domingo, 29 de marzo de 2020

Outcast - Por Jackie O.

"El bien y el mal están, o la paranoia religiosa es poseída" 

Sinopsis: Kyle Barnes ha sido atormentado desde niño por visiones demoníacas. Con la ayuda de un padre, él está determinado a descubrir la verdad sobre esa maldición.

Basada en los cómics de Robert Kirkman (escritor de los cómics de 'The Walking Dead').

Una serie que comenzó el año 2016 su primera temporada y que lamentablemente tardó realizarse su segunda temporada, alejadas para que la fanaticada ya se enfriara.

Kyle es un hombre que lleva 5 meses más menos encerrado en su hogar desde que volvió a la ciudad. Su mente sigue atormentada por recuerdo de una infancia de maltratos por parte de su madre, y de imágenes donde él siendo un niño la despoja de un ser extraño que la poseía.

Su única amiga, su hermana adoptiva, está pendiente de él y no lo deja solo, haciendo que se incerte a la sociedad de nuevo.

Quién ayuda también a este hombre es el reverendo del sector, un pastor que se convierte en el otro protagonista de esta serie.

Ambos descubren el poder de Kyle, que es sacar posesiones demoníacas de otros.

Este reverendo, por años estuvo efectuando exorcismos no autorizados por la iglesia, pero permitidos por la ciudadanía quien confiaba en él. Pero al correr del tiempo esos exorcismos nunca se concluyeron y siguen dominando a la ciudadanía, y es más, van aumentando las posesiones en el pueblo.

Ambos se unen para buscar estas posesiones demoníacas y luchar contra ellas.

LO bueno: el guion muy prometedor, diálogos sobre posesiones, haciéndonos dudar de la fe: que es el bien y el mal, y que tal vez el demonio viene a crear un mejor mundo, o solo están los aprovechadores de la fe... 
Muy Interesante mostrarnos lo peor del ser humano en un "hombre de iglesia", un hombre de fe como el pastor, donde saca a relucir su orgullo, vanidad, envidia e ira que siempre tuvo.

Buen maquillaje. 

Momentos perturbadores con instantes marcados por el silencio y la violencia. (No apto para menores) 

LO malo: episodios muy largos (de 44 a 54 minutos) 40 minutos aproximado habría sido suficiente. 

El demonio (Sidney) le faltó más seducción y maldad. 

La segunda temporada decae y se te hace pesada (se hizo 2 años después de la primera) no siguiendo un buen ritmo. Pero a pesar de ello, estas intrigado en saber cual es la verdad de todo. 

El último episodio se hizo al parecer muy apresurado sin consistencia ni profundidad.
Daba para otra temporada. 

La serie cuenta con 2 temporadas de 10 capítulos cada una. 

Existen algunas escenas de violencia física, por lo que se considera no familiar. 

Creo que puedes darle la oportunidad de verla si te gusta el drama de posesiones demoníacas. 

Búscala en tu plataforma digital favorita o Movistar play. 

Patrick Fugit es Kyle Barnes
Philip Glenister es el reverendo John Anderson
Wrenn Schmidt es Megan Holter
Kate Lyn Sheil es Allison Barnes
Brent Spiner es Sidney
Reg E. Cathey es Byron Giles
Otros

sábado, 28 de marzo de 2020

The Banker - Por Carlos Correa

Inspirada en hechos reales, “The Banker” relata la historia de Bernard Garrett -Anthony Mackie- y Joe Morris -Samuel L. Jackson- quienes en los años 50 se transformaron en los primeros afroamericanos dueños de un Banco en Estados Unidos. Garret, proviene de Texas, de una familia pobre y segregada. Su talento matemático innato lo despliega desde muy joven. Calcula rápidamente, y atento a las circunstancias, siempre ve una oportunidad donde otras personas no alcanzan a percibir nada. Todos van y él viene de regreso.

Cuando Bernard, a mediados de los 50, se muda a California junto a su esposa y su pequeño hijo, conoce a Joe Morris. Al principio no coinciden en nada pues ambos son muy diferentes y la posibilidad de asociarse se diluye entre sus personalidades. Entonces Garret emprende su propio camino y con esfuerzo y trabajo duro logra sacar adelante un emprendimiento con la ayuda de otro inversor. A poco andar y luego de sufrir un duro revés -él no podía figurar en contratos ni como socio por su condición de afroamericano- visualiza una oportunidad que no se puede dejar pasar. Renace allí la posibilidad de alianza con Morris en vista de un buen negocio inmobiliario que emprenden con agudeza y la colaboración de Matt Steiner -Nicholas Hoult-, un joven blanco de personalidad confiable pero de escasos, o más bien nulos, conocimientos empresariales.

La cinta fluye con mucha dinámica en su primera mitad. Los emprendimientos avanzan y todo marcha viento en popa. ¿Y el conflicto? Está ausente hasta ese momento. Bernard es próspero, gana mucho dinero y los negocios florecen. Pero él tiene una deuda con su ciudad natal. Quiere ayudar a su gente y se le ocurre una forma de hacerlo; comprar un Banco que pueda ayudar a quienes más necesitan un impulso para salir adelante y emprender.

El desarrollo de la historia es muy entretenido. No tiene pausa, posee un guion inteligente y equilibrado, una hermosa fotografía, una recreación de época muy bien lograda y bastante diálogo entre los protagonistas. Hay situaciones muy risueñas que contrastan con la seriedad permanente de Garrett. Samuel L. Jackson destaca por su soltura -el contrapunto al personaje de Anthony Mackie- y aporta con la distensión precisa en los momentos más duros y complicados del relato.

“The Banker” presenta una historia de superación que reconforta. El racismo y discriminación que sufren tanto Bernard como Joe los lleva a buscar ideas creativas y desafiantes. La relación con Matt es muy cercana y además fructífera comercialmente, pero siempre hay algo con lo que se tropieza en el camino. La ambición y el poder juegan un papel importante pues no es sencillo tomar la necesaria distancia.

La inteligencia, el valor, el coraje y el sentido de la oportunidad son características de la resiliencia de Bernard Garrett, sin embargo hay una que resalta aun más. El honor y rectitud de su actuar es implacable y es ese su sello principal. Tal vez no es siempre reconocido o comprendido pero le entrega estatura ética. No puede oponerse a las injusticias con otra injusticia o con mentiras. Al contrario, su ejemplo es el que debe derribar muros y correr fronteras de lo que para esos años era impensado. ¡Y vaya que es importante y significativo! La cinta lo relata en forma amena además de recordarnos, y con ello revisitar, un momento de la historia que confiamos haber dejado atrás.

Disponible en Apple TV+

Ficha técnica

Título original: The Banker
Año: 2020
Duración: 120 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Romulus Entertainment / Iam21 Entertainment. Distribuida por Apple TV+
Género: Drama | Basado en hechos reales. Años 50. Bolsa & Negocios
Guion: Niceole R. Levy, George Nolfi, David Lewis Smith, Stan Younger (Historia: Brad Kane)
Música: H. Scott Salinas
Fotografía: Charlotte Bruus Christensen
Reparto: Samuel L. Jackson, Anthony Mackie, Nicholas Hoult, Jessie T. Usher, Nia Long, Colm Meaney, Paul Ben-Victor, Michael Harney, Gregory Alan Williams, Taylor Black, James DuMont, Rhoda Griffis, Chris Gann, Jordan Salloum, Jason Davis, David Maldonado, Jill Jane Clements, Bill Kelly, Craig Welzbacher, Alexa Whitaker, Garrett Kruithof, Gralen Bryant Banks, Crystal Coney, Jody Thompson, Mason Pike, Xen Sams, Adam Drescher, Sherry Richards, David Andrew Nash, David Alexander, Albert L. Taylor, Zach Hanner
Dirección: George Nolfi

viernes, 27 de marzo de 2020

El Hoyo - Por Juan Pablo Donoso

Alegoría pretenciosa que, al parecer, quiso decir algo muy trascendente sobre la sociedad contemporánea, y sólo quedó desagradable y difusa.

Si se trata de utilizar el encierro como símbolo de angustia existencial, ya lo hicieron con maestría Kafka, Sartre y Buñuel, junto a pocos más. Cuando se aborda este camino los autores deben tener una premisa dramáticamente muy clara. Evitar recargarla con explicaciones enmarañadas. De lo contrario se transforma en un lucimiento caprichoso de masacres sangrientas salpicadas con frases de sociología barata.

Mediante una realización técnicamente cuidadosa, denuncian la injusticia humana debido a la iniquidad de las estructuras sociales.

Deja clarísimo - “obvio”- que los estratos superiores tienen los mayores privilegios y las mejores comidas. Y a medida que el resto de la población se empobrece, debe alimentarse con los residuos que llegan desde arriba, e incluso comerse entre ellos para sobrevivir. ¿Cuán abajo puede llegar la podredumbre humana?

Y de ese continuo descender por el hueco de un rascacielos invertido se valen los autores para que presenciemos el tormento de un hombre que intenta comprender el significado de estos diversos infiernos.

Su interacción con otras personas sólo conseguirá confundirlo más, ya que la comunicación se torna cada vez más críptica y bestial. Insistirá, con porfiado idealismo, en enviar una súplica de redención a la cúpula. Pero cada vez se hundirá más abajo.

Al final de todo el errático tormento a que nos han sometido, aparecerá una “especie” de respuesta, forzada e ilógica, que sólo nos deja la sensación de una pesadilla inútil y mal remachada. Hasta el final abierto es rebuscado.

SANGRIENTA METÁFORA PARA LOS QUE GUSTEN DESCIFRAR SÍMBOLOS SOCIOLÓGICOS. ANGUSTIOSA Y RECARGADA. POUR EPATÉ LES BOURGOIS.

Ficha técnica


Gore, ciencia ficción sociológica España - 1,34 hrs. 
Fotografía: Jon D. Domínguez 
Edición: Elena Ruiz, Haritz Zubillaga 
Música: Aránzazu Calleja 
Diseño Prod.: Azegiñe Urigoitia 
Guion: David Desola y Pedro Rivero 
Actores: Ivan Massagué, Zorion Eguileor, Antonia San Juan 
Director: Galder Gaztelu-Urrutia
Disponible en Netflix

Tierra de Ángeles - Por Juan Pablo Donoso

Pudo ser un drama sentimental, lleno de clichés, o el crudo desnudar de secretos morbosos. Todo eso emerge aquí, pero tratado con exquisito buen gusto y sensible humanidad.

Un acierto de los guionistas quienes pusieron en manos del director Kay Pollak la delicadeza para tratar el tema y, más aún, para lograr la mayor sinceridad de sus actores.

La trama es simple. El mérito está en cómo sus personajes responden a la circunstancia.

Un exitoso director de orquesta, Daniel, en la cumbre de su carrera, debe renunciar porque está gravemente enfermo. Decide vivir sus últimos días en el pueblito rural, al norte de Suecia, donde pasó su primera infancia.

Los sencillos habitantes, al saber de su presencia, le piden que escuche el coro de la iglesia y les dé algunos consejos. El músico, renuente al comienzo, poco a poco accede a guiarlos.

El entusiasmo de los cantantes lo va involucrando en los pormenores de sus vidas. Hay parroquianos de diversas edades y, como sucede en toda comunidad, surgen rivalidades, celos, atracciones, y afloran también aberraciones e hipocresías.

La presencia del músico gatilla - a pesar suyo - verdades y traumas familiares que permanecían ocultos. Al mostrarles una nueva forma de abordar la música y el arte, las relaciones entran en un torbellino ascendente que los hará madurar y enfrentarse cada cual con su propia realidad.

Al famoso actor sueco Michael Nyqvist (Los Hombres que no Aman a las Mujeres 2005 - John Wick 2014) le correspondió el rol de Daniel, que encarnó con sólido oficio. Y con él participan intérpretes de trayectoria junto a otros desconocidos cuya espontaneidad nos conmueve tanto como la de los consagrados.

El relato se desliza con tal fluidez que, los paisajes y los trozos musicales elegidos nos sumergen, como si fuéramos un vecino más, en aquel despertar colectivo que sólo el destino, y el arte, nos deparan cuando menos esperamos.

UNA HISTORIA SENCILLA CUYA HONESTIDAD NOS ABRE COMPUERTAS IGNORADAS DE MADUREZ Y EMOCIÓN. MUY GRATA Y RECOMENDABLE.

Ficha técnica

Título Original: Så som i himmelen 
Tragicomedia, música Suecia, Dinamarca - 2,13 hrs. 
Fotografía: Harald Gunnar Paalgard 
Edición: Thomas Täng 
Música: Stefan Nilsson 
Dirección de Arte: Mona Theresia Forsén 
Guion: Anders Nyberg, Ola Olsson
Actores: Michael Nyqvist, Frida Hallgren, Helen Sjöholm 
Director: Kay Pollak 
Disponible en YouTube

jueves, 26 de marzo de 2020

Hogar - Por Alejandro Caro

Sinopsis

Tras un año en el paro, Javier Muñoz (Javier Gutiérrez), que era un ejecutivo publicitario de éxito, se ve obligado a dejar el piso de lujo en el que vivía con su familia porque fue despedido de su trabajo. Pero un día, Javier descubre por casualidad que aún conserva un juego de llaves de su antiguo piso. Así, comienza a espiar a la joven pareja que ahora vive allí y se infiltra en la vida de los actuales propietarios, Ramón (Mario Casas) y Lara (Bruna Cusí), y así arrebatarles lo que cree que le pertenece. Por lo tanto, decide recuperar la vida que ha perdido, aunque, eso signifique destruir a quien se cruce en su camino.


Este drama de suspenso lo escriben y dirigen los hermanos David y Alex Pastor, después de haber realizando varias series de televisión, regresan con un largometraje, que podemos ver en la plataforma de Netflix desde el 25 de Marzo

Javier Gutierrez y Mario Casas protagonizan un inquietante thriller psicológico, donde, en uno de los protagonistas aparecen los rasgos mas profundos de la obsesión y la psicosis, que bordean la monstruosidad, ocultos en la plácida rutina diaria del hogar.

Este relato de los hermanos Pastor, es un descenso de un ser humano, que lo tiene todo y de pronto, se ve sin nada. Entonces otros pagan su frustración, transformando a este individuo en lo más perverso para todos, pues sólo está pensando en su propio bienestar.

Este film explora, el deseo, el tener, la ambición y la locura, de forma distorsionada y monstruosa, manifestándose las aspiraciones más materialistas de la sociedad contemporánea.

Aquí surge una legitima interrogante después de ver este film. ¿Hasta dónde estamos dispuestos a llegar para recuperar ese ambiente que nos cobija y calma?

Ficha técnica

Título Original: Hogar
Año 2020
Duración:103 minutos
País: España
Género: Thriller, intriga, Drama, thriller psicológico
Estudios Nostromo Pictures / Netflix España. Distribuida por Netflix
Guión: Alex, David Pastor
Música: Lucas Vidal
Fotografía: Pau Castejon
Reparto: Javier Gutiérrez, Mario Casas, Bruna Cusí, Ruth Díaz, David Ramírez, David Verdaguer, Vicky Luengo, David Selvas. 
Dirección: Alex Pastor, David Pastor

miércoles, 25 de marzo de 2020

Calzones rotos - Por Jackie O.

Arnaldo Valsecchi estrena su segundo largometraje: “Calzones rotos”. (fue el autor de la “La rubia de Kennedy” en 1995) Nos trae ahora una comedia negra basada en la novela del chileno Jaime Hagel Echeñique.

El guión coescrito por Valsecchi y Valeria Vargas, es simple, pero suficiente para estos efectos.
Y nos sitúa en una casona del siglo pasado, de una familia acomodada en un pueblo chico.
Allí vive una viuda con sus 3 hijas solteras y una tercera hija más joven, adoptada.

Pero debido al delicado estado de salud de esta viuda, interpretada por Gloria Münchmeyer, toda la familia se reúne con el fin de despedirla.

Además concurren a verla 2 nietos varones, uno de ellos casado con una moderna mujer norteamericana, y el otro es un escritor soltero. 

Durante esos días la matriarca decide confesarse, lo que no es novedad ya que lo hacía seguido. Pero esta vez al cura le cuenta secretos familiares.
De ahí saldrán a la luz otros secretos, poniendo en evidencia que las mujeres de la casa han sabido resolver a su manera los ataques machistas que sufrían en esa época.

El tema podría ser delicado: machismo y maltrato, pero el director lo maneja como una comedia negra con ciertos personajes, y así hacerlo más liviano.

El vestuario es muy acorde a la época, y la música está muy bien ambientada.

La ambientación está en los años 50.
Pero la mitad de la película o más, son flashbacks de la juventud de estos mismos personajes, donde la matriarca (Gloria Münchmeyer) en su juventud es interpretada por Catalina Guerra.

El relato echa mano de situaciones inverosímiles para retratar una situación que siempre se vivió en silencio y puertas adentro. El machismo que se retrata y que no solo afecta a esa familia sino que se extiende en la sociedad en la que vive.

De coproducción argentino-chilena, la cinta cuenta con la actuación de prestigiosos actores:
Patricio Contreras, Gloria Münchmeyer, Catalina Guerra, Consuelo Holzapfel, Marcela Medel, Alessandra Guerzoni, Bárbara Ruiz-Tagle, Pablo Schwarz, Jorge D´Elía, Annie Fink y Graciela Tenenbaum forman parte del extenso elenco.

“Calzones Rotos” resulta una película entretenida (que tiene sus fallas como continuidad de narrativa por ej., pero obviándolas, te hacen pasar un buen rato) y pudo haberse llamado de cualquier otra forma, pero quisieron resaltar los dulces chilenos, manjar y especialidad de la familia.

Para finalizar, es muy interesante que nos muestren un tema de actualidad: la lucha contra el machismo. 

Y a pesar de ser algo fuerte, le da un tratamiento superficial con los personajes incluidos para ser exagerados con algunas de las situaciones irreales, para ponen esa nota divertida.
Ya que es una historia que perfectamente pudo haber sido dramática y trágica.

LA ENCUENTRAN DE MANERA GRATIS EN la plataforma de ONDAMEDIA.

2018 ‧ Comedia dramática/Comedia negra chilena
1h. 41m

Chicas Perdidas - Por Carlos Correa

Mari Gilbert -Amy Ryan- trabaja en dos turnos. En el día opera maquinaria pesada y por la tarde-noche atiende en un Restaurante. De sus tres hijas, las dos menores viven con ella y los ingresos son insuficientes. Shannan, la mayor, hace años dejó el hogar, sin embargo cada cierto tiempo les visita. Y una noche, a una cita en casa, Shannan no llega. Extraño pero dentro de lo normal, sin embargo el contacto se pierde. No atiende su celular y su novio, con quien vive, no sabe su paradero. Las alarmas se encienden, Mari la reporta como desaparecida y la policía poco y nada toma en cuenta la denuncia.

Basada en hechos reales del año 2010, esta cinta de Liz Garbus basada en la novela de Robert Kolker, pone énfasis en la discriminación que sufren algunas personas debido a lo que hacen o bien su condición. Shannan es una joven trabajadora sexual por lo que su ausencia no despierta suficiente atención en el cuerpo policial. Es vista con lejanía, con desidia, como uno de tantos otros casos. El esfuerzo de Mari, entonces, es luchar por sobreponerse a dicha adversidad y exigir mayor compromiso con su hija sobre todo después de conocer la llamada de auxilio que efectuó antes de desaparecer.

Los acontecimientos cambian cuando la policía encuentra restos humanos en una zona de Long Island, cerca de una comunidad privada donde Shannan fue vista por última vez. Corresponden a tres mujeres jóvenes, reportadas como desaparecidas en 2007, también trabajadoras sexuales. Ya no es coincidencia, habría un patrón común, pero la policía aun está lejos de poder enlazar los hechos.

Mari y sus hijas Sherre -Thomasin McKenzie- y Sarra -Oona Laurence- toman contacto con familiares de las jóvenes encontradas en torno a una vigilia que organizan en su recuerdo. Shannan sigue desaparecida y la investigación estancada. Algunos sospechosos -un residente de la comunidad y el “chofer” de la joven son interrogados pero la pesquisa no avanza. Frustración, rabia y desazón para Mari y sus hijas. Se consuma una injusticia evidente, una discriminación odiosa e inaceptable.

La película tiene una narración que siendo intensa carece de urgencia. Empatizamos con la madre, con su sentimiento de culpa, con su angustia y su fuerza para exigir justicia. También observamos a la policía más preocupada de los medios, de contener una crisis mayor, que dar respuesta al caso. Richard Dormer -Gabriel Byrne- el comisionado, quien ha tenido dificultades en el pasado, ahora tiene al frente a Mari. Poco a poco se ve entre la espada y la pared, presionado por sus superiores y por una madre que no está dispuesta a dejar de luchar por su hija.

Liz Garbus filma con pulso firme cada escena. El relato se configura lentamente y va tomando su fuerza con el correr de los minutos. La fotografía es elocuente y ayuda a tener un contexto claro de lo que sucede. La personalidad que Amy Ryan imprime a su personaje resulta vital, es el motor de la historia y nos compromete. Aun así, el ritmo del metraje es cadencioso y por momentos se siente la baja de intensidad. Aunque no pierde totalmente la tensión necesaria, es finalmente la emoción lo que conduce el relato hacia su punto culminante.

“Chicas perdidas” tiene su principal mérito en la discriminación que denuncia. Una llamada de una joven al 911 pidiendo auxilio desde la comunidad privada tarda cerca de una hora en tener oficiales en terreno. Una llamada, desde la misma comunidad, por invasión a la propiedad, menos de 10 minutos. Cuando se trata de vidas humanas, no hay discriminación posible. Esa es la mayor injusticia y la cinta se hace cargo de denunciarlo.

Ficha técnica

Título original: Lost Girls
Año: 2020
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Archer Gray / Langley Park Pictures. Distribuida por Netflix
Género: Thriller. Intriga. Drama | Basado en hechos reales. Secuestros / Desapariciones. Prostitución. Crimen
Guion: Michael Werwie (Libro: Robert Kolker)
Música: Anne Nikitin
Fotografía: Igor Martinovic
Reparto: Amy Ryan, Thomasin McKenzie, Lola Kirke, Gabriel Byrne, Oona Laurence, Miriam Shor, Dean Winters, Kevin Corrigan, Austyn Johnson, Rosal Colon, Reed Birney, Jimi Stanton, Molly Brown, Matthew F. O'Connor, Haskiri Velazquez, Harvey B. Jackson, Jared Johnston, Karan Choudhary, Stan Carp, Grace Capeless, Brian Adam DeJesus, Aaron Morton, Jon Haslam, Sarah Wisser
Dirección: Liz Garbus

Signis en el Cine - Viernes 20 de Marzo 2020, Cap. 02

martes, 24 de marzo de 2020

El Hoyo - Por Carlos Correa

Inquietante desde su premisa, da cuenta de una prisión no convencional en la que existe una cantidad indeterminada de niveles y solo dos reclusos por piso. Diariamente una plataforma llena de comida recorre el edificio y los de abajo comen las sobras que van dejando los que están arriba de ellos. Uno de los presos, Goreng -Iván Massagué- quiere cambiar la situación. ¿Lo conseguirá? Junto a su compañero de piso Trimagasi -Zorion Eguileor-, la enigmática Miharu -Alexandra Masangkay-, la recién llegada Imoguiri -Antonia San Juan- y el decidido Baharat -Emilio Buale-, pone a prueba su fortaleza y al mismo tiempo se juega la vida.

Esta cinta del director español Galder Gaztelu-Urrutia es tremendamente cruda. Parte señalando que “hay tres clases de personas; los de arriba, los de abajo y los que caen…” Esto ya nos da una luz de lo que viene. El guion de David Desola y Pedro Rivero sorprende por ser simple y directo. No se guarda nada y expone el material abiertamente, sin resguardos ni consideraciones.

“El Hoyo” es una pieza teatral que tiene un desarrollo cinematográfico arriesgado ya que su forma podría llevar a evadir el foco principal. El acento está puesto en la desigualdad que provoca el poder. El que está arriba lo ejerce contra quien está abajo, no es proporcional y habitualmente es despótico. Incluso, luego de intercambiar posiciones en el edificio, las diferencias se acentúan. El comportamiento llega a ser bestial, instintivo. La supervivencia está en juego y las reacciones dejan de ser racionales. Este hecho perfectamente lo podemos extrapolar a lo que hoy vivimos. Si existe la oportunidad de conseguir algunos bienes o productos de primera necesidad, se acaparan sin pensar en las necesidades de los demás. Reclamamos cuando no tenemos acceso y cuando lo tenemos ignoramos a los que están a lado, detrás o bajo nosotros.

El tono de esta cinta es alto. Las situaciones e imágenes que presenta son extremas y se debe tener un buen estómago para verlas. Corresponde a una distopía ubicada en el futuro, un thriller de ciencia ficción con Gore explícito que causa indudable conmoción. Cuando parece que superamos una, viene otra escena de mayor intensidad. Es necesario advertirlo sin entregar por ello ningún adelanto de su argumento.

Varios reconocimientos y premios ha tenido esta cinta, que es la ópera prima de su director. La idea sobre la que está basada es tremendamente interesante. Una película que con pocos elementos centrales, aunque muy sólidos, es capaz de mantener la tensión por una hora y media merece atención. Si bien la forma puede resultar chocante y difícil de digerir, bien vale la pena correr el riesgo y aventurarse. La provocación es parte de su esencia. Logra incomodar y por ello reflexionar, aunque en el camino, cada una de sus capas nos hagan sentir que estamos dentro de la misma prisión que estamos observando.

Ficha técnica

Título original: El hoyo
Año: 2019
Duración: 94 minutos
País: España
Productora: Basque Films / Mr Miyagi Films / TVE / ETB / Zentropa Spain / Eusko Jaurlaritza / ICAA / Consejería de Cultura del Gobierno Vasco / Instituto de Crédito Oficial
Género: Ciencia ficción. Thriller | Distopía. Supervivencia. Gore
Guion: David Desola, Pedro Rivero
Música: Aránzazu Calleja
Fotografía: Jon D. Domínguez
Reparto: Ivan Massagué, Zorion Eguileor, Antonia San Juan, Emilio Buale, Alexandra Masangkay, Eric Goode, Algis Arlauskas, Miriam Martín, Óscar Oliver
Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia

lunes, 23 de marzo de 2020

Su último deseo - Por Carlos Correa

Basada en el libro de Joan Didion escrito en 1996, “The last thing he wanted”, narra la historia de Elena McMahon -Anne Hathaway-, una periodista de Washington que se ve envuelta en una delicada operación de tráfico de armas al cumplir el último deseo de su padre, Richard Dick McMahon interpretado por Willem Dafoe.

Corren los años 80. Elena realiza un peligroso periodismo investigativo en terreno y ha debido huir de El Salvador raudamente. Luego, durante la campaña presidencial norteamericana del año 1984 se reencuentra con su padre quien le solicita un encargo muy lucrativo y a la vez riesgoso. Debe llevar un cargamento de armas a centroamérica y cobrar por el una gran suma de dinero. El intercambio no resulta como estaba planificado y Elena debe improvisar para buscar responsables, averiguar de qué se trata la operación y también velar por su vida.

Dee Rees filma un guion escrito junto a Marco Villalobos. El argumento desde un principio no es sencillo de seguir y de comprender. Hay bastante de historia, sobre todo de política norteamericana y su intervención en países como Nicaragua y El Salvador, que viven problemas de inestabilidad interna y lucha de guerrillas. La suma de personajes, las más de las veces sin aportar contexto ni profundizar, hacen que en el primer tercio no sepamos bien hacia donde nos conduce el relato.

Anne Hathaway, Willem Dafoe y Ben Affleck, que interpreta al enigmático Treat Morrison, realizan muy buenas actuaciones. Es curioso, ellos se destacan a pesar de la confusión narrativa que inunda el metraje. El peso de sus caracterizaciones se aprecia en sus gestos, en la intencionalidad de sus diálogos pero aquello no basta para sacar adelante la cinta. ¿Por qué? Tal vez no hay una sola razón pero quizá la más importante se refiere a las decisiones que toma el guion. Plantea un complejo rompecabezas que, aunque se logra finalmente resolver, está lleno de sobresaltos y giros que no favorecen el desarrollo dramático de la cinta.

“The last thing he wanted”, estrenada en Netflix en febrero pasado, llama la atención por la temática y sus actores. Tal vez por ello vale la pena verla, aunque al final no quedemos con el mejor de los gustos. Además de apreciar al elenco podemos confirmar que la presencia de buenos intérpretes como ellos, no siempre asegura que el producto sea de excelencia. Sin embargo, su aparición es un enganche que impulsa a ver la película para sí adarle una oportunidad aun sabiendo de sus dificultades y deficiencias.

Ficha técnica

Título original: The Last Thing He Wanted
Año: 2020
Duración: 115 minutos
País: Estados Unidos
Productora: The Fyzz Facility / thefyzz / Elevated Films / Pimienta. Distribuida por Netflix
Género: Thriller. Drama
Guion: Dee Rees, Marco Villalobos (Novela: Joan Didion)
Música: Tamar-Kali Brown
Fotografía: Bobby Bukowski
Reparto: Anne Hathaway, Ben Affleck, Willem Dafoe, Rosie Pérez, Toby Jones, Bill Kelly, Mel Rodriguez, Edi Gathegi, Laura Niemi, Carlos Leal, Brian Tester, Millie Ruperto, Yetta Gottesman, Rick Walters, David Vadim, Ellen Marguerite Cullivan
Dirección: Dee Rees

viernes, 20 de marzo de 2020

Vivir dos veces - Por Carlos Correa

Emilio -Oscar Martínez- tiene su rutina diaria. Resuelve Sudoku mientas toma desayuno en la cafetería de siempre. Como profesor de matemáticas ya jubilado, el ejercitar su mente es parte de su vida. Sin embargo, pequeños síntomas aparecen y su memoria ya no es la misma. Algo se está deteriorando y a pesar de su inicial resistencia, el diagnóstico se confirma médicamente.

Emilio vive solo. Tiene una hija, Julia -Inma Cuesta-, a la que ve poco. Ella vive junto a su marido y a Blanca -Mafalda Carbonell-, una joven escolar inquieta y que pasa imbuida en su celular. Al conocer lo que le sucede a su padre, Julia intensifica la relación con él. Así, una serie de situaciones desencadenan una aventura de pronóstico reservado. Emilio se propone buscar a su amor de juventud antes que la olvide y para ello la ayuda y complicidad de su nieta resulta fundamental.

“Vivir dos veces” es una comedia española que se desenvuelve sin aspavientos ni falsas promesas. Basa su relato en el carisma de personajes que logran generar empatía. El tema de la enfermedad de Emilio es serio, sin embargo el tono del guion lo suaviza e incluso permite que nos riamos de situaciones que son ciertamente dolorosas.

La cinta dirigida por María Ripoll no posee un gran vuelo, sin embargo tiene méritos. La relación del abuelo con su nieta es interesante -y también muy divertida- porque a pesar de no tener temas en común, logran conectar a través del cariño. El matrimonio de Julia pasa por momentos complejos y, a pesar que el tema no se profundiza, no se deja pasar. La resistencia inicial de Emilio para asumir su deterioro es fuerte y a Julia le cuesta sobrellevar la noticia. Solo el tiempo va permitiendo que ambos vayan aceptando la situación y así estrechar lazos que se encontraban más distantes. Y lo más difícil. Para Julia aceptar que su padre busque a su primer amor lo ve como una traición a su madre que ha muerto años antes, sin embargo y con mucho amor, le apoya y acompaña.

En estos tiempo, una película con una forma liviana de tratar un tema que es complejo, tiene valor agregado. No solo permite mirarlo desde otra perspectiva sino que a la vez nos da luces de esperanza. Por un momento nos olvidamos de los problemas y nos enfocamos en el amor, en la familia y en la ternura de los protagonistas. Vamos con ellos en su aventura sin saber qué les depara. Nos sorprendemos en el camino y nos emocionamos junto a ellos. Les acompañamos y ellos nos acompañan, algo que en momentos de crisis, es bastante.

Ficha técnica

Título original: Vivir dos veces
Año: 2019
Duración: 101 minutos
País: España
Productora: Alamar Cinena 161 / Convoy Films / Crea SGR / Film Factory Entertainment / Generalitat Valenciana / Institut Valencià de Cultura / Netflix / Plural-Jempsa / TVE / À Punt Media
Género: Comedia. Drama | Road Movie. Vejez. Alzheimer
Guion: María Mínguez
Música: Arnau Bataller
Fotografía: Núria Roldos
Reparto: Oscar Martínez, Inma Cuesta, Mafalda Carbonell, Nacho López, Aina Clotet, Isabel Requena, Antonio Valero, María Zamora, Hugo Balaguer, Valeria Schoneveld, Lucas Cavataio, Amparo Oltra, Mamen García, Manu Valls, Silvia Valero, Ferran Gadea, Jordi Aguilar, Jordi Tamarit, Nieves Soria, Hugo Sáez Contreras, Gustavo Ferrada, Alex Franco, Daniel González, María Ripoll, Antonio Ruz
Dirección: María Ripoll

jueves, 19 de marzo de 2020

Bloodshot - Por Juan Pablo Donoso

Una simple historia de ciencia ficción complicada hasta la locura. Llena de combates prescindibles y de falsos finales. ¿Para qué?

Asesinan a un soldado mercenario - Ray Garrison. Lo resucitan en un laboratorio del FBI con avanzada tecnología. Le inoculan un tipo de sangre que le permite regenerar cualquier tejido orgánico dañado. Es ahora un combatiente con súper poderes. Le borraron la memoria para que pudiera obedecer órdenes superiores. Pero comienza a recuperar imágenes de su pasado. Se lanzará, por su cuenta, a buscar al hombre que asesinó a su esposa. Gradualmente comenzará a desconfiar de lo recibido y de todos sus jefes. Los que parecían buenos son malos. Y los malos son peores. A fin de cuentas ¿podrá incluso confiar en sí mismo?

El tema central pudo ser interesante y hasta romántico. Más, prefirieron gastar US$ 45.000.000 en acciones interminables, agregar personajes inútiles, y dar la impresión de que estaban haciendo una gesta monumental.

Ni siquiera proyectándola en IMAX logran ocultar su falta de médula dramática. Vin Diesel, siempre efectivo, repite lo mismo de filmes anteriores. Guy Pierce - brillante en MEMENTO de Christoph Nolan (2000) ) - aquí parece ignorar de qué se trata su personaje. Hasta reclutaron al joven Toby Kebbell cuyo único personaje de comic anterior fue en Los 4 Fantásticos (2015).

INNECESARIAMENTE RECARGADA PARA LUCIR AL ACTOR PRINCIPAL. ALARDE DE INTERMINABLES EFECTOS ESPECIALES. AGOTADORA Y VANA.

Ficha técnica


Acción, ciencia ficción EE.UU.. China - 1,49 hrs. Sony, Andes Films 
Fotografía: Jacques Jouffret 
Edición: Jim May 
Música: Steve Jablonsky 
Diseño Prod.: Tom Brown 
Guion: Jeff Wadlow, Eric Heisserer 
Actores: Vin Diesel Sam Heughan, Eiza González
Director: Dave Wilson

Rosemari - Por Juan Pablo Donoso

Un relato cuya ternura y fluidez, tocan el corazón de cualquier espectador adulto.

Sarah Johnsen (1970) es hoy en día una de las más exitosas guionistas y directoras noruegas. Lamentamos que sus obras anteriores Beso de Invierno (Vinterkyss - 2005), Perro Dominante (Upperdog - 2009) e Inocencia (Uskyld - 2012) aún sean desconocidas en nuestro país. ¡Qué atrasadas están aún nuestras salas de Cine-Arte!

Aquí se pone el dedo en la llaga del eterno cruce entre la orfandad, la compasión y la maternidad desconsolada.

En medio de su recepción de bodas, una novia (periodista), con dudas acerca de su casamiento, encuentra una guagua recién nacida, abandonada, en el piso del baño del hotel. La entrega de inmediato a servicios sociales. Dieciséis años más tarde, una joven toca el timbre de su casa: se trata de Rosemari, quien es ya una adolescente. Juntas comienzan a investigar las circunstancias que llevaron a su abandono. Descubren en el camino la historia de amor desenfrenado de una pareja, los gustos eróticos de un ex boxeador, y una madre tratando de ocultar el secreto más grande de su vida.

Narrada con un lenguaje exquisitamente femenino y, a la vez, agridulce. Una montaña rusa de emociones contrapuestas. A ratos cruda, a veces incómoda, en otras graciosa, pero siempre bella, sensible y tan femenina.

Testimonio de cómo la naturaleza - por cruel que parezca - se encarga de combinar el dolor, la risa, la sexualidad y las mentiras, para engendrar una flor tan bella llamada Rosemari.

Cada actor encarna su rol con holgura y pudor. Y la joven Ruby Dagnall nos llega como una brisa de frescura vital.

UN PERIPLO FEMENINO RELATADO CON PERFECTO EQUILIBRIO ENTRE EL ÚTERO, LA INTELIGENCIA Y EL CORAZÓN.

Ficha técnica


Tragicomedia
Noruega, Dinamarca, Alemania - 1,39 hrs. 
Fotografía: Hélène Louvart y Erik Wilson 
Edición: Zaklina Stojcevska 
Música: Nikolaj Torp Larsen 
Diseño Prod.: Christiane Krumwiede 
Actores: Tuva Novotny, Ruby Dagnall, Laila Goody 
Guionista y Directora: Sarah Johnsen Festival de Nuevo Cine Noruego - Bs.As.

viernes, 13 de marzo de 2020

El precio de la verdad - Por Carlos Correa

Esta cinta, basada en hechos reales, narra la historia de Robert Bilott -Mark Ruffalo-, un abogado recién ascendido a socio del Buffet “Taft Stettinius & Hollister” en Cincinnati, Ohio. Su trabajo es defender grandes corporaciones, sin embargo el foco cambia radicalmente cuando intempestivamente recibe la visita de Wilbur Tennant -Bill Camp-, un granjero proveniente de Parkersburg, West Virginia, quien le denuncia la muerte de decenas de sus animales y atribuye la causa a la poderosa empresa química DuPont. Tennant supo de Robert por su abuela, vecina de la localidad, y trae pruebas concretas. Varios videos muestran anomalías extrañísimas en los animales muertos.

El guion escrito por Matthew Carnahan y Mario Correa se basa en un artículo de “New York Times Magazine” del año 2016 titulado “El abogado que se convirtió en la peor pesadilla de DuPont” escrito por Nathaniel Rich. Si bien no se trata de un drama trepidante, el argumento es equilibrado y aunque por momentos su ritmo es pausado, da perfecta cuenta del dificultoso proceso legal y humano que implica oponerse a una compañía poderosa y líder de la industria.

Junto a Bilott está su familia, su esposa Sarah -Anne Hathaway- y sus hijos. Es que una decisión como la que él toma no solo le afecta a él. Arrastra con ello a todo su entorno y principalmente a sus seres queridos. La rigurosidad y tenacidad del abogado parece no tener limite. Se debe enfrentar a un gigante que posee todos los medios económicos para ejercer presión -legales e ilegales- y no dar su brazo a torcer. Además, Robert debe defender su actuar y sus decisiones ante su jefe en el Buffet de abogados, asunto que significa un detrimento de su carrera profesional y también de sus ingresos.

La actuación de Mark Ruffalo es sólida. Su papel, absolutamente creíble, se complementa muy bien con el soporte de Anne Hathaway. La presencia de Tim Robbins, Victor Garber y Bill Pullman agregan peso a una narración que aunque por momentos se hace densa, resuelve correctamente lo que plantea apoyada por una línea de tiempo que comienza el año 1998 y concluye en el año 2015.

Pocas veces me gustan los títulos en español de películas cuyo original considero que no se debe modificar. Esta es una excepción, pues si bien “Dark Waters” es clarísimo, titularla “El precio de la verdad” agrega un valor que está presente en la misma película. La audacia y valentía de Robert Bilott no es gratis, tiene un precio. Mas que un precio, en realidad es un costo. Robert arriesga y mucho. Su familia, su empleo, su reputación, incluso el rechazo de una comunidad convencida que DuPont es una empresa “santa”. Ese riesgo tiene costos y Robert está dispuesto a pagarlos porque está convencido que su acción favorece el bien común, el bien de miles de personas que sufren las consecuencias de un sistema que no es capaz de controlar adecuadamente a una empresa que, aún sabiendo el daño que causan sus acciones, sigue adelante sin tomar nada en cuenta pues su único fin de ganar aun más dinero aunque sea a costa de la salud y la vida de las personas de su propia comunidad.

Ficha técnica

Título original: Dark Waters
Año: 2019
Duración: 126 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Killer Films / Participant Media. Distribuida por Focus Features
Género: Drama | Basado en hechos reales. Drama judicial
Guion: Matthew Carnahan, Mario Correa, Nathaniel Rich (Artículo: Nathaniel Rich)
Música: Marcelo Zarvos
Fotografía: Edward Lachman
Reparto: Mark Ruffalo, Anne Hathaway, Tim Robbins, Bill Camp, Bill Pullman, Victor Garber, William Jackson Harper, Mare Winningham, Kevin Crowley, Trenton Hudson, Marc Hockl, Lyman Chen, Courtney DeCosky, Scarlett Hicks, Lea Hutton Beasmore, Denise Dal Vera, Louisa Krause, Daniel R. Hill, Chaney Morrow, Lisa DeRoberts, Brian Gallagher, John Newberg, Wynn Reichert, Tera Smith, Tyler Craig, Barry G. Bernson, Amy Morse, Jeffrey Grover, Teri Clark
Dirección: Todd Haynes

Grandes Espías - Por Carlos Correa

Un agente de la CIA -Dave Bautista-, luego de fracasar en una importante misión, recibe el encargo de vigilar a Kate Newton -Parisa Fitz-Henley- y a su hija Sophie -Chloe Coleman-. Este cuidado es necesario ya que un familiar de ambas está envuelto en una operación internacional a gran escala y es un sujeto peligroso. JJ es un agente duro, de pocos amigos, mal genio e impaciente. Sus misiones se caracterizan por golpear, disparar y luego preguntar, por lo que en este nuevo trabajo se ve absolutamente sorprendido cuando la pequeña Sophie le enfrenta directamente. Ella, una niña de 9 años, tímida y siempre molestada por las más populares de su escuela, no tiene reparos en plantarse de igual a igual a JJ cuando descubre su rol de espía. Sophie es tan irreverente que logra condicionar a este especial “big man” surgiendo entre ambos una química que es quizá lo mejor de la película.

En tono de comedia familiar, “My Spy” entretiene gracias a un desarrollo simple y directo. El director Peter Segal logra unir el relato y lo equilibra con situaciones que contienen humor, acción y también aspectos humanos. En sátira, da cuenta de los cambios en JJ, en cómo él va perdiendo dureza y ganando emocionalidad. También muestra lo que Sophie logra avanzar en la relación con sus pares. Y por supuesto relata lo que se comienza a generar entre la madre de Sophie y JJ sin dejar de lado las reacciones de Bobbi -Kristen Schaal-, la novata compañera de trabajo asignada al agente y que ve en ésta, su primera misión en terreno.

“Grandes espías” funciona bien, cumple lo que promete y no decepciona. Esto, aunque parece algo básico, no siempre está presente en películas de este tipo por lo que vale la pena destacarlo. Además, y aunque en dosis muy básicas, hay pequeñas lecciones que siempre es bueno recordar.

Dejar fluir las emociones es un duro trabajo para alguien rudo, sin embargo cuando se despeja el camino, los hechos se van transformando para mejor. La relación de los protagonistas, principalmente su gran diferencia de edad, también es un punto importante pues la brecha generacional no es impedimento para una una natural comunicación.

La asertividad y frescura de Chloe Coleman sorprenden gratamente. Es quizá lo que le da la magia al relato y hace que literalmente se robe la película. ¡Un acierto que vale la pena ver!

Ficha técnica

Título original: My Spy
Año: 2020
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Productora: STX Entertainment. Distribuida por Film & TV House / GEM Entertainment
Género: Comedia | Cine familiar. Espionaje
Guion: Erich Hoeber, Jon Hoeber
Música: Dominic Lewis
Fotografía: Larry Blanford
Reparto: Dave Bautista, Kristen Schaal, Ken Jeong, Parisa Fitz-Henley, Nicola Correia-Damude, Laura Cilevitz, Sima Fisher, Chloe Coleman, Michelle McLeod, Ali Hassan, Vieslav Krystyan, Sukhman Gill, Miranda Millar, Marcus Cornwall, Darrin Baker, Robert Ifedi, Devere Rogers, Lindsay Mullan, Rakhee Morzaria, Basel Daoud, Olivia Dépatie
Dirección: Peter Segal

Atrapados - Por Carlos Correa

La angustia está presente desde el título, aunque no es su original. La cinta narra la historia del K-141 Kursk, el submarino nuclear Ruso, Clase “Oscar” con una dotación de 118 tripulantes a bordo, que el 12 de agosto del 2000 sufrió un accidente fatal en medio de un ejercicio naval en el mar de Barents.

Dirigida por Thomas Vinterberg, “Kursk” relata una historia tremenda y cruda. Primero nos muestra el lado más íntimo y humano de la tripulación del submarino. En tierra celebran el matrimonio de un camarada y vemos familias afligidas en lo económico pero muy unidas en su amistad e intimidad. Cuando ya se despliega la misión, la fotografía de Anthony Dod Mantle muestra bellos paisajes navales y nos introduce en las rendijas de una máquina que se hunde en el mar con municiones, torpedos, un reactor nuclear y un centenar de almas.

Independiente si sabemos o no el final, la película se encarga de mantener el suspenso gracias a un muy buen guion de Robert Rodat. Los códigos marinos, las decisiones de los superiores -las más veces desacertadas y negligentes responsabilizando en la cinta principalmente al General Petrenko, interpretado por Max von Sydow -, mas la persistencia de los familiares, entregan al relato emoción hasta el final. En ese sentido, es una pena que sea hablada en inglés y no en ruso, pues se pierde parte importante del sello y esencia de la identidad.

Las actuaciones son convincentes porque no es fácil hacer una película de la que se sabe, a priori, el desenlace. El mayor trabajo está precisamente en la caracterización de cada uno de los personajes, con sus personalidades e ideales diferentes, sus relaciones personales, el desarrollo de su trabajo y el entorno que posee su vida familiar. El valor de la hermandad y el apoyo entre camaradas submarinistas es conmovedor. Tal vez es lo más fuerte que los une y cobra verdadero sentido en el momento más crítico.

“Atrapados” es intensa en sus momentos más duros. La música compuesta por Alexandre Desplat, íntima y apropiada durante toda la película, funciona como un perfecto hilo conductor emocional. Como homenaje y haciendo honor a los marinos, esta cinta ofrece el lado humano de una tragedia qué tal vez, con otras acciones y decisiones, podría haberse evitado.

Ficha técnica


Título original: Kursk
Año: 2018
Duración: 117 minutos
País: Bélgica
Productora: Coproducción Bélgica-Luxemburgo; Europa Corp / Belga Productions / VIA EST
Género: Drama | Basado en hechos reales. Submarinos
Guion: Robert Rodat
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Anthony Dod Mantle
Reparto: Matthias Schoenaerts, Léa Seydoux, Colin Firth, Max von Sydow, Michael Nyqvist, Peter Simonischek, Martin Brambach, Guido De Craene, Geoffrey Newland, August Diehl, Matthias Schweighöfer, Fedja Stukan, Miglen Mirtchev, Jehon Gorani
Dirección: Thomas Vinterberg

El robo del siglo - Por Carlos Correa

Esta película argentina está basada en la historia real del robo al Banco Río, sucursal de Acassuso, el 13 de enero de 2006. Ese día, seis ladrones ingresaron a sus dependencias, tomaron rehenes, desvalijaron las cajas de seguridad y perpetraron un robo que se encuentra entre los cuatro mejores del mundo.

Fernando Araujo -Diego Peretti-, ideólogo y líder del golpe, pinta cuadros, cultiva marihuana al interior de su casa y pasa los días sin tener muy claro su horizonte personal. Es entonces cuando le surge la idea de robar un banco. Pero no lo puede hacer solo, necesita ayuda y también contactos. Araujo inicia un plan que parte por reclutar a Mario Vitette -Guillermo Francella-, un uruguayo avezado en diversos delitos y dueño de una gran personalidad. Ambos configuran los aspectos centrales del plan, suman más socios y se llevan el peso organizativo del atraco.

El día del gran golpe todo está planificado. Las fases se van sucediendo una a una. Araujo se dedica a vaciar las cajas de seguridad y Mario -que incluso tomó clases de actuación para ello- tiene la misión de controlar a los rehenes y tomar contacto con la policía que ya ha llegado y se ha desplegado por todo el entorno. Miguel Sileo -Luis Luque-, el negociador, no entiende mucho lo que sucede dentro y trata de ganar tiempo para no correr riesgos. Mario, por su parte, intenta lo mismo, mientras sus compañeros siguen adelante con cada uno de los detalles acordados.

El director Ariel Winograd filma el guion escrito por Alex Zito y el mismo Fernando Araujo con dinamismo y versatilidad. Los diálogos son chispeantes y la narración resulta muy entretenida. En varias escenas curiosas situaciones sacan carcajadas pues incluso en los momentos de mayor tensión, siempre está presente un quiebre que la suelte y la relaje.

Con “El robo del Siglo” se produce un efecto muy especial en la audiencia. Nace una natural empatía por los ladrones, por los “malos”. Es algo similar a lo que sucede con la serie “La casa de papel” o la película chilena “Pacto de Fuga”. “Protegemos” a quienes infringen la ley o están cometiendo un delito. No queremos que los encuentren, que los sorprendan, ni menos que les arruinen el plan o los tomen presos. Y cuando el relato nos compromete de esa manera, nos genera vínculo con los protagonistas, nos atrapa y no nos suelta. Por esa empatía y por supuesto por su excelente producción, esta cinta es estupenda y nos brinda 114 minutos de entretención garantizada.

Ficha técnica

Título original: El robo del siglo
Año: 2020
Duración: 114 minutos
País: Argentina
Productora: AZ Films / MarVista Entertainment / Telefé
Género: Thriller | Basado en hechos reales
Guion: Alex Zito, Fernando Araujo
Música: Darío Eskenazi
Fotografía: Félix Monti
Reparto: Guillermo Francella, Diego Peretti, Luis Luque, Pablo Rago, Rafael Ferro, Mariano Argento, Juan Alari, Iván Steinhardt
Dirección: Ariel Winograd

jueves, 12 de marzo de 2020

Atrapados - Por Juan Pablo Donoso

Tragedia naval - 2000 - que denuncia la torpeza política y la soberbia militar rusa en pleno gobierno de Vladimir Putin.

Relata el hundimiento del submarino Kursk debido al mal estado de su material bélico. Fallecieron los 118 tripulantes durante un ejercicio de maniobra en los mares del norte de Europa.

Los sobrevivientes podrían haberse salvado gracias a la colaboración tecnológica de los demás países en la operación. Pero la tozudez y falso orgullo del alto mando eslavo obstaculizó el rescate hasta consumar la catástrofe.

Este prolijo filme dirigido por el danés Thomas Vinterberg (La Cacería, 2012 - La Celebración, 1998) y basado en el libro Un Tiempo para Morir de Robert Moore, narra el drama en 3 niveles: a) la cordial camaradería de los jóvenes marinos y sus familias antes de embarcarse, y luego la supuesta agonía de los sobrevivientes encerrados esperando el rescate; 2) la angustia de sus esposas e hijos en el puerto, urgiendo a las autoridades agilizar el salvataje, y; 3) las discrepancias entre los altos oficiales, rusos y extranjeros, sobre las tácticas de procedimiento. Todo ello mientras las esperanzas y el tiempo de sobrevivencia se agotaban.

Si bien - por primera vez en la historia - se indemnizó a las familias de las víctimas con un salario por 10 años, y mejores viviendas en las principales ciudades de Rusia, el mundo fue testigo de una grave negligencia militar, y de una presunción política que perdura hasta hoy en la conciencia de las autoridades que pudieron evitarlo.

El lenguaje narrativo juega con una bellísima fotografía de paisajes y flotas marinas (Anthony Dod Mantle) alternando la gélida claustrofobia de los submarinistas, con las angustiadas esposas e hijos del puerto de Vidoevo, y las deliberaciones de los comandos de rescate entorpecidos por la tozudez del almirantazgo ruso.

Una alegre convivencia de marinos en tiempos de paz, sazonada con bellos coros ortodoxos infantiles, sufrirá un vuelco fatal en la visión de esas viudas y niños para confiar en sus futuros gobernantes.

La pantalla alterna el relato en 2 formatos - ancho dentro del submarino, y angosto (16:9) al comienzo y final - tal vez como símbolo de la estrechez de criterio de su premisa.

Entre los actores consagrados veremos a Colin Firth como el comodoro británico y al legendario Max von Sydow (+) en su penúltima actuación, como el obstinado Almirante Petrenko.

DOLOROSA DENUNCIA DE LA HEGEMONÍA ESTATAL Y BÉLICA POR SOBRE LA MÁS ELEMENTAL SOLIDARIDAD HUMANA.

Ficha técnica


Título Original: Kursk
Acción, drama, historia Bélgica, Luxenburgo, Francia, Rumania, Canadá, EE.UU. - 1,57 hrs. New Century Films Distribuidora 
Fotografía: Anthony Dod Mantle 
Edición: Valdís Óskarsdóttir 
Música: Alexandre Desplat 
Diseño Prod.: Thierry Flamand 
Guion: Robert Rodat, Robert Moore 
Actores: Matthias Schoenaerts, Léa Seydoux, Peter Simonischek 
Director: Thomas Vinterberg

Grandes espías - Por Juan Pablo Donoso

Para pasar un rato agradable sin pedir más que entretención, humor, y su poco de ternura infantil.

Combina con oficio las típicas fórmulas de acción, violencia y simpatía de tantas películas comerciales estadounidenses, y algunas francesas.

Ya conocíamos las mano histriónica del director Peter Segal: Superagente 86 (2008) - La Pistola Desnuda 33.1 (1994) - Ajuste de Cuentas (2014).

JJ es un abrutado oficial de la CÍA. En castigo por arruinar una operación clandestina, es asignado a realizar una larga y aburrida operación de espionaje. Encerrado en el departamento de un edificio debe vigilar los movimientos de un departamento vecino esperando que aparezca un peligroso asesino internacional.

En el hogar vigilado habita una madre soltera con Sofía, su hijita de 9 años. Cuando la niña descubre a los detectives, opta por chantajear a JJ con revelar el secreto a cambio de ciertos favores inocentes, pero comprometedores para la misión.

Con esto se inicia el vínculo emotivo entre un matón implacable y una niñita astuta y manipuladora (excelente Chloe Coleman - Pequeñas Grandes Mentiras - HBO 2017-19).

La mayor parte del filme expone el desarrollo de esta relación, con incidentes graciosos que van tornándose románticos con la madre y paternales con la niña. El famoso ex campeón de lucha libre Dave Bautista (El Animal) de 1,98 mts. deberá llevar a cabo la misión policial alternando sus labores con las exigencias de Sofía.

Los conocidos ingredientes temáticos y el ritmo narrativo logran un producto ameno, ágil, con momentos de humor y suspenso. El contraste de Bautista (con aspecto casi de neandertal) con la frágil Coleman, matizados con la presencia de la comedianta Kristen Schaal (Norbit 2007), permiten a la sátira cumplir su objetivo central, entretener con simpatía.

COMEDIA DE ACCION Y TERNURA. CONVENCIONAL, POCO AMBICIOSA Y CON GRATOS PERSONAJES. SÓLO PARA PASAR UN BUEN RATO.

Ficha técnica
Título Original: My Spy 
Acción, comedia, familia EE.UU. - 1,39 hrs. Diamond Films 
Fotografía: Larry Blanford 
Edición: Jason Gourson 
Música: Dominic Lewis 
Diseño Prod.: Chris L. Spellman 
Guion: Erich Hoeber, Jon Hoeber 
Actores: Dave Bautista, Chloe Coleman, Parisa Fitz-Henley 
Director: Peter Segal

Visión Nocturna - Por Jackie O.

“Muerta en vida”

A 8 años de haber sido violada en una playa cerca de Santiago, una joven cineasta cuenta la historia del abuso, revictimizantes procesos judiciales y la amistad que la ayuda a sanar en decenas de videos-diario que resultan en un documental plástico e íntimo.

¿Qué es en realidad una violación y cuándo termina?

Esta Docupelícula cuenta la historia de una mujer violada, pero la cuenta de una forma particular. Esto es, hay muy pocos diálogos y más mensajes que van apareciendo en la pantalla, con imágenes que se mezclan de situaciones que va viviendo en el momento la protagonista con su entorno.

No existen imágenes fuertes. No es necesario.

Hecha con diversos tipos de cámaras, principalmente cámara en mano que va mostrando diferentes imágenes borrosas o claras del día a día de nuestra protagonista..

Se puede dilucidar luego de ver esta película, que la víctima no contó con una red de apoyo, ósea familiar ni amiga que la acompañaran en el proceso.

Esta mujer sigue en shock.

¿Cómo no notar sus cercanos sus largas estadías en cama y no querer salir de la casa?

Procesalmente hay una serie de trámites que no puede hacerlo sola por su estado. Y la parte emocional nunca debe fallar, esa ayuda principalmente de los más cercanos, como de profesionales del área.

¿Dónde estaban sus amigos y familia? Acá no se ve esa contención.

Tal vez la tuvo, no sabemos.

Cuenta que su causa se cerró, y que un amigo abogado le hace ver que también se debió a su falta de cooperación en la tramitación.

Insisto, el shock es noqueador, por eso es relevante la red de apoyo. Si esta víctima no la tuvo para acompañarla en este proceso, fue lamentable. No debe suceder.

El tema en sí es muy interesante y da para hablar mucho, en cuanto al proceso penal que con los años ha ido cambiando (lento) y que la red de apoyo (profesionales de la salud, amigos y familia) es muy relevante.

Es una muerte en vida, pero en esta película no se muestra ni se siente el acercamiento al hecho respecto de esta víctima en puntual. Es más si no lo dice, no se sabríamos que estamos ante una víctima de algo tan horrible.

Las preguntas hechas en la sinopsis, no se responden en la película.

Nos deja las preguntas a nosotros, para que dialoguemos sobre la empatía que debemos tener con todas aquellas víctimas de este ultraje. Debemos escucharlas. Que no debemos dejarlos solos. Y que los procesos deben cambiar.

Que se entienda que el miedo es paralizante. Que hay que estar atentos a las señales, y poner atención para poder contenerlas.

Pero nunca más solas.

Ficha técnica

Visión Nocturna
Chile, 2019, 80 min
Dirección e Imagen: Carolina Moscoso Briceño
Guión: Carolina Moscoso y María Paz González
Producción Ejecutiva: Macarena Aguiló Marchi
Montaje: Juan Eduardo Murillo
Premio Copia Cero y Plaza Espectáculos, FEMCINE 2019
Selección Oficial Competencia Nacional FICVALDIVIA 2019

miércoles, 11 de marzo de 2020

Los caballeros - Por José Blanco Jiménez

Las películas de gangsters suelen tener estilemas fijos: muertes, fraudes, violencia y – muchas veces – una gran dosis de humor negro. Ésta tiene todo esto, pero además una estructura de relato que la hace distinta a las de Martin Scorsese o Francis Ford Coppola, sólo por mencionar a dos de los más recientes y famosos productores del género.

Con un reparto de lujo, Guy Ritchie (director de Snatch: cerdos y diamantes, 2000 y de los dos Sherlock Holmes, protagonizados por Robert Downey Jr. y Jude Law, 2009 y 2011) se permite – acertadamente – presentar una historia desde un ángulo homodiegético, pero absolutamente novedoso.

En efecto, Fletcher (un irreconocible Hugh Grant) presenta un guión a un productor cinematográfico y participa de las acciones que éste relata. Es así como aparecen personajes tan interesantes como preocupantes: un magnate del tráfico de la marihuana que quiere vender su imperio antes de que la droga se legalice (Matthew McConaughey), su mujer que es un puntal de la actividad que lo ha hecho millonario (Michelle Dockery), un brazo derecho de alta peligrosidad (Charlie Hunnam), un elegante judío que quiere apropiarse del negocio (Jeremy Strong), un asiático que tiene las mismas intenciones (Henry Golding), un entrenador de jóvenes delincuentes (Colin Farrell) y varios más que el espectador puede identificar.

Como en un cubo de Rubik, las figuras y las situaciones se van sucediendo sin dar un resultado comprensible. Y Ritchie es maestro en desarrollar un experimento narrativo cinematográfico completamente logrado.

Y podría dar origen a una secuela. Pero no quiero, ni debo, ser un spoiler.

(The Gentlemen. USA, 2020)

Unidos - Por José Blanco Jiménez

Pixar inaugura un universo nuevo. Allí habitan elfos, centauros, sirenas, unicornios y otros seres mitológicos, que un tiempo se nutrían de la magia y ahora disfrutan (y padecen) de la actual tecnología.

Pero algo de la antigua tradición permanece y, cuando el elfo Ian cumple 16 años, su madre le entrega un paquete que su padre le dejó para cuando llegara ese momento. El adolescente nerd no tiene recuerdos. Pero sí su hermano Barley, hiperkinético y decidido, que maneja un destartalado furgón al que llama “Ginevra”.

El souvenir resulta ser un bastón mágico, que permitirá revivir al papá por 24 horas, pero el proceso falla y el cuerpo se recompone sólo de los pies a la cintura. Para obtener la figura completa, deberán encontrar una piedra preciosa, que Barley busca gracias a los juegos de rol y su afición por la antigua magia aparentemente desaparecida.

Y empieza una aventura “onward”, el título original que – en buen chileno – quiere decir “echarle para adelante”. Como siempre, la trama se desarrolla con la estructura de un juego de caza al tesoro y entretiene sanamente. Si en Up! (de Pete Docter y Bob Peterson, 2009) invocaba una dirección vertical, aquí es horizontal y sin detenciones.

Wall-E (de Andrew Stanton, 2008) presentaba un mundo destruido y un planeta abandonado en el que había sólo basura. Aquí es, por sobre todo, un problema de identidad y – al igual que en Coco (de Lee Unkrich y Adrian Molina, 2017) - el tema es la ausencia del padre y de las raíces. Y no se trata de la muerte que separa a los cónyuges, sino del mundo estadounidense con sus matrimonios de escasa duración, que siembran hijos indiscriminadamente, destruyendo la idea de la familia nuclear. La misma madre de Ian y Barley tiene una “acaballada” pareja (un policía centauro).

¿Existió realmente ese pasado perdido? La nostalgia, apoyada por los roles conservadores, tiende alegóricamente a aumentar el valor de los tiempos que ya fueron. La vara quedó muy alta con Toy Story 4 (de John Lasseter y Josh Cooley, 2019), que también plantea un universo paralelo y Dan Scanlon ya dirigió una película que exalta la diversidad: Monsters University (2013). Pixar sigue cumpliendo su función valórica.

(Onward. USA, 2020)

sábado, 7 de marzo de 2020

Los Caballeros - Por Carlos Correa

Un capo de la droga de origen norteamericano tiene el impero de la marihuana en Londres. Es Mickey Pearson -Matthew McConaughey- quien junto a su mano derecha, Raymond -Charlie Hunnam-, llevan el negocio a grandes alturas. Pero Mickey ya está cabreado, quiere vender y aquello naturalmente desencadena problemas. Fletcher -Hugh Grant-, un investigador privado tan osado como burdo, le sigue la pista y descubre asuntos que no deben salir a la luz. Por una suma de dinero, 20 millones de libras, ofrece a Ray sepultar la historia que ya se encuentra en estado de guion cinematográfico para ser usada y difundida. Socios y enemigos de Mickey se suman a este cóctel perfecto en una comedia que desparrama humor, acción y absurdos que entretienen en la medida que somos capaces de unir las piezas y armar el puzzle.

El director Guy Ritchie, “Sherlock Holmes” y “Aladín” entre otras, filma un estupendo guion de su autoría junto a Ivan Atkinson y Marn Davies, donde la imaginación y las vueltas de carnero resultan ser un sello característico. Si bien es un relato ágil, por momentos cuesta seguirlo. Paciencia, parece que nos desorienta, pero nos regresa a la línea con toques claros y escenas en perspectiva que nos hacen retomar el rumbo sin dificultad. Alertas debemos estar, pero más que a la trama, a aquellos pequeños detalles y sutilezas en un trabajo que tiene una edición y un montaje vibrante.

Es difícil adelantar detalles de la trama. Más vale descubrirlos al verla porque cualquier detalle podría transformarse en spoiler. Solo podemos anticipar detalles en los que es bueno fijarse, como por ejemplo el papel de Colin Farrell como el “entrenador” y el especial liderazgo de sus alumnos, o la caracterización de “Lord George” y “Dry Eye”, villanos que sazonan las acciones.

Guy Ritchie logra un relato que sin ser fascinante, atrapa y se vuelve más interesante hacia su último tercio. Punto aparte para la química de Hugh Grant con Charlie Hunnam. Ambos llevan la historia pues de su encuentro y conversación salen los detalles de esta comedia de gángsters. Por supuesto, consecuente con el estilo, no falta la acción, la violencia y la sangre. Tampoco falta lo absurdo y lo ridículo de algunas escenas que permiten soltar con ello la tensión de un argumento que tiene mucho texto y que demanda permanente atención.

Ficha técnica

Título original: The Gentlemen
Año: 2020
Duración: 113 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Miramax / STX Entertainment. Distribuida por STX Entertainment
Género: Thriller. Acción. Comedia | Crimen. Drogas
Guion: Guy Ritchie (Historia: Guy Ritchie, Ivan Atkinson, Marn Davies)
Música: Christopher Benstead
Fotografía: Alan Stewart
Reparto: Matthew McConaughey, Charlie Hunnam, Hugh Grant, Colin Farrell, Eddie Marsan, Henry Golding, Michelle Dockery, Jeremy Strong, Jason Wong, Jordan Long, Russell Balogh, Chidi Ajufo, Lyne Renee, Max Bennett, Eugenia Kuzmina, Togo Igawa, Tom Wu, Simon. R. Barker, John Dagleish, Lily Frazer, Gershwyn Eustache Jnr, Samuel West, Geraldine Somerville, Franz Drameh
Dirección: Guy Ritchie

Unidos - Por Carlos Correa

Walt Disney Pictures de la mano con Pixar Animation Studios nos traen una nueva fábula animada. Esta vez se trata de Ian y Barley Lightfood, dos hermanos elfos adolescentes que descubren que, con un hechizo mágico, pueden traer de regreso por un día a su padre quien falleció cuando ellos eran muy pequeños. Un regalo dejado por su progenitor para ser entregado cuando ambos tuvieran más de 16 años, desencadena una aventura que tiene un plazo; solo 24 horas.

En un mundo de fantasía donde habitan elfos, sirenas, hadas, unicornios y pegasos entre otros, la cruzada que emprenden los dos hermanos tiene carácter épico pues el camino que eligen no está exento de problemas. La ausencia de maravillas y magia en este mundo cambiante ha dado paso a una modernidad que abruma y que es monótona y plana. Los hermanos lo perciben pero no están seguros, las dudas abundan y el riesgo es latente.

Por supuesto los hechizos no salen como se prevé y surge la clásica disputa entre el bien y el mal. Todo ello se desarrolla en escenarios gráficos alucinantes, con diálogos chispeantes que sacan genuinas sonrisas. La animación es encantadora y el colorido fantástico. “Onward” fluye sin altibajos y se disfruta en todo momento.

Por sobre la experiencia de su excelente calidad, “Unidos” plantea muchos temas de fondo que quedan en nuestra retina. Observamos la hermandad, la fuerza de la familia y la figura paterna. También se encuentran fuertes referencias a vencer los temores y arriesgar, es decir, salir de la zona de confort para producir los cambios. La magia es casi una excusa pues en verdad, la voluntad y decisión de los dos hermanos, su mutuo apoyo inagotable cuando alguno de los dos flaquea y el urgente deseo de conocer a su padre les hacen sobreponerse a todo para alcanzar la meta.

“Unidos” es una linda fábula, bien narrada y que no solo entretiene sino que deja temas para pensar. Estas películas infantiles en ocasiones tienen la cualidad de hacer más sentido en adultos que en niños. A través de relatos transversales existe una mágica comunicación de valores y enseñanzas con un lenguaje divertido y dinámico. Y no es que no sean temas serios, al contrario, hay varios y muy serios. Lo que sucede es que la profundidad es alcanzada de otra forma, de manera lúdica, entretenida y desprovista de aquellos encasillados márgenes que muchas veces solo amarran a patrones rígidos conocidos. Acá vemos que se desarrolla libre, sin marcos ni ataduras, entregando contenidos que son recibidos entre sonrisas y aplausos por grandes y chicos.

Ficha técnica

Título original: Onward
Año: 2020
Duración: 103 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures. Distribuida por Walt Disney Pictures
Género: Animación. Comedia. Fantástico | Magia. 3-D. Pixar
Guion: C.S. Anderson, Dan Scanlon
Fotografía: Animation
Reparto: Animation
Dirección: Dan Scanlon

El permiso - Por Carlos Correa

Las discriminaciones de cualquier tipo no son entendibles. Pero dentro de ellas, algunas son tan absurdas que sencillamente no caben en nuestra actual concepción de mundo. Sin embargo, éstas se mantienen vigentes y como el caso que presenta esta película iraní, además son legales.

Afrooz -Baran Kosari- principal figura y capitana de la selección de fútbol sala (FUTSAL) de Irán, no puede viajar con su equipo a la soñada final de la Copa Asiática de Naciones porque justo antes de abordar el vuelo se entera que su marido le ha prohibido salir del país. Esta situación, inesperada y visiblemente injusta, choca con la actitud que toma la Federación de Fútbol, con la reacción de sus compañeras y por cierto con el doble estándar de quien directamente le ha provocado el problema.

El asunto es que Afrooz es de armas tomar. Lejos de decaer, aumentan sus bríos para luchar contra una ley que aplica sobre miles de mujeres de su país. Afrooz tampoco teme enfrentarse con una “Justicia” que está de parte de esta obvia injusticia. Acompañada por una abogada -que difunde la situación en redes sociales generando más bien un apoyo global más que una ayuda concreta- logra llevar el tema a revisión pero el golpe es duro. Abogada, médico, jugadora o lo que sea, ella es mujer y por lo tanto no tiene ciertos derechos esenciales que son solo para los hombres. ¡Brutal!

“El permiso” expone una realidad actual y vigente. Inconcebible para nosotros, es algo con lo que muchísimas mujeres se enfrentan día a día, además. por cierto, de otras injusticias e incluso vejaciones aún más graves. Lo más importante de cintas como esta es que se puede mostrar esa realidad, compartirla y con ello, tal vez, avanzar un paso más hacia la abolición de leyes que denigran a la mujer, que menoscaban su natural y absoluta igualdad en dignidad y derechos.

Ficha técnica

Título original: Araghe Sard
Año: 2018
Duración: 85 minutos
País: Irán
Productora: Distribuida por Noori Pictures
Género: Drama | Drama social. Fútbol. Deporte. Feminismo
Guion: Soheil Beiraghi
Música: Karen Homayunfar
Fotografía: Farshad Mohammadi
Reparto: Baran Kosari, Amir Jadidi, Leili Rashidi, Hoda Zeinolabedin, Sahar Dolatshahi, Abbas Moosavi, Maryam Sarmadi, Sogand Soleymani
Dirección: Soheil Beiraghi

Amigos para siempre - Por Carlos Correa

Esta película resulta encantadora. Basada en la novela de Colin Thiele y que ya tuvo una versión cinematográfica en 1976, nos sitúa en la costa sur de Australia donde un niño -Finn Little- rescata a tres pelícanos huérfanos. Su dedicación hacia ellos es tan genuina que logra crear fuertes lazos que cambian completamente la perspectiva de su vida.

La historia la narra Mike Kingley -Geoffrey Rush- quien rememora sus vivencias de infancia en un relato para su nieta Madeline -Morgana Davies-, quien pasa un momento de graves conflictos con su padre por el destino de los proyectos empresariales de la familia.

La cinta contiene bellos parajes junto a un relato reconfortante. La filmación de las aves y sus entornos más los cuadros conseguidos en interacciones con “Storm Boy”, provocan sensibilidad y emoción, tal vez no en un grado máximo, pero suficiente para dejar una sensación más que agradable.

Pero la película no solo describe la relación del joven y sus rescatados pelícanos. Hay mucho más en su fondo, la solitaria relación padre-hijo y sus causas, el cuidado de la naturaleza, los cazadores que amenazan la supervivencia de las especies, etc. Y también temas del presente; la llegada del abuelo es un punto de inflexión en la relación de la nieta con su padre y también implica el regreso a la esencia de quien ha sido el generador y creador de la exitosas empresa familiar.

El guion pone en relieve numerosos valores y de forma didáctica se encarga de mostrar sus consecuencias. También se hace cargo de las dificultades, aunque ello en un tono menor, poniendo siempre énfasis en el actuar positivo y en hacer siempre lo correcto por sobre todas las demás consideraciones.

“Storm Boy”, el apodo del niño y el título original de la película, es más que dos palabras sueltas. Implica lo que sucede luego de la caza y muerte de las aves; viene una tormenta y hay que tener el valor y el coraje para enfrentarse a ella. Esta metáfora es mucho más significativa que el título en español -Amigos para siempre- que además se confunde con otras cintas de años recientes. No obstante esta acotación, “Storm Boy” genera simpatía, empatía y nos regala 99 minutos con una historia bella y alentadora.

Ficha técnica

Título original: Storm Boy
Año: 2019
Duración: 99 minutos
País: Australia
Productora: Ambience Entertainment / Best FX Adelaide. Distribuida por GEM Entertainment
Género: Drama | Familia
Guion: Justin Monjo (Novela: Colin Thiele)
Música: Alan John
Fotografía: Bruce Young
Reparto: Geoffrey Rush, Jai Courtney, David Gulpilil, Erik Thomson, Morgana Davies, Simone Annan, David John Clark, Chantal Contouri, Finn Little, Stinga-T, Trevor Jamieson, Emma Bampton, Luca Asta Sardelis, Michelle Nightingale, Brendan Rock, Paul Blackwell, Rory Walker, Bradley Trent Williams, Martha Lott
Dirección: Shawn Seet

El hombre invisible - Por Carlos Correa

La novela de H.G. Wells publicada el año 1897 ha sido la base para múltiples versiones y adaptaciones de la historia. En esta oportunidad, el guionista y director Leigh Whannell desarrolla un trabajo que merece atención más por su forma que por lo esencial de su trama.

Cecilia -Elisabeth Moss- es la protagonista de la cinta y el relato comienza describiendo la forma en que huye de la lujosa y tecnológica casa que comparte con su novio Adrian -Oliver Jackson-Cohen-. No conocemos las motivaciones de este escape, sin embargo de inmediato descubrimos que Cecilia ha sido abusada y maltratada por él. El plan, urdido junto a su hermana Emily -Harriet Dyer-, contempla ocultarse rápidamente luego de la huida para encontrar refugio y protección. James -Aldis Hodge-, un viejo amigo que vive con su hija, la acoge en su hogar, le ayuda a contener sus miedos y la anima a dejar atrás la pesadilla, sobre todo luego de conocerse la pública notica del suicidio de Adrian.

Hasta aquí, Cecilia comienza muy lentamente a recuperar su temple y a enfrentar sus temores. Sin embargo, una serie de hechos extraños le despiertan la peor de sus sospechas; Adrian está vivo y viene por ella.

El guion se sostiene durante todo el metraje a pesar de algunos sensibles bajones narrativos. El suspenso lo consigue gracias a situaciones y escenarios bien desarrollados pero quien se lleva en esto todos los aplausos es su protagonista. Elisabeth Moss, que ya hemos visto en “El cuento de la criada”, asume su rol con propiedad. Lo impregna de sufrimiento y de impacto, con una sensibilidad reflejada en sus ojos y comunicada con todo su cuerpo. No queda ninguna duda que ella es Cecilia, que sus temores son intensos y sus miedos totalmente reales.

Como no todas las cosas son como parecen, el relato se encarga de darnos varias vueltas con giros que, aunque no terminemos de entender, generan indudable suspenso e inquietud. ¡Qué hablar de los efectos especiales y de la edición! Son dos elementos que siempre están a favor de la acción representada y que destacan por tener un nivel de excelencia. Es así que esta nueva cinta de “El hombre invisible”, y lo podemos decir con énfasis, nos da una gran sorpresa.

Ficha técnica


Título original: The Invisible Man
Duración: 125 minutos
Año: 2020
País: Estados Unidos
Productora: Blumhouse Productions / Dark Universe / Universal Pictures. Distribuida por Universal Pictures
Género: Fantástico. Terror
Guion: Leigh Whannell. (Novela: H.G. Wells)
Fotografía: Stefan Duscio
Reparto: Elisabeth Moss, Storm Reid, Harriet Dyer, Aldis Hodge, Oliver Jackson-Cohen, Zara Michales
Dirección: Leigh Whannell

jueves, 5 de marzo de 2020

El permiso - Por Jackie O.

“No importa si eres rica o pobre, famosa o desconocida, solo eres mujer” 

Afrooz, es la capitana de la selección de fútbol sala (FUTSAL) de Irán. Y luego de 11 años de duro trabajo, su esfuerzo se ve recompensado: la selección ha llegado a la final de la Copa Asiática de Naciones.

Y cuando trata de viajar junto a su equipo, descubre en el aeropuerto que su marido le ha prohibido abandonar el país. Esto desencadena una serie de reacciones que sirven como reflexión social en un país en el que la mujer debe pedir permiso al hombre para prácticamente cualquier gestión que desee realizar.

Esta película se estrena en una fecha donde las mujeres nos manifestamos aún más de una u otra forma, donde gritamos más fuerte por pedir nuestro espacio en el trabajo, por igualdad… en realidad por algo básico que es el respeto en el día a día.

Y en pleno siglo 21, aún en el mundo existen mujeres denigradas por solo ser mujer. Denigrada de las formas más crueles, hasta en situaciones inexplicables y ridículas como pedir permiso a su marido para poder viajar.

Nuestra protagonista está separada de hecho y casi nadie lo sabe ya que es muy mal visto en su país, y su toxico marido que quiere que vuelva con él no encontró mejor forma que usar su poder “masculino” y que la ley ampara: prohibirle salir del país.

Afrooz muestra su rabia y pena haciendo viral la situación (las redes sociales son un arma hoy en día) siendo apoyada por su amiga y una abogada, que hacen lo que pueden para que la situación cambie. Encontrándose solo con problemas en el camino, incluso falta de sororidad.

Pide el divorcio, y está dispuesta a dejarlo todo por su libertad como mujer.

Los primeros planos muestran el rostro de rabia, impotencia y pena de Afrooz ante la situación. La edición está bien tratada, las actuaciones creíbles y la puesta en escena bien lograda.

Luego del estreno de esta película, y según entrevista hecha al director, el Parlamento de dicho país cambio en algo la ley, dejando solo a las mujeres “de elite” poder salir del país sin la autorización de su marido.

Algo tan simple como el derecho a desplazarse por tu país o el mundo no puede ser coartado, incluso no pueden limitarte tu vestuario, con quien vives, etc.

La película en momentos puede ser lenta, pero es interesante verla tanto mujeres como hombres, pues no deja indiferente a nadie.

Va mostrando situaciones de injusticia que viven las mujeres solo por ser mujer.

Una película tratada de forma elegante y simple, pues el director también debió pedir permiso para que aprobaran su estreno.

Ficha técnica

Título original: Araghe Sard
Año: 2018 Duración: 85 min.
País: Irán 
Género: Drama. Drama social. Deporte. Feminismo
Dirección y guion: Soheil Beiraghi
Música: Karen Homayunfar
Fotografía: Farshad Mohammadi
Reparto: Baran Kosari, Amir Jadidi, Leili Rashidi, Hoda Zeinolabedin, Sahar Dolatshahi, Abbas Moosavi, otros