jueves, 29 de febrero de 2024

Todos Somos Extraños - Por Juan Pablo Donoso

Una finísima obra de soledad, miedo y traumas de juventud.

Tratamiento reposado, íntimo y cuidadoso.

A la manera de algunas grandes obras de Harold Pinter (Premio Nobel 2005), la realidad se confunde con los sueños, y con los fantasmas de la niñez.

Adam es un escritor solitario y homosexual. Habita un edificio donde casi todos los departamentos están desocupados. Con mucho recelo entabla contacto con Harry, otro joven inquilino, también solo, y con su misma inclinación.

A medida que la relación entre ellos progresa en confianza, Adam siente la imperiosa necesidad de volver a comunicare con sus padres. Así, después de 30 años comienza a viajar al suburbio de su infancia, a sincerarse con ellos repasando tormentos de su niñez, y confesándoles su actual naturaleza erótica y afectiva.

Rastreo subconsciente de las causas del HOY con raíces en el AYER.

Es un febril proceso de purificación - gracias al apoyo emocional de su amigo - donde los recuerdos, la fantasía y la verdad se van confundiendo hasta borrar las fronteras de la realidad inmediata.

El reencuentro, los diálogos y la amorosa acogida que halla en sus padres serán el pilar de su consuelo. Pero ¡atención!: la película nos depara también una sorpresa que ratifica con mayor fuerza la premisa espiritual de fondo.

Testimonio delicuescente de cómo las almas solitarias se unen, y cicatrizan las heridas del pasado.

Andrew Scott, como Adam, retrata la tristeza de su personaje de manera muy auténtica. Bellas luces reflejan esperanza en los ojos de quienes anhelan la paz. Virtud que comparte Paul Mescal, su compañero.

Claire Foy y Jamie Bell son perfectos padres de los años 80. Todo, desde lo que dicen hasta la forma en que lo dicen, o callan, se siente preciso. Revelan cómo los tiempos han cambiado

Testimonio de cómo una más de las millones de estrellas solitarias del universo comparte, ¡por fin!, su luz con otras solitarias de la galaxia.

SUTIL TESTIMONIO DE QUIENES ENCUENTRAN ALMAS AFINES PARA SEGUIR VIVIENDO. UNA INVITACIÓN DE GENEROSA TOLERANCIA.

Ficha técnica

Título Original: All of Us Strangers
2023 Drama, fantasía, romance Inglaterra, EE.UU. - 1,45 hrs. 
Fotografía: Jaime Ramsey 
Edición: Jonathan Alberts 
Música: Émilie Levienaise-Farrouch 
Diseño Prod.: Sara Finlay 
Guion: Andrew Haigh, Taichi Yamada 
Actores: Andrew Scott ,Paul Mescal,Claire Foy
Director: Andrew Haigh

Monstruo - Por Juan Pablo Donoso

Ojalá, al menos, el famoso y galardonado director japonés Hirokazu Kore-eda (Un Asunto de Familia -2018 - Nadie Sabe - 2004) sepa lo que nos quiso comunicar con esta inexpugnable película.

Una especie de recopilación de recuerdos de infancia, cuando los niños en su inconsciencia hacían maldades y/o estupideces. ¿Serán ellos los inocentes monstruitos? ¡Ni siquiera, porque también piden disculpas!

Después de múltiples escenas inconexas con personajes inútiles que parecen importantes y después desaparecen para siempre (la madre, por ejemplo), se dan el lujo de hacer varios “raccontos” de las mismas cosas que ya vimos, para llegar a la nada misma. (¿Rashomon fallido?).

De todo este “cajón de abuela”, donde aparecen personajes cuya culpabilidad accidental sólo se consuela tocando instrumentos de viento (la Directora del colegio), la inquietante pregunta que nos dejan es: “Si a una persona le injertan el cerebro de un cerdo, ¿será cerdo o seguirá siendo persona? (¿?)”,

EL ÚNICO MONSTRUO ES ESTE AMPULOSO Y DESTARTALADO ROMPECABEZAS JAPONÉS.

Ficha técnica

Título Original: Kaibatsu
2023 Drama seudo-infantil Japón - 2,07 hrs. 
Fotografía: Ryûto Kondô 
Edición: Kore-eda Hirokazu 
Música: Ryuichi Sakamoto 
Diseño Prod.: Keiko Mitsumatsu 
Guion: Yuji Sakamoto Actores: Hiiragi Hinata, Kurosawa Soya, Nagayama Eita 
Director: Hirokazu Kore-eda

miércoles, 28 de febrero de 2024

Mi amigo robot - Por Elizabeth Salazar T.

"Una gran amistad"


Una bella animación, que se encuentra nominada al Oscar, nos muestra a Dog, un perro que vive en Manhattan y está cansado de estar solo. Un día decide comprarse un robot para que lo acompañe, con el que entabla una estrecha amistad bailando al ritmo del Nueva York de los años 80.

Una particularidad de esta película es que casi no tiene diálogo, pero se entiende todo. Es entretenida para los niños, pero a los adultos seguro les va a llegar al corazón, porque pueden lograr comprender mucho más la profundidad de esta historia.

Dog o Perro, vive solo en una ciudad donde ve que todos andan acompañados. Siente tristeza por su soledad y, debido a esto, compra un robot, el que empieza a ser su compañero. Ambos disfrutan la vida juntos, hasta que, tras ir un día a la playa, Dog debe dejarlo; su desafío es volver a reencontrarlo. Y en forma paralela, vamos viviendo las vivencias de cada uno.

La ciudad de Nueva York se ve bellamente recreada en este filme. Además, vemos que en este lugar conviven animales de especies dispares juntos, y también algunos robots, en armonía, dando un mensaje de inclusión. Los personajes protagónicos son muy queribles, es imposible no empatizar con ellos.

Como está ambientada en los años 80, tiene algunos detalles de esa época, como por ejemplo el bolso que usa Dog, que tiene un dibujo de Naranjito, la mascota del Mundial del 82, también utilizan radio cassette y la canción principal es “September”, de Earth, wind & Fire.

Tiene mucho humor, pero también es emotiva, se pasa muy bien viéndola. Ideal para verla en familia.

Director: Pablo Berger.
Duración: 103 Minutos.
Distribuye: Cinetopia Chile.

lunes, 26 de febrero de 2024

The Chosen - Por Juan Pablo Donoso

Episodios de una teleserie extraordinaria. Quisiéramos conocer la totalidad de la obra.

Momentos de la vida de Jesús de Nazaret mostrados de una manera jamás vista en cine. Solo hubo aproximaciones previas en La Pasión según San Mateo, de Pasolini, y en La Vía Láctea, de Buñuel.

A diferencia de las famosas superproducciones épico/religiosas que datan desde los años del cine mudo, esta se atrevió a internarse - de la forma más realista posible - en lo que podría haber sido el día a día, durante la vida de Jesús.

A riesgo a ser irreverente para los puritanos, consigue lo que tantos hemos soñado durante años: ¿cómo era la vida cotidiana de aquellos judíos, oprimidos por el imperio romano, cuando surgió el hijo de María y José entre ellos?

Vemos a un rabino joven, afable, de tamaño y sabiduría imponentes, con humor y capaz de reír en confraternidad con los suyos. Diametralmente opuesto a la imagen beatífica de quien parece inalcanzable.

Es un judío como tantos que trae un mensaje, y enseñanzas, capaces de fascinar a los que sufren, y esperan mejores tiempos en la Tierra y en la Eternidad.

Cohabitamos con sus discípulos, hombres simples que lo siguen luego de la muerte de Juan el Bautista, y otros solo por admiración.

En forma paralela, y también retrospectiva, asistimos a reuniones del Sanhedrín, donde los sacerdotes ven con desconfianza la simpatía popular que despierta este humilde nazareno.

Asistimos al fastuoso banquete de Herodes, donde la danza de una ingenua muchachita Salomé acaba con la vida del Bautista.

Disquisiciones entre las autoridades, diálogos y discusiones obvias entre los apóstoles frente a lo que iba aconteciendo, poco a poco, en esa comunidad de hombres y mujeres pobres y sencillas.

Gracias a esta serie nosotros somos uno más entre todas aquellas personas. Conocemos a gente que nunca aparece en los evangelios pero que, sin duda, estuvieron ahí, fueron testigos, y aportaron, a su manera, al momento crucial en la historia de la Humanidad.

En Cesárea de Filipo, justo ante un altar pagano, el Maestro revela su Divinidad, unge a Simón como Pedro y funda su Iglesia.

Rivalidad, celos y resentimientos de los apóstoles entre sí. Arbitraje natural y respetuoso de Jesús, donde apelando al AMOR enseña la diferencia teológica entre la Disculpa (generosidad humana) y el Perdón (obsequio de origen divino). Momento austero, junto a una íntima fogata, en que se instaura el sacramento de la Confesión.

Bien escrita, honesta y bien interpretada. Personajes frescos y verosímiles. En medio de las minucias del quehacer cotidiano, del calor y el polvo de los caminos, se va concretando el texto de los Evangelios.

Cineastas cristianos, ASÍ se hacen estas películas. Con razón obtuvo inmenso financiamiento colectivo.

LA TEOLOGÍA CRISTIANA VA BROTANDO ESPONTÁNEA AL ENFRENTAR LOS MÁS SENCILLOS DILEMAS COTIDIANOS. RECOMENDABLE POR SU ALTO NIVEL DE AUTENTICIDAD.

Ficha técnica

Temporada 4 - Episodios N° 1 y 2
2023 Cristianismo EE.UU. - 2,20 hrs. 
Fotografía: Axis Konstantakopoulos 
Edición: John Quinn Música: Dan Haseltine, Matthew S. Nelson 
Diseño Prod.: James R. Cunningham 
Guion: Ryan Swanson, Dallas Jenkins Actores: Jonathan Roumie, Vanessa Benavente 
Director: Dallas Jenkins

El Continental: Del mundo de John Wick - Por Jackie O.

"Respeta las reglas, aunque sea ilegal"


Cuenta la historia de cómo Winston Scott llegó a su posición como propietario del hotel The Continental en Nueva York, en la década de 1970, y lo establece como un refugio seguro para asesinos donde no se pueden hacer negocios. Explora eventos del mundo real, incluido el "invierno del descontento", hecho ocurrido en Inglaterra, y el ascenso al poder económico de la mafia estadounidense.

De la saga John Wick se pueden hacer muchas precuelas, secuelas o spin off, por la cantidad de personajes que nos han presentado las cuatro películas. Y para ver esta miniserie, no es necesario haber visto las películas.

Cormac O´Çonnor es el propietario de un lujoso y particular hotel en EEUU, El Continental, aquel que conocimos en la fabulosa saga de John Wick. Pero ahora estamos en la década del 70, y es la historia de Winston, un joven Winston Scott, de cómo él y su hermano Frankie se ligan a este Hotel, pero principalmente con el despiadado Corman.

También vamos conociendo la historia de otros personajes como los hermanos Miles y Lou, unos afrodescendientes que se dedican a traficar armas y mantienen un dojo; KD una detective que está obsesionada con el Hotel Continental, pero principalmente con los hermanos Winston, y no se cansará de buscarlos. Charone, el joven y leal recepcionista del hotel, quien jugará un rol importante en la trama; unos gemelos despiadados sin remordimientos; una asiática que peleará a muerte por su amor; y así suman y siguen personajes y sus dramas. También tenemos conocimiento de "la alta mesa", un grupo de personajes temerarios que supervisan a Corman y al Hotel.

Todo el embrollo principal comienza cuando Frankie le roba a Corman la prensa donde se hacen las monedas, esas famosas monedas que abren muchas puertas, eso hace que Corman tome medidas fuertes que consisten en traer a la fuerza a su hermano Winston desde Inglaterra, y busque a su hermano. Así, las historias de varios personajes se van mezclando en una ciudad donde la violencia no para, el frío del lugar aporta a un clima hostil, casi gótico. Acá no tenemos a personajes buenos, todos son villanos o antihéroes, ya que la búsqueda de la venganza, el poder, el sentimiento de odio, los traumas infantiles, o los de post guerra, hacen que el corazón se endurezca, gánster despiadados, policías que se mueven más por venganza que por justicia, familias dañadas, mentiras, y muchas muertes violentísimas, nos hacen navegar por tres capítulos de hora y media cada uno, donde la adrenalina no para, los diálogos se van perdiendo en momentos ante tanta crueldad.

Los personajes son interesantes pero la historia pudo haber sido mejor, y aquí me detengo en sus fallas. Son muchos personajes con variadas historias que no se desarrollan bien, ya que se mezclan desordenadamente, hace que los tres capítulos se vean saturados, y que al final no los vayamos conociendo bien. Terminan siendo pinceladas de ellos, por lo que creo que faltó un capítulo más, o tal vez dos.

Las actuaciones son buenas de todos y no hay malas interpretaciones, solo hay personajes desaprovechados.

No sabemos sobre la historia del hotel, que me habría encantado saber. Ojalá se tome ese tema más adelante y que esta miniserie sirva para mejorar sus fallas de guion al querer mezclar mucho en poco tiempo.

Mel Gibson está espectacular como el psicópata Corman, dueño del Hotel, y Colin Woodell, tiene toda la elegancia e inteligencia que vimos de Ian McShane.

Las coreografías son muy buenas, no hay minuto de descanso ante tanta violencia. Y la banda sonora, ¡uf! espectacular, con los mejores éxitos de los 70 que quedan muy bien en todo momento.

Maquillaje, peinado y vestuario muy bueno, así como la puesta en escena.

Disponible en Amazon Prime.

Ficha técnica

The Continental: From the World of John Wick
Serie de televisión
Basado en John Wick, de Derek Kolstad
Escrito por Greg Coolidge, Kirk Ward, Shawn Simmons y Ken Kristensen
Dirigido por Albert Hughes y Charlotte Brändström
Protagonistas: Mel Gibson, Colin Woodell, Mishel Prada, Ben Robson, Hubert Point-Du Jour, Nhung Kate, Jessica Allain, Ayomide Adegun, Jeremy Bobb, Peter Greene
País: EEUU
Año: 2023

sábado, 24 de febrero de 2024

Secretos de un escándalo - Por Carlos Correa Acuña

“May December”, su título original, está inspirada en el caso de Mary Kay Letourneau y narra la historia de Elizabeth Berry -Natalie Portman-, actriz que se prepara para hacer el rol de una controvertida mujer de Georgia que fue sentenciada por tener relaciones sexuales con un niño de 13 años llamado Joe. Han pasado veinte años desde esos hechos, y Gracie Atherton-Yoo -Julianne Moore-, intenta dejar atrás el pasado, sin embargo cuando Elizabeth la visita para estudiar su vida como preparación para interpretarla en una película, descubre que Gracie y Joe -Charles Melton-, ahora de 36 años, están casados y tienen varios hijos, provocando que la ya compleja dinámica familiar entre en crisis al reabrir una historia que parecía superada.

Hay varios distractores en esta película dirigida por Todd Haynes. El primero es la música, por momentos en volumen elevado, usada como una especie de pedal entre algunas escenas, adoptando una significación especial en cada una de ellas. También está presente un toque de intriga, pero no la del suspenso clásico, sino una subterráneo, en dosis bajas y constantes, que se palpa cuando Elizabeth escarba sobre el pasado en medio de una rutina que denota armonía y felicidad. Una serie de entrevistas van develando los hechos, al ex marido de Gracie, a su hijo Georgie, y también al abogado defensor. Más distractores, pero esta vez mucho más cercanos al centro pues configuran lentamente a Gracie, una personalidad que no se revela al instante por tener múltiples contornos difíciles de describir.

Quizá la clave de esta cinta podría ser esa incomodidad oculta y a la vez evidente en sus protagonistas. Una cosa es prepararse para una representación y otra comenzar a vivirla por sí misma. Algo de esto le pasa a Elizabeth, ya que al juzgar los hechos, ella agrega una opinión subjetiva que no le permite ser observadora imparcial de la situación. Se compromete. También percibimos comportamientos erráticos en Joe al enviar, a escondidas, mensajes de texto que lo muestran desconectado de su esposa. Gracie, por su parte, vive en otro mundo, uno de ensueño que cubre totalmente cualquier vestigio de lo acontecido pero que tiene grandes grietas cuyas fisuras están a flor de piel. No sabemos si lo que le sucede a la pareja es por la interferencia que produce la intromisión de esta actriz en sus vidas, o situaciones que se dan producto de los años, o bien son resultado de la revisión de un pasado que se intenta olvidar a toda costa.

Por momentos es difícil saber hacia dónde nos quiere conducir el guion de Samy Burch, aunque provee configuraciones muy marcadas al presentar un trío que se descompone en tres dúos que caminan juntos y en ocasiones distantes, que se unen o se separan dependiendo la ocasión, y que se condensan en un relato que trata de ser mucho más atmosférico que concreto en su conflicto y posterior resolución.

“Secretos de un escándalo”, con actuaciones sólidas de sus tres protagonistas, es una película en la que ronda el tema de la insatisfacción personal y la búsqueda de respuestas que no alcanzan a llegar. Al no haber resultados, indudablemente hay decepción en personalidades dañadas que, en varios momentos, confunden quién es quién, en una travesía de arrepentimiento y redención que lamentablemente se queda a medio camino.

Ficha técnica

Título original: May December
Año: 2023
Duración: 113 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Gloria Sanchez Productions, Killer Films, MountainA, Project Infinity, Taylor & Dodge. Distribuidora: Netflix
Género: Drama. Romance | Cine dentro del cine
Guion: Samy Burch. Historia: Alex Mechanik
Música: Marcelo Zarvos
Fotografía: Christopher Blauvelt
Reparto: Natalie Portman, Chris Tenzis, Charles Melton, Julianne Moore
Dirección: Todd Haynes

viernes, 23 de febrero de 2024

El Bufón - Por Carlos Correa Acuña

La secuencia inicial, la apertura, se ve promisoria. Un dejo de misterio y miedo se percibe cuando un hombre es acechado en la oscuridad de una noche vacía. El recorrido lo lleva hacia un puente. Hay una historia, una foto de una niña pequeña junto a él. Pena, tristeza… Una llamada telefónica… Y…

Sabemos de antemano que la trama de esta cinta trata sobre una entidad maligna. Es un bufón, una especie de Joker que viste de naranjo, usa una máscara, y se deja ver aleatoriamente. Pero es exactamente allí donde surgen las primeras inconsistencias. ¿Por qué lo hace? ¿Cuál es la razón de ser de su presencia? ¿Se trata de una suerte de cartas del destino o lo hace solo por gusto?

A continuación, el tema de las hermanas es otra historia, y allí nos vamos perdiendo un poco más, porque a ambas se les cruza este enigmático personaje en situaciones bastante diferentes. ¿Es una broma o pura maldad? Aparece y se va, porque además debemos tomar en consideración que los eventos suceden durante la noche de Halloween, lo que entrega un matiz especial a los sucesos, aunque nos olvidemos bastante rápido en el camino que es ese el contexto de los acontecimientos.

Quisiera volver a las inconsistencias de un guion que se siente bastante plano y sin mucha unidad, algo así como una suma de partes -o escenas-, que no llevan a ningún lado. ¿Cuál es la línea de esta película? En definitiva, ¿cuál es la trama o lo medular de su desarrollo? Porque este trabajo escrito y dirigido por Colin Krawchuk se ensucia y carece de sentido al no tener un cimiento más sólido que justifique las apariciones de este bufón maldito.

La respuesta argumental que entrega el metraje se centra en las pérdidas, en la relación padre-hijas, en el abandono, en las oportunidades perdidas, en los sentimientos dejados en el camino y lo difícil que resulta recomponer los vínculos dañados debido a las decisiones tomadas. ¿Es eso suficiente? La temática no es menor, sin embargo al perder el rumbo no sabemos hacia dónde va, y cuando se mezcla la venganza de por medio, todo resulta un poquito -bastante- rebuscado.

Lo mejor de “The Jester” es que dura solo 90 minutos, aunque aún así esta hora y media se sienta larguísima. El buen nivel de filmación y de producción no oculta las falencias de su contenido, y eso es lo que finalmente incómoda más, porque no hay nada más tedioso que presenciar un relato inconexo, injustificado y que, ademas, se ve falso de comienzo a fin.

Ficha técnica

Título original: The Jester
Año: 2023
Duración: 90 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Epic Pictures. Distribuidora: Cine Video y TV, Dazzler Media, Eagle Entertainment, Energía Entusiasta
Género: Terror | Slasher. Halloween
Guion: Colin Krawchuk. Historia: Michael Scheffield
Música: Rafal Gosciminski
Fotografía: Joe Davidson
Reparto: Matt Servitto, Lelia Symington, Jesse L. Green, Ken Arnold, Dan DeLuca
Dirección: Colin Krawchuk

jueves, 22 de febrero de 2024

Secretos de un escándalo - Por Juan Pablo Donoso

Glamoroso intento de dramatizar una situación que ya perdió su dramatismo.

Elizabeth Berry (Natalie Portman), famosa actriz de cine, decide protagonizar una película sobre el escándalo mediático de Grace Atherton (Julianne Moore) ocurrido 20 años antes en Estados Unidos.

Fue el caso verídico de una mujer adulta, casada y madre de familia, que tuvo un romance con un pre-adolescente de origen coreano, quedando embarazada de él. La justicia la condenó y debió pagar con años de cárcel.

Pero con el paso del tiempo, y una vez libre, Grace se casó con el ahora adulto Joe Yoo, criaron al hijo de ambos, y adoptaron a otras niñas que avanzan en la vida. Formaron un hogar armonioso y cordial. Triunfó el amor y la madurez.

El temblor lo creó Elizabeth al inmiscuirse en aquella familia para conocer a los miembros verdaderos. Con ello esperaba captar, y encarnar, los sentimientos de Grace con la mayor fidelidad posible.

Ambas mujeres lograron mutua empatía. La actriz pudo conocer de cerca tanto a los miembros de la familia actual, como a los de la que Grace abandonó. Sin embargo, con el correr de los días, lo que más consiguió fue remecer aquellas tristes cenizas de antaño. Y con ello, desestabilizar, un poco, el equilibrio que esas personas habían conquistado.

En síntesis, es la historia del fracaso de una actriz. Quiso hallar motivación dramática entre personas ya redimidas. Gente normal concentrada en sus problemas actuales.

Como si recorriendo las calles romanas de hoy pudiéramos volver a la Roma Imperial y hallar vestigios del incendio de Nerón; al Jerusalén de Jesús, o al Egipto de Ramsés.

Julianne Moore tiene más posibilidades de desplegar su talento que Portman. Esta, aunque intenta mayor lucimiento, sólo consigue ser testigo y receptora de infidencias ya resueltas. “Una naranja casi sin jugo”. Crisálida que ya es mariposa.

Hay un torpe intento de identificarse visceralmente con Grace. Pero ni siquiera una escena de sexo consigue ese efecto. Elizabeth: “Esto (el sexo) es lo que hacemos los adultos (¡!)”. Pero ni así revive en carne propia la experiencia de la esposa.

Por suerte al final comprende que solo podría lograrlo con una nueva creación, partiendo de sí misma (secuencia con la serpiente), y apelando a sus propias emociones.

Actrices talentosas y experimentadas, actores nuevos promisorios, director Tobb Haynes sabe crear inefables atmósferas femeninas (Carol - 2025) y el fotógrafo Christopher Blauvelt mantiene el misterio priorizando las imágenes a contraluz. Sin embargo, tal vez quedó demasiado “sutil” como para rebrotar el alma de un “escándalo” que ya pasó.

FALLIDO INTENTO DE REVIVIR UNA FEDRA YA SUPERADA.

Ficha técnica

Título Original: May December
2023 Drama, familia, amor EE.UU. - 1,57 hrs. 
Fotografía: Christopher Blauvelt 
Edición: Alfonso Goncalves 
Música: Marcelo Zarvos 
Diseño Prod.: Sam Lisenco Guion: Samy Burch, Alex Mechanik 
Actores: Julianne Moore, Natalie Portman, Charles Melton
Director: Todd Haynes

Secretos de un escándalo - Por Elizabeth Salazar T.

"Replantearse la vida"


Basada en una historia real, esta película nos muestra veinte años después del escandaloso y sensacionalista romance entre Gracie Atherton-Yoo (Julianne Moore) y Joe (Charles Melton), la estabilidad emocional de la compleja pareja se verá bajo presión cuando la famosa actriz Elizabeth Berry (Natalie Portman), se incorpore a la familia para estudiarlos como parte de su preparación para su próxima película inspirada en los oscuros inicios de la relación entre Gracie y Joe.

La pareja Gracie y Joe, parecen haber encontrado la calma y estabilidad, tras el escandaloso inicio de su romance, debido a la gran diferencia de edad y las condiciones. Joe era menor de edad cuando comenzó la relación y Gracia estaba casada. Tienen hijos adolescentes y todo parece marchar bien, hasta que aparece Elizabeth, quien se acercará a la pareja con intenciones más allá de las profesionales.

El personaje que revoluciona todo en esta trama es el de Portman, ella es el eje de este drama, se acercará con astucia e irá generando conflicto. Y también, un replanteamiento en Joe, qué habría pasado si no se hubiese emparejado con Gracie… Es una película atrapante, que nos va haciendo sentir intrigados, en saber en qué detonará la relación de este trío. El ritmo de la narración es lento, pero se justifica, porque de a poco nos va entregando información, para entender los hechos, siente como un filme incómodo y oscuro.

Julianne Moore realiza una excelente interpretación de Gracie, resulta muy creíble; Charles Melton es toda una revelación con su rol, y logra estar al nivel de los dos grandes protagonistas. Y Natalie Portman, se luce. Realmente, hace una tremenda interpretación, hay una escena notable, donde realiza los gestos y la entonación de Gracie.

Una película que habla sobre los prejuicios, la inmadurez, el amor y la manipulación.
Director: Todd Haynes

Duración: 117 Minutos
Distribuye: Diamond Films

miércoles, 21 de febrero de 2024

Zorro - Por Alejandro Carlo

Sinopsis; Diego de la Vega (Miguel Bernardeau) vuelve a su tierra natal California después de estudiar en una escuela militar en España, para convertirse en Zorro, aunque condicionado por las circunstancias: descubrir al asesino de su padre. Un propósito vital que no le hará detenerse ante nada ni nadie para descubrir su identidad.


Basada en la historia del escritor Johnston McCulley del año 1919, que ha tenido múltiples versiones desde la historieta al cómic y varios filmes, esta renovada versión busca nuevos públicos del mundo más novel, como también a aquellos que ya conocen esta historia de aventuras.

Este clásico enmascarado tiene un buen reparto de actores jóvenes, como la mexicana Renata Notni, que interpreta a Lolita Márquez, una mujer de carácter, Nah-Lin (Dalia Xiohcoatl), quien será por momentos uno más de sus antagonistas… También, el reparto recurre a la experiencia con actores ya consagrados como Paco Tous (Bernardo, llamado aquí Mudo), entre otros.

Con un Zorro más político, en un ambiente de constante cambio, y cómo su rol afecta aquel lugar, además con pocas leyes que regulen la mixtura racial de California, hacen que su preocupación sea sobre los problemas que afectan a la comunidad, como el abuso de poder o la corrupción. De manera personal, lo que creía conocer de su padre parece no ser, lo cual debe esclarecer...

Esta historia de ficción ambientada en el siglo XIX, con una muy buena ambientación escenográfica y estética bastante fiel a la época en California, fue filmada en Canarias y en el parque temático Sioux City Park, lo cual fue un acierto en su producción.

Así, el relato avanza en su primera temporada de 10 episodios.

Tiene una musicalización del mexicano Carín León con la canción “No te detengas”, tema que acompaña los episodios de esta temporada.

Es una buena y nueva versión de este héroe enmascarado que vale la pena ver. Puede que nos deje “una marca", y nos anima a seguir una segunda temporada que ya se promociona.

Disponible en Amazon Prime.

Ficha técnica

Título original: Zorro
Año: 2024
Duración: 50 min. 10 episodios. Serie.
País: España
Dirección: Carlos Portela (Creador), Javier Quintas, Jorge Saavedra, José Luis Alegría
Guion: Carlos Portela.
Reparto: Miguel Bernardeau, Renata Notni, Andrés Almeida, Emiliano Zurita, Dalia Xiuhcoatl, Chacha Huang, Fele Martínez, Luis Tosar, Rodolfo Sancho, Paco Tous, Cristo Fernández, Cuauhtli Jiménez, Cecilia Suárez.
Música: Iván M. Lacámara, Álvaro Peire.
Fotografía: Johnny Yebra.
Compañías: C&T Mobs, NoStatusQuo Studios, Secuoya Studios. Distribuidora: Amazon Prime Video.
Género: Serie de TV. Aventuras. Acción. Drama | Siglo XIX. Capa y espada.

martes, 20 de febrero de 2024

Días Perfectos - Por Juan Pablo Donoso

Para quienes conozcan la filosofía Zen esta será una bellísima película.

Un hombre solitario asume vivir Zen en el Tokio contemporáneo. Lo acompañamos en su monótona rutina diaria de aseador de baños públicos. Pero, gradualmente, descubrimos el motivo de su Felicidad: su relación con la naturaleza - incluso en la ciudad de concreto y autopistas - sus libros, su música, su apego a las tradiciones, la presencia de sus pocas amistades, y el imán que produce en el alma de algunos jóvenes o adultos desolados.

Hay que tener el talento y la maestría de Wim Wenders para narrar de manera tan fascinante una historia donde, en apariencia, casi nada ocurre. Filmada en sólo 17 días con un guion minimalista escrito en tres semanas.

Reiterada metáfora de las SOMBRAS. Ellas separan los días y encarnan sus sueños nocturnos. Revelan su capacidad para sobreponerse unas sobre otras, sin perder jamás su identidad.

Hirayam (Koji Yakusho), hombre de poquísimas palabras, que tal vez tuvo un próspero pasado, y ahora disfruta del PRESENTE. Saluda la luz del alba, ayuda a un niño que llora, intercambia miradas amables con mujeres solitarias en las plazas, fotografía el ramaje de los árboles, celebra la danza loca de un vagabundo, y conserva vivo el amor por sus familiares ahora lejanos.

Para comprender mejor esta convivencia en que Wenders nos sumerge, recordemos el decálogo milenario del Zen: 1) Haz una sola cosa a la vez, 2) Hazla despacio, 3) Haz menos, pero bien, 4) Deja espacios entre cada actividad, 5) Ejerce algún ritual relajante, 6) Otorga tiempo a ciertas diversiones, 7) Dedica tiempo a no hacer nada, 8) Sonríe y ayuda a otros.

Y estos principios los vemos encarnados con respetuosa impudicia en las acciones, miradas, sonrisas y leves gestos faciales del actor Koji Yakusho, premio de Cannes al Mejor Actor 2023. Sobre él reposa casi todo esta insondable actitud frente a la vida, al dolor y la compasión.

Cuando su sobrina le propone alterar la rutina, él refuta diciendo: “La próxima vez será la Próxima: ahora es Ahora”.

Valiente experiencia de vivir la vida tal y como acontece en el momento presente, con sus dichas, penas y misterios.

Sin duda, hay en la filmografía de Wim Wenders un reiterado anhelo por captar la trascendencia del alma humana por medio de las paradojales vivencias cotidianas. (París, Texas (1985) - Tan Lejos, Tan Cerca (1993), La Sal de la Tierra (SIGNIS, noviembre 2015).

En un filme que exuda madurez y sabiduría en cada fotograma, su protagonista, además, nos propone sin palabras: “En un mundo de momentos efímeros, recoge sólo la belleza que perdura”.

PARA DISFRUTARLA SIN APURO, CON LA MENTE Y EL CORAZÓN ABIERTOS.

Ficha técnica  

Perfect Days - 2023 
Testimonio de vida Japón - Alemania - 2,03 hrs. 
Fotografía: Franz Lustig 
Edición: Toni Froschhammer 
Diseño Prod.: Towako Kuwajima 
Guion: Wim Wenders, Takuma Takasaki 
Actores: Koji Yakusho, Arisa Nakano, Sayuri Ishikawa 
Director: Wim Wenders

Premios y Nominaciones

96 Edición de los Oscar (2024) - Mejor película internacional
49 Premios César (Francia) (2024) - Mejor film extranjero
76 Festival de Cannes 2023 - Palma de Oro: Mejor película
Ganadora - Mejor actor (Kôji Yakusho)
29 Critics Choice Awards - Mejor película de habla no inglesa
Asociación de Críticos de Boston 2023 - Mejor actor (Kôji Yakusho)
47º Premios de la Academia Japonesa (Películas del 2023) - Mejor película Mejor dirección (Wim Wenders) Mejor actor (Kôji Yakusho)

domingo, 18 de febrero de 2024

Bob Marley: La leyenda: one love - Por Elizabeth Salazar T.

Ya está en cartelera la biopic del famoso cantante de reggae, que llegó a ser un ícono que inspiró a generaciones a través de su mensaje de amor y unidad. La historia de superación de la adversidad de Bob Marley (Kingsley Ben-Adir), junto a su mujer Rita (Lashana Lynch) y el viaje detrás de su música revolucionaria. Este filme fue producido en colaboración con la familia Marley.

Este filme nos adentra en la desconocida historia personal de Bob Marley, su historia familiar, y las dificultades que encontró en su ascenso a la fama, así también, nos muestra el complicado ambiente que se vivía en Jaimaica, donde incluso llegó a peligrar su vida y la de su familia.

Es interesante ver la inspiración de algunos de sus famosas canciones, su creación inagotable y su difícil relación con la fama. Kingsley Ben- Adir realiza una buena interpretación de Marley, capta muy bien sus movimientos, baile-estilo y esa mística que tenía, viviendo bajo los principios rastafari. Una persona fundamental en su vida fue Rita, su esposa, que además era su corista, cuyo rol realiza Lashana Lynch, quien hace una muy buena actuación, en especial las escenas dramáticas, son muy creíbles. Además, quiero destacar su vestuario, con colores vivos, realmente hermoso.

Una biopic entretenida, tiene algunos de los grandes éxitos de Marley como “No woman no cry”, “One love” y “Exodus”, así que es inevitable tararear sus canciones o mover los pies bajo la butaca. Para quienes gustan de su música es un imperdible, para conocer más acerca de sus conflictos personales y profesionales. Dura una hora y media, se pasa muy rápido.

Director: Reynaldo Marcus Green
Duración: 103 Minutos

viernes, 16 de febrero de 2024

Bob Marley: la leyenda - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Biopic basado en la vida del famoso cantante de reggae Bob Marley, cuya historia de superación y su música revolucionaria inspiraron a varias generaciones, promulgando un mensaje de amor y unidad. La historia se centra en la grabación de su célebre disco “Exodus”, teniendo que superar diferentes adversidades profesionales y personales para poder lanzar al mundo su poderosa música que sigue conectando con el público más de cuarenta años después de su muerte en 1981.


Esta película sobre el icónico Bob Marley, responde a una reconstrucción particular de su director Reinaldo Marcus Green. Basada en una historia escrita por Terence Winter y Frank E. Flowers, la cinta muestra solo tres años en la vida del cantante, entre 1976 y 1978, cuando, luego de un atentado que casi les cuesta la vida, la familia Marley abandona velozmente su natal Jamaica.

Kingsley Ben-Adir es quien interpreta al famoso cantante de reggae, y lo hace a gran altura, con muchísima prestancia. Si bien Marley es inigualable e inimitable, Ben-Adir da en el justo tono al realizar una interpretación muy natural. Le acompaña en escena Lashana Lynch, como la esposa de Bob, una mujer fuerte y decidida, pilar fundamental en los momentos de gloria, pero principalmente su roca en los más oscuros y dramáticos.

La película regresa, por breves momentos, a la infancia de Marley y también a los inicios de su relación con Rita. Son flashes, en los que también vemos la influencia de su madre y el temprano abandono de un poco cariñoso padre. Parece que la adversidad fuera una gran muralla que en forma permanente tiene a raya a la estrella, o al menos algo que le recuerda que el mundo tiene límites físicos que en varias ocasiones resultan infranqueables. Tal vez por eso, la música se convierte en su vía de escape, una válvula que, una vez abierta, le permitirá desarrollar una creatividad cuyo único límite parece haber sido su temprana muerte producto de un agresivo cáncer.

“Bob Marley: la leyenda” dista ser una biografía completa del autor de ”One Love”, sin embargo cumple con el propósito de revivir a un cantante cuyo paso ha dejado huellas imborrables y significativas. Es como si su banda sonora nos acompañara en forma permanente, pues las canciones de la cinta logran revivir buena parte de nuestra propia historia. Esto no es un mérito menor, porque con ello, al menos equilibra, de un modo u otro, un relato que por momentos se siente descafeinado, y que se mantiene a flote solo gracias al carisma de Kingsley Ben-Adir, y a la poderosa y emblemática música del artista.

Ficha técnica


Título original: Bob Marley: One Love
Año: 2024
Duración: 104 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Paramount Pictures, Tuff Gong Pictures, Plan B Entertainment. Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Drama | Biográfico. Música
Guion: Terence Winter, Reinaldo Marcus Green, Frank E. Flowers, Zach Baylin. Biografía sobre: Bob Marley. Historia: Terence Winter, Frank E. Flowers
Música: Kris Bowers
Fotografía: Robert Elswit
Reparto: Kingsley Ben-Adir, Lashana Lynch, James Norton
Dirección: Reinaldo Marcus Green

Three Pines - Por Jackie O.

"Un pueblo que no duerme"


Basada en la serie de novelas de Louise Penny, centrada en el inspector jefe Armand Gamache, y su aguda forma de resolver casos.

Todo transcurre en Canadá, en la localidad de Quebec, principalmente en el aparentemente apacible pueblito de "Three Pine", donde el Inspector Gamache y sus dos detectives de confianza deben aparecer en escena ante el primer crimen, el asesinato de una millonaria odiada por casi todo el pueblo, y su familia.

Pero, existe un delito no resuelto en el pueblo desde hace un tiempo y que Gamache esta interesado en aclarar, y que promete hacerlo, y se trata de la desaparición de jóvenes nativos, y las autoridades solo se limitan a señalar que se fueron del lugar, pero las familias, en especial la familia de la joven Blue, no cree en su huida. Ahí, el inspector se centra en toda la serie, pero sin descuidar los casos que van apareciendo.

Lo interesante de esta miniserie es que cada caso es contado en dos capítulos, por lo que ahí puedes pausar y continuar en otro momento. Mentira, quedas tan intrigado en saber que otro delito volverá a suceder que sigues viéndola.

Por lo que tenemos cuatro casos que los detectives deberán resolver, más la desaparición de los nativos, que también veremos si se resuelve o no, en el último capítulo.

Los casos son muy interesantes pues vamos conociendo a los residentes del sector y sus múltiples secretos. También sabremos de la vida de estos tres detectives, los cuales tienen sus propios dilemas personales.

La escritora Louise Penny ha escrito diversas novelas, pero 18 son en base al inspector jefe Armand Gamache, y ha sido premiada por ello.

La serie está bien actuada por los tres personajes principales que son los policías, en cuanto a los secundarios algunos están muy bien y otros baja un poco la calidad. La puesta en escena es buena, el guión está bien logrado como también la dirección.

Las historias son intrigantes y vas empatizando con cada personaje.

Se tratan diferentes temas como la dedicación al trabajo, la xenofobia, la unión familiar, así como la destrucción del mismo, la ambición, y la corrupción, entre otros.

Lamentablemente, por problemas internos de producción, no llegaron a acuerdo y se quedó solo como miniserie, teniendo una muy buena crítica como para darle una segunda temporada, y más.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Género: Misterio, Detective, Crimen, drama
Creada por Emilia di Girolamo
Basada en “Inspector Gamache” de Louise Penny
País de origen: Canadá y Reino Unido
Idiomas originales: Francés e Inglés
Episodios, 8 de 50 minutos cada uno.
Protagonistas:
Alfred Molina como el inspector jefe Armand Gamache
Rossif Sutherland como Jean-Guy Beauvoir
Elle-Máijá Tailfeathers como Isabelle Lacoste.
Tantoo Cardinal, Clare Coulter, Sarah Booth, Anna Tierney

jueves, 15 de febrero de 2024

La Zona de Interés - Por Carlos Correa Acuña

Escrita y dirigida por Jonathan Glazer, “The Zone of Interest” se basa libremente en la novela homónima de Martin Amis. La película presenta al comandante de Auschwitz Rudolf Höss -Christian Friedel-, y a su esposa Hedwig -Sandra Hüller-, quienes logran construir una vida familiar soñada en una casa con un gran jardín, al tiempo que los horrores del campo de concentración persisten a pocos metros, en el fondo, prácticamente al lado.

Desde el título inicial, en los créditos, el que lentamente se difumina para dar paso a una pantalla negra de tono rojizo, esta película ganadora en el Festival de Cannes el Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI, es una obra de marcados contrastes y opuestos relieves. Casi como si se tratara de antagonistas, la belleza se enfrenta a la crudeza, la luz a la sombra, el día a la noche, los hombres a las mujeres, la libertad a la prisión, y la vida a la muerte.

Jonathan Glazer apela a muchas cámaras fijas que encuadran una acción en la que entran y salen personajes. Este recurso entrega perspectiva, lo que sumado a una banda sonora concreta y a un diseño de sonido preciso, produce sensaciones que provocan emoción. Los símbolos usados es la otra parte del abanico dramático que observamos en esta cinta. El apagar o prender luces, los llamados telefónicos, las cartas, esos ruidos a lo lejos o bien más cerca, disparos, gritos, el sonido de trenes, son todos elementos que configuran un entorno que cada vez se hace más tenso y, por lo mismo, conmovedor.

La normalidad de la vida familiar en la casa es, tal vez, solo una apariencia. No conocemos los detalles, sin embargo percibimos notorias incomodidades en la servidumbre, y sobre todo en la madre de Hedwig, quien llega a pasar un tiempo con la familia. Es cierto que la inocencia representada por los niños los deja un poco al margen de lo que sucede, pero, ¿es posible tapar el sol con un dedo? El festejo de cumpleaños de Höss, y los paseos familiares a las verdes riveras y densas arboledas circundantes, no son suficientes para ocultar los horrores que suceden solo a metros. Algo pasa, algo no está bien, algo no cuadra, más de algo no se logra entender.

“La Zona de Interés” es una película que resulta brutal sin que muestre nada explícito, ningún asesinato, ninguna masacre, ningún gaseo o cremación. Solo existen detalles, algunos sutiles y otros evidentes, sobre lo que sucede al interior de Auschwitz, como la planeación y diseño del nuevo sistema de hornos, o esa nueva tecnología que procura la permanente búsqueda de eficiencia en determinados procesos. Por lo mismo, no nos extraña el ascenso de Rudolf Höss a supervisor general, aunque genere un problema familiar que hace que Hedwig se rebele y no lo quiera acompañar para no dejar atrás su idílica vida.

Abordar uno de los episodios más oscuros -si no el más inmisericorde- de la Segunda Guerra Mundial desde la perspectiva de los captores, requiere una buena dosis de audacia y mucho oficio. Glazer lo consigue de manera brillante, elaborando un drama que se incuba lentamente y que alcanza una madurez descriptiva sólida y consistente, insisto, sin ofrecer ninguna imagen explícita de las acciones. Detalles como la consulta de rutina del médico del comandante, cuando le pregunta si duerme bien, y Höss le responde afirmativamente, nos llevan a reflexionar sobre lo que realmente pasaba en la mente de quienes llevaron a cabo los mayores horrores de la guerra. ¿Alguien, ¡de verdad!, puede dormir bien, con cientos de miles de muertes a su haber?

Las chimeneas humeantes, y el uso de imágenes en negativo -otra cruda muestra de contrastes-, se condice y complementa con la música que escuchamos hacia el final de la cinta, una partitura que pronuncia cinco notas ascendentes, a veces seis, en formato de pedal y a la vez como una especie de “marcha fúnebre”, un rito mortuorio que cala y golpea profundamente.

Para verla con detención y mucha entereza. ¡Imperdible!

Ficha técnica

Título original: The Zone of Interest
Año: 2023
Duración: 106 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos-Polonia; A24, Film4 Productions, JW Films, Extreme Emotions, Access Entertainment. Distribuidora: A24
Género: Drama | Holocausto. II Guerra Mundial. Nazismo
Guion: Jonathan Glazer. Novela: Martin Amis
Música: Mica Levi
Fotografía: Lukasz Zal
Reparto: Christian Friedel, Sandra Hüller, Ralph Herforth, Johann Karthaus, Luis Noah Witte, Nele Ahrensmeier
Dirección: Jonathan Glazer

Madame Web - Por Jackie O.

"Una real telaraña"

Historia: Madame Web (Cassandra Webb) es un personaje ficticio publicado por Marvel Comics por primera vez en The Amazing Spider-Man #210 (noviembre de 1980) y fue creada por el escritor Denny O'Neil y el artista John Romita Jr. Y esta es una anciana con miastenia gravis, conectada a un sistema de soporte vital parecido a una telaraña.


Película: Estamos en el año 2003 y conocemos a Cassie, una paramédico de 30 años, muy entregada a su trabajo, quien junto a su gran amigo y también paramédico (ojo aquí, el que sabe, sabe) se dedican por completo a su trabajo y son muy unidos.

Pero no todo comienza ahí, pues la cinta inicia en 1973 donde conocemos a la madre de Cassie y una leyenda peruana.

Siguiendo con la vida solitaria de Cassie, en un día de rutina laboral tiene un accidente el cual la conecta, o hace que despierten poderes que la hacen ver el futuro. Acto que la confunde, perturba, hasta que comienza de a poco a controlarlo. Esto hace que se vea enfrentada a proteger a tres adolescentes, que no tienen relación entre sí (salvo el abandono), de una amenaza llamada Ezekiel Sims, un multimillonario que mantiene un control en las comunicaciones impresionante.

Esto hace que se vean enfrentadas, las cuatro, a este sujeto, quien mantiene habilidades como ver también el futuro y una súper fuerza, por lo que vamos conociendo los motivos de por qué ataca a estas tres jóvenes, por lo que vemos varias persecuciones y muchos efectos visuales.

Estética: La cinta no es atrayente, carece de emoción, no tiene escenas memorables, diálogos que queden en la memoria, persecuciones nada atrayentes, un trío de adolescentes que se ven mayores y no tienen carisma que nos pueda atraer, y que nos atraiga en lo que veremos de ellas en el futuro (no pasan la prueba de superheroínas nuevas). El guion tiene buena base, pero tiene unos agujeros impresionantes que se nota que algo falta, algo no conecta, algo no se entiende, algo que no tiene pies ni cabeza. Un villano al que no se le da la oportunidad de mostrarse más y que nos sea atrayente. Tiene unos dobles de acción terribles, en el sentido que es muy notorio que no es él, ya que los dobles deben tener estatura y contextura similar, acá se notaba una diferencia abismal. Sí tenían buenas coreografías.

Un montaje desastroso, que se nota los agujeros de guion como señalé, pues no hay coherencia en los relatos.

La forma en que Cassie obtiene sus poderes, o se activan, no es atrayente, faltó mejor desarrollo por lo menos en eso.

¿Algo bueno? Sí, maquillaje y vestuario. Ángulos de cámaras buenos. La banda sonora de la época muy buena. Los efectos visuales, en su mayoría buenos.

Y Dakota Johnson, como protagonista es muy buena y hace lo mejor de sí para llevar la película, el problema es que sola no puede.

¿Por qué es tan difícil realizar roles de heroínas en solitario memorables?

Creo que los personajes Marvel (y DC, que son los más populares) descansen, y se dediquen con calma y en serio con los super héroes o villanos en el futuro.

Una buena historia, gran actriz principal perdida en algo que faltó pasión y un real conocimiento de cómics, de películas de super héroes y de acción. Un mal inicio de la directora, que tal vez deba seguir quedándose en programas de TV.

Esperemos que la segunda entrega, porque debería venir, sea mucho mejor, pero con otro equipo técnico, porque es un material interesante a explotar.

Si eres de quienes solo quieren pasar un rato sin pensar en nada, o un preadolescente que solo quiere divertirse, puede resultarte atractiva.

Lo que es a mí, ni siquiera me resultó divertida.

No hay escenas post créditos.

Ficha técnica

Director: S. J. Clarkson
Guion: Matt Sazama, Burk Sharpless, Claire Parker y S.J. Clarkson
116 minutos. 2024
Género: acción, ciencia ficción, superheroes.
Protagonistas: Dakota Johnson, Sydney Sweeney, Celeste O'Connor, Isabela Merced, Tahar Rahim, Mike Epps, Emma Roberts, Adam Scott
Cinematografía: Mauro Fiore
Edición: Leigh Folsom Boyd
Música: Johan Söderqvist

miércoles, 14 de febrero de 2024

Madame Web - Por Carlos Correa Acuña

Esta historia gira en torno a Cassandra Webb -Dakota Johnson-, una joven paramédica que trabaja en Manhattan y que luego de un accidente que la ha tenido al borde de la muerte, poco a poco toma conciencia de sus crecientes habilidades clarividentes. La trama avanza y Cassandra descubre también revelaciones sobre su pasado. En ese momento, y debido a múltiples amenazas, debe establecer lazos con tres mujeres jóvenes para salvarles la vida.

La acción se ubica en el año 2003, y la premisa es interesante, pero se desvanece pronto producto de un guion con poca consistencia y mínima fascinación. Los diálogos son cotidianos y aun así, resultan algo forzados, lo que quita fuerza al despliegue escénico, sensación que aumenta con el correr de los minutos por el mínimo desarrollo que presentan sus personajes.

Es interesante que el “poder” de esta heroína exista solo en su cabeza, sin embargo aquello no alcanza a ser cautivante. Asimismo, aunque intenta entrelazar con otros mundos y multiversos de Marvel, la historia se siente independiente, tal vez por la escasa profundidad del texto escrito por Matt Sazama y Burk Sharpless.

De lo que sí da cuenta esta película dirigida por S.J. Clarkson es de una buena producción audiovisual. Los movimientos de cámara y las escenas de acción resultan convincentes, aunque por momentos mareen un poco cuando los drones hacen movimientos contrarios en algunas de las tomas. Eso sí, este vértigo, muy bien logrado en varios momentos, no tiene un correlato en las secciones explicativas de la cinta, dejándolas a merced de una falta de vitalidad que puede hacer peligrar la atención de la audiencia.

Dakota Johnson expone todo su carisma para caracterizar a Cassandra. Su magnetismo inunda la pantalla, aunque no es suficiente para sostener todo el peso del rodaje. Por ejemplo, cuando ella sale de pantalla -una larga secuencia solo a cargo de las tres muchachas que corren peligro-, la diferencia se nota demasiado y resulta muy difícil mantenernos concentrados. Otro punto a considerar en el análisis son los personajes secundarios y las historias que de ellos se desprenden. Parecen verdaderamente un acompañamiento desaliñado, bastante desabrido, porque es muy poco el aporte que entregan. Si no estuvieran, no pasa nada, e incluso podría haber sido hasta una mejor decisión si aquello hubiese reducido la duración de la película.

“Madame Web” no logra sostenerse. Entretiene, sí, pero en parte, y también es una prueba palpable del riesgo que significa intentar el comienzo de una nueva saga de aventuras basadas en Cassandra. Veremos el resultado de la taquilla, aunque por lo que se puede observar, está difícil, porque en una época de superhéroes a la baja, Madame Web, no logra, ni de cerca, revertir la tendencia.

Ficha técnica

Título original: Madame Web
Año: 2024
Duración: 116 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Sony Pictures, Columbia Pictures, Marvel Entertainment. Distribuidora: Sony Pictures
Género: Fantástico. Acción. Ciencia ficción | Viajes en el tiempo. Superhéroes. Cómic. Marvel Comics
Guion: Matt Sazama, Burk Sharpless. Historia: Kerem Sanga
Reparto: Dakota Johnson, Sydney Sweeney, Celeste O'Connor, Isabela Merced y Tahar Rahim, Mike Epps, Emma Roberts y Adam Scott. E
Dirección: S.J. Clarkson

La Zona de Interés - Por Juan Pablo Donoso

Más que un conflicto, es el drama de un CONTRASTE.

Testimonio de cómo los seres humanos, según sus necesidades y valores, pueden concebir las peores monstruosidades como algo normal y cotidiano en sus vidas.

Conocido fenómeno de cómo, tras la meta de la EFICIENCIA (en especial la germana), las personas deforman su perspectiva de la MORAL.

¿Cómo juzgar a los que, intentando alcanzar los más nobles ideales - para sí y para su patria - se condenan a sí mismos y sumergen a multitudes inocentes en los más siniestros holocaustos?

Con gentileza nos sitúan en el apacible hogar de la familia del Comandante Rudolph Höss, autoridad máxima del campo de concentración de Auschwitz. Allí está su esposa Hedwig, sus hijos e hijas pequeños y adolescentes, servidos cómodamente por cocineras, mucamas y jardineros.

ouna muralla separa la mansión del campo de torturas. Desde el jardín, lleno de flores y cuidado con esmero por la esposa, se divisan las chimeneas de los hornos crematorios. De vez en cuando la placidez se interrumpe por el disparo de una carabina, o los gritos de algún prisionero pidiendo clemencia. Pero todo es allá, lejos, en el área de trabajo de Höss, padre, marido, y cariñoso dueño de casa en sus horas libres.

Hay solo 2 momentos de relativa inquietud: cuando la madre de Hedwig viene a visitar a su hija y nietos y, cuando Rudolph recibe la noticia de que será ascendido en el ejército, y deberán trasladarse a otra elegante vivienda lejos de allí.

Lo que para la suegra en un comienzo era un grato solaz de vacaciones, al escuchar balazos lejanos, ver el humo de las chimeneas en las noches desde su dormitorio, y sospechar que al otro lado del muro ocurría algo muy diferente, opta por, sin aviso previo, hacer su maleta y volver a la ciudad.

Y la otra alteración proviene de la esposa cuando se entera que deberá abandonar ese mundo idílico para reinstalarse, con toda la familia, en otro lugar. Estaba feliz aquí.

El principal mérito de este filme es mostrar a esa gente como seres normales. Nunca como monstruos. Tenemos la ingenua certeza de que jamás nos comportaríamos así. Que somos distintos. Pero basta conocer la historia de casi todos los pueblos para reconocer nuestra inconsciente complicidad.

El tecnicolor que usan para los exteriores imita al de esos años en Alemania: algunos tonos más luminosos y otros más diluidos.

Sólo en las últimas secuencias, cuando el oficial es solemnemente felicitado por las autoridades en Berlín, le surge un chispazo de autoconciencia sobre lo que ha estado haciendo con tanto pundonor. En el juicio de Núremberg confesó la totalidad de sus actos, sin justificarse de nada. Salvo de cumplir con su deber.

Al vomitar, descendiendo solitario por las amplias escalas de la sede oficial intuye que la EFICIENCIA, a veces, podría ser enemiga de la moral y del verdadero patriotismo.

¿SOMOS TAN HUMANOS COMO CREEMOS? MACABRO CONTRASTE DE CONCIENCIAS.

Ficha técnica

Título Original: Zone of Interest
2023 Drama, histórica, bélica EE.UU,. Inglaterra, Polonia - 1,45 hrs. 
Fotografía: Lukasz Zal 
Edición: Paul Watts Música: Mica Levi 
Diseño de Prod.: Chris Oddy 
Guion: Martin Amis, Jonathan Glazer 
Actores Sonia Hüller, Christian Friedel, Freya Kreutzkam 
Director: Jonathan Glazer

Premios y Nominaciones

2023: Premios Oscar: 5 nominaciones inc. mejor película y dirección
2023: Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado
2023: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película, dirección, actriz y bso
2023: Premios Globos de Oro: 3 nominaciones
2023: Premios BAFTA (Reino Unido): 9 nominaciones
2023: Premios del Cine Europeo (EFA): Mejor sonido. 6 nominaciones

Al otro lado del mundo - Por Jackie O.

"A veces, el viaje más largo es la distancia recorrida entre dos personas"


Esta es la tercera adaptación cinematográfica del libro de Maugham, después de una película de 1934, protagonizada por Greta Garbo y Herbert Marshall, y una versión de 1957 llamada El séptimo pecado con Bill Travers y Eleanor Parker.

Estamos ante una historia de decepción, pasión, perdón y amor.

El doctor Walter Fane se enamora de la joven e inquieta Kitty, quien viene de una acomodada familia, pero que ansía casarla luego. Estamos a comienzos de los años 20, donde las mujeres deben estar casadas muy jóvenes, y Kitty quiere vivir la vida sin ataduras, pero la mala relación en casa hace que acepte la propuesta de matrimonio del joven doctor, sin embargo, su inmadurez y deseos de experimentar hace que le sea infiel a su esposo. Este, al enterarse, la lleva a una aventura a Asia, lejos de su gente y de todas las comodidades conocidas, y la aventura pondrá a prueba este matrimonio.

Walter es un epidemiólogo que se ofrece de voluntario a ayudar en pueblos donde la pobreza es extrema, el cólera azota vorazmente, el agua escasea, y enseñar hábitos de higiene es un caos, sin dejar de lado las costumbres sagradas. Eso implica que los choques culturales se vean enfrentados.
Kitty está desesperada.

Un matrimonio que se pone a prueba, pues ya la confianza se perdió, el amor no se siente, y la pasión se ve perdida. Walter está sumido en el trabajo y su ego roto, su amor inicial a esta bella mujer no se ve. Kitty busca cómo pasar la soledad en este lugar lejos. Su vecino, el Sr. Waddington, se transforma en su distracción con gratas charlas o silencios, pero, por sobretodo, en su apoyo. Pero Kitty necesita más, y de acuerdo al transcurso de la trama, veremos la necesidad de sentirse útil y respetada, para lo cual encuentra aquello que la hace sentir útil y que llena ese espíritu inquieto en un internado, donde su conexión con la Madre Superiora, con sus diálogos, la hacen ser más sensible y realista a la vida, al amor al prójimo y al de su marido.

Una historia intensa en todos los aspectos, la he visto en innumerables de ocasiones y me atrapa como si fuera la primera vez cada vez que la visualizo. Las actuaciones de los principales son notables, los secundarios y secundarísimos realmente buenas;, como aquel soldado/guardaespaldas que vela por su deber, ese médico que se desvela y que apacigua los momentos duros con un trago hecho a pulso, una monja que abriga con un abrazo a un bebé, el amante desvergonzado, o la compañera fiel que no necesita hablar para llenar ese espacio de alivio. Cada personaje entrelaza su historia para entregarnos una trama cautivante, con un guión armonioso, lúdico y, a veces, desgarrador.
Los paisajes son hermosos, sea en una toma delicada de un atardecer como de muerte brutal ante la epidemia. El vestuario bello y acorde que no descuida los detalles propios de la época. La música atrapa, te hace suspirar.

Una historia de dos personas encerradas en un matrimonio sin vida, donde uno ama y el otro es indiferente, donde la autodestrucción los lleva a conocerse y, por qué no, a la redención.
Es un camino a la transformación, que puede sacarte alguna lágrima.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

The Painted Veil
Director: John Curran
Guion: Ron Nyswaner
Basado en: The Painted Veil, 1925 Novela: W. Somerset Maugham
Edición: Alexandre de Franceschi
Musica: Alexandre Desplat
125 minutos
2006
Idiomas: inglés, chino, francés
Protagonistas: Naomi Watts, Edward Norton, Liev Schreiber, Toby Jones, Diana Rigg, Lü Yan

martes, 13 de febrero de 2024

El Color Púrpura - Por Carlos Correa Acuña

Habitualmente, un nuevo musical me genera expectación y un buen puñado de dudas. ¿Será solo música, y si es así, qué sucederá con la historia, el drama, los personajes, su evolución y desarrollo? Y si, por el contrario, la música es escasa, ¿se tratará de un tema de marketing o solo un recurso para hacerlo más atractivo? Lo concreto es que me pasan cosas con el género, y siempre resulta ser toda una sorpresa, a veces más, y a veces menos grata. ¿Qué pasa en este caso, con la reversión de la icónica película de 1985?

Lo primero que tengo que decir es que el nivel de producción es fantástico. La apertura es digna de elogios, tanto por sus coreografías, como por su gracia y frescura. Un inicio prometedor y atractivo, a la altura del currículum de sus principales productores, Steven Spielberg y Quincy Jones, quienes, junto con Scott Sanders y Oprah Winfrey, productores del exitoso musical de Broadway, ofrecen una relectura de la novela clásica de Alice Walker en la que no dejan nada al azar.

Mi segunda apreciación es respecto de la historia y la forma de encarar su narrativa. Como conocemos la trama principal, es decir, la lucha de toda la vida de una mujer afroamericana que vive en el sur de Estados Unidos a principios del siglo XX, no es fácil renovarla, ni menos procurar una vuelta de tuerca significativa. Entonces, el éxito debiese estar dado por los detalles, por la forma de presentar cada elemento, por la capacidad de flotación de sus diferentes personajes, e indudablemente por el carisma de los actores que les interpreten.

Quien destaca de inmediato es Fantasia Barrino con el papel principal de Celie, en su debut cinematográfico luego de cosechar abundantes éxitos con el mismo papel en el musical escénico. A renglón seguido, Danielle Brooks, quien da vida a Sofia gracias a un desplante actoral a gran nivel, aparece como el complemento perfecto, y en la vereda totalmente contraria, dos mujeres tan distintas como el agua y el aceite, o como el día y la noche.

Bien sabemos que los matrimonios pactados son un calvario. Incluso es difícil llamarlos matrimonio, porque es lo más cercano a la esclavitud y a la servidumbre, situación que en el caso especial de Celie es literalmente pasar de la sartén que representaba su padre, a una vida en brasas a manos del abusivo y violento “mister”.

La cinta va tejiendo la historia en medio de cantos, bailes y muchos momentos con secuencias que dejan a un lado el sentido musical y se concentran directamente en la dramática situación de vida. Es algo intolerable, no solo para los tiempos actuales. El contexto de comienzos del Siglo XX y sus cánones opresores, es mostrado sin filtro ni contemplación por la firme pluma del director Sam Blitz Bazawule.

El punto clave se da con la llegada de Sofia a la familia. No solo desafía a Harpo -Corey Hawkins-, sino que, además, pone el dedo en la llaga a todo orden establecido. Se vislumbra un cambio de papeles, pero también da lugar a los celos y la envidia, por no ser como ella o no ser como él, por no obedecer, porque le hacen caso en todo.

La entrada en escena de Shug Avery -Taraji P. Henson-, esa cantante desinhibida y provista de una desfachatez proporcional a su físico, termina de poner el parelé a un cúmulo de brutalidades y humillaciones que ya no da para más.

Brillantes escenas, como aquella sobre el toca discos, adornan una historia trágica que, por donde se la mire, cuesta encontrarle alguna luz de esperanza. La rabia que produce es mayúscula, incluso al borde de justificar cualquier reacción que ponga fin al yugo y provoque la liberación de una opresión que no tiene razón de ser alguna. Pero acá parece que encontramos la clave de la novela y el relieve que entrega la nueva versión: el rescate del amor propio y la autoestima, junto con un camino de redención podría conducir al perdón y a la reconciliación. Difícil, muy difícil, pero no imposible, un ideal maravilloso que, en caso de poder concretarse, resultaría enormemente edificante.

“The Color Purple” va de más a menos en sus dos horas veinte minutos de duración. De más música a menos música, y también de mayor a menor tensión. Tal vez, el último quinto de la película es lo que resulta más flojito, dejando la sensación de varios finales posibles y una extensión que probablemente podría haber sido menor. Pero estos son detalles. Lo que vale es una historia que merece ser revisitada, y que gracias a su gran nivel cinematográfico, no solo resulta atractiva sino que aporta muchos elementos para analizar y reflexionar sobre la cultura moderna y las nuevas formas de esclavitud que vemos en nuestros días.

Ficha técnica

Título original: The Color Purple
Año: 2023
Duración: 140 minutos
País: Estados Unidos 
Compañías: Amblin Entertainment, Harpo Films, Scott Sanders Productions, Warner Bros.
Género: Musical. Drama | Racismo. Años 1900 (circa). Años 1910-1919. Años 20
Guion: Marcus Gardley, Marsha Norman. Novela: Alice Walker
Música: Stephen Bray, Siedah Garrett, Brenda Russell, Allee Willis
Fotografía: Dan Laustsen
Reparto: Taraji P. Henson, Danielle Brooks, Colman Domingo, Corey Hawkins, Gabriella Wilson "HER", Halle Bailey, Louis Gossett Jr., Phylicia Pearl Mpasi, Ciara, Jon Batiste, Aunjanue Ellis-Taylor, Fantasia Barrino
Dirección: Sam Blitz Bazawule

lunes, 12 de febrero de 2024

Análogos - Por Carlos Correa Acuña

Cinco capítulos conforman esta película, la séptima, del realizador chileno Jorge Olguin. “El cometa”, “el televisor”, “la internet”, “el regreso”, y “ya nos vemos”, son sus títulos, aunque funcionan solo como textos explicativos de un relato que se desarrolla en pocos meses.

Los hechos son públicos y conocidos. En Santiago de Chile, el paso de un cometa “verde” está provocando problemas en los sistemas de comunicación. Por eso falla la transmisión de la televisión aérea, la normal, la análoga, aquella que es captada por los aparatos más antiguos que no tienen los codificadores digitales que toman las nuevas señales. Y este es el punto de partida de la historia, porque Blanca -Mónica Carrasco-, no logra hacer funcionar su televisor, y José -Jorge Gajardo-, cuando despierta en la mañana, la encuentra de pié, sonámbula y bastante ida, sin recordar nada.

Blanca y José, son una pareja de ancianos que vive en solitario. Ella sufre una enfermedad degenerativa, y él tiene diabetes, por lo que se debe inyectar periódicamente. Los dos se acompañan, pero Blanca depende de José para todo lo cotidiano. Es él quien sale de la casa, hace las compras, va a buscar al hospital los remedios que necesitan, etc. Pero el tema del cometa altera la rutina de toda la ciudad, porque no se trata solo de un fenómeno astronómico, sino que, además, trae consigo virus letal que viene en forma de partículas arrastradas por su cola. Por eso hay cada vez más restricciones, se cierran los comercios, y la vida se desintegra.

El guionista y director se dedica a relevar lo dura que es la vejez y lo difícil que resulta para los ancianos la relación con el mundo digital actual. Desde los conceptos hasta lo concreto del manejo de un celular moderno, todo les resulta cuesta arriba, una realidad poco comprensible y mayormente agresiva que se ensaña con la cuarta edad. Si a eso le sumamos los problemas de salud y lo que aquello representa, la desprotección y vulnerabilidad alcanza niveles máximos.

Ya está dicho que José es quien interactúa con su entorno más cercano, por lo que sus breves contactos con Cindy -Cindy Díaz-, una joven peruana que atiende el almacén de la esquina, es un mínimo punto de conexión con una esquiva realidad, cada vez más difícil de comprender y asumir. Ella parece no tomarlo en cuenta las primeras veces, sin embargo en un momento dado cambia de actitud y se transforma en un apoyo, una referencia para esta pareja que trae una pérdida consigo, una hija que ya no está con ellos y cuyos recuerdos se encuentran en una pieza cerrada con candado, aunque esté cada vez más presente en la mente de Blanca.

Olguin avanza desde premisas sólidas pero muy diversas. La vejez, la soledad, el aislamiento, son tal vez los más importantes, pero también desarrolla el impacto social que provoca el paso del cometa con el virus desconocido -aunque bien sabemos que se trata del COVID19-, además de abordar el duelo, la diferencia generacional, la necesidad de acompañamiento, de ayuda, y de conmiseración ante situaciones particulares que necesitan algún tipo de empatía.

Las pesadillas de Blanca son recurrentes, pero nada distantes con la realidad que deben enfrentar, y que José ve con sus propios ojos. Hay confusión entre ficción y realidad, una línea delgada que el director cruza de uno y de otro lado para presentar pequeñas claves que guían el relato. Las interferencias se acrecientan. Ya casi no funciona la radio, y a pesar que Cindy se ha mudado a vivir con ellos, solo desea volver a su natal Lima en cuanto le sean concedidos los permisos. Será otro golpe duro, otra pérdida, un vacío cada vez más intenso y desolador, como las calles que el protagonista recorre en busca de remedios, en busca de ayuda.

“Análogos” es difícil de clasificar. Los nudos son dispersos y no hay uno con una centralidad que permita enfocar el análisis. Hay consistencia, sí, pero el mensaje se tiende a diluir cuando falla la credibilidad de las acciones. Cuando no tenemos diálogos es mucho más verosímil, cuando la acción solo se remite a las imágenes y a las secuencias de esta pareja cansada que ve con agobio cómo la vida les consume sus últimas energías.

El mérito innegable que tiene esta película de solo 80 minutos es la visibilidad que entrega a la vejez, y a aquellas dificultades que deben enfrentar los adultos mayores debido a situaciones cotidianas que para las generaciones más jóvenes son de lo más normal y sencillo. Una cierta crítica a la tecnología que deja a muchos de ellos totalmente excluidos está a la par con, tal vez, el mensaje más importante de la cinta, ese grito de alerta sobre el túnel sin salida en la vida de algunas personas que quedan sin opciones en un mundo cada vez más conectado virtualmente, pero a la vez, menos solidario y por lo tanto, menos humano.

Ficha técnica

Título original: Análogos
Año: 2023
Duración: 80 minutos
País: Chile
Compañías: Olguin Films, Vía X
Género: Drama | Vejez / Madurez
Guion: Jorge Olguin
Música: Jorge Olguin
Fotografía: Oliver Shaw
Reparto: Mónica Carrasco, Jorge Gajardo, Cindy Díaz
Dirección: Jorge Olguin

Anatomía de una Caída - Por Jackie O.

"La sombra de la duda"


Una mujer es sospechosa del asesinato de su marido, y su hijo ciego se enfrenta a un dilema moral como el posible único testigo.

Una conversación entre dos mujeres y música estruendosa que no para interrumpe la entrevista que una periodista le hace a la famosa escritora Sandra Voyter.
Estamos en pleno invierno, la nieve ilumina el sector, pero pareciera que dentro del hogar es más frío.

La periodista se va, y el hijo menor de edad del matrimonio es ciego sale con su hermoso perro guía, y deja a sus padres solos. Al volver, su perro lo lleva al cuerpo inerte de su padre, quien yace a un costado de la casa, ensangrentado. Sus gritos alertan a la madre.
¿Qué sucedió?

Como su nombre lo señala, vamos conociendo la estructura de una familia, principalmente de un matrimonio, donde Sandra Voyter comienza a ser cuestionada y es sospechosa de los hechos, pues hay indicios de su posible participación. Ella alega inocencia.
Sandra busca defensa, o más bien ayuda y orientación en su viejo amigo abogado. Él acepta, pero se ve enfrentado a un lapidario Fiscal, que ya da por culpable a Sandra, y es despiadado.

Una cinta que estéticamente nos cuenta sobre una muerte, ¿accidental u homicidio? Es lo que veremos, escucharemos y dilucidaremos. Un muerto, nadie ve cómo suceden los hechos, y una sospechosa, premisa que hemos visto, y en el transcurso de la trama debemos, no solo la policía y el fiscal, sino que nosotros, averiguar quién es el culpable. Averiguar que pasó.

Estamos en una Francia rural, donde los diálogos son en ese idioma pero también en Inglés, porque nuestra protagonista es inmigrante. La cinta dedica mucho tiempo en mostrar el proceso judicial, paso a paso, mediante el cual se construye un caso y se explora la relación de nuestra protagonista con su esposo y su hijo.
Sandra está en casi todas las escenas, y muestra una amplia gama de emociones, además que debe generar empatía, no solo al jurado, sino que a nosotros, porque vamos conociendo que el personaje es una mujer infiel y de carácter muy fuerte.
Se exponen las corrientes subterráneas de resentimiento, celos y enojo que pueden esconderse en una relación, más cuando uno es mas exitoso que el otro, de manera que son absolutamente convincentes las actuaciones de todos los partícipes, y pueden hacer que te preguntes de qué podrían ser capaces las personas en un estado de "acaloramiento".

Las escenas del tribunal fueron duras, y me pregunto ¿está permitida esa agresividad?
El joven Daniel, como hijo ciego,  mantiene excelentes momentos y diálogos. Su perrito merece una nominación a mejor actor, qué manera de mantenernos al filo del asiento.
Las actuaciones, en general, muy buenas, creíbles, que nos hacen tomar partido. Las tomas de cámaras son precisas para hacernos partícipe de lo que sucede.
Pero, sí, hay un pero, le habría quitado unos 15 minutos de trama, ya que se vuelve lenta en momentos por ser, tal vez, repetitiva, lo que también me obliga a decir que es una película "pesada" es decir, hay que tener un buen ánimo para verla.

Una interesante película, grandes actuaciones, muy buena trama en este trhiller psicológico que nos hace reflexionar sobre la anatomía de la vida misma.

Ficha técnica

Título original: Anatomie d'une chute (Anatomy of a Fall)
Dirección: Justine Triet
Guion: Arthur Harari y Justine Triet
Fotografía: Simon Beaufils
Montaje: Laurent Sénéchal
Protagonistas: Sandra Hüller, Swann Arlaud, Milo Machado-Graner, Antoine Reinartz, Samuel Theis, Jehnny Beth, Camille Rutherford, Anne Rotger.
Francia - 2023
Género: Suspenso, crímenes, drama y drama
Duración: 150 minutos

domingo, 11 de febrero de 2024

Vidas Pasadas - Por Jackie O.

"En esta vida o la otra"


Una historia que sigue a dos amigos a lo largo de 24 años, mientras contemplan la naturaleza de su relación a medida que se separan y viven vidas diferentes. La trama es semiautobiográfica y está inspirada en hechos reales de la vida de la Directora.

Dos amigos que viven en Corea del Sur, y con solo 12 años, tienen claro que se quieren entrañablemente, se aman en su inocencia, pero la familia de ella se irá a Canadá. Eso no solo es un cambio de ciudad, sino de sus nombres; ella es Na Young y se transformará en Nora, y Hae-Sung se queda con una nostalgia que no expresa en palabras. Ese amor inocente se trasforma luego de 12 años en dos veinteañeros universitarios en continentes diferentes, con vidas e intereses diferentes, que se encuentran gracias a las redes sociales, y comienzan a revivir esa infancia, pero Nora se da cuenta de que hay que avanzar y Hae-Sung no lo quiere aceptar, pero nuevamente queda ahí, inerte. Para luego, 12 años más tarde, volver a reencontrarse, pero no todo es igual ¿o sí?

La cinta entrelaza inteligentemente sus separados caminos, conectándolos con dramas y felicidad; con tradición e identidad, esa identidad que se va perdiendo con los años, pero que Nora desea tal vez recuperar, y que Hae-Sung le recuerda esa infancia que dejó. Pero Arthur, Arthur es el presente de Nora. ¿Quién será su futuro?

Es una historia simple, un trío que fluye en las aguas del presente y pasado, y juega con el futuro. El guion nos va dibujando muchas emociones de forma pausada, elegante, mediante miradas, paisajes, música... y para apaciguar esta pausada armonía de amor, reflexión y de, a veces agonía, le da sus toques de humor.

Las actuación de nuestro trío de protagonistas, mantienen una química innegables, dos hombres que aman y una mujer que es presa de sus sentimientos, con una contención y expresión que merece todo premio. Los secundarios aportan muy bien esta historia de recuerdos, amor y dolor.

Un guion envolvente, pausado deliberadamente para atraparnos, donde los temas, como no solo el amor, sino que la pérdida, el arrepentimiento, el impacto cultural, nos van transportando por 24 años.

La dirección y guion son impecables, dignos de premiación, así como la fotografía que juega con nuestros ojos al ver que cada cosa, cada paisaje, no está al azar. Nueva York es testigo de un mar de emociones, nosotros somos testigos.

¿Qué hacer con un amor del pasado, se debe quedar ahí? Qué hacer con un amor actual, cuidarlo?

¿Qué hacer con el amor? Vivirlo.

Ficha técnica

Título original: Past Lives
Dirección y guion: Celine Song
Fotografía: Shabier Kirchner
Protagonistas: Greta Lee, Yoo Teo, John Magaro, Choi Won-young, Jonica T. Gibbs
País: Estados Unidos
Año: 2023
Género: Drama
Duración: 106 minutos
Idioma(s): Inglés y Coreano

viernes, 9 de febrero de 2024

Ferrari - Por Carlos Correa Acuña

Ferrari, la “Scuderia”, atraviesa por grandes problemas. Enzo Ferrari -Adam Driver-, su apasionado líder fundador, trabaja afanosamente para mantener la empresa con números azules. Es una carga pesada. Una tragedia familiar y la ardua competencia con rivales como Maserati terminan amenazan ser un punto de quiebre. Al mismo tiempo, su matrimonio con Laura Ferrari -Penélope Cruz-, tampoco pasa por buenos momentos: ambos sobrellevan con mucha dificultad con el dolor de la pérdida de un hijo y la infidelidad en las sombras se hace cada vez más presente.

Casi como última carta, Enzo apuesta todo por la “Mille Miglia”, la emblemática carrera de 1.000 millas a través de Italia. Para alcanzar la anhelada y esquiva victoria, Ferrari conforma un equipo de pilotos talentosos que incluye a Piero Taruffi -Patrick Dempsey- y Alfonso de Portago -Jack O'Connell-, quienes protagonizan una batalla épica donde no solo está en juego el aspecto deportiva sino que también el futuro o el fracaso del “Cavallino Rampante”.

“Ferrari” corresponde a un pequeño momento en la historia de un singular personaje. Es probable que sin su legado, lo que hoy conocemos como “el circo de la Fórmula 1” no sería más que un espejismo. Hay una frase clave que muestra claramente el pensamiento de Enzo Ferrari: “vendo autos para correr, no corro para vender autos…” Su pasión está en las carreras, no en el comercio de los bólidos, y eso se nota, porque los inconvenientes financieros y los accidentes parecen no hacer mella en un espíritu competitivo que parece no tener límites.

Es curioso el formato de esta pieza dirigida por Michael Mann. Por momentos parece una biografía, por otros un documental, una historia real, o una telenovela, pero todo al mismo tiempo. Asimismo, muchas decisiones sobre tomas, encuadres y enlaces de secuencias resultan un poco desconcertantes. Lo primero que me pasa es no entenderlas, y lo segundo, abiertamente discrepar de las opciones elegidas, básicamente porque no las siento balanceadas, justificadas, o bien contrapesadas.

La película transcurre muy lentamente. Es lenta, súper lenta, tal vez como contrapunto premeditado con la velocidad de los autos, sin embargo es un aspecto que no funciona bien. Hay mucho silencio tras los diálogos, y las historias compartimentadas colaboran a la configuración de un relato que toca demasiados temas, en poco tiempo, y sin mucha profundidad.

La centralidad está clarísima desde el enunciado de su título, “Ferrari”. Es la historia sobre "Il Commendatore”, y de allí no se mueve. Está su personalidad, su conciencia, su cariño, sus amores, sus mujeres, su trabajo, sus conflictos, sus desafíos, su carácter, su liderazgo, y un largo etcétera, todo condensado y comprimido en un personaje que exuda fascinación, y que provoca tanto temor como admiración.

Adam Driver se desenvuelve correctamente pero es siempre él, Adam Driver. No siento que se transforme en Enzo Ferrari, a pesar de su excelente trabajo histriónico y una buena capa de elementos para ocultar al actor y resaltar al personaje. Hay, eso sí, una escena en que no es Driver y sí es Ferrari; atención a ella, está desencajado y parece emerger ese italiano intenso del rojo furioso.

Las caracterizaciones secundarias se encuentran poco dibujadas a mi modo de ver, también sin mucho sustento, poco finos, delgados y casi transparentes. Es cierto que no son el foco, sino solo arroz graneado, pero ver a la misma Penélope Cruz intentando un barniz protagónico sin conseguirlo, habla de un trabajo que pudo ser mejor y que lamentablemente se quedó a medio camino.

El tercio final de la película es el que mejor funciona, y claro, es justamente el que contiene la gran carrera, la “Mille Miglia”, y son los autos los que empujan el metraje hacia los mejores momentos. En la pista la edición fluye y la tensión aumenta cuando nos subimos a los autos, porque en el resto del pa cinta nos nos hemos quedado un poco en la vereda, esperando los acontecimientos sin entender mucho las decisiones del director, reatando de despejar la centralidad del relato, y con ello, finalmente, el mensaje que nos quiere transmitir.

“Ferrari”, con un poco más de dos horas de duración, resulta irregular por sus muchos traspiés. Es interesante sí, por supuesto, pero no alcanza a satisfacer las expectativas de un “tiffosi” hecho y derecho. Tal vez querer abarcar mucho tema en muy poco tiempo, o tal vez intentar mostrar a Enzo Ferrari -con sus múltiples dimensiones-, solo tomando un par de años de su vida, son aspectos que juegan más en contra que a favor de este trabajo. Pero bueno, es solo mi opinión personal, la de un amante de las carreras de autos, que, aunque ahora me identifico con otro equipo, le tengo un respeto y admiración suprema a quien fue el precursor de, tal vez, la escudería más emblemática de todos los tiempos.

Ficha técnica

Título original: Ferrari
Año: 2023
Duración: 130 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Italia; Moto Productions, Iervolino & Lady Bacardi Entertainment
Género: Drama | Biográfico. Coches/Automovilismo. Años 50
Guion: Troy Kennedy-Martin. Libro: Brock Yates
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Erik Messerschmidt
Reparto: Adam Driver, Penélope Cruz, Shailene Woodley, Sarah Gadon, Gabriel Leone, Jack O'Connell, Patrick Dempsey
Dirección: Michael Mann