20/2/19

El Vicepresidente - Por Carlos Correa

Dick Cheney ocupó altos cargos en la Casa Blanca. Jefe de Gabinete del presidente Ford, Secretario de Defensa del presidente George H. Bush y Vicepresidente en los dos períodos -2001 al 2009- de George W. Bush. Esta película es su historia y se centra justamente en esta última posición, donde su poder e influencia se estima marcaron profundamente la historia de la primera década del siglo XXI.

Christian Bale realiza una caracterización excelente y sólida de un político que es tal vez “atípico”. Cultivando un cierto bajo perfil, callado y observador, Cheney fue avanzando en la burocracia gubernamental casi sin proponérselo. Bajo el alero de Donald Rumsfeld -Steve Carell en otro papel distinto a sus acostumbradas entregas- Cheney logra pactar con George W. Bush -un excelente Sam Rockwell- atribuciones especiales para aceptar ser su compañero de fórmula. Y vaya que acuerdo según el relato, pues juega un rol clave en una serie de eventos que están marcados a fuego: los atentados a las Torres Gemelas y al Pentágono, y la invasión a Afganistán junto con la guerra contra Irak, ambas reacciones posteriores a uno de los actos terroristas más significativos de este siglo.

La cinta desarrolla la historia con saltos temporales que nos van entregando un marco de los acontecimientos y de la historia personal del protagonista. Mucho hay de sátira y de comedia. El drama del que da cuenta tal vez no se podría narrar de otra forma porque la política es una fiel muestra de todo ello.

Fundamental en el relato es la esposa de Cheney interpretada por Amy Adams. Una mujer de armas tomar, sostiene e impulsa a su marido en todo momento y se transforma en pieza clave de la cinta. Porque del Cheney de juventud va quedando poco y nada gracias a la fortaleza que su esposa impregna a su lado.

En general, todas las actuaciones son muy buenas y contribuyen a modelar un relato que sobre todo en el primer tercio es desordenado y difícil de entender. Además, sin información previa puede ser aún más complejo, pues los pasillos de la Casa Blanca y los dobleces de la política norteamericana tienen códigos que es necesario conocer, al menos en términos globales.

La cantidad de detalles que entrega la cinta dirigida por Adam McKay es por momentos son abrumadores. Vemos como todos los temas pasan por los despachos del Ala Oeste y las decisiones se toman en poco tiempo. La templanza y sangre fría son atributos imprescindibles para sobrevivir en un mundo tremendamente especial donde la realidad parece superar a la ficción. Por momentos, da la impresión que la excelente “House Of Cards” queda relegada a segundo plano luego de observar algunas acciones que sorprenden e impactan.

Si bien esta película no es un clásico de Marvel, por favor no se retiren de la sala cuando aparezcan los primeros créditos pues viene una escena posterior que es notable. Y es que toda la cinta se desarrolla así, con giros, sorpresas, curvas y recovecos. Son los laberintos del poder que parecen inexpugnables y que sin ningún pudor son expuestos en una de las mejores cintas del año y que no solo impresiona sino que deja mucho, mucho para pensar.

Ficha tecnica

Título original: Vice
Año: 2018
Duración: 132 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Gary Sanchez Productions / Plan B Entertainment / Annapurna Pictures. Distribuida por Annapurna Pictures
Género: Drama. Comedia | Biográfico. Años 60. Política
Guion: Adam McKay
Música: Nicholas Britell
Fotografía: Greig Fraser
Reparto: Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell, Jesse Plemons, Eddie Marsan, Alison Pill, Stefania Owen, Jillian Armenante, Brandon Sklenar, Brandon Firla, Abigail Marlowe, Liz Burnette, Matt Nolan, Brian Poth, Joey Brooks, Joe Sabatino, Tyler Perry, Bill Camp, Shea Whigham, Cailee Spaeny, Fay Masterson, Don McManus, Adam Bartley, Lisa Gay Hamilton, Jeff Bosley, Scott Christopher, Mark Bramhall, Stephane Nicoli, Kirk Bovill, Naomi Watts, Alfred Molina, Lily Rabe
Dirección: Adam McKay

Mis huellas a casa - Por Carlos Correa

Basada en la novela “A Dog's Way Home” de W. Bruce Cameron, esta cinta dirigida por Charles Martin Smith encuentra su nicho en todas las personas que aman a los animales y en especial a los perros. Narra la historia de Bella, quien al verse separada de Lucas -Jonah Hauer-King-, su dueño, emprende un viaje de más de 600 kilómetros para regresar a casa.

El guion firmado por el autor de la novela junto a Cathryn Michon es fluido y sencillo. No presenta mayores sorpresas y el relato es sumamente confortable, a pesar de ciertos giros que en ningún caso provocan sobresaltos. Los temas importantes están igualmente presentes; la familia, el cariño, la acogida y el cuidado, sin embargo no logra profundizar en ellos pues se aprecia que no está en el objetivo central del filme.

Lo que más destaca de esta cinta es que logra captar a Bella y sus compañeros de ruta en ambientes que parecen muy naturales. Sin duda es un gran desafío y el rodaje, que debió ser bastante arduo, lo saca adelante con precisión. La fotografía de Peter Menzies Jr. contribuye enormemente al desarrollo de la historia pues es parte importante de la ternura que transmite la película, que con evidencia se enfoca en tocar nuestras fibras emocionales.

En lo personal me parece siempre complejo retratar a las mascotas como seres humanos. Sin desconocer su empatía, inteligencia y fidelidad me cuesta sintonizar con ello. En esta oportunidad el relato lo lleva Bella y en primera persona, por lo que me resulta aún más difícil. No obstante este punto, reconozco que para quienes logran desarrollar una relación muchísimo más cercana, especialmente con los perros, está historia sin duda les llegará de manera mucho más profunda.

“Mis huellas a casa” es pura bondad y esperanza, algo que en un mundo convulsionado, temeroso y desconfiado, siempre es algo bueno de entregar. El efecto que producen los animales, su cariño sin cálculo y sin frenos, curiosamente nos hace más humanos, más sensibles y menos calculadores. Ojalá que toda esta enseñanza la tuviéramos siempre a mano para sobrellevar lo que el día a día nos provoca y que, asimismo, pequeñas fábulas como ésta nos recuerden siempre que de nosotros depende construir un mundo más acogedor y más cariñoso.

Ficha técnica

Título original: A Dog's Way Home
Año: 2019
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Columbia Pictures. Distribuida por Sony Pictures Entertainment (SPE)
Género: Drama | Perros/Lobos
Guion: W. Bruce Cameron, Cathryn Michon (Libro: W. Bruce Cameron)
Música: Mychael Danna
Fotografía: Peter Menzies Jr.
Reparto: Ashley Judd, Jonah Hauer-King, Alexandra Shipp, John Cassini, Wes Studi, Edward James Olmos, Chris Bauer, Barry Watson, Tammy Gillis, Patrick Gallagher, Farrah Aviva, Veenu Sandhu, Lucia Walters, Spencer Drever, Jennifer Gibson, Benjamin Ratner, Leo Li Chiang, Lane Edwards, Darcy Laurie, Arielle Tuliao, Kimi Alexander, Javier Lacroix, Troy Rudolph, Sean Quan, Rolando Boyce, Cesar De León, Broadus Mattison, Jesse Miller, Gregory Tunner
Dirección: Charles Martin Smith

14/2/19

Green Book - Por Juan Pablo Donoso

Inteligente y encantadora. Denuncia la estupidez de los prejuicios étnicos en pleno siglo XX. Muy merecido el Globo de Oro a la Mejor Película de 2018.

Los Hnos. Farrelly saben hacer farsas exitosas y, por lo general, grotescas. (Dos Tontos muy Tontos – 1994; Algo Pasa con Mary – 1998; Yo, Yo Mismo e Irene -2000; Los Tres Chiflados – 2012). Pero esta vez incursionan en un tema nacional serio, que manteniendo el tratamiento humorístico y respetuoso, eleva la categoría del filme a otros niveles.

El título – GREEN BOOK – es la clave que desencadena esta tragicomedia. En 1962 era un catálogo impreso de Rutas con los hoteles y restaurantes exclusivos para negros en las regiones del sur de Estados Unidos.

Un gran pianista de color llamado Don Shirley, multimillonario, es contratado para dar una gira de conciertos por varios estados sureños. Conociendo lo conflictivo y peligroso de tal viaje, contrata a un chofer blanco famoso por ser un experto guardaespaldas del hampa: Tony Lip Villelonga. Deberán convivir en la carretera durante varias semanas. El blanco (Viggo Mortensen) alojando y comiendo en buenos hoteles, y el concertista (Marhershala Ali – Luz de Luna 2016) sólo en los ghettos para negros.

Los hechos fueron ciertos, y al final nos muestran a los personajes reales.

La convivencia fue difícil al comienzo entre el blanco, que se sentía humillado por servir a un negro, y el refinado pianista que debía soportar la vulgaridad, y malas costumbres, de su empleado de origen italiano.

Con el correr de los días se van agudizando las circunstancias de humor y las diferencias psicológicas de ambos individuos. Y cada uno se verá obligado a reconocer, aceptar y admirar las cualidades del otro.

Si el destino nunca los hubiese reunido habrían pasado el resto de sus vidas prisioneros de sus propios prejuicios.
La cinta tiene valor histórico y sociológico. Sin ser predicante es positiva y conciliadora. Un canto a la amistad.

El mensaje que nos proponen es que la mejor forma de derrumbar falsas barreras (en este caso entre blancos y negros, y otras razas) es la “proximidad” física y sentimental.

Aporta, además, una bella selección de canciones populares – y jazzísticas – de comienzos de los años 60.

ENTRETENIDA, INTELIGENTE, GRACIOSA, Y CON ESTUPENDAS ACTUACIONES.

Ficha técnica


Biografía – tragicomedia social Diamond Films EE.UU. – 2,10 hrs. 
Fotografía: Sean Porter 
Edición: Patrick J. Don Vito 
Música: Kris Bowers 
Diseño Prod.: Tim Galvin 
Guionistas: Nick Vallelonga, Brian Hayes Currie, Peter Farrelly 
Actores: Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Linda Cardellini 
Director: Peter Farrelly

13/2/19

Green Book - Por Carlos Correa

Esta preciosa historia, inspirada en hechos reales, es cercana y muy empática. Habla de la construcción de amistad entre dos personas que probablemente muy poco tengan en común. El pianista afroestadounidense Don Shirley -Mahershala Ali- y su chofer Tony Vallelonga -Viggo Mortensen- emprenden un largo y rudo viaje por el sur profundo de Estados Unidos a principios de los años sesenta. El pianista, junto a su grupo, debe dar conciertos en diferentes ciudades, tal vez al público más acaudalado de la época y en lugares donde el racismo aun es una condición inexcusable. El guion, escrito por Nick,el hijo de Vallelonga, junto a Farrelly y Brian Hayes Currie, se interna en temas trascendentes de la realidad de la época y no evade ninguna de las problemáticas que de él se desprenden.

Los diálogos son realmente deliciosos y es uno de los aspectos que más destaca en la película. Don Shirley es culto y refinado, sin embargo Tony Lip es lo opuesto, torpe y bruto. Sus orígenes son muy diferentes. Tony es italoamericano del Bronx, con una numerosa y extrovertida familia y sus modales lo describen a la perfección. Por su parte, Shirley vive solo y ha debido superar muchas situaciones para llegar a ser un virtuoso pianista con estudios en la Unión Soviética y que está de regreso en su país desarrollando su arte. ¿Qué hacen juntos y cómo pueden comunicarse estos dos mundos tan opuestos? Tony depende de su trabajo para mantener a su familia y Shirley parece tener resuelta su vida, al menos económicamente. Uno es negro y el otro blanco; ¿qué situaciones de vida podrían ser más extremas?

Las actuaciones de ambos protagonistas son excelentes, vibrantes, están llenas de sensibilidad y transitan por emociones de las más diversas índoles. Es cierto que mucho del guion puede resultar predecible, sin embargo está tan bien narrado que aquello le permite sortear incluso la aparente ausencia de un gran conflicto central. Claro, tal vez no existe un gran conflicto porque todo lo que acontece está en conflicto y tensión, en mayor o menor medida -claro está- desde el primer minuto hasta los créditos finales.

Las historias subyacentes al relato principal están muy bien tratadas. No necesitan detallar demasiado, su construcción apela a personajes secundarios que están precisos en sus intervenciones y en la conexión con los protagonistas. El drama, las dificultades de vida, el racismo y la amistad, brotan así espontáneamente durante todo el metraje. Hay momentos de lujo, como la parada en el camino frente a los trabajadores de la tierra o aquella donde Don Shirley obliga a Tony a retroceder el auto en la carretera. No son solo iconos, son algo más y vale la pena atesorarlas.

La banda sonora es preciosa. Kris Bowers logra reconstruir con canciones una época que estaba cambiando el rumbo de la sociedad norteamericana. Y por supuesto, la música es más que un mero acompañamiento. Hay un contrapunto importante que se manifiesta en el carismático pianista, una veta interior que asoma apenas durante la cinta y que tiene que ver con sus frustraciones más íntimas, sus sueños y el éxito que sin embargo ha logrado alcanzar. Lo mismo sucede con Tony, aunque a su modo, más rústico y menos refinado. Son vetas como las que tiene la madera, que si las miramos en detalle podemos observar que los caminos son múltiples y que las opciones dependen de nosotros. Por ello tal vez el título de la cinta es muy sugerente al hacer mención a aquel “Libro verde”, (“The Negro Motorist Green Book“) una guía anual para viajeros afroamericanos que señalaba hoteles, restaurantes, bares y estaciones de servicio que sí atendían a personas de color y en donde no corrían riesgos. Sin embargo, no es solo el título de la cinta pues naturalmente Don Shirley y Tony Lib no siguen al pie de la letra las indicaciones y se internan en un viaje profundo al interior de su país y también en la profundidad de sus propias vidas.

Ficha técnica

Título original: Green Book
Año: 2018
Duración: 130 minutos
País: Estados Unidos
Productora
Universal Pictures / Participant Media / DreamWorks SKG / Innisfree Pictures / Wessler Entertainment. Distribuida por Universal Pictures
Género
Drama | Basado en hechos reales. Drama sureño. Comedia dramática. Años 60. Racismo. Amistad
Guion: Brian Hayes Currie, Peter Farrelly, Nick Vallelonga
Música: Kris Bowers
Fotografía: Sean Porter
Reparto: Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Iqbal Theba, Linda Cardellini, Ricky Muse, David Kallaway, Montrel Miller, Harrison Stone, Mike Young, Jon Michael Davis, Don DiPetta, Mike Hatton, Dimiter D. Marinov, Craig DiFrancia, Gavin Lyle Foley, Randal Gonzalez, Shane Partlow
Dirección: Peter Farrelly

Battle Angel: la última guerrera - Por Carlos Correa

Futuro; sinónimo de guerra y destrucción. Han pasado años desde la crisis -“La caída”- y el mundo conocido está dividido en dos planos: arriba, una ciudad perfecta donde solo los elegidos pueden estar. Abajo, caos, desorden y ley de la selva, sometidos por el poder superior, el objetivo es sobrevivir y de alguna forma intentar escalar a la ciudad de las oportunidades. Con una historia basada en “GUNNM”, creado por Yukito Kishiro entre 1991 y 1995 y publicado en la revista Business Jump, James Cameron colabora en el guion y produce una cinta que lleva su mano, independiente que la dirección esta vez recae en el talentoso Robert Rodriguez.

En este mundo distópico que se nos presenta en pantalla, el doctor Ido -Christoph Waltz- encuentra dentro de la numerosa chatarra una cyborg destrozada y abandonada que es interpretada por Rosa Salazar. Su cerebro y corazón están milagrosamente vivos, por lo que decide repararla entregándole un nuevo cuerpo que le permite aprender a vivir nuevamente en la ciudad. Hugo -Keean Johnson- se transforma en su joven amigo y compañero de aventuras, en especial cuando Alita -que no tiene ningún recuerdo- comprende que su pasado tiene mucho que enseñarle y que posee habilidades de combate únicas que se habían perdido en el mundo desde hace cerca de 300 años. Los peligros en Iron City son crecientes y la búsqueda de esta pequeña guerrera por parte de quienes dominan la ciudad -Mahershala Ali hace un papel excelente junto a Jennifer Connelly, consolidando una pareja realmente de temer- la llevan a luchar por permanecer con vida y acercarse lentamente a conocer más de su pasado para poder salvar a su nueva familia y amigos de una destrucción casi segura.

La realización de la película es fascinante. La técnica del “Live-Action” está desarrollada de manera impecable y no hay nada que no parezca real. La combinación de animación con actores es excelente, los efectos son naturales, en ocasiones deslumbrantes, y no desvían por ello la atención principal de la historia. Las peleas, las batallas, las carreras de “Motorball” y, en general, cada uno de los escenarios en donde transcurre la acción, están perfectamente dibujados y animados, con una dosis de realismo que en ocasiones nos hace dudar si estamos viendo cuadros y escenas solo con animación.

Párrafo aparte para Christoph Waltz y para Mahershala Ali que le entregan un peso propio a la cinta. Actores de su calidad aportan bases sólidas a la construcción del relato, teniendo un protagonismo preciso para que las figuras emergentes, en este caso los dos jóvenes, crezcan junto a ellos. La cinta también explora temáticas interesantes, aunque no sean determinantes para la acción y la entretención que se desarrolla. Están presentes valores fundamentales sobre la familia, otros referidos a la discriminación, la sociedad y por supuesto al abuso de poder físico, político y económico de quienes gobiernan el mundo para su propio beneficio.

“Alita, Battle Angel” es una grata sorpresa, entretiene y refresca la cartelera del verano. Recomendada en IMAX 3D, tiene todos los elementos que logran sacar partido a la pantalla extra grande. No debemos olvidar que James Cameron tiene un gran oficio en ello y que sin duda logra constituir al cine en una experiencia que va más allá de la historia que nos narra.

Ficha técnica

Título original: Alita, Battle Angel
Año: 2019
Duración: 121 minutos
País: Estados Unidos
Productora: 20th Century Fox / Lightstorm Entertainment / Troublemaker Studios / TSG Entertainment
Productor: James Cameron
Género: Ciencia ficción. Acción. Romance. Thriller | Cyberpunk. Robots. Manga. Live-Action
Guion: James Cameron, Laeta Kalogridis, Robert Rodriguez (Novela gráfica: Yukito Kishiro)
Música: Junkie XL
Fotografía: Bill Pope
Reparto: Rosa Salazar, Christoph Waltz, Jennifer Connelly, Jackie Earle Haley, Ed Skrein, Mahershala Ali, Lana Condor, Keean Johnson, Michelle Rodriguez, Jorge Lendeborg Jr., Eiza González, Leonard Wu, Elle LaMont, Marko Zaror, Jorge A. Jimenez, Derrick Gilbert, Billy Blair, Jeff Fahey, Casper Van Dien
Dirección: Robert Rodriguez

Feliz Día de tu muerte 2 - Por Carlos Correa

Lo más interesante de esta secuela es la conexión que hace con la primera historia. Claro, la idea es la misma; revivir un día, el del cumpleaños, una y otra vez y reiniciarlo cada vez que la protagonista muere. Sin embargo en esta ocasión, se agrega un elemento que le da variación y le permite a la historia escapar de una monotonía casi asegurada.

Theresa "Tree" Gelbman -Jessica Rothe- vuelve a entrar en ese ciclo temporal sin proponérselo. Sus amigos están involucrados -en realidad son los causantes- y lo que parecía haber concluido definitivamente toma una nueva dimensión. Ahora Lori -Ruby Modine- es asesinada y Tree debe desenmascarar al asesino para poder escapar del bucle. Obviamente no todo sale bien y junto con los problemas comienzan los esfuerzos y búsquedas para tratar de resolver el puzzle del tiempo.

La cinta escrita y dirigida por Christopher Landon es entretenida aunque se alargue un poco. El guion fluye y la recapitulación a la primera historia -para explicarla o bien recordarla, según sea el caso- está muy bien hecha y no necesita forzar ningún elemento. El elenco juvenil posee mucha química y funciona perfecto en el enganche con el público. Los personajes, sin bien son caricaturas, están bien esbozados y dejan entrever varias de las problemáticas más actuales.

Volviendo a la historia, es un pié forzado muy frecuente encontrar el efecto “deja vu”. Las variaciones sobre el tema son múltiples y adquieren variadísimas perspectivas. La película vincula ese concepto y se hace cargo de agregarle una nueva dimensión, por lo que el “leitmotiv” se enriquece a pesar de mostrarnos, una y otra vez, que estamos sobre terreno más que conocido.

Con una buena realización, actuaciones frescas y grandes dosis de humor, “Feliz día de tu muerte 2” es una buena alternativa para pasar un rato sin mayores expectativas ni compromisos.

Ficha técnica

Título original: Happy Death Day 2
Año: 2019
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Blumhouse Productions / Digital Riot Media. Distribuida por Universal Pictures
Género: Terror. Intriga. Thriller | Viajes en el tiempo. Slasher. Secuela
Guion: Christopher Landon
Música: Bear McCreary
Fotografía: Toby Oliver
Reparto: Jessica Rothe, Israel Broussard, Suraj Sharma, Sarah Yarkin, Ruby Modine, Rachel Matthews, Charles Aitken, Steve Zissis, GiGi Erneta, Tenea Intriago, Laura Clifton, Sylvia Grace Crim, Blaine Kern III, Phi Vu, Cariella Smith, Rob Mello, Kenneth Israel, Kaleb Naquin, Lindsey G. Smith, Ramsey Anderson
Dirección: Christopher Landon

Plaza París - Por Juan Pablo Donoso

Pudo ser un testimonio más punzante sobre la miseria y la compasión.

Más, por un afán de preciosismo cinematográfico, y falta de síntesis, quedo larga y diluida en su objetivo.

El guion es más autocomplaciente de lo necesario.

La premisa era poderosa: ¿cuánto puede el dolor de un paciente perturbar la psiquis de su terapeuta?

Gloria es una mujer negra, proveniente de la favela de Río de Janeiro, abusada por su padre desde pequeña, y con un hermano presidiario que, desde la cárcel, le controla la vida por medio del hampa.

Su joven psicóloga es Camila quien, sesión tras sesión, va constatando que el remedio es más político y social que clínico. Comienza a dudar de su profesión y a sentirse culpable indirecta del dolor de su paciente.

Para comprender el origen de este caso debemos saber que su guionista y directora - Lucía Murat (1949)- integró la guerrilla izquierdista brasileña en los momentos más duros de la dictadura militar (1968 – 1979). Fue arrestada y torturada brutalmente en la prisión. Y reitera esta la experiencia en cada una de sus películas. Hoy es una de las más sensibles y mordaces representantes del nuevo cine de su país.

Logra honestas actuaciones de las actrices principales. Intenta un lenguaje de “cine verdad”, recurriendo a larga tomas cercanas al “plano secuencia”. Pero se desvirtúa por inserciones de sueños y pesadillas que flirtean con recursos del surrealismo.

Resulta difícil, durante el alambicado relato, deducir lo que en verdad está “en Juego”. Sólo después de una larga reflexión descubrimos que el meollo dramático era mucho más simple y esencial.

INTENTO DE DENUNCIA PSICO/SOCIAL QUE, TRATANDO DE SER INTIMO, SE TORNA RIPIOSO

Ficha técnica

Título Original: Praça París Drama social y psicológico Brasil: 1,50 hrs. 
Fotografía: Guillermo Nieto 
Edición: Mair Tavares 
Música: André Abujambra, Marcio Nigro 
Diseño Prod: Dina Salem Levy 
Guionistas: Raphael Montes, Lucía Murat 
Actores: Grace Passó, Joanna de Verona, Marco Antonio Caponi 
Directora: Lucía Murat