sábado, 31 de julio de 2021

Cruella - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Disney+.


Precuela glamorosa, entretenida, bien actuada, y fiel a las mejores producciones de Disney.

Lo que comenzó con el largometraje animado “Los 101 Dálmatas”(1961), y más tarde, en 1996 con actores protagonizados por Glenn Close, el personaje de la villana Cruella de Vil ha estimulado la imaginación de los guionistas más que los traviesos perritos manchados que la acompañaban.

Esta fábula de 2021, nos lleva a la infancia de lo que llegó a ser esta elegante harpía. Nos permite acompañarla desde que quedó huérfana. Fue acogida, como hermana menor, por un par de ladronzuelos que le enseñaron a sobrevivir robando. Creció cómo una adolescente astuta y rebelde.

Sin embargo, latía en ella una vocación irrefrenable: diseñar vestidos femeninos. Desde humilde aseadora de una gran tienda - Liberty Fashions de Londres - fue gradualmente demostrando su talento creativo.

Captó la atención de una soberbia Baronesa (Emma Thompson), dueña de la más conspicua casa de modas, quien la incluyó en su equipo de anónimas dibujantes. Y de la relación entre estas dos mujeres - Estella (Emma Stone) y la Baronesa - brotará el trágico, y sorpresivo, desenlace de la película.

Como el argumento es muy claro, ameno, y llenos de incidentes menores, nos limitaremos a destacar sus méritos formales.

Los guionistas Dana Fox y Tony McNamara dotaron la historia con muchos personajes, mayores y menores, siendo todos adecuados a la trama. La estructura del guion - como siempre en los filmes de la empresa Disney - es convencional y asegura ser eficaz para públicos masivos. Sólo trabajan con fórmulas probadas de éxito comercial. Aunque esta vez trae lecturas más sutiles para los adultos, los jóvenes y niños disfrutarán igual con el flujo exterior del relato.

Su director, Craig Gillespie (Yo, Tonya -2017), mantiene el ritmo equilibrando las secuencias de tensión y distensión, insertando dosis precisas de humor y suspenso sin exceder en ninguna. Fue a la segura con Emma Stone (LaLaLand) como la imprevisible Estella; con Emma Thompson (Nanny McPhee - Harry Potter), encarnando a la siniestra Baronesa; y entre secundarios talentosos como Joel Fry (Yesterday- 2019) y Paul Walter Hauser ( Infiltrado del KKKlan-2018) destacamos al silencioso John el Valet interpretado por Mark Strong (1917) en una de sus nuevas caracterizaciones (logrando un capcioso parecido con Stanley Tucci).

Exuberante en escenografías, será un banquete visual por el alarde de vestuarios femeninos de diversos modelos y colores. Canciones de los años 70 conocidas y pegajosas. Un discreto eco de Aves de Presa, Ocean´s Eleven, El Diablo viste a la Moda y James Bond.

Por el tenebroso origen de su protagonista nos recuerda a “Joker”(2019). Sus víctimas se vuelven villanos incomprendidos por sus amigos, familia y sociedad.

UNA HISTORIA COMPLEJA, FASTUOSA Y AMENA NARRADA CON LA FÓRMULA SEGURA DE LOS ESTUDIOS DISNEY. BUENOS ACTORES Y HERMOSO ESPECTÁCULO. BUENA.

Ficha técnica

Tragicomedia, delito y elegancia
2021 EE.UU., Inglaterra - 2,24 hrs. 
Fotografía: Nicolas Karakatsanis 
Edición: Tatiana S. Riegel 
Música: Nicholas Britell 
Diseño Prod.: Fiona Crombie 
Guionistas: Dana Fox,Tony McNamara 
Actores: Emma Stone, Emma Thompson, Joel Fry 
Director: Craig Gillespie

viernes, 30 de julio de 2021

Rápidos y Furiosos 9 - Por Carlos Correa

Disponible en cines. 


Si hay algo que caracteriza a “Rápidos y Furiosos” es que siempre comienza vertiginosamente. Y acá lo tenemos, pero esta vez corresponde al pasado. Es solo un anuncio, un antecedente para comprender lo que veremos a continuación.

Otra característica distinguible es que habitualmente todo se inicia en paz y un hecho particular desencadena la acción. Por supuesto, esta no es la excepción, porque Dominic Toretto -Vin Diesel-, se encuentra retirado y asilado del mundo cuidando a su hijo, Brian, junto a su esposa Letty Ortiz -Michelle Rodriguez-, cuando recibe la visita de Roman Pearce, Tej Parker y Megan Ramsey. El tema es delicado, porque el avión del Sr. Don Nadie ha sido atacado, se ha estrellado, y en un difuso mensaje de auxilio, implora que le encuentren pues trae consigo algo que puede ser en extremo peligroso si cae en las manos equivocadas.

El equipo se reúne y emprende la búsqueda. Al grupo, también se suma Mía, la hermana de Dom, por lo que el contingente es numeroso, aún sin sospechar que quien está detrás del ataque es Jakob -John Cena-, nada menos que el hermano desaparecido de los Toretto. Así las cosas, la amenaza es de escala mundial, por lo que esta especial “familia”, debe esforzarse al máximo para desactivar el complot y protegerse de una cantidad exhorbitante de peligros.

Esta cinta, la versión 9 de la franquicia, es dirigida por Justin Lin y posee todos los elementos que esperamos que contenga. Principalmente acción, carreras, persecuciones, vuelos, situaciones insólitas, complejas maniobras, sincronizaciones perfectas, audacia, riesgo y muchísimas de las secuencias que se han transformado en su sello a lo largo de los años. También tenemos humor, cosas ridículas pero amenas que permiten soltarnos y relajarnos entre medio del estrés que genera toda esa grandilocuente espectacularidad. Se suman a lo anterior las pausas argumentales -obvias-, para explicar los nexos o explorar nuevas aristas y por supuesto las sorpresas, que en algunos casos pueden llegar a ser significativas respecto al universo construido en torno a estas historias.

Así las cosas, la película cumple perfectamente lo que se propone. Entretiene, estresa, divierte y juega con nosotros. A veces parece un video juego y otras, una cinta que no permite que perdamos atención gracias a sus inyecciones constantes de adrenalina. Y vaya que funciona, porque es justamente lo que uno busca al entrar al cine a ver algo de este tipo. Transportarse, olvidarse del mundo y disfrutar de los efectos especiales a gran escala, reír de cosas simples y vaciar la mente de preocupaciones. Una película de manual, pero de un buen manual.

El éxito de taquilla está garantizado y posiblemente también para nuevas entregas de la saga hasta que el desgaste lo permita. Este es un tipo de Blockbuster, de esos industriales que se parecen entre sí, que en términos argumentales no aporta nada nuevo, que no vale por su contenido o por sus disquisiciones profundas. No. Vale por ser capaz de entregarnos diversión y escape, una evasión necesaria que en los tiempos actuales se ha transformado en algo vital. “Rápidos y Furiosos 9” lo consigue y con herramientas claras, abusando de estereotipos y clichés pero sin esconderlo ni por un segundo. Por eso vamos y seguiremos yendo; porque a pesar de los años, se ha sabido reinventar y ofrecer lo que mejor sabe hacer.

Ficha técnica

Título original: Fast & Furious 9
Año: 2021
Duración: 142 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Tailandia-Canadá; Universal Pictures, Original Film, One Race Films, Roth/Kirschenbaum Films, Perfect Storm Entertainment. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Acción. Thriller. Ciencia ficción | Coches/Automovilismo. Familia. Secuela
Guion: Daniel Casey, Gary Scott Thompson. Personaje: Gary Scott Thompson. Historia: Justin Lin, Alfredo Botello, Daniel Casey
Música: Brian Tyler
Fotografía: Stephen F. Windon
Reparto: Vin Diesel, Michelle Rodriguez, Jordana Brewster, Tyrese Gibson, Ludacris, John Cena, Charlize Theron, Helen Mirren, Kurt Russell, Sung Kang, Lucas Black, Finn Cole, Vinnie Bennett
Dirección: Justin Lin

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 30 de julio 2021

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Alejandro Caro en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

Ralph Lauren: El hombre detrás de la marca - Por Jackie O.

"Más que una marca, un estilo de vida".


Ralph Lifshitz, más conocido como Ralph Lauren, nació en Nueva York en 1939. De origen judío, se crió en el barrio neoyorquino del Bronx.

Imposible no saber quién es este afamado artista. Su nombre lleva más de 50 años de éxito.

Nació en un hogar conformado por su madre, una dueña de casa muy cariñosa, su padre, un pintor, buen esposo y padre, y otros hermanos. Pero Ralph creía que no tenía ningún talento. Lo que no sabía es que ese talento se manifestaría de otra forma: la creatividad con estilo.

A los 14 años vio el clóset de su padre, en el que mantenía un orden en sus zapatos y trajes, lo que le llamó profundamente la atención.

Creció gustándole lo original, y encontraba joyitas en las tiendas de segunda mano, a las que les efectuaba ciertas modificaciones a su estilo personal, que era diferente al resto.

Entre 1962 a 1964 sirvió en el Ejército de los EEUU, y se fue a trabajar brevemente para "Brooks Brothers" como asistente de ventas, antes de convertirse en vendedor de una compañía de corbatas.

Se enamoró muy joven de su esposa Ricky Ann Low-Beer, la que se transformó en su musa y se casaron en 1964. Un matrimonio aún vigente y con 3 hijos.

A principios de los 60, la moda masculina y los hombres eran muy conservadores, por lo que Ralph no se quedó solo en hacer corbatas, que es con lo que comenzó; quizo darle un giro al estilo masculino, atreviéndose con camisas llamativas y trajes de solapa ancha.

Luego, hubo un pequeño reportaje en la prensa de este joven Ralph incursionando en la moda: un comerciante de corbatas, donde su equipo de trabajo era su esposa, sus padres, su familia.

Con sus creaciones tuvo altos y bajos, quedó sin dinero incluso, pero su mujer y padres creían en él y lo acompañaban en esta aventura; siempre lo alentaron.

A Ralph le encantaban las películas, y hacía que sus trabajos fueran como sacados de ellas, como ver a Humphrey Bogart en "Casablanca" o a Fred Astaire, por lo que se le consideró por sus trabajos excepcionales, ya que sabía cómo hacer que el vestuario de hombre se viera sofisticado.

El encargado de cambiar su apellido de Lifshitz a Lauren fue su hermano Jerry, quien asegura en el documental, que su apellido judío no los llevaría a ningún lado.

Sobre la marca Polo, es, según sus palabras, que le gustaban los deportes, y el polo es elegante.

Hasta que un día le dijeron, "por qué no haces ropa de mujer", pero él no tenía idea de cómo hacer una falda, así es que lo intentó con costureras que lo ayudaron. De ahí nadie mas lo paró, obteniendo de él desde ropa elegante de todas las edades, a deportiva, de cama, fragancias, etc. Una marca que todos deseaban, pues su forma de transmitirla al público era cercana. Él mismo era su mejor agente publicitario, muchos se preguntaban que por qué no era director cinematográfico, por su precisión elegante en presentar su trabajo en revistas, y en cualquier medio de publicidad. Él estaba presente en las tomas fotográficas en su mayoría, ya que no era solo fotografíar su ropa, él creaba una narrativa con ella.

Los estilos favoritos de él son el ejército, safari, oeste y equitación inglesa. ¿Quién podría imaginar que esos atuendos podrían verse tan elegantes al estilo Ralph?

Tampoco elegía 100% modelos profesionales, incluso familiares de amigos posaban con su ropa, ya que él quería cercanía, que su ropa fuera deseada por todos y se sintieran que pertenecían a ese mundo. O chicas más naturales, sin o poco maquillaje y su pelo suelo. Como su esposa. Sus hijos señalan que ella es su musa de toda la vida, y que cada obra es una proyección de ella.

Solo para hacer mención a una minúscula parte de su trayectoria en el cine, ha vestido con míticos trajes a Robert Redford en la película "El gran Gatsby" (1974), los conjuntos que lució Diane Keaton en la película "Annie Hall" (1977), así como el fabuloso vestido rosa que lució Gwyneth Paltrow cuando subió a recibir su Oscar por la película "Shakespeare in love" en 1999. Más detalle del cine con Ralph, lo puedes leer en una nota que le hice a la Asesora y Coach de Imagen "TuGuíaFashion" en https://tuguiafashion.com/ralph-lauren-en-el-cine-y-la-tv/

En este documental vemos a su familia, muchos editores, fotógrafos, modelos, actrices, otros grandes diseñadores, así como a Hillary Clinton, y ¡Anna Wintour! sí , la misma. Todos admiran su trabajo.

Nos inmiscuimos en su vida, su entorno, su buen gusto, su intimidad. Un hombre que fue pionero en su época, que junto a su familia se abrió paso al mundo de la elegancia, un hombre que es marca, que es estilo, que es de buen gusto, que es arte y que aún sigue activo trabajando, pues es un hombre inquieto y lleno de creatividad.

El documental muestra imágenes de archivo de aproximadamente 50 años que lleva la marca.

Disponible en HBO

Ficha técnica

Título original: Very Ralph
Año: 2019
País: EEUU
Duración: 108 min.
Dirección: Susan Lacy
Música: Brian Keane
Fotografía: Don Lenzer
Género: Documental - Moda
INVITADOS: Anna Wintour, Calvin Klein, Donna Karan, Jessica Chastain, André Leon Talley, Naomi Campbell, Wei Koh, Martha Stuart, Karl Lagerfeld y Hillary Clinton, entre otros.

jueves, 29 de julio de 2021

Cruella - Por Jackie O.

"Estilo, poder y venganza de dos Emma´s".


"Cruella", está basada en el personaje Cruella de Vil de la novela "101 Dálmatas" de 1956 de Dodie Smith, y de su correspondiente adaptación cinematográfica animada de 1961 y "101 Dálmatas 2", año 2003, y posteriormente en live action, con la interpretación de Glenn Close en "101 Dálmatas" (1996) y "102 Dálmatas" (2000).

Quiero dejar en claro que, si no han visto ninguna de las películas mencionadas, no hay problema para ver esta, ya que se encontrarán con una historia diferente.

Cruella nos presenta una mirada distinta a este personaje. Esta nueva versión, nos lleva a la infancia y juventud de este personaje, nos muestra quién era Cruella antes de convertirse en la villana que conocemos, y su motivación para hacer lo que hace.

Ambientada en la década del 70, Stella, una joven que "se crió" con dos amiguitos ladrones y estafadores, así que también se convirtió en hábil en ello, vive su vida. Pero su sueño es triunfar en el mundo de la moda, principalmente trabajar en un lugar topísimo dirigido por una mujer apodada La Baronesa.

Al ingresar en este lugar, y trabajar en servicio de aseo primero, pone a prueba sus habilidades como diseñadora y llama la atención. Pero su motivación mayor para seguir en dicho lugar es haber visto un collar que porta la baronesa, no por su valor monetario, es por un valor sentimental para nuestra Stella.

Ahí comienza la aventura, más bien la rivalidad de estas dos mujeres fuertes, hábiles y genios de la moda.

La película es dinámica, entretiene, visualmente es atractiva en su vestuario con estética punk y de bricolaje, inspirados en los diseñadores como Pierre Cardin, McQueen, Vivien Westwood, Galliano y otros, haciendo que nuestras protagonistas, principalmente, tengan un aspecto dramático, explosivo y con personalidad. Su maquillaje es innovador y bello, un diseño de arte y producción en general bueno, así como la banda sonora.

Esta nueva adaptación toma como referencia los puntos esenciales conocidos por todos de Cruella, esto es, el blanco y negro, su cabello, y labios rojos, pero trasladándolos a un contexto más urbano y punk.

Las actuaciones son buenas, pero decae un poco en su narrativa, pero no impide disfrutarla.

Acá nos presenta el deseo de triunfar de una joven, pero con ira y un sed de venganza, más el poder, maldad y temor que provoca una adulta. Así como la potente fuerza que ejercen los medios de comunicación para potenciar o desacreditar la imagen de alguien o algo.

Disponible en Disney y cines.

Ficha técnica

Año: 2021 
Duración:134 minutos
País: EEUU
Dirección: Craig Gillespie
Guion: Dana Fox, Tony McNamara. Historia: Aline Brosh McKenna, Kelly Marcel, Steve Zissis.
Novela: Dodie Smith
Música: Nicholas Britell
Fotografía: Nicolas Karakatsanis
Reparto: Emma Stone, Emma Thompson, Joel Fry, Paul Walter Hauser, John McCrea, Emily Beecham, Mark Strong, Kayvan Novak, Kirby Howell-Baptiste, otros.

miércoles, 28 de julio de 2021

Cruella - Por Carlos Correa

Disponible en Disney+.


Corre la década de 1970. Estella Miller -Emma Stone-, una joven ambiciosa, estafadora y aspirante a diseñadora de moda, ve una oportunidad. Junto a sus socios ladronzuelos, Jasper -Joel Fry-, y Horace -Paul Walter Hauser-, emprende el camino para vengarse de la baronesa von Hellman -Emma Thompson-, una estrella de la moda, narcisista empedernida y dictadora. ¿La razón? Estella la acusa de la muerte de su madre porque descubre en su nueva jefa un collar que a ella le pertenecía. ¿La vía? Explotando su versión más oscura, malvada y cruel.

Las aventuras se suceden unas tras otras, raudamente, en una serie de episodios narrados con un particular estilo, donde prima el sentido del humor, el ridículo y por supuesto las situaciones tan insólitas como increíbles.

Dirigida por Craig Gillespie, “Cruella” se inserta en la franquicia “101 Dálmatas”, de Disney, como precuela. Al ser una cinta de efectos, la atención principal la tienen los diseños, la producción y la banda sonora. Los elementos de entretención, algunos dosificados y otros que en mi opinión se usan en exceso, resultan ser lo más llamativo, incluso en detrimento del relato, de la historia y de la construcción de los personajes.

La película avanza pero se hace algo larga. La dinámica no es suficiente para sortear de manera apropiada sus 134 minutos. El metraje cansa e inevitablemente uno se distrae. Pecado del guion, tal vez, un texto que pretende abarcar mucho y por lo mismo pasa superficialmente por un montón de caricaturas y estereotipos.

Sin duda, esta cinta tiene un estilo, que podemos compartir o no, una concepción estética atrevida y una audaz propuesta para componer el pasado de la protagonista. Lo que expone el metraje puede ser acogido en mayor o menor medida y por cierto constituye un riesgo para la franquicia, y también una oportunidad, porque se abren ventanas que proponen hilos nuevos que mantienen con vida la historia principal.

El despliegue que se observa en pantalla es grandilocuente. La edición permite crear magia en cada escena, solo que cuando debe tomarse una pausa para explicar o desarrollar, el ritmo decae y afloran algunos baches narrativos. Tan marcada es la tendencia, que la propia cinta rehuye de sus momentos más profundos, los esconde, los trata de sortear rápido para que pasen en forma inadvertida.

Aunque las actuaciones se ven algo pasadas de revoluciones y quizás un poco exageradas, están correctas en general, por más que cueste reconocer a Emma Stone y Emma Thompson -dos portentosas actrices-, al interior de lo enrevesado de sus personajes.

“Cruella”, no obstante lo señalado anteriormente, no deja de cumplir su principal misión que es entretener. Tampoco afloja en su intensión de unir pasado y presente para generar más posibilidades y nuevas creaciones. Podríamos decir que son dos pasos adelante y uno atrás, un resultado positivo pero que por su naturaleza podría haber sido mejor. Tal vez vendrá a futuro, tendremos que esperar. Por ahora “Cruella” se deja ver aunque quede en la sección “promesas”.

Ficha técnica

Título original: Cruella
Año: 2021
Duración: 134 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Walt Disney Pictures, Gunn Films, Marc Platt Productions, TSG Entertainment. Distribuidora: Disney+
Género: Comedia. Thriller | Moda. Crimen. Perros/Lobos. Robos & Atracos. Precuela. Años 70
Guion: Dana Fox, Tony McNamara. Historia: Aline Brosh McKenna, Kelly Marcel, Steve Zissis. Novela: Dodie Smith
Música: Nicholas Britell
Fotografía: Nicolas Karakatsanis
Reparto: Emma Stone, Emma Thompson, Joel Fry, Paul Walter Hauser, John McCrea, Emily Beecham, Mark Strong, Kayvan Novak, Kirby Howell-Baptiste, Jamie Demetriou, Niamh Lynch, Andrew Leung, Ed Birch
Dirección: Craig Gillespie

Penguin Bloom - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Sam Bloom (Naomi Watts) es una madre que vive feliz con su marido Cameron (Andrew Lincoln) y sus tres hijos. Un día un accidente la deja paralítica. Mientras ella y su familia luchan por adaptarse a su nueva situación, de manera inesperada llega a sus vidas un pájaro herido al que llaman Penguin por el color de su plumaje. Este animal es una buena distracción para la familia Bloom, que finalmente marca una gran diferencia en Sam, enseñándola a vivir de nuevo. Historia real basada en el libro Sam Boom: Heartache & Birdsong de Cameron Bloom y Bradley Trevor Greive.


Este tipo de dramas ya lo hemos visto antes, por lo tanto ya sabemos hacia donde se dirige la historia y su posible desenlace. Pero Iven, con su dirección,  logra darle a los personajes la intensidad y caracterización que necesita el relato, con un accidente que, de alguna manera, involucra a toda la familia. Muestra  lo frágil que es la vida o la salud y cómo el apoyo familiar, con sus círculos cercanos, puede sacar a una persona del dolor o sufrimiento.

Watts, con su actuación, sobrelleva bien el dramatismo,  la rabia y frustración de ver su vida destrozada, reconociéndose a sí misma, que “no es nada” y sin ver una luz que le permita salir de donde se encuentra.

Por otro lado, por momentos, sus hijos no saben qué hacer, especialmente uno de ellos que carga con la culpa de sentirse responsable por sucedido, mientras que su marido, y padre siempre generoso, trata de sacar adelante al grupo familiar.

Hasta que surge Peguin, que también se encuentra con algunas dificultades similares a las de Sam. Aquí pensé lo peor, si Iven hace una analogía ente estos personajes, eso habría sido un desastre en la historia, pues se encuentra casi en la línea roja de un relato dramático de emociones o de una llorona historia de superación personal. Salva por poco.

Hay un reconocimiento y respeto por la naturaleza, los animales, en este caso por una urraca que sorprende por el rol que desarrolla, su intervención la hace, por momentos, casi como un personaje humano.

Tiene una hermosa fotografía que muestra los diferentes estados de ánimo de Sam, su familia y la urraca, con todo el entorno de hermosos paisajes.

Podemos dirigir nuestra mirada a la unión familiar, al diálogo, a la confrontación, al reencuentro, a la fortaleza interior, y a la culpa, como realidades muy de nuestro vivir humano.

Ficha técnica

Título original: Penguin Bloom
Año: 2020 
Duración: 95 minutos
País: Australia 
Dirección: Glendyn Ivin 
Guion: Harry Cripps, Shaun Grant. 
Música: Marcelo Zarvos. 
Fotografía: Sam Chiplin. 
Reparto: Naomi Watts, Andrew Lincoln, Jacki Weaver, Rachel House, Gia Carides, Leeanna Walsman, Lisa Hensley, Randolph Fields, Felix Cameron. 
Productora: Coproducción Australia-Estados Unidos; Broadtalk, Made Up Stories. 
Género: Drama, Discapacidad, Pájaros

martes, 27 de julio de 2021

El Método Kominsky - Por Jackie O.

"La vida sigue, las experiencias se disfrutan..."


Esta es una serie de TV que sigue a dos amigos de años que sobrepasan los 70 de edad. Sandy es un profesor de actuación y Norman es un representante que tiene un excelente pasar económico. Ambos nos cuentan sus aventuras y desventuras.

Historias de abuelos, para muchos, pueden ser aburridas, pero estas les sorprenderán y más de una vez los harán reír a carcajadas.

Tenemos dos amigos de años que han triunfado a su modo en la vida; su amistad es fabulosa y honesta, son casi hermanos. Unos sujetos activos aún, llenos de vida, trabajan, disfrutan, mantienen sus rutinas de restaurant, tragos, etc. pero quién no a veces. Disfrutan cada momento.

Uno de ellos ya lleva tres divorcios, fue un gran actor por corto tiempo y en vista de no conseguir nada más, se transformó en profesor de teatro, y tiene una grandiosa hija que trabaja con él. El otro es un prominente empresario que enviuda de un buen matrimonio, un duelo que le cuesta asumir, y lo sobrelleva con su gran amigo, pero tiene un hija que le ha dado muchos problemas.

Una muy buena serie, de personas que han vivido de todo, o casi, y que siguen aprendiendo, hombres de experiencia, con muchas historias que contar y enseñar.

Su historia usa un humor negro e inteligente, expone sus miedos, sus éxitos, sus fracasos, sus alegrías, sus dolencias, y lo complejo que se va transformando su día a día por la edad. Se ríen de ellos mismos por sus enfermedades o las idas a funerales como actividad social recurrente, inclusive los nuevos amores, etc; y también vamos conociendo a otros partícipes para complementar esta serie. Veremos a grandes actores y actrices en papeles secundarios, o invitados, muy interesantes, y te agradarán mucho con solo verlos. (mira el elenco más abajo para saber a qué me refiero)

En la tercera temporada, sucede algo que te descolocará de inmediato al no ver a alguien, pero la austicia de los guionistas hizo de una continuidad de serie muy agradable, con situaciones que siguen la misma línea, todo muy bien hilado. Muchas historias y personajes, donde vemos más amor, y aparecen peleas por dinero, sinceridad, los sueños y triunfos, las penas y superación... una buena continuidad, y un final estupendo para esta serie.

No puedo dejar de mencionar que en la última temporada, caricaturizan el lenguaje inclusivo en una escena, en donde hacen ver lo mal que se puede escuchar una conversación con un simple "elle".

Vida y muerte, compañerismo, familia y amistad. Problemas de todo tipo y enfermedades, todo lo que una vida conlleva, te la cuentan acá con un estilo especial, más bien "humano", donde nada es trágico al extremo, pero tampoco se lo toman de manera superficial. Te muestran la vida, una vida que es con altos y bajos, donde todos llegaremos a viejos y moriremos; o si tienes mala suerte, no lograrás disfrutar de esa vejez, una vejez lúcida, exitosa y llena de historias como la de estos dos viejos simpáticos.

Recomendada.

Premio Globo de oro en 2019: Michael Douglas, Mejor actor de serie de televisión - Comedia
Nominada Premios del Sindicato de Actores 2019, actor principal y de reparto en serie de TV.
Nominación Emmy 2021: Mejor serie comedia TV y a Mejor actor protagonista de una serie de comedia, Michael Douglas y mejor actor secundario Paul Reiser.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

The Kominsky Method
1° y 2° temporada: 2018/2019. 8 capítulos.
3° temporada: 2021. 6 capítulos.
25 minutos aprox. cada capítulo.

Reparto Principal:
Michael Douglas es Sandy Kominsky
Alan Arkin es Norman Newlander
Sarah Baker como Mindy, la hija de Sandy
Nancy Travis como Lisa
Los alumnos: Graham Rogers, Ashleigh LaThrop, Jenna Lyng Adams, Melissa Tang, Casey Beau Brown, Emily Osment y Ashleigh Lathrop.

Invitados:
Kathleen Turner, Lisa Edelstein, Susan Sullivan, Emily Osment, Danny DeVito, Jane Seymour, Haley Joel Osment, Morgan Freeman, Jay Leno, Allison Janney, otros.

Cómo convertirse en Tirano - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.


Esta serie es una BOMBA EDUCATIVA.

Con respaldo de documentos fílmicos, más de 33 historiadores, sociólogos y psicólogos nos revelan - con palmaria claridad - los rasgos comunes en los peores tiranos del siglo XX y XXI.

Es un Manual que señala las tácticas elementales para alcanzar poderes inimaginables. Sirve también para recordar a los déspotas del pasado.

Nos ayuda a distinguir las burdas consignas de muchos políticos actuales en el mundo, en Latinoamérica, e incluso en nuestro país.

Son 6 episodios de aprox. media hora cada uno. Aunque alude a más ejemplares, escoge a 6 maestros del Dominio absoluto y del Terror de sus pueblos.

ADOLFO HITLER (Alemania): conquistar el Poder y el Mundo. SADDAM HUSSEIN (Irak): Acabar con los rivales. IDI AMIN (Uganda): Gobernar mediante el Miedo. JOSÉ STALIN (URSS): Controlar y manipular la VERDAD. MUAMAR el GADAFI (Libia): Crear una Nueva Sociedad. KIM IL SUNG, KIM JONG IL y KIM HONG UN (Corea del Norte): Perpetuar una dinastía.

En cada capítulo, según la circunstancia, vemos cómo se repiten de manera evidente, consignas que alienan a sus pueblos haciéndose idolatrar, o humillándolos bajo el pavor de ser brutalmente masacrados.

Se reiteran, una y otra vez, el narcisismo, la megalomanía, la supuesta redención de los oprimidos, una nueva y utópica sociedad, la omnipresencia del líder, el culto a la personalidad, la mitología de sus poderes sobrehumanos, y la manipulación psicológica.

La propaganda elabora enemigos del pueblo (judíos, cristianos, asiáticos, homosexuales, etc.) y los culpa de las desgracias, pobrezas y vicios. Resentimiento de las masas contra cualquier opinión individual que ponga en duda la imagen del gobernante protector.

Se adoctrina a la juventud para repudiar el pequeño núcleo egoísta familiar, y entregarse obnubilada a la creación del Nuevo Paraíso, y denunciar incluso a sus padres y amigos en pro de la Causa Suprema.

Al poco tiempo, el terror se confunde con lealtad y amor al tirano para evitar el castigo.

Sólo es VERDAD lo que nos mande la Autoridad, aunque haya que seguir acomodándola frente a contradicciones notorias. Y todo lo que viene de afuera será sospechoso de perversión, peligro y mentira.

Así, el tirano logra gobernar con estos recursos y con otros, aún más siniestros, como mantener a los pueblos con hambre para que la debilidad les impida pensar o rebelarse.

“Aísla tu Reino”. El enemigo siempre vendrá de afuera y será culpable de insidia y explotación. El afán mesiánico lo incitará a exportar su legado y desatar guerras santas. Adquirirá armas nucleares para demostrar poderío.

Finalmente, si el tirano aún sobrevive a la rebelión de sus propias masas, y siguen creyéndolo Divino, perpetuará su dinastía familiar porque sólo ellos son dueños del país (Papá Doc) y de todos sus habitantes.

Conclusión: aplicando este Manual, cualquiera puede ser un tirano.

UN DOCUMENTAL ILUSTRATIVO Y SUGERENTE. MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica

Título Original: How to Become a Tyrant
2021 Serie documental, biografías, historia EE.UU.- 6 hrs. 
 Edición: Jeremy Cloe 
 Prod. Ejecutivo: Shannon Green 
 Narrador: Peter Dinklage 
 Guionistas: Bruce Bueno de Mesquita, Waller Newell, y 29 historiadores más.

lunes, 26 de julio de 2021

Regreso a Hope Gap - Por Carlos Correa

Disponible en Cinemark.cl


El entorno geográfico es hermoso. En un pequeño pueblo cerca de los acantilados de Hope Gap del Parque Nacional South Downs, Inglaterra, se desarrolla esta cinta escrita y dirigida por William Nicholson. Allí viven Grace -Annette Bening- y Edward -Bill Nighy-, una pareja próxima a cumplir 29 años de matrimonio.

El hijo de ambos, Jamie -Josh O'Connor-, estudia lejos y les visita muy poco. La vida de ellos, entonces, es solitaria, y en estos momentos transcurre mientras ella compone una antología de poemas, él continúa dando lecciones de historia.

Hay algo en Edward que requiere una acción que no puede seguir siendo postergada. Ha decidido dejar a su mujer, y ese difícil paso no se siente capaz de darlo solo. Por eso llama a su hijo para que venga un fin de semana y no de entrega ninguna luz al respecto.

La llegada de Jamie al hogar parece algo normal, sin embargo él percibe la tensión del ambiente. Silencios de su padre, discusiones, incluso arrebatos violentos de su madre. Algo no está bien. El presentimiento se confirma cuando Edward le confidencia su verdad, su plan de dejar la casa y rehacer su vida con otra mujer.

La película es triste y absolutamente íntima. Adaptada de la obra de 1999 “The Retreat from Moscow”, del propio director, la narración se centra en diálogos profundos que dan cuenta de los sentimientos y reacciones de sus protagonistas. Los bellos paisajes que acompañan el relato, los recuerdos de infancia de Jamie, la necesidad de explicaciones y la urgencia de encontrar una salida, se transforman en elementos que representan signos importantes de lo que cada uno está viviendo. La historia es rica en reminiscencias y sensaciones, en imágenes y metáforas, en no mostrar demasiado, en una posible falta de audacia y una constante mesura.

La crisis matrimonial no tiene vuelta atrás. Son dos personas muy distintas y hay recriminaciones mutuas en tonos muy diferentes. Grace es extrovertida, incisiva, incluso algo dominante. Edward es más callado, tímido podríamos decir, introvertido. No es sencillo enfrentar la situación, para ninguno de los dos, aunque Grace lo exteriorice con facilidad y Edward la calle en soledad.

El guion se transforma en la cinta transportadora de los mensajes y hay que poner atención, como con las referencias sobre el “conversar”, lo que se puede o no hacer, las recriminaciones y las culpas personales, entre otras. Hay varias capas en sus líneas que podrían parecer unívocas, pero tienen una mayor profundidad de la que aparentan.

El acantilado de Hope Gap es lo más descriptivo de la cinta. Representa, justamente, ese abismo que nos muestra el inconmensurable desgarro interior que deben enfrentar Grace y Edward. Se confunden las expectativas con la realidad, porque ciertamente algo no funciona y el desenlace resulta inevitable e impostergable.

¿Y Jamie? Él ama a sus padres, no puede tomar partido, tampoco sabe qué hacer, qué decir, o cómo actuar. Naturalmente le remece en lo más profundo y también le hace sentido aquello que se refiere a su propia vida amorosa. La visión de esta crisis matrimonial, madura, tardía, es diferente cuando pasa a través del prisma de un hijo, y aquí es donde la película explora otros caminos en busca de una perspectiva distinta.

“Hope Gap” representa un duro trance, un quiebre inevitable y también la necesidad de fortaleza y resiliencia. No es nada de fácil. La mascota que acompaña a Grace “Edward”, o las tratativas de un divorcio compensado, solo acrecientan el dolor y la dificultad presente. El camino parece ir en otra dirección. Tal vez una pista la podemos encontrar en lo que expresa una cita de la película: “Perdóname por necesitar que siempre seas fuerte, perdóname por temer tu infelicidad. Si sufres, también voy a sufrir. Dame la mano y vamos por el antiguo camino por una última vez.”

Ficha técnica

Título original: Hope Gap
Año: 2019
Duración: 100 minutos
País: Reino Unido
Productora: Immersiverse, Origin Pictures, Protagonist, Sampsonic Media. Distribuidora: Screen Media Films
Género: Drama | Familia
Guion: William Nicholson
Música: Alex Heffes
Fotografía: Anna Valdez-Hanks
Reparto: Annette Bening, Bill Nighy, Aiysha Hart, Josh O'Connor, Nicholas Burns, Rose Keegan, Sally Rogers, Steven Pacey, Nicholas Blane, Derren Litten, Ryan McKen, Ninette Finch, Joel MacCormack
Dirección: William Nicholson

sábado, 24 de julio de 2021

Mr. Six - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.


El “Señor Seis” es una persona especial. Respetado en su barrio, viene a ser como “el sabio de la tribu”. Con pausa y paciencia, sin alterarse nunca, es capaz de llamar la atención a un joven por su mala educación, de resolver una disputa entre la policía y una persona de la calle, entre otras cosas. Son sus años, es su experiencia, es la formación que la vida le ha entregado.

Pero no todo es tranquilo para nuestro protagonista, porque Xiaobo, su hijo, se encuentra en problemas. Hace mucho que no lo ve, pero no duda un instante en acudir en su auxilio. Y el lío no es menor; se trata de una disputa con el líder de una pandilla de carreras callejeras, un asunto amoroso que también implica un feo rayón a un lujoso Ferrari. Para poder liberar a Xiaobo se deben cubrir las deudas, y es por eso que recurre a sus viejos amigos. Pero aún así no es suficiente. Los problemas crecen. Además Mr. Six está enfermo y no se quiere tratar. Fiel a su línea, el protagonista no quiere desplegar violencia alguna, sin embargo los hechos que se suceden a continuación terminan desencadenando una guerra.

Esta película del año 2105, dirigida por Guan Hu, habla de valores y principios. Cocinado a fuego lento -muy lento-, la cinta se construye en forma clásica y argumentalmente no presenta complicación alguna. No tenemos saltos temporales, tampoco rebuscados enredos ni subtramas enrevesadas. Observamos un desarrollo lineal, una confección precisa y un desarrollo de personajes que nos deja en claro cuánto calza cada uno.

Los elementos de la cultura china están muy presentes y resultan evidentes. Está en juego el honor, la lealtad y la justicia, y también los caminos para alcanzar los objetivos. El aire oriental está siempre presente e incluso resulta paradójico, porque también podemos asociarlo fácilmente a nuestra cultura occidental. Hay valores transversales que emergen de los principios que fundan el razonamiento de Mr. Six. No es difícil perderse o extraviarse, porque la cinta oportunamente los releva y siempre remite a ellos en perspectivas abordables, sencillas de comprender.

“Mr. Six” es un thriller con todas sus características y también un drama fundado en relaciones familiares, códigos de honor y principalmente el respeto. La cinta resulta interesante por su contenido de fondo y también por la forma de composición que adopta para presentar la figura central y las situaciones que le rodean. Por momentos puede ser exasperante, por su caminar cansino, su tensión subterránea o, incluso, por lo probable de algunas reacciones. Pero no hay que dejarse llevar por los primeros impulsos, debemos ir un poco más allá, hacia las capas interiores, aquellas que se enuncian mas no se evidencian. En ese interior -que podría ser el de nosotros mismos-, están sus respuestas y lo más íntimo del relato. Será ese el momento de reflexionar y sacar nuestras propias conclusiones, será el momento de cerrar la historia y comprender un poco mejor el carácter y la impronta de este enigmático y magnético “Señor Seis”.

Ficha técnica

Título original: Lao pao er (Mr. Six)
Año: 2015
Duración: 137 minutos
País: China
Productora: Huayi Brothers
Género: Drama. Thriller | Crimen
Guion: Guan Hu, Dong Runnian
Música: Dou Peng
Fotografía: Luo Pan
Reparto: Feng Xiaogang, Zhang Hanyu, Li Yifeng, Liu Hua, Jing Liang, Kris Wu, Ning Hao, Zhang Yishan, Bai Ju-Gang, Karry Wang, Jiang Shan, Tao Zeru, Yu Ailei, Zhang Yi
Dirección: Guan Hu

viernes, 23 de julio de 2021

Horario Estelar - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.


Polonia se prepara para celebrar el cambio de milenio. Se vive la última noche de 1999 y la expectativa es alta. La televisión quiere estar a la altura de las circunstancias y prepara sorpresas; un concurso en vivo para que un televidente gane un automóvil cero kilómetros. Pero lo que no se espera es que la verdadera sorpresa provenga desde fuera de la pantalla. ¿Qué sucede? Veamos.

La presentadora Mira Kryle -Magdalena Popławska-, llega atrasadísima al último programa del año. Su productora, enfadada, la reprende, pero faltan pocos minutos para salir al aire, en vivo y en directo. Al momento de tomar contacto telefónico con el ganador del sorteo, Sebastian -Bartosz Bielenia-, un joven de 20 años, irrumpe en el estudio, dejando a todos -televidentes y personas presentes- perplejos. ¿Se trata de un asalto? ¿O tal vez de un ataque terrorista? ¿O una simple locura? Lo cierto es que el muchacho tiene un arma, ha reducido a Grzegorz -Andrzej Klak-, un circunspecto guardia de seguridad, y ahora ha sumado como rehén a la propia conductora.

Por supuesto, la emisión en vivo se corta abruptamente. El flamante ganador, aún al teléfono, no sabe qué es lo que pasa y el ambiente en el estudio de televisión se ve totalmente revolucionado. Sebastian exige salir al aire para entregar un mensaje. Es importante, trascendente, vital. Parece no querer ceder un ápice en su solicitud, pero quienes están a cargo de la transmisión tampoco quieren dar su brazo a torcer. Llega la policía, el equipo negociador, hasta el presidente de la cadena televisiva viene en camino. Nadie sabe los motivos, todo resulta ser una incógnita.

Esta cinta dirigida por Jakub Piatek y escrita en conjunto con Lukasz Czapski posee una premisa que ciertamente infunde curiosidad. La temática no es nueva pero es interesante observar el desarrollo que los autores le puedan entregar a una eventualidad que siempre ronda en los medios de comunicación. En esta oportunidad, el resultado adquiere ribetes mixtos, porque por un lado la película mantiene el suspenso, pero por otro, se va quedando sin combustible en la medida que avanzan los minutos.

Parece contradictorio lo enunciado en el párrafo anterior, es decir que, aunque vaya en picada, mantenga la tensión. ¿Cómo es esto? La paradoja ocurre porque las preguntas iniciales y que obviamente nos surgen, necesitan respuesta. ¿Qué mensaje quiere emitir Sebastian? ¿Cuáles son sus motivaciones? ¿Amorosas, políticas, sociales, fanáticas? ¿Hay alguien más detrás de esta acción? ¿Cómo va a terminar todo? ¿Habrá salida pacífica, negociada, violenta, mortal?

La película juega con esas y otras interrogantes mientras poco aporta en la sustancia sobre la que sostiene su columna vertebral. Si a los 20 minutos nos preguntamos si saldrán del estudio, lo mismo hacemos a los 40 y a los 60. Y esto no es un spoiler, porque desde antes sabemos que el escenario donde transcurrirá la acción es el estudio de TV. Así las cosas, los elementos dramáticos serán entregados por aquello que ocurrirá en su interior, vale decir, el conflicto lo proporcionará la relación que desarrollará el captor con los secuestrados, las reacciones de quienes deberán tomar decisiones y las acciones que emprenderán los responsables finales.

“Prime Time” funciona pero a medias. Se queda como una propuesta permanente. ¿Inquieta? Sí. ¿Desarrolla tensión? A veces y de forma irregular. ¿Marca puntos de inflexión? Pocos y algo deslavados. No obstante, los detalles más interesantes se encuentran detrás de capas que tal vez pasemos por alto y tampoco son desarrollados. La situación del país, de sus jóvenes ciudadanos que lo único que desean es emigrar; la historia familiar de Sebastian; las apariencias y auto preocupación de Mira; la introspectiva personalidad Grzegorz; las fallas de la policía; la ineficacia del equipo negociador; la auto complacencia de los mandamases, etc. Son muchos temas y poco desarrollo. 93 minutos de intrigas y de interrogantes. ¿Se resolverán?

Ficha técnica

Título original: Prime Time
Año: 2021
Duración: 93 minutos
País: Polonia
Productora: Watchout Productions
Género: Thriller. Drama | Televisión. Secuestros / Desapariciones. Nochevieja / Año nuevo
Guion: Lukasz Czapski, Jakub Piatek
Fotografía: Michal Luka
Reparto: Bartosz Bielenia, Magdalena Poplawska, Malgorzata Hajewska-Krzysztofik, Cezary Kosinski, Dobromir Dymecki, Juliusz Chrzastowski, Michal Kaleta, Andrzej Klak, Pola Blasik, Monika Frajczyk, Adam Nawojczyk
Dirección: Jakub Piatek

Proyecto 43 - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en YouTube.


Sátira abiertamente provocativa por su tratamiento obsceno y también por su contenido de denuncia social.

Va más allá de lo “bueno y decente” y de lo “malo, indecoroso e inmoral”. Ciertos espectadores la disfrutarán, y otros saldrán asqueados odiándola. Difícil alguna opinión intermedia.

¿Por qué, entonces, los hermanos Bobby y Peter Farrelly (Loco por Mary (1998), Una Pareja de Idiotas (1994) o Greenbook: una Amistad sin Fronteras (2018) consiguen estupendos actores, caros y famosos, para sus comedias tan impúdicas, y controversiales?

Porque siendo el humor de los Farrelly grueso y procaz, siempre esconde una denuncia social, además de compasión por la estupidez humana. Esto a diferencia de comedias de salón que privilegian el gag, y la risa fácil políticamente correctas. Sólo otras farsas como “¿Y Dónde está el Piloto?” o “Locuras en el Oeste” apelan con timidez a tales recursos. Y otro tanto hizo John Waters, pero con evidente mal gusto.

Un descocado guionista (Dennis Quaid) trata de persuadir a un productor ejecutivo de cine para que filme una serie de cuentos cortos que le ofrece. Las anécdotas son tan aberrantes y lascivas que, obviamente, son rechazadas. El escritor se las ingeniará para lograr su objetivo con el mismo desparpajo de las historias que propone.

Cada nueva anécdota - de las 13 recreadas - más otras vividas “in situ”, serán tanto o más insólitas que las anteriores. Incluso después de los créditos finales nos entregan - como yapa o “gentileza de la casa” - un cuentecito donde el protagonista es un gato animado - tipo Garfield - capaz de generar reacciones aún más monstruosas en los personajes reales que las aberraciones ya presenciadas en la película oficial.

Si hubo presupuesto para financiar esta película, y actores connotados participaron en ella se debe, sin duda, a que detrás de todo el esperpento, trae un mensaje inteligente y sugestivo.

Con este comentario nos limitamos a dejar al criterio de cada espectador evaluar este filme. Para algunos será muy gracioso, reirán de buena gana, y hasta querrán verlo de nuevo para captar más lecturas; para otros será asqueroso, ofensivo e indignante.

Esperamos haber despertado la curiosidad por una opción u otra.

Sabemos que todos los realizadores, guionistas y actores disfrutaron prestándose a esta grotesca aventura, y ninguno se arrepiente de ello.

HUMOR ESCATOLÓGICO - MUY CRUDO - JUGADO SIN PUDOR POR BUENOS Y FAMOSOS ACTORES. RECOMENDABLE SÓLO PARA MAYORES POCO ESCRUPULOSOS. 

Ficha técnica  

Título Original: Proyecto 43
2013 Comedia grotesca y obscena EE.UU. - 1,34 hrs. 
Fotografía: Mattian Anderssonn Rudh, Frank G. DeMarco, Steve Gainer, etc. 
Edición: Debra Chiate, Patrick J. Don Vito, Suzy Elmiger 
Diseño Prod.: Toby Corbett, Jade Healy, Nolan Hooper 
Guionistas: Rocky Russo & Jeremy Sosenko, Ricky Blitt
Actores: Dennis Quaid, Kate Winslet, Seth McFarlane, Hugh Jackman, Naomi Watts, Richard Gere, Halle Berry, etc. 
Directores: Peter Farrelly, Will Graham, Steve Carr, Griffin Dunne, Steven Brill, James Duffy, Jonathan von Tulleken, Elizabeth Banks, Patrik Forsberg, Brett Ratner, Rusty Kundieff, Steven Brill , Steve Carr, Rusty Cundieff

Pose - Por Jackie O.

"Vive, trabaja y mantén la pose".


Una serie muy interesante de tres temporadas, de las cuales solo las dos primeras están disponibles en Netflix. La tercera lamentablemente se dio este 2021 en una cadena televisiva, en su momento, y no se ha liberado o adjudicado a alguna plataforma de streaming para que todos continuemos esta historia.

¿Pero, de qué trata?

La primera temporada nos sumerge en el Nueva York de 1987 y nuestros protagonistas pertenecen a la comunidad LGTB, mostrándonos su entorno, su forma de vida y discriminación, donde su único refugio, donde podían ser ellos mismos sin ser vistos con malos ojos, son lo que ellos llaman "Los Bailes" que cada cierto tiempo hacen, y consisten en bailar y hacer desfiles de temáticas donde cada "Casa" participa.

¿Pero, qué es esto de las "Casas"? Más adelante lo explico.

La serie, al comenzar, nos muestra a nuestra protagonista BLANCA, quien se entera que tiene VIH y no le dice a nadie en un comienzo. Ella pertenece a la "Casa Abundance" y se va de aquella para hacer la propia. Estas "casas" son refugio de personas, desamparadas en su mayoría, aquellos descartados, ignorados, maltratados por la sociedad, por su propia comunidad o su familia. Allí una "madre" les acoge, pone reglas que deben respetar o irse, y deben participar de estos bailes compitiendo por los preciados trofeos. La idea no es el trofeo en sí, sino que el triunfo es ser los más respetados por la comunidad. Y la reina en este momento es Elektra de la casa "Abundance", en un comienzo, pero después de una caída estrepitosa de su vida inaugura la casa "Wintour", y su rival será su hija adoptiva Blanca, quien inaugura la casa "Evangelista". Así van disputando el trono de Reina en cada baile, junto a las otras "casas".

Varios de los personajes van desarrollando en cada capítulo su historia de buena forma. Así vemos como un joven casado, con hijos, se obsesiona con Angel, una transgénero; un millonario que no acepta que su pareja trans se cambie de sexo; que otro de nuestros protagonistas, Pray, también tiene el VIH; un adolescente expulsado de su casa por ser gay, etc.

Ambas personas que he nombrado con el virus VIH, lo ocultan a todo el mundo pero no entre ellos dos.

También vemos muchos otros temas, como la necesidad del cambio de sexo, las responsabilidades de la vida, cumplir sueños, la ayuda y contención al que cae, la adicciones, la unión, el amor y el autocuidado ante este virus.

La segunda temporada nos lleva hasta 1990, donde la canción "Vogue" de Madonna está en lo alto y todos quieren bailarla.

Las casas de Blanca y Elektra (esta última tuvo que reinventarse) siguen adoctrinando a sus "hijos"; Elektra es dura y muy chic, en cambio Blanca muy amorosa y pobre.

Tenemos casi los mismos problemas de la primera temporada. Las trágicas consecuencias debido a la vida que llevan nuestros protagonistas, muchos deben sobrevivir en la prostitución u otras labores prohibidas o que se avergüenzan por la discriminación de la sociedad.

Pero la diferencia de esta temporada fue que incluyeron cantos de vez en cuando, tal vez unas cinco veces algún protagonista hace una especie de musical, lo que encontré que no estuvo mal, pero innecesario para mí.

Se recalca el tema de la conciencia por el cuidado ante el Sida, el uso de condón es el llamado, no la abstinencia. 

Nuestros protagonistas nos asombran en cada capítulo con sus penas y alegrías.

Una serie de un mundo desconocido para muchos, o simplemente lo ignoran porque no quieren "mezclarse" ni aceptar que son parte de nuestro entorno.

"Pose" tiene una trama atractiva, mezclando drama, romance y comedia en la medida correcta. Y tiene una producción muy pulcra, con énfasis en la ambientación de los ochenta y noventa que le da un encanto extra.

Reitero algunos temas que tratan, como la hipocresía (vemos muchos acaudalados y/o heterosexuales que buscan el comercio sexual en estos LGTB, o personas que cometen actos ruines y apuntan con el dedo al otro), la exclusión social, donde los familiares de nuestros protagonistas son los principales discriminadores, la prostitución, los estigmas, y siempre el cuidado con el VIH/SIDA. También, lleva la construcción y la cultura del salón de baile, donde pueden refugiarse y ser ellos mismos. La lucha por los derechos de las minorías y el progreso, a la singularidad de los personajes.

Una trama que apunta a la resiliencia, la superación frente a las vulnerabilidades y aceptar al otro.

No puedo dejar de mencionar la música que es espectacular, el vestuario fantástico (quiero usar esos tacones), guion, actuaciones y dirección muy buena.

Recomendada, si no eres prejuicioso.

Serie que ha sido muy destacada en los medios. Ganó en el 2018 el premio "American Film Institute Awards", en el 2019 fue nominada a los Globos de Oro, ganó el premio "de artes y ciencias de la TV", ganó el Emmy a mejor actor, Billy Porter (Pray) y también fue nominada a los premios Emmy como serie drama, y otros premios y nominaciones. En el año 2020, tuvo varios premios y nominaciones como los Globo de oro y Emmy en mejor actor.

Este año 2021 no está excenta de nominaciones, como en el "Primetime Emmy" en categoría de mejor serie dramática, mejor actor y actriz, dirección y guion. Los "Emmy de las Artes" en diseño de vestuario, maquillaje y peluquería.

Disponibles dos temporadas en Netflix.

Ficha técnica

1 horas mas menos c/capítulo.
8 y 10 capítulos respectivamente

Reparto principal:
MJ Rodríguez: Blanca
Dominique Jackson: Elektra
Billy Porter: Pray
Indya Moore: Angel
Ryan Jamaal: Damon
Angela Ross: Candy
Hailie Sahar: Lulu

La mano del demonio - Por Jackie O.

"El remedio puede ser peor que la enfermedad".

Sinopsis: Unos ladrones irrumpen en la vida tranquila y feliz de un joven matrimonio. Ahora el único deseo de Andrey es borrar esa pesadilla de la memoria de Olya. Y la búsqueda desesperada de una solución lo lleva a un inquietante apartamento de la misteriosa Mara, que le promete una medicina "especial" para su problema.

Cada país efectúa obras de acuerdo a su cultura, tradición, estilo, creencias, imitando a otros, siguiendo la moda, etc.

Esta película, catalogada de terror, creo que no lo es, ni tampoco es de horror, y paso a explicar.

Andrey y Olya viven un matrimonio feliz, pero sucede un hecho que los marcó mucho y su relación comenzó a desmoronarse. Andrey está desesperado y un colega le da "un dato": ir donde una mujer que hace cierta magia, pócimas, media bruja, algo así. Y va por su desesperación.

La brujilda le dice que se coma un hongo, de esos alucinógenos, y con eso todo cambiaría para mejor, es la promesa.

Luego de eso, esta bruja, MARA, le pide que cuide su casa, en especial sus hongos, unas semanas, cosa que este joven torpemente acepta. ¿¡Cómo puedes estar en un departamento de una desconocida media rara, que además no está muy ventilado, y lleno de hongos!? todo está impregnado en drogas y cosas alucinógenas. Obvio que verás y sentirás cosas raras. Así es que, en esa estadía, comienzan a suceder cosas extrañas.

La película en sí cuesta mucho que arranque. La primera media hora es muy tediosa, contándonos de forma irregular la historia. La idea está buena, pero les costó profundizar en la ejecución. Solo al final podemos decir que existe algo de tensión.

Es una película Rusa y tal vez es su estilo de terror, es la forma que ellos lo manifiestan, diferente a los gringos y asiáticos, quienes nos acostumbraron a efectos visuales extremos, saltos en nuestros asientos, etc.

El vestuario y los pocos efectos visuales estuvieron buenos. Pero lo que no pude transar, y me cargó, fue el idioma. ¡¿Por qué no les dejan el idioma original?! ¡Si existen los subtítulos! Tal vez ustedes pasen ese detalle.

Lamentablemente no pudimos llegar al clímax del terror, esa sensación de susto por algo extraño, irracional o racional, la sensación de sobresalto... Fue una buena historia que no se le sacó partido, debió haber profundizado desde el comienzo con la historia de la bruja, del sujeto extraño que no sabemos de dónde salió, del mismo ataque de este matrimonio, etc.

No la considero buena, pero tampoco la podría catalogar de mala, ya que solo con recordar: "No toques 2 veces" Reino Unido 2016, "El aro 3" de EEUU 2017, o "La maldición de la Ouija" EEUU 2020, entre otras, esta pasa la prueba al lado de las nombradas.

Queda como un estilo diferente, un buen intento que quedó a medio camino, pero que el director-guionista debe esforzarse más para la próxima, e impregnarse del común del terror que estamos acostumbrados la mayoría en el mundo, y mezclarlo con su cultura.

Una película sin un género determinado.

Disponible en Cine On Line www.cinemark.cl - www.cining.cl 

Ficha técnica

Título original: Pobochnyi effekt
Año: 2020 
País: Rusia
Duración: 93 minutos
Dirección y guion: Aleksey Kazakov
Fotografía: Evgeny Kozlov
Reparto: Semyon Serzin, Marina Vasileva, Aleksandra Revenko, Anatoli Zhuravlyov, Maria Abramova, Maria Karpova, Stepan Devonin, Sergey Cherdantsev, Natalya Dedeyko, Nikita Tezov y Lyubov Firsova
Género: Terror, Thriller
Distribuida en Chile: BF Distribution

jueves, 22 de julio de 2021

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Jueves 22 de julio 2021

El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

Black Widow - Por Jackie O.

"Audaces, femeninas, de temer, y sin perder sensibilidad".

Al fin llegó la tan esperada película "VIUDA NEGRA", la que le da el cierre a su personaje luego de varios años. Esta película se sitúa luego de "Civil War" -cuando Natasha infringe los Acuerdos de Sokovia, traiciona al secretario Ross y los Vengadores se encuentran dispersos- y antes de "Infinity War".

La historia nos muestra algo de la infancia de Natasha, su "familia" y esa niñez truncada, muy bien incorporada en esta cinta, para así saber más de ella y de su entorno.

Vamos acompañando a esta Natasha fugitiva, siempre en movimiento y atenta por su posible captura, hasta que el pasado abre heridas que ella creía haber cerrado. Se entera que la famosa "habitación roja" sigue aún vigente, y aplica una técnica de control mental sobre el conjunto de viudas del lugar.

Esta noticia se la dio su hermana, sí, su pequeña hermana Yelena, quien también fue adoctrinada como viuda.

Así, ambas planean destruir dicho lugar, pero para eso necesitan ayuda, ayuda de quienes a menos pensaban pedir: sus padres.

Así llegamos donde Alexei, que está en la cárcel, y vive de un pasado que no puede olvidar, porque está en su ser, en su interior, el ser un superhéroe. Luego de un estruendoso rescate en la nieve, con hermosos trajes blancos de nuestras chicas -un look mostrado en el cómics titulado "Origen letal" de Paul Cornell-, logran su cometido, para ir donde ella, Melina, la madre, una científica muy renombrada e importante.

El reencuentro bajó el ritmo de las electrizantes coreografias y escenas de acción que hasta ese momento llevábamos. Esta parte disminuyó demasiado hasta ser un poquito aburrida, a pesar de mantener diálogos que ayudan a conocer a estas personas, aunque repuntó luego con la acción, a lo que veníamos.

Dicha acción vuelve a retomarse al más estilo Marvel, con muchas coreografías, persecuciones electrizantes y efectos visuales al por mayor.

La idea es todos ir a la "habitación roja" que dirige el General Draykov, un sujeto sin escrúpulos que busca solo beneficiarse. Se cree un dios con su ejercito de viudas y además las controla sin que estas lo puedan atacar. Si en la naturaleza, las viudas negras impregnan con sus feromonas sus telarañas para atraer a los machos, acá es al reves, Draykov las somete.

Entonces, ¿cómo podrán derrotarlo?

Ahí vemos la astucia de estas mujeres tenaces. Pero él mantiene su arma secreta: Taskmaster, un súper agente, capaz de recrear los movimientos de batalla de cualquiera de Los Vengadores y que, siendo pocas sus intervenciones, nos proporciona buenas peleas.

Ojo, estamos ante una película Marvel, y tiene su escena post créditos, donde veremos a un personaje que ya es conocido en los Cómics y que vimos en la serie "Falcon y el Soldado del Invierno". No diré más.

Una película entretenida, con muchas coreografías y efectos visuales, una banda sonora potente, las situaciones graciosas funcionaron correctamente, y los personajes muy carismáticos. Partiendo con la "familia" conformada por Florence, David y Rachel, quienes cumplen bastante bien sus roles, sin opacar para nada a Scarlett, nuestra "viuda negra" máxima.

En qué puede fallar: su guión no es de lo mejor. No se aprovechó bien a sus antagonistas y los dobles de acción se notaban mucho.

Disponible en Disney+ Premier Access y cines. 

Ficha técnica

Dirección: Cate Shortland
Guion: Jac Schaeffer y Ned Benson
Basada en Viuda Negra, de Marvel Comics
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Rob Hardy
País: EEUU 
Año: 2021
Género: Superhéroes y Acción
Duración: 134 minutos​
Reparto:
Scarlett Johansson: Natasha Romanoff /Black Widow
Florence Pugh: Yelena Belova
David Harbour: Alexei Shostakov /Red Guardian
William Hurt: Thaddeus "Thunderbolt" Ross
Ray Winstone: Dreykov
Rachel Weisz: Melina Vostokoff /Black Widow

La Mano del Demonio - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cinemark.cl


Lo que comienza como una historia de misterio, terror y suspenso, por culpa de un guion errático - ¡y pretencioso! - termina hecho un desastre.

Torpe remedo ruso del estilo setentero de los filmes de Dario Argento.

En vez de seguir un desarrollo romántico y psicológico, se mete en las patas de un caballo sicodélico (literal) de alucinaciones dentro de otras alucinaciones, recargado con personajes secundarios inútiles, para llegar a un clímax confuso, y terminar con un “happy end” estúpido y postizo.

Debut del director Aleksey Kazarov quien, creyendo que con harto presupuesto, bastaba la excelente fotografía y cámara de Evgeny Kozlov, para sumergir a sus personajes en una mazamorra (arenas movedizas verdes y violetas) de la que nunca podrían salir dramáticamente airosos.

Más aún, y para “esclarecer” el relato, insertan escenas del pasado militar soviético, con fantasmas vengativos, suicidios y resurrecciones gratuitas, y una niñita espectral que quiere ser redentora, pero que nunca sabemos quién es en realidad.

Se supone que la protagonista es una bruja sensual y acartonada (Aleksandra Revenko) que le proporciona a la pareja traumatizada unos hongos malditos para calmarles la angustia. Pero el guion se encarga de esconderla pronto y dejarnos a nosotros aún más confundidos que a esos atormentados esposos.

A medida que acumulan incidentes espurios se va perdiendo el eje antagónico y - como todo es tan recargado - perdemos interés en el destino de las víctimas.

El clímax se les fue de las manos y nunca supieron cómo terminarla.

Hasta se hace larga sin serlo.

Con los ingredientes originales pudieron haber logrado un relato rico en misterio, romance, y con una lógica paranormal aún más sugestiva y apasionante. ¡Cómo se añora la sutileza de Polanski, Kubrick, incluso de Hitchcock en sus buenos tiempos!

DECEPCIONANTE. FARRAGOSA Y MAL DEPURADA. DESPERDICIO DE POSIBILIDADES.

Ficha técnica

Título Original: Pobochnyi effekt
2020 Terror, misterio Rusia - 1,32 hrs. 
Fotografía: Evgeny Kozlov 
Edición: Alexander Amirov 
Diseño Prod.: Alexandra Fatina 
Actores: Semyon Serzin, Marina Vasileva, Aleksandra Revenko 
Guionista y Director: Aleksey Kazakov

miércoles, 21 de julio de 2021

Nomadland - Por Carlos Correa

Disponible en Cines. 


Fern -Frances McDormand-, queda sin trabajo luego del cierre de la planta USG en Empire, Nevada. Junto a su marido, fallecido tiempo atrás, vivieron largos años en esa ciudad rural que se lograba sostener gracias a la minería de yeso. Al acabarse la extracción, el sueño se termina, el lugar es abandonado, y queda un pueblo fantasma.

Fern decide vender casi todas sus pertenencias y emprender el viaje en su camioneta. Nada la ata al pasado; desea explorar fuera de los márgenes conocidos, buscar una ruta, encontrar un camino, salir de su zona, abrirse a lo nuevo. 

“Lo que se recuerda, vive”, nos marca la protagonista, al mismo tiempo que lamenta haber pasado mucho tiempo de su vida solo recordando.

Sin un rumbo fijo, toma trabajos temporales en un centro logístico de Amazon, en el Parque Nacional Badlands, en un restaurante, en una planta de remolacha. También, va descubriendo compañeros en su peregrinar, y así conocemos a Linda -Linda May-, a Swankie -Charlene Swankie-, a Bob -Bob Wells-, y a Dave -David Strathairn-, entre otros. Linda, Swankie y Bob se interpretan a sí mismos, son viajeros en la vida real, por lo que su testimonio realza aún más la cuidada puesta en escena.

Fern comienza a formar parte de aquellas personas que pueden viajar a cualquier lado. Los llaman nómades -modernos-, los asimilan a los pioneros y a una antigua tradición norteamericana. ¿Es una persona sin hogar? Ella prefiere decir “sin casa”, que es muy distinto. Y cuando le mencionan una posible jubilación anticipada, ella retruca que necesita trabajar, que le gusta trabajar.

Basada en el libro “Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century” escrito por Jessica Bruder, esta cinta escrita y dirigida por Chloé Zhao transcurre con extrema calma y serena parsimonia. Si bien la película transmite esa tranquilidad, también genera inquietud, en una combinación difícil de describir y aún más compleja de ejecutar. Cada escena, trabajada hasta en sus detalles más pequeños, nos muestra solo lo esencial, lo mínimo, aquello que es sustantivo sin necesidad de usar ningún aspaviento. La fotografía ayuda a crear atmósferas junto con juegos de planos cercanos y también amplios. Observamos grandes momentos de silencio, cortes de secuencias, miradas contemplativas, diálogos justos y precisos, todo ello junto a una contenida emoción. La música de Ludovico Einaudi se inscribe también en el minimalismo de cada cuadro, resulta evocadora, genera una suave placidez espiritual.

Fern se ve siempre melancólica. Su mirada al horizonte, amplia y a veces perdida, da cuenta de una necesidad vital. El viaje es físico pero principalmente se desarrolla en su interior. Esa visión extendida de las montañas, donde la luz del atardecer o del amanecer cobra colores preciosos, se transforma en un motivo, tal vez en una esperanza, en que hay algo más allá por descubrir. Una ensoñación o tal vez algo referido a que en la vida nómade no existen las despedidas sino un “te veré en el camino”. ¿Será aquello el impulso para seguir adelante? ¿Es una búsqueda de libertad o una forma de reencontrase a sí misma?

Siempre en tránsito, siempre en movimiento, la película puede ser incluso contradictoria al apelar a algo profundo y especial. Fern ya no quiere anclarse a un lugar, a un determinado estado emocional, a ninguna aparente comodidad. Su avance es propio, porque considero que no tiene un fin, sino que se transforma en un medio para satisfacer una creciente necesidad interior. Ella no se ve triste ni tampoco feliz. Se encuentra en pleno proceso, en plena transformación, en una búsqueda inquieta de algo que desconoce pero que presiente y que a la vez anhela, algo que la mantiene viva. Ni siquiera la declaración que le hace Dave resiente su convicción más íntima, aquello que la lleva a permanecer en marcha por un camino que se construye al andar.

Reconozco que al terminar de ver esta película mis sensaciones fueron contradictorias. Tenía muchas expectativas por los premios, por las críticas y los comentarios que la cinta había recibido. En ocasiones, eso quita perspectivas y genera prejuicios, y en este caso creo que me afectó bastante. Pero luego de algunas horas comienzan a surgir preguntas e inquietudes. Y al conversar sobre ella, también opiniones diferentes. Escribo estas líneas días después y me doy cuenta que la película madura en mi interior. La siento diferente, la recuerdo distinto, se ha quedado conmigo una sensación especial y han desaparecido varías de esas contradicciones iniciales.

Dotar de sentido este viaje, del que solo hemos visto una pequeña fracción, es tal vez el mayor desafío que nos provoca “Nomadland”, y la intensidad de la actuación de Frances McDormand resulta ser un factor determinante. La actriz ES la película, sobre su rol se construye el relato, la narrativa se sostiene gracias a su figura. Bien merecidos los reconocimientos por su notable actuación e indudablemente por la apropiada dirección de Chloé Zhao, quien es capaz de elaborar una película que cuestiona subterráneamente.

“Nomadland”, como exploración, nos acompañará por mucho tiempo. Es una película diferente, reflexiva, humana y sensible, tal vez no a flor de piel, pero sí en capas profundas que debemos ser capaces de descubrir para poderlas acoger adecuadamente. Implica trabajo, no es sencillo, pero vale la pena el esfuerzo aunque la recompensa no se obtenga de inmediato, porque puede tardar más o menos, pero finalmente llega. Y tal como lo expone la cinta, es un camino que implica desprendimiento y alivianar la carga para viajar ligero; una invitación extendida a encontrarnos con los valores esenciales presentes en lo más íntimo del ser humano.

Ficha técnica


Título original: Nomadland
Año: 2020
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Highwayman Films, Cor Cordium Productions, Hear/Say Productions. Distribuidora: Searchlight Pictures, Walt Disney Pictures
Género: Drama | Road Movie. Crisis económica 2008. Cine independiente USA
Guion: Chloé Zhao. Libro: Jessica Bruder
Música: Ludovico Einaudi
Fotografía: Joshua James Richards
Reparto: Frances McDormand, David Strathairn, Linda May, Charlene Swankie, Bob Wells, Gay DeForest, Patricia Grier
Dirección: Chloé Zhao

La granja de Tata Toro - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Chalo, un inquieto e inmaduro perrito de ciudad, decide pasar sus vacaciones lejos de la urbe, en la granja de su prima la oveja Yanis. Su inconsciente estilo de vida, causará varios problemas en su nuevo entorno, viviendo junto al resto de los animales muchas aventuras, a la vez que aprenderá valores y cultivará su conciencia medio- ambiental afrontando los duros problemas del mundo moderno, ayudado por los consejos del sabio Tata Toro.


Serie ganadora del CNTV 2019, con estreno nacional recientemente en el Festival “Chilemonos”, escrita y producida por Jaime Herrera D'Arcangeli y dirigida por Rubén Miranda. Este último es profesional de los dibujos animados, con más de 20 años de experiencia, realizando actividades de animación, storyboard y layout, en reconocidas series como “Pulentos”, “Diego y Glot”, y “Las Tres Mellizas”, entre otras.

La historia trascurre en una granja donde todos se encuentran preparando la fiesta de la cosecha, la que se realiza para agradecer lo que naturaleza otorga y la amistad que se comparte.

Algo inesperado ocurre para la comunidad: son secuestradas unas luciérnagas, quienes son miembros de la familia de Luzmira; para encontrarlas se contacta un seudo detective venido desde la ciudad, pero ¿será él la solución…?

Interesante serie para la primera infancia. Con una colorida animación en 2D, construye una historia para niños y la forma de relacionarse con el medio que les rodea, tanto con sus iguales como con la naturaleza, en este caso con la energía eléctrica. En algún momento hace una breve y clara descripción de las energías limpias no contaminantes, promueve el cuidado y uso de la energía en nuestro hogar, pensando en los demás para que esté disponible para todos.

La temática es absolutamente actual. Con una buena metodología pedagógica y un plan didáctico, es un material educativo e interesante, con lenguaje sencillo y algunos “chilenismos”, pero recocidos en muchos lugares.

Al término del relato la familia de Luzmira realiza un acto de servicio a la granja de Tata Toro, con lo cual logran alcanzar su fiesta y compartir. 

Como es una serie, al final deja planteado el tema de robo del agua por un ser oscuro. Parece tema conocido….

Disponible en Ondamedia.cl

Ficha técnica

Año: 2021 
Duración: 16 minutos 
País: Chile 
Dirección: Rubén Miranda Trujillo 
Escrita por: Jaime Herrera D”Arcangeli 
Género: Dibujos animados. Ecología, energías limpias.  
Producida por: The Magic Factory y financiada por CNTV

martes, 20 de julio de 2021

Nomadland - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cine Arte Normadie.


Si este controvertido filme ganó el León de Oro en Venecia, y el Óscar 2021 como Mejor Película, Mejor Actriz y Mejor Dirección, cabe preguntarse por qué y analizarla con atención.

Carece en absoluto de estridencia y conflicto. Pertenece al sub-género llamado “rutero”, es decir, acompañamos al protagonista en su viaje por largos caminos, y compartimos sus encuentros casuales con personas diversas.

Para que un relato así evite ser monótono y, finalmente, aburrido, debe apoyarse en factores tan atractivos como bellos paisajes, pequeños percances, y personajes secundarios pintorescos. Más, aún con todo ese minimalismo, una obra rutera sucumbe si a su protagonista le falta una poderosa motivación existencial. Un impulso interior con el que pudiéramos identificarnos: un ideal recóndito, algo que persigue en su extenso deambular.

Que nos baste mencionar en la historia a Marco Polo, en la literatura a Don Quijote, y en el cine a Busco mi Destino (1969).

Aquí se nos presenta a Fern (Francis McDormand), la viuda de un obrero en Nevada, cuya planta industrial se clausura después de 88 años de funcionamiento. Guarda sus pertenencias en una bodega, se sube a su furgoneta e inicia un solitario viaje al sur por interminables carreteras.

Se instalará en campamentos con otros viajeros rodantes. Conocerá personas de distintas edades y orígenes. Entablará con ellos relaciones efímeras para pronto despedirse y seguir su camino.

Para obtener dinero trabajará como operaria temporal en variadas empresas y restaurantes de comida rápida, durmiendo siempre en su vehículo, en climas fríos o calurosos.

Hasta llegará un día de visita al hogar de su hermana, quien la invitará a quedarse con ellos en la comodidad de su pueblo. Cosa que Fern rehusa para continuar derivando, al parecer, sin destino. Incluso, cerca del final, se le presenta la posibilidad de unirse a un hombre que la ama (David Strathairn) y establecerse en el campo.

Gracias a la virtuosa interpretación de Francis McDormand se nos revela la razón de su conducta peregrina y la médula de sus decisiones: “Hay un instinto primitivo de libertad y expansión en el alma de esa mujer”.

Se nos demuestra que aún hoy día hay criaturas intrínsecamente nómades. Cuando niña Fern soñaba con perderse en las llanuras interminables. La viudez le soltó las alas. “El verdadero hogar lo llevas en tu corazón”.

La película es reposada y, a la vez, fluida; los personajes secundarios exudan verdad, un piano incidental acompaña esa dulce melancolía, y la actriz nos contagia el latido suave pero inevitable de su elección.

Cuando termina sentimos haber vivido, y convivido, mucho tiempo con Fern.

Los nómades nunca dicen adiós, sólo “nos veremos por el camino”.

VALIENTE TRAVESÍA DE UNA MUJER SOLITARIA QUE OSÓ ENCONTRARSE A SÍ MISMA. HONESTA, SUTIL Y MADURA. 

Ficha técnica  

Aventura, madurez - 2020 
EE.UU., Alemania - 1,47 hrs. 
Fotografía: Joshua James Richards 
Edición:Música: Ludovico Einaudi 
Diseño Prod.: Joshua James Richards 
Actores: Frances McDormand, David Strathairn, Linda May 
Edición, Guion y Dirección: Chloe Zhao

Patines de Plata - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.

Muy amena y encantadora historia de amor ambientada en la Rusia de 1900.

Superproducción rusa que combina con maestría un romance juvenil imposible, aventuras, y la política de ese momento.

Hermosa y muy prolija ambientación de fines de siglo 19 en San Petersburgo.

Escenografías, vestuarios y utilerías fastuosas y perfectamente recreadas en los palacios, en las calles nevadas, y en los rincones más oscuros y miserables.

Un guion elaborado con los ingredientes precisos para que, sin perder el ritmo de la acción, conozcamos la naturaleza íntima de cada personaje y comprendamos las motivaciones de sus conductas.

Alisa, joven aristócrata estudiosa de ciencias, es muy rebelde. Se siente prisionera de su padre, un oficial de alto rango, de costumbres muy conservadoras con respecto al rol de las mujeres. Su madre se empeña en casarla con un joven aristócrata de San Petersburgo.

Matyev, hijo de un farolero pobre y tísico, ejerce como repartidor de pasteles patinando prodigiosamente por las calles nevadas de la ciudad. Cuando queda cesante, Alex, jefe de una banda de rateros lo descubre, entrena, e incorpora en las hazañas delictuales.

En Matyev se combinan dos imperiosas quimeras: conquistar el corazón de la bella aristócrata Alisa, y juntar por medio del robo el dinero suficiente para financiar el tratamiento de su padre en Alemania.

Como ambos anhelos parecían imposibles a primera vista, serán el destino, el ingenio y las casualidades, quienes irán determinando la vida de los personajes.

La película entera - en forma y fondo - exuda romanticismo mágico de un amor inalcanzable; la sociedad polarizada de las novelas de Dickens; una galería ética de personajes secundarios, reminiscentes de Tolstoy, con el tormento claroscuro de las criaturas de Dostoievski. Y, por último, trasluciendo los advenimientos revolucionarios de Gorki.

El mérito radica en que todos estos ingredientes se concatenan en una sucesión de aventuras fascinantes de seguir, placenteras de mirar por el opulento espectáculo visual, y con mucho suspenso.

Cada actor, hasta el más breve, fue bien escogido. Su sola caracterización física, de vestuario y maquillaje, nos revela sus orígenes y mentalidad.

UN DICKENS A LA RUSA. MÁGICA COMBINACIÓN DE CUENTO DE HADAS CON REALISMO HISTÓRICO. PARA DELEITE DE JÓVENES Y ADULTOS. MUY RECOMENDABLE. 

Ficha técnica  

Título Original: Serebryanye konki
2020 Aventuras, drama, familia 
Rusia - 2,20 hrs. 
Fotografía: Igor Grinyakin 
Edición: Mariya Likhachyova, Dmitriy Slobtsov 
Música:Guy Farley 
Diseño Prod.: Aleksandr Zagoskin Guion: Roman Kantor 
Actores: Sonya Priss, Yuriy Borisov, Fedor Fedotov 
Director: Michael Lockshin

lunes, 19 de julio de 2021

Black Widow - Por Carlos Correa

Disponible en Cines y Disney+ (Premier Access)


La espera ha terminado. Luego de varias postergaciones producto de la Pandemia mundial, “Black Widow” ya se encuentra entre nosotros. Y vaya que sí, el tiempo que ha demorado ha merecido la pena.

Con guion de Eric Pearson y dirigida por Cate Shortland, esta cinta, que lleva el número 24 en el UCM, sigue a Natasha Romanoff -Scarlett Johansson-, en un plano más personal. Tenemos, entonces, una historia que se sumerge en sus orígenes y en la que luce en esplendor esta entrenada agente, ex KGB y ex SHIELD.

El relato se remonta al año 1995, en Ohio. Conocemos aspectos de su niñez y el entorno con su familia. La película parte suave y tranquila, pero muy pronto se pone a tono con lo que será el sello permanente del metraje, el que muestra a Romanoff siempre huyendo y enfrentada a monumentales conspiraciones.

El núcleo central de la trama se concentra en el objetivo de desactivar la famosa “Sala Roja”, a cargo del general Dreykov -Ray Winstone-, un líder ruso que entrena un ejército de viudas negras a quienes controla mental y físicamente. Para cumplir con la misión, Romanoff acude a su hermana Yelena Belova -Florence Pugh-, quien posee un sofisticado entrenamiento en ese lugar y es considerada una verdadera arma mortal. Parta continuar, deben sacar de la cárcel a Alexei Shostakov -David Harbour-, y están en eso cuando se enteran que su madre, Melina Vostokoff -Rachel Weisz-, aún está viva aunque permanece oculta.

Nuevamente reunida, esta especial familia debe enfrentar dificultades mayores y usar diferentes estrategias para completar el plan propuesto. El nivel de angustia sube en la medida que avanzan los minutos, al tiempo que se despliega en pantalla una sucesión trepidante de hechos y sucesos que parecen infinitos. Que la fortaleza de la “Sala Roja” es inexpugnable, que Taskmaster es el principal escollo a superar, que hay un antídoto que libera a las viudas negras, etc. etc.

“Black Widow” es acción pura y vibrante. Está bien elaborada de comienzo a fin y posee una edición prolija que va en directo beneficio de su narración. Con escenas estilosas, propias del Universo Marvel, presenta una fotografía que resulta espectacular, junto a una dirección vertiginosa, que saca partido a cada uno de los elementos que cuidadosamente intercala en sus 132 minutos de duración.

La temática se enriquece cuando el texto argumental explica varios vacíos de la historia de la protagonista. Es así como ingresamos a su vertiente más humana, a sus orígenes antes de ser una Vengadora, observamos sus lazos familiares y las principales motivaciones en su vida.

Salvo su sección central, que se percibe un poquito lenta con un ritmo que decae bastante, esta precuela es dinámica y absolutamente entretenida, e incorpora buenas dosis de humor, principalmente a cargo de Harbour. Las persecuciones son también “de película”, acciones que sorprenden por la amplitud de los movimientos capturados y también por la energía que surge de cada una de esas vertiginosas secuencias.

También hay bastantes luchas cuerpo a cuerpo, coreografías muy bien delineadas, aunque no respondan al nivel de constituir su plato fuerte. La química entre las dos hermanas, junto a la explicita sucesión, es quizá lo que más destaca en esta película que, valga señalarlo, transcurre antes de los sucesos de “Endgame”, en los que conocemos el fatal desenlace de nuestra heroina.

Al verla en streaming, más ganas dan de verla en pantalla grande. Los efectos especiales brillan y parecen gritarnos ¡corran al cine!, a la pantalla más grande y con el mejor sonido disponible, para disfrutarlos en toda su magnitud. Por supuesto, este es cine de entretención en su grado máximo, en el que las actuaciones y la historia están siempre al servicio de deslumbrantes escenas, llenas de colorido, que nos logran maravillar, incluso, en pantallas de televisión.

En síntesis, “Black Widow” corresponde a una película largamente esperada y que no defrauda en lo absoluto. Una vez más, el UCM entrega un producto de entretención garantizado y que, de seguro, tendrá un más que auspicioso éxito en la taquilla.

Ficha técnica

Título original: Black Widow
Año: 2021
Duración: 132 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Marvel Studios, Zak Productions. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Acción. Aventuras | Espionaje. Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. Precuela
Guion: Eric Pearson. Cómic: Don Heck, Stan Lee, Don Rico. Historia: Jac Schaeffer, Ned Benson
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Gabriel Beristain
Reparto: Scarlett Johansson, Florence Pugh, Rachel Weisz, David Harbour, William Hurt, Ray Winstone, O.T. Fagbenle, Michelle Lee, Olivier Richters, Nanna Blondell, Joakim Skarli, Obie Matthew, Paul O'Kelly
Dirección: Cate Shortland

Expedición Amelia - Por Jackie O.

"La reina del aire".


Robert Ballard es un conocido oceanógrafo. Sus descubrimientos más famosos fueron los restos del RMS Titanic en 1985, del acorazado Bismarck en 1989 y del portaaviones USS Yorktown en 1998. Esta vez, tiene otra misión en mente, una expedición con el fin de resolver el misterio de la gran Amelia Earhart, quien se ha transformado en unos de los misterios más intrigantes e inspiradores de la historia.

¿Pero, quién fue Amelia? se preguntarán algunos, y es lo que nos muestra también este documental.

Amelia Mary Earhart, nació en Kansas un 24 de julio de 1897. Pasó buena parte de su infancia con sus abuelos maternos, quienes le proporcionaron un estilo de vida lleno de comodidades. Desde pequeña mostró su personalidad audaz, ya que se involucraba en actividades atribuidas a los chicos, como escalar árboles, deslizarse en trineo, no le gustaba usar vestidos, etc. Sus padres nunca, a ninguno de sus hijos, les impusieron algo. Es más, los apoyaban al punto de que las niñas del hogar usaban bombachas (pantalones holgados), algo mal visto en la época.

En 1920 compró su primer avión, y consiguió su licencia de piloto en 1923 (solo 16 mujeres lo hacieron).

Se casó joven, no estando enamorada, puso sus reglas y su marido las aceptó.

Su desaparición ha sido un misterio, nadie ha encontrado su avión, menos sus restos.

Hasta que una lucecita se alumbra al final del túnel. ¿Tenemos realmente algo que nos dé indicios de su cuerpo, o solo es algo para aferrarnos para no perder la esperanza?

En 1940 se encontraron 13 huesos en el sector donde supuestamente ella desapareció, pero de inmediato los profesionales de la época descartaron que fueran de mujer, y fueron guardados con una pila de otros huesos.

Pero ahora, un grupo de profesionales liderados por Ballard, como antropólogos forenses, analistas fotográficos, antropólogos culturales, arqueólogos, entre otros, y dotados de mayor tecnología, fueron a este y otros lugares, con el fin de buscar rastros de ella, como un cuaderno de una joven de la época que escribió haber escuchado algo de una mujer piloto.

Pistas y más pistas en tierra y mar, mientras se estudian esos 13 huesos nuevamente, con esta nueva tecnología.

¿Pero, estos huesos son de Amelia? ¿Sabemos dónde desapareció?

Un documental que habla de su vida personal, y de cómo se convirtió en una leyenda del aire.

El 2 de julio de 1937, desapareció en el Océano Pacífico, su último registro de contacto fue a las 08:43, donde señala un: "Esperen".

Amelia, la reina del aire, una mujer tenaz, que luchó por su sueño, que impuso un nombre, aún te esperamos.

Disponible en Disney+.

Ficha técnica

También conocido como "En busca de Amelia"
Duración: 1 hora 34 minutos
Año: 2019
Documental - Historia de National Geographic