19/1/21

Hernán - Por Alejandro Caro

Sinopsis: La conquista de México. Cada episodio está contado por alguien que conoció de cerca al conquistador Hernán Cortés, que con unos cuantos cientos de soldados, doblegó a un imperio de guerreros. Cortés, enviado a una misión de reconocimiento termina transformándose en un conquistador, con hábil manejo político y de negociación frente a sus enemigos.


Esta historia está ambientada en 1519, bastante fiel a los hechos, aunque no es un documental, pero se buscó reconstruir la historia. Primero sus locaciones, hechas en México, para la elaboración del guion y el relato se recurrió a fuentes originales, cartas, códices y escritos de los primeros cronistas del s.XVl y XVll, así como referencias antropológicas, buscando ser los más fiel posible a la realidad. Los protagonistas debieron estudiar durante algunos meses las lenguas maya y náhuatl.

Los aspectos técnicos, un guion dinámico con flashback para dar sentido a la historia que se está contando, una ambientación, fotografía y una musicalización prehispánica, hacen que con este relato nos involucremos emocionalmente. Ese un logro de una buena obra cinematográfica.

Lo anterior ya hace valiosa a esta serie, pues nos acerca a conocer la historia de la conquista de nuestro continente.

En esta parte de la historia, con Hernán Cortés como personaje de suyo complejo para enfrentar un mundo desconocido a someter -no respetando su cultura, su cosmovisión del mundo y de sus dioses-, para lograr eso, debe usar todas sus habilidades.

Es un relato crudo, por momentos en algunos personajes aflora su crueldad, además, traspasada por las intrigas, codicia, conspiración, traición, sentimientos y contradicciones. Por último, como siempre, lo que se busca es el poder y la supremacía de un pueblo sobre otro; eso trae consecuencias que se quedan en el inconsciente colectivo de esos pueblos sometidos.

Finalmente nos permitirá conocer algunos aspectos de un pueblo originario de nuestro continente como muchos que fueron sometidos por sus propias divisiones internas.

Es una serie interesante y entretenida, pero no es una clase de historia. Si alguien busca aquello debe ir a otro lugar a investigar.

Amazon prime ya anunció la segunda temporada.

Disponible en Amazon Prime. 

Ficha técnica

Título original: Hernán (TV Series) 
Año:2019 
Duración: 8 capítulos de 48 min. Aprox. 
País: España 
Dirección: Amaya Muruzabal (Creador), Norberto López Amado, Julián de Tavira, Alvaro Ron 
Guion: Amaya Muruzabal, María Jaén, Curro Royo, Julián de Tavira, Julia Rivero 
Música: Federico Jusid 
Fotografía:Beto Casillas, José Luis Pecharromán 
Reparto: Óscar Jaenada (Hernán Cortés), Michel Brown ( Pedro de Alvarado),Isabel Bautista (La Malinche (Malitzin) – Marina), Jorge Antonio Guerrero ( Xicotencatl), Mitzi Mabel Cadena (Doña Luisa), Víctor Clavijo (Cristóbal de Olid),Dagoberto Gama (Moctezuma), Almagro San Miguel (Gonzalo de Sandoval), Miguel Ángel Amor (Bernal Díaz del Castillo), Isabel Luna (Mictecacíhuatl). 
Productora: Co-production España-México; Dopamine Productions, Onza Entertainment (Distribuidora: Amazon Prime Video) 
Género: Serie de TV. Drama | Histórico. Biográfico. Siglo XVI. Conquista de América. América colonial 

Premios: 2020: Premios Platino: Nominada a mejor actor en serie (Oscar Jaenada)

Mulán - Por Jackie O.

“¿Porque existe la necesidad de que todo sea live action?”


Todos conocemos la historia de Mulán, esa fantástica obra animada de Disney de 1998 que nos cautivó y aún nos cautiva.

Cuando se dijo que sería en el formato Live Action, hubo dudas pero también emoción e intriga para ver quienes interpretarían a esos grandes personajes, y como se desarrollaría la historia.

Me demoré en hacer la reseña a pesar de que la vi hace meses, no sabía cómo expresar todo lo visto... Y con qué nos encontramos: con una historia nueva, con una historia diferente.

Ahora me voy con todo.

Si no viste la animada, lo más seguro es que te gustará esta película, pues es una historia que no conocías, además las actuaciones principales son buenas en su mayoría, tiene un buen elenco (aunque la pobre Mulan apenas habla en la película).

Ya no tenemos a Mushu!!! no es lo mismo. Lo quisieron reemplazar con una hermosa ave, que supuestamente es el ave fénix, creo que sale unas 4 o 5 veces dando unas vueltas que no tienen mucho sentido.

La historia de amor que también nos gustaba, no existe.

Solo se aboca a mostrarnos como esta joven salva a su padre de ir a la guerra, tomando ella su lugar, haciéndose pasar por hombre y ser soldado, ayudando al Emperador de la maldad de un sujeto. Eso ya lo conocemos. Pero no está la evolución de esta joven de familia a una guerrera.

Hay algunas escenas que te hacen recordar la película animada,  como al comienzo cuando a la preparan para ser una fina dama para ser casada por ejemplo, pero son pocas. Otras escenas son inventadas.

El guion no es muy acertado, con una edición irregular, no sé en qué estaba el director y el resto del equipo técnico.

Los efectos especiales se notaban, y me molesta que en pleno siglo 21 pase eso. Y gastaron millones y millones en hacerla.

Pero algo bueno debe tener, sí:

Un vestuario y maquillaje bello. Me encantan los decorados de películas orientales por su opulencia, incluso en pobreza, su colorido y detalles varios.

Y hay algunas buenas coreografías, aunque la mayoría muy irreales, solo faltó verle el alambre desde donde se colgaban.

Lamentablemente no vi acá la película original. Perdió su esencia, y ante eso perdió esos valores que nos dejó la animada como el respeto a la familia, el valor, la lealtad, la amistad, etc.

Se queda en una película que sirve para pasar el rato en especial para quienes no conocen la historia, y para quienes la conocemos, verla por curiosidad.

Disponible en Disney +

Ficha técnica

Dirección: Niki Caro
Guion: Rick Jaffa, Amanda Silver, Lauren Hynek y Elizabeth Martin
Basada en “Mulan” de Tony Bancroft y Barry Cook y “Hua Mulan” de Guo Maoqian
País: EEUU 
Año: 2020
Género: Acción y Aventura 
Duración: 115 minutos
Música : Harry Gregson-Williams
Fotografía: Mandy Walker
Montaje: David Coulson
Reparto:
Liu Yifei como Mulan.
Crystal Rao como Mulan de niña.
Donnie Yen como el Comandante Tung.​
Jason Scott Lee como Bori Khan.
Gong Li como Xian Lang, una poderosa bruja.
Jet Li como el Emperador de China.​
Tzi Ma, como Fa Zhou.

18/1/21

Laberintos - Por Carlos Correa

Disponible en YouTube. 


Esta película franco-belga, estrenada el año 2003, aborda una trama interesante. Se trata de un problema disociativo de identidad, un trastorno de personalidad múltiple. El guion, escrito por el mismo director René Manzor, nos sumerge de lleno en esta condición, algo vital para resolver un caso policial que involucra a una persona acusada de veintisiete homicidios.

La historia remite a Claude -Sylvie Testud-, la joven sindicada como responsable de las muertes. Karl Freud -Michel Duchaussoy-, psiquiatra a cargo, necesita ayuda para desentrañar lo que sucede con esta mujer e informar al Tribunal, por lo que recurre al doctor Brennac -Lambert Wilson- para que acepte el desafío y desarrolle sesiones diarias de terapia. En paralelo, el relato ofrece flashbacks de los días previos a la detención, en los que Matthias -Frédéric Diefenthal-, un introvertido investigador, junto al equipo policial, buscan pistas para dar con el paradero de la persona responsable de los homicidios.

En poco más de una hora y media, el metraje va adquiriendo capas que permiten conocer a los personajes. A pesar de los recuerdos que se entrelazan, el curso de la narración es lineal. Y nos dejamos llevar por ello. Sin cuestionarnos demasiado, es el momento en el que entramos al laberinto de la personalidad de Claude, porque ella representa, al menos, cuatro sujetos diferentes. Y sumamos una nueva vertiente; el papel fundamental que la mitología juega en esta historia pues se encuentra explícita la leyenda del Laberinto del Minotauro.

La cinta resulta cautivadora desde todos sus ángulos. El director es hábil para cazarnos con su discurso para que combinemos las piezas que tenemos enfrente. La actuación de Sylvie Testud es estupenda, no tiene dificultad en representar cada uno de los papeles que emergen de su voluble emocionalidad.

La película explora múltiples temas; intriga policial, infancia perturbada, sufrimientos extremos, vulnerabilidad y abandono, castigos, ofrendas, arte, imaginación, mitología, leyenda y psicoanálisis. Todo se va entretejiendo y da forma a secuencias que aparentemente están desconectadas pero que, sabemos de antemano, tienen varios cruces y precisos puntos en común. Es, además, un puzzle policial, sicológico y humano, donde cada pieza se encuentra preparada, lista y dispuesta para ser desplazada, colocada y, por supuesto, calzada. Resulta fundamental, también, lo referido a la familia, algo que marca la infancia de la protagonista y que poco a poco revela las causas profundas de sus acciones.

¿Cuál es el rol del azar? Descoloca el modus operandi utilizado. ¿Se ofrece como un elemento más, un distractivo tal vez, o es clave para entender lo que sucede en la mente responsable de los crímenes? La cinta posterga las definiciones y juega con nosotros hasta el final. Solo en los últimos diez minutos empiezan a caer las piezas de este juego tipo “Tetris” y vamos encajando los elementos tal como deben ir, en la posición que ocupan, adquiriendo un sentido que, por supuesto, difiere de nuestras lecturas previas.

“Dédales” -Dédalo, quien construyó el laberinto para esconder al Minotauro- funciona bien. Lástima que solo esté disponible en una copia de mala calidad en YouTube y no podamos apreciarla en buena definición, en un servicio de streaming que la ofrezca dentro de su catálogo. Aun así, puede valer el esfuerzo de verla porque, si bien es un tema explorado por otras muchas cintas, esta ficción francesa tiene características propias -especialmente sus actuaciones-, que mantienen un suspenso que no pierde atención en ningún momento.

Ficha técnica

Título original: Dédales
Año: 2003
Duración: 94 minutos
País: Francia
Productora: Co-production Francia-Bélgica;
Género: Intriga | Policíaco. Asesinos en serie. Crimen
Guion: René Manzor
Música: Jean-Félix Lalanne
Fotografía: Pal Gyulay
Reparto: Lambert Wilson, Sylvie Testud, Frédéric Diefenthal, Michel Duchaussoy, Edouard Montoute, Tomer Sisley, Jean-Henri Compère, Jérémy Bombace
Dirección: René Manzor

Eraserhead - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cineartealameda.tv


Notable para quienes se atrevan a tolerarla.

Primer largometraje de David Lynch. Quintaesencia de lo que fueron más adelante sus mejores obras: El Hombre Elefante, Terciopelo Azul, Duna, Corazón Salvaje, Twin Peaks y Mulholland Drive.

Para entender su visión de mundo, hay que incluir su cine en el lenguaje surrealista similar a Buñuel, Jodorowski y, un poco más remoto, de Andrzej Zulawski (La Mujer Poseída, 1981).

Aunque por principio se niega a explicar sus relatos, por muy extraños, chocantes y enigmáticos que parezcan, tras ellos hay siempre una línea argumental comprensible. Es el tratamiento misterioso, impredecible, y atmosféricamente onírico, lo que le otorga su carácter tan particular.

Aquí tenemos a un hombrecillo insignificante, Henry, funcionario de una imprenta. Tuvo la desgracia de embarazar a la única hija de una familia obrera cuyos miembros son todos alienados, de una forma u otra. Lo obligan a casarse. La criatura nace viva, pero demasiado prematura. Es un feto monstruoso que llora toda la noche sin cesar. La esposa lo abandona dejándolo solo a cargo del engendro.

Si antes el mundo mental de Henry ya era psicótico, con el advenimiento de la criatura se torna peor. El desquicio irá en aumento hasta impulsarlo al “feticidio”. Más, junto con liberarse del tormento, será el alma de la víctima quien lo acogerá en sus brazos para siempre.

El impacto de la cinta radica, más que en su trama, en el siniestro acopio de imágenes, giros aleatorios, tratamiento de luces y sombras, silencios y momentos de larga quietud. Un estupendo blanco y negro kafkiano y pesadillesco.

A Lynch le gusta mostrar gente extraña a las que suceden cosas aún más raras. Sabe crear un universo propio e inquietante. Las pesadillas se contagian unas con otras y se confunden con la realidad.

Para Lynch, ver una película es entrar en un sueño. El realismo inicial es sólo una plataforma para desatar lo onírico. Desafía la lógica, la narrativa convencional, y con ello al espectador.

Su leit-motiv es que vivimos en el infierno, sin percatarnos. Sólo podemos evaluarlo por la morbosa atracción que nos producen sus historias y personajes.

Sabemos que junto con odiar Filadelfia, lo aterra la idea de ser padre, y hace parodia del núcleo familiar. Reinciden los gusanos de diversos tamaños y formas, como símbolos del pecado. El filme exuda neurosis compulsiva y paranoide.

Un manjar para los amantes del buen Cine-Arte.

Si se atreve, y está de ánimo, relájese y acompañe, por un rato, la pesadilla de un gran artista creador.

SINIESTRA Y FASCINANTE. UNA OBRA DE ARTE EN SU GÉNERO.

Ficha técnica


Título Original: Eraserhead
1977 
Fantasía, horror 
EE.UU. - 1,29 hrs. 
Fotografía: Herbert Cardwell, Frederick Elmes 
Actores: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph 
Edición, Música, Diseño Prod., Guionista y Director: David Lynch

Errementari: El Herrero y El Diablo - Por Jackie O.

“Descubriendo folklore de otras culturas”. 


Sinopsis: Inspirado en un cuento folklórico vasco. 
En un pequeño pueblo de Álava a mediados del siglo XIX, corren rumores sobre un siniestro herrero que parece tener conexiones con el mismo Diablo. Llegando un comisario del gobierno al pueblo, quien investigará el asunto y otros temas en el lugar.


Cuando se entrecruzan los mitos y la religiosidad en pueblos muy alejados, se transforma en una comunidad que teme a todo y es muy manipulable.

Eso pasa en este pueblo, donde le atribuyen una serie de situaciones negativas que ahí ocurren al diablo, pero principalmente a un Herrero, quien vive aislado en su casa la cual rodea de trampas para que nadie ingrese. Hasta que un día, una huérfana traspasa esas murallas y descubre que este Herrero mantiene un secreto, un oscuro secreto.

Esta niña huérfana no es feliz, ha vivido sus cortos años escuchando al poco cristiano cura del pueblo tratándola mal, a su familia adoptiva que no la siente como tal y en general, ella no se siente que encaja en ningún lugar.

Lo mismo este Herrero, su vida ha sido cruel, mantiene un secreto acuestas, sin dejar de mencionar que el demonio es un personaje principal y relevante en esta obra (y en la vida de nuestros protagonistas).

Adaptar leyendas con un trasfondo histórico, religioso y/o social resulta interesante y más bien original, alejándonos de esas películas que vemos una y otra vez, que tienen cero tintes originales.

Sobre esta película, la cual está basada en un antiguo cuento, más que de terror es de mucha fantasía. Mantiene una ambientación y atmosfera muy bien recreadas con un estilo gótico, brumoso y de colores nítidos muy agradables a la vista, con un guion simple el cual de repente decae un poco y tarda un tanto en arrancar, hasta que ya toma vuelo y se mantiene bien.

Su trabajo de maquillaje, los efectos especiales, los decorados, vestuario y mantener el idioma euskalki, que está casi extinto, me pareció muy interesante.

Leyendas, guerra, pasados traumáticos, vidas miserables, las diversas trampas que el demonio hace y que rondan en nuestras vidas, como poder balancear el bien con el mal, la vida y la muerte, la inocencia versus las triquiñuelas diabólicas… Todo eso y más, puedes ver en esta película que es muy fresca y cumple con entretener.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirección: Paul Urkijo Alijo
Dirección artística: Izaskun Urkijo Alijo
Guion: Paul Urkijo Alijo y Asier Guerricaechevarria
Basada en "Patxi El Herrero: malvado y maleante", leyenda vasca.
País: España 
Año: 2018
Género: Fantasía y Terror 
Duración: 98 minutos
Música Pascal Gaigne
Fotografía: Gorka Gómez Andreu
Montaje: Paul Urkijo
Efectos especiales: David Heras y Jon Serrano

17/1/21

Eraserhead - Por José Blanco Jiménez

Más que una película se trata de una experiencia cinematográfica de tipo onírico. Como tal, más que entenderla hay que disfrutarla o padecerla. Se puede ver en Centroartealameda.tv

He visto esta película con 44 años de atraso y creo que ha sido mejor, porque desde la distancia creo que estoy más capacitado para evaluarla, además de conocer el desarrollo posterior del cine de David Lynch.

En efecto, cada estreno de este realizador norteamericano (nacido en 1946, en Missoula, Montana) no deja indiferente ni al público ni a la crítica. Además de la ya clásica serie de Twin Peaks (30 episodios entre 1989 y 1991; más otros 18 en 2017) les recuerdo sus principales trabajos: El hombre elefante (1980), Dune (1984), Terciopelo azul (1986), Corazón salvaje (1990), Carretera perdida (1996), Una historia sencilla (1999), Mulholland Drive (2001), Imperio (2006). No coloco títulos originales por razones de espacio.

Alessandro Manzoni dedicaba su obra maestra (I promessi sposi / Los novios) a sus 25 lectores. Yo no sé cuántos lectores tengo, pero de tenerlos los tengo y puedo clasificarlos en dos grupos: los que quiere saber qué me pareció la película y los que quieren que les explique la película.

Al primer grupo, les digo que me gustó y que me parece cine excelente. No soy el único que lo dice, puesto que la Online Film Critics Society lo clasificó en el segundo lugar de los largometrajes debutantes, inmediatamente después de Citizen Kane de Orson Welles (1941). Y la verdad es que la ambientación me recuerda El proceso (1963) y el aspecto de su protagonista al genio de Kenosha. Además, otro genio como Stanley Kubrick dijo a Lynch que Eraserhead era su película favorita y que la proyectó al equipo de El resplandor (1980) para que se adecuaran a las exigencias del proyecto que estaba por empezar.

Está claro que tantas opiniones no bastan, sobre todo porque son ajenas: en lo que a mí respecta, en esta “opera prima” ya está todo el futuro Lynch. Más que un relato es una “situación onírica” en la que sueño y realidad conviven, como en una experiencia psicodélica (sólo que aquí el excelente blanco y negro aumenta la angustia).

Al segundo grupo, les voy a “explicar” la película tratando de no ser un spoiler.

Harry Spencer (Jack Nance, que trabajó en otras películas y murió asesinado en 1996) habita en una ciudad aparentemente desierta, con calles vacías y fábricas abandonadas. Incluso, una de sus ventanas está tapiada con ladrillos y desde la otra ve sólo a dos personas que se golpean.

El mundo onírico suele ser más real que la realidad, porque entrega sensaciones simultáneas que el cine – por ser un lenguaje secuencial – difícilmente puede transmitir. Ya al principio la cabeza de Harry (semejante a una roca espacial) aparece manipulada por un extraño personaje que mueve palancas como si fueran las tramoyas de un palco escénico.

No es una película de horror, pero sí repugnante. De su boca sale el feto de un reptil, en otro momento llueven espermatozoides que una misteriosa cantante de mejillas deformes (Laurel Near) aplasta con los pies mientras se exhibe dentro del radiador, al partir el pollo en casa de su novia sale sangre como si fuera una desfloración y la futura suegra se estremece entre un orgasmo y un parto.

Pero lo más monstruoso es el hijo que aparentemente tuvo la novia (Charlotte Stewart, que se parece a Laura Dern) y que, cuando viven juntos, no la deja dormir porque llora sin parar. Lo mismo ocurre cuando Harry tiene sexo con su vecina (Judith Roberts, al estilo de Charlotte Rampling) en una cama que se transforma en bañera.

¿Y qué tiene que ver el título? Eraserhead significa “cabeza que borra”. Y, efectivamente, hasta el momento no he leído que nadie vea en el peinado de Harry la forma de una goma de borrar de un lápiz grafito. Y, de hecho, su cabeza es llevada a una fábrica en la que su cerebro va a ser extraído para transformarlo en gomas que se les pondrán a los lápices.

Creo que buscarle una explicación al episodio es una pérdida de tiempo, aunque algunos pueden hablar de remoción psicológica. Como tampoco es buena idea tratar de “explicar” qué “quieren decir” los cordones umbilicales que extrae de su pareja, la fotografía rota, la perra parida, la mujer inmóvil en la cocina, la larva del paquetito que guarda en la alacena, los lápices que lleva en el bolsillo anterior de la chaqueta y que nunca usa.

Porque, a final de cuentas, ¿es necesario que todo tenga una explicación? Los que han visto mucho cine de David Lynch ya tienen la respuesta. En este tipo de cine no hay relato, sino situaciones y – contrariamente a las de otras películas de autor en las que aparentemente no pasa nada – aquí ocurren muchas cosas, cada una más repugnante que la otra. Para muchos la vida puede ser así, como una pesadilla y, por ello, genera miedo: a la maternidad, a la vida en pareja, a la relación fugaz, a la diversidad.

Naturalmente, Lynch no partía de cero. La técnica de mezclar sueño y realidad en tiempos recientes la había desarrollado Ingmar Bergman con Fresas salvajes (Smultronstället, 1957), Luis Buñuel con Belle de jour (1967) o Federico Fellini con Ocho y medio (1963). Pero también imprimió una vuelta de tuerca influyendo en otras películas, como Alien, de Ridley Scott (1979). ¿Y se han fijado en Bart Simpson, que Matt Groening creó en 1987?

(Eraserhead. USA, 1977)

15/1/21

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 15 de Enero 2021

El periodista Jose Luis Nicolas conversa con Jackie O. y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección Cine con SIGNIS Chile.

Ida - Por Carlos Correa

Disponible en Centroartealameda.tv 


Anna -Agata Trzebuchowska- está a punto de hacerse monja. Es 1960 y la acción transcurre en Polonia. La superiora, consciente que la joven tiene una pariente viva a la que no conoce, insiste para que viaje a encontrase con Wanda -Agata Kulesza-, hermana de su madre, una jueza que tiene problemas con el alcohol y que además desdeña su profesión. Es ella quien revela a Anna su origen judío, su verdadero nombre -Ida Lebenstein- y el destino de sus padres, consecuencia de la brutal ocupación nazi.

La cinta del director Pawel Pawlikowski es una joya. El minimalismo de su forma converge hacia la intimidad de su fondo. En esta descripción del personal viaje interior de ambas mujeres descubrimos la historia, aquello que queda al descubierto al correr el velo. La emoción está contenida pese al contrapunto que presentan ambas protagonistas. Es el futuro el que está en perspectiva, en la perspectiva de la vida, de la historia y del más profundo sentido de la vida.

“Ida” es poderosa, reflexiva, fuerte e inquietante. Filmada en un blanco y negro robusto, lleno de matices, los cuadros y la fotografía que se nos presenta es magnífica. La cámara aguda de Pawlikowski capta ángulos y enfoques que en ocasiones se mantienen casi sin movimiento, como láminas que van componiendo un antiguo álbum de fotos. Algunos planos cercanos llegan a ser desgarradores, acentuados por una sensible banda sonora a cargo de Kristian Eidnes Andersen.

En esta cinta el relato es mínimo, refiere lo esencial. Da cuenta de un guion que expresa mucho con muy pocos elementos. La maestría de su composición se aprecia, sobre todo, en los importantes silencios que invitan a la contemplación.

En “Ida” nada es predecible y todo se complementa. El lenguaje visual adquiere una potencia inigualable en la medida que lentamente nos invita al interior un mundo oscuro y frío del que solo vemos pequeños rayos de luz. Se trata de la intimidad más profunda de Ida y de Wanda. No es necesario que sucedan muchas cosas, basta con información precisa, elementos justos y gestualidad apropiada. Comprendemos lo incompresible con la emoción, ya, a flor de piel. El corazón se encoge, afloran los sentimientos y las contradicciones.

Pawel Pawlikowski nos regala una pieza de oro puro, un cine arte que nos embriaga. Este viaje a la intimidad de pronto se transforma en nuestro propio viaje y quedamos sorprendidos. ¿Cómo se produce tal nivel de compenetración? ¿Qué nos lleva a tal estado de imprevisión y vulnerabilidad? Las respuestas las esboza una obra de arte llevada al límite del expresionismo, que ilustra con imágenes, texto y música, lo más profundo de la búsqueda humana del sentido de la existencia.

Ficha técnica

Título original: Ida (Sister of Mercy)
Año: 2013
Duración: 80 minutos
País: Polonia
Productora: Co-production Polonia-Italia-Dinamarca; Opus Film, Phoenix Film
Género: Drama | Años 60. Religión. Familia. Nazismo
Guion: Pawel Pawlikowski, Rebecca Lenkiewicz
Música: Kristian Eidnes Andersen
Fotografía: Lukasz Zal, Ryszard Lenczewski (B&W)
Reparto: Agata Kulesza, Agata Trzebuchowska, Joanna Kulig, Dawid Ogrodnik, Jerzy Trela, Adam Szyszkowski, Artur Janusiak, Halina Skoczynska, Mariusz Jakus
Dirección: Pawel Pawlikowski

La Dama y el Vagabundo - Por Jackie O.

“Valientes pulgosos y fina realeza”. 


Lady and the Tramp es una película estadounidense, basada en la película animada de 1955 del mismo nombre. Y se estrenó el 12 de noviembre de 2019 en Disney+,​ lo que lo convierte en el primer remake de Disney que no se lanza en cines, sino solo en un servicio de streaming.

Nos hemos visto invadidos por remakes y live action, de los cuales algunos no salen ilesos en cuanto al resultado.

Pero esta versión de ese hermoso clásico del año 1955, puedo decir que salió ileso ya que es bastante cercano al original. Hace que la historia sea simple, sin adornarla con excesos que puedan arruinarla.

La historia para recordarla, es algo así: una linda perrita de fino linaje que vive cómodamente en un buen barrio, que tiene dos grandes amigos que son sus vecinos, vive feliz hasta que sufre las consecuencias de una pariente de sus amos que la hacen huir a la calle. Vaga por la ciudad hasta que es rescatada por un perro vagabundo, muy canchero, que le enseña la ciudad, haciéndose muy buenos amigos para vivir, ambos, diversas aventuras, al punto de no querer separarse.

Sobre la animación, se agradece que no hayan abusado con el CGI ya que en la mayoría de las escenas los perros son reales y cuando debían “hacerlos actuar” (movimiento de boca u otros movimientos con CGI) no abusaron con lo irreal.

Esta película es media hora, aproximadamente, más larga que la animada original, y fue para darle más cabida a los humanos, lo que no entorpeció para nada la esencia de la película.

Hubo un par de cosas que se cambiaron pero no afectó en nada, como por ejemplo: la pareja multirracial (estamos en otros tiempos) el bebe que es niña (ya no el niño rubiecito de la animada), el momento en que se conocieron Reina y Golfo, entre otros. Pero como ya señalé, no alteraron la esencia de la película, es más, todo lo agregado y cambiado hace una historia muy coherente.

Se agradece enormemente que no sea una película musical, solo tiene los dos cantos de los animales (gatos y perra) y uno o dos de humanos, pero son cortitos.

Y los antagonistas se mantienen, pero lo bueno es que le dan más tensión en esta película; me refiero al “Perrero, y la sucia rata”.

Sí nos deja mensajes como el rescate de las mascotas, el no maltrato animal, que una mascota puede ser una gran compañía, y la unión familiar.

Una buena historia para ver en familia.

Ambas, tanto la de 1955 y 2019, se encuentran en Disney Plus.

Ficha técnica

Dirección: Charlie Bean
País: EEUU 
Año: 2019
Género: Musical, Animación, Drama y Romance
Duración: 104 minutos
Reparto:
Kiersey Clemons como Darling
Thomas Mann como Jim Dear
Yvette Nicole Brown como la tía Sarah
Adrian Martinez como Elliot, un perrero que atrapa perros callejeros
Voces animales:
Tessa Thompson como Lady, una cocker spaniel americano
Justin Theroux como Tramp, un perro de raza mixta
Ashley Jensen como Jackie, una terrier escocés
Benedict Wong como Bull, un bulldog
Sam Elliott como Trusty, un perro de San Huberto
Janelle Monáe como Peg, una pekinesa

14/1/21

Pearl - Por Carlos Correa

Disponible en Centroartealameda.tv


Léa Pearl -Julia Fory- se encuentra ad portas de competir por el título de “Miss Heaven”. Junto a su Coach Al -Peter Mullan-, se ha preparado a conciencia durante cuatro años para este importante desafío por lo que la repentina aparición de su exmarido en el “Eden Palace”, llevando consigo al hijo de ambos y que ella no ha visto en todo ese tiempo, la descoloca absolutamente.

Esta cinta de la directora Elsa Amiel se sumerge en el mundo de la adoración al físico. Muestra en primerísimo plano el culturismo de cuerpos que, en este caso femeninos, son resultado de esfuerzos gigantes, de un gran sacrificio personal y elevadas dosis de sudor. ¿Para qué? ¿Por dinero, reconocimiento, admiración? ¿Deporte?

El guion escrito por Laurent Larivière y por la misma directora, ofrece una capa exterior bastante dura, una barrera que provoca cierta resistencia. Sin duda existen prejuicios y debo reconocer que los suscribo. No me gusta el tema, no me agrada el entorno, por lo que se me dificulta poder ingresar más allá de esta primera capa.

No obstante, y haciendo un esfuerzo por traspasar la epidermis, afloran aspectos en un relato que puede resultar, incluso, tan desafiante como conmovedor. Vemos, en primera instancia, la soledad de la protagonista. Léa está convencida de lo que hace, de las decisiones que ha tomado para llegar a disputar este importante campeonato. Sin embargo, también observamos la relación con su entrenador Al, y al menos despierta ciertas dudas porque observamos una relación insana, perturbadora. Léa ha trabajado fuerte, ha hecho un gran sacrificio durante años por lo que no puede aflojar en la instancia final. Pero Léa está, inevitablemente, sola.

El paso del tiempo no es en vano y esta es la segunda instancia. Cuando Ben, su ex marido, lleva consigo a Joseph, su hijo, verdaderamente no sabe lo que siente pues, en el espacio en el que se ha desarrollado los últimos años, no existe la opción de dejar fluir la propia sensibilidad. Léa ha postergado esa intimidad en favor de su exterioridad por lo que se configura, entonces, una crisis de proporciones y no tiene herramientas para enfrentarla. ¿Seguir adelante, ignorando lo que sucede? ¿Parar, detenerse, abandonar la competencia? La actuación de Joseph agrega una emotividad de la que cuesta desprenderse, pues evoca un sentido de aceptación de su realidad que llama tanto la atención como su indudable fragilidad y vulnerabilidad.

“Pearl” aborda otra mirada sobre la maternidad, sobre la renuncia al rol materno, por privilegiar una pasión o un sueño, en este caso el físico culturismo. También presenta la evidente transformación de su protagonista. Antes era Julia, ahora es Léa; otro cuerpo, otra persona. Entonces, sin esperarlo ni menos estar preparada, se encuentra de frente con una nueva realidad. ¿Surgirá una conexión? ¿Aflorarán los sentimientos? ¿Cobrará sentido su vida?

Ficha técnica

Título original: Pearl
Año: 2018
País: Francia
Productora: Unité de production, Bande a Part Films
Género: Drama
Guion: Elsa Amiel, Laurent Larivière
Música: Fred Avril
Fotografía: Colin Lévêque
Reparto: Julia Fory, Peter Mullan, Mathieu Amalric, Arieh Worthalter, Vidal Arzoni, Agata Buzek
Dirección: Elsa Amiel

Soul - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Disney +.


Una de las obras más poéticas, inteligentes y maduras de Disney Pixar.

Si bien entretendrá a los niños, trae para los adultos un mensaje lleno de sugerencias y reflexiones.

Joe es un músico negro que ama la música de jazz. Cuando, por fin, logra ser aceptado en un conjunto famoso, sufre un accidente callejero y fallece. Su alma llega a un limbo preparatorio administrado por criaturas cuánticas llenas de sabiduría.

Le asignan como Mentor a un duendecito llamado 22 para que revise su vida y descubra su propia “chispa”. Es decir, el sentido principal de lo que fue su existencia.

Por una confusión vuelven a la Tierra con las identidades cambiadas. Joe es un gato y 22 tiene el cuerpo de su pupilo musical.

Las muchas peripecias y malos entendidos que afrontan serán los acicates para cuestionarse qué es, en realidad, lo que importa en la vida.

Descubrirán que la Felicidad es diferente a lograr las grandes metas. Que lo más importante es disfrutar de los pequeños detalles y circunstancias que cada momento nos depara. Que desperdiciamos los mejores instantes por tratar de alcanzar los - supuestos - grandes objetivos.

Así cada día es un milagro. Cada cual lleva consigo una “chispa” que lo hace único. Le permite iluminar con ella cada “presente”. Cada mañana es el primer día del resto de mi vida. Saber detenernos para empezar, expectantes, otra vez.

Lo rubrican con la parábola del pececillo insatisfecho que ansiaba conocer el océano ideal sin darse cuenta que ya vivía en una realidad absoluta de agua.

Sin perder el humor, las aventuras suceden en una dimensión similar a los sueños, como alucinadas. Como pocas veces, se les da un protagonismo tan dinámico a las criaturas cuánticas, multifacéticas y vitales, pero que sólo existen si las miramos.

Su complejidad se nos hace clara gracias a lo imaginativo de su tratamiento. Sólo nuestra mente les otorga sentido.

Es admirable como logra sugerir tanto en un tiempo tan acotado.

Deja una vara alta para las próximas producciones de Pixar: estupenda tecnología, amenidad y un valioso contenido. Ojalá la nominen al Oscar.

UN LARGOMETRAJE ANIMADO MUY LÚDICO Y, A LA VEZ, SABIO, GRATO Y SUGERENTE. MAGNÍFICO. 

Ficha técnica

Animación, aventuras, comedia - 2020 EE.UU. - 1,40 hrs. 
Fotografía: Matt Aspbury, Ian Megibben 
Edición: Kevin Nolting 
Música: Trent Reznor,Atticus Ross 
Diseño Prod.: Steve Pilcher Guion: Pete Docter, Mike Jones, Kemp Powers 
Directores: Pete Docter, Kemp Powers

Cambio de papeles - Por Jackie O.

"Los efectos de la fama". 


Sinopsis: Una comediante que debe cumplir servicios comunitarios por haber evadido impuestos, contrata a una doble para que cumpla la condena en su lugar.

Drew Barrymore es Candy, una super estrella de Hollywood que es éxito de taquilla pero con actitud horrible y un genio de lo peor. Hasta que pasan los años y la desgracia la alcanza. 
 
Vive aislada de todos, pensando qué hacer para cumplir el castigo que se le ha dado por su delito: ir a rehabilitación por drogas.

Pero ella no quiere asistir ya que tiene otros planes para su vida. Así es que se le ocurre la idea de pedirle a su "doble", Paula, quien también está desempleada, para que se haga pasar por ella en esa rehabilitación, cosa que acepta y comienzan a generarse diversas situaciones, al punto que a Paula comienza a gustarle la vida de ser famosa.

La película no sé si es drama o comedia, o ambas. No tiene gracia, por más que se esfuerce la simpática Drew.

La película tiene problemas de guión, de edición y de muchas cosas más.

Satiriza con el tema del éxito Hollywoodense y las redes sociales.

Lo interesante que podría rescatar es que Drew hace dos roles (eso es un trabajo arduo) y la transformación o evolución de los personajes. Como cambian.

Donde la más humilde se llena de fama y de angustia, y la odiosa exentrica busca lo simple siendo feliz.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Fecha de estreno: Diciembre de 2020.
Directora: Jamie Babbit
Guion: Sam Bain
Música compuesta por: Daniel Wohl