Tuesday: el último abrazo - Por Carlos Correa Acuña

Una madre -Julia Louis-Dreyfus-, y su hija adolescente -Lola Petticrew-, deben enfrentarse a la Muerte cuando se presenta en forma de un asombroso pájaro parlante. De la cineasta debutante, Daina O. Pusić, la premisa de “Tuesday” la ubica como un desgarrador cuento de hadas sobre los ecos de la pérdida y la búsqueda de resiliencia en lo inesperado.

Es otra perspectiva sobre una enfermedad terminal y su esperado desenlace lo que ofrece esta película. Priman, acá, las conexiones transformadas en realismos mágicos, en una construcción imaginaria y relacional que da cuenta de los naturales temores ante la incertidumbre, además de los propios miedos ante un final irremediable y brutalmente doloroso.

Pusić sitúa su guion sobre una estética particular, donde el principal efecto es el desarrollo del ave y su confrontación con las protagonistas. Esta mezcla real-animada subraya las actuaciones, sobre todo cuando transita hacia un mundo concreto que por momentos olvida cualquier atisbo de magia para centrarse en la profunda relación madre-hija, verdadero motor del relato.

La simbología de “Tuesday” puede perdernos por momentos. No podemos eliminar la muerte, ni comerla, ni destruirla. Tal vez podemos huir, o intentar evadirla, pero no es posible dejarla atrás. El miedo abunda, cunde la desesperación; es una lucha desigual, sin cuartel, que camina hacia un destino que ya está trazado, y que tarde o temprano se cumplirá.

Cuando las piezas comienzan a decantar, emerge la reflexión. Se debe enfrentar, decidir, actuar, y nunca quedar inmóviles ante una condición evidentemente forzada pero que captura todos los sentidos y la emoción. ¿Qué buscamos entonces? ¿Acompañamiento, compasión, o esperanza? ¿Qué es lo mejor para sobrellevar un futuro cada vez más cercano? ¿Qué es, en este caso, lo mejor para Tuesday?

Cuando la vida nos enfrenta a situaciones límite, puede salir lo mejor y lo peor del ser humano. La inminente pérdida descoloca a cualquiera, sin embargo es allí cuando emerge la resiliencia como pilar sustantivo, un valor a perseguir y desarrollar en forma permanente. El trance se podrá convertir, así, en una oportunidad única para parar, pensar y sentir. El camino es preparación, el tránsito, transformación, y el final no significa la conclusión de la ruta sino el paso a un estado diferente de conciencia.

“Tuesday”, en sus casi dos horas de duración, despierta inquietudes mayores en la medida que nos alejamos de su visualización. No se trata de un efecto nuevo, suele pasar con algunos tipos de filmes. En este caso, y en el mío particular que no logro enganchar demasiado con las imágenes mágicas, esa capa puede dificultar el nivel de comprensión inicial, sin embargo al explorar más profundamente, la película destapa su potencial, abordando temas fundamentales con miradas propositivas y desafiantes. Ese es, tal vez, el mayor mérito de la directora y guionista Daina Oniunas-Pusić: sacarnos de nuestro espacio de confort al llevarnos al interior de sus protagonistas, para generar, finalmente, nuestra empatía y comprensión.

Ficha técnica

Título original: Tuesday
Año: 2023
Duración: 111 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; A24, BBC Film, Cinereach, Wild Swim Films, British Film Institute. Distribuidora: A24
Género: Fantástico | Maternidad
Guion: Daina Oniunas-Pusic
Música: Anna Meredith
Fotografía: Alexis Zabé
Reparto: Julia Louis-Dreyfus, Lola Petticrew, Leah Harvey, Arinzé Kene
Dirección: Daina Oniunas-Pusic

Hermanos por accidente - Por Jackie O.

"Los giros de la vida"

Sinopsis: Dos pares de gemelos idénticos intercambiados al nacer en Colombia, exploran su compleja historia y sus nuevas identidades en este cautivador documental.

Unos gemelos nacen en una ciudad de Colombia de forma prematura. Uno de estos pequeños está grave y lo llevan a la ciudad que mantiene los elementos necesarios para cuidarlo. Lo lleva su tía, mientras la madre se recupera y cuida a su otro bebé. La tía lo deja en el hospital, al cuidado de los profesionales, y espera. Cuando está recuperado, se lo entregan, y esta tía vuelve con dicho gemelo a su ciudad y se lo entrega a la madre. Pero lo que no saben, es que en dicho hospital, también nacieron otros gemelos.

Los niños crecen con una madre amorosa, pero lo curioso es que, a pesar de ser gemelos, no tienen ningún parecido, ni físico ni emocional, ya que uno es extrovertido y el otro es más serio. Igual crecen felices, y se quieren.

Hasta que los hermanos Carlos y Jorge Bernal, y William y Wilber Cañas, se enteraron de una verdad de la forma más inesperada, cuando tenían 25 años.

Un día, una mujer va a una carnicería de otra ciudad y la atiende un sujeto muy parecido a alguien que conoce. Así comienza esta historia, que en un comienzo es divertida, "tienes un doble", pero mientras pasan los días y las averiguaciones, resulta que no es tan divertido. Hay dos pares de gemelos intercambiados. ¿Cómo pudo suceder esto? ¿Estamos en un universo paralelo?

Una historia de cómo puede un error involuntario, o no, lo cual veremos en este documental, puede dar un giro significativo para dos familias.
El hecho se dio a conocer mediaticamente en el país y el mundo entero, vemos videos y fotos de archivo. Y la historia es contada por sus protagonistas, vemos su emoción y temores ante todo esto, la incertidumbre y la decena de situaciones que pasan por sus cabezas que los atormentan.

Y de cómo el amor o el desprecio, puede ser el detonante que defina tu vida.
Un interesante documental, bien editado.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirección: Alessandro Angulo
Año 2024 / Colombia
Duración: 84 minutos
Guion: Alessandro Angulo y Diego Chalela
Género: Documental Familia

Matilda - Por Bernardita Santander Navarro

Sinopsis: En una escuela primaria, una mujer aterradora, que se llama Agatha Tronchatoro, hace de las suyas e intimida a sus alumnos. Sin embargo, todo cambiará cuando una pequeña niña de 6 años llamada Matilda ocupe su mente para defenderse de esta gran opresión.

Prácticamente no hay una niña o niño que en no haya visto esta película del año 1996.

Matilda, que es interpretada por Mara Wilson, es una pequeña que crece emocionalmente abandonada por sus padres, quienes nunca le prestan atención y jamás se dan cuenta de sus cualidades superdotadas. Era tanto su talento que aprendió a cocinar a los tres años, y a los cuatro ya sabía leer, por lo que se refugió en muchos libros de ficción.

En resumen, la realidad de Matilda era bien triste. Sus padres vivían en su propio mundo y ni siquiera sabían cuándo era su cumpleaños. Pero todo esto comenzará a cambiar cuando accedan a que estudie en una escuela primaria.

Es ahí donde Matilda conocerá a la directora Tronchatoro. Una mujer insoportable, que odia a los niños y que es extraordinariamente interpretada por Pam Ferris. En otras palabras, es un tremendo personaje que le hará la vida imposible. No obstante, no todo será tan horroroso para la protagonista, ya que con su profesora, la señorita Miel, vivirán grandes aventuras y le darán una gran lección a todos los antagonistas de esta producción audiovisual.

Puedo decir que es una película divertida, intensa, misteriosa y que a grandes rasgos habla de la paciencia, la falta de honestidad, la familia, la maldad, el maltrato y también la justicia.

¿Podrá Matilda darle una lección a sus padres? ¿Podrá demostrar al mundo sus poderes intelectuales? ¿Le dará finalmente una lección de vida a Tronchatoro? Esas son las grandes interrogantes que nos invita a descubrir esta cinta.

Me gustaría destacar especialmente las tremendas actuaciones de Danny De Vito (quien interpretó al padre de Matilda y además tuvo la audacia de dirigir este filme), y nuevamente a Pam Ferris, quien dio vida a Tronchatoro. Ambos personajes inolvidables, que siguen en el recuerdo de miles de niños que hoy son adultos, y que ven en ellos a los seres humanos que nunca tienen que llegar a ser.

Recomiendo verla en familia. Es para todo espectador. No se arrepentirán.

Disponible en Netflix, Prime Video, Max y Mercado Play.

Ficha Técnica

Título original: Matilda
Año: 1996
Duración: 98 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Danny DeVito
Reparto: Mara Wilson, Embeth Davidtz, Pam Ferris, Danny DeVito y Rhea Perlman.
Guion: Robin Swicord. Basado en el cuento de: Roald Dahl
Música: David Newman
Fotografía: Stefan Czapsky
Compañías: TriStar Pictures, Jersey Films
Género: Comedia. Cine familiar

Deadpool & Wolverine - Por Juan Pablo Donoso

Cuando se sospechaba que MCU (Universo Cinematográfico de Marvel) iba en decadencia, la empresa decidió lanzar a la mayoría de sus superhéroes a la parrilla y dar un golpe redentor.

Y con la inteligencia de sus guionistas y realizadores, más un fastuoso presupuesto, lo lograron plenamente para felicidad de sus millones de seguidores a lo largo de los últimos años.

«Time Variance Authority» (TVA), una organización burocrática que existe fuera del Tiempo y el Espacio, monitora de la línea temporal— fuerza al jubilado Deadpool en una nueva misión.

Wilson (Deadpool) se une ¡a regañadientes! a un resucitado Wolverine, aún más reacio, en una epopeya que cambiará la historia del Universo cinematográfico de Marvel (UCM)

Los villanos esta vez son Paradox y Casandra Nova. Ambos carismáticos en sus diferentes estilos. Paradox - elegante actor Matthew Macfayden - es el agente de la «Time Variance Authority» (TVA). Supervisa un proyecto para acelerar la muerte del universo (Tierra-10005) usando una máquina que puede matar piadosamente líneas de Tiempo. Espera convertirse en el líder de la TVA.

Por su parte, la calva y seductora Emma Corrin como Casandra Nova, es una mutante con poderes telequinéticos y telepáticos.

Ante el inminente peligro de estos villanos de “acá” y “allá”, Deadpool se reconciliará con su antiguo y fallecido enemigo Wolverine para salvar a la Humanidad como la conocemos.

En este extraño universo se desatará una sucesión de batallas donde veremos que hay muchos y variados Deadpools (incluso mujeres y niños), como también clones del feroz Wolverine, siempre amargado y pesimista.

Estos superhéroes de Marvel, ahora sepultados en un VACÍO que contiene la mezcla de Tiempos Pasados y de Espacios Relativos, combatirán con sables y ganchos manuales hechos con Adamantium, acero de extrema dureza capaz de convertir en charco de sangre a todos sus enemigos.

Son tantas las peripecias de esta magna producción que nos sorprenderán con la aparición ocasional de otros superhéroes de Marvel, con diálogos muy graciosos y soeces (aunque subtitulados a un púdico español), a un ritmo veloz pero con secuencias de descanso y, muy en especial, para ver gozar a los seguidores adolescente de antes, ahora adultos, con sus héroes de ayer.

Muy acertada inclusión de antiguas canciones populares durante los combates, y un tratamiento audiovisual que aconsejamos ver, en lo posible, en IMAX.

Con este descomunal espectáculo logran sus tres objetivos principales: 1) salvar a la Humanidad de otra nueva y aberrante dominada por Paradox; 2) conseguir la posible reconciliación de Deadpool con Wolverine, y 3) rescatar a la empresa Marvel del VACÍO (financiero) gracias al retorno de los superhéroes de antaño.

Sus valores, aparte de la amenidad, son el humor - la acción desenfrenada - y la reconciliación de los titanes.

ADMIRABLE MEZCLA DE SUPERHÉROES RESCATADOS DEL OLVIDO. GRACIOSA, ÁGIL Y CON SECUENCIAS BIEN DOSIFICADAS. TRIUNFAL ESPECTACULO DE MARVEL.

Ficha técnica

2024 - Acción, comedia, ciencia ficción EE.UU. - 2,07 hrs. 

Fotografía: George Richmond 

Edición: Shane Reid, Dean Zimmerman 

Música: Rob Simonsen 

Diseño Prod.: Ray Chan 

Guion: Shawn Levy, Rhett Reese, Ryan Reynolds 

Actores: Ryan Reynolds, Hugh Jackman, Dafne Keen 

Director: Shawn Levy

Palm Royale - Por Jackie O.

"La buena vida"

Estamos en 1969, y la existencia de un exclusivo club de alta sociedad en Palm Beach de Florida, el más exclusivo, es de gran interés para Maxine, quien está dispuesta a hacer lo que sea para ser parte del "Palm Royale".

Tenemos una serie frívola, arribista y materialista, donde la belleza, lo caro, elegante y excéntico está a la vista. Maxime lleva 20 años casada y enamorada de Douglas Simmons Dellacorte, un simpático sujeto que vive con su sueldo de piloto de aerolíneas. Ambos viven en un motel de media categoría donde deben la renta regularmente, ya que Maxine gasta el dinero en ella para aparentar ser de sociedad. Y si a eso le agregamos que Douglas es sobrino de una mujer millonaria, Norma Dellacorte, la cual está en un estado de coma en una clínica especializada en su cuidado, sin derecho a tocar un peso de ella, es frustrante para Maxine. Así que nuestra protagonista visita diariamente a Norma en la clínica, pero no porque la quiera, y a pesar de que le habla de sus frustraciones, sus visitas son para usar su ropa y accesorios de lujo y así aparentar ante la gente de sus finos gustos en moda.

Hasta que busca la forma de ser la tutora legal de Norma, para usar su dinero, quedarse en su mansión la cual es cuidada por el mejor amigo de Norma, un camarero Gay del Palm Royale, y luego cambiar su apellido a Maxine Dellacorte-Simmons, usando otras artimañas que vaya necesitando, ya que se encuentra con mujeres de la alta sociedad en este club, que no aceptarán que ella, una pobre y fracasada ex reina de belleza, pertenezca a su grupo exclusivo. Todo se complica, cuando Norma despierta de su estado de coma, se destapan secretos guardados, donde Norma controla a la alta sociedad; y de los problemas financieros a los que cada día Maxine se ve enfrentada, hacen que estas frivolidades se vean de forma cómica, porque es contada de una forma sarcástica, una sátira social que nos hará pensar en las apariencias, en los límites del éxito, de encajar forzadamente en algo, la tristeza del ser humano y actos amorales para conseguir propósitos.

Pero aunque haya tanta frialdad, existen algunas personas que tienen sentido común y buscan hacer las cosas bien, personas que se alejaron del dinero, como Linda, quien guarda un secreto y que prefirió dejar su vida de lujo y convertirse en una feminista. Además con sus amigas, luchan contra lo que ha significado la guerra de Vietnam, busca, aunque a veces comete errores, el bien para otros. Y Robert, un camarero que en los años sesenta debe esconder su condición sexual, trata de no dañar a la gente y por el contrario, ayuda.

Escenográficamente la serie es deslumbrante, ya que nos transporta a la época, y trabaja muy bien la representación de la opulencia, nos hace un desfile con los mejores atuendos, con cuidadosos y estilizados peinados y maquillaje.

Maxine representa a muchas personas desesperadas por encajar, por mejorar su vida, pero en base a otro tipo de esfuerzo que no es el estudiar o trabajar duramente, sino escalar rápido al dinero y la alta sociedad, realizando actos que la humillan, degradan o incluso corrompen.

Pero en el fondo vemos a una mujer triste y que de alguna forma tiene un buen corazón; solo falta que se encarrile bien. ¿Lo logrará?

Buena primera temporada, una parodia a los súper ricos, con buena protagonista principal y secundarios que saben complementar las situaciones. Con once nominaciones a los próximos Emmys, dentro de los cuales está mejor actriz principal (Kristen Wiig), actriz de reparto (Carol Burnett), serie comedia y otros.

Disponible en AppleTV+.

Ficha técnica

Género Comedia dramática
Creado por Abe Sylvia
Basado en Mr. & Mrs. American Pie de Juliet McDaniel
Protagonistas: Kristen Wiig, Ricky Martin, Josh Lucas, Leslie Bibb, Amber Chardae Robinson, Laura Dern, Allison Janney, Carol Burnett
Duración: 44–51 min. 10 capítulos
EEUU - 2024

Deadpool & Wolverine - Por Carlos Correa Acuña

Irreverente. Es la palabra que mejor describe a este personaje que hizo su primera película en solitario el año 2016, siguió con “Deadpool 2”, y ahora se integra a la fase cinco del MCU en su película número 34.

Irreverente y pasado de revoluciones, podríamos añadir, porque el sello de este superhéroe, personificado por un vibrante Ryan Reynolds, quien también participa en la escritura del guion, es justamente plasmar una especie de oda al antihéroe, aquel que desea integrar a toda costa el equipo de élite de los “Avengers”, pero que no es considerado ni siquiera en una generosa lista de espera.

En esta tercera entrega, que sucede seis años después de la anterior -mismo tiempo cronológico real-, se ve que han pasado bastantes cosas en el ínterin. Nuestro protagonista es buscado por la TVA -Autoridad de Variación del Tiempo-, lo que genera un intercambio de escenarios, de dimensiones y de mundos, ya que el principal objetivo del agente Paradox -Matthew Macfadyen-, es intervenir, eliminar algunas líneas de tiempo específicas y llegar a encabezar la unidad.

Aprovechando la notoria vulnerabilidad de Deadpool, la misión que se le encomienda es encontrar a Volverine en alguno de los universos. Sabemos que está muerto, sin embargo en las dimensiones de Marvel todo es relativo, y por cierto conocemos, por el título de esta película, que ambos héroes se encontrarán y trabajarán juntos. ¿Dónde y cómo se cruzarán, cuáles serán los desafíos, por qué clase de situaciones transitarán, y quiénes serán sus adversarios, constituye la esencia de la trama, y no vale la pena anticipar nada, para que cada quien pueda descubrirla en tiempo y forma.

“Deadpool & Wolverine” brilla en su cinematografía. Gran mérito de su director Shawn Levy, integrante también del equipo de guionistas. La frescura con la que aborda cada secuencia, la unidad de la acción y la composición audiovisual es realmente una delicia. Son puntos tan fuertes que logran velar una debilidad estructural que se encuentra en la base: la delgada historia que mueve esta secuela, y que la deja prácticamente en el mismo lugar, sin avanzar ni retroceder, preparada para una próxima aventura, o bien morir en el intento.

Sin duda las fortalezas de este filme saltan a la vista y son muchas. Ryan Reynolds exuda flexibilidad, carisma y humor, sobrecargando por momentos un personaje que no es sencillo de interpretar dado su contenido “R”, esos reparos por la extrema violencia y las referencias para adultos por primera vez presentes en una cinta del MCU. Hugh Jackman, por su parte, brilla al interpretar nuevamente a Volverine, con una prestancia incombustible y también con una importante cuota de liviandad que hasta ahora desconocíamos. Emma Corrin, implacable con su rol, y Matthew Macfadyen, ubicado en esa cornisa entre seriedad y caricatura, completan un cuarteto eficaz que no solo supera el desafío sino que, además, se acerca a los protagonistas más emblemáticos de Marvel Studios.

¡Qué decir de los efectos visuales y las coreografías! Notables, una muestra de gran pericia técnica, creatividad y herramientas puestas al servicio de una parafernalia que, por conocida, podría agotar, y que, sin embargo, se renueva y se siente ágil en cada uno de sus rincones. Las referencias, internas y externas son abundantes, los personajes citados y las sorpresas no son pocas, lo que constituye un verdadero regocijo para fans que se ríen y aplauden cuando alguien aparece en escena, una manera inteligente de fidelizar una audiencia de por sí cautiva, y de enganchar a nuevos públicos ávidos de conocer más y de incursionar en la fuente primaria de lo que estamos visualizando: los cómics originales.

“Deadpool & Wolverine” es un espectáculo, y de esos con mayúscula. Verlo y disfrutarlo en pantalla grande es, realmente, una verdadera experiencia. No saldremos conversando necesariamente de la trama, o de la historia, o de la evolución de los personajes, o con una profunda temática para reflexionar. No, por supuesto que no, aunque siempre habrá excepciones. Lo que sí será materia de análisis probablemente se enfoque en la realización extremadamente cuidadosa de una película de superhéroes que no se toma en serio ni a sí misma, una obra hecha “seriamente” en “chunga”, una chacota bien ejecutada, que pone de manifiesto cuán importante es reírse de sí mismo, y cuyo pilar fundamental es su objetivo de ser distracción y entretención, aunque en esta versión no necesariamente sea “sana”.

Ficha técnica

Título original: Deadpool & Wolverine
Año: 2024
Duración: 127 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Marvel Studios, 20th Century Studios, 21 Laps Entertainment, Donners' Company, Maximum Effort. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Acción. Fantástico. Comedia | Superhéroes. Marvel Comics. Cómic. MCU. Secuela
Guion: Shawn Levy, Rhett Reese, Ryan Reynolds, Zeb Wells, Paul Wernick. Personaje: Rob Liefeld, Fabian Nicieza
Música: Rob Simonsen
Fotografía: George Richmond
Reparto: Ryan Reynolds, Hugh Jackman, Emma Corrin, Matthew Macfadyen
Dirección: Shawn Levy

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 25 de Julio 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Pablo Croquevielle y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.

La asistente - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Jane (Julia Garner) es una recién graduada universitaria y aspirante a productora de cine que consigue un trabajo aparentemente ideal como asistente de un poderoso ejecutivo de la industria del entretenimiento. Su día es muy similar al de cualquier otra asistenta: preparar café, cambiar el papel en la fotocopiadora, ordenar el almuerzo, organizar viajes, recibir mensajes telefónicos, etc. Pero a medida que Jane sigue su rutina diaria, es cada vez más conscientes del abuso que colorea insidiosamente cada aspecto de su jornada laboral, una acumulación de degradaciones contra las cuales Jane decide adoptar una posición, quizás solo para descubrir la verdadera profundidad del sistema en el que ella ha entrado.

Un filme que se desarrolla a fuego lento y de manera silenciosa para que el espectador conozca un problema de abuso, en varios ámbitos, sobre la mujer, quitando ese velo de “normalidad” que ha perdurado por años, en un mundo que hace vivir al espectador, a través de las imágenes, una realidad que parece fantasía y muchas veces ideal o de ensueño, pero que en su raíz, donde nace, no lo es tanto, sino más bien turbio y obsceno, por decir lo menos.

Un filme de construcción sencilla pero de una gran profundidad, donde Garner, con sus silencios y muy pocos diálogos, logra transmitir el drama interno por el cual transita en aquel trabajo. Seguramente para muchos nos puede parecer un sueño estar allí, pero para ella se transforma en verdadero calvario, enfrentada al poder que usa a los otros, los controla, produciendo un daño muchas veces difícil de reparar.

Su conciencia la mantendrá a flote buscando no perderse en aquel mundo, o mejor dicho submundo de luces y flashes.

El relato nos ubica en los fotogramas aquel señor “poderoso”, dejando abierto, de alguna manera, el poder sentar a varios otros personajes en el lugar de aquel famoso director.

La fotografía ayuda, con sus primeros planos, a la construcción de la historia transmitiendo la emoción que vive el personaje de Jane.

Buen filme para remover la conciencia y preocuparnos de todos los ámbitos donde podemos abusar de nuestro poder.

Disponible en Max.

Ficha técnica

Título original: The Assistant

Año: 2019

Duración: 87 minutos

País: Estados Unidos

Dirección: Kitty Green

Guion: Kitty Green

Reparto: Julia Garner, Matthew Macfadyen, Dagmara Dominczyk, Kristine Froseth, Patrick Wilson, Juliana Canfield, Noah Robbins, Purva Bedi.

Música: Tamar-Kali Brown

Fotografía: Michael Latham

Compañías: 3311 Productions, Cinereach, Forensic Films, Level Forward, Symbolic Exchange, Bellmer Pictures, JJ Homeward Productions. Distribuidora: Bleecker Street

Género: Drama, trabajo/empleo, abuso de poder y sexuales, conciencia.

Premios

2020: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor guion novel, actriz y fotografía. Asociación de Críticos de Boston: Nominada a mejor actriz (Garner). Premios Gotham: Nominada a mejor película

Deadpool & Wolverine - Por Jackie O.

"Unión explosiva"

En 2018, Wade Wilson de Tierra-10005 usa el dispositivo de viaje en el tiempo de Cable para viajar a Tierra-616, la "Línea de Tiempo Sagrada", donde solicita unirse a los Vengadores, pero es rechazado. Para luego tener a un Wilson del 2024 que está totalmente fracasado, sin novia y un trabajo que detesta. Pero aún tiene amigos, esos amigos de verdad, y los vemos en su cumpleaños, pero también en ese mismo momento se produce un problema con la línea de tiempo, y personal de "Autoridad de Variación Temporal" (TVA), captura a Wilson y lo entrega al Sr. Paradox, un sujeto que espera convertirse en el líder de la TVA, pero con malas prácticas. Es del caso que, para poder salvar la línea del tiempo actual de Wilson, debe buscar a Wolverine, quien alteró otra línea del tiempo, y con su ayuda puedan salvar su mundo de una amenaza actual.
¿Y cómo puede suceder eso si Logan falleció, lo vimos, y muchos lloraron?

Se siente enredado todo cuando no se está al tanto de este loco mundo de Marvel, con viajes en el tiempo, variantes y un largo etc. Pero viéndola, todo es muy claro. Además, me cuesta hablar de esta película sin spoiler, pues cuenta con una cantidad de información necesaria de nombrar, pero es una sorpresa tras otra.

Una cinta que navega por líneas de tiempo donde vemos muchos Logan, conocemos muchos Deadpool, y nos reencontramos con otros entrañables personajes, que, si no manejas las películas Marvel, se escapan a tu ojo. Así como muchos chistes donde se ríen de los personajes y de cómo ha sido el paso de Fox a Disney.

Con un vocabulario soez, irónico, gracioso, violento y más, que rompe la cuarta pared con sus palabrotas, lo cual debe ser así o si no, no es Deadpool, un bocón desproporcionado. Sin dejar de mencionar la violencia física que es brutal, lo que la hace una película para mayores de edad.

Llena de efectos visuales buenos, vestuario excelente, maquillaje y peinado fabulosos, una banda sonora donde viajamos por varias décadas de forma fascinante, con un guión agudo y muy arriesgada pero que sí funciona por su rapidez, nos dan a un Deapool y Wolverine, personajes queridos y muy diferentes el uno del otro, que juntos son explosivos.
Grandes escenas de acción a cargo de la mayoría de ellos por dobles, con acrobacias impresionantes, y unas tomas en cámara lenta sensacionales.
En qué puede fallar, en la falta de un guión más estructurado, y unos antagonistas que, a pesar de ser buenos, no son memorables para este tipo de películas.

Buenísima nueva entrega Marveliana, que por supuesto tiene su escena post créditos.
En resumen, me reí demasiado pues agradezco conocer a Marvel, lo que hizo no haberme perdido ningún chiste ni cameo.

Ficha técnica

Título original: Deadpool & Wolverine

Año: 2024

Duración: 127 minutos

País: Estados Unidos

Compañías: Marvel Studios, 20th Century Studios, 21 Laps Entertainment, Donners' Company, Maximum Effort.  Distribuidora: Walt Disney Pictures

Género: Acción. Fantástico. Comedia | Superhéroes. Marvel Comics. Cómic. MCU. Secuela

Guion: Shawn Levy, Rhett Reese, Ryan Reynolds, Zeb Wells, Paul Wernick.  Personaje: Rob Liefeld, Fabian Nicieza

Música: Rob Simonsen

Fotografía: George Richmond

Reparto: Ryan Reynolds, Hugh Jackman, Emma Corrin, Matthew Macfadyen

Dirección: Shawn Levy

Una buena persona - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Amazon Prime.

Estamos ante una película que ofrece una historia profundamente humana. Seguimos a Allison -Florence Pugh-, una joven cuya vida gira radicalmente después de un trágico accidente. La cinta explora temas como la pérdida, la redención, y la búsqueda de sentido en medio del dolor. Su tono es, a la vez, melancólico y esperanzador, lo que se plasma en un equilibrio que logra involucrar emocionalmente, aunque por momentos tienda a caer en el melodrama.

El corazón de esta película son sus actuaciones. Florence Pugh ofrece una interpretación madura y auténtica, capturando la complejidad de una persona que vive un estado de duelo. Morgan Freeman, por su parte, aparece como un mentor inesperado y añade profundidad y sabiduría al relato, algo que complementa perfectamente la energía de la joven. Los personajes secundarios también se desarrollan adecuadamente, cada cual sumando una pieza particular al rompecabezas de la trama.

La dirección de Zach Braff, cuidadosa y acotada, permite que la narrativa se desarrolle de manera orgánica, con calma y sin apuro alguno. Alex Weston, con su partitura, subraya sutilmente momentos clave, al tiempo que la cinematografía a cargo de Mauro Fiore, resulta atractiva visualmente al utilizar una paleta de colores que da cuenta del estado anímico de los personajes.

"A Good Person" resuena porque no solo narra una historia, sino que, además, invita a reflexionar sobre la resiliencia humana y la capacidad de encontrar luz en los momentos más oscuros de la vida. Aunque por algunos momentos el ritmo puede ser bastante lento, cada secuencia tiene un significado que contribuye al desarrollo de personajes que tocan el corazón y logran dejar una duradera impresión.

Ficha técnica

Título original: A Good Person
Año: 2023
Duración: 129 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Killer Films, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Elevation Films, Elevation Pictures. Distribuidora: United Artists Releasing
Género: Drama | Amistad
Guion: Zach Braff
Música: Bryce Dessner
Fotografía: Mauro Fiore
Reparto: Florence Pugh, Morgan Freeman, Celeste O'Connor, Molly Shannon, Chinaza Uche
Dirección: Zach Braff

Deadpool & Wolverine - Por Elizabeth Salazar T.

Desde que se estrenó “Deadpool” en 2016, este particular superhéroe conquistó los espectadores con su humor e ironía. Un apático Wade Wilson (Ryan Ryenolds) se esfuerza por adaptarse a la vida civil. Sus días como el mercenario moralmente flexible, Deadpool, han quedado atrás. Cuando su mundo se enfrenta a una amenaza existencial, reaciamente, Wade debe ponerse el traje de nuevo, junto con un aún más reacio… ¿muy reacio? ¿reacísimo?... Tiene que convencer a un súper-reacio Wolverine a... mierda. Las sinopsis son tan increíblemente estúpidas…

Hace algunos años hemos visto la estrecha amistad que hay entre los actores Ryan Reynolds y Hugh Jackman, ambos han compartido fotos y bromas que se han hecho respectivamente. Es por eso que, desde que se anunció la posibilidad de verlos juntos con sus emblemáticos personajes, hubo mucho interés…

Un retirado Deadpool se ve obligado a ponerse nuevamente su traje y a buscar el apoyo de Wolverine (Hugh Jackman), algo que no le será nada fácil. Ambos deben enfrentar a poderosos enemigos, en especial a una, Cassandra Nova (Emma Corrin). Ella posee poderes telepáticos, por lo que puede saber con facilidad de las debilidades de sus enemigos. Por otro lado está Mr. Paradox (Matthew Macfaden), que es parte de TVA y tiene un importante papel en mantener el flujo temporal.

Con un buen elenco, donde Ryan Reynolds saca más una sonrisa con su irreverente personaje, y Hugh Jackman, interpretando a un Wolverine algo diferente (hasta su vestuario), esta dupla funciona muy bien, hay complicidad. Igualmente, los actores ingleses Emma Corrin, a la que la recordamos como Lady Diana en “The Crown”, y Matthew Macfaden (“Orgullo y prejuicio” y “Suceción”), hacen muy bien sus roles de villanos.

Aunque al comienzo parte un poco lenta, una vez que la dupla de protagonistas se encuentra, el ritmo se agiliza y finalmente, se hace corta. Atentos, porque tiene unas excelentes escenas en cámara lenta durante las peleas. Igualmente, cuenta con un soundtrack buenísimo, que incluye temas como “Iris” The Goo Goo Dolls, “The lady in red” de Chris de Burgh, “Like a prayer” de Madonna y “Power of love” de Huey Lewis & The News, entre otros.

Deadpool puede que no sea el superhéroe más poderoso, pero si algo tiene es un buen corazón y una verborrea que lo mete en más de algún problema… Esta es una comedia disfrutable, para pasar un buen rato. Además, incluye algunos cameos… Y hay una escena post crédito. Quiere saber si se hacen bromas los protagonistas, por supuesto, pero no se las contaré. ¡Vayan a verla!

Director: Shawn Levy
Duración: 130 Minutos
Distribuye: Cinecolor Films

Tarzán - Por José Luis Nicolás

Un bebe queda huérfano en medio de la selva africana. Una gorila llamada Kala lo rescata de la inminente muerte a manos de un fiero leopardo. Ella lo adopta y lo cría como si fuera uno de los suyos. El niño crecerá y se transformará en un adulto fornido. En ese ambiente salvaje, conocerá a una visitante que cambiará su vida para siempre.

Disney presenta Tarzán, película animada estrenada en 1999, que se inspira en la serie de relatos creados 87 años antes por el escritor Edgard Rice Burroughs. La historia fue llevada a la gran pantalla por primera vez en 1918, con Elmo Lincoln en el papel principal.

En los años 30 del Siglo XX, el intérprete del hombre mono fue un retirado nadador y medallista olímpico llamado Johnny Weissmuller. Luego, a fines del decenio de 1950, tomó la posta Gordon Scott.

Las dos décadas siguientes no tuvieron a Tarzán como el gran héroe de las fantasías juveniles e infantiles del orbe. Recién en 1984, el actor Christopher Lambert destacó protagonizando una cinta sobre la obra de Rice Burroughs: se tituló Greystoke: la leyenda de Tarzán.

En Disney conocían el escenario de la historia. En 1967 estrenaron El Libro de la Selva, filme animado basado en la obra literaria homónima que Rudyard Kipling creó, a finales del siglo XIX.

En 1997, dos años antes de presentar al mundo su versión de Tarzán, la compañía de cine familiar proyectó en salas la adaptación a “imagen real” de George de la Selva, una caricatura de Jay Ward, que se burló abiertamente del galán atlético y salvaje. Esta comedia tuvo a Brendan Frazer en el papel estelar.

Kevin Lima y Chris Buck dirigieron Tarzán. Ellos culminaron con éxito el sueño que en Disney germinó hacia 1995. Phil Collins escribió las canciones, y las interpretó en inglés y español. El ex vocalista de Genesis ganó el Óscar por el popular tema You'll Be in My Heart. Todo un equipo de animadores se puso al servicio de una película de dibujos animados digitales, que coloreó los inexplorados parajes de un amor invencible.

Disponible en Disney Plus.

Ficha Técnica

Título original: Tarzan
Año: 1999
Duración: 84 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Kevin Lima, Chris Buck
Guion: Tab Murphy, Bob Tzudiker, Noni White. Personaje: Edgar Rice Burroughs
Música: Mark Mancina. Canciones: Phil Collins
Fotografía: Animación
Compañías: Walt Disney Pictures, Walt Disney Animation Studios. Distribuidora: Buena Vista Internacional

La Otra Cara de la Luna - Por Carlos Correa Acuña

¿Llegó el Apolo 11 a la Luna en 1969? La historia dice que sí, sin embargo durante años hemos tenido versiones que apuntan a un truco publicitario de Estados Unidos para ganar la carrera espacial a la URSS. El manto de duda persiste, hasta el día de hoy, y esta película promete otra vertiente, esta vez jocosa y divertida, del hasta ahora, evento más trascendente en el ámbito de la exploración humana fuera de nuestro entorno natural.

Volvamos a la película del director Greg Berlanti, quien con un guion de Rose Gilroy, basado en la historia de Keenan Flynn y Bill Kirstein, nos sitúa en los preparativos del lanzamiento de la versión 11 del proyecto Apolo. Cole Davis -Channing Tatum-, es director de vuelo, y sobre él recae el peso de conducir al enorme equipo humano que tendrá por objeto abordar con éxito la misión. A la par, a las instalaciones de la NASA, en Florida, llega intempestivamente Kelly Jones -Scarlett Johansson-, experta en comunicación y marketing, contratada para subsanar los crecientes problemas de imagen y financiamiento que por años ha presentado la Agencia Aeroespacial. El choque entre ambos es instantáneo, noche y día, agua y aceite.

Moe Berkus -Woody Harrelson-, juega de pivote. En línea directa con la presidencia, y supervisor máximo en terreno, es quien mueve los hilos de todo el aparataje, tanto político, como financiero y también técnico. De él depende, en última instancia, la responsabilidad del programa, y como buen estratega, no está dispuesto a correr riesgos innecesarios. Entonces, en una carrera a tres vías, la oportunidad de mostrar al mundo tamaño suceso no puede tener margen de error y la transmisión oficial es vital para esos efectos. ¿Será realmente un evento llevado a la pantalla de televisión “en vivo y en directo”, vale decir captado por la cámara abordo del módulo de alunizaje, o bien, la mejor opción, y la más segura, será poner los mayores esfuerzos en un ultrasecreto montaje paralelo, donde todo estaría bajo control, con un porcentaje de falla cercano a cero? Hagan sus apuestas, la mesa está servida.

Siempre me ha gustado el tema de la Misión Apolo y todas sus etapas. Y soy de los que no dudan de la veracidad de la historia, y que, en efecto, Neil Armstrong pisó de verdad la Luna cuando lanzó su famosa frase “un pequeño paso para el hombre, un gran paso para la humanidad”. Pero bueno, eran otros tiempos y el debate persiste, y no quiero desviarme, aunque esta sea la arista más interesante de una película que trae a Scarlett Johansson de regreso a la comedia en un formato clásico, sin mucho aspaviento, y también sin mayores complicaciones. En esta ocasión la acompaña el versátil Channing Tatum, quien, a esta altura, ya no tiene que demostrar nada, porque los roles de este tipo le quedan bien y fluyen naturalmente.

El director Greg Berlanti, en lo único que tal vez pueda ofrecer algún pequeño reparo, intenta mezclar varios géneros al interior de una película eminentemente liviana y cuyo principal objeto es la entretención. No obstante aquello, y a mi modo de ver, sale airoso del desafío, porque logra revestir una clásica comedia romántica, con algunas capas sensibles, tanto técnicas como políticas, de una época marcada por la lucha encarnizada entre los Estados Unidos y la Unión Soviética por el control del orden mundial y también espacial.

Química hay entre los dos actores protagónicos, por cierto, y se transforma en un atractivo de entrada. Tatum se ve comodísimo frente a una carismática Johansson que hace gala de sus destrezas para configurar un personaje en apariencias trivial, pero que esconde una historia pasada que quisiera enterrar. La comunicación es muy buena entre ambos, y va “in crescendo”, pero no lograría el resultado final sin el trabajo de Harrelson y sin la cuota de exageración de Jim Rash -como el excéntrico director de TV Lance Vespertine-, quien, caricaturas más, caricaturas menos, aporta frescura a una trama que sabemos hacia dónde va, pero no sabemos cómo lo logrará.

“Fly Me to the Moon”, su título original -además es un gusto escuchar la canción de Bart Howard, popularizada en 1964 por Frank Sinatra, e interpretada acá por RAYA-, funciona muy bien a pesar de sus más de dos horas duración. Se siente fresca y liviana, una “versión” diferente del Apolo 11 como telón de fondo para una historia que hemos visto bastantes veces pero que entretiene como si fuera la primera vez, todo gracias al carisma y prestancia de dos figuras consagradas que continúan en ascenso, tal vez hacia lugares desconocidos, como si se tratara también de una carrera por conquistar el espacio.

Ficha técnica

Título original: Fly Me to the Moon
Año: 2024
Duración: 132 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Berlanti Productions, Apple Studios, Apple Original Films, These Pictures, Scott Free Productions. Distribuidora: Sony Pictures, Apple TV+
Género: Comedia. Drama. Romance | Comedia romántica. Años 60
Guion: Rose Gilroy. Historia: Keenan Flynn, Bill Kirstein
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Dariusz Wolski
Reparto: Scarlett Johansson, Channing Tatum, Jim Rash, Anna Garcia, Donald Elise Watkins, Noah Robbins, Colin Woodell, Christian Zuber, Nick Dillenburg, Ray Romano, Woody Harrelson
Dirección: Greg Berlanti

Un detective suelto en Hollywood - Por Jackie O.

"Personajes que se quedan"

Estamos ante una historia que ha ido creciendo con un personaje querido.
En 1984, aparece un detective bien loquillo, que se transformó en una película de culto, entre acción y comedia, bien dirigida por Martin Brest, que nos cuenta sobre Axel Foley, un detective de Detroit que va en búsqueda del asesino de su amigo a Hollywood donde conoce al tímido y muy correcto detective William "Billy" Rosewood, y al mal humorado sargento John Taggart. Y este personaje principal, muy bien representado por Eddie Murphy, es simpático, audaz y con una contagiosa risa.

Luego, en 1987, volvemos a encontrarnos con Foley, quien nuevamente debe viajar a la ciudad de las estrellas, porque una organización criminal, después de herir a su amigo el capitán Andrew Bogomil, se esconde en ese lugar. Buena secuela dirigida por otro gran director de películas de acción, Tony Scott.
En ambas, el doblaje de Eddy Murphy es por Eduardo Fonseca que lo hace muy bien, hasta que en 1994 aparece una tercera cinta, pero con la dirección de John Landis, especialista en comedias, muy mal dirigida, con un guión deficiente total, donde los hechos se desarrollan en un parque de diversiones, obvio que en Hollywood, ya que Axel va en búsqueda del asesino de su jefe, y junto a su amigo, el detective Rosewood, participan de este embrollo; y eso no es todo, el doblaje latino efectuado por Gabriel Cobayassi es malísimo. Y a eso le agregamos unos efectos visuales deficientes y sobreactuaciones de todos, incluido el mismo Eddie, muy mal. Esta tercera entrega es deficiente total, no vale verla, o tal vez quieras ver a Steven Spielberg unos segundos, donde muestra sus dotes actorales.

Pero el personaje ya es parte de la cultura cinéfila, la música es fascinante y muy fácil de identificar su tema central de Glenn Frey.
Hasta que en 2024 aparece nuevamente este loco detective, 40 años después de la primera entrega, y 30 años desde la última, ¿mostrarnos qué? ¿Que lleva más de 40 años de detective aún?

Un detective suelto en Hollywood: Axel F.
Bueno, así es, no quiere jubilar, ni menos estar tras un escritorio, tiene la misma forma de vestir desordenada, su risa sarcástica agradable, pero con menos fuerza, y un ojo vivaz para detectar problemas, creando él más problemas, pero es su estilo para atrapar a los malhechores.

En primera instancia, vemos a su viejo compañero Jeffrey, pero que ahora es su jefe. Y conocemos a la hija de Axel, Jane, quien es una prestigiosa abogada de Beverly Hills, que está defendiendo a un joven latino e investiga a un policía corrupto, y eso le trae problemas al punto de peligrar su vida. Pero aparece Rosewood, el que ahora trabaja como detective privado, quien fue quien le pidió que representara a este joven inocente. Él avisa a Axel sobre el embrollo y, por supuesto, Axel viaja inmediatamente al lugar. Pero su viejo amigo Rosewood desaparece.
Es así que Axel junto a su hija, a quien no veía hace años, comienzan a averiguar sobre esta red de corrupción policial y la desaparición de su amigo policía. Ambos deberán, entre rencores, buscar la verdad en este embrollo.

Esta cuarta cinta, dirigida por Mark Molloy, es entretenida por tener elementos básicos para ello, además su personaje principal es querido. Un antagonista, Kevin Bacon, muy bueno, incluso para...(spolier)... es bueno.
Personajes secundarios reconocidos de las anteriores películas que dan el toque de nostalgia fascinante, una trama fácil y predecible, con poca, pero buena, acción. Buena banda sonora nostálgica, mezclada con música actual.

Una cinta que nos muestra la cuestionada ética profesional, así como el perdón y la reconciliación en la familia se discute; y la lealtad de la amistad presente.

Pero creo que ya es hora que Axel jubile.

Disponibles todas en Netflix.

Ficha técnica

Beverly Hills Cop
Protagonistas: Eddie Murphy, Joseph Gordon-Levitt, Taylour Paige, Judge Reinhold, John Ashton, Paul Reiser, Bronson Pinchot, Kevin Bacon.

El hombre que mató a Liberty Valance - Por Pablo Croquevielle

De los años que llevo viendo películas, nunca le hice mucho caso al género de Western. Sí, conozco los clásicos como “El bueno, el malo y el feo”. He visto algunas en TV sin prestar mucha atención a sus títulos y/o actores.
Pero las cintas del género han ido evolucionando con los años, y dejaron de ser el bueno y el malo, sino que se fueron convirtiendo con el paso del tiempo hasta modernizarse.

Tenemos el caso de “The Revenant” (2015) que más que un Western es más de supervivencia, o “Django” (2012) que mezcla un poco la violencia de Tarantino con una historia de venganza clásica, pero más exagerado.
No sólo en Estados Unidos, sino en Europa, se fue popularizando el estilo y tenemos nombres como "Érase una vez en el Oeste" (1968), y un montón de otras que iban entre lo cómico y lo dramático.

Pero como en el caso de las películas de género superheróico, que van camino al atardecer final, siempre queda un vestigio de lo que pudo o no pudo ser, y en el momento menos esperado pueden llegar sorpresas.
Y el final del camino para el Western americano se llamó “El hombre que mató a Liberty Valance" de la mano del Cowboy eterno: John Ford

La historia pone de protagonista a Ransome Stoddard (Jimmy Stewart), un senador estadounidense que llega al pueblo de Shinbone con su esposa, Hailey (Vera Miles), para el funeral de Tom Doniphon (John Wayne). A través de flashbacks, Stoddard cuenta su historia a la prensa, de cómo llegó al pueblo cuando aún era un abogado recién graduado.
La gente de Shinbone se encuentra aterrorizada por el líder de una banda criminal, Liberty Valance (Lee Marvin en, tal vez, su mejor papel). Doniphon, quien fue asaltado y golpeado por la banda al comienzo de la película, quiere buscar la justicia con sus manos pero siempre del lado correcto y legal. Entremedio, tenemos un triángulo amoroso entre Stoddard, Hailey y Doniphon…y la gran pregunta: ¿Quién fue el hombre que eventualmente mató a Liberty Valance?

La visión de Ford sobre el Oeste se ha convertido en sinónimo de cómo la audiencia lo recibe. Es casi imposible no pensar en este tipo de películas de esa época histórica sin John Wayne.
Scorsese llamó en su momento al director “La esencia del cinema americano”. El legendario Orson Welles miró La diligencia (1939) unas 40 veces para entender cómo dirigir su primera película (película que resultó ser El Ciudadano Kane)
Pero mucha de la influencia de Ford se ha ido perdiendo con el tiempo. Aún cuando el creó, tal vez, una mirada un poco más romántica, todavía hay algunos detractores debido a su forma de ver a los nativos, a veces como carne de cañón para los rifles de vaqueros.
Al día de hoy, todavía hay gente que se pregunta si Ford era o no un buen director, con sus pros y contras respecto a cierto racismo escondido.

Aún con todo el asunto racial y político en su filmografía, uno de los momentos más interesantes de esta cinta es cuando presenta a Stoddard como profesor de un pueblo iletrado, enseñándoles a leer y escribir. Al ayudante afroamericano de Doniphon, Pompey (Woody Strode), le piden que recite la Constitución de memoria, pero olvida la sentencia de “todos los hombres son creados iguales”, a lo que Doniphon responde “está bien Pompey, a mucha gente se le olvida eso”.
Y han pasado décadas, y la gente aún parece olvidarse de ese párrafo

Sin embargo, “El hombre que mató a Liberty Valance”, no es una película sobre héroes, sino una película que se siente como una historia de un país. Ford logra capturar de forma brillante a sus dos protagonistas, tan igual y al mismo tiempo diferentes entre sí. Ford es un autocrítico sobre su propio legado como cineasta, pero ahí está, dándolo todo.
Si “El gran Gatsby” es tal vez la mejor novela norteamericana, entonces “El hombre que mató a Liberty Valance” está entre sus mejores películas.

Esta no es una película de heroísmo, sino de decisiones y de arrepentimientos. La escena final de John Wayne no nos muestra al cowboy bueno arriba de un caballo cabalgando al horizonte, sino una escena triste y amarga cuando ve a la mujer que ama yéndose con Stewart. La masculinidad de los 60's jamás se había visto tan derrotada.

Podríamos sustituir la pregunta de “¿Quién mató a Liberty Valance?” por la de “¿Por qué han matado a Liberty Valance?”. Tom lo mata por amor a Hallie y para mantener el honor de Ransom limpio; Ransom cree que lo ha matado como último recurso ante la violencia extrema y la sinrazón de Valance. ¿Podemos decir, entonces, que Valance fue asesinado por Hallie?

Aún cuando esta no fue la última película Western de Ford, sí sirve como su obra maestra, la película que cierra el círculo, el final de la carretera. El legado de Wayne siempre fue mirado desde el punto de vista más conservador en la política, pero siempre ambos fueron el dúo predilecto.
Sin embargo con esta cinta, también John Wayne pudo descansar luego de 50 años de hacer películas de Western (partiendo con La Diligencia).

Al final todos somos unos vaqueros cabalgando camino al horizonte en un hermoso atardecer.

Ficha técnica

Título original: The Man Who Shot Liberty Valance

Año: 1962

Duración: 119 minutos

País: Estados Unidos Estados Unidos

Dirección: John Ford

Guion: James Warner Bellah, Willis Goldbeck | Historia: Dorothy M. Johnson

Música: Cyril J. Mockridge

Fotografía: William H. Clothier (B&W)

Compañías: Paramount Pictures

Género: Western, Película de culto, Drama judicial, Abogados/as

Mar de Sangre - Por Bernardita Santander Navarro

Sinopsis: Cinco amigos tienen un accidente en el mar. Luego de estar heridos, sangrando y a la deriva, deben mantenerse a flote y sobrevivir a los ataques de un hambriento depredador.

Nat, Tom, Milly, Tyler y Greg, que son interpretados por Holly Earl, Jack Trueman, Catherine Hannay, Malachi Pullar-Latchman y Thomas Flynn respectivamente, son un grupo de amigos que se encuentra de vacaciones en una paradisiaca playa.

Un día, y luego de una noche de tragos, Nat conoce a un mendigo que le advierte que no vaya nunca mar adentro porque él sobrevivió al ataque de un tiburón blanco. Sin embargo, cuando sus amigos vienen a buscarla, no consideran los comentarios de este hombre y al día siguiente deciden robar unas lanchas para adentrarse en el mar.

Si bien Nat está en un comienzo reacia a la petición de sus compañeros, finalmente accede, pensando que solo será un momento y que pronto estarán de regreso.

El tema es que todo comienza a complicarse cuando sus amigos deciden enfrentarse de con sus lanchas en el mar. Es entonces cuando tienen un violento accidente, que deja a uno de ellos herido. Como consecuencia, un gigante tiburón vendrá a acosarlos y les hará la vida imposible ¿Qué es lo que sucederá? ¿Lograrán ser encontrados y salvarse de este depredador? Esas son las grandes interrogantes que te invita a descubrir esta interesante producción audiovisual.

Si bien es una película intrigante, ya que te deja muy involucrado en la trama, hay que mencionar que tiene un guion bastante sencillo, dado que todo se centra en este problema y no hay muchos detalles del pasado de los personajes.

Sin embargo, me gustaría destacar la música y la dirección de fotografía, además de los efectos especiales que hacen que esta cinta sea muy creíble para el espectador, ya que le podría pasar a cualquiera.

En cuanto a las actuaciones puedo decir que son creíbles, que están bien logradas y que finalmente uno empatiza con el miedo y la preocupación que muestran los protagonistas.

Algunos valores que podemos ver son la amistad, el compañerismo, la solidaridad y el dar la vida por los amigos.

No obstante, otro tema que también se aborda, pero de una manera más superficial es la traición y la infidelidad.

A pesar que existen varias películas sobre tiburones, puedo decir que es una película entretenida, para ver con personas mayores de 16 años, considerando que hay algunas escenas muy violentas e impactantes.

Disponible en Netflix y Prime Video.

Ficha técnica

Título Original: Shark Bait
Año: 2022
Duración: 87 minutos
Director: James Nunn
Guion: Nick Saltrese
Paises: Malta y Estados Unidos
Reparto: Holly Earl, Jack Trueman, Catherine Hannay, Malachi Pullar-Latchman y Thomas Flynn
Distribuidora: BF Distribution
Género: Thriller, suspenso, terror

De noche con el Diablo - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: En la noche de Halloween de 1977, el caos se desata cuando el presentador Jack Delroy entrevista a una parapsicóloga y a una joven adolescente que es la única superviviente de una matanza masiva en una iglesia satánica.

Una detallada introducción hace un muy buen resumen de la época. Corren los años 70, y la televisión se transforma en una ventana al mundo, acompañando también a las familias en sus casas. El cuadro es tan ágil como completo. La perspectiva de lo que nos ofrecen es que seremos testigos de algo único, sin igual, un material que nunca ha visto la luz, exclusivo, guardado bajo siete llaves por décadas. Se trata, nada más y nada menos, de lo que verdaderamente ocurrió aquella fatídica noche.

El formato corresponde a un programa de TV, en específico, un capítulo, y uno bastante especial. Claro, es una recreación, pero parece real, parece efectivamente tomado del baúl de los recuerdos, o de una caja de cintas antiguas, a medio funcionar, desgastadas, y también con problemas técnicos.

Todo sucede dentro del estudio de televisión. El eje, cómo no, es Jack Delroy -David Dastmalchian-, pues todo gira en torno a él, potenciado con la lealtad de Gus McConnell -Rhys Auteri-, su compañero de pantalla. Entre cuatro paredes se palpa la tensión. El público presente al interior del set está feliz, aguarda entretención, la fiesta está por comenzar, todo es jolgorio. La competencia de audiencias es cada vez más brutal, el “rating” domina todo y lo es todo, por ello el principal esfuerzo es presentar casos especiales, que generen expectación y alarma, ad hoc a un programa de este tipo ubicado en la franja del trasnoche.

Dado lo anterior, no sorprende que se extremen posiciones debido a los ejemplos “en vivo” presentes en el programa. Deben impactar, no dejar indiferente. Da lo mismo si son ciertos o no, lo importante es que sean creíbles, o al menos tengan un alto porcentaje de verosimilitud. Además, hay dos instancias paralelas, una que refleja lo que sale al aire, y otra, lo que pasa tras bambalinas. Esas dos realidades van alternando y confrontándose al punto de ocasionar cruces inesperados e impensados.

Con una estética particular reflejada por sus colores, y con una textura de filmación que refleja la época, “Late Night with the Devil” posee un trasfondo interesante en varias de sus varias líneas y capas. Sin perder un estilo lúdico, como buen show televisivo que es y pretende ser, la cinta siembra dudas a pesar de no cerrar en forma consistente. ¿Qué es lo que vimos? ¿A qué responde? ¿Qué es qué? Como resumen ejecutivo, tenemos más suspenso que terror y más inquietud que miedo, y ambos aspectos en buenas dosis, lo que hace que todo funcione y funcione bien. Entretenida, una experiencia diferente, un pequeño baño de frescura para un género que parece agotarse rápidamente con cada nueva entrega.

Ficha técnica

Título original: Late Night with the Devil
Año: 2023
Duración: 93 minutos
País: Australia
Compañías: Future Pictures, Image Nation, Spooky Pictures. Productor: Joel Anderson
Género: Terror | Años 70. Posesiones / Exorcismos. Televisión. Metraje encontrado
Guion: Cameron Cairnes, Colin Cairnes
Música: Glenn Richards
Fotografía: Matthew Temple
Reparto: David Dastmalchian, Laura Gordon, Ian Bliss, Fayssal Bazzi, Ingrid Torelli, Rhys Auteri, Georgina Haig, Josh Quong Tart
Dirección: Cameron Cairnes, Colin Cairnes

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 19 de Julio 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Pablo Croquevielle en el Programa semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.

El Rey León - Por José Luis Nicolás

Simba es un cachorro de león que está destinado a ser el rey de la savannah africana, pero la extraña y trágica muerte del monarca Mufasa, su padre, lo obliga a huir lejos de su hogar. De esta forma nos aproximamos a El Rey León, una película de Walt Disney Pictures, estrenada en 1994.

El proyecto tuvo su origen en 1988, en aquel año un grupo de ejecutivos de la casa del ratón Mickey se propuso contar la fábula con un felino salvaje como protagonista. En seis años, el equipo que lideró esta enorme gesta animada, tuvo que aprender elementos básicos sobre la fauna y sus hábitats.

Después de meses de visitar bibliotecas, revisar enciclopedias y conversar con expertos en la materia, los ideólogos del filme cayeron en la cuenta que los leones no vivían en la selva, sino en la savannah. Para convencerse, viajaron a Kenia, ahí conocieron un dialecto llamado swahili y un concepto denominado Hakuna Matata (no hay problema). Esta constatación provocó el primer cambio importante: la película no se llamaría El Rey de la Selva (que era el título original del guión).

Tampoco generó consenso que el proyecto fuera bautizado como El Rey de las Bestias. Además, a algunos, dentro de Disney, no les agradó la idea de un Simba convertido en títere de su tío Scar, luego de la muerte de su padre.

Y toda esta indecisión en torno a la película pudo deberse a un sencillo motivo: En Walt Disney Pictures se estaban atreviendo, después de mucho tiempo, a inventar una historia, con todo lo que conllevaba.

Se especula que El Rey León estuvo inspirado en las hazañas bíblicas de José de Egipto y Moisés. Otros creen, a ojos cerrados, que en Disney se embriagaron con los diálogos de Hamlet, la obra de William Shakespeare, y de ahí obtuvieron el impulso que necesitaron para darle rienda suelta al relato animado.

Hay quien insinúa que en el estudio del eterno Walt, el proyecto El Rey León fue la segunda prioridad. Para los directivos de la compañía, la energía estaba concentrada en la producción de la película de una princesa aborigen llamada Pocahontas.

Sin embargo la voz de Mufasa alcanzó mayor profundidad e intensidad (que en inglés es la misma voz de Darth Vader: James Earl Jones). Además, la banda sonora de Tim Rice, Elton John y Hans Zimmer tuvo tanto éxito que se transformó en un fenómeno en sí mismo.

El Rey León es una cinta que enseña a los niños el respeto a los grandes, y a los grandes los instruye en la relevancia de los límites del poder. Esta es una película para toda la familia, y para cada uno de sus miembros. Para ver mil veces, y asombrarse siempre.

Disponible en Disney Plus.

Ficha Técnica

Título original: The Lion King
Año: 1994
Duración: 85 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Rob Minkoff, Roger Allers
Guion: Irene Mecchi, Jonathan Roberts, Linda Woolverton
Música: Hans Zimmer. Canciones: Elton John, Tim Rice
Fotografía: Animación
Compañía: Walt Disney Pictures

Un asunto familiar - Por Jackie O.

"Ser feliz"

Zara trabaja como asistente personal de la egocéntrica estrella de Hollywood Chris Cole, pero está cansada de que no la tome en serio para una promoción como productora, asistente, solo hace trabajos menores, y lo peor, conoce todas sus artimañas con las aventuras que tiene. Un día cansada, renuncia, pero Chris va a buscarla a su casa para que vuelva a trabajar con él, ahí conoce a su madre, Brooke, una renombrada escritora de 50 años, viuda, formal y muy guapa. Y mientras esperan a Zara, ellos entre copa y copa... las cosas se descontrolan.

Este añ0 se estrenó una película parecida: "La idea de ti", donde vemos a una mujer de 40 que se enamora de un famoso cantante 16 años menor que ella. Ahora, tenemos a una también madura y muy estupenda mujer, con un famoso actor 14 años menor que ella. Y a pesar de que tenemos un casting muy bueno en esta película, lamentablemente la química entre sus protagonistas no fluye del todo como en la película anteriormente nombrada.

La historia es interesante, los actores muy buenos, pero ¿qué falló entonces?

Con un guion simple, pero que pudo haber generado una comedia muy querida, donde una estupenda mujer mayor se enamora de alguien menor que ella, es una buena historia, pues el amor está en todas las edades y lugares, más cuando hablamos de una viuda que teme rehacer su vida; es darse y atreverse a tener una nueva oportunidad. Otro punto que tenía a favor para haber hecho un momento tensional dramático, es que no teniendo por qué meterse en las relaciones de la madre la hija, porque es bien mayor de edad, el problema es que era jefe de esta muchacha, por lo que ella sabe todas esa artimamañas que usa con cada relación que mantenía, y que era muy superficial al respecto, lo que la hace entrometerse y estar alerta de esta supuesta relación. Es para preocuparse.

 
O sea, estamos ante un buen guion, pero que lamentablemente no fluye. Los tiempos y la edición no conectaron, ya que hay situaciones que se producen muy rápido y no conocemos bien a todos los participantes de la cinta. Zac Efron y Nicole Kidman, que son grandiosos, no tienen química entre ellos, se ven forzados cada vez que están juntos, se siente plano, sin emoción. Además, no vemos una evolución en los personajes principales, salvo el de la hija, aunque igual es insufrible verla.

La historia de rehacer la vida amorosa y la diferencia de edad, me parecen buenos temas, pero que no supo, esta cinta, manejar adecuadamente.
Aun así, es una película para pasar un buen rato viendo rostros conocidos, y que sirve muy bien después de un largo día estresante, donde la mente ya no quiere pensar en nada más, solo dejarse llevar.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirección; Richard La Gravenese
Guion: Carrie Solomon
Fotografía: Don Burgess
Protagonistas: Nicole Kidman, Zac Efron, Joey King, Liza Koshy, Kathy Bates
2024

111 minutos

Hitchcock: El maestro del suspenso - Por Alejandro Caro

Sinopsis: En la cima de su carrera como director, Alfred Hitchcock (Anthony Hopkins) decide filmar una película de suspenso aparentemente de baja categoría. Ningún estudio apoya el proyecto, así que Hitchcock decide financiarlo él mismo y rodarla con un equipo barato de TV. El resultado fue un fenómeno internacional y una de las películas más famosas e influyentes de la historia.

El suspenso de este director te mantiene el borde de la incertidumbre por saber lo que vendrá, con lo cual se ganó el nombre de maestro en este género cinematográfico, que en su momento causó en los espectadores esa intriga por saber y conocer el clímax del filme.

Gervasi va haciendo un recorrido por la filmación de la icónica película de suspenso Psicosis, tanto en la caracterización de los personajes como con unas pinceladas de la psicología de ellos y su trama.

Por otra parte, va retratando a Hithcock en su carácter, fortalezas y debilidades, en sus relaciones con los que le rodean, tanto su esposa como con su equipo de trabajo.

Con una buena caracterización de los personajes, tanto Hopkins, Mirren y Johansson con excelentes actuaciones, y cada cual en lo suyo le otorgan la verosimilitud que se espera de sus actuaciones.

Todo lo anterior, con buena fotografía, nos conduce al menos por momentos a apreciar la creación de un filme en su creación por dentro, y veremos que no esta tarea fácil. Aunque si se tiene el propósito y la convicción se puede lograr, no antes sin renunciar a algunas cosas de la vida.

Finalmente, es una historia para conocer de unos de los grandes de la filmografía mundial.

Disponible en Star Plus.

Ficha técnica

Hitchcock (Alfred Hitchcock and the Making of 'Psycho')
Año: 2012
Duración: 98 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Sacha Gervasi
Guion: John McLaughlin, Stephen Rebello. Libro: Stephen Rebello. Biografía sobre: Alfred Hitchcock.
Reparto: Anthony Hopkins, Helen Mirren, Scarlett Johansson, James D'Arcy, Jessica Biel, Toni Collette, Danny Huston, Michael Stuhlbarg, Kurtwood Smith, Richard Portnow.
Música: Danny Elfman
Fotografía: Jeff Cronenweth
Compañías: Fox Searchlight, The Montecito Picture Company
Género: Drama, biografía, cine dentro del cine, Años 50, 60

Premios

2012: Premios Oscar: Nominada a Mejor maquillaje y peluquería; Globos de Oro: Nominada a Mejor actriz drama (Helen Mirren); Premios BAFTA: 2 nominaciones: Mejor actriz (Helen Mirren) y maquillaje; Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actriz (Helen Mirren)

La otra cara de la Luna - Por Elizabeth Salazar T.

"Una mirada diferente de la carrera espacial"

El 20 de julio de 1969, sucedió un hecho histórico, el hombre llegó a la Luna en el Apolo 11. Este filme trata acerca de la forma en que lograron conseguir esto, pero se detiene en algo en particular. Llamados para mejorar la imagen pública de la NASA, las chispas vuelan en todas las direcciones cuando la prodigio del marketing Kelly Jones (Scarlett Johansson), causa estragos en la ya difícil tarea del director del lanzamiento Cole Davis (ChanningTatum). Cuando la Casa Blanca considera que la misión es demasiado importante para fracasar, Jones recibe la orden de simular un alunizaje falso como respaldo, comenzando la verdadera cuenta atrás.

Esta comedia nos muestra en forma divertida, pero también emotiva, la carrera espacial, el gran equipo de personas que trabajo en conseguir este logro. El director Cole Davis arrastra el peso de fracasos anteriores y siente temor a repetir errores, por otro lado, está Kelly, que muy por el contrario es arriesgada y no teme hacer lo que sea, con tal de conseguir sus propósitos. Esta dupla, a pesar de las diferencias, cada uno aporta con sus conocimientos y talentos.

Recordemos que Estados Unidos quería ganar la carrera espacial a Rusia, por lo que la presión para tener éxito era inmensa. Los ojos del mundo estaban puestos sobre la NASA y el Apolo 11, por lo que deciden hacer una filmación que aseguraba mostrar con éxito el descenso de los astronautas en la Luna. En internet, han circulado comentarios y videos que muestran una falsa llegada del hombre a la Luna, por lo que esta película, con una mezcla de realidad y ficción, profundiza en las razones que podrían haber motivado el plan B del gobierno de los Estados Unidos para esto.

Este filme nos traslada a la década del sesenta, con su ambientación, música, vestuario, peinados y el colorido, es un viaje nostálgico que se disfruta mucho. Así también, la química que tienen sus protagonistas, aunque considero que Scarlett Johnsson luce mucho más que su compañero Channing Tatum, tal vez porque su personaje es más extrovertido. Además de actuar ella también, aparece acreditada como productora.

Uno de los logros de esta película es hacernos emocionar en algunas escenas, que recrean de muy buena forma lo que significó que Neil Armstrong fuera el primer hombre en la Luna, tal como él mismo dijo: “Un pequeño paso para el hombre, un gran salto para la humanidad”. Tiene humor, romance y emoción.

Director: Greg Berlanti
Duración: 132 Minutos
Distribuye: Andes Films

Drive my Car - Por Juan Pablo Donoso

Largometraje japonés multifacético, con muchos niveles de lectura, donde la obra teatral Tío Vania, de Anton Chejov, ilumina los destinos de dos almas atormentadas.

Al igual que con La Rueda de la Fortuna y La Fantasía (SIGNIS - enero - 2023), el realizador Hamaguchi, con extrema delicadeza, abre los espacios para que los personajes expresen lo más íntimo de sus corazones.

Todo sucede mientras Yusuke, prestigioso actor y director teatral, es invitado a montar nuevamente Tío Vania para un festival en Hiroshima. Dos años antes, protagonizando con éxito esta misma obra, sufrió la muerte de su querida esposa Oto, contra la cual guardaba un contenido resentimiento.

Los organizadores, junto con alojarlo en un bello departamento junto al mar le imponen, por motivos de seguridad, una joven y arisca muchacha llamada Misaki, como chofer de su auto.

Estos dos personajes, más un joven galán, serán los protagonistas del drama.

El filme entero - con sus casi tres horas de longitud - es un proceso de purificación y despertar a la realidad que atormenta a esas almas prisioneras de su complejo de CULPA.

Será el auto - en sus largos recorridos por las carreteras de Hiroshima - el CLAUSTRO uterino donde se gestará la luz definitiva para aquellos seres sumergidos en el misterio de su dolor.

El título encierra la metáfora del proceso. El minucioso desarrollo del montaje de la obra teatral de Chejov hace posible la realización espiritual hacia una sabiduría superior.

Lo más admirable es que la catarsis se manifiesta en el texto final dicho por una actriz MUDA.

El famoso monólogo de Sonia para consolar a su tío Vania dicho solo con señas manuales logra  por fin, traer conformidad a los protagonistas y - de rebote - iluminar también el dolor de conciencia de la joven Misaki para darle sentido a su vida futura.

La película, con la calma y los detalles precisos, comunica con toda su fuerza, el mensaje redentor de la obra clásica de Chejov.

UN TESTIMONIO DE VERDADERA CATARSIS EN EL SENTIDO CLÁSICO DE LAS TRAGEDIAS GRIEGAS. UNA JOYA DEL CINE.

Ficha técnica

Título Original: ドライブ·マイ·カー 

2021 Drama, teatro Japón - 2, 59 hrs. 

Fotografía: Hidetoshi Shinomiya 

Edición: Azusa Yamazaki 

Música: Eiko Ishibashi 

Diseño Prod.: Hyeon-Seon Seo 

Guion: Haruki Murakami(cuento),Ryûsuke Hamaguchi, Takamasa Oe 

Actores: Hidetoshi NishijimaTôko MiuraReika Kirishima 

Director: Ryûsuke Hamaguchi

De noche con el diablo - Por Elizabeth Salazar T.

"Todo por el rating"

Bajo este provocador título, llega este estreno que es toda una experiencia ver. Se encuentra ambientado durante la noche de Halloween de 1977, en el set de televisión del programa "Night Owls", donde ocurrieron algunos eventos aterradores... El presentador Jack Delroy (David Dastmalchian), está decidido a impulsar el rating de su programa televisivo. Para lograrlo, invita al set a Lily (Ingrid Torelli), una joven que cree estar poseída. Durante la transmisión del programa, inexplicables imprevistos comienzan a perturbar a Jack y a los invitados. A medida que avanza la noche y Lily se hace presente, fuerzas diabólicas se apoderan del programa, desencadenando una escalofriante espiral de terror y confrontación con lo desconocido…

Este filme de terror nos muestra que en televisión, y podríamos agregar también, en las redes sociales, hay personas que no tienen límites en lo que son capaces de hacer para lograr obtener éxito en el rating. Tiene una trama original, que juega con el espectador hasta el final, de a poco nos va dando información, con los entrevistados del programa, que en vez de aclararnos logra hacer más confuso lo que sucede. Igualmente, Jack resulta un personaje enigmático y atractivo que nos hace preguntarnos, ¿cuál es la clave de su éxito?

Con un gran elenco, encabezado por David Dastmalchian como Jack, que logró captar el estilo y los ademanes de los animadores de la época, quien realiza una excelente interpretación; La joven Ingrid Torelli como Lily, también hace una buena interpretación, sus expresiones faciales estoy segura que no olvidará. Igualmente, está bien en su rol Laura Gordon como la psicóloga June Ross-Mitchel, que trata de ayudar a Lily, es su tutora, y quien controla que los trances de la joven.

Una de las cosas que llama la atención es la excelente ambientación que tiene este filme, el vestuario, los colores, el escenario del programa, la decoración y la forma en que lo realizan, representa muy bien a los que hacían los años setenta. Además, cuenta con una muy buena fotografía.

Esta es una de esas películas cuyo desenlace lo dejará con la boca abierta, pero además lo sorprenderá el desarrollo del guion. Es provocadora, desconcertante, diferente y lo mantendrá en suspenso hasta el final.

Directores: Cameron Caimes y Coilen Caimes
Duración: 93 Minutos

Fotograma: Una película de Michael J. Fox - Por Jackie O.

"Cuando la vida te desafía"

Un actor querido no solo por su personalidad, sino porque representó roles que fueron queridos por todos.
Nació en una familia de esfuerzo, hizo deporte y fue alumno regular, pero su apariencia lo hacía ver menor que el resto, lo que era objeto de burlas. Hasta que conoció el teatro y un profesor lo alentó a la primera audición. Por increíble que pareciera para este joven de 16 años, sus padres lo apoyaron, y así siguió tomando roles pequeños como actor infantil en la década del 70, hasta que llegó a los Angeles, la cuna de las estrellas, y aunque pasó muchas penurias llegó el papel que le dio el salto a la fama: interpretar a Alex P. Keaton en la comedia de Family Ties (1982-1989). Eso hizo el cambio, ya era conocido, y de ahí vino Marty McFly, en la trilogía cinematográfica Back to the Future (1985-1990). Hacía ambos trabajos a la vez, necesitaba ser reconocido, y lo hizo. Un joven con aspecto de niño, cuya cara ya estaba en todas las portadas, su familia lo acompañaba, que sí, también fue un rebelde que chocó varias veces el auto de su padre, que cayó en el alcohol, y que se enamoró no solo de su trabajo, sino que de su coprotagonista de serie. Amor que hasta hoy se mantiene.

Hasta que un día, uno de los dedos de su mano no dejaba de moverse, un diagnostico inimaginable, en 1991, cuando estaba en la cúspide de la fama le diagnostican la enfermedad de Parkinson. El mundo se le vino encima. Pero de todas formas siguió trabajando, era una estrella del espectáculo, lo es aún, pero a nadie le contó, salvo a su familia. Lo ocultó lo que más pudo.

Un documental muy bien editado, ya que es contado en primera persona. Vemos a Michael J. Fox respondiendo las preguntas del periodista pero de una forma muy amena, como es él, natural y espontáneo, ya lidia con esta enfermedad, pero nos cuenta cómo le costó, cómo le cuesta mantenerse.
Vemos escenas de películas y series que se mezclan con el relato, muy bien editado, insisto. Además de entrevistas y fotos de archivo vemos su día a día, lo escuchamos.

Un actor que trabajó hasta lo que su cuerpo pudo soportar, prestó su voz para animados y escribió libros. Fue premiado por sus trabajos y actos comunitarios.
Se retiró oficialmente en 2020 debido a su deterioro de salud.

Estamos ante el relato de una estrella que sintió que se apagaría, que cayó en la oscuridad, una cruda y real historia, especialmente cuando habla de sus luchas y sus fuertes emociones de humillación, ira, depresión y ansiedad al enterarse por primera vez de su diagnóstico de enfermedad de Parkinson. De cómo se sintió avergonzado con su diagnóstico, que lo ocultó al público durante varios años antes que finalmente pudo reunir el coraje para revelarlo fuera de su familia. Pero que ayudado por su familia y esa fuerza de avanzar, no se apagó. Y acá nos cuenta cómo se levantó, cómo cada día es un desafío.

Gran trabajo de un gran artista, para reflexionar sobre la salud, una cinta amena para conversar y entender al prójimo.

Esta cinta ganó el premio a Mejor Película Documental de National Board of Review y recibió siete nominaciones en los 75.º Premios Primetime Emmy, incluyendo Mejor Documental o Especial de No Ficción, y cinco nominaciones (finalmente ganándolas todas) en los 8.º Premios Critics' Choice Documentary, incluyendo Mejor Largometraje Documental.

Disponible en Apple TV+

Ficha técnica

Still: A Michael J. Fox Movie
Director: Davis Guggenheim
Cinematografía: C. Kim Miles
Edición: Michael Harte
Musica: John Powell
2023

95 minutos

Una casa patas arriba - Por Bernardita Santander Navarro

Sinopsis: Nick y Suzanne, son una joven pareja con hijos que un día deciden mudarse a una casa más grande, pero que lamentablemente que necesita arreglos. El problema es que su nueva vida se verá totalmente trastornada por la influencia del corredor de propiedades que se las vendió, ya que curiosamente es el único habilitado en todo el pueblo para arreglarla.

Esta película del año 2007, que curiosamente está en el número ocho de las más vistas de Netflix, nos presenta una realidad que le podría pasar a cualquier familia: verse en la necesidad de cambiarse de casa porque el espacio donde viven ha hecho su vida realmente insostenible.

Sin embargo, esto que parece ser tan sencillo, se convertirá en algo tremendamente preocupante cuando se den cuenta que la casa que le compraron a un extraño corredor de propiedades, solo puede ser arreglada por este mismo vendedor. Una persona tremendamente odiable, pero al mismo tiempo muy humano, llamado Chuck.

Este personaje es interpretado por John C. McGinley, y es aquí donde me gustaría hacer énfasis, ya que con su gran interpretación podemos decir que es el verdadero protagonista de esta cinta, dado que logra incomodar completamente al espectador, con su extraña lógica y manipulación.

Cabe destacar que esta producción cinematográfica, que está al borde del absurdo, logra en algunos momentos sacar algunas risas y sonrisas, pero en otros momentos no es tan divertida como otras comedias que han saltado a la fama en el mundo del cine.

En este sentido, como no todo puede ser tan positivo, tengo que decir que en algunos momentos esta producción es aburrida. Incluso dan ganas de apagar el televisor, especialmente con lo odioso que puede ser el personaje de John C. McGinley.

Por otra parte, me gustaría mencionar que la cinta tiene un curioso problema de continuidad, dado que en un plazo de seis o siete noches en la película, el personaje de Suzanne, que es interpretado por Nia Long, ya tiene nueve meses de embarazo. Algo totalmente irreal, por lo que a pesar de ser un guion sencillo, uno se complica al pensar constantemente en este error.

No obstante, algunos temas que se tratan en la película, como la unión para enfrentar los problemas, el perdón y la empatía, hacen que se pueda ver en familia, durante el fin de semana, cuando ninguna otra alternativa de la plataforma te convenció.

Disponible en Netflix y Prime Video.

Ficha técnica

Título original: Are We Done Yet?
Año: 2007
Duración: 92 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Steve Carr
Guion: Hank Nelken.
Reparto: Ice Cube, Nia Long, John C. McGinley, Aleisha Allen, Philip Daniel Bolden.
Música: Teddy Castellucci
Fotografía: Jack N. Green
Compañía: Revolution Studios
Género: Comedia, cine familiar.