19/1/20

A Bigger Splash - Por Jackie O.

"Esperando la historia" 

Este docufilms hecho en 1974, lo llamaron así por la pintura más famosa de la serie de albercas de Hockney.

Hockney también sirvió de inspiración para el artista Billy Pappas en el documental Waiting for Hockney (2008).

De que trata este DocuFilms: El novio de David Hockney, Peter Schlesinger, termina con él su relación amorosa, y el artista queda completamente quebrado emocionalmente. Este docudrama presenta una versión semi ficcionada del contexto que dio origen a una de las obras mas icónicas del siglo XX: A bigger splash.

Al ser David el primer famoso británico en hablar abiertamente de su homosexualidad, convirtió este film en un culto en los círculos gay del underground de Londres en los años 70’.

Para hacer esta cinta, Jack Hazan ganó la confianza de David Hockney para entrar a su círculo íntimo de amigos y al proceso de creación de algunas de sus más icónicas obras de la serie de piscinas. Y poder preparar este trabajo.

David es un personaje muy interesante, que debe tener muchas historias que contar, pero este docufilms hecho en los 70 no conecta con el público, su edición no está bien tratada como para seguir una línea continua en la historia. Salta de un tema a otro, sin terminar de sentir empatía con sus intérpretes. Incluso las actuaciones no fueron del todo buenas. Y no hay buenos diálogos. Y los silencios que existen, y son muchos, aburren.

La figura femenina es mínima en este docufilms, lo que prima son jóvenes y tonificados cuerpos desnudos de hombres que se muestran en todo su esplendor, no siendo vulgar. Pero a lo más puritanos puede chocarles.

Creo que fue desaprovechada la historia.

Rescato los colores fuertes que se marcaba en algunos momentos, y que aprovechaban bien la luz de día en algunas tomas.
También los efectos de sonido eran bien usados, siendo un gran fondo.

Por lo que creo, que voy a esperar una nueva historia de este artista.

La pueden ver EN Dart-festival

Ficha técnica

Director: Jack Hazan
Editor: David Mingay
Música compuesta por: Patrick Gowers
Guion: Jack Hazan, David Mingay

Escapes de Gas - Por Jackie O.

¿Por qué se destruye algo?
¿Para no recordar quien lo hizo?


En 1972 se construyó en un tiempo récord de 275 días, un enorme edificio para la celebración de una Conferencia Internacional de Naciones Unidas. Y fueron 34 artistas quienes realizaron obras que se incluyeron en la construcción de ese edificio, el UNCTAD. 

Luego, el 11 de septiembre de 1973 fue atacado el edificio y pocas obras sobrevivieron. 

El edificio llamado Unctad luego cambió de nombre a "Diego Portales", hasta ser rebautizado como lo que conocemos ahora: GAM.

40 años más tarde de su destrucción, Joaquín Maruenda hijo del fallecido escultor Félix Maruenda, encuentra un registro que lo lleva a indagar en el acontecer de la escultura "Chimeneas" y su posible restauración. Ésta era una gran chimenea minimalista, que servía para liberar los gases del comedor popular del edificio.

Ahí comienza el proceso de indagar sobre todas las esculturas y quienes participaron en ella, con grandes registros fotográficos y videos.-

Olvidando la parte política, el documental está bien tratado en cuanto a mostrar las obras y sus partícipes. Quien, como y cuando es lo que veremos, cada quien tendrá su propia respuesta.

El arte es tan amplio y tiene tantas ramas que puedes disfrutarla en todas las formas.
Acá nos muestran trabajos bellos que lamentablemente se destruyeron, y nos preguntanos, es necesario destruir el arte?

La fotografía es muy interesante, confieso que no sabía sobre esta historia, como se llamaba el edificio en un comienzo, que obras tuvo ni quien participó. Por lo que lo encuentro un gran valor histórico.

La edición fue bien tratada acompañada de un buen fondo de sonido.

Es inevitable que los partícipes de la época no se aboquen solo a hablar de arte, que es lo que nos interesa. Si no que dan sus impresiones políticas.

Un interesante trabajo audiovisual para ver, y que el Festival Dart lo trajo.

Ficha técnica

Escapes de Gas
Documental
Chile
Dirección y producción: Bruno Salas
Guion: Bruno Salas, Diego del Pozo, Ernesto Parada y Valentín Atías
Casa productora: Trampa Films
Producción: Bruno Salas
Dirección de fotografía: Valentín Atías
Montaje: Valentín Atías
Sonido: Ernesto Parada
Música: Marcelo Espíndola

17/1/20

Mujercitas - Por Carlos Correa

Un clásico de la literatura tiene una nueva adaptación a la pantalla grande. Esta vez, la directora y guionista Greta Gerwig -“Lady Bird”-, desarrolla una cinta que recoge el material de la famosa novela de Louisa May Alcott que narra la vida de las cuatro hermanas March, su relación familiar, sus vecinos, sus amores adolescentes, sus conflictos cotidianos, sus sueños e ilusiones y sus decepciones, con el contexto de la Guerra Civil norteamericana como telón de fondo.

La película, desde el punto de vista de su realización, es espléndida. Finos decorados, bellas recreaciones de época, vestuario, iluminación, hermosas locaciones y maravillosos paisajes funcionan como un todo orgánico sin puntos bajos. La cámara de Gerwig brinda comodidad a los personajes, no los atosiga ni presiona, y con ello permite que luzcan con soltura y espontaneidad.

Cada una de las protagonistas, Jo -Saoirse Ronan-, Meg -Emma Watson-, Beth -Eliza Scanlen-, y Amy -Florence Pugh-, tienen personalidades marcadas. Grandes sueños artísticos las mueven, la escritura, la pintura, la actuación, la música, pero también lo cotidiano, su propio desarrollo personal. La relación entre las hermanas no es sencilla y su madre, Marmee -Laura Dern- logra conducirlas con mano tierna y sabia ante las visibles dificultades económicas y la ausencia del padre que combate en la guerra. No tenemos antagonistas ni conflictos externos. El corazón del guión está en estas “Mujercitas”, en sus emociones y en sus relaciones, donde los personajes masculinos son solo referenciales y en algunos casos apenas parte del decorado.

Greta Gerwig decide presentar el relato con saltos temporales. La historia va y vuelve entre presente y pasado, tanto para explicar el contexto como para adicionar un toque de refresco a una narración que si fuera lineal tal vez sería mucho menos dinámica. Esta opción hace confuso el comienzo de la cinta, sumándose a ello las pocas diferencias físicas que presentan las protagonistas a pesar de los varios años transcurridos entre cada espacio de tiempo.

También acierta Greta Gerwig al componer un guion con múltiples subtextos y que en ocasiones se superponen sin priorización ni jerarquía. Esto es algo tan propio del relato que las conversaciones simultáneas entre las hermanas, estas acciones que transcurren en simultáneo, se observan difusas e incluso contradictorias. Esta virtud reconocida, al menos en mi caso, me pone una dificultad adicional.

Sólidas actuaciones y una música maravillosa de Alexandre Desplat le entregan a “Little Women” un toque de belleza estética indiscutida. Sin embargo, a pesar de la gran cantidad de aciertos técnicos y narrativos, no logré conectar con la cinta. Algo me pasó que no pude empatizar con los personajes y aquello me llevó a verla como un espectador distante sin ser parte del relato. Es posible que los saltos temporales o lo confuso del primer tercio me produjeran cierta incomodidad que no logré superar hasta la recta final momento donde la novel directora imprime su mensaje para los tiempos actuales, basado en una historia que definitivamente es atemporal y que vive y revive cada vez que tenemos la oportunidad de acercarnos a ella.

Ficha técnica

Título original: Little Women
Año: 2019
Duración: 135 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Columbia Pictures / Sony Pictures Entertainment (SPE) / New Regency Pictures / Pascal Pictures / Regency Enterprises. Distribuida por Columbia Pictures
Género: Drama. Romance | Vida rural (Norteamérica). Familia. Siglo XIX
Guion: Greta Gerwig (Novela: Louisa May Alcott)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Yorick Le Saux
Reparto: Saoirse Ronan, Timothée Chalamet, Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, Laura Dern, Meryl Streep, James Norton, Louis Garrel, Bob Odenkirk, Chris Cooper, Tracy Letts, Abby Quinn, Sasha Frolova, Jamie Ghazarian, Hadley Robinson, Ken Holmes, David Arthur Sousa, Jayne Houdyshell, Jen Nikolaisen, Domenic Arduino, Tom Kemp, Mikayla S. Campbell, Edward Fletcher, Lilly Englert, Rob Lévesque, Kayla Caulfield, Cassidy Neal, Adam Desautels, Bill Salvatore, Dash Barber, Jason Mulcahy, Tom Stratford, Erin Rose, Lonnie Farmer, Robert Marsella, Bill Mootos, Yefim Somin, Adam Teper, Alexander Davis, Thomas J Berry, Scott Sederquist, Michael Cassata, Dave Maguire, Yair Koas, Brian Tobin
Dirección: Greta Gerwig

16/1/20

Jojo Rabbit- Por Jackie O.

“Bailemos, ya que debemos demostrarle a dios que estamos agradecidos de estar vivos.”

Taika Waititi hace que nos riamos, pero no de los oscuros hechos que se conocen de esa época, sino de la estupidez nazi.

Sinopsis: “Jojo es un tímido niño de 10 años, pero muy fanático y estricto en su pensamiento hitleriano. Quien descubre que su madre oculta a una “monstruo judía” en su casa, y todos sus ideales nazis comienzan a caer de a poco”.

Una película más que una sátira hitleriana, creo que con su humor “crítico” quiere transmitir mensajes de temas tan importantes como la inocencia, los prejuicios, el amor, fraternidad y la bondad.

Primero que todo se lleva los plausos su protagonista, el pequeño JOJO interpretado carismáticamente por Roman Griffin Davis.

Un niño obsesionado con su ídolo Hitler, al punto de tenerlo como amigo imaginario, un niño que solo quiere servir a “la causa” de la forma que sea. Incluso participa activamente en un campamento tipo boy scouts pero más agresivo, llamado Jóvenes Alemanes de las Juventudes Hitlerianas, que lidera un muy divertido Sam Rockwell. Lugar que sirve para manipular a estas almas nobles e inocentes.

No solo reirás en esta película con situaciones jocosas, sino que nos enroscará el tema de los prejuicios.

Veremos cómo la inocencia de un niño y la calidez de su madre, hacen que el drama se presente. Una madre que no le impone nada a su hijo, que lo deja ser, que trata de enseñarle lo bello de la vida, sin dureza sino con amor.

Otro valor a destacar es la amistad que crece entre el fanático hitleriano Jojo con la chica judía. Ahí el pequeño Jojo verá como su fanatismo se pone a prueba, de cómo ella le enseña a ver un mundo desconocido para él. Un mundo que solo está en su cabeza.

El guion adaptado está genial y porque, porque de la novela “El cielo enjaulado”, una novela dramática, Waititi la transforma con sus situaciones cómicas y ridículas (sin dejar de lado momentos dramáticos).

Taika no solo dirige esta película, sino que participa ridiculizando a este Hitler, encarnándolo. Con un guion que no le interesa ser políticamente correcto, reservándose el papel de “raza aria” cuando no tiene el aspecto, agregándole que es de descendencia judía.

De esta forma trata la temática del racismo, un tema muy delicado y lo transforma en una comedia para grandes y chicos.

El vestuario está correcto, acorde a la historia. La puesta en escena está muy bien lograda. Su diseño de producción está bello.

Las actuaciones son muy destacables en su mayoría, por ejemplo Rebel Wilson encontré su personaje desaprovechado.

En que puede fallar, en que sus partes cómicas sean algo irregular que te pueden descolocar, ya que no sea en el momento adecuado para ello.

A pesar de ello, es muy buena película y recomendada.

“Mientras tanto voy a masticar unas uvas”.

Ficha técnica

Dirigido: Taika Waititi
Guión por Taika Waititi
Protagonistas: Roman Griffin Davis, Thomasin McKenzie, Taika Waititi, Rebel Wilson, Stephen Merchant, Alfie Allen, Sam Rockwell, Scarlett Johansson
Musica: Michael Giacchino
Cinematografía: Mihai Mălaimare Jr.

Mujercitas - Por Juan Pablo Donoso

Excelente y hermosa. Lejos de ser feminista, deja un hondo sentimiento de ternura y admiración por las mujeres.

La novela de Luisa May Alcott (1832 - 1888) junto con ser un clásico de la literatura estadounidense, ha sido un éxito rotundo cada vez que lo han llevado al cine. Desde la muda de 1917 hasta hoy se han filmado 7 versiones, sin incluir las más de 10 teleseries; y siempre espléndidas.

La magia de su autora ilumina también cada película. Y todas han recibido un tratamiento narrativo distinto. Más, al parecer, el carisma de sus personajes se encarga de conmovernos de todas maneras.

Su directora y guionista, Greta Gerwig (Lady Bird 2017), debió ser nominada al Oscar por su manejo de actores, su sintaxis audiovisual (perfecta combinación de vistas panorámicas con primero planos) y por abordar una novela tan conocida de manera tan diferente, fresca, entendible, y desbordante de emoción.

La historia se nos cuenta saltando en los tiempos. Así compenetramos las contingencias más íntimas de sus personajes. Las escenas del futuro explican las angustias del pasado. Y las pretéritas hacen más sensibles las posteriores. Lo que pudo ser confuso se torna - gracias al genial tejido del guion - en un fluir similar a la memoria en que las criaturas van cautivándonos cada vez más.

La joven escritora Jo March luchará por ser una buena escritora en pleno siglo 19, volcando en sus obras la condición de su familia: un padre ausente luchando en la Guerra Civil, y una madre generosa, y pobre, a cargo de mantener a sus 4 hijas adolescentes.

Fabulosa recreación de época tanto en exteriores (calles, edificios y paisajes) como en interiores de diversos niveles sociales y económicos. Prolija selección de decorados, utilería, vestuarios y caracterizaciones, en especial de los personajes masculinos (Mr. Laurence - Chris Cooper (Agosto 2013 y Belleza Americana 1999) y Timothee Chalamet como "Laurie" (Beautiful Boy 2018).

Las actrices se ven embebidas en sus personajes. Interactúan con exquisita espontaneidad. Las 2,15 hrs. pasan volando por la belleza y sutil pulso narrativo de cada etapa.

Hay en el personaje de Jo March mucho de autobiográfico. Lo interpreta Saoirse Ronan (Brooklyn 2015) con fluida honestidad. Cada hija, muchacho y adulto fue encarnado por actores tan carismáticos como Emma Watson (Harry Potter), Florence Pugh (Midsommar 2018), e incluyendo entre otros a Meryl Streep como la sarcástica tía decimonónica.

La adaptación capta perfecto el espíritu del libro. Por carecer de sentimentalismo fácil, sin duda, Alcott lo habría ensalzado como fiel a su propósito.


Será difícil que algún espectador abandone la sala sin haberse conmovido con una obra tan noble, bella y talentosa.

UNA VEZ MÁS ESTAS MUJERCITAS CLÁSICAS DESBORDAN TALENTO, BELLEZA Y EMOCIÓN. CANDIDATA A VARIOS OSCARES.

Ficha técnica


Título Original: Little Women 
Drama familiar, romance EE.UU. - 2,15 hrs. Sony - Andes Films 
Fotografía: Yorick Le Saux 
Edición: Nick Houy 
Música: Alexandre Desplat 
Diseño Prod.: Jess Gonchor 
Actores: Saoirse Ronan, Emma Watson, Florence Pugh 
Guionista y Directora: Greta Gerwig

Dolittle - Por Juan Pablo Donoso

Quienes crean que sólo es para niños chicos se llevarán una grata sorpresa.

Es un cuento de hadas muy bien tramado, gracioso y con excelentes efectos especiales.

Una delicia para los que aman y sienten que se comunican con los animales.

El primer Doctor Dolittle fue un clásico de 1965. Dirigida por Richard Fleischer y protagonizada por Rex Harrison con Samantha Egar y otras estrellas de la época.

Las secuelas con Eddie Murphy fueron decayendo hasta parecer que la veta se había secado.

Pero un buen guion, un elevado presupuesto y nuevas estrellas lograron resucitarlo con encanto.

Cuando la Reina Victoria (Jessie Buckley - Judy 2019 - Taboo 2017) se enferma de gravedad, la pequeña Princesa Rose (Carmel Laniado) decide visitar al ermitaño Dr. Dolittle para que consiga un remedio mágico que salve a la soberana.

Junto a un joven amiguito amante de los animales llamado Tommy Stubbins (Harry Collett -Dunkerque - 2015) irrumpirán en la clausurada mansión del veterinario Dolittle para convencerlo de salvar a la reina.

El médico (Robert Downey Jr.) - que vivía rodeado de diversos animales con los cuales conversaba de igual a igual - acepta y emprenden todos juntos la aventura por los mares en busca del Árbol del Edén.

En su travesía llegan a la isla gobernada por el feroz pirata Rassouli (Antonio Banderas) quien, por coincidencia, era el padre de Lily, la esposa fallecida de Dolittle, y por quien el galeno se había marginado del mundo.

Vendrán muchas y graciosas aventuras en que participan todos los animales del grupo, cada cual con su propio talento. Llegarán por fin a la isla mágica del Árbol del Edén, y ya en posesión del fruto volverán a Inglaterra para salvar a la Reina. Aunque en el mismo palacio real hallarán nuevos obstáculos.

Ritmo muy ágil, personajes simpáticos, fabulosos efectos especiales para dar vida y lenguaje a todos esos animales (422 técnicos aprox.) y una sucesión de peripecias con hermosa fotografía y muy grata música incidental.

En la versión de habla inglesa muchos astros y actrices importantes dieron voz a cada animal (Tom Holland, Marion Cotillard, Emma Thompson y Ralph Fiennes, y muchos más).

Y entre los actores secundarios se lucen Michael Sheen como el celoso Dr. Blair, y Jim Broadbent como el flemático Primer Ministro de la Reina, hábilmente dirigidos por Stephen Gaghan (El poder de la ambición 2015 - Syriana 2005).

UNA BRILLANTE COMEDIA DE AVENTURAS, LLENA DE HUMOR Y SIMPATÍA. RECOMENDABLE PARA TODA LA FAMILIA.

Ficha técnica

Aventuras, comedia, familiar Andes Films -Universal EE.UU. - 1,46 hrs. 
Fotografía: Guillermo Navarro 
Edición: Craig Alpert 
Música: Danny Elfman 
Diseño Prod.: Dominic Watkins 
Guionistas: Stephen Gaghan, Dan Gregor 
Actores: Robert Downey Jr., Antonio Banderas, Michael Sheen 
Director: Stephen Gaghan

Los Rostros del Diablo - Por Juan Pablo Donoso

El tema está manoseado, más, el tormento de sus víctimas lo enriquece.  

Puede verse sólo como uno más de terror, o también aceptar su reto de mayor trascendencia espiritual.

En los últimos años el cine coreano ha demostrado una creciente calidad. Aunque abunda en temáticas de terror, las hay también de valiosos contenidos políticos, religiosos y familiares.

Aquí recurre a los manidos exorcismos, posesiones satánicas, y  sacerdotes llamados a combatirlos. Sin embargo, destacamos su excelente factura. Atrapa nuestro cariño por sus personajes, por su prolijo tratamiento audiovisual, por la inteligente progresión del relato, y su loable nivel de actuaciones.

Comprobamos, una vez más, que una buena realización artística logra sus objetivos de suspenso y terror a pesar de incursionar en temas muy conocidos. Similar hazaña sería posible hasta con el repulsivo asunto de los zombies.

Byeonshin, en coreano, significa “metamorfosis” en español. Y de este fenómeno se valen los autores para inocular el demonio en los miembros de una familia católica sencilla e inocente.

Partiendo de la premisa de que el Demonio es el Rey de la Mentira, los personajes caen en la indefensión cuando el Maligno usurpa la identidad de los seres amados.

Satanás, encarnado en un misterioso vecino, toma el cuerpo y el rostro de cada miembro de la familia sin importar sus edades o sexos. Aprovechará los rincones débiles del alma de cada persona.

Ni siquiera se libra el tío sacerdote católico, experto en exorcismos.

Cada actor y actriz - incluido el niño - interpretan con solidez los momentos de alienación, cuando el espíritu maligno de la casa vecina los posee. Y cada uno despliega su personalidad satánica en perfecta coherencia con su carácter original. Por eso logran engañar con tanta facilidad a sus parientes.

Carece del convencional “final feliz” de los norteamericanos. Por el contrario, expone la autoinmolación como una forma de martirio para salvar el alma de los seres queridos.

El tratamiento del guion previene sobre el constante peligro en que están nuestras almas; y de cómo, casi imperceptiblemente, el demonio se ingenia para tendernos trampas usando nuestros habituales rostros y voces.

Si nos limitamos sólo a las acciones paranormales veremos una eficaz historia de posesiones demoníacas. Más, quien trate de comprender la psicología de los personajes sufrirá con ellos los ataques sibilinos del maligno.

Por algo cuando termina la exhibición nos deja en el subconsciente una semilla emotiva de prevención contra los peligros que corren todas las almas y, en especial, las más desvalidas.

TERROR COREANO CON UN FONDO ESPIRITUAL  MÁS  SUTIL  E  INQUIETANTE.

Ficha técnica

Título Original: Byeonshin                                                                  
Terror, satanismo                                                                                        
Corea del Sur - 1, 43 hrs.                                                                
BFDistribution                                                                                        
Actores: Dong-il Sung, Hye-Jun Kim, Kang-Hoon Kim., Seong-woo Bae, Yi-Hyun Cho, Young-nam Jang                                    
Director: Hong Seon Kim

15/1/20

War of Art - Por Jackie O.

“Una Guerra cultura, donde quien muere o vive es el ego”

SINOPSIS: Mientras el mundo está al borde de la guerra, un grupo de artistas contemporáneos occidentales están invitados al ojo de la tormenta: Corea del Norte. Este elenco de personajes coloridos invade el país notoriamente clandestino y sombrío, y mientras llegan en busca de un intercambio cultural pacífico, su proyecto bien puede convertirse en una Guerra de Arte.

La palabra guerra suena muy fuerte, pero no se trata de esa guerra con muertos o heridos. Salvo heridas de ego, que sí se verán en este documental.

Tenemos a siete artistas que deciden internarse en la actual Corea del Norte para un intercambio cultural pacífico, pero esta experiencia dará paso a una guerra por el arte entre visitantes y anfitriones.

Es una experiencia que los llena de ilusión, y con mucho entusiasmo estos visitantes exponen su trabajo viéndose algunos frustrados al no ser comprendidos.

Conoceremos a unos extravagantes, bizarros, originales y entusiastas artistas, en sus respectivas áreas de trabajo que mostrarán en este estricto régimen que es Corea del Norte.

¿Pero cómo tomarán los trabajos con sangre de uno de ellos, o la mezcla de sonidos de naturaleza de otro? Choque de culturas, choque de egos.

Tratada de una manera humana, muestra las diferencias de opiniones, sus trabajos y la pasión que los mueve a desarrollarlas. Con las frustraciones y las alegrías propias de un ser humano, y en este caso de “artistas”.

El documental es dinámico, y es otra manera de conocer áreas de trabajo en este amplio mundo de las artes.

War of Art, la puedes ver en sala K este viernes 17, y en Matucana 100 el domingo 19.

Ficha técnica

Dart Festival
2019 ‧ Documental ‧ 1h 42m
Director: Tommy Gulliksen
Cinematografía: Sven Erling Brusletto
Editor: Uwe Klimmeck
Productores: Andreas Gutzeit, Linn Aronsen, Eirin Høgetveit, Benedicte Danielsen
País: Noruega, Alemania

13/1/20

1917 - Por Carlos Correa

Esta cinta del director Sam Mendes es una proeza cinematográfica por donde se la mire. Deslumbra por la calidad técnica de su factura y es imposible dejar de pensar en ello, a riesgo de dejar de lado algunos detalles.

Estamos en la Primera Guerra Mundial y la misión que reciben dos jóvenes soldados británicos, Schofield -George MacKay- y Blake -Dean-Charles Chapman- es prácticamente imposible. Deben atravesar territorio enemigo para entregar un mensaje que evitará una emboscada alemana que cobrará cientos de víctimas, entre los que se encuentra el hermano de Blake. Para lograrlo tienen solo un día y las condiciones son en extremo adversas por lo que esta travesía es una verdadera odisea.

Los hechos se inspiran en una anécdota contada a Mendes por su abuelo paterno, Alfred Mendes, por lo que el compromiso personal que tiene el director con el relato resulta ser vital. Mendes, quien escribe el guion junto a Krysty Wilson-Cairns, toma una importante decisión que se transforma en el sello de la historia: la narración es una gran secuencia lineal provista por una cámara que sigue y acompaña a los protagonistas sin despegarse de ellos en ningún momento.

La calidad de la fotografía de Roger Deakins es excepcional. Capta mínimos detalles con una precisión maravillosa que permite observar permanentemente y con diversas perspectivas esta épica aventura. Es todo tan real que parece que nosotros estamos acompañando a los protagonistas. Sentimos su temor, percibimos sus dudas y admiramos su arrojo y valentía. Es un mérito innegable que Sam Mendez nos haga parte del relato empatizando con ambos soldados.

Hay que conocer y saber mucho de cine para intentar detectar los cortes y la edición en una filmación que se inscribe dentro de lo mejor del último tiempo. La verdad, a mi en lo personal me cuesta mucho y prefiero no hacerlo porque podría disminuir la magia de una cinta que se vive y se percibe como una sola y larga escena, casi en tiempo real.

Cada lugar y cada cambio de locación se desarrolla con una continuidad asombrosa. Aparecen personajes, batallones enteros, trincheras repletas de soldados, otras completamente abandonadas, trampas por doquier, enfrentamientos y lugares que parecen desolados pero no lo están. Todo ello implica sorpresa. No sabemos qué hay detrás del túnel o al interior de una ubicación enemiga. La tensión es máxima, por momentos agobiante y abrumadora, no cede y nos mantiene en permanente estado de alerta.

Sam Mendes logra esta proeza gracias a una acertada reunión de elementos que logra coordinar al milímetro. La banda sonora de Thomas Newman permite dividir el relato y dotar de color cada una de las escenas que lo componen. Logra quietud, reflexión y a la vez permite movilizar la acción como consecuencia de la situación que se debe enfrentar.

“1917” es estupenda y no puede dejarse de ver en el cine, en pantalla grande y en las mejores condiciones. Es de un virtuosismo tan alto que gracias a ello podemos dejar pasar algunos detalles que tal vez en otras cintas no podríamos dejar de mencionar. Es tan sólida su construcción y tan potente lo que logra transmitir que aquello es lo más importante y lo más destacado. Colin Firth y Benedict Cumberbatch, interpretando al general Erinmore y al coronel Mackenzie respectivamente, aparecen menos de cinco minutos en pantalla y sus intervenciones son cruciales. Es solo una pequeña muestra del arte conseguido por Mendez en una cinta que cautiva, sorprende y emociona de comienzo a fin.

Ficha técnica

Título original: 1917
Año: 2019
Duración: 119 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Amblin Partners / Neal Street Productions / DreamWorks SKG / New Republic Pictures. Distribuida por Universal Pictures
Género: Bélico. Drama | I Guerra Mundial
Guion: Sam Mendes, Krysty Wilson-Cairns
Música: Thomas Newman
Fotografía: Roger Deakins
Reparto: George MacKay, Dean-Charles Chapman, Richard Madden, Benedict Cumberbatch, Mark Strong, Colin Firth, Andrew Scott, Teresa Mahoney, Daniel Mays, Adrian Scarborough, Jamie Parker, Nabhaan Rizwan, Justin Edwards, Gerran Howell, Richard McCabe, Robert Maaser, John Hollingworth, Anson Boon, Jonny Lavelle, Michael Jibson, Chris Walley
Dirección: Sam Mendes

11/1/20

Lo mejor está por venir - Por José Blanco Jiménez

El “buddy movie” es un producto típicamente hollywoodense con parejas inolvidables: Laurel y Hardy, Abbott y Costello, Dean Martin y Jerry Lewis o – llegando a tiempos más recientes – Jack Lemmon y Walter Matthau. En el cine europeo, ha habido intentos poco felices, que no van más allá del sketch teatral y/o televisivo: Walter Chiari y Carlo Campanini, Totò y Peppino de Filippo, Franco Franchi y Ciccio Ingrassia, Bourvil y Louis de Funes. Pero, en general, no se consigue un buen resultado, porque falta un affiatamiento que además – en el caso norteamericano – huele a homosexualismo y misoginia.

En términos más actuales, se puede hablar de un “bromance”, esto es un acrónimo entre “brother” y “romance”, esto es un vínculo afectivo intenso, no-sexual, entre varones, que va más allá de la amistad tradicional.

Arthur Dreyfus (Fabrice Luchini) es un médico judío, puntilloso, con matrimonio fracasado, una hija y apegado a las reglas. César Montesiho (Patrick Bruel) es judío argelino, un bueno para nada, fracasado en todo.

Fueron compañeros en un colegio severísimo y vuelven a encontrarse. Arthur viene a saber que César se encuentra en una gravísima condición de salud y que no lo sabe. César cree que Arthur está en fin de vida y ambos compiten en realizar los sueños incumplidos del otro. Se desbloquea así un punto de estancamiento existencial.

¿Suena a argumento conocido? ¡Claro que sí! Antes de partir (The Bucket List, de Rob Reiner, 2007), con Jack Nicholson y Morgan Freeman, rayó la cancha.

Lo mejor está por venir arranca algunas carcajadas por las situaciones de contraste y el juego de las equivocaciones, pero tiene un dejo muy amargo.

Para tocar el tema de eludir a la muerte entre amigos se necesita genios como Pietro Germi y Mario Monicelli, que lo consiguieron con Amici miei (1975 y 1982; en Chile la segunda parte se conoció como El quinteto irreverente). El mismo Monicelli resolvió el problema suicidándose a los 95 años, el 29 de noviembre de 2010.

En esta película, cuenta mucho más el tema de la automarginalidad provocada por el origen racial. Al punto que la amiga, que calma las penas como asistente de personas con problemas, es una emigrante: Randa Ameziane, interpretada por la marroquí Zineb Triki.

Para mi gusto, lo que están haciendo Alexandre de La Patellière y Matthieu Delaporte es tratar de captar un público distinto del tradicional, en momentos que Francia se encuentra azotada por movimientos ciudadanos provocados por un enemigo más aplastante: el neoliberalismo salvaje y la indiferencia social.

(Le Meilleur Reste À Venir. Francia, 2019)

La maldición de la ouija - Por José Blanco JIménez

El peligroso juguetito sigue haciendo estragos. Una de las normas es que no se debe usar en un sitio donde ocurrieron hechos luctuosos. Y es precisamente lo que hace Laurie (Carly Schroeder) cuando decide repetir una experiencia que fue terrible 30 años antes: usar la tabla ouija para invocar espíritus como experiencia paranormal. De los resultados podría salir un libro y de la venta de éste el rescate de una hipoteca. La acompañan su novio Nick (Mark Grossman) y la pareja afroamericana conformada por Tina (Grace Demarco) y Spence (Derrick A. King).

En la casona de la sesión los espera la prima Samantha (Mischa Barton) y no se trata de un lugar tenebroso, sino de un moderno y confortable bungalow, amoblado con el mejor gusto moderno. Ello es una de las escasas variantes de esta película con respecto a sus predecesoras. Pero sí son lugares comunes el llamado del espíritu y sus trágicas consecuencias.

En efecto, la pregunta más recurrente es: “¿Qué está pasando aquí?”. Y la verdad es que los protagonistas parecen no entender lo que el espectador capta desde un primer momento: han llamado a un espíritu maligno y éste no les dará tregua haciéndolos entrar en un juego macabro.

Se trata de Roka, culpable de la muerte de niños, que fue neutralizado por “brujas buenas”, antepasadas de las primas, y que ahora busca su revancha. Aprovechando que Tina, con unas copas de más, pinta su cuerpo como tablero ouija y se traga una piedra que le perteneció, la posee. De ahí para adelante se cae en el gore. Me detengo aquí por razones obvias, ya que todos los ingredientes están dados.

Sólo dos observaciones. Primera: es difícil asumir los juegos anagramáticos por la traducción del inglés al castellano, sobre todo si ven una versión doblada. Segunda: bellos ejemplares juveniles, pero nada de desnudos, lo que no deja de ser una novedad.

(Ouija House. USA, 2017)

9/1/20

La Maldición de la Ouija - Por Jackie O.

“La real maldición es soportar 95 minutos”.

“Ouija House” es una película que se cataloga de terror sobrenatural estadounidense, que se estrenó el 2018.

La cinta narra la historia de una joven que está escribiendo un libro sobre actividad paranormal, y para darle el final perfecto decide reunir a sus amigos llevándolos a una casa que tiene un pasado muy oscuro. En dicho lugar encuentra una ouija, donde el grupo invoca a una entidad malvada que juega con ellos.

Se lee interesante, y cuantas situaciones realmente aterradoras se podrían hacer con una historia así.

Su director ha hecho un par de películas con críticas muy desfavorables, pero insiste, y lamento decir que ésta no está ni cerca de poder ser una película buena de terror. Tampoco vemos situaciones que puedan ser valores rescatables para detallar.

Creo que hacer un poco de historia de cine es más interesante que hablarles de la misma película: La tabla Ouija es una tabla marcada con las letras del alfabeto, los números del cero al nueve, las palabras “sí”, “no”, “hola” y “adiós”. Se supone que sirve para invocar espíritus colocando un puntero movible sobre la tabla y desplazándola con los dedos.

Para muchos es un objeto aterrador y esto se ha debido, en gran parte, a las películas. Creo que la primera vez que se utilizó esta tabla en el cine fue en la película “The Uninvited” de Lewis Allen en 1944. Y de ahí han salido diversas películas.

No sé qué decirles de esta película, la cual no tiene nada de terror ni siquiera un ápice de tensión, sin nada de originalidad y rellena con situaciones mal editadas, momentos que sacaron de otras películas como poner una muñeca poseída (tipo Anabelle), típicas posesiones demoniacas (vistas en Constantine por ejemplo), dar vueltas y llegar al mismo lugar (como en pesadilla 3), un par de fantasmas, historias de brujas, extraños ruidos mal instalados, etc.

“La maldición de la Ouija”, es una película que no llega a asustar en ningún momento (ni siquiera a inquietarte un poco) y está plagada de situaciones ilógicas, mala dirección, efectos malísimos, y actuaciones pésimas que llegan a causar risa.

Si quieres la vez en TV, aunque ni ahí vale la pena perder hora y media.

Ficha técnica

Título Original: Ouija House
Duración 95 minutos
Director: Ben Demaree
Producida por: Jeff Miller
Productores Ejecutivos: Stuar Alson, Albert Avramovic, Kwang Rae Choi, David Coppa, Ameer Fawaz, Tom Hillery, Ronnie D. Lee, Felix McNulty, Thomas Webert, Ray Young.
Reparto: Mischa Barton, Tara Reid, Carly Schroeder.