"Decisiones drásticas"
Hemos visto varias historias en el cine acerca de las dolorosas vivencias de los judíos en la Segunda Guerra Mundial, pero hasta ahora no conocíamos la de Stella Goldschlag (Paula Beer), una mujer judía. Stella es obligada por los nazis a denunciar a sus propios compañeros para sobrevivir y tratar de salvar a su familia. Se encuentra basada en una historia real.
La película sigue la vida de Stella durante varios años. La podemos desde su juventud, cuando ella soñaba con ser una cantante de jazz, todo era baile y alegría. Hasta la llegada de la guerra, que alteró todo. Debió realizar trabajos en una fábrica y todos sus sueños se vieron truncados. Stella vivió momentos durísimos; es fuerte y doloroso, verla batallando para lograr sobrevivir.
Hay escenas duras de este drama que logran transmitirnos el dolor, la desesperación, y el ímpetu de Stella que la hace tomar malas decisiones. Paula Beer hace una excelente interpretación, está totalmente posesionada del personaje.
Este filme nos invita a reflexionar acerca de ¿qué puede llevar a una persona a traicionar a los suyos, la desesperación por la sobrevivencia?
Una interesante historia de vida.
Director: Kilian Riedhof
Duración: 120 minutos
Distribuye: CDI Films
La misión global de SIGNIS es colaborar con profesionales de los medios de comunicación y ayudar a transformar la cultura a través de valores artísticos, promoviendo la dignidad humana, la justicia y la reconciliación. La directiva en Chile está formada por Juan Pablo Donoso, Presidente, Elizabeth Salazar T., Vicepresidenta, y Jackie P. Olivo, Secretaria. Son miembros, Bernardita Santander Navarro, Pablo Crocquevielle, José Luis Nicolás, Alejandro Caro Contreras y Carlos Correa Acuña.
sábado, 12 de octubre de 2024
viernes, 11 de octubre de 2024
"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 11 de Octubre 2024
El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Pablo Croquevielle en el Programa Semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.
Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004) - Por José Luis Nicolás
Joel se entera que su novia Clementine, con quien tiene una relación de altos y bajos, se sometió a un innovador procedimiento que lo borró de sus recuerdos. Dolido, decide realizarse la misma intervención para olvidar a Clementine.
Esta es la sinopsis de Eterno resplandor de la mente sin recuerdos, película del año 2004 dirigida por Michel Gondry y escrita por Charlie Kauffman. Antes de apostar por una carrera cinematográfica, el francés Michel Gondry fungía como baterista de una banda de pop llamada Oui Oui.
En una de tantas jornadas de ensayo, Gondry recogió una historia de desamor relatada por Pierre Bismuth, otro miembro de la banda. El artista versallesco no olvidó el chisme y, llegado el momento adecuado, decidió llevarlo a la pantalla grande. El título del filme lo extrajo de un verso del poeta inglés (y católico) del Siglo XVIII, Alexander Pope.
Antes de iniciar la filmación de Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, Gondry probó suerte como director de videoclips. En dicho ejercicio conoció a la cantante y actriz Bjork. Ella fue su primera opción para interpretar a Clementine, rol que finalmente encarnó la británica Kate Winslet. Por este rol, Winslet recibió una nominación al Óscar.
Gondry y Kauffman pensaron que Nicolas Cage era la persona adecuada para darle vida a Joel, el novio despechado y anulado por Clementine, pero no consiguieron reclutarlo. Finalmente en la piel del protagonista varón de esta cinta estuvo el canadiense Jim Carrey, que fue forzado por la producción a prescindir de su reconocido histrionismo.
La edición de esta película dejó fuera muchas escenas y diálogos dramatizados por actores y actrices que inútilmente audicionaron para la película: una de ellas fue Ellen Pompeo, protagonista de Grey 's Anatomy.
El corte final de Eterno resplandor de una mente sin recuerdos se concentra en lo medular: la exploración de las desconocidas profundidades de la mente humana. Esta es una película de ficción científica y sentimental; porque no se ha encontrado un tratamiento, que a través del olvido, nos enseñe a amar.
Disponible en Netflix, Max y Prime Video.
Ficha técnica
Título original: Eternal Sunshine of the Spotless Mind
Año: 2004
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Michel Gondry
Guión: Charlie Kaufman, Michel Gondry, Pierre Bismuth
Reparto: Kate Winslet, Jim Carrey, Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, Elijah Wood, Tom Wilkinson
Música: Jon Brion
Fotografía: Ellen Kuras
Compañías: Focus Features
Esta es la sinopsis de Eterno resplandor de la mente sin recuerdos, película del año 2004 dirigida por Michel Gondry y escrita por Charlie Kauffman. Antes de apostar por una carrera cinematográfica, el francés Michel Gondry fungía como baterista de una banda de pop llamada Oui Oui.
En una de tantas jornadas de ensayo, Gondry recogió una historia de desamor relatada por Pierre Bismuth, otro miembro de la banda. El artista versallesco no olvidó el chisme y, llegado el momento adecuado, decidió llevarlo a la pantalla grande. El título del filme lo extrajo de un verso del poeta inglés (y católico) del Siglo XVIII, Alexander Pope.
Antes de iniciar la filmación de Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, Gondry probó suerte como director de videoclips. En dicho ejercicio conoció a la cantante y actriz Bjork. Ella fue su primera opción para interpretar a Clementine, rol que finalmente encarnó la británica Kate Winslet. Por este rol, Winslet recibió una nominación al Óscar.
Gondry y Kauffman pensaron que Nicolas Cage era la persona adecuada para darle vida a Joel, el novio despechado y anulado por Clementine, pero no consiguieron reclutarlo. Finalmente en la piel del protagonista varón de esta cinta estuvo el canadiense Jim Carrey, que fue forzado por la producción a prescindir de su reconocido histrionismo.
La edición de esta película dejó fuera muchas escenas y diálogos dramatizados por actores y actrices que inútilmente audicionaron para la película: una de ellas fue Ellen Pompeo, protagonista de Grey 's Anatomy.
El corte final de Eterno resplandor de una mente sin recuerdos se concentra en lo medular: la exploración de las desconocidas profundidades de la mente humana. Esta es una película de ficción científica y sentimental; porque no se ha encontrado un tratamiento, que a través del olvido, nos enseñe a amar.
Disponible en Netflix, Max y Prime Video.
Ficha técnica
Título original: Eternal Sunshine of the Spotless Mind
Año: 2004
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Michel Gondry
Guión: Charlie Kaufman, Michel Gondry, Pierre Bismuth
Reparto: Kate Winslet, Jim Carrey, Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, Elijah Wood, Tom Wilkinson
Música: Jon Brion
Fotografía: Ellen Kuras
Compañías: Focus Features
Las Gotas de Dios - Por Jackie O.
"El vino es la tierra, los humanos, y el cielo"
Sinopsis: Alexandre Léger, creador de la famosa Guía de vinos Léger y figura destacada de la enología, fallece a los 60 años. Y para reclamar su inmensa herencia, su hija viaja a Tokio y debe enfrentarse a un joven enólogo.
Camille Léger, una joven que decidió no mantener contacto con su padre, el cual se divorció de su madre hace muchos años, viviendo él en Tokio y ella con su madre en Francia. Hasta que un día le avisan que su padre murió y dejó una millonaria herencia consistente en una bodega llena de vinos, y un legado de su renombrado nombre en la industria. La noticia recorre el mundo por lo famoso que era Alexandre, pero Camille no está interesada ya que tiene malos recuerdos de su infancia con su padre, pero la convencen de ir y reclamar esa herencia. Más que mal, había sido notificada.
En Tokio toma contacto con el abogado que tiene a su cargo el testamento, y de un buen amigo de su padre que la ayuda en esta aventura, pero se lleva una sorpresa cuando un joven asiático también es convocado a la misma cita, Issei Tomine. Él era su mejor alumno de enología y también puede ser el heredero de esa fortuna. La sorpresa para todos, es que Alexandre deja instrucciones precisas: el heredero será el que pase tres pruebas que preparó antes de morir.
Pero eso no se queda solo en estas pruebas que tienen que ver con el olfato, gusto, visión, creación y... recuerdos. Nos muestra a los personajes en su naturaleza, se desprenden esas capas u hollejo de esa uva que tanta pasión trae en esta miniserie.
Camille, junto a Issei, recorren separados y a veces curiosamente juntos, esta historia, pues vamos conociendo su presente y pasado, quiénes son, y por qué están en esta situación. Ambos jóvenes, casi de la misma edad, honestos, aunque también con sus errores, van trazando su camino.
Este trabajo también se cuenta en momentos con analepsias, es decir, intercalan escenas del pasado al presente donde conocemos a los padres y amigos de estos jóvenes, y cómo ambas familias tienen un pasado que hace que en su presente tengan diversos conflictos de intereses
Buenas actuaciones. Muy buena puesta en escena, porque recorremos viñedos, vamos a restaurantes de lujo, vemos el proceso del vino, escuchamos el lenguaje correcto. Ideal para amantes del vino quienes nos deslumbran esos detalles elegantes de este elixir. Y para los no entendidos, resultará también muy atrayente conocer este mundo, además porque la historia en sí trae drama y toques de comedia, donde vemos a personajes despojados de sus caretas, y a otros abrazar las nuevas oportunidades con mucha esperanza.
Disponible en Apple TV.
Ficha técnica
Título original: Drops of God ( en francés : Les Gouttes de Dieu ; en japonés :神の雫 )
Creado por Quoc Dang Tran
Basado en "Gotas de Dios" por Tadashi Agi y Shu Okimoto. Manga japonés.
Dirigido por Oded Ruskin
Protagonizada por Tomohisa Yamashita y Flor Geffrier
País: Francia, EEUU y Japón
Idiomas originales: Francés, Inglés y japonés
Año 2023. 8 capítulos
Sinopsis: Alexandre Léger, creador de la famosa Guía de vinos Léger y figura destacada de la enología, fallece a los 60 años. Y para reclamar su inmensa herencia, su hija viaja a Tokio y debe enfrentarse a un joven enólogo.
Camille Léger, una joven que decidió no mantener contacto con su padre, el cual se divorció de su madre hace muchos años, viviendo él en Tokio y ella con su madre en Francia. Hasta que un día le avisan que su padre murió y dejó una millonaria herencia consistente en una bodega llena de vinos, y un legado de su renombrado nombre en la industria. La noticia recorre el mundo por lo famoso que era Alexandre, pero Camille no está interesada ya que tiene malos recuerdos de su infancia con su padre, pero la convencen de ir y reclamar esa herencia. Más que mal, había sido notificada.
En Tokio toma contacto con el abogado que tiene a su cargo el testamento, y de un buen amigo de su padre que la ayuda en esta aventura, pero se lleva una sorpresa cuando un joven asiático también es convocado a la misma cita, Issei Tomine. Él era su mejor alumno de enología y también puede ser el heredero de esa fortuna. La sorpresa para todos, es que Alexandre deja instrucciones precisas: el heredero será el que pase tres pruebas que preparó antes de morir.
Pero eso no se queda solo en estas pruebas que tienen que ver con el olfato, gusto, visión, creación y... recuerdos. Nos muestra a los personajes en su naturaleza, se desprenden esas capas u hollejo de esa uva que tanta pasión trae en esta miniserie.
Camille, junto a Issei, recorren separados y a veces curiosamente juntos, esta historia, pues vamos conociendo su presente y pasado, quiénes son, y por qué están en esta situación. Ambos jóvenes, casi de la misma edad, honestos, aunque también con sus errores, van trazando su camino.
Este trabajo también se cuenta en momentos con analepsias, es decir, intercalan escenas del pasado al presente donde conocemos a los padres y amigos de estos jóvenes, y cómo ambas familias tienen un pasado que hace que en su presente tengan diversos conflictos de intereses
Buenas actuaciones. Muy buena puesta en escena, porque recorremos viñedos, vamos a restaurantes de lujo, vemos el proceso del vino, escuchamos el lenguaje correcto. Ideal para amantes del vino quienes nos deslumbran esos detalles elegantes de este elixir. Y para los no entendidos, resultará también muy atrayente conocer este mundo, además porque la historia en sí trae drama y toques de comedia, donde vemos a personajes despojados de sus caretas, y a otros abrazar las nuevas oportunidades con mucha esperanza.
Disponible en Apple TV.
Ficha técnica
Título original: Drops of God ( en francés : Les Gouttes de Dieu ; en japonés :神の雫 )
Creado por Quoc Dang Tran
Basado en "Gotas de Dios" por Tadashi Agi y Shu Okimoto. Manga japonés.
Dirigido por Oded Ruskin
Protagonizada por Tomohisa Yamashita y Flor Geffrier
País: Francia, EEUU y Japón
Idiomas originales: Francés, Inglés y japonés
Año 2023. 8 capítulos
miércoles, 9 de octubre de 2024
El Correo - Por Carlos Correa Acuña
Disponible en Netflix.
Vértigo y corrupción se combinan en este trabajo del director Daniel Calparsoro. Marbella, en los años 90. En ese lugar seguimos a Iván -Arón Piper-, un joven ambicioso sin escrúpulos que se involucra cada vez más al interior de una red de narcotráfico y lavado de dinero.
Con buen ritmo y una historia con giros inesperados, la película es atractiva desde un comienzo. Calparsoro utiliza la voz en off del protagonista para contarnos sobre el ascenso y caída al interior de un mundo despiadado, donde casi no existe lealtad.
Más allá de la adrenalina que provoca la acción, con excesos de droga y de sexo por todas partes, la cinta logra evidenciar el mal extendido de la corrupción en una época que se muestra dinámica, tanto social como económicamente hablando. En ese sentido, la cinta no se queda con solo mostrar el lujo y las fiestas desenfrenadas, sino que también da cuenta de la violencia y las consecuencias nefastas de un estilo de vida que resulta inevitablemente ingobernable.
Convincentes son las actuaciones de Arón Piper y María Pedraza. Ambos transmiten ambición excesiva y desarrollan corectamente la complejidad moral de sus personajes. El resto del elenco, con figuras de lujo como Luis Tosar, José Manuel Poga y Luis Zahera en roles secundarios, aporta tanto solidez como credibilidad a la historia.
"El Correo" es una película entretenida que nos mantiene atentos durante un poco más de una hora y media. No se trata de una obra profunda, por supuesto que no, pero al menos retrata hechos reales y aporta miradas críticas al respecto. En síntesis, una cinta que permite pensar un poco más sobre valores importantes, como la honestidad y la ética, aunque al final nos quede una sensación pesimista, pues pone en evidencia las nefastas consecuencias de una ambición que se ubica fuera de todo límite imaginable.
Ficha técnica
Título original: El correo
Año: 2024
Duración: 97 minutos
País: España
Compañías: Coproducción España-Francia-Bélgica; Vaca Films, Panache Productions, La Compagnie Cinématographique, Playtime Production, Canal+, ICAA, Movistar Plus+, Netflix
Género: Thriller. Drama | Basado en hechos reales
Guion: Patxi Amezcua, Alejo Flah
Fotografía: Tommie Ferreras
Reparto: Arón Piper, María Pedraza, Luis Tosar, Laura Sépul, Nourdin Batán, José Manuel Poga y Luis Zahera.
Dirección: Daniel Calparsoro
Vértigo y corrupción se combinan en este trabajo del director Daniel Calparsoro. Marbella, en los años 90. En ese lugar seguimos a Iván -Arón Piper-, un joven ambicioso sin escrúpulos que se involucra cada vez más al interior de una red de narcotráfico y lavado de dinero.
Con buen ritmo y una historia con giros inesperados, la película es atractiva desde un comienzo. Calparsoro utiliza la voz en off del protagonista para contarnos sobre el ascenso y caída al interior de un mundo despiadado, donde casi no existe lealtad.
Más allá de la adrenalina que provoca la acción, con excesos de droga y de sexo por todas partes, la cinta logra evidenciar el mal extendido de la corrupción en una época que se muestra dinámica, tanto social como económicamente hablando. En ese sentido, la cinta no se queda con solo mostrar el lujo y las fiestas desenfrenadas, sino que también da cuenta de la violencia y las consecuencias nefastas de un estilo de vida que resulta inevitablemente ingobernable.
Convincentes son las actuaciones de Arón Piper y María Pedraza. Ambos transmiten ambición excesiva y desarrollan corectamente la complejidad moral de sus personajes. El resto del elenco, con figuras de lujo como Luis Tosar, José Manuel Poga y Luis Zahera en roles secundarios, aporta tanto solidez como credibilidad a la historia.
"El Correo" es una película entretenida que nos mantiene atentos durante un poco más de una hora y media. No se trata de una obra profunda, por supuesto que no, pero al menos retrata hechos reales y aporta miradas críticas al respecto. En síntesis, una cinta que permite pensar un poco más sobre valores importantes, como la honestidad y la ética, aunque al final nos quede una sensación pesimista, pues pone en evidencia las nefastas consecuencias de una ambición que se ubica fuera de todo límite imaginable.
Ficha técnica
Título original: El correo
Año: 2024
Duración: 97 minutos
País: España
Compañías: Coproducción España-Francia-Bélgica; Vaca Films, Panache Productions, La Compagnie Cinématographique, Playtime Production, Canal+, ICAA, Movistar Plus+, Netflix
Género: Thriller. Drama | Basado en hechos reales
Guion: Patxi Amezcua, Alejo Flah
Fotografía: Tommie Ferreras
Reparto: Arón Piper, María Pedraza, Luis Tosar, Laura Sépul, Nourdin Batán, José Manuel Poga y Luis Zahera.
Dirección: Daniel Calparsoro
martes, 8 de octubre de 2024
El Hoyo 2 - Por Bernardita Santander Navarro
Sinopsis: En una extraña prisión de 333 pisos, llamada “El Hoyo”, se forma una rebelión contra una supuesta ley que permite que se distribuyan justamente los alimentos.
Las secuelas siempre son desafiantes. A veces terminan bien y son todo un éxito, pero en otras oportunidades, son arrasadas por la crítica. Por eso siempre se les ve como un riesgo y eso es lo que podemos ver en El Hoyo 2, la segunda parte de la película española de ciencia ficción y suspenso que conquistó el Netflix en el año 2019 y que ahora vuelve con nuevos personajes, convirtiéndose así, y nuevamente, en la película más vista de la plataforma, al menos en Chile.
Tengo que decir que para poder criticar esta segunda parte, es fundamental haber visto la primera, para entender algunos personajes y la situación al límite que viven sus protagonistas, quienes por diferentes motivos han llegado hasta aquí.
Como primer concepto, hay que mencionar que el “Centro vertical de Autogestión” más conocido como “El Hoyo”, es un agujero por donde pasa cada cierto tiempo una plataforma llena de comida. Sin embargo, los de los pisos inferiores son los más perjudicados, ya que si no se respeta la ley de distribución de la comida, los de los niveles inferiores no comerán nada.
Esta ley es el principal concepto que deben enfrentar sus nuevos protagonistas: Perempuán (interpretada por Milena Smit) y Zamiatin (interpretado por Hovik Keuchkerian) No obstante, al ser esto tan complejo, tarde o temprano generará que se cuestionen si este concepto de igualdad es realmente justo para todos ¿Podrán seguir respetando esta idea que fue implementada por un supuesto Mesías o se revelarán contra el sistema? Esa es la gran interrogante que nos invita a descubrir esta producción.
Puedo decir que es una película que se desarrolla generalmente bien, con un guion coherente, pero al mismo tiempo muy macabro, ya que hay algunas escenas de violencia que claramente deben ser vistas solamente por mayores de 18 años.
Eso sí, advierto que no hay que comer mientras se aprecia para no tener consecuencias (algunas personas pueden ser muy sensibles) dado que uno de los temas que aborda esta cinta es el canibalismo.
Creo que lo más interesante de esta película, más allá de determinar si es buena o mala, es poder comprender y analizar con muchos más detalles todas las interrogantes que nos dejó la primera parte. No obstante, aún hay mucho por entender y conocer, como por ejemplo: ¿Cómo nació esta cárcel? ¿Cuál es su mensaje de fondo? ¿Quién la creó y por qué? ¿Es realmente una analogía y una crítica de las clases sociales? o ¿Es una un llamado de atención para revertir la desigualdad mundial?
Sin duda, es una película que impacta, pero que a pesar de todo nos plantea algunos valores y conceptos que nos invitan a la reflexión, como por ejemplo: la solidaridad y la justicia.
Disponible en: Netflix.
Ficha Técnica
Las secuelas siempre son desafiantes. A veces terminan bien y son todo un éxito, pero en otras oportunidades, son arrasadas por la crítica. Por eso siempre se les ve como un riesgo y eso es lo que podemos ver en El Hoyo 2, la segunda parte de la película española de ciencia ficción y suspenso que conquistó el Netflix en el año 2019 y que ahora vuelve con nuevos personajes, convirtiéndose así, y nuevamente, en la película más vista de la plataforma, al menos en Chile.
Tengo que decir que para poder criticar esta segunda parte, es fundamental haber visto la primera, para entender algunos personajes y la situación al límite que viven sus protagonistas, quienes por diferentes motivos han llegado hasta aquí.
Como primer concepto, hay que mencionar que el “Centro vertical de Autogestión” más conocido como “El Hoyo”, es un agujero por donde pasa cada cierto tiempo una plataforma llena de comida. Sin embargo, los de los pisos inferiores son los más perjudicados, ya que si no se respeta la ley de distribución de la comida, los de los niveles inferiores no comerán nada.
Esta ley es el principal concepto que deben enfrentar sus nuevos protagonistas: Perempuán (interpretada por Milena Smit) y Zamiatin (interpretado por Hovik Keuchkerian) No obstante, al ser esto tan complejo, tarde o temprano generará que se cuestionen si este concepto de igualdad es realmente justo para todos ¿Podrán seguir respetando esta idea que fue implementada por un supuesto Mesías o se revelarán contra el sistema? Esa es la gran interrogante que nos invita a descubrir esta producción.
Puedo decir que es una película que se desarrolla generalmente bien, con un guion coherente, pero al mismo tiempo muy macabro, ya que hay algunas escenas de violencia que claramente deben ser vistas solamente por mayores de 18 años.
Eso sí, advierto que no hay que comer mientras se aprecia para no tener consecuencias (algunas personas pueden ser muy sensibles) dado que uno de los temas que aborda esta cinta es el canibalismo.
Creo que lo más interesante de esta película, más allá de determinar si es buena o mala, es poder comprender y analizar con muchos más detalles todas las interrogantes que nos dejó la primera parte. No obstante, aún hay mucho por entender y conocer, como por ejemplo: ¿Cómo nació esta cárcel? ¿Cuál es su mensaje de fondo? ¿Quién la creó y por qué? ¿Es realmente una analogía y una crítica de las clases sociales? o ¿Es una un llamado de atención para revertir la desigualdad mundial?
Sin duda, es una película que impacta, pero que a pesar de todo nos plantea algunos valores y conceptos que nos invitan a la reflexión, como por ejemplo: la solidaridad y la justicia.
Disponible en: Netflix.
Ficha Técnica
Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia
Guion: David Desola, Pedro Rivero, Galder Gaztelu-Urrutia y Egoitz Moreno.
Música : Aitor Etxebarría
Dirección de Fotografía: Jon D. Domínguez
Reparto: Milena Smit, Hovik Keuchkerian, Natalia Tena, Bastien Ughetto, Óscar Jaenada, Antonia San Juan y Tadashi Ito.
País: España
Año: 2024
Género: Ciencia ficción, Thriller.
Duración: 101 minutos
Compañías Productoras: Basque films y Netflix
Guion: David Desola, Pedro Rivero, Galder Gaztelu-Urrutia y Egoitz Moreno.
Música : Aitor Etxebarría
Dirección de Fotografía: Jon D. Domínguez
Reparto: Milena Smit, Hovik Keuchkerian, Natalia Tena, Bastien Ughetto, Óscar Jaenada, Antonia San Juan y Tadashi Ito.
País: España
Año: 2024
Género: Ciencia ficción, Thriller.
Duración: 101 minutos
Compañías Productoras: Basque films y Netflix
El Club de las Madres Solteras - Por Bernardita Santander Navarro
Sinopsis: Cinco madres solteras se hacen amigas cuando sus hijos se meten en problemas en el colegio. En ese contexto descubren que tienen más temas en común de lo que se imaginan.
Hillary, Jan, May, Esperanza y Lytia (interpretadas por Amy Smart, Wendi McLendon, Nia Long, Zulay Henao y Cocoa Brown respectivamente) son cinco mujeres que por distintas circunstancias de la vida se han divorciado, o bien no han encontrado a la persona correcta para compartir sus vidas. Además, todas ellas tienen hijos, por lo que su día a día se vuelve aún más complicado, ya que no cuentan con una red de apoyo que les permita desconectarse y pasarlo bien, pues todo es responsabilidad.
Hillary, por ejemplo, se acaba de separar y lo está pasando muy mal porque está tramitando su divorcio con dos niños pequeños. Jan es una ejecutiva editorial que tiene una muy mala relación con su hija. May es escritora y tiene un hijo que sufre constantemente porque su padre le falla. Esperanza tiene una pareja oculta porque depende económicamente de su ex y no quiere que él se enoje porque siguió con su vida. Finalmente, Lytia es una mujer que trabaja en un restaurante y evita a toda costa que su hijo menor caiga en malos pasos y vaya a la cárcel como sus otros hijos.
Es en este contexto donde sucederá un acontecimiento que lo cambiará todo. Se conocerán porque sus hijos se comportaron mal en el colegio y como consecuencia, para que no les cancelen la matrícula, deberán organizarse para crear un baile escolar.
Obviamente, como ninguna tiene a alguien que les ayude con el cuidado de sus niños, tendrán la idea de crear un “Club de Madres Solteras”. Una idea que básicamente consiste en que una de ellas se quedará en la casa para cuidar a los hijos de todas, mientras las demás salen a divertirse.
Pero ¿será esto sostenible en el tiempo? ¿Qué pasará con sus vidas amorosas? ¿Podrán superar a sus ex y salvar a sus hijos de la expulsión escolar? Esas son algunas de las interrogantes que nos plantea esta película.
Puedo decir que es una producción bastante agradable y que aborda la realidad de muchas mujeres solteras que tienen hijos y que no se rinden ante la adversidad. No obstante, me parece que el uso de estereotipos femeninos fue un poco incómodo. También me faltaron más risas ya que es una comedia.
Al ser esta trama tan contingente, pero con un guion más bien liviano, recomiendo verla igual el fin de semana. Algunos temas o valores que podemos ver en esta producción son: el perdón, la lucha contra la adversidad, el apoyo, la solidaridad y el reencuentro.
Disponible en: Netflix, Amazon Prime, Claro y Apple TV.
Hillary, Jan, May, Esperanza y Lytia (interpretadas por Amy Smart, Wendi McLendon, Nia Long, Zulay Henao y Cocoa Brown respectivamente) son cinco mujeres que por distintas circunstancias de la vida se han divorciado, o bien no han encontrado a la persona correcta para compartir sus vidas. Además, todas ellas tienen hijos, por lo que su día a día se vuelve aún más complicado, ya que no cuentan con una red de apoyo que les permita desconectarse y pasarlo bien, pues todo es responsabilidad.
Hillary, por ejemplo, se acaba de separar y lo está pasando muy mal porque está tramitando su divorcio con dos niños pequeños. Jan es una ejecutiva editorial que tiene una muy mala relación con su hija. May es escritora y tiene un hijo que sufre constantemente porque su padre le falla. Esperanza tiene una pareja oculta porque depende económicamente de su ex y no quiere que él se enoje porque siguió con su vida. Finalmente, Lytia es una mujer que trabaja en un restaurante y evita a toda costa que su hijo menor caiga en malos pasos y vaya a la cárcel como sus otros hijos.
Es en este contexto donde sucederá un acontecimiento que lo cambiará todo. Se conocerán porque sus hijos se comportaron mal en el colegio y como consecuencia, para que no les cancelen la matrícula, deberán organizarse para crear un baile escolar.
Obviamente, como ninguna tiene a alguien que les ayude con el cuidado de sus niños, tendrán la idea de crear un “Club de Madres Solteras”. Una idea que básicamente consiste en que una de ellas se quedará en la casa para cuidar a los hijos de todas, mientras las demás salen a divertirse.
Pero ¿será esto sostenible en el tiempo? ¿Qué pasará con sus vidas amorosas? ¿Podrán superar a sus ex y salvar a sus hijos de la expulsión escolar? Esas son algunas de las interrogantes que nos plantea esta película.
Puedo decir que es una producción bastante agradable y que aborda la realidad de muchas mujeres solteras que tienen hijos y que no se rinden ante la adversidad. No obstante, me parece que el uso de estereotipos femeninos fue un poco incómodo. También me faltaron más risas ya que es una comedia.
Al ser esta trama tan contingente, pero con un guion más bien liviano, recomiendo verla igual el fin de semana. Algunos temas o valores que podemos ver en esta producción son: el perdón, la lucha contra la adversidad, el apoyo, la solidaridad y el reencuentro.
Disponible en: Netflix, Amazon Prime, Claro y Apple TV.
Ficha Técnica
Título original: Tyler Perry's The Single Moms Club
Año: 2014
Duración: 111 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Tyler Perry
Guion: Tyler Perry
Reparto: Nia Long, Wendi McLendon-Covey, Zulay Henao, Cocoa Brown, Amy Smart, Tyler Perry y William Levy.
Música: Christopher Young
Dirección de fotografía: Alexander Gruszynski
Compañía: Lionsgate
Género: Comedia
Año: 2014
Duración: 111 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Tyler Perry
Guion: Tyler Perry
Reparto: Nia Long, Wendi McLendon-Covey, Zulay Henao, Cocoa Brown, Amy Smart, Tyler Perry y William Levy.
Música: Christopher Young
Dirección de fotografía: Alexander Gruszynski
Compañía: Lionsgate
Género: Comedia
La Máscara del Zorro - Por Bernardita Santander Navarro
Sinopsis: Un envejecido Zorro recluta a un joven bandolero para que se convierta en su sucesor y lo ayude a frustrar los planes de un poderoso tirano que ambos odian.
En el año 1998, una película sobre el popular héroe llamado “Zorro” (creado por Johnston McCulleyse) se tomó las salas de cine. El actor británico Anthony Hopkins llegó en gloria y majestad para interpretar a esta leyenda, pero ya en una edad un poco más avanzada, pues Rafael Montero (personaje interpretado por Stuart Wilson) descubrió su verdadera identidad (Diego de La Vega), asesinó a su esposa Esperanza y le robó a su pequeña hija Elena (interpretada por Katherine Zeta-Jones), dejándolo por cerca de 20 años en una cárcel.
Debido a esto, el Zorro desaparece. Deja de defender a su pueblo, pero las personas nunca se olvidan de él.
De forma paralela, los hermanos Alejandro y Joaquín Murrieta (interpretados por Antonio Banderas y Víctor Rivas River, respectivamente), hacen de las suyas como bandidos, hasta que un soldado llamado Capitán Love (que es interpretado por Matt Letscher) aparecerá para hacerles la vida imposible.
Como consecuencia, Alejandro Murrieta jurará vengarse, pero como su estado físico y mental no se lo permitirá concretarlo tan rápido, conocerá de casualidad a Diego de la Vega, quien le enseñará todo lo que sabe para convertirse en el nuevo Zorro y así poder vengarse de todos sus enemigos.
¿Lograrán ambos concretar sus respectivas venganzas contra Rafael Montero y el Capitán Love? Esa es la gran interrogante que nos deja esta película.
Sin duda, esta es una de las grandes interpretaciones de Anthony Hopkins y Antonio Banderas, quienes junto a Katherine Zeta Jones pasaron a la historia como los inolvidables protagonistas de esta historia, que cuenta con un muy buen guion, varias escenas de acción, suspenso y en algunas ocasiones de comedia. Eso sin contar su música inconfundible, sus locaciones y dobles de acción.
Algunos temas y valores que podemos ver en esta cinta son: la perseverancia, el amor verdadero, el heroísmo, la defensa por los más débiles y la justicia.
Recomiendo verla un fin de semana en familia, pero con niños mayores de 13 años.
Disponible en: Netflix, Amazon Prime, Max, Apple TV y Google Play Películas.
Ficha Técnica
Título original: La Máscara del Zorro
Dirección: Martin Campbell
Producción: Doug Claybourne Y David Foster
Productores ejecutivos: Steven Spielberg y Walter F. Parkes
Guion: John Eskow, Ted Elliott y Terry Rossio:
Basada en: “El Zorro” de Johnston McCulley
Música : James Horner
Fotografía: Phil Méheux
Protagonistas: Anthony Hopkins, Antonio Banderas, Catherine Zeta-Jones, Stuart Wilson y Matt Letscher.
País: Estados Unidos y México
Año: 1998
Género: Acción, aventuras.
Duración: 137 minutos
Compañía productora: Amblin Entertainment
Distribución: TriStar Pictures
En el año 1998, una película sobre el popular héroe llamado “Zorro” (creado por Johnston McCulleyse) se tomó las salas de cine. El actor británico Anthony Hopkins llegó en gloria y majestad para interpretar a esta leyenda, pero ya en una edad un poco más avanzada, pues Rafael Montero (personaje interpretado por Stuart Wilson) descubrió su verdadera identidad (Diego de La Vega), asesinó a su esposa Esperanza y le robó a su pequeña hija Elena (interpretada por Katherine Zeta-Jones), dejándolo por cerca de 20 años en una cárcel.
Debido a esto, el Zorro desaparece. Deja de defender a su pueblo, pero las personas nunca se olvidan de él.
De forma paralela, los hermanos Alejandro y Joaquín Murrieta (interpretados por Antonio Banderas y Víctor Rivas River, respectivamente), hacen de las suyas como bandidos, hasta que un soldado llamado Capitán Love (que es interpretado por Matt Letscher) aparecerá para hacerles la vida imposible.
Como consecuencia, Alejandro Murrieta jurará vengarse, pero como su estado físico y mental no se lo permitirá concretarlo tan rápido, conocerá de casualidad a Diego de la Vega, quien le enseñará todo lo que sabe para convertirse en el nuevo Zorro y así poder vengarse de todos sus enemigos.
¿Lograrán ambos concretar sus respectivas venganzas contra Rafael Montero y el Capitán Love? Esa es la gran interrogante que nos deja esta película.
Sin duda, esta es una de las grandes interpretaciones de Anthony Hopkins y Antonio Banderas, quienes junto a Katherine Zeta Jones pasaron a la historia como los inolvidables protagonistas de esta historia, que cuenta con un muy buen guion, varias escenas de acción, suspenso y en algunas ocasiones de comedia. Eso sin contar su música inconfundible, sus locaciones y dobles de acción.
Algunos temas y valores que podemos ver en esta cinta son: la perseverancia, el amor verdadero, el heroísmo, la defensa por los más débiles y la justicia.
Recomiendo verla un fin de semana en familia, pero con niños mayores de 13 años.
Disponible en: Netflix, Amazon Prime, Max, Apple TV y Google Play Películas.
Ficha Técnica
Título original: La Máscara del Zorro
Dirección: Martin Campbell
Producción: Doug Claybourne Y David Foster
Productores ejecutivos: Steven Spielberg y Walter F. Parkes
Guion: John Eskow, Ted Elliott y Terry Rossio:
Basada en: “El Zorro” de Johnston McCulley
Música : James Horner
Fotografía: Phil Méheux
Protagonistas: Anthony Hopkins, Antonio Banderas, Catherine Zeta-Jones, Stuart Wilson y Matt Letscher.
País: Estados Unidos y México
Año: 1998
Género: Acción, aventuras.
Duración: 137 minutos
Compañía productora: Amblin Entertainment
Distribución: TriStar Pictures
lunes, 7 de octubre de 2024
Copiando para Beethoven - Por Juan Pablo Donoso
Relato biográfico ficticio del periodo en que Beethoven compuso, y estrenó, su 9ª Sinfonía.
La anciana directora polaca Agnieszka Holland (Europa, Europa - 1990 - /Olivier, Olivier - 1992), sabe narrar biografías contrastando la fragilidad de sus héroes con los eventos históricos de sus épocas.
Aquí trata de la tempestuosa relación entre una joven compositora de 23 años - Anna Holz (Diane Kruger) - quien, por admiración, ofició gratis como copista para el Genio de Bonn.
Retrata con crudeza los últimos tiempos del músico, su falta de aseo personal, los rasgos bipolares, y la pocilga pestilente en que tenía transformado su departamento.
Hay mezcla de eventos y personajes verdaderos con otros inventados para lograr mayor impacto emotivo. Además, se denuncia la misoginia de aquella sociedad frente a las mujeres compositoras.
Entre los eventos reales disfrutamos del episodio en que Beethoven - completamente sordo - dirigió a la orquesta y coros en el estreno de su sinfonía, mientras alguien, escondido tras el podio, le indicaba el ritmo, las entradas y matices del discurso musical.
Más que fidelidad por los detalles, Holland nos inserta en el ambiente vienés de 1824, realza el protagonismo de Anna Holz, y nos acerca al corazón de sus personajes. Así también nos revela el doloroso paralelismo afectivo de Ludwig con su díscolo sobrino Karl Van Beethoven (Joe Anderson).
Aunque la presencia de Beethoven es arrolladora - y admirablemente encarnada por un irreconocible Ed Harris - la verdadera protagonista es la actriz alemana Diane Kruger (Troya) cuyo personaje debe sobrevivir a los embates de amor/odio que le ocasiona su insoportable ídolo musical.
En su corazón - y en los nuestros - se debaten los huracanes de admiración e intolerancia. Se le atribuye parte del triunfo a la joven e inexperta “secretaria”. Un guiño sutil al feminismo decimonónico.
Bellos trozos incidentales con temas de Beethoven condonan las inexactitudes históricas. .
Filmada en las antiguas calles de Budapest, Hungría.
La Orquesta de la Academia de Música Antigua y los solistas contribuyeron a la espléndida banda sonora.
AUNQUE NOVELADA, TIENE MÚSICA SUBLIME, ES INGENIOSA, BIEN DOCUMENTADA, E IRRADIA DRAMATISMO PASIONAL. FIEL AL ESPÍRITU DE BEETHOVEN.
Ficha técnica
Copying Beethoven
La anciana directora polaca Agnieszka Holland (Europa, Europa - 1990 - /Olivier, Olivier - 1992), sabe narrar biografías contrastando la fragilidad de sus héroes con los eventos históricos de sus épocas.
Aquí trata de la tempestuosa relación entre una joven compositora de 23 años - Anna Holz (Diane Kruger) - quien, por admiración, ofició gratis como copista para el Genio de Bonn.
Retrata con crudeza los últimos tiempos del músico, su falta de aseo personal, los rasgos bipolares, y la pocilga pestilente en que tenía transformado su departamento.
Hay mezcla de eventos y personajes verdaderos con otros inventados para lograr mayor impacto emotivo. Además, se denuncia la misoginia de aquella sociedad frente a las mujeres compositoras.
Entre los eventos reales disfrutamos del episodio en que Beethoven - completamente sordo - dirigió a la orquesta y coros en el estreno de su sinfonía, mientras alguien, escondido tras el podio, le indicaba el ritmo, las entradas y matices del discurso musical.
Más que fidelidad por los detalles, Holland nos inserta en el ambiente vienés de 1824, realza el protagonismo de Anna Holz, y nos acerca al corazón de sus personajes. Así también nos revela el doloroso paralelismo afectivo de Ludwig con su díscolo sobrino Karl Van Beethoven (Joe Anderson).
Aunque la presencia de Beethoven es arrolladora - y admirablemente encarnada por un irreconocible Ed Harris - la verdadera protagonista es la actriz alemana Diane Kruger (Troya) cuyo personaje debe sobrevivir a los embates de amor/odio que le ocasiona su insoportable ídolo musical.
En su corazón - y en los nuestros - se debaten los huracanes de admiración e intolerancia. Se le atribuye parte del triunfo a la joven e inexperta “secretaria”. Un guiño sutil al feminismo decimonónico.
Bellos trozos incidentales con temas de Beethoven condonan las inexactitudes históricas. .
Filmada en las antiguas calles de Budapest, Hungría.
La Orquesta de la Academia de Música Antigua y los solistas contribuyeron a la espléndida banda sonora.
Ficha técnica
Copying Beethoven
2006 Biografía, ficción, música EE.UU. - 1,44 hrs.
Fotografía: Ashley Rowe
Edición: Alex Mackie
Diseño Prod.: Caroline Amies
Guion: Stephen J. Rivele, Christopher Wilkinson
Actores: Ed Harris, Diana Kruger, Matthew Goode
Dirección: Agnieszka Holland
domingo, 6 de octubre de 2024
Guasón 2: Folie à Deux - Por Jackie O.
“Entre la fantasía y realidad”
En el año 2019, llegó esta nueva versión de Guasón causando una real transformación del personaje que a todos nos cautivó. ¿Por lo que una secuela era necesaria? Si y No. No, porque era un riesgo. Si, para saber que pasaría con él dentro del psiquiátrico.
“Folie à deux”, es un término psiquiátrico, también conocido como “trastorno de delirante o trastorno psicótico compartido”, se dice que es un trastorno poco frecuente, que se caracteriza por la presencia de síntomas psicóticos, habitualmente ideas delirantes, en dos o más personas.
¿Qué nos presenta esta nueva película? Los hechos ocurren posterior a Joker 1, Arthur ya está confinado en el Hospital Estatal de Arkham, esperando su condena, por lo que nos encontramos en una cinta que se enfoca en el juicio de Arthur, su perturbada mente que la hace divagar, y en el amor a primera vista con Lee Quinzel, quien está recluida de forma voluntaria en el lugar.
Lady Gaga como Lee (Harley Quinn) inicialmente genera intriga, pero lamentablemente su dinámica no logra encenderse por completo, lo que hace que su relación sea poco aprovechada. Se basa prácticamente en su participación para los números musicales que vamos viendo, pero lo que pudo haber sido algo interesante, resulta discordante e interrumpe el flujo correcto de la narrativa, creando una situación desigual y tonalmente inconsistente, es decir, el personaje poco aprovechado, carece de desarrollo y un espectáculo tibio, ya que no se arriesga el director para que sea realmente una película de género musical, que tal vez habría funcionado. Pero Lady Gaga no es solo una excelente cantante, es una buena actriz; ¿por qué no se le sacó provecho a una sola de esas facetas?, o si quisieron las dos facetas, ¿por qué no lo hicieron con ganas, ya que finalmente la termina encasillando como cantante que es, y a medias, no apreciándo en esta ocasión sus dotes actorales? Porque su relación con el Joker tampoco se dio del todo bien. Esperaba (en mi cabecita loca) que el Joker convenciera a Lee de ser una criminal, y resultó que finalmente ella es quien lleva al Joker por mal camino. ¿Y qué pasó? No abarcaron más el trasfondo de esa manipulación o la represión policial existente, solo enfocaron esta relación en canciones y bailes entre medio que más bien molestaban, y eran canciones bellísimamente conocidas, las cuales no tenían nada que ver con el contexto en que eran insertadas.
Escenográficamente la película es impresionante, mantiene un tono sombrío, tenue, y en ocasiones eufóricamente colorido, ya que describe la historia de un enfermo mental desde su percepción de la realidad y esto hace que pierda un poco el hilo conductor de la trama entre realidad e imaginación musical, por lo que creo, y es algo en que me estoy obligando a creer, que el director lo ha hecho intencionalmente para darle un toque realista y desconcertante. Eso la hace una película muy arriesgada en diferentes aspectos, como la simplicidad de los diálogos, que incluso los siento sin una línea argumental clara. Creo que se ve como un experimento con aciertos y desaciertos (o estoy buscándole la justificación muy justificada a lo que vi)
Eso hace un guion confuso, los personajes no se desarrollan potencialmente. Lee no tiene profundidad, lo único que hace es cantar. ¿Quién es ella? ¿Por qué entra y sale del psiquiátrico sin problemas? ¿Quién es su padre?
La actuación de Joaquin Phoenix es fantástica, ya lo conocíamos, pues en la primera cinta desarrolló tan espectacularmente su personaje que estamos con él, con su tristeza que golpea, con su soledad que es abrumadora, es un real compromiso con el personaje.
Los secundarios son muy buenas las interpretaciones de la mayoría, pero se perdieron otros como, Harvey Dent, y la misma ciudad, ¡es Gotham! Es otro personaje y no se aprovechó.
En general, "Joker: Folie à Deux" es una secuela un poco decepcionante que no está a la altura de las expectativas creadas por su predecesora. Insisto en señalar que no es una mala película, no es deficiente si se mira por encima, ya que tiene una escenografía, vestuario, maquillaje, peinado, y banda sonora, muy buenas, excelente fotografía que hace de unos planos geniales, que provocan. Pero veníamos de una súper producción que estaba en el Olimpo de las alturas, y caímos de forma muy brusca, donde las decisiones narrativas y creativas perjudicaron la experiencia general.
Solo me quedo desconcertada y con preguntas varias, como ¿nunca fue el Joker, y fue producto de su caótica imaginación? ¿Fue manipulado? ¿Quién es el real Guasón?
¿Esto fue una broma del bromista director?
¿La vería de nuevo? Sí, es el Joker, es Joaquín, es Lady Gaga.
Cinta que no tiene escenas post crédito, y recomiendo ver antes el Joker 1.
Ficha técnica
Dirección: Todd Phillips
Guion : Todd Phillips y Scott Silver
Basada en The Joker de Jerry Robinson, Bill Finger y Bob Kane
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía Lawrence Sher
EEUU. 2024
Género: Suspense, Drama.
Duración 138 minutos
En el año 2019, llegó esta nueva versión de Guasón causando una real transformación del personaje que a todos nos cautivó. ¿Por lo que una secuela era necesaria? Si y No. No, porque era un riesgo. Si, para saber que pasaría con él dentro del psiquiátrico.
“Folie à deux”, es un término psiquiátrico, también conocido como “trastorno de delirante o trastorno psicótico compartido”, se dice que es un trastorno poco frecuente, que se caracteriza por la presencia de síntomas psicóticos, habitualmente ideas delirantes, en dos o más personas.
¿Qué nos presenta esta nueva película? Los hechos ocurren posterior a Joker 1, Arthur ya está confinado en el Hospital Estatal de Arkham, esperando su condena, por lo que nos encontramos en una cinta que se enfoca en el juicio de Arthur, su perturbada mente que la hace divagar, y en el amor a primera vista con Lee Quinzel, quien está recluida de forma voluntaria en el lugar.
Lady Gaga como Lee (Harley Quinn) inicialmente genera intriga, pero lamentablemente su dinámica no logra encenderse por completo, lo que hace que su relación sea poco aprovechada. Se basa prácticamente en su participación para los números musicales que vamos viendo, pero lo que pudo haber sido algo interesante, resulta discordante e interrumpe el flujo correcto de la narrativa, creando una situación desigual y tonalmente inconsistente, es decir, el personaje poco aprovechado, carece de desarrollo y un espectáculo tibio, ya que no se arriesga el director para que sea realmente una película de género musical, que tal vez habría funcionado. Pero Lady Gaga no es solo una excelente cantante, es una buena actriz; ¿por qué no se le sacó provecho a una sola de esas facetas?, o si quisieron las dos facetas, ¿por qué no lo hicieron con ganas, ya que finalmente la termina encasillando como cantante que es, y a medias, no apreciándo en esta ocasión sus dotes actorales? Porque su relación con el Joker tampoco se dio del todo bien. Esperaba (en mi cabecita loca) que el Joker convenciera a Lee de ser una criminal, y resultó que finalmente ella es quien lleva al Joker por mal camino. ¿Y qué pasó? No abarcaron más el trasfondo de esa manipulación o la represión policial existente, solo enfocaron esta relación en canciones y bailes entre medio que más bien molestaban, y eran canciones bellísimamente conocidas, las cuales no tenían nada que ver con el contexto en que eran insertadas.
Escenográficamente la película es impresionante, mantiene un tono sombrío, tenue, y en ocasiones eufóricamente colorido, ya que describe la historia de un enfermo mental desde su percepción de la realidad y esto hace que pierda un poco el hilo conductor de la trama entre realidad e imaginación musical, por lo que creo, y es algo en que me estoy obligando a creer, que el director lo ha hecho intencionalmente para darle un toque realista y desconcertante. Eso la hace una película muy arriesgada en diferentes aspectos, como la simplicidad de los diálogos, que incluso los siento sin una línea argumental clara. Creo que se ve como un experimento con aciertos y desaciertos (o estoy buscándole la justificación muy justificada a lo que vi)
Eso hace un guion confuso, los personajes no se desarrollan potencialmente. Lee no tiene profundidad, lo único que hace es cantar. ¿Quién es ella? ¿Por qué entra y sale del psiquiátrico sin problemas? ¿Quién es su padre?
La actuación de Joaquin Phoenix es fantástica, ya lo conocíamos, pues en la primera cinta desarrolló tan espectacularmente su personaje que estamos con él, con su tristeza que golpea, con su soledad que es abrumadora, es un real compromiso con el personaje.
Los secundarios son muy buenas las interpretaciones de la mayoría, pero se perdieron otros como, Harvey Dent, y la misma ciudad, ¡es Gotham! Es otro personaje y no se aprovechó.
En general, "Joker: Folie à Deux" es una secuela un poco decepcionante que no está a la altura de las expectativas creadas por su predecesora. Insisto en señalar que no es una mala película, no es deficiente si se mira por encima, ya que tiene una escenografía, vestuario, maquillaje, peinado, y banda sonora, muy buenas, excelente fotografía que hace de unos planos geniales, que provocan. Pero veníamos de una súper producción que estaba en el Olimpo de las alturas, y caímos de forma muy brusca, donde las decisiones narrativas y creativas perjudicaron la experiencia general.
Solo me quedo desconcertada y con preguntas varias, como ¿nunca fue el Joker, y fue producto de su caótica imaginación? ¿Fue manipulado? ¿Quién es el real Guasón?
¿Esto fue una broma del bromista director?
¿La vería de nuevo? Sí, es el Joker, es Joaquín, es Lady Gaga.
Cinta que no tiene escenas post crédito, y recomiendo ver antes el Joker 1.
Ficha técnica
Dirección: Todd Phillips
Guion : Todd Phillips y Scott Silver
Basada en The Joker de Jerry Robinson, Bill Finger y Bob Kane
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía Lawrence Sher
EEUU. 2024
Género: Suspense, Drama.
Duración 138 minutos
Guasón 2: Folie à Deux - Por Pablo Croquevielle
¿Es. "Joker 2", tan mala como dicen? No, solo es mediocre como mucho. Este 2024 hemos tenido películas que se han quedado en el inconsciente colectivo por lo buenas, arriesgadas, originales, divertidas y provocativas.
Al mismo tiempo, hemos tenido lamentables estrenos que son olvidables y derechamente malas. Ejemplos como Madam Web, Rebel Moon Pt2, El Cuervo, y otras que han golpeado a los estudios haciéndoles entender lo que la gente NO quiere ver.
Y luego tenemos la secuela de Joker (2019). La primera fue una película que es considerada más un “estudio de personaje” que otra cosa, pero que, de algún modo, caló hondo en la audiencia ese año. Los raros, los vengativos, los tristes, los que se sentían perjudicados por el sistema, se vieron reflejados en la desgracia de Arthur Fleck y como de repente explota para poner “patas para arriba” a la ciudad de Gotham, convirtiéndolo en un símbolo anti sistema dentro y fuera de la pantalla.
La cinta llegó a ganar innumerables premios, entre ellos Joaquin Phoenix se alzó ganador en la ceremonia de los premios Óscar como mejor actor gracias a su interpretación y Joker logró subir al estatus de “película de culto”.
Todd Phillips, su director, aclaró que la cinta NO tendría secuela, que era una película unitaria y listo. Pero esta alcanzó tanto nivel de fama y recaudó mucho dinero que Warner decidió, en contra de lo dicho por el director, que debería tener continuación, total a la gente le encantaría seguir viendo más del Joker, más del pobre de Arthur Fleck.
Y porque al final la codicia mueve más que una idea de una sola vez, pues cinco años después tenemos su secuela: “Joker: Folie à Deux” ("Locura de a dos", según la traducción francesa) y creo que todo lo mal que salió fue una movida maestra de Phillips. La hizo así, deliberadamente, sin ganas, desordenada y con una historia que se siente más una especie de epíilogo más que una secuela…y que no pasa casi nada.
Dos años después de lo sucedido en Gotham, con esa noche de furia de parte de Joker, Arthur está en el psiquiátrico Arkham esperando el juicio que le dará su condena. Siendo la burla de los guardias y una celebridad para los pacientes, conoce por casualidad a Harleen “Lee” Quinzel (Lady Gaga), una paciente del lugar con la que establece un vínculo donde finalmente Arthur siente que por fin puede ser una persona amada, sin entender que ella solo ama al Joker y lo que representa, no a la persona.
El gran problema de esta película no es ser un (anti) musical y tampoco Lady Gaga (como ciertos “cinéfilos” andan reclamando en internet). Sus deficiencias son otras y son bastante notorias, partiendo por que esta se siente más una especie de epilogo de la primera, un cierre a lo visto anteriormente, a lo que pasó después, una historia perdida para cerrar la original. Pero con el (des) propósito de que aquí se convierte en una película de juicio, abogados, jueces, jurados y un público expectante a lo que se ha convertido en una especie de show para las masas (está siendo televisado).
Y salvo pequeños destellos de ideas que podrían funcionar, rápidamente se cortan y termina quedando en un “esto podría haber sido así”.
"Joker 2" peca de ser pretenciosa, de querer mostrarle al público que es profunda, seria, artística y que tiene simbolismos. Que sus escenas musicales tenían fuerza pero que la desaprovecharon, que su hermosa fotografía peca de no entregarnos nada.
Esta es una película de fallidas intenciones, estoy seguro que encontrarás muchos videos diciendo que es de lo peor del año y no estoy de acuerdo, solo es mediocre, solo es una cinta que no debió de haber existido. Es una cinta olvidable, una que el próximo año nadie hablará de ella.
Sin embargo a Phillips no le importa, esta concentrado en hacer una “anti película”, una destrucción del sistema desde adentro y de forma intencional
El dijo que su historia NO debía tener secuela y le obligaron a crear una…pues buen, aquí tienen su secuela, caballeros.
Y eso, es una jugada maestra.
Al mismo tiempo, hemos tenido lamentables estrenos que son olvidables y derechamente malas. Ejemplos como Madam Web, Rebel Moon Pt2, El Cuervo, y otras que han golpeado a los estudios haciéndoles entender lo que la gente NO quiere ver.
Y luego tenemos la secuela de Joker (2019). La primera fue una película que es considerada más un “estudio de personaje” que otra cosa, pero que, de algún modo, caló hondo en la audiencia ese año. Los raros, los vengativos, los tristes, los que se sentían perjudicados por el sistema, se vieron reflejados en la desgracia de Arthur Fleck y como de repente explota para poner “patas para arriba” a la ciudad de Gotham, convirtiéndolo en un símbolo anti sistema dentro y fuera de la pantalla.
La cinta llegó a ganar innumerables premios, entre ellos Joaquin Phoenix se alzó ganador en la ceremonia de los premios Óscar como mejor actor gracias a su interpretación y Joker logró subir al estatus de “película de culto”.
Todd Phillips, su director, aclaró que la cinta NO tendría secuela, que era una película unitaria y listo. Pero esta alcanzó tanto nivel de fama y recaudó mucho dinero que Warner decidió, en contra de lo dicho por el director, que debería tener continuación, total a la gente le encantaría seguir viendo más del Joker, más del pobre de Arthur Fleck.
Y porque al final la codicia mueve más que una idea de una sola vez, pues cinco años después tenemos su secuela: “Joker: Folie à Deux” ("Locura de a dos", según la traducción francesa) y creo que todo lo mal que salió fue una movida maestra de Phillips. La hizo así, deliberadamente, sin ganas, desordenada y con una historia que se siente más una especie de epíilogo más que una secuela…y que no pasa casi nada.
Dos años después de lo sucedido en Gotham, con esa noche de furia de parte de Joker, Arthur está en el psiquiátrico Arkham esperando el juicio que le dará su condena. Siendo la burla de los guardias y una celebridad para los pacientes, conoce por casualidad a Harleen “Lee” Quinzel (Lady Gaga), una paciente del lugar con la que establece un vínculo donde finalmente Arthur siente que por fin puede ser una persona amada, sin entender que ella solo ama al Joker y lo que representa, no a la persona.
El gran problema de esta película no es ser un (anti) musical y tampoco Lady Gaga (como ciertos “cinéfilos” andan reclamando en internet). Sus deficiencias son otras y son bastante notorias, partiendo por que esta se siente más una especie de epilogo de la primera, un cierre a lo visto anteriormente, a lo que pasó después, una historia perdida para cerrar la original. Pero con el (des) propósito de que aquí se convierte en una película de juicio, abogados, jueces, jurados y un público expectante a lo que se ha convertido en una especie de show para las masas (está siendo televisado).
Y salvo pequeños destellos de ideas que podrían funcionar, rápidamente se cortan y termina quedando en un “esto podría haber sido así”.
"Joker 2" peca de ser pretenciosa, de querer mostrarle al público que es profunda, seria, artística y que tiene simbolismos. Que sus escenas musicales tenían fuerza pero que la desaprovecharon, que su hermosa fotografía peca de no entregarnos nada.
Esta es una película de fallidas intenciones, estoy seguro que encontrarás muchos videos diciendo que es de lo peor del año y no estoy de acuerdo, solo es mediocre, solo es una cinta que no debió de haber existido. Es una cinta olvidable, una que el próximo año nadie hablará de ella.
Sin embargo a Phillips no le importa, esta concentrado en hacer una “anti película”, una destrucción del sistema desde adentro y de forma intencional
El dijo que su historia NO debía tener secuela y le obligaron a crear una…pues buen, aquí tienen su secuela, caballeros.
Y eso, es una jugada maestra.
Ficha técnica
Título original: Joker 2: Folie a Deux
Año: 2024
Duración: 138 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Todd Phillips
Guion: Scott Silver, Todd Phillips.
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía: Lawrence Sher
Actores: Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson, Jacob Lofland, Harry Lawtey, Bill Smitrovich
Productora: Warner Bros, DC Studios
Género: Thriller, Drama, Musical, Romance
Fecha de Estreno en Chile: Jueves 3 de Octubre de 2024
Distribuido en Chile por: Warner Bros Chile
viernes, 4 de octubre de 2024
Guasón 2: Folie à Deux - Por Carlos Correa Acuña
El primer “Joker” del director Todd Phillips, estrenada en octubre de 2019, me impactó. A los pocos días vino el llamado “estallido social” en Chile, momento en el que parecía que muchas secuencias de la película se hacían realidad. Muy significativa fue esa coincidencia. El azar juntó dos hechos tan distintos pero con tantas similitudes que era difícil sustraerse a la pregunta de fondo que formulé en mi escrito en esa oportunidad: “la violencia, el fanatismo y el caos, ¿sucede solo como respuesta? ¿Es lícito responder así, con una escalada que crece y crece, y que a poco andar ya está fuera de control? ¿El fin justifica los medios? ¿Abordar una temática así, crudamente, incita a más violencia? La reflexión sigue abierta, pero luego de cinco años, indudablemente tenemos otra perspectiva.
No podía dejar de iniciar este comentario con la introducción anterior, porque al saber que venía en camino una secuela de aquella película mi pregunta era solo una: ¿qué enfoque tendrá esta vez, si parece que ya se hubiese dicho y hecho todo en la primera? Trataré de responder esta interrogante en las siguientes líneas. Veamos si lo consigo.
La trama indica que luego de los caóticos acontecimientos, Arthur Fleck -Joaquin Phoenix -, ha sido internado en Arkham a la espera de su juicio. La espera es larga, pero toca la coincidencia que conoce por casualidad a una interna llamada Harleen Quinzel -Lady Gaga-, con quien establece una conexión inmediata. El interés es mutuo, y entre ellos se da una química instantánea. Arthur ve en Lee, su complemento; Lee siente curiosidad por Arthur, y ve en él un alma gemela, desde varios puntos de vista. Lo que vendrá a continuación es el desarrollo de todos estos elementos, el juicio y posterior desenlace de la historia.
“Joker: Folie à Deux”, (“locura de dos” en francés, y que hace referencia a un trastorno psicótico compartido, también conocido como “psicosis compartida” o “trastorno delirante compartido”) es un verdadero duelo. Digo duelo como desafío, pero también lo entiendo como una pérdida. Me explico. En primera instancia está el desafío de dos personalidades especiales que, siendo tan diferentes, parecen complementarse y potenciarse de forma exponencial. De Arthur ya conocemos su historia, aquello que lo ha dañado y el por qué de muchas de sus acciones. A Harley Quinn recién la estamos conociendo, pero es como si siempre hubiese estado allí, cercana, enfocada, precisa, y dueña de sí misma. Estos dos personajes parecen batirse a duelo, sin confrontación, por ir más allá, por explorar fuera de sus fronteras y extender los límites hasta las últimas consecuencias. ¿Y las pérdidas? Primero, corresponden a las transformaciones, aquello que se deja atrás para dar paso a otras formas; y segundo, todo eso que irremediablemente se torna ausente y desaparece con el paso del tiempo.
La mano de Todd Phillips se nota en todo momento. La unidad existente con la primera entrega es notable, y no hay nada dejado al azar. La filmación es realmente estupenda -inigualable verla en la nueva sala Imax-, por lo que cinematográficamente tiene una enorme altura. Aunque sea insistente, es una experiencia que hace única la ida al Cine. La música de Hildur Guðnadóttir, partitura de excelencia, también va en línea con la cinta anterior, esta vez rescatando los motivos, especialmente esa inquietante tercera menor que pasa a ser casi un leitmotiv, la que combinada con canciones, constituye una banda sonora que no solo llama la atención sino que resulta totalmente imprescindible.
Tal vez el mayor desafío y lo mejor del filme lo constituyan las actuaciones. Joaquin Phoenix ganó el Óscar la vez anterior, por lo que evolucionar con el personaje no resulta nada fácil. Y vaya que lo logra, no mucho en lo externo sino justamente en el aspecto contrario, en la intimidad de Arthur y en dejar entrever su personalidad, sus sentimientos, sus frustraciones y sus rabias. Ayuda mucho el director de fotografía, Lawrence Sher, al encajar unos primerísimos planos impresionantes que se transforman en pequeños agujeros por los que se cuela el alma del protagonista. Lady Gaga, por su parte, de quien ya conocemos ampliamente sus dotes histriónicas, es la pareja ideal para un personaje complejo, no solo por resultar una pareja natural, sino que también por aportar otros grados de dificultad al desarrollo, sin dejar de ser ella, independiente, misteriosa, con una gran cuota de liderazgo y determinación.
Esta cinta no es formalmente un musical, sin embargo hay mucha música presente. Joaquin Phoenix y Lady Gaga cantan bastante, en varios “números”, y con gran sincronía. Y acá un punto. Ella hace lo que quiere con su voz, ¡qué manejo tiene, impresionante!, sobre todo para no opacar a quien no es cantante y se defiende dignamente gracias a su gran carisma, y a colores vocales especiales, propios de su personaje. Gran dupla, contenida y expresiva; íntima y, al mismo tiempo, extrovertida.
Disfruté de principio a fin con esta secuela largamente esperada. Es cierto que la historia no tiene un gran vuelo, que hay poca acción, que puede haber confusiones de ambientes, y tal vez algunos baches en el camino. Los perdono, y eso que soy muy duro con esto en muchas oportunidades. Por qué, dirán ustedes. Porque me centro en lo indescifrable de las capas internas de los personajes, en esa tensión sumergida, en lo subterráneo, en lo que no se ve pero se puede percibir y sentir. Eso es para mí la experiencia de entrar de lleno en una película íntima, triste, desgarradora y demoledora, una obra que no concluye con lo que muestra en la pantalla, sino que se sigue desarrollando mientras la recuerdo, mientras la analizo, y mientras la descompongo para escribir este comentario. Y sobre todo cuando provoca sensaciones, cuando influye en nuestros estados de ánimo, y cuando vemos que un mismo trabajo llega de maneras tan distintas a cada persona, dependiendo de su historia, del momento en que estamos, o producto de un sinfín de otras razones.
Estamos en presencia de arte con letras grandes, controversial, disruptivo y provocador. Y es para discutirlo, para debatir, para expresar lo que nos genera y formarnos opinión. Todd Phillips lo impulsa y Joker: Folie à Deux”, lo expone a toda pantalla. Ahora nos toca a nosotros completar el trabajo sin dejar pasar esta película. Imperdible.
Ficha técnica
Título original: Joker: Folie à Deux
Año: 2024
Duración: 138 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Warner Bros., Joint Effort, DC Studios, Bron Studios, Sikelia Productions, Village Roadshow, Bron Creative. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Thriller. Drama. Musical | Secuela. Crimen. Cómic. DC Comics
Guion: Scott Silver, Todd Phillips. Personajes: DC Comics
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía: Lawrence Sher
Reparto: Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson, Catherine Keener, Zazie Beetz
Dirección: Todd Phillips
No podía dejar de iniciar este comentario con la introducción anterior, porque al saber que venía en camino una secuela de aquella película mi pregunta era solo una: ¿qué enfoque tendrá esta vez, si parece que ya se hubiese dicho y hecho todo en la primera? Trataré de responder esta interrogante en las siguientes líneas. Veamos si lo consigo.
La trama indica que luego de los caóticos acontecimientos, Arthur Fleck -Joaquin Phoenix -, ha sido internado en Arkham a la espera de su juicio. La espera es larga, pero toca la coincidencia que conoce por casualidad a una interna llamada Harleen Quinzel -Lady Gaga-, con quien establece una conexión inmediata. El interés es mutuo, y entre ellos se da una química instantánea. Arthur ve en Lee, su complemento; Lee siente curiosidad por Arthur, y ve en él un alma gemela, desde varios puntos de vista. Lo que vendrá a continuación es el desarrollo de todos estos elementos, el juicio y posterior desenlace de la historia.
“Joker: Folie à Deux”, (“locura de dos” en francés, y que hace referencia a un trastorno psicótico compartido, también conocido como “psicosis compartida” o “trastorno delirante compartido”) es un verdadero duelo. Digo duelo como desafío, pero también lo entiendo como una pérdida. Me explico. En primera instancia está el desafío de dos personalidades especiales que, siendo tan diferentes, parecen complementarse y potenciarse de forma exponencial. De Arthur ya conocemos su historia, aquello que lo ha dañado y el por qué de muchas de sus acciones. A Harley Quinn recién la estamos conociendo, pero es como si siempre hubiese estado allí, cercana, enfocada, precisa, y dueña de sí misma. Estos dos personajes parecen batirse a duelo, sin confrontación, por ir más allá, por explorar fuera de sus fronteras y extender los límites hasta las últimas consecuencias. ¿Y las pérdidas? Primero, corresponden a las transformaciones, aquello que se deja atrás para dar paso a otras formas; y segundo, todo eso que irremediablemente se torna ausente y desaparece con el paso del tiempo.
La mano de Todd Phillips se nota en todo momento. La unidad existente con la primera entrega es notable, y no hay nada dejado al azar. La filmación es realmente estupenda -inigualable verla en la nueva sala Imax-, por lo que cinematográficamente tiene una enorme altura. Aunque sea insistente, es una experiencia que hace única la ida al Cine. La música de Hildur Guðnadóttir, partitura de excelencia, también va en línea con la cinta anterior, esta vez rescatando los motivos, especialmente esa inquietante tercera menor que pasa a ser casi un leitmotiv, la que combinada con canciones, constituye una banda sonora que no solo llama la atención sino que resulta totalmente imprescindible.
Tal vez el mayor desafío y lo mejor del filme lo constituyan las actuaciones. Joaquin Phoenix ganó el Óscar la vez anterior, por lo que evolucionar con el personaje no resulta nada fácil. Y vaya que lo logra, no mucho en lo externo sino justamente en el aspecto contrario, en la intimidad de Arthur y en dejar entrever su personalidad, sus sentimientos, sus frustraciones y sus rabias. Ayuda mucho el director de fotografía, Lawrence Sher, al encajar unos primerísimos planos impresionantes que se transforman en pequeños agujeros por los que se cuela el alma del protagonista. Lady Gaga, por su parte, de quien ya conocemos ampliamente sus dotes histriónicas, es la pareja ideal para un personaje complejo, no solo por resultar una pareja natural, sino que también por aportar otros grados de dificultad al desarrollo, sin dejar de ser ella, independiente, misteriosa, con una gran cuota de liderazgo y determinación.
Esta cinta no es formalmente un musical, sin embargo hay mucha música presente. Joaquin Phoenix y Lady Gaga cantan bastante, en varios “números”, y con gran sincronía. Y acá un punto. Ella hace lo que quiere con su voz, ¡qué manejo tiene, impresionante!, sobre todo para no opacar a quien no es cantante y se defiende dignamente gracias a su gran carisma, y a colores vocales especiales, propios de su personaje. Gran dupla, contenida y expresiva; íntima y, al mismo tiempo, extrovertida.
Disfruté de principio a fin con esta secuela largamente esperada. Es cierto que la historia no tiene un gran vuelo, que hay poca acción, que puede haber confusiones de ambientes, y tal vez algunos baches en el camino. Los perdono, y eso que soy muy duro con esto en muchas oportunidades. Por qué, dirán ustedes. Porque me centro en lo indescifrable de las capas internas de los personajes, en esa tensión sumergida, en lo subterráneo, en lo que no se ve pero se puede percibir y sentir. Eso es para mí la experiencia de entrar de lleno en una película íntima, triste, desgarradora y demoledora, una obra que no concluye con lo que muestra en la pantalla, sino que se sigue desarrollando mientras la recuerdo, mientras la analizo, y mientras la descompongo para escribir este comentario. Y sobre todo cuando provoca sensaciones, cuando influye en nuestros estados de ánimo, y cuando vemos que un mismo trabajo llega de maneras tan distintas a cada persona, dependiendo de su historia, del momento en que estamos, o producto de un sinfín de otras razones.
Estamos en presencia de arte con letras grandes, controversial, disruptivo y provocador. Y es para discutirlo, para debatir, para expresar lo que nos genera y formarnos opinión. Todd Phillips lo impulsa y Joker: Folie à Deux”, lo expone a toda pantalla. Ahora nos toca a nosotros completar el trabajo sin dejar pasar esta película. Imperdible.
Ficha técnica
Título original: Joker: Folie à Deux
Año: 2024
Duración: 138 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Warner Bros., Joint Effort, DC Studios, Bron Studios, Sikelia Productions, Village Roadshow, Bron Creative. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Thriller. Drama. Musical | Secuela. Crimen. Cómic. DC Comics
Guion: Scott Silver, Todd Phillips. Personajes: DC Comics
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía: Lawrence Sher
Reparto: Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson, Catherine Keener, Zazie Beetz
Dirección: Todd Phillips
"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 4 de Octubre 2024
El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Alejandro Caro en el Programa Semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.
Francesco - Por Jackie O.
“Te deseo paz y bienestar para ti y los tuyos"
Sinopsis: En 1226, después de la muerte de San Francisco de Asís, sus amigos más cercanos, entre ellos Santa Clara, hablan de la vida del Santo. Francisco nace en el seno de una familia de ricos comerciantes y vive rodeado de comodidades. Pero un día se encuentra cara a cara con el sufrimiento humano, y su existencia cambia radicalmente: la existencia de Dios se le hizo patente a través de los pobres, y desde entonces decidió vivir como Jesucristo, renunciando a todas sus riquezas y viviendo en comunión con la naturaleza.
Segunda película hasta ese momento de esta directora sobre el Santo de los pobres, animales y naturaleza.
Una película que nos habla de un joven italiano, personificado por un estadounidense que se ve muy estadounidense y además guapo.
Estamos en el momento en que Francisco muere y sus amigos se reúnen con el fin de escribir los detalles de la vida que tuvieron con él. Así vamos conociendo, en parte, esas dudas y frustraciones que mantenía, cómo de llevar una vida ostentosa y de lujuria, lo dejó todo para compartir con los más necesitados.
No sé las razones de la directora para haber elegido a dos personas no italianas para personificar los roles principales, (o tal vez fue para catapultar su carrera). Me refiero a la inglesa Helena Bohanm Carter, a quien el rol le queda muy bien, ya que el maquillaje y su aspecto europeo ayudaron a acercanos a Santa Clara. Y aunque en otras adaptaciones cinematográficas, Francisco de Asís no ha sido precisamente interpretado por un italiano, sí tenían rasgos que nos acercaban a él y lo hacían creíble, en cambio Mickey Rourke, es un “niño lindo” (era), y aunque se esfuerza en parecer humilde y feo bajo la suciedad, no le queda, aunque se nota su trabajo profesional para ser tomado en serio en este rol de Santo; hace una correcta interpretación. Pero no puedo no dejar de mencionar que mantiene escenas de desnudos que sus fans amarán y menos se le tomará en serio como Santo.
Las actuaciones del resto son buenas, vestuario y maquillaje acorde a la época. La fotografía aporta mucho a la historia que nos cuenta, dando un ambiente más intimista y real, con una emotiva y escasa banda sonora.
En cuanto al guion, no queda claro las motivaciones reales de su actuar, ya que en ocasiones más parecía un hombre con sus facultades mentales perturbadas que un coherente hombre que vive un camino de cambio espiritual.
Para quienes no conocen la historia de este Santo, no les recomiendo esta película como para inmiscuirse en su vida, pues la edición es terriblemente deficiente, con saltos temporales inentendibles y, habiendo centenares de películas con saltos temporales que sí mantienen una continuidad lógica, esta no la tiene. Por lo que para principiantes que quieran ver una historia de Francisco de Asís, y no desmerecer el trabajo de esta gran directora, años después hizo otra película de Francisco, la cual es mucho mejor y más cautivadora.
Vidas de Santos son interesantes de ver, donde conocemos a personas que, de alguna forma, cambiaron su vida para otros, que internamente creían en algo más grande, y sin un interés oculto que casi todo ser humano tiene cuando predica las buenas intenciones.
Historias que nos invitan a ser mejores personas.
Disponible en primeVideo.
Sinopsis: En 1226, después de la muerte de San Francisco de Asís, sus amigos más cercanos, entre ellos Santa Clara, hablan de la vida del Santo. Francisco nace en el seno de una familia de ricos comerciantes y vive rodeado de comodidades. Pero un día se encuentra cara a cara con el sufrimiento humano, y su existencia cambia radicalmente: la existencia de Dios se le hizo patente a través de los pobres, y desde entonces decidió vivir como Jesucristo, renunciando a todas sus riquezas y viviendo en comunión con la naturaleza.
Segunda película hasta ese momento de esta directora sobre el Santo de los pobres, animales y naturaleza.
Una película que nos habla de un joven italiano, personificado por un estadounidense que se ve muy estadounidense y además guapo.
Estamos en el momento en que Francisco muere y sus amigos se reúnen con el fin de escribir los detalles de la vida que tuvieron con él. Así vamos conociendo, en parte, esas dudas y frustraciones que mantenía, cómo de llevar una vida ostentosa y de lujuria, lo dejó todo para compartir con los más necesitados.
No sé las razones de la directora para haber elegido a dos personas no italianas para personificar los roles principales, (o tal vez fue para catapultar su carrera). Me refiero a la inglesa Helena Bohanm Carter, a quien el rol le queda muy bien, ya que el maquillaje y su aspecto europeo ayudaron a acercanos a Santa Clara. Y aunque en otras adaptaciones cinematográficas, Francisco de Asís no ha sido precisamente interpretado por un italiano, sí tenían rasgos que nos acercaban a él y lo hacían creíble, en cambio Mickey Rourke, es un “niño lindo” (era), y aunque se esfuerza en parecer humilde y feo bajo la suciedad, no le queda, aunque se nota su trabajo profesional para ser tomado en serio en este rol de Santo; hace una correcta interpretación. Pero no puedo no dejar de mencionar que mantiene escenas de desnudos que sus fans amarán y menos se le tomará en serio como Santo.
Las actuaciones del resto son buenas, vestuario y maquillaje acorde a la época. La fotografía aporta mucho a la historia que nos cuenta, dando un ambiente más intimista y real, con una emotiva y escasa banda sonora.
En cuanto al guion, no queda claro las motivaciones reales de su actuar, ya que en ocasiones más parecía un hombre con sus facultades mentales perturbadas que un coherente hombre que vive un camino de cambio espiritual.
Para quienes no conocen la historia de este Santo, no les recomiendo esta película como para inmiscuirse en su vida, pues la edición es terriblemente deficiente, con saltos temporales inentendibles y, habiendo centenares de películas con saltos temporales que sí mantienen una continuidad lógica, esta no la tiene. Por lo que para principiantes que quieran ver una historia de Francisco de Asís, y no desmerecer el trabajo de esta gran directora, años después hizo otra película de Francisco, la cual es mucho mejor y más cautivadora.
Vidas de Santos son interesantes de ver, donde conocemos a personas que, de alguna forma, cambiaron su vida para otros, que internamente creían en algo más grande, y sin un interés oculto que casi todo ser humano tiene cuando predica las buenas intenciones.
Historias que nos invitan a ser mejores personas.
Disponible en primeVideo.
Ficha técnica
Dirección: Liliana Cavani
Guion Liliana Cavani y Roberta Mazoni
Música Vangelis
Fotografía Roger Deakins
Montaje Gabriella Cristiani
Vestuario Danilo Donati
Protagonistas Mickey Rourke, Helena Bonham Carter, Nikolaus Dutsch , Peter Berling, Fabio Bussotti
País: Italia y Alemania
Año: 1989
Dirección: Liliana Cavani
Guion Liliana Cavani y Roberta Mazoni
Música Vangelis
Fotografía Roger Deakins
Montaje Gabriella Cristiani
Vestuario Danilo Donati
Protagonistas Mickey Rourke, Helena Bonham Carter, Nikolaus Dutsch , Peter Berling, Fabio Bussotti
País: Italia y Alemania
Año: 1989
Idiomas: Italiano e Inglés
Género: Drama, religión.
Curiosidades en cuanto a la duración:
104 min (Alemania)
150 min (Italia)
133 min (Argentina)
Género: Drama, religión.
Curiosidades en cuanto a la duración:
104 min (Alemania)
150 min (Italia)
133 min (Argentina)
Francesco (1989) - Por José Luis Nicolás
Francisco, el fraile más célebre de Asís, ha muerto. Algunos miembros de la Orden de los Hermanos Menores, que él fundó, se reúnen en un lugar perdido de los campos de ese municipio de la península itálica, para hacer memoria de su vida. Es más, uno de los hermanos, de nombre León, toma nota de los testimonios que van surgiendo espontáneamente.
Así comienza Francesco, una película italiana (hablada en Inglés) de 1989, dirigida por Liliana Cavani. Cavani nació en 1936, en la provincia de Emilia-Romaña, y desde pequeña anidó en su corazón el deseo de convertirse en cineasta.
Lo curioso es que debutó en la pantalla grande con una cinta sobre el santo amigo de los pobres: Francesco d'Assisi se llamó el largometraje, estrenado en 1966. En aquella oportunidad la realizadora quiso retratar al fraile como un luchador social. No quedó conforme con el resultado.
23 años después, Cavani volvió a la carga con la firme convicción de alcanzar un retrato adecuado al legado del promotor de la devoción a la Inmaculada Concepción (hoy dogma mariano de la Iglesia Católica). Para reforzar el proyecto, siguió el ejemplo de los próceres del neorrealismo italiano, y convocó a estrellas de las industrias estadounidense y británica.
A Francisco de Asís lo encarnó Mickey Rourke: a la sazón, una mega estrella y galán incorregible. Rourke venía de películas que causaron mucho revuelo, como 9 semanas y media (coprotagonizada por Kim Bassinger), donde personificó a la antítesis del Santo del medioevo.
Helena Bonham Carter le dio vida a Clara, la gran compañera y colaboradora de Francisco. La intérprete británica llegó al lugar de filmación con una carrera en alza. Bonham Carter explotaría recién en la década de 1990 de la mano de directores como James Ivory y Tim Burton. En Francesco dotó a su papel de una mística creíble y profunda.
Sin embargo, el resultado nuevamente no convenció a la directora Liliana Cavani, que lo intentaría una vez más en 2014, con un telefilme distribuido por la RAI. Tal vez la desanimaron las críticas que apuntaron a una trama confusa y a aspectos técnicos que no aportaron al relato. En aquellos años se enjuició al laureado Vangelis por haber compuesto una banda sonora que no comulgó con la atmósfera del filme.
Pese a los reproches, en Francesco se invita a la audiencia a meditar sobre la transformación de un hombre de mundo, que trazó su camino al paraíso eterno despojándose de la riqueza terrenal, y viviendo entre los más necesitados. Para ver y valorar esta película se requiere paciencia, calma y nada más.
Disponible en Prime Video.
Ficha técnica
Año: 1989
Duración: 118 minutos
País: Italia
Dirección: Liliana Cavani
Guión: Liliana Cavani, Roberta Mazzoni
Reparto: Mickey Rourke, Helena Bonham Carter, Mario Adorf, Andrea Ferréol
Música: Vangelis
Fotografía: Ennio Guarnieri, Giuseppe Lanci
Compañías: Coproducción Italia-Alemania; Istituto Luce, Karol Film, Rai 1, Royal Film
Así comienza Francesco, una película italiana (hablada en Inglés) de 1989, dirigida por Liliana Cavani. Cavani nació en 1936, en la provincia de Emilia-Romaña, y desde pequeña anidó en su corazón el deseo de convertirse en cineasta.
Lo curioso es que debutó en la pantalla grande con una cinta sobre el santo amigo de los pobres: Francesco d'Assisi se llamó el largometraje, estrenado en 1966. En aquella oportunidad la realizadora quiso retratar al fraile como un luchador social. No quedó conforme con el resultado.
23 años después, Cavani volvió a la carga con la firme convicción de alcanzar un retrato adecuado al legado del promotor de la devoción a la Inmaculada Concepción (hoy dogma mariano de la Iglesia Católica). Para reforzar el proyecto, siguió el ejemplo de los próceres del neorrealismo italiano, y convocó a estrellas de las industrias estadounidense y británica.
A Francisco de Asís lo encarnó Mickey Rourke: a la sazón, una mega estrella y galán incorregible. Rourke venía de películas que causaron mucho revuelo, como 9 semanas y media (coprotagonizada por Kim Bassinger), donde personificó a la antítesis del Santo del medioevo.
Helena Bonham Carter le dio vida a Clara, la gran compañera y colaboradora de Francisco. La intérprete británica llegó al lugar de filmación con una carrera en alza. Bonham Carter explotaría recién en la década de 1990 de la mano de directores como James Ivory y Tim Burton. En Francesco dotó a su papel de una mística creíble y profunda.
Sin embargo, el resultado nuevamente no convenció a la directora Liliana Cavani, que lo intentaría una vez más en 2014, con un telefilme distribuido por la RAI. Tal vez la desanimaron las críticas que apuntaron a una trama confusa y a aspectos técnicos que no aportaron al relato. En aquellos años se enjuició al laureado Vangelis por haber compuesto una banda sonora que no comulgó con la atmósfera del filme.
Pese a los reproches, en Francesco se invita a la audiencia a meditar sobre la transformación de un hombre de mundo, que trazó su camino al paraíso eterno despojándose de la riqueza terrenal, y viviendo entre los más necesitados. Para ver y valorar esta película se requiere paciencia, calma y nada más.
Disponible en Prime Video.
Ficha técnica
Año: 1989
Duración: 118 minutos
País: Italia
Dirección: Liliana Cavani
Guión: Liliana Cavani, Roberta Mazzoni
Reparto: Mickey Rourke, Helena Bonham Carter, Mario Adorf, Andrea Ferréol
Música: Vangelis
Fotografía: Ennio Guarnieri, Giuseppe Lanci
Compañías: Coproducción Italia-Alemania; Istituto Luce, Karol Film, Rai 1, Royal Film
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