miércoles, 31 de enero de 2024

Vidas Pasadas - Por Carlos Correa Acuña

En Seúl, Corea del Sur, Na Young -Greta Lee-, y Hae Sung -Teo Yoo-, son dos compañeros de curso que se tienen mucha simpatía. Incluso, es posible que sea un poco más que una simple amistad, sin embargo todo queda a medias cuando sus caminos de separan abruptamente pues los padres de Na Young deciden emigrar a Canadá en busca de mejores oportunidades para la familia. Los recuerdos que dejan atrás son imborrables, un tiempo lleno de sueños e ideales queda postergado; una pérdida insustituible, aunque, por cierto, y desde otra perspectiva, el tiempo que está por venir se presente como ganancia a futuro.

Pasan doce años sin tener contacto alguno. En ese momento, él la comienza a buscar en redes sociales hasta que la virtualidad los vuelve a reunir. El tiempo ha transcurrido, pero los afectos se han mantenido y han perdurado. Los contactos a través de audio y video se hacen más y más frecuentes, y en ese momento viven un tiempo de acompañamiento y se proyectan cuando exploraran la posibilidad de viajar a verse, o a Nueva York o a Seúl, lo que no pueden concretar por razones diversas.

Nuevamente transcurren doce años más, y esta vez las situaciones de vida de ambos han cambiado totalmente. Nora -ya se ha cambiado su nombre para adaptarse a su estadía en occidente-, está casada con un exitoso escritor, y Hae Sung se encuentra de novio, aunque acaba de poner pausa en su relación. Un reencuentro presencial en Nueva York los pone en jaque, pues deberán enfrentar a sus recuerdos y revisar las decisiones que cada uno ha tomado a lo largo de su vida.

Escrita y dirigida por Celine Song, en su debut como directora, “Past Lives” sigue a dos amigos de infancia a lo largo de 24 años. Como obra semiautobiográfica, está inspirada en hechos reales de la vida de Song, y tal vez por eso es que se siente tan íntima y tan cercana. Hablamos de una cinta que se basa en sentimientos y emociones, marcas profundas e intensas que dan forma a un vínculo que dos personas han formado desde su más temprana edad. El paso del tiempo no ha logrado diluir la fuerza motriz de una atracción vital, un lazo invisible y poderoso que de pronto pone en tela de juicio todo aquello que creían sólidamente edificado.

Celine Song es sutil en la forma de conducir el relato, tanto en la narrativa como en la filmación de cada una de sus escenas y secuencias. Casi no nos damos cuenta y ya estamos en el encuentro presencial, donde la naturalidad de ella y el nerviosismo de él no hace más que representar lo importante y definitorio que resulta ser ese momento para la vida de ambos. Lentamente, y de manera casi imperceptible, van despertando y aflorando nudos de conflicto en una historia que primero nos compromete emocionalmente y que luego, al desplegar sus cartas, provoca genuina empatía.

La tensión va siempre “in crescendo”, es interna, sin bulla, subyacente, y su punto máximo es alcanzado cuando los temores y miedos atacan la línea de flotación de la seguridad personal. Es el encuentro de los tres (Hae Sung, Nora, y su marido Arthur -John Magaro-), el momento más tenso de la cinta, escena que vemos dos veces desde ópticas distintas, primero sin saber nada, y luego, cuando ya conocemos el movimiento de algunas de las piezas del tablero. Varias posibles resoluciones y un final precioso es la corona perfecta para un relato que va de menos a más, y que logra emocionar sin recurrir a grandes trucos o elaboradas herramientas, apelando a lo simple y a lo natural por encima de cualquier complejidad argumental, es decir, directo al corazón.

“Vidas Pasadas” es una película que se expresa más en aquello que no se habla y no se dice. En el fondo, es una historia sobre lo que pudo ser, lo que no fue, y quizás, lo que será. Las capas del “In-Yun”, esas conexiones entre las personas que se atraen por el destino o la causalidad, resultan sustantivamente descriptivas porque el centro, indudablemente, es el amor, pero no cualquier amor, un amor maduro, reflexivo, y con una fuerza capaz de mover montañas. El resultado final es tan gráfico como esta misma descripción, porque la aceptación le hace frente a la renuncia, las decisiones superan las dudas, y la convicción logra vencer todo tipo de incertidumbre.

Ficha técnica

Título original: Past Lives
Año: 2023
Duración: 105 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Corea del Sur; 2AM, A24, CJ Entertainment, Killer Films. Distribuidora: A24
Género: Romance. Drama | Drama romántico
Guion: Celine Song
Música: Christopher Bear, Daniel Rossen
Fotografía: Shabier Kirchner
Reparto: Greta Lee, Teo Yoo, John Magaro
Dirección: Celine Song

martes, 30 de enero de 2024

Un billón de dólares - Por Jackie O.

¿Qué harías si fueras la persona más rica del mundo?

Sinopsis: John, un mensajero de Berlín, recibe la visita de un abogado, le dicen que es heredero de un billón de dólares amasados ​​durante los últimos quinientos años. Sin embargo, esta riqueza está ligada a una profecía.


El guión de Stefan Holtz y Florian Iwersen está basado en la novela homónima de Andreas Eschbach, publicada en el año 2001.

John es un veinteañero que trabaja como mensajero en bicicleta en Berlín, y aunque su trabajo está mal pagado, le gusta la libertad que eso conlleva. Vive con su mejor amigo y ambos están llenos de deudas pero se las arreglan. Hasta que un día recibe la noticia que es el heredero de una fortuna invertida hace más de 500 años. Eso ha hecho que con el tiempo, esto haya aumentado a más de un billón de dólares, a través de los intereses.

Cuando aparece un misterioso sujeto a su puerta, John inicialmente piensa que la información es una broma de mal gusto, pero le sigue el juego hasta que se percata que puede ser algo cierto cuando fácilmente le entrega dinero y le señala que lo llevará al lugar donde podrá hacer efectiva su herencia. Sigue el juego ante la negativa de su amigo que le dice que puede ser una trampa, que se cuide. Pero John no tiene nada que perder.
Al viajar en un avión privado y llegar su destino, Italia, se confirma oficialmente que es el heredero legítimo, lo que lo convierte en la persona más rica del mundo.
No entiende nada, pero un sujeto de apellido Fontanelli, su antepasado, efectuó una predicción, y es que su heredero será aquel que en el año 2023 debe ser mayor de edad, y él lo herederá todo, siempre y cuando cumpla su profecía, que es que se debe devolver a la humanidad su futuro perdido, pues habrá un caos y todo estará perdido. Para eso es el dinero.
Y John cree poder hacerlo.

Pero hay más de esta profecía y este dinero de tantos años guardado. La familia Vacchi ha cuidado de esta herencia y de que se cumpla la profecía, por supuesto que viviendo cómodamente a costa de ella.
El heredero debía elegirse el año 2023, y será el más joven de todos en ese momento. John es el mas joven de cuatro, los otros tienen días más de edad que él. Uno de ellos está en Asia pero curiosamente fallece, otro en Florencia también muere en un extraño accidente; a John también intentan matar pues un grupo inescrupuloso quiere que Luc, sea el heredero porque lo han preparado para ello. Pero John logra salvarse y es resguardado.
Cuando John sabe sobre las consecuencias después de peligrosos episodios, acepta la fortuna, en donde deberá tener un perfil bajo y pensar en cómo ayudar al más necesitado. Pero ocurre lo obvio, gasta en enormes fiestas y regalos para sus amigos y hermano, no pensando en consecuencias. Los Vacci buscan que mantenga calma, pero es una locura, tanto dinero, hay que aprovecharlo.
Buscan centrarlo, bajo protesta y amenazas.

Pero la idea, y lo que la profecía vio venir, fue destrucción de la humanidad, y John con ese dinero debe salvar el planeta para que no se hunda en la miseria.
Por supuesto que aparecen docenas de inversionistas, muchos proponiéndole negocios y él no tiene idea de nada. Franca Vacci se trasforma en su aliada, pero ¿podrá confiar en ella y en los que lo rodean?

Una serie que nos habla de las consecuencias de la ambición desenfrenada, de tener el poder para hacer cambios, y la búsqueda de riqueza a cualquier precio.
De muchos temas financieros, de cómo el dinero puede aumentar o irse perdiendo, del abuso de poder, el control de las entidades bancarias, pero además de contaminación ambiental, el cambio climático, el capitalismo financiero desatado y la amenaza constante de poderosos oponentes.

La historia es interesante, pero su guión deja agujeros al no profundizar en algunos temas y personajes.
La puesta en escena está muy bien tratada, llena de diferentes hermosos lugares en el mundo, grandes jardines y desiertos mortales hacen bellas fotografías. No abusaron de los efectos visuales y eso se agradece, incluso los que hay se ven elegantes.
Los actores son buenos, pero no empatizas con ninguno. Es raro.
Muchas intriga y acción bien dosificada.
 
Con un final abierto que da pie para una segunda temporada, que no está confirmada, pero sería bueno para tratar temas y personajes que quedaron al debe.

Y tú, ¿qué harías con un billón de dólares para salvar a las humanidad?

Disponible en Paramount +

Ficha técnica

Título original: Eine Billion Dollar
País: Alemania
Idioma original: Alemán , Inglés , Italiano
Dirección: Florian Baxmeyer , Isabel Braak
Género: Adaptación cinematográfica literaria , thriller
Año: 2023
Duración: 50 minutos por episodios.
6 capítulos.
Personajes:
Philip Froissant: John Fontanelli
Alessandra Mastronardi: Franca Vacchi
Oliver Masucci: Malcolm McCaine
Greta Scacchi: Elena Vacchi
Nicolò Pasetti: Vince Holtz
Mariam Hage: Deyna Pohlmann
Louis Nitsche: Lino Pohlmann

lunes, 29 de enero de 2024

Masha y el Oso: el doble de diversión - Por Carlos Correa Acuña

Cinco historias inéditas conforman esta película sobre la pequeña e intrépida niña y su inseparable amigo y compañero de ruta. Producida por “Animaccord Animation Studio”, “Masha y el Oso” ha sido una de las series infantiles más vistas en el mundo, probablemente por su característica principal: no incluye personajes malvados ni violencia.

Sin contar con un hilo conductor, o con una unidad básica, los cortos ofrecidos fluyen naturalmente. La trama se desarrolla en la ciudad, donde vemos al oso trabajar como fotógrafo de bodas para poder cumplir con su sueño de tener un yate para recorrer el océano. En la segunda, Masha y su amiga pingüina se sumergen en juegos que estimulan sus fantasías, mientras que el oso comparte ese mundo con ellas. La tercera parte sigue a unas abejas sobrealimentadas por Masha, que necesitan ejercicio para recuperar su vitalidad. El cuarto episodio tiene que ver con la visita del tigre con el que el oso trabajaba en el circo y con unos actos de magia que ellos improvisan para encanto de Masha y de sus amigos del bosque. Y el episodio final se relaciona con la Navidad y con otro cuento ruso tradicional conocido como “Los hermanos doce meses”, el que incluye a un grupo de magos.

En palabras de Oleg Kuzovkov, creador de “Masha y el oso”, “el tema de la relación entre un niño y un adulto es eterno, y las situaciones de la serie suceden, probablemente, con todos, por lo que no hay nada de sorprendente en tanta simpatía por la serie animada. Además, la calidad de la animación y la música, que es una rareza para los proyectos en serie modernos, también cumplen su función. A partir de los comentarios de la audiencia, está claro que exactamente la misma Masha está en todas las familias”.

Adorables personajes y entretenidas historias es una buena combinación, sobre todo para los más pequeños de la casa. Y ver esto en pantalla grande, hace que la experiencia sea realmente el doble de diversión, como propone el título de esta película animada, un evento especialmente pensado para pasar un buen tiempo en vacaciones.

Ficha técnica

Título original: Masha and the Bear: Twice the Fun
Año: 2023
Duración: 80 minutos
País: Rusia
Compañías: Animaccord Animation Studio
Género: Infantil. Comedia | Osos. Animales. Película de episodios
Guion: Dmitry Gordinsky
Reparto: Animación
Fotografía: Animación
Dirección: Vasiko Bedoshvili, Artyom Naumov, Natalya Berezovaya

Pobres Criaturas - Por Juan Pablo Donoso

Una extraña, hermosa y perturbadora obra de arte.

El tema central es simple y claro. Son las imágenes y el tratamiento los que convierten esta fábula en una joya multifacética.

En plena época victoriana se ataca la alienación histórica y social. Liberación femenina bullente, galopando a horcajadas sobre el anhelo de dignidad personal.

Por sus películas anteriores conocemos el deleite de Yorgos Lanthimos por escudriñar los rincones sádicos de la realidad (Langosta, El Sacrificio del Ciervo Sagrado).

Entramos en el mundo alucinado del Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe). Lo llaman God porque, como un “dios” deforme e impotente, altera la genética de animales obteniendo híbridos monstruosos. Cría y manipula criaturas, ahora más espurias y desdichadas que en sus naturalezas originales.

En su delirio científico, introduce en el cráneo vacío de una mujer suicida el cerebro del feto que traía en sus entrañas. Así se inicia la existencia de Bella Baxter (Emma Stone), mujer adulta que comienza comportándose como bebé y va, gradualmente, evolucionando hacia una nueva personalidad.

El cerebro nuevo, en el cuerpo de la decimonónica, desarrollará un apetito insaciable por explorar el mundo y elaborarse una vida propia.

Como una versión femenina de "La Naranja Mecánica", ambos relatos tratan el concepto de libre albedrío en medio de una sociedad opresiva.

En su lenguaje visual y narrativo, Lanthimos recurre a la audacia insolente de maestros anteriores como Max Ophuls, David Lynch, Fellini, Ken Russell, Jodorowsky y Buñuel.

Maravilloso ludismo fotográfico. Mezcla blanco/negro y color con panoramas de una arquitectura barroca bellamente escogida. Es como el sueño capturado de una pintura, y luego puesto en acción.

Surrealismo en Londres, realismo mágico en Lisboa, filosofía escéptica en un barco, y a la vez brutal y poética existencia en París.

Cada vez más eximia Emma Stone, como Bella. Reencuentro con la anciana y legendaria Hanna Schygulla (musa de Fassbinder), y una irreconocible Katherine Hunter, como la sabia regenta del prostíbulo. Y la novedosa incursión actoral de un Mark Ruffalo (Duncan), que oscila entre el cínico machismo de la época y la fragilidad de un corazón enamorado.

A medida que el personaje de Bella Baxter evoluciona e interactúa con la hipocresía del mundo y la sociedad, los trajes diseñados por la galardonada Holly Waddington reflejan el despertar social y erótico de la nueva criatura cada vez menos “pobre”, que va surgiendo.

Para Lanthimos, el libre albedrío es tan necesario como el aire que respiramos y, por ello desafía a la supuesta "sociedad educada".

Crudeza, elegante decadencia, desquicio civilizado. Caleidoscopio de metáforas y detalles, unos dentro de otros.

Tal vez para muchos espectadores sea un plato contundente demasiado tóxico, en fondo y forma.

SÓLO EL AMOR DE UN DIOS DEFORME E IMPOTENTE PODRÍA REDIMIR A SUS POBRES CRIATURAS OTORGÁNDOLES EL DON DE LA LIBERTAD PARA SUPERAR SUS ATADURAS, Y CONQUISTAR, POR FIN, SU PROPIA DIGNIDAD.

Ficha técnica  

Título Original: Poor Things
2023 Tragicomedia, romance, ciencia ficción
Irlanda, Reino Unido, EE.UU. - 2,21 hrs 
Fotografía: Robbie Ryan 
Edición: Yorgos Mavropsaridis 
Música: Jerskin Fendrix 
Diseño Prod.: Shona Heath, James Price 
Guion: Tony McNamara, Alasdair Gray 
Actores: Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe 
Director: Yorgos Lanthimos

Nominaciones y Premios

81ª Globos de Oro (2024) - Películas del 2023
ganadora Mejor película - Comedia o musical
nom. Mejor dirección (Yorgos Lanthimos)
ganadora Mejor actriz principal - Comedia o musical (Emma Stone)
nom. Mejor actor de reparto (Mark Ruffalo)
nom. Mejor actor de reparto (Willem Dafoe)
nom. Mejor guión (Tony McNamara)
nom. Mejor banda sonora original (Jerskin Fendrix)

80 Festival de Venecia 2023
ganadoraLeón de Oro - Mejor película

28 Satellite Awards (International Press Academy) - 18 Febrero, 2024
nom. Mejor película Comedia o Musical
nom. Mejor dirección (Yorgos Lanthimos)
nom. Mejor actriz principal - Comedia o Musical (Emma Stone)
nom. Mejor actor de reparto (Mark Ruffalo)
nom. Mejor guion adaptado (Tony McNamara)
nom. Mejor montaje (Yorgos Mavropsaridis)
nom. Mejor banda sonora (Jerskin Fendrix)
nom. Mejor vestuario (Holly Waddington)

30º Premios del Sindicato de Actores (SAG) (Películas de 2023)
nom. Mejor actriz (Largometraje) (Emma Stone)
nom. Mejor actor secundario (Largometraje) (Willem Dafoe)

Sindicato de Productores (PGA) 2024 - Producciones del 2023
nom. Mejor película

Sobrevivientes después del Terremoto - Por Juan Pablo Donoso

Alegoría hipotética coreana inteligente, muy bien actuada y realizada.

Su nombre original entrega la base de la fábula: Utopía de Concreto. Aunque en realidad es una evidente “distopia”(sociedad imaginaria bajo un poder totalitario).

Es “alegórica” porque sumerge a sus personajes en una circunstancia imaginaria y sin aparente solución.

Y es “hipotética” porque nos obliga a preguntarnos: “¿qué haríamos nosotros en su lugar?”.

Como dice el título en español, es una instancia extrema de SOBREVIVENCIA colectiva. Un dilema sociológico donde cada personaje debe tomar decisiones rotundas.

En pleno invierno hay un gran terremoto en Seul. La ciudad entera queda destruida. Solo permanece - milagrosamente - en pie un edificio de departamentos. Ante la llegada masiva de familias forasteras que buscan refugio los residentes, para sobrevivir, deben decidir si acoger o rechazarlos.

Dilema también alegórico, - de plena actualidad - para las naciones desarrolladas ante la inmigración masiva de familias que huyen del hambre, o de la opresión, de sus propios países.

Ante una catástrofe las personas, por muy civilizados que estén, o parezcan, optan por reaccionar de dos maneras: a) por impulso instintivo, e individual, de SOBREVIVIR como sea, o, b) obedecer al candente impulso de SOLIDARIDAD ante el prójimo desvalido y sufriente.

En esta película presenciamos ambas opciones y comportamientos. Y está concebida con tanta humanidad que solo sentimos compasión y empatía por quienes toman cualquiera de los caminos.

¿Por qué, en un país tan económicamente dotado, nunca hubo siquiera un atisbo de autoridad gubernamental que rescatara a los habitantes? Licencia alegórica del autor para exponer su premisa de fondo: “los instintos primitivos del ser humano ante el peligro de destrucción”.

Particular situación que revela lo mejor y lo peor de los seres humanos.

Aunque hay muchos personajes, en ningún momento los percibimos como masa, o muchedumbre. Hasta los más pequeños, y secundarios, transmiten sus dilemas vitales y de conciencia.

Admirable puesta en escena de tan inmensa metrópolis reducida a escombros. Elaborada producción porque los personajes caminan e interactúan entre las ruinas. Si se recurrió a efectos especiales, para conseguir verosimilitud, el resultado fue magnífico. Y otro tanto apreciamos de la banda sonora original.

El líder, aclamado al comienzo como “salvador” - caerá pulverizado víctima de sus “pies de barro”. La pareja central - símbolo de Amor mutuo se abre a la caridad con el prójimo. El poético advenimiento de una misteriosa muchachita desvalida que irrumpe en la comunidad trayendo una verdad solo destinada a su propia autodestrucción.

Los parias -criaturas que vagan entre los escombros exteriores del refugio - simbolizan al comienzo una evidente amenaza, para revelarse al final como seres capaces de aportar salvación a nuestra heroína.

Nuevo testimonio de la misteriosa naturaleza humana que, en situaciones límites, logra redimirse invitándonos a evitar prejuicios tajantes y lapidarios.

ALEGORÍA HIPOTÉTICA PROFUNDAMENTE HUMANA. RELATADA CON GRAN CLARIDAD, EN MEDIO DE LA COMPLEJIDAD DE UNA TRAGEDIA. NOMINADA A MUCHOS PREMIOS INTERNACIONALES.

Ficha técnica    

Título Original: 유토피아 콘크리트- 
2023 Drama, ciencia ficción, suspenso Corea del Sur - 2,10 hrs 
Fotografía: Cho Hyoung-rae 
Edición: Han Mi-yeon 
Música: Kim Hae-won 
Productor: Byun Seung Min 
Guion: Tae-hwa Eom, Lee Shin-ji 
Actores: Lee Byung-hun, Park Seo-joon, Park Bo-young 
Dirección: Tae-hwa Eom

sábado, 27 de enero de 2024

Pobres Criaturas - Por Jackie O.

"Un viaje bizarro, desde las entrañas del ser humano"


Basada en la novela homónima de Alasdair Gray, publicada en 1992, se centra esta película donde su director hizo volar su imaginación, mezclando una variedad de géneros para hacernos alucinar en un mundo, tal vez, salido de un cuadro de Gaudí con fantasía Burtoriana.

El Dr. Baxter, es un medico-científico-loco-extravagante, del que vamos conociendo su vida de a poco y de lo dañado que está. Tiene una hija-experimento llamada Bella, una persona que comienza de cero en su vida, porque fue rescatada por él y le hizo un trasplante de cerebro. Por esa razón la conocemos en actitud extraña, recién está comenzando a absorber conocimiento nuevos como hablar, caminar, etc., pero con una rapidez increíble, por lo que la acompañamos en su proceso de "crecimiento".
Hasta que el Dr. le pide a uno de sus alumnos que lo ayude en su laboratorio; es Max McCandless, quien le basta solo unos días para enamorarse de ella, y que el Dr. Baxter aprobara un matrimonio entre ellos, pero quiso redactar un contrato "de posesión", y he ahí su error, porque llegó un abogado, Duncan Wedderburn, quien quedó muy curioso con las cláusulas de dicho documento, y de esta enigmática mujer que es nombrada, y hace lo que puede para conocerla, hasta que la ve y reconoce su "punto" débil, esa pasión que estaba siendo ya descubierta desde hace poco por Bella, y ambos huyen a una loca aventura llena de pasión.

Cuando Duncan cree tener bajo su dominio a Bella, las cosas se revierten. Bella es dueña de su ser, su cuerpo y sus pasiones, no tiene límites para explorar la vida que tiene ante sus ojos.
Es un empoderamiento femenino desde la perspectiva de un hombre (director), y ese poder lo toma a través del sexo, de tenerlo cuando quiera, de darle libertad a su cuerpo. Vive libre de cualquier tipo de presiones.
Vemos a una niña sin coordinación que, en poco tiempo, se transforma en una culta mujer.

Personajes: todos sus partícipes son dignos de nominaciones, Emma merece el Óscar por lo jugado de su rol. Mark Ruffalo es un cínico encantador, que juega en esta disparatada travesía. Sale de su zona de confort y es excelente. Willem Dafoe, es de aquellos artistas que se le debe un Óscar, pero esta vez no fue suficiente su rol, a pesar de que es desgarrador ver a este hombre dañado como el doctor Godwin Baxter; faltó más saber de su historia. Su maquillaje es genial a manos de Coulier, Stacey y Weston, merecidas sus nominaciones, y posible Óscar. Ramy Youssef, es un inocente prometido que asume la realidad que aceptó. En realidad, el elenco hasta sus secundarísimos, como Hanna Schygulla y Kathryn Hunter, entre otros, se ven increíbles en actuaciones, peinado y maquillaje. En esto último el trabajo efectuado es maravilloso.
Vestuario: por Holly Waddington, aunque no es alguien que se haya destacado en el área, creo que este es un gran puntapié para reforzar su carrera. Creó hermosos diseños victorianos en los varones y damas, pero con Emma jugó más, pues tenemos a una niña a mujer, con vestidos tipo babydoll, de mangas abullonadas y elaborados volantes, con pantalones bombachos y camisones. Y además, hizo un trabajo anterior con el fotógrafo Robbie Ryan (Ginger y Rose) Este último captó la esencia de la historia (ya había trabajado con el director en "La Favorita"), marcó un asombroso colorido combinado con escenas en blanco y negro. Jugó con la deformación del lente (Ojo de pez), para hacerla más bizarra, indicándonos una formación y deformación de los personajes.
El guión juega con esto al llevarnos a las reglas de la sociedad, a ridiculizarlo con filosofía o a reflexionar con ella, a liberarnos de ataduras y dejar que todo fluya. Una mágica locura con la cual hay que dejarse llevar.

El director agrega varios generos y subgeneros como el Coming-of-age, el cual centra en el crecimiento personal del protagonista, la evolución de las emociones y de la percepción de la realidad.
Tenemos una mirada extraña sobre las personas, es una metamorfosis de bizarras criaturas. Una obra llena de extravagancia, ficción, sátira, del cinismo del ser humano. Con una gran dirección.

Al finalizar me pregunto, ¿Es correcto revivir a alguien que decidió poner fin a su miseria? ¿El Dr. Baxter creó un monstruo o fue él, el verdadero monstruo? ¿O dio una nueva oportunidad?

Película para mayores de edad y criterio formado.

Ficha técnica

Poor Things
Dirección: Yorgos Lanthimos
Guion: Tony McNamara
Basada en ¡Pobres Criaturas! de Alasdair Gray
Música: Jerskin Fendrix
Fotografía: Robbie Ryan
Montaje: Yorgos Mavropsaridis
Protagonistas: Emma Stone, Ramy Youssef, Christopher Abbott, Jerrod Carmichael, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Kathryn Hunter, Margaret Qualley
Pais: Reino Unido, EEUU, Irlanda
Año: 2023
Género: Fantasía Científica, Comedia Oscura, Aventuras Duración 141 minutos

Pobres Criaturas - Por Elizabeth Salazar T.

"En busca de la felicidad"


Con once nominaciones al Oscar, llega a la cartelera nacional “Pobres criaturas”, basada en el libro del mismo nombre. Trata de Bella Baxter (Emma Stone), una joven a la que el brillante y poco ortodoxo científico, Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe) le devuelve la vida. Bajo la protección de Baxter, Bella está ansiosa por aprender. Deseosa de la experiencia que le falta, Bella huye con Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), un abogado astuto y libertino, en una aventura vertiginosa a través de los continentes. Libre de los prejuicios de su época, Bella crece firme en su propósito de defender la igualdad y la liberación.

Viendo este filme, es inevitable no recordar a Frankenstein, el creador y su criatura, a la que trata de enseñar, a comportarse de forma correcta, de acuerdo lo establecido por la sociedad. En su renacimiento Bella, aprenderá a hablar, a comer, todo de nuevo, pero hay algo que Godwin, a quien ella llama God, dios en inglés, no puede controlar: sus ganas de vivir y experimentar en el mundo, todo lo que ella desee y en todos los niveles. Ella no tiene filtro, tampoco prejuicios, por lo que sale a aventurar con el vividor de Wedderburn, y a medida que va conociendo distintos lugares, descubre nuevas cosas.

Con un elenco de lujo, liderado por Emma Stone quien además es productora, muestra a una mujer desinhibida, particular y deslenguada, rol por el que se encuentra nominada al Óscar y con buenas posibilidades de llevárselo, se entregó absolutamente al papel, de hecho, ver su baile resulta hilarante. Es curioso ver a Mark Ruffalo interpretando a un tipo tan hipócrita, realiza una buena actuación, muy creíble. Y Willem Dafoe, que debió someterse a exhaustivas sesiones de maquillaje para este personaje debido a que tiene unas marcas (se explican en la trama, no les espolearé), está muy bien, bueno es un actorazo, sin duda.

Lanthimos hace películas visualmente bellas y esta no es la excepción, sus paisajes, el vestuario, la fotografía y su estética, hacen imposible quedar indiferente. Y como en sus filmes anteriores, también se trata de una historia extraña, provocativa, retorcida, donde se adentra a explorar la sicología humana. Hay escenas sexuales explicitas, que tal vez puedan incomodar a alguien… El estilo de este director es único y para quienes les (nos) gusta, sin duda disfrutarán mucho viendo está película. Tiene humor, críticas sociales, sarcasmo y sobre todo es ágil y entretenida. Tenía altas expectativas y las cumplió con creces, seguro se llevará algunos merecidos Óscar.

Director: Yorgos Lanthimos
Duración: 141 Minutos

viernes, 26 de enero de 2024

Los Colonos - Por Carlos Correa Acuña

Esta película de Felipe Gálvez Haberle, candidata al Óscar representando a Chile y que lamentablemente no fue escogida por la Academia, se teje a través de diferentes miradas. Por lo pronto la de José Menéndez -Alfredo Castro-, el omnipotente terrateniente; también la del teniente MacLennan -Mark Stanley-, el ejecutor práctico y leal colaborador del hacendado; la de Segundo -Camilo Arancibia-, un mestizo chileno que guía la expedición; y la de Kiepja -Mishell Guaña-, una mujer indígena que se les une en el camino. Todas son miradas únicas, particulares y sesgadas, que no tienen el panorama completo de la acción, porque la mirada amplia la tiene Felipe Gálvez cuando cuenta la historia del Genocidio Selk’nam desde una posición clara y definida. Se trata de la colonización de la Patagonia a un costo brutal, inhumano, y bestial.

Corre 1901. El Estado Chileno ha entregado tierras en usufructo a Menéndez. De pocas palabras pero de acción concreta, el patrón no duda en pedir condiciones especiales para que su negocio ovejero prospere. Y esas condiciones no son inocuas. Muy por el contrario, significa el exterminio de cualquier posibilidad de enfrentamiento en el camino que se debe recorrer. Él pide una ruta despejada y MacLennan lo entiende literal, libre de obstáculos, libre de indígenas, libre de cualquier ser humano que se interponga en el camino.

El equipo reclutado es mínimo. Son solo tres quienes van a la aventura para abrir paso: el teniente, el mercenario y el mestizo. No hay códigos, menos honor. El viaje, este camino de apertura, es una tarea dura, por lo que la rutina, incluso entre ellos, se da entremedio de golpes, gallitos y peleas. El crudo inicio ya lo había anticipado: un accidente y un asesinato. En dos minutos, las cartas credenciales son explícitas, la respuesta a cualquier dificultad es la aniquilación total y completa, es decir, borrar del mapa, liquidar a diestra y siniestra.

Felipe Gálvez Haberle usa algo de western, de aventuras y de thriller político para narrar la historia. Y lo hace en un tono discursivo exponiendo y cuestionando el poder y el valor de la propiedad. Entre parajes recónditos y una intimidad que por momentos podría resultar abrumadora, Gálvez pone acento en la mirada de Segundo, en sus silencios, en su observación quieta y tranquila por fuera, y encendida y ardiente por dentro. Furtivas miradas de los caballos se suman para configurar esa figura pasiva, una persona que involuntariamente se transforma en cómplice de brutalidades que está lejos de poder comprender.

Al encontrarse en una playa con un batallón que custodia el lugar -las fronteras están delimitándose, pero en la práctica hay muchísima tierra de nadie-, son llevados a un refugio. A cargo del coronel Martin -Sam Spruell-, un viejo oficial inglés, vemos cómo la traición no se perdona por ningún motivo. Es el momento en que Kiepja se une a la expedición, y también es el momento en que el nivel de violencia alcanza una de sus cumbres. Es el fin del mundo, pero ¿hasta dónde puede llegar la falta de humanidad y consideración de estos hombres, si de verdad podemos llamarles hombres?

Luego de un salto temporal de 7 años, pasamos a un epílogo que tiene su centro en otra dimensión, tal vez la más política de la cinta. Un emisario del Presidente Montt, Manuel Vicuña -Marcelo Alonso-, hace una visita de cortesía a Menéndez. Lo enfrenta, sí, pero lo trata como el pétalo de una rosa para enrostrarle las matanzas, las muertes y los remates de indígenas. No obstante, esto parece no ser suficiente, porque quien manda realmente es el poderoso estanciero, y contra eso, el Estado de Chile no puede hacer nada. El viaje de Vicuña a la zona de Chiloé, -hacia el norte-, logra un testimonio indígena que es, tal vez, lo más logrado de la película en términos de la historia, y esto gracias a la sensibilidad, honestidad y transparencia con la que Camilo Arancibia construye su personaje, y la ironía con que sutilmente el director da cuenta de lo que, para la capital, Santiago, sería lo más importante: la formalidad y las apariencias.

Difícil película “Los Colonos”. Difícil de ver, incómoda, y por momentos desagradable, me atrevería a decir, porque es un cine visceral que no esconde su deseo de molestar y punzar respecto al tratamiento temático. Gálvez no concede respiro y tampoco cede en su afán de ser ilustrativo y descriptivo. En cuanto a la forma, los diálogos-multi idioma se podrían tomar como una metáfora a la gran dimensionalidad que el tema adquiere en su contexto político social. Como lo hemos visto en otras cintas, “Blanco en Blanco”, por ejemplo, pero con un foco diferente, Felipe Gálvez Haberle compromete su propia mirada de la historia y se la juega para dejar una marca importante esta cinta, una película cruda sobre un genocidio espantoso.

Ficha técnica

Título original: Los colonos
Año: 2023
Duración: 97 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-Argentina-Dinamarca-Francia-Reino Unido-Suecia-Taiwán; Don Quijote Films, Rei Cine, Snowglobe Films
Género: Drama. Aventuras | Años 1900 (circa)
Guion: Felipe Gálvez Haberle, Antonia Girardi
Música: Harry Allouche
Fotografía: Simone D’Arcangelo
Reparto: Alfredo Castro, Camilo Arancibia, Mark Stanley, Benjamin Westfall, Marcelo Alonso
Dirección: Felipe Gálvez Haberle

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine Viernes 26 de Enero 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

Un matrimonio feliz - Por Jackie O.

"Secretos de familia"

Sinopsis: En el verano del 2007 falleció Laura Urrutia, una ama de casa. En 1999 su marido, Juan Pizarro, la había infectado con VIH. La enfermedad azotaría a sus muchos descendientes.


Contado en primera persona, Juan, relata su historia, a veces interrumpido con dos voces en off que son su nieto y una de sus hijas; de cómo Juan conoce a Laura, y de cómo criaron a todos sus hijos. Una familia de buena situación económica, que se ve unida, un matrimonio feliz, entonces por qué Juan, o mejor dicho ¿cómo él se infectó de VIH?

Pueden haber diversas razones, pero Juan en su relato es claro, y confiesa que ya a su avanzada edad, no tiene vergüenza de contarlo; le fue infiel en múltiples ocasiones a su amada señora con diversas mujeres, prostitutas y amigas, sin tener el más mínimo cuidado, e infectó a su mujer. Los hijos estaban grandes, y no le contaron a todos, pero se supo igual, y la familia de ella dejó de hablarle, obvio, había matado en vida a su mujer. Lo peor, es que Laura comenzó a tener sintomas que comenzaron a apagarla.
Pero Juan dice que Laura lo perdonó y que seguía amándolo, ¿Será eso cierto? Debemos creerle, no tenemos la versión más importante, ella.

Una tragedia que viven millones de personas, la mayoría sin recursos que no pueden costear los medicamentos, muchos se quedan solos y deben vivir esa pesadilla, sea por negligencia de ellos o por terceras situaciones ajenas a su voluntad.
Una enfermedad que, como muchas, es terrible.

Este trabajo ha recibido algunos premios. Pero encuentro que faltó más en el guión, solo Juan, un abuelo sin titubear y tal vez sin escrúpulos, relata algunas cosas.
Habría sido muy interesante que el director se hubiera arriesgado en conocer la opinión al respecto, de este "matrimonio feliz", a otros miembros de la familia. Si ya se estaba hablando a todos de esta tragedia, debieron haber involucrado a la familia de Laura. O tal vez ellos no quisieron, quién sabe, pero que quedara registro de su intento.

Un relato doloroso, que nos habla de esperanzas de amor (no muy convincentes), con buena edición, pero que nos hará de todas formas reflexionar en la responsabilidad de nuestras acciones. Y lamentar, buscando una paz mental y tal vez espiritual, si la enfermedad se adquiere por hechos fuera de nuestro actuar.
Perdonar, muchas veces, es una carga que nos aliviana el camino, para seguir viviendo en paz o morir con la calma que se requiere.

Si no sanamos el cuerpo, por lo menos nuestra mente esté en descanso.

Ficha técnica

Disponible en Ondamedia
2019
20 minutos
Cortometraje documental
Dirección y Guion: Antonio Zagal

jueves, 25 de enero de 2024

Los Colonos - Por: Elizabeth Salazar T.

"Una cruda realidad"


Precedida de premios y elogios, llega esta película que se encuentra ambientada en Chile, en 1901, cuando un estanciero rico en Tierra del Fuego, llamado José Menéndez (Alfredo Castro), contrata a un teniente inglés, Alexander MacLennan (Mark Stanley),  y a un mercenario estadounidense, Coronel Martin (Sam Spruell), para abrir una ruta para sus ovejas hasta el Atlántico. En su camino, los guía Segundo (Camilo Arancibia), un chileno mestizo que se vuelve cómplice involuntario de una violenta cacería de indígenas. Siete años después, un enviado del Presidente visita las tierras civilizadas. Los Colonos retrata el nacimiento de las fronteras en el fin del mundo y cuenta cómo los países escriben sus historias oficiales.

Basada en hechos reales, esta película muestra con crudeza los abusos cometidos a los Selk’nam, un pueblo indígena que vivía en Tierra del Fuego entre 1880 a 1910. Y si Martin Scorsese muestra con agudeza la historia de los Osage, el director chileno Felipe Gálvez, también nos revela los abusos que se cometieron durante la colonización, en forma asertiva, lo que le ha valido elogios y la obtención del premio Fipresci que entrega la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica en el pasado Festival de Cannes.

Con una bella fotografía, el paisaje desértico luce en todo su esplendor en este western que muestra la travesía de estos hombres, que están bajo el mando de McLennan, por lo que deben aceptar sus inescrupulosas órdenes para poder sobrevivir a este viaje. Segundo, es quien peor la pasará, debido a las contradicciones que enfrentará.

Los tres protagonistas están muy bien en sus roles, Stanley como el ambicioso e inescrupuloso Alexander MacLean, Castro como el soberbio e hipócrita José Menéndez, Sam Spruell como el determinado Coronel Martin, y sobre todo destaco a Camilo Arancibia, que hace una excelente interpretación de Segundo.

La música de este filme también es un elemento muy importante, porque va creando mayor tensión. Es una película que muestra violencia, abusos verbales y físicos, es sangrienta, por lo que fue calificada para mayores de 14 años. Tal vez, para algunos resulte fuerte verla, pero hay que destacar que Gálvez nos está revelando un pedacito de nuestra historia, que no es muy conocida, pero que es importante saberla.

Director: Felipe Gálvez
Duración: 97 Minutos

El imperio de la luz - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Hilary Small interpretada por Olivia Colman, vive una historia de amor con su compañero de trabajo Stephen (Michael Ward) pero ella además tiene una compleja relación con Donald Ellis, caracterizado Colin Firth y ambientada alrededor de un hermoso cine antiguo en la costa sur de Inglaterra, del cual este último es el dueño.


La cinta nos lleva al romanticismo del cine de décadas pasadas, pero no logra zafar de su lentitud y melancolía con cierto ruido a mensajes racistas y abusos por parte de la jefatura de aquel cine, pero que no convencen del todo, así como ese romance entre sus dos protagonistas.

Son de esas historias que nos invitan a verlas por la actriz o actor que nos convoca. Aquí, Olivia Colman aunque realiza, como siempre, una buena actuación y que por momentos sobresale, no logra sostener la historia. Lo mismo Michael Ward, que también destaca, no alcanza su esfuerzo actoral para salvar a Sam Mendes, su director.

Es una buena historia, aunque me parece demasiado pretenciosa y que no logra amarrar y convencernos. En otras palabras, falta la magia y pasión propia del cine.

"Imperio de la luz" adolece de la tensión dramática que nos mantenga buscando la incógnita del clímax, todo es muy predecible.

Tiene una hermosa fotografía y ambientación, con una estética bien cuidada.

A los románticos del cine les invitará a recordar, al menos, “Carros de fuego”...

Disponible en Amazon Prime video.

Ficha técnica

Titulo original: Empire of Light
Año: 2022
Duración: 119 minutos
País: Reino Unido
Dirección: Sam Mendes
Guion: Sam Mendes.
Reparto: Olivia Colman, Michael Ward, Colin Firth, Toby Jones, Tanya Moodie, Crystal Clarke, Tom Brooke, Hannah Onslow, Adrian McLoughlin, Ashleigh Reynolds, Eliza Glock, Sara Stewart, Mark Field,
Música: Trent Reznor, Atticus Ross.
Fotografía: Roger Deakins
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Neal Street Productions, Searchlight Pictures. Distribuidora: Searchlight Pictures.
Género: Drama, romance, años 80, racismo, cine

Premios

2022: Premios Oscar: Nominada a Mejor fotografía
2022: Premios BAFTA: 3 nominaciones, incl. Mejor film británico
2022: Globos de Oro: Nominada a Mejor actriz drama (Colman)
2022: Critics Choice Awards: Nominada a Mejor fotografía
2022: Premios Satellite Awards: 2 nominaciones

miércoles, 24 de enero de 2024

Pobres Criaturas - Por Carlos Correa Acuña

Bella Baxter -Emma Stone-, es la figura central de este nuevo trabajo del realizador griego Yorgos Lanthimos, recientemente ganadora del León de Oro a la mejor película en el Festival de Cine de Venecia y con once nominaciones a los premios Óscar. El director apunta alto, y la protagonista realmente se luce en una cinta irreverente y provocadora ante la que no podemos permanecer indiferentes.

La historia remite al poco convencional científico y cirujano Godwin Baxter -Willem Dafoe-, quien rescata el cuerpo de Bella y la resucita gracias a un implante cerebral de un bebé. De esa forma, la mujer comienza a dar sus primeros pasos de vida en un cuerpo adulto ya formado. La protección de Godwin es similar a la de un padre, por ello cuando su aprendiz-colega Max McCandles -Ramy Youssef-, queda prendado de la joven y pide su mano, el doctor entrega su aprobación sin ningún reparo.

Aunque Bella inicialmente acepta la propuesta de Max, el momento coincide con su despertar sexual, lo que cambia completamente el estado de las cosas. La presencia del elegante abogado Duncan Wedderburn -Mark Ruffalo-, produce en ella un deseo irrefrenable que los lleva a emprender una loca aventura intercontinental, un verdadero viaje de conocimiento, descubrimiento y experimentación que incluye el desarrollo de cada uno de sus sentidos.

Escrita por Tony McNamara y basada en la novela de Alasdair Gray, del año 1992, “Poor Things” tiene de todo menos algún tipo de concesión. Ya conocemos el estilo excéntrico de Lanthimos, y es por eso que tal vez no nos sorprenda su obsesión por destacar un aspecto por sobre otro, en este caso la libertad sexual femenina, enfocando cada una de sus etapas con un desarrollo frenético y arrollador.

Emma Stone brilla bajo la mano del cineasta. La complementación es perfecta, y ella parece tener rienda suelta ante una cámara que la sigue y persigue desde todos los ángulos posibles. Los ojos de Lanthimos son los nuestros, pero también los de Bella, quien los abre ante un mundo lleno de posibilidades, quizás impensadas, para el Londres victoriano que solo sirve de pretexto. Es notable el manejo de la actriz en cada una de las etapas de desarrollo de su personaje. El tránsito desde lo infantil, pasando por la adolescencia, hasta llegar a la adultez, es encarado por Emma Stone gracias a un abanico de recursos dramáticos siempre puestos al servicio del relato. Realmente vibrante, un papel deslumbrante ya reconocido ampliamente con nominaciones y premios.

Willem Dafoe, por su parte, construye un personaje fascinante, no solo gracias a un maquillaje estupendo, sino que gracias a la prestancia y templanza que el actor entrega a Godwin Baxter. Desde su modo de caminar, sus modales, y sus miradas, siempre vemos transparentemente a este loco científico, quien no deja de admirar su creación, siendo, tal vez, lo más cercano a un verdadero dios terreno que dispone según su voluntad. Mark Ruffalo, el victimario que muy pronto se convertirá en víctima, aporta ese tono de comedia tan necesario para suavizar las cosas, y a la vez jugar de pivote en un triángulo -o mejor aún, cuarteto-, que se mantiene firme a lo largo de todo el metraje.

Como en toda película de Lanthimos, el nivel de producción es óptimo. El uso del blanco y negro y el color, la disposición del cuadro (sin panorámica), el intercambio permanente de lentes, y los bruscos acercamientos y alejamientos, son todos elementos técnicos que tienen una razón de ser para retratar la particularidad de cada momento. Esta característica denota inquietud, la necesidad de salir de los moldes convencionales para la creación de un estilo particular, porque aunque nos aventuremos, podemos perfectamente hablar de un estilo "Lanthimos", tan reconocible como inconfundible. Por cierto, no sería él mismo sin referencias políticas y sin algunas banderas de lucha. Si bien no es su foco central, están presentes y por lo demás, muy bien puestas, dibujadas adecuadamente en una trama que, por lo impredecible que resulta, nos mantiene en suspenso permanente.

“Pobres Criaturas” es una película disruptiva, qué duda cabe, pero hecha con delicadeza y sutileza a pesar de que parezca todo lo contrario. Hay que tener cuidado, porque hay varias capas presentes, y si nos quedamos solo con las obvias nos perderemos las más profundas. Por lo mismo, se requiere criterio formado para ver esta cinta, ya que sería muy fácil confundirse, extraviar el foco y marearse con el mar de distractores que nos ofrece el director. Yorgos Lanthimos lo tiene claro, y por eso él se explica a sí mismo, y en sí mismo, con cada toma, con cada encuadre, para, de esa forma, provocar un gran contraste con la perspectiva general de la obra.

Ficha técnica


Título original: Poor Things
Año: 2023
Duración: 141 minutos
País: Irlanda
Compañías: Coproducción Irlanda-Reino Unido-Estados Unidos; Element Pictures, Film4 Productions, Fox Searchlight, TSG Entertainment. Distribuidora: Fox Searchlight
Género: Fantástico. Romance. Ciencia ficción. Comedia | Siglo XIX. Realismo mágico
Guion: Tony McNamara. Novela: Alasdair Gray
Música: Jerskin Fendrix
Fotografía: Robbie Ryan
Reparto: Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Ramy Youssef, Christopher Abbott y Jerrod Carmichael
Dirección: Yorgos Lanthimos

Jack en la Caja Maldita 3: El Ascenso - Por Juan Pablo Donoso

Secuela de terror ramplona, al borde de la ridiculez.

Como la serie parece tener éxito comercial, por lo menos la atmósfera fotográfica (siempre sombría), los lóbregos escenarios de un internado femenino inglés, y la temblorosa música incidental, denotan un aceptable presupuesto.

Lo demás, una acumulación de clichés, giros ilógicos, diálogos obvios y actrices mayores que simulan ser agresivas jovencitas colegialas.

Al liberar de la caja de sorpresas a un demonio vestido de payaso saltarín con dedos de gancho, los personajes irán muriendo perforados en orden inverso a la importancia de sus roles. ¿Saldrán vivas de la escuela, o el demonio reclamará sus víctimas para resucitar en la próxima secuela?

Mina de oro de la familia Fowler (alcancé a contar 7 de sus miembros en los créditos).

RECOMENDABLE SÓLO PARA ADOLESCENTES MUY MARIHUANEADOS.

Ficha técnica  

Título Original: Jack in the Box (3) Rises
2024 Terror Reino Unido - 1,32 hrs. 
Fotografía: Vojta Stanek 
Música: Christoph Allerstorfer 
Maquillaje: Max Van De Banks 
Guion: Geoff Fowler, Lawrence Fowler 
Actores: Isabella Colby Brown, Nicholas Anscombe, Leona Clarke 
Director: Lawrence Fowler

El Niño y la Garza - Por Elizabeth Salazar T.

"Un viaje de autodescubrimiento"

Nuevamente el director japonés Hayao Miyazaki, nos abre su mundo de sueños y pesadillas, esta vez con la historia de un joven llamado Mahito, quien tras perder a su madre, se aventura en un mundo donde habitan vivos y muertos, un lugar fantástico donde la vida encuentra un nuevo comienzo. Un relato semi-autobiográfico en homenaje a la amistad, de la mente del maestro de la animación Hayao Miyazaki.

La trama de esta animación es tan bella como dolorosa. Ver a este jovencito viviendo el duelo de la pérdida de su madre y los desafíos de trasladarse a un nuevo país, Japón. Allá conocerá a la nueva esposa de su padre, asiste al colegio y tendrá ayuda de varias mujeres, pero se siente solo, aislado. Una de las primeras cosas que logra captar su atención es una garza, la que lo llevará a vivir una aventura…

Ambientada durante la Segunda Guerra Mundial, podemos ver la destrucción y los horrores de esta, y todo el conflicto personal que vive el protagonista, en contradicción con el mundo donde lo guía la garza, al que es trasladado a través de una torre, donde la naturaleza se muestra en todo su esplendor. Visualmente es una animación bellísima, pero en este lugar también se revelarán secretos, donde aprenderá más de su familia y de sí mismo. No todo es miel sobre hojuelas, y deberá enfrentar conflictos para sobrevivir y rescatar a la esposa de su padre. El viaje que realiza Mahito, será importante y lo ayudará en su proceso de maduración.

En este mundo de ensoñación, la máxima autoridad del lugar (Tío y arquitecto) le pregunta a Mahito: ¿Por qué quieres volver a un lugar donde se roban y matan unos a otros? Me quedo con esta gran reflexión. Una bella película para ver y disfrutar en familia. Nominada al Oscar como Mejor Animación este año y seguro, se quedará con la estatuilla dorada.

Director: Hayao Miyazaki
Duración: 124 Minutos
Distribuye: Cinetopia Chile

martes, 23 de enero de 2024

El juego de la muerte - Por Jackie O.

"Un mensaje de alerta"

Sinopsis: Yulya (Polina Vataga), una adolescente pierde la vida aparentemente suicidándose en las vías de un tren. Visiblemente afectada, su hermana mayor, Dana (Anna Potebnya), comienza una desesperada búsqueda de respuestas a través de la profundidad de la red. En el proceso de unir cada pieza de este siniestro rompecabezas, se da cuenta que Yulya fue manipulada por un supuesto hacker para entrar a un famoso juego entre los adolescentes llamado La ballena azul, el cual consiste en cumplir diferentes retos por 50 días… sus últimos 50 días de vida. ¿Logrará Dana encontrar al responsable de la muerte de decenas de adolescentes y vengar la muerte de su hermana?


Un muy buen trabajo cinematográfico inspirado en hechos reales, un reto o conocido ahora en redes como #Challenge, o con otros nombres, juegos inocentes aparentemente para ser repetidos por otros, principalmente jovenes menores de edad. Hay Challenger simples, juguetones que cualquiera puede ejecutar, incluso para reirse. Pero están aquellos que van más allá, que lastiman emocionalmente, que obligan a dañarte físicamente, que para los jovencitos es un reto de hombría, para agradarle a alguien, o solo lo hacen por desesperación.

"La ballena azul" comenzó a través de Internet aproximadamente en mayo de 2016, y se originó en la red social rusa Vkontakte. El por qué usaron ese nombre para este macabro juego, "ballena azul", no lo sé, pero consiste en una serie de tareas dadas por los administradores, en donde los jugadores deben completar, por lo general una al día, algunas de las cuales implican hacerse cortes en los brazos, cruzar carreteras en hora de alta afluencia vehicular, etc., hasta llegar al suicidio. Este administrador se mete en tu mente, poco a poco, y capta tu vulnerabilidad.

La película lo grafica bastante bien, en todo momento estamos dentro o frente a una computadora, está bien logrado el efecto pues a veces creemos que efectivamente es nuestra pantalla la que puede tener un problema de imagen. En su mayoría, roles principales, estamos ante actores jovenes muy convincentes.

Anna se inmiscuye en esta red haciéndose pasar por una joven que quiere llegar al final con este juego, solo con el fin de descubrir al "administrador", pues su hermana nunca se habría suicidado según ella. Para Anna, esta persona es un asesino que mató a su hermana menor. Pero el juego es peligroso, y ella va más allá, conociendo a otros jóvenes perdidos en esta espiral de maldad.

La tecnología llegó para quedarse y sirve para mucho, si la sabemos usar. Los adultos no mantienen un control con sus hijos en cuanto a redes sociales; es más, me atrevería a decir que antes de los 14 no deberían tener teléfonos celulares, ya que los comienzan a aislar, a perturbar, ya que comienzan a navegar por "aguas peligrosas" sin control. Pero para muchos padres, que se ven abrumados por el estrés del día a día, la necesidad de lo material, el internet se transformó en la "nana" moderna. ¿Dónde quedaron las conversaciones?

Ser adulto es complejo, ser niño aún más, se necesita impregnar de cosas buenas y ya, cuando adulto, elegir su camino.

Pero, los engaños en redes no solo le suceden a niños, los adultos también podemos ser atrapados por algo, la vulnerabilidad puede ser captada por una mente siniestra.

Buena historia, buena edición, buenos diálogos y actuaciones.

Una cinta para verla los padres junto a sus hijos, y mantener un diálogo sincero y educacional, donde los profesores también pueden intervenir en parte sobre este tema, pero en lo que les corresponde, pues la educación debe provenir de casa.

Si no lo hacen en pareja no se llegará a buen puerto. Pero sí existen los jovenes conflictivos y lo vemos en esta cinta, ahí los padres deben actuar con prontitud, con ayuda profesional.

Un tema difícil de tratar como familia, pero necesario.

Ante cualquier situación extraña en internet, no dudes en contactar al cibercrímen fono 134, 2-27080000, 2-27080658, 32- 3311500, 41- 2865129, para que te puedan orientar.

Ficha técnica

Título original: YA idu igrat
Duración: 91 minutos
Dirección: Anna Zaytseva
Reparto: Anna Potebnya, Timofer Eletsky, Diana Shulmina, Ekaterina Stulova, Olga Pipchenko, Anastasiya Bratsyun, Daniil Kiselev
Música: Sergey Moiseenko
Fotografía: Egor Vetokhin
Género: Thriller, Redes sociales
Rusia - 2021

lunes, 22 de enero de 2024

El Niño y la Garza - Por Carlos Correa Acuña

Basada en la novela de 1937, “Kimitachi wa Dō Ikiru ka”, escrita por Yoshino Genzaburō, esta película sigue a un niño de 12 años llamado Mahito, quien pierde trágicamente a su mamá. Luego de un tiempo, junto a su padre abandonan Tokio y se trasladan a otra ciudad y visitar a Natsuko, su tía. Para Mahito, esto es incómodo, toma distancia de ella, una situación que se acrecienta cuando la joven mujer queda embarazada de su padre. Ensimismado y solitario, Mahito comienza a relacionarse más y más con un ave especial, una garza parlante que le desafía a incursionar en un torreón abandonado. Es en ese lugar donde Mahito comienza una aventura maravillosa en la que busca a su madre mientras, poco a poco, va descubriéndose a sí mismo.

Esta película de Hayao Miyazaki, es una joya desde el punto de vista artístico por su maravillosa y cuidada animación, y también desde el punto de vista literario, dada su exposición conceptual y narración fluida. No es fácil enfrentar una historia de pérdida y de trauma que refleje la desprotección, la incertidumbre y la tristeza de la que da cuenta el pequeño protagonista. Esa torre clausurada, misteriosa y atractiva, es sin duda una invitación para un alma inquieta que necesita obtener respuestas. Mahito ve allí una oportunidad, una ventana a un mundo desconocido, con cierto temor pero también con mucha esperanza. Y todo no nace de él, el impulso se lo da la garza, que al comienzo pelea, lo provoca, lo enfrenta, despierta su curiosidad y produce que la indecisión propia de la circunstancia de vida por la que transita se transforme en un fuego necesario y vital.

Hábilmente, este gran realizador nos muestra un camino, un tránsito repleto de metáforas, una síntesis de un viaje que perfectamente puede resumir una vida entera con un recorrido cuyos caminos son esenciales para entender el origen de la vida y la permanente búsqueda de la paz. ¿Cuánto de sí mismo encuentra Mahito en esta formidable excursión? Mucho, tal vez, porque bastante de lo que vemos puede interpretarse como un reflejo, un sueño, un espejo de su propia espiritualidad que poco a poco se va develando y dando a conocer.

Hay muchísimos elementos interpretables en el curso de este relato. Por ejemplo, los conceptos de arriba y abajo, las almas por nacer que necesitan madurar, la abundante belleza, la protección de la familia, la historia de los antepasados, etc. Mucho de esto funciona, además, en clave de homenaje, junto con esa división de dimensiones, esos paralelos, tratados conjuntamente y por separado.

“El niño y la garza” habla de un descubrimiento permanente, de enfrentarse a uno mismo y a nuestros propios temores sin achacarle nada de esto a los demás. Las reglas y el deber ser, dan paso a la inspiración y al brillo de una luz esperanzada, porque las decisiones y opciones que corresponden a cada uno de nosotros, y mucho más, nuestros vínculos más trascendentes, no se consiguen sin primero descubrir nuestro propio camino interior. Si bien la esencia -o motivación inicial-, es la búsqueda de su madre, lo que emerge es la multidimensionalidad del ser, con los pasos y traspasos que moldean la personalidad y construyen el yo, íntimo, social y lleno de vida.

Dentro de los puntos importantes que el relato releva, se encuentra presente el legado necesario y la permanente dicotomía entre el bien y el mal. Así, emergen como puntales fundamentales, tres ideas, tres conceptos que son desarrollados en múltiples direcciones y ejemplificados con una delicada pluma artística. Se trata de la generosidad, la paz y la belleza, elementos particulares que tienen valor en sí mismo, pero que al estar juntos, potencian la forma de ser y de vivir, de desarrollarse, y con ello, finalmente, trascender.

“El niño y la garza” es una poesía audiovisual, una fábula fantástica sobre la vida, una síntesis magistral que Hayao Miyazaki nos regala sobre ese mundo interior, amplio y inescrutable que llevamos dentro.

Ficha técnica

Título original: Kimitachi wa dô ikiru ka
Año: 2023
Duración: 124 minutos
País: Japón
Compañías: Studio Ghibli. Productor: Toshio Suzuki. Distribuidora: Toho
Género: Animación. Drama. Fantástico | Años 40. Drama psicológico
Guion: Hayao Miyazaki
Reparto: Animación
Música: Joe Hisaishi. Canción principal: Kenshi Yonezu
Fotografía: Animación, Atsushi Okui
Dirección: Hayao Miyazaki

Sobrevivientes después del terremoto - Por Jackie O.

"Supervivencia o muerte"


Sobre terremotos tenemos experiencia como país, lo devastador que queda todo, las formas de ayudar y salir adelante.

Esta película nos narra un devastador sismo que deja a la ciudad de Seúl bajo escombros, sin saber hasta dónde se extendió este acontecimiento natural. Solo nos centramos en esta ciudad y en quiénes sobrevivieron, que no son muchos para la extensión de la ciudad; no vemos ayuda de autoridades, tal vez porque está todo desmoronado y cada quien debe valerse por sí mismo. Pero, milagrosamente solo un gran edificio quedó en pie, y todos van a refugiarse del frío a él. Pero al ver los residentes de dicho edificio que se comienza a llenar de extraños que solo buscan refugiarse ante esta catástrofe, comienzan a sentirse atemorizados y molestos, por lo que toman medidas que cuestionan el acto de moralidad o supervivencia.

Se comienzan a organizar; lo primero es hacer una votación, que es ¿se quedan o se van estos extraños? Por supuesto que gana "que se vayan", y ahí comienza otro caos, donde niños, ancianos, hombres y mujeres son echados a la calle; tratar de dialogar es el primer paso pero es imposible, y la violencia gana, más cuando se elije a un representante, un delegado, un presidente en este pequeño mundo que es el edificio "Hwang Gung". Es Yeong-tak (dpto. 902), quien por su valentía, palabras de aliento y ser decisivo ante temas relevantes es considerado el líder. Y así comienza a armarse en este nuevo pequeño mundo, delegaciones (especies de ministerios para hacerse cargo de temas relevantes): enfermería, almacenamiento, guardias, recolectores, mantención, etc. Y los de afuera, los de afuera mueren o sobreviven como pueden.
De a poco conocemos a los protagonistas, sus miedos y ambiciones, pero por sobretodo, sus secretos.
Y en esto último Myeong-hwa (dpto 602) comienza a ser protagonista.

El director no se centra intrínsecamente en la destrucción del lugar, aunque no descuida su fotografía grisácea y lúgubre para mostrarnos un estado apocalíptico. Se concentra principalmente en el comportamiento humano ante ese desastre, lo que hace que tenga un guión estructuralmente bien armado, donde el ser humano tiene su carácter en la vida cotidiana, pero ¿qué sucede ante un estado de alarma, de emergencia, de sobrevivencia? Cambia, lo crean o no, cambiamos.

Estamos ante una película de catástrofe, con suspenso y una pizca de acción, con sátira social, drama psicológico y otros condimentos típicos en la cinematografía de ese rincón del mundo.

Tiene un buen desarrollo de personajes en térninos generales, profundidad en los temas tratados con mucha inteligencia y unos buenos efectos visuales con efectos de sonido atrapantes.

Ficha técnica

Utopía concreta ( coreano : 콘크리트 유토피아 ) Utopía de concreto. Konkeuriteu Yutopia
Directed: Um Tae-hwa
Screenplay: Um Tae-hwa y Lee Shin-ji
Based on Pleasant Bullying de Kim Sungnyung
Cinematography: Cho Hyoung-rae
Edited by Han Mee-yeon
Music by Kim Hae-won
130 minutos
2023 - Corea del Sur.
Protagonistas: Lee Byung-hun, Park Seo-joon, Park Bo-young, Kim Sun-young, Park Ji-hu.

sábado, 20 de enero de 2024

Con todos menos contigo - Por Carlos Correa Acuña

Simpática comedia, especial para este tiempo estival y pasar un buen rato. Es, por supuesto, un tema con variaciones del original “chica conoce chico”, pero el modelo debe resultar. Acá funciona, veamos por qué.

La atracción es inmediata. Cuando Bea -Sydney Sweeney-, conoce a Ben -Glen Powell-, luego de un ingreso apurado a una cafetería para usar el baño urgentemente, poco falta para que se desmaye al instante. Es que el guapo galán no solo se fija en ella, sino que le ofrece una particular ayuda: fingiendo ser su esposo, usa su lugar en la fila para comprarle un té y, gracias a eso, pedir la llave del baño para la, a esa altura, angustiadísima joven.

El incidente, que bien podría haber pasado a ser solo una anécdota, no se queda ahí. Ben la invita a salir de inmediato, y ambos recorren la ciudad contándose historias e intercambiando puntos de vista sobre muy diversos temas. Ella estudia derecho y él se desempeña en finanzas, lo que no es impedimento para una larga conversación que termina con una improvisada y austera cena en el departamento del joven. Tanto hablan que se quedan dormidos en el sofá, y antes del amanecer, Bea se escapa a hurtadillas. Pero regresa, arrepentida, pero escucha los improperios que Ben le cuenta a su mejor amigo Pete -GaTa-, sobre una noche desafortunada con una desastrosa chica.

La historia se salta seis meses para llegar a otro encuentro fortuito. Halle, la hermana de Bea, sale con Claudia, la hermana de Pete, y coinciden en una fiesta que les pone de frente para que se digan todo lo que tienen guardado el uno del otro desde su primer y único encuentro. Las cosas no mejoran, y la invitación al matrimonio de Halle y Claudia, nada menos que en Sidney, no hace más que complicar las cosas, porque viajan en el mismo vuelo, comparten mismos trayectos y deben vivir la incomodidad de alojar bajo el mismo techo.

El relato sigue enredándose pues también están invitados a la boda la ex pareja de Ben y el ex novio de Bea. O sea, realmente son muy pocos invitados pero, que duda cabe, son una multitud, y eso no es agradable. A esa altura, el odio que se tienen traspasa umbrales, sin embargo la perspectiva de enfrentarse a sus respectivos “ex” les ofrece una salida poco delicada aunque bastante arriesgada. ¿Qué tal si fingen ser pareja? Eso ayudaría a Bea para alejar a Jonathan, y también a Ben, para así darle celos a Margaret. Negocio redondo, ganancia para todos, pero esto es película y las cosas no salen según lo planeado. Lo que viene después es de manual: aventuras y desventuras que derivan en un predecible final que no esconde ninguna pieza. No entrega ningún giro copernicano, pero que entretiene, entretiene.

Primero punto a favor, química pura entre los protagonistas. Desde su encuentro inicial y durante los posteriores desencuentros, ambos son imanes que se potencian estando juntos en pantalla. Segundo punto, buenos gags, sobre todo los primeros. Naturales y sin sobrecargar situaciones, provocan risas y alivianan el tranco. Y tercer punto, el entorno es paradisiaco, y la fotografía le saca partido con tomas aéreas preciosas que resaltan el bello paisaje.

Donde se cae “Anyone But You” es en la elaboración de los nudos de conflicto. Como el más importante está al inicio, demora mucho en decidir con qué provocará el conflicto final. Mientras eso ocurre, todo se va diluyendo en un paulatino declive que solo es contenido con un pequeñísimo giro que anticipa lo que todos, por supuesto, sabemos de antemano.

Pero no nos quedemos con lo menos logrado, relevemos aquello que funciona bien, como esas imágenes nocturnas de la bahía de Sidney mientras esta pareja de “enemigos-amigos” flota agarrada a una boya de seguridad en espera de un rescate milagroso. O las imágenes diurnas de una urbe colorida que llama a gritos ser visitada, o revisitada, con el emblemático Teatro de la Ópera como telón de fondo.

Liviana y agradable, con una buena producción, esta comedia, aunque no reinvente nada, se las arregla para lograr su cometido. De tan cotidiana, pasa por encima algunos puntos importantes que se asoman de cuando en vez, y ese es un mérito, porque no hay nada más difícil que hacer parecer simple aquello que, quizá, es de lo más complejo de nuestra vida.

Ficha técnica

Título original: Anyone But You
Año: 2023
Duración: 103 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Sony Pictures, Fifty-Fifty Films, Olive Bridge Entertainment, RK Films. Distribuidora: Sony Pictures
Género: Romance. Comedia | Comedia romántica
Guion: Will Gluck, Ilana Wolpert. Historia: Ilana Wolpert
Música: Este Haim, Christopher Stracey
Fotografía: Danny Ruhlmann
Reparto: Sydney Sweeney, Glen Powell, Alexandra Shipp, GaTa, Hadley Robinson, Michelle Hurd, Dermot Mulroney, Darren Barnet, Bryan Brown y Rachel Griffiths
Dirección: Will Gluck

Breaking Social - Por Juan Pablo Donoso

Ignoramos si este documental es INGENUO o PANFLETARIO.

De novedoso nada tiene desde los albores de la humanidad.

Lo que denuncia ya lo postularon las encíclicas Rerum Novarum (1891) y Cuadragésimo Anno (1931). Luego Jacques Maritain (1882 -1973), en su metafísica “Filosofía de la Inteligencia y del Existir”. Principal exponente del humanismo cristiano. Uno de los padres de la auténtica Democracia Cristiana Internacional.

Acusa élites capitalistas corruptas con sedes en todo el planeta.

Pide tomar conciencia, protestar y combatir. ¡Qué! ¿La codicia eterna de la humanidad, o el derecho a progresar de los capaces y empeñosos?

El símbolo reiterativo es una muchachita solitaria que baila libremente por calles y parques. Ella merece una vida plena sin abusos económicos... pero , ¿tampoco de opresiones políticas estatistas???. (¡El sueño del pibe!).

Gertten, realizador sueco de 68 años, enarbola banderas de lucha como un colegial termocéfalo que nunca ha leído historia.

Plantea que, ¡oh novedad!, predomina el poder económico sobre el político. (¡!) Que la “meritocracia” es mentira; los que más contribuyen obtienen lo menos; los que rompen las reglas obtienen beneficios; los magnates pagan menos impuestos que sus más humildes empleados; las grandes universidades, en Economía, solo enseñan a robar el dinero de otros; la confianza en la democracia es una desilusión: solo triunfan los tramposos y ladrones. Es el Progreso al revés= “mientras más contribuyas al orden y la legalidad, más te empobreces”.

La filantropía de las grandes fundaciones es hipócrita. Es inútil criticar al mecenas: estamos sometidos a su poder.

La venta fraudulenta de pasaportes en Europa emerge triunfante como NEGOCIO GLOBALIZADO.

Su hipótesis nos ilustra variados abusos agiotistas en Afganistán, Malta, Holanda, Inglaterra, Estados Unidos, para terminar concentrándose, a fondo, en nuestro país de los últimos años.

“Extraer es quitar sin dar nada a cambio”. Por ejemplo, en Chile unos pocos se han apoderado del agua de los ríos para propio beneficio, y la minería liquidó la agricultura en Choapa.

Avivemos, entonces, la necesidad imperiosa de PROTESTAR. Venga el rimbombante y galardonado LASTESIS, colectivo feminista interdisciplinario y transinclusivo con sus performances a partir de 2018 (¿Existe todavía?).

Y luego el tan apoteótico “estallido social” de octubre 2019. Impulso encubierto que justificó la variopinta protesta masiva, con el inevitable vandalismo, que a su vez confundió la violación a los Derechos Humanos con la represión policial justificada del Orden Público.

De aquel terremoto surgió la Convención Constitucional. Largo y costoso proceso de elaborar una nueva Carta Fundamental para Chile. Respuesta Nacional=aplastante RECHAZO - por VOTACIÓN DEMOCRÁTICA - de la nueva Constitución que aspiraba a refundar la Patria bajo una nebulosa estructura marxistoide.

Quienes vemos este documental ahora en 2024 - bajo el actual régimen de gobierno - ya podemos leer los acontecimientos con más claridad.

Es sospechoso que el filme nunca critica, ni menciona la miseria ni las represiones de los regímenes totalitarios iraníes, norcoreanos, ni chinos (¡!).

¿Qué queda hoy en Chile del ideal Demócrata Cristiano de Maritain? Esto SÍ merece una reflexión madura y honesta.

LLEGASTE TARDE A CHILE, FREDRIK GERTTEN. TU PROPUESTA SOCIOLÓGICA SUENA SIMPLISTA Y TRILLADA (Manual de Cortapalos).

Ficha técnica

Documental - 2024 Suecia, Países Bajos, Noruega, Suiza, Finlandia - 1,33 hrs. 
Fotografía: Janice D'Avila 
Edición: Benjamin Binderup 
Testimonios: Rutger Bregman, Gerald Bryson, Sarah Chayes 
Director: Fredrik Gertten

viernes, 19 de enero de 2024

Sobrevivientes después del terremoto - Por Carlos Correa Acuña

La ciudad de Seúl, capital de Corea del Sur, ha sido devastada por un mega terremoto que resulta indescriptible. Caos total, incredulidad extrema. Una sorpresiva acción de la naturaleza que ha cobrado miles de vidas y arruinado toda la infraestructura kilómetros a la redonda. La destrucción es total, aún persisten los focos de incendio y los sobrevivientes son realmente escasos. La miseria se abre paso entre medio de un paisaje desolador donde no parece quedar nada en pié; salvo un edificio, solo uno, los departamentos “Hwang Gung”.

Esto es solo el comienzo de esta película dirigida por Um Tae-hwa. Lo que viene a continuación, luego del shock inicial, responde a la pregunta que se hacen los habitantes del edificio, y que por lo demás, nos haríamos todos nosotros en una situación similar: ¿qué hacemos ahora? No hay respuesta, sino más bien ligeras intuiciones. Ante la falta de comida, organizarnos; ante la seguridad, protegernos; ante la incertidumbre, explorar qué opciones tenemos. No es fácil decidir, pues la primera reacción de los 219 sobrevivientes, correspondientes a 136 hogares es, probablemente, bastante natural: aislarse, rascarse con las propias uñas. El cambio hacia la apertura no es sencillo, sin embargo es vital. En comunidad se enfrentan mejor las dificultades, pero cuál comunidad, la del edificio, la exclusiva de los residentes, o aquella que involucra a todos los sobrevivientes, internos y también externos?

Los personajes clave se van construyendo paulatinamente. Min-seong -Park Seo-joon-, y su esposa Myeong-hwa -Park Bo-young-, el matrimonio joven del departamento 602, y Geum-ae -Kim Sun-young-, la presidenta de la asociación de mujeres del complejo, habitante del 1207 son los primeros reconocibles. Luego surge Yeong-tak -Lee Byung-hun-, del 902, el electo delegado responsable de organizarlo todo, un hombre en un principio quitadito de bulla pero que, poco a poco, va construyendo sus responsabilidades en base a osadas decisiones. Este cuarteto soporta en sus hombros gran parte del metraje y resulta convincente, tanto en el desarrollo dramático de sus representados, como en los aspectos que se refieren a sus respectivas personalidades.

¿Es una bendición sobrevivir a una debacle de este tamaño? Podríamos responder casi automáticamente que sí, pero a poco andar nos damos cuenta que tras el infierno vivido, surge un nuevo infierno, tal vez más crudo y profundo, cuando emergen las divisiones internas producto de la lucha instintiva por sobrevivir. Las acciones y reacciones suelen ser irracionales, viscerales, dejando de lado cualquier consideración lógica para un comportamiento que comienza a ser regido en base al poder y que tiene una cara que muestra la mayor miseria humana.

El sentido de pertenencia se explicita fuertemente en las primeras acciones del grupo. Ellos son los “elegidos”, por tanto se deben proteger de las amenazas externas. Su derecho está dado por la propiedad de sus departamentos, algo que les permite imponer defensa y excluir a los foráneos. Y parecen no dudarlo. La figura del delegado cobra más importancia al aplicar las decisiones grupales, aunque siempre veamos un poder en las sombras; la mujer presidenta. Se deben fijar normas, lo hacen; necesitan organizarse y definir la forma repartir las raciones que, obviamente, son limitadas. Es imperioso salir a buscar sustento; un grupo de avanzada se encarga de aquello mientras otro grupo defiende el lugar y los demás se protegen bajo un pseudo escudo de confort.

La cinta corre y con ello también se visualizan cambios en el joven matrimonio. Él ensaya papeles más protagónicos, al punto de transformase en el asistente, o mano derecha, del delegado; ella, por su parte, permanece callada pero lo observa todo a su alrededor, y a través de su mirada vemos, tal vez, lo mismo que a ella le llama la atención. Lo que están haciendo no parece correcto, hay grietas, excluir a los externos, tarde o temprano se les volverá en contra, y la discriminación también llegará a un punto de no retorno.

Entre imágenes intercaladas, previas a la catástrofe, vemos que también son capaces de generar espacios de esparcimiento y de fiesta. No parece real, pero lo es, momento en el que el director decide mostrarnos la vida pasada del delegado, mientras este personaje, lentamente, se va transformando en un pequeño dictador. Las diferencias de trato internamente aumentan, la diferencia de trabajos o responsabilidades se ve reflejada en privilegios de comida, y así, en cada cosa cotidiana. Los ataque externos aumentan. A las avanzadas, y también asonadas al edificio. Cuando se descubren intrusos al interior son desalojados, y a quienes los han ayudado y escondido, se les marca y estigmatiza.

El regreso de Hye-won -Park Ji-hu-, una estudiante residente del 903 marca el punto de inflexión. Desde ese momento comienzan algunos descubrimientos importantes y se pone en evidencia al delegado. Todo crece en tensión y la contención ya no se ve posible. La locura de ha desatado, la enajenación es total, y amenaza destruirlo todo, acabarlo todo.

“Concrete Utopia”, su título original, mucho más claro y decidor, es una película eminentemente provocativa. Las brisas de comedia negra al interior de un drama de proporciones épicas están perfectamente delineadas. Podríamos decir, incluso, que estamos frente a un estudio social, un estudio sobre la naturaleza humana que, bajo ese leve tono de sátira, esconde parcialmente la rudeza y fuerza de argumentos que por momentos son expuestos sin ningún tipo de filtro. La mega catástrofe resulta, así, una buena excusa para realmente mostrar comportamientos humanos ante situaciones extremas, acciones y reacciones donde sale lo peor -y también lo mejor- de las personas.

Pero no todo está perdido. Hay una moraleja, una luz de esperanza y generosidad. Lo difícil es saber encontrarla, o bien, luego de qué camino la podríamos encontrar. Es por eso que, en un cierre vital, la película logra completar el círculo, redondear una historia que es mucho más que la sobrevivencia de un grupo de personas. Corresponde, aunque sea algo reduccionista, a la sobrevivencia de la especie humana en un mundo que está siendo devastado por nosotros mismos y al que la naturaleza, en cualquier momento, podría ponerle el punto final.

Ficha técnica

Título original: Concrete Utopia
Año: 2023
Duración: 130 minutos
País: Corea del Sur
Compañías: Climax Studios, BH Entertainment Co. Ltd.
Género: Ciencia ficción. Thriller. Drama | Catástrofes. Terremotos. Supervivencia. Distopía
Guion: Um Tae-hwa, Kim Dong-gyun
Música: Kim Hae-Won
Fotografía: Cho Hyung-rae
Reparto: Lee Byung-hun , Park Seo-joon y Park Bo-young .
Dirección: Um Tae-hwa

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine Viernes 19 de Enero 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

jueves, 18 de enero de 2024

Héroe por encargo - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Mason Pettits, exagente de las fuerzas especiales está atrapado en un aburrido trabajo de oficina. A regañadientes acepta un encargo para proporcionar seguridad privada a Claire Wellington, una periodista fracasada, mientras entrevista a Juan Venegas, un despiadado -pero impecablemente vestido- dictador. Justo cuando está a punto de conseguir la primicia de su vida, estalla un golpe militar. Para salir con vida, el peculiar trío debe apañarse para sobrevivir a los asesinos, a la selva y a ellos mismos.

Esta es una película menor, pero no por ello, menos entretenida. ¡Qué similitud hay entre John Cena y Arnold Schwarzenegger! Seguro que Cena es gran fan y admirador. Me atrevo a pensar que si esta película se hubiera hecho hace más de 30 años, seguro que el papel era para Schwarzenegger junto a … ¿Salma Hayek? Pero bueno, estamos en 2024 y los roles pasan indudablemente por las modas, bien lo sabemos.

Ok, entiendo, volvamos a lo que nos convoca. El inicio presenta un arco completo, una descripción en detalle de gran parte de la vida del protagonista que da una vuelta larga para mostrarnos, finalmente, su frustración total. Y la guinda de la torta es que su relación de pareja se termina (aunque no se crea mucho, porque se ve muy falsa esa escena). De ahí en más, y antes también, por supuesto, el desfile de caricaturas y estereotipos no se hace esperar, porque comienza una aventura que tiene como eje un dictardocillo latinoamericano, de esos que no abundan pero dañan bastante a su pueblo. ¿Raya para la suma? El protector, y esta vez al cuadrado, debe defender a la joven periodista (y también al galán autoritario) de un cuanto hay de situaciones que amenazan su vida a cada paso que dan.

Algo que me llama la atención es la poca química entre los dos protagonistas. Y no es que no sean simpáticos o no atraigan miradas. Tampoco destiñe el elegante dictador vestido de un blanco impoluto en el medio de la selva tropical, pero aun así, no cuadra, tal vez por lo básico de un guion que, si no recurre a la acción, se cae al suelo y varias veces. Además, con 15 minutos menos (hasta 20 me atrevo a decir), habría resultado mejor, porque hay al menos dos posibles finales antes que se baje definitivamente el telón.

No quisiera terminar mi comentario sin destacar lo bueno que tiene “Freelance” (es mejor el título original, sin duda). Las aventuras son entretenidas, los paisajes filmados son lindos, y los efectos especiales de disparos, bombas, ataques, explosiones y escenas aéreas, abarca, y muy bien, un nutrido abanico de elementos de entretención. Y a este tipo de películas, de verdad, no le pedimos mucho más, solo que cumpla lo que promete y que no se vaya por las ramas para terminar desinflada y con respiración artificial. Esta película se mantiene sobre la raya de flotación la mayor parte del tiempo, aunque da la impresión que le entra bastante agua al bote.

Ficha técnica

Título original: Freelance
Año: 2023
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Endurance Media, Sentient Entertainment, Sentient Pictures, AGC Studios, Signature Films
Género: Acción. Comedia
Guion: Jacob Lentz
Música: Geoff Zanelli, Elliot Leung
Fotografía: Thierry Arbogast
Reparto: John Cena, Alison Brie, Juan Pablo Raba y Christian Slater
Dirección: Pierre Morel