestro del disfraz; el Sr. Piraña es irascible, y la Srta. Tarántula, una genial hacker cibernética.

Todo pareciera cambiar cuando el sabio e ingenuo Profesor Mermelada propone un método para que los Malos se transformen en Buenos. El Sr. Lobo aprovecha esta oportunidad para - simulando rehabilitarse - cometer aún peores barrabasadas. Y se ponen manos a la obra con la anuencia de una coqueta zorrita alcaldesa.

Mas, en el fondo de su corazón, el Sr. Lobo sospecha que si aparenta ser Bueno quizá le aporte lo que siempre deseó: ser aceptado.

Cuando aparece un nuevo bellaco para amenazar a la ciudad, ¿podrá persuadir al resto de la banda para enfrentarse a él y volverse realmente... los Tipos Buenos? En vano intentará convencer a sus secuaces, quienes lo abandonan por sentirse traicionados. Pero a cada rato caerán más antifaces revelando que los Buenos son Malos y viceversa.

Hay un conflicto de fondo: las ventajas y el orgullo de ser invenciblemente MALOS, versus la humillación de ser BUENOS teniendo como recompensa sólo ser ADMIRADOS por la sociedad. (¿Suena familiar con respecto a las mafias de narcos?).

Subyace la realidad, tan humana, de que tras la bondad se esconde también, a veces, la capacidad de ser perversos. ¿Quién podría jactarse de ser siempre BUENO e inmaculado?

Tras una sucesión de graciosas aventuras, que cada vez se tornan más complejas y vertiginosas, nos invitan a aceptar la ambivalencia de todos las personas, caricaturizadas aquí como estos locos personajes de animación que, gracias a su simpatía, nos permite tomarles cariño y perdonarlos.

MUY GRACIOSA E INTELIGENTE ANIMACIÓN. EVOCA EL ETERNO DILEMA ENTRE EL SUPUESTO BIEN Y LAS MOTIVACIONES DEL MAL.

Ficha técnica

Título Original: The Bad Guys
2022 
Comedia, aventuras, animación 
EE.UU.- 1,40 hrs. 
Edición: John Venzon 
Música: Daniel Pemberton 
Guionistas: Etan Cohen, Hilary Winston,Aaron Blabey (libro) 
Voces: Sam Rockwell, Aukwafina, Anthony Ramos 
Director: Pierre Perifel

A Ciegas - Por Juan Pablo Donoso

Una pequeña película de suspenso llena de recursos conocidos para lograr tal efecto.

Los ingredientes son: a) una joven protagonista ciega, ex campeona de esquí, amargada y con tendencias cleptómanas, b) la contratan como solitaria cuidadora de un gato en una mansión perdida en las montañas (¡!), c) durante la noche, junto con hurtar un valioso vino de los dueños de casa, es víctima de unos ladrones que ingresan a saquear la caja fuerte, d) siendo ciega y estando absolutamente sola, intentará avisar a la policía, e) al ser descubierta por los ladrones deberá ingeniárselas para sobrevivir gracias a las instrucciones telefónicas de una empresa llamada Ayúdame a Ver (See for Me).

Resulta novedosa la utilización de celulares y otros artilugios como salvavidas. Porque víctimas ciegas de bandidos hemos visto antes en clásicos como Sola en la Oscuridad, de Terence Young (1967) protagonizada por Audrie Hepburn, No Respires 2 (2021) y en la siniestra Dragón Rojo (2002) con Anthony Hopkins como Hannibal Lecter, junto a otros anteriores casi siempre efectivos en su propósito de hacernos compadecer a semejantes criaturas minusválidas.

Destacamos en este “thriller” - ideal para la TV nocturna - una prolija escenografía de interiores, un experto manejo de cámara, hermosos paisajes exteriores de montañas nevadas, y un admirable entrenamiento del gato para que se desplace, y reaccione, según cada circunstancia (sabemos lo difícil que es conseguir que un felino colabore con un guion).

El personaje de Sophie (Skyler Davenport - actriz no-binaria y ciega de verdad), a diferencia de otras heroínas indefensas, resulta al comienzo poco grata por su carácter insolente, delictual y resentido. Mas, enfrentada desde sus tinieblas contra unos bandidos aún más perversos, conseguirá que lleguemos a compadecerla.

La trama entregará algunos giros inesperados, reservándonos para el clímax una sorpresa que, desgraciadamente, era previsible.

Para mantener su tono un poquito amoral, condimentaron el final feliz con unas tímidas gotitas de cinismo.

Valoramos que existan aquellos servicios para teleorientar a los novidentes. Y más en este caso con la presencia de Kelly (Jessica Parker Kennedy) como la joven ex combatiente de Irak que logra salvar desde lejos a nuestra heroína, y masacrar a los crápulas.

LOGRADO SUSPENSO PARA UNA FÓRMULA DE TERROR CONOCIDA. SALVO LA CEGUERA REAL DE LA ACTRIZ, CON POCAS NOVEDADES DE FONDO Y FORMA.

Ficha técnica

Título Original: See for Me
2021 
Crimen, drama, suspenso 
Canadá
1,32 hrs. 
Fotografía: Jordan Oram, Jackson Parrell 
Edición: James Vandewater 
Música: Joseph Murray, Lodewijk Vos 
Diseño Prod.: Ciara Vernon 
Guion: Adam Yorke, Tommy Gushue 
Actores: Skyler Davenport, Natalie Brown, Laura Vandervoort 
Director: Randall Okita

martes, 15 de marzo de 2022

Impacto - Por Jackie O.

"Sororidad al máximo".


Un grato docu serie que nos cuenta cómo transcurre la vida de seis mujeres excepcionales de comunidades marcadas por la violencia, la pobreza, los traumas, la discriminación, la opresión y los desastres naturales, quienes, contra todo pronóstico, se atreven a soñar, a decir lo que piensan y a liderar.

Pequeñas historias que nos traen relatos gigantes, de cómo mujeres de diversas edades, credos, orientaciones sexuales, vivencias, etc., y debido a situaciones que las marcaron profundamente, tienen la bella necesidad de ayudar a otras mujeres que pasan por situaciones similares, con su experiencia deciden aportar desinteresadamente. 

Mujeres que provienen de entornos muy diferentes, como Brasil, Puerto Rico, Michigan, California, Luisiana y Tennessee, se atreven a generar un cambio.

Es el caso de una joven que pierde, producto del Covid19 a su gemela, y con la pasión al deporte acuático que ambas mantenían, decide ayudar con el surf a otras mujeres en duelo. Así no solo trata de calmar su alma triste, sino servir de pilar para otras. O la historia de una joven que vio en su ciudad cómo un huracán destrozaba todo y le quitaba lo vital a muchas familias: agua potable. Así que, con tan solo 19 años, ideó, junto a amigos, una forma para que este elemento llegase en buenas condiciones a las casas de muchas jefas de hogar.

Y así, vamos viendo cómo el positivismo, la esperanza, el compañerismo, el pensar en el otro sin ser egoístas, entregando un espacio, tiempo y alegría a nuestros hermanos, podemos contribuir a hacer más grande y grato nuestro entorno.

Historias como estas deben haber muchas, sigamos replicándolas. Impactemos al mundo comenzando en nuestro pequeño entorno.

Sobre Gal Gadot, es la presentadora de cada capítulo y quien, con su presencia y voz amable, nos anuncia en menos de un minuto lo que veremos, y al terminar, nos resume qué ha ido sucediendo con la historia ya vista.

Disponible en Disney.

Ficha técnica

Título original: Impact con Gal Gadot
Directora: Vanessa Roth.
Productor ejecutivo: Gal Gadot y Yaron Varsano.
Docuserie: 6 capítulos
14 minutos cada uno, aprox.
Año: 2021

Perdí mi cuerpo - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Una mano cortada se escapa de un laboratorio con un objetivo crucial: volver a encontrar su cuerpo. A medida que avanza por los escollos de París, recuerda su vida con el joven Naoufel al que una vez formo parte... hasta que conocen a Gabrielle.


Con un guion original y profundo esta animación se hizo de varias nominaciones y premios.

Es una animación diferente, por momentos nos puede descolocar o quizás tornarse desagradable. Eso no quita el mérito de ser un relato que tiene todos los ingredientes para conmovernos por su ternura que se desprende del amor, y también para ver el lado oscuro.

Evocó a mi memoria el filme de terror de Oliver Stone "La Mano", del año 1981, con Michael Caine

El relato nos sorprende con sus giros del guion,  con dos historias paralelas del mismo personaje principal, en una búsqueda del sentido existencial y afectivo en el mundo, sobre todo si hemos perdido nuestros lazos vitales con nuestros progenitores y donde lo único es el recuerdo y voces grabadas que llevan a Naoufel traerlos nuevamente a su vivencia actual. Por otro lado, con una ingenuidad en el plano amoroso, pretende conquistar a Gabrielle, quien es más vivaz.

Una interesante y llamativa construcción de primerísimos planos sobre uno de los personajes que marca el destino del protagonista principal. Flashbacks nos llevan al pasado, entregando datos al relato y permitiendo que el espectador siga el hilo conductor de la historia.

Novedoso, para adultos, algo distinto a otras animaciones, tanto en su propuesta de guion, música, gráfica y desarrollo del filme.

Finalmente, tiene una mirada en búsqueda de una vida y fortaleza para superar el destino.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: J'ai perdu mon corps 
Año: 2019 
Duración: 81 min. 
País: Francia 
Dirección: Jérémy Clapin 
Guion: Jérémy Clapin, Guillaume Laurant 
Música: Dan Levy 
Fotografía: Animación 
Productora: Xilam. Distribuidora: Netflix 
Género: Animación. Fantástico. Drama. Romance | Animación para adultos 

Premios 

2019: Premios Óscar: Nominada a mejor largometraje animación 
2019: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película de animación 
2019: Premios del Cine Europeo: Nominado a Mejor film de animación 
2019: Asociación de Críticos de Los Ángeles: Mejor película animada y música 
2019: Premios Annie: Mejor película independiente, guion y música. 6 nominaciones 
2019: Premios César: Mejor film de animación y bso. 3 nominaciones 
2019: Critics Choice Awards: Nominada a mejor película animada 
2019: Sitges Film Festival: Mejor música 
2019: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor film de animación 
2019: Círculo de Críticos de San Francisco: Mejor película de animación 
2019: Asociación de Críticos de Boston: Mejor película de animación

domingo, 13 de marzo de 2022

Belfast - Por Juan Pablo Donoso

Una historia de penoso desarraigo. Autobiografía de infancia del gran actor y director Kenneth Branagh.

Ambientada en el norte de Irlanda en 1969, cuando había una violenta pugna entre católicos y protestantes.

La vemos a través de los ojos del pequeño Buddy (Jude Hill), quien sólo deseaba jugar en las calles de su barrio, progresar en el colegio para conquistar el cariño de una rubia compañerita de curso, y escuchar los consejos de su familia.

Junto a su hermano mayor Will, recibía la protección de sus padres, y el cariño de sus tíos y abuelos.

Para los intereses del niño los conflictos políticos, religiosos y laborales resultaban lejanos e incomprensibles. En cambio, para los protestantes como ellos, la permanencia allí se hacía cada día más difícil.

Llegaría el momento de tomar la decisión de emigrar a Inglaterra dejando atrás a los parientes, vecinos, y una tradición de cultura y afectos.

Para compartir sus recuerdos Branagh filmó casi toda la historia en blanco y negro: cromatismo que además del clima también trasluce el ambiente de la época. Sólo inserta tecnicolor cuando evoca escenas de algunas películas que veía en el cine de su barrio.

Ya en 1987, el director John Boorman, realizó Esperanza y Gloria, narrando un drama similar, pero con algo más de crudeza en sus personajes. Aquí, nos internamos en la cotidianeidad inocente de un niño bajo la amenaza latente de un cambio de vida que será desgarrador.

La calidad de los actores - en especial los mayores - nos permiten compartir con el pequeño su profundo amor por ellos. Admirables Judi Dench y Ciarán Hinds como los abuelos, a quienes el guion les permite transmitir - sin estridencias - momentos de serena y horadante emoción. Otro gran aporte es Caitriona Balfe, hermosa actriz irlandesa quien, como la madre, refleja los múltiples dilemas de su rol como esposa, madre, e hija de un pueblo ancestral. En ella se encarna el dolor de tener que abandonar la patria.

Con pulso reposado y maduro la historia nos va invadiendo con delicadeza el corazón.

Aunque hay algunas reflexiones, Kenneth Branagh, siendo protestante, evita tomar partido en el conflicto religioso.

Dedicada más bien a “los que se quedaron”, a “los que emigraron” y a “los que murieron allá”.

UN LAMENTO NOSTÁLGICO AL SENTIDO DE LA PATRIA Y EL HOGAR. 

Ficha técnica   

Biografía, drama, historia
Año: 2021 
Inglaterra - 1, 38 hrs. 
Fotografía: Haris Zambarloukos 
Edición: Úna Ní Dhonghaíle 
Música: Van Morrison 
Diseño Prod.: Jim Clay 
Actores: Jude Hill, Caitriona Balfe, Judi Dench, Ciarán Hinds 
Guionista y Director: Kenneth Branagh

sábado, 12 de marzo de 2022

Belfast - Por Carlos Correa

Linda y emotiva película del director Kenneth Branagh que evoca reminiscencias y logra conmover gracias a su delicada forma narrativa. 

“Belfast” se sostiene en valores. Vemos a su protagonista, Buddy -el debutante Jude Hill-, un niño de nueve años que se transforma en testigo presencial del inicio de “The Troubles”, en Irlanda del Norte el año 1969. Con su inocencia lúdica, Buddy es parte de una familia de esfuerzo y sacrificio. Su padre -Jamie Dornan-, trabaja en Inglaterra para conseguir el sustento para su familia. Buddy vive con Ma -Caitríona Balfe-, y su hermano mayor Will -Lewis McAskie-, y están en permanente y estrecho contacto con sus abuelos, Granny -Judi Dench., y Pop -Ciarán Hinds-.

La relación familiar demuestra un gran cariño. Existen naturalmente situaciones menos amables, pero siempre la amistad y la convivencia es lo que prima al momento de relacionarse. Algo similar se vive en el entorno más cercano, donde los vecinos son una comunidad unida que se brinda acogida en las situaciones más complejas que les toca enfrentar.

Durante los eventos de agosto de 1969, un grupo de religiosos protestantes ataca las viviendas y almacenes de los católicos en el vecindario de Buddy. Los habitantes del lugar se unen para protegerse con barricadas para esquivar los conflictos. La situación es en extremo tensa y la inseguridad cala hondo en la familia de Buddy, en su entorno, y les obliga a replantearse sus objetivos de vida, si quedarse en Belfast o bien aceptar la idea de migrar a Inglaterra gracias a una posibilidad ofrecida por el empleador de Pa.

Jude Hill encarna al pequeño Buddy con inquietud y curiosidad. Su permanente atención, su vitalidad, su interés por el cine -visto como refugio-, retrata el alma de un niño que siente temor pero que no se paraliza debido a ello. Hay acá una enseñanza de vida, pilares fundamentales entregados principalmente por su familia y desarrollados por este “pequeño adulto” que se ve obligado a construir fortalezas desde lo que le toca enfrentar en su día a día.

La película de Branagh funciona como una crónica del contexto social y civil de la época que representa, de la lucha de clases, del odio religioso, de las reivindicaciones violentas que ponen en jaque a esta familia de clase trabajadora que quiere salir adelante y vivir en paz. Es muy interesante la metáfora que se construye a partir de un sermón del Pastor De la Iglesia local, donde se menciona la bifurcación de los caminos y a la necesidad de elección, algo que a Buddy le quita el sueño y también le impulsa a tomar decisiones y seguir adelante, en un dilema tan representativo de esos años como lo es actualmente.

“Belfast” también funciona como un homenaje pausado y por momentos delicado, para todos quienes vivieron esos años. Es un reconocimiento del lugar que ocupa en la historia la génesis de “The Troubles” y que el IRA mantuvo vivo hasta el año 2005. Este retrato autobiográfico -Branagh ha dicho que es la más personal de sus películas-, también resulta ser una memoria agradecida, una reconciliación con su propia historia para todos quienes han sufrido los hechos a lo largo de muchos años.

Con escenas preciosas entre las que se destaca un plano secuencia en los inicios del metraje junto con una cámara que gira en 360 grados, la fotografía se desarrolla en un blanco y negro que ahonda en los grises más que en ampulosos contrastes. La banda sonora es muy ad hoc, de la época también, con canciones que funciona como luces del recuerdo aunque a veces se desconecten de la imagen, y corran en paralelo. Lo importante es el contexto y la generación de una cuidada ambientación, algo que se consigue, además, gracias a la partitura escrita por Van Morrison que, en momentos oportunos, entrega importantes dosis de emotividad.

Hermosa película de Kenneth Branagh. Con siete nominaciones a los Premios Oscar 2022, podemos hablar de una joyita, una película imperdible en fondo y forma, una cinta que construye un testimonio de primera fuente sobre una historia que marcó la vida de miles de personas.

Ficha técnica

Título original: Belfast
Año: 2021
Duración: 98 minutos
País: Reino Unido
Productora: TKBC. Distribuidora: Focus Features
Género: Drama | Años 60. Infancia. Familia
Guion: Kenneth Branagh
Música: Van Morrison
Fotografía: Haris Zambarloukos
Reparto: Jude Hill, Caitriona Balfe, Jamie Dornan, Judi Dench, Ciarán Hinds, Lewis McAskie, Lara McDonnell, Gerard Horan, Turlough Convery, Sid Sagar, Josie Walker, Chris McCurry, Colin Morgan, ver 17 más
Dirección: Kenneth Branagh

Belfast - Por Jackie O.

"Una mirada inocente en medio del caos".


Belfast es una película dramática en blanco y negro, sobre fines de la década del 60, de un niño de 9 años que vive en la localidad de Belfast, Irlanda del Norte, en un vecindario tranquilo, donde sus vecinos se ayudan mutuamente y su familia lleva una vida unida. Pero de la noche a la mañana, su vida familiar cambia.

La película comienza con planos abiertos de la localidad de Belfast actual, próspera, moderna, pero pronto una transición lleva la historia a 1969 y, allí, las cosas no fueron del todo así, ya que en medio de conflictos sociales, especialmente en la relación entre católicos y protestantes (hubo unos 30 años de enfrentamientos, que involucraron incluso a un grupo terrorista, IRA) y el desempleo exponencial; el pequeño Buddy (Jude Hill) intenta vivir una vida alegre junto a su madre (Caitriona Balfe), su hermano mayor Will (Lewis McAskie), su padre (Jamie Dornan) que vive viajando por el trabajo a Inglaterra, y sus abuelos (Ciarán Hinds y Judi Dench).

Luego de unas escenas cálidas y alegres originales, cambiadas de inmediato por un grupo de manifestantes que sostenían armas en la esquina de la calle, la felicidad del pequeño Buddy se ve en medio de una guerra inimaginable. Es un conflicto "religioso" donde su fin era atacar a católicos. En ese momento, las comunidades protestantes y católicas en Irlanda del Norte, bajo el feroz conflicto y la confrontación causada por las creencias religiosas, trajeron un impacto tremendo en la vida originalmente pacífica de esta familia. Pues la vida tranquila de un pequeño que le cuesta entender el conficto, que solo quiere jugar, estar cerca de la chica que quiere, conversar con sus abuelos, difrutra del cine, y entre su misma inocencia caer en los juegos rebeldes de su prima, donde se ve siempre en medio de algún conflicto que su inocencia no sabe dilusidar. Pero a medida de que pasan los días, y tratar de entender algo que para un niño está fuera de su alcance, deberá comprender que debe seguir a su familia en un mundo repentinamente transpuesto, abriéndose valientemente camino para crecer.

Una historia simple que, como muchos directores tratan de llevar su historia de infancia a la pantalla, además nos cuenta un conflicto no muy conocido por todos, y eso es un valor agregado: sentimientos e historia.

Estéticamente es agradable ver y escuchar. Con la cámara casi en todo momento a la altura de nuestro pequeño Buddy, y con una deslumbrante fotografía en blanco y negro de Harry Zabarloukos, cava surcos en los rostros de los héroes y hace brillar sus ojos, con ángulos que acompañan la mirada del niño. La fotografía en blanco negro, es coloreada cuando Buddy ve películas o juega. "Belfast" es quizás uno de los momentos de dirección más maduros de Kenneth Branagh. Al mismo tiempo, obtiene excelentes actuaciones de sus protagonistas, con el guion que va a lo más profundo de sus almas y destacando personajes que dicen mucho sin balbucear.

Un contraste interesante es el hecho que, aunque la película parezca de bajo presupuesto o muy simple, es un gran cine para pantalla grande, con la riqueza de la producción, el excelente sonido y la representación detallada del estilo de la época, convirtiéndola en una buena película.

Disponible en Cines.

Ficha técnica

Dirección y guion: Kenneth Branagh
Música: Van Morrison
Fotografía: Haris Zambarloukos
Montaje: Úna Ní Dhonghaíle
País: Reino Unido, Irlanda del norte, Estados Unidos
Año: 2021
Género: Drama, Comig-of-age
Duración: 97 minutos
Protagonistas: Jude Hill, Caitriona Balfe, Judi Dench, Jamie Dornan, Ciarán Hinds, Colin Morgan