lunes, 18 de marzo de 2024

El Bastardo - Por Carlos Correa Acuña

En la Dinamarca de finales del siglo XIX, azotada por los vientos fríos del Mar del Norte y las áridas llanuras de Jutlandia, un hombre atormentado por su pasado busca redención a través de una ambiciosa empresa: construir un asentamiento real en un lugar inóspito. El capitán retirado Ludwig Kahlen -Mads Mikkelsen-, con la mirada cargada de determinación y el corazón dañado por los fantasmas, se embarca en un viaje que pondrá a prueba su temple y sus valores.

Esta película, dirigida por Nikolaj Arcel y protagonizada por el siempre brillante Mads Mikkelsen, nos sumerge en un micromundo de intrigas, corrupción y sacrificios personales. A lo largo de un tortuoso camino, Ludvig se va rodeando de un conjunto de personajes complejos y llenos de sombras liderados por el despiadado Frederik de Schinkel -Simon Bennebjerg-, quienes tejen una red de intereses ocultos que intensifican la tensión y complejizan la trama.

Uno de los puntos que destaca en este filme es su narrativa sólida, cuidadosamente construida, que nos atrapa desde la primera escena hasta el desenlace final. Arcel realiza una dirección sobria y elegante, capturando la áspera belleza del paisaje danés a través de la fotografía de Rasmus Videbæk, que convierte cada plano en una verdadera obra de arte. La partitura de Ólafur Arnalds se suma a la experiencia visual con una banda sonora melancólica y evocadora que se funde con la historia, creando atmósferas densas, cargadas de emociones.

Mikkelsen, en una actuación vibrante que confirma su impronta como uno de los grandes intérpretes actuales, da vida a Ludvig con una intensidad que cautiva. El actor explora múltiples capas en su personaje, desde su férrea decisión y lealtad patriota, hasta los atribulados recuerdos que dan cuenta de una profunda vulnerabilidad. Su mirada transmite una mezcla de dolor, furia y esperanza que nos conecta con su lucha interna creando un protagonista cercano y convincente. El resto del reparto brilla, también, gracias a actuaciones matizadas que aportan verosimilitud y complejidad a cada uno de los personajes.

"El Bastardo" es una película cruda, sin concesiones, y que no esquiva el abordar temas difíciles como la ambición desmedida, la codicia, y el abuso de poder. Sin embargo, también es una historia sobre la perseverancia, el trabajo duro, y la búsqueda de la paz interior. Más allá de la historia, esta cinta invita a reflexionar sobre las ambiciones que nos motivan, los sacrificios que estamos dispuestos a hacer y el precio que pagamos por nuestros actos, un filme que nos confronta con la oscuridad del ser humano, pero que también es capaz de entregar un atisbo de esperanza.

Ficha técnica

Título original: Bastarden
Año: 2023
Duración: 127 minutos
País: Dinamarca
Compañías: Coproducción Dinamarca-Noruega-Alemania; Koch Films, Nordisk Film, SVT, Zentropa, Plaion Pictures, Nordisk Film, TV2
Género: Aventuras. Drama | Siglo XVIII. Histórico. Biográfico
Guion: Nikolaj Arcel, Anders Thomas Jensen
Música: Dan Romer
Fotografía: Rasmus Videbæk
Reparto: Mads Mikkelsen, Amanda Collin, Simon Bennebjerg, Kristine Kujath Thorp, Gustav Lindh, Jakob Lohmann, Morten Hee Andersen, Magnus Krepper, Felix Kramer
Dirección: Nikolaj Arcel

Julieta y la luna - Por Jackie O.

"No estuvo sola..."

Sinopsis: La voz de una mujer, Julieta, intentará reconstruir los recuerdos de un abuso sexual en su niñez, viajando entre historias e imágenes proyectadas sobre las texturas de la casa en la que ocurrieron los hechos.


En tan solo pocos minutos nos cuentan una historia atroz, el abuso sexual a una menor de edad, a una infante, y sin necesidad de mostrar nada, no es necesaria la imagen morbosa. Solo la escuchamos a ella, esta niña hecha mujer, quien nos hace viajar a través de la casa en que ocurrió el hecho.
El lugar parece vacío; sin embargo, toma vida con la proyección sobre las paredes del material de archivo familiar de la protagonista. 
Vemos imágenes felices, pero tenemos un relato doloroso.
Mientras las luces de las ventanas se apagan, el relato se va oscureciendo hasta llegar a lo oscuro de la noche, la noche del abuso, donde una testigo estuvo presente, una testigo muda pero que abrazó el momento, la enorme luna que cobijó a la pequeña Julieta en este cruel momento, la abraza para que no se sienta sola.

Bien editada, ya que no es necesario mostrar para saber, la voz en off nos va guiando. Las imágenes que muestran son de situaciones felices, de archivo. Pero que se topan con la figura de un hombre imponente que nos lleva al terror.

Disponible en Ondamedia.  

Ficha técnica

Chile
Año 2020
7 minutos
Cortometraje documental
Digital/ Color
Voz de Soledad Cruz Court
Dirigida por Milena Castro Etcheberry

viernes, 15 de marzo de 2024

Simone, la mujer del siglo - Por Carlos Correa Acuña

Este vibrante, íntimo y complejo retrato de Simone Veil, figura icónica del siglo XX, narra su trayectoria pública marcada por hitos como la legalización del aborto en Francia. Explora, también, las experiencias que forjaron su carácter y la llevaron a convertirse en una luchadora infatigable por la justicia social.

El guion juega con el tiempo durante todo el metraje. A través de constantes flashbacks y saltos temporales, la película teje una narrativa que se sitúa más allá de una simple cronología, lo que permite conectar con la Simone niña, adolescente y mujer madura. Este enfoque no lineal, aunque por momentos resulta confuso, termina aportando profundidad y complejidad a la descripción del personaje, al tiempo que revela las profundas motivaciones que la llevaron a desafiar las normas sociales y luchar por sus ideales.

Dirigida por Olivier Dahan, el filme posee una dirección de arte, un vestuario y una fotografía que recrean con precisión la época en la que Simone vivió, transportándonos a la Francia de posguerra y a los convulsos años 70. La banda sonora, partitura escrita por Armand Amar, acompaña la historia de forma emotiva, al subrayar con intensidad varios momentos importantes.

Elsa Zylberstein destaca por su brío en el papel protagónico. Captura la esencia de Simone Veil con una actuación llena de variados matices. Zylberstein configura una mujer fuerte e inteligente, pero a la vez vulnerable y humana, una interpretación que nos lleva a empatizar con ella, comprender sus dudas y acompañar su proceso de transformación.

Si bien la película se centra principalmente en la vida pública de Simone, ofrece también destellos de su vida personal. Observamos la relación con su familia, sus amigos y algunos colaboradores, aspectos centrales que permiten comprender mejor las fuerzas que impulsaron su camino.

“Simone, la mujer del siglo”, es una película política que aborda desde sus entrañas la lucha por los derechos de las mujeres. Puede resultar controversial, en especial por la promoción y defensa a ultranza del derecho al aborto, sin embargo se plantea como un honesto homenaje a una figura fundamental de la historia reciente, un biopic emotivo e inspirador sobre una mujer que luchó por un mundo mejor y que dejó una huella indeleble en la sociedad francesa.

Ficha técnica

Título original: Simone, le voyage du siècle
Año: 2022
Duración: 134 minutos
País: Francia
Compañías: Marvelous Productions, Scope Pictures, France 2 Cinema, France 3 Cinéma
Género: Drama | Biográfico. Feminismo
Guion: Olivier Dahan
Música: Olvon Yacob
Fotografía: Manuel Dacosse
Reparto: Elsa Zylberstein, Rebecca Marder, Olivier Gourmet, Elodie Bouchez
Dirección: Olivier Dahan

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine Viernes 15 de Marzo 2024

Alejandro Caro Contreras conversa con Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

Baghead: Habla con los Muertos - Por Jackie O.

"Dejad que descansen en paz"


Iris es una joven con muchos problemas económicos, donde su mejor amiga la salva cada vez que puede. Hasta que un día, Iris recibe una llamada, su padre ha muerto y le ha heredado una vieja casa que fuera en su momento un bar.
Ante eso viaja, y un enigmático sujeto dice ser el albacea y que puede vender el lugar. Iris lo pensará.
En su primera noche, otro sujeto entra a la casa ofreciéndole dinero a cambio de que lo deje hablar "con la mujer del sótano".

Iris toma el dinero diciéndole que no hay nadie más, pero el sujeto la convence y bajan al lúgubre sótano. Y sí, aparece un extraño ser con un saco en la cabeza. ¿Quién es?, y ¿qué hace ahí?, se pregunta Iris. Pero este sujeto parece saber. Comienza un terrorífico episodio donde este personaje espeluznante se comunica con los muertos.

Tenemos pocos personajes y escenarios, por lo que hay que hacer un buen trabajo en estas circunstancias, pero se puede.
Para este director, que es su primera película, esta historia se basa en un cortometraje que el mismo realizó. Lo que pasa con muchos ("Saw" por ejemplo)
 
La dirección está correcta, las actuaciones buenas pero nada que destacar; la historia es buena, pero el guion pierde fuerza en la medida que avanza, es una montaña rusa donde estás disfrutando una conversación o situación, cuando es desaprovechada por algo similar que la entorpece.
La ambientación está muy bien desarrollada, con la oscuridad del lugar, sus luces y sombras, agregándole un vestuario y maquillaje acorde.
Los sustos, aquellos momentos de sobresalto, algunos funcionan con técnicas archi conocidas que, se sabe, funcionan, pero falta el elemento tensional.
Cuando conocemos la historia de "la brujas del saco", ya ha pasado mucha agua bajo el puente, y se siente muy sobre explicado. Fue un muy argumento desaprovechado.

Aún así, es interesante verla, ya que mantiene las típicas situaciones que a más de alguien podrían sobresaltar.

Temas tratados: Ambición, cuando se llega en un momento de desesperación. Ruptura familiar. Rencor. Perdonar y perdonarse.

Actualmente en Cines.

Ficha técnica

Dirección: Alberto Corredor
Guion: Cristina Pamiés y Bryce McGuire
Música: Suvi-Eeva Äikäs
Cámara Cale Finotcortar yJeff Betancourto
2023. 95 minutos
Protagonistas
Freya Allan: Iris Lark
Ruby Barker: Katie
Jeremy Irvine: Neil
Anne Müller: Baghead
Svenja Jung: Sara
Peter Mullan: Owen Lark

jueves, 14 de marzo de 2024

Baghead: Habla con los Muertos - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Dirigida por Alberto Corredor, la historia comienza con Iris (Freya Allan, “The Witcher”), quien tras la muerte de su padre (Peter Mullan) hereda un antiguo bar en ruinas que la deja ligada a una entidad indescriptible que habita en el sótano del lugar: Baghead, una criatura que puede tomar la forma de cualquier persona que haya muerto. Dos mil dólares en efectivo por dos minutos con la criatura, es todo lo que necesita la gente para hablar con sus seres queridos, despedirse, hacerle esa pregunta que no pudieron, decirles cuánto lo amaban y así calmar su dolor. Pero Iris pronto descubre que romper la regla de los dos minutos puede tener consecuencias aterradoras y junto a su mejor amiga (Ruby Barker) debe luchar para mantener el control de Baghead y descubrir cómo destruirla antes de que ella acabe con ellos.


Buen nivel de producción exhibe esta película. La filmación, en general oscura, permite visualizar solo ciertos detalles, ocultando precisamente aquellos que en cualquier momento nos pueden aparecer sorpresivamente. Detallista y con ojo clínico, la cámara sigue las acciones desde cerca, como para dar la impresión que estamos allí, que somos observadores privilegiados en primera fila, logrando que, aunque no pase nada muy concreto, tengamos esa sensación de que en cualquier momento ocurrirá algo inesperado.

Esto es terror y por lo tanto tenemos que asustarnos. Bien, pero eso no pasa en los primeros treinta minutos. El prólogo es largo y da cuenta de una elaborada historia en base a una premisa que sí resulta interesante, pues el guion escrito por Bryce McGuire y Christina Pamies cumple a cabalidad con el objetivo de sumergirnos en el sótano gris de ese antiguo bar. Un secreto hay allí, pero nosotros ya lo conocemos: esa entidad que se transforma y trae a la vida a un ser querido fallecido, pero de la que no hay que abusar. Son solo dos minutos frente a ella y nada más. Dos minutos, o en caso contrario, las consecuencias serán fatales.

Volviendo a los sustos, a la media hora se declara el primero. El interés de Iris en el asunto crece, y su ambición también. Más que mal, ella no tiene nada, y ahora, al menos, tiene algo. Mientras tanto, su mejor amiga trata de alejarse un poco y buscar respuestas en el entorno exterior, optando por un camino fuera del recinto que la lleva a descubrir quiénes eran los antiguos propietarios del misterioso edificio.

“Baghead” parte bien pero se va enredando solita. Se diluye con el correr de los minutos y cae pronto en situaciones absurdas y carentes de sentido. Al irse por las ramas, sobre todo en los últimos veinte minutos, provoca que el remate no cierre de manera consistente, porque no nos quedamos con el fin de la historia sino con la posibilidad de un nuevo comienzo. Obvio, porque una de las aspiraciones evidentes de este tipo de películas es sembrar la posibilidad de convertirse en saga. ¿Lo logrará? Dependerá de los boletos que corte y su posterior desempeño en el streaming.

Y de Berlín, la ciudad donde se desarrolla la trama, poco y nada. Tres imágenes y sería todo. Una pena, pero así están las cosas.

Ficha técnica

Título original: Baghead
Año: 2024
Duración: 94 minutos
País: Reino Unido
Compañías: The Picture Company, Vertigo Entertainment. Distribuidora: Studiocanal
Género: Terror | Brujería
Guion: Bryce McGuire, Christina Pamies
Fotografía: Cale Finot
Reparto: Freya Allan, Jeremy Irvine, Ruby Barker, Ned Dennehy, Saffron Burrows
Dirección: Alberto Corredor

El Bastardo - Por Juan Pablo Donoso

Emocionante epopeya histórica danesa. Basada en el libro “El Capitán y Ann Bárbara”, de Ida Jessen, que solo existe en su lengua original.

Heroica gesta de un hombre solitario - Ludvig Kahlen (1755) - que persiguió el sueño de toda su vida: cultivar un páramo al noroeste de Jutlandia.

Militar retirado, hijo ilegítimo de un noble y una criada, vendió todos sus bienes para que el Rey le vendiera aquellas tierras lejanas y estériles. Siendo propietario, intuía que las haría prosperar para conseguir honor y riqueza.

Perfecta - y efectiva - estructura clásica de un guion dramático.

Lazo antagónico sólidamente expuesto entre el protagonista Ludvig Kahlen (Mads Mikkelsen) y Frederik de Schinkel (Simon Bennebjerg) como el desalmado terrateniente vecino quien reclama la tierra como propia.

En pleno siglo 18, aprovechando la lejanía y la desidia del monarca, había individuos que se comportaban como amos feudales, abusando a su antojo de quienes lo servían.

Clima y paisaje inclemente. Pugna entre la rusticidad casi primitiva versus un refinamiento cruel, excesivo y cobarde.

Cada personaje es una joya. Todos bien definidos en sus vicios, debilidades y virtudes. Cada uno muestra capas y capas de su personalidad.

Odisea clarísima, y motivada, en la complejidad de su trama.

Cuando los artistas daneses logran hacer algo bueno, son extraordinarios.

Destacamos el rol aguerrido de las tres mujeres principales: Ann Barbara (Amanda Collin), Edel Helene (Kristine Kujath Thorp), y la pequeña Anmai Mus (Melina Hagberg). Cada una, siendo socialmente muy distintas, da testimonio de la grandeza del corazón de una mujer cuando el amor y las circunstancias lo requieren.

Aunque para narrar la historia hay mucha sangre y torturas, nunca peca de sensacionalismo.

Elección perfecta de Mads Mikkelsen para interpretar a Ludvig. Con su habitual aspereza exterior, brilla en las escenas en que trasluce emoción, con tenues expresiones faciales sin decir una sola palabra. Vibrante la penúltima secuencia donde sentado solo, comiendo, sus ojos hablan más de lo que cualquier palabra podría expresar. Maestro en su oficio actoral.

Por su estupenda factura integral se nos queda instalada bajo la piel.

Una de las películas europeas más atractivas y poderosas del año.

Hermosa y asertiva desde la primera escena hasta la última. Tal vez con el giro final quisieron darnos un consuelo tras tan dolorosas, pero verosímiles, experiencias anteriores.

Junto a Kongekabale (2004) y Un Asunto Real (2012), es lo mejor que ha dirigido Nikolaj Arcel.

UNA GRAN EXPERIENCIA CINEMATOGRÁFICA. SENSIBLE, HISTÓRICA Y MULTIFACÉTICA. MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica


Título Original: Bastarden (The Promised Land)
2023 Biografía, drama, historia Dinamarca - 2,07 hrs. 
Fotografía: Rasmus Videbaek 
Edición: Olivier Bugge Coutté 
Música: Dan Romer 
Diseño Prod.: Jette Lehmann 
Guion: Nikolaj Arcel, Anders Thomas Jensen, Ida Jessen 
Actores: Mads Mikkelsen, Amanda Collin, Simon Bennebjerg 
Director: Nikolaj Arcel

La última tienda de reparaciones - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Relata la historia de cuatro personas comunes y corrientes, sin pretensiones, y que con su trabajo se aseguran de que ningún estudiante se vea privado de la alegría de la música. También es un recordatorio de cómo la música puede ser la mejor medicina, un calmante para el estrés e incluso una vía y un muy buen sendero para salir de la marginación y la pobreza.


Este documental nos presenta algo que sucede en las escuelas públicas de Los Ángeles (USA) desde el año 1959. Hace un recorrido de cómo, en aquel taller, se reparan los instrumentos de música, tratando de imaginar a los posibles jóvenes que los utilizarán; su uso afectará positivamente la vida del usuario, así como de quien lo ha reparado.

Todas son historias muy humanas y del diario vivir, tanto para aquellos que son migrantes, como para aquellos que el trabajo de reparación es su sustento, muchas veces sin imaginar las vidas que están afectando al ser utilizados por niños y jóvenes que estudian y viven en la ciudad de Los Ángeles.

La ambientación y la fotografía le otorgan un magnifico espacio de intimidad al documental, utilizando primeros planos tanto de las personas que aparecen en él como de los instrumentos; logran esa conexión emocional con cada historia.

Nos conecta con una sensibilidad que, en este caso, es la música, y los instrumentos musicales pueden ofrecer, sobre todo ver, que cual más o cual menos, todos los participantes tienen una vinculación con las notas musicales, haciendo que el epílogo sea un clímax entre todos los protagonistas, tanto de personas como instrumentos.

Ganadora de un Óscar al mejor corto 2024. Para ver en pocos minutos una buena historia de humanidad conectada con la música.

Disponible en Disney+ y en YouTube.

Ficha técnica

Titulo original: The Last Repair Shop
Año: 2023
Duración: 39 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Kris Bowers, Ben Proudfoot.
Reparto: Documental, Intervenciones de: Dana Atkinson, Steve Bagmanyan, Duane Michaels, Paty Moreno.
Música: Kris Bowers, Katya Richardson
Fotografía: David Feeney-Mosier.
Productora: Breakwater Studios, LA Times Studios, Time Studios. Distribuidora: LA Times Studios, Fox Searchlight, Disney+.
Género Documental sobre música e instrumentos, mediometraje, sentido de vida.

martes, 12 de marzo de 2024

The Quiet Girl - Por Carlos Correa Acuña

Dirigida por Colm Bairéad, esta es una película que nos lleva la Irlanda del año 1981. La cinta narra la historia de Cáit, una niña de nueve años que vive en un ambiente familiar caótico y carente de afecto. Para aliviar en algo la carga familiar, y cuando se acerca la fecha de un nuevo parto de su madre, Cáit es enviada a pasar el verano con unos parientes lejanos, Eibhlín y Seán. En ese entorno nuevo, la niña comienza a experimentar un despertar emocional y una sensación de pertenencia que no había conocido antes.

Este filme destaca por su delicada y sensible emotividad. El director evita caer en lo típico, y se enfoca en construir atmósferas melancólicos y evocadoras. La bella fotografía captura en detalle la exultante belleza del paisaje rural irlandés, mientras los encuadres provistos por cámaras fijas, con gran amplitud de campo, se posicionan como ojos observadores de una realidad tan colorida como, al mismo tiempo, sombría, creando un paralelo con el mundo interior de Cáit, impregnado de sueños reprimidos y emociones contenidas.

Las actuaciones constituyen un punto fuerte en este trabajo. Catherine Clinch, en un debut cinematográfico de gran vuelo, da vida a Cáit con conmovedora naturalidad y expresividad. Realmente construye muy bien su personaje, lo hace verosímil pese a su inexperiencia actoral y su corta edad. Los personajes secundarios, interpretados por Carrie Crowley y Andrew Bennett, también están muy bien desarrollados, aportan complejidad a una historia íntima y reflexiva.

No deja de ser sorprendente -aunque es una ratificación de lo que ya hemos visto muchas veces-, lo que la acogida, la consideración y la preocupación, entregan a un niño en sus primeros años de vida. La transformación de Cáit resulta impactante, y su aprendizaje es aún más significativo. El comenzar a creer en sus propias capacidades, en el desarrollo de su confianza, más el incipiente grado de libertad que forja, son factores potencian su personalidad, dejando en evidencia marcados contrastes con su situación de vida anterior. De ser una persona reprimida y triste pasa a ser una niña cada vez más alegre, con iniciativa, una evolución producto del cariño que encuentra en personas que no conoce, y con quienes comienza a construir genuinos y profundos vínculos.

“The Quiet Girl”, es una película que perdura después de verla, una historia sobre la resiliencia del espíritu, la importancia de la familia, y el poder de transformación que posee el amor. Una película que nos invita a reflexionar sobre nuestra propia experiencia y que impulsa a valorar aquello que realmente importa en la vida.

Ficha técnica

Título original: An Cailín Ciúin
Año: 2022
Duración: 95 minutos
País: Irlanda
Compañías: Inscéal, Broadcasting Authority of Ireland, TG4, Fís Éireann/Screen, Screen Ireland
Género: Drama | Familia. Años 80. Infancia
Guion: Colm Bairéad. Historia: Claire Keegan
Música: Stephen Rennicks
Fotografía: Kate McCullough
Reparto: Catherine Clinch, Carrie Crowley, Andrew Bennett
Dirección: Colm Bairéad

Duna: Parte Dos - Por Carlos Correa Acuña

Fue un privilegio ver nuevamente, en pantalla grande, la primera parte de Duna hace menos de un mes. Es cierto que películas como esta no se olvidan, sin embargo a veces los detalles quedan un tanto relegados al quedar en la retina una visión más global de la obra. Por eso, esta esperada segunda parte -anunciada para noviembre, retrasada producto de la huelga de guionistas y, por tanto, estrenada hace pocos días-, tal vez obtenga una pequeña ventaja respecto a su predecesora.

Los hechos quedaron con Paul -Timothée Chalamet-, y su madre, Lady Jessica -Rebeca Ferguson-, en pleno desierto de Arrakis luego que los Harkonnen aniquilaran casi totalmente a los Atreides. Es la tribu de los Fremen quien les recoge, no sin reparos, para emprender una travesía épica, primero para sobrevivir, y luego para vengar su honor y recuperar lo perdido. En este viaje es vital la presencia de Chan -Zendaya-, visualizada por Paul en sus sueños, ahora transformada en compañera de ruta y acompañante sentimental.

La nada sencilla convivencia con los lugareños, liderados por Stilgar -Javier Bardem-, se dificulta aún más producto de las desconfianzas que provocan Paul y su madre, sin embargo, lentamente surgen indicios que van despejando incertidumbres y que hacen que la alianza prospere de forma natural. Stilgar cree que ha llegado un mesías, un salvador, y poco a poco se va convenciendo que es Paul. Son los hechos, más que las palabras, los que van confirmando poco a poco su teoría. El arduo entrenamiento -incluyendo montar gusanos-, comienza a dar frutos, y Paul va demostrando que es un líder innato, atrayendo voluntades con sus arriesgadas acciones.

La llamada cuestión social también está presente en la historia. Basta recordar que las Casas gobernantes se rigen por sus diferentes clases, sin embargo los Fremen se organizan bajo el principio de la igualdad y el bien común, lo que constituye otro aprendizaje importante en el camino de este joven que, sin desearlo, se va convirtiendo en eje central de la resistencia.

Por cierto, la batalla en Arrakis es por el control económico. La producción es de “especias”, elemento vital para el imperio, el tesoro a conseguir, y es por eso que, históricamente, ha sido muy disputado, desatando cruentas luchas de poder. En ese sentido, las decisiones del emperador pasan a ser trascendentes, mucho más que en la primera entrega, pues nos enteramos que su voluntad no es imparcial ni genuina, sino claramente influenciada por la conveniencia y necesidad de mantener su estatus de poder discrecional.

Significativa es una secuencia en blanco y negro en el que se muestra cómo, en el bando contrario, surge la figura de Feyd-Rautha -Austin Butler-, quien se transformará en el poderoso rival a vencer por el joven Atreides. Guerrero de tomó y lomo, Feyd-Rautha parece invencible, alguien intratable que avanza sin cuidado tras el objetivo último: aniquilar, a cualquier costo, todo asomo de resistencia.

Técnicamente prodigiosa, esta cinta resulta deslumbrante, brilla más que la primera entrega y asombra por la forma que adopta para construir la historia. Denis Villeneuve conduce magistralmente una cinta que no escatima detalles, y en la que los tiempos están al servicio de la narrativa. ¿Cuántas veces es necesario tomar más espacio para el desarrollo de un personaje o una relación, y no se consigue por las restricciones de duración o por un manejo inapropiado de los recursos dramáticos? Muchas, sin duda. Villeneuve, sin embargo, se los toma, sin abusar ni cansar, gracias al apoyo de un elenco que se sitúa en el marco alto de la actuación. Asimismo, los efectos especiales, que son innumerables, muchas veces no se notan, resultan creíbles, y son parte de esos bellos escenarios donde los movimientos y el aparataje, tanto aéreo como terrestre, con coreográficas peleas y batallas, se complementa en forma perfecta con los momentos de intimidad y diálogo que dan fuerza interior a un relato cuya vigencia pareciera imperecedera.

Es imprescindible ver “Dune: Part Two” en pantalla grande porque es una obra virtuosa que necesita el mejor escenario posible para desplegar su magia. Una vez más se impone la forma de narrar respecto al fondo de la historia. Es cierto, se trata de ciencia ficción, género que algunas personas quisieran saltar de su preferencias, sin embargo aquella temática es solo una excusa para contar una historia de transformación humana, desafiante y épica, en la que los valores y principios se alinean tras un objetivo mayor: la lucha contra la opresión con la esperanza de un futuro mejor.

Ficha técnica

Título original: Dune: Part Two
Año: 2024
Duración: 166 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Canadá; Legendary Pictures, Warner Bros., Villeneuve Films. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Ciencia ficción. Aventuras. Acción. Drama | Cine épico. Secuela
Guion: Denis Villeneuve, Jon Spaihts. Novela: Frank Herbert
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Greig Fraser
Reparto: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Josh Brolin, Stellan Skarsgård, Dave Bautista, Zendaya, Charlotte Rampling, Javier Bardem, Austin Butler, Florence Pugh, Christopher Walken, Léa Seydoux, Souheila Yacoub
Dirección: Denis Villeneuve

lunes, 11 de marzo de 2024

Reyka - Por Jackie O.

Sinopsis: Atormentada por el pasado, una brillante perfiladora criminal llamada Reyka investiga una serie de asesinatos cometidos por el mismo asesino entre las plantaciones de caña de azúcar en una provincia de Sudáfrica.


Sudáfrica 1994, la hija mestiza de una fotografía/escritora es raptada mientras se encontraba documentando un hecho que provocó cierto tumulto, e hizo que fuera imposible dar con el paradero de esta niña de tan solo 12 años.

¿Quién la raptó? Fue Angus Speelman, un pedófilo que vivía con una mujer de la zona llamada Portia, manteniéndola cautiva por tres años. Esto lo sabemos por que la serie tiene muchos Flashback para ir conociendo más a fondo a los personajes, y comienza de esta forma.

Veinte años después, Reyka es una doctora en psicología, gran perfiladora que trabaja con la policía. Y es madre soltera de una hija preadolescente; su madre le ayuda al cuidado de su hija, ya que con el trabajo policial no tiene tiempo, pero también es muy distante por naturaleza con su hija, ya que nunca resolvió sus traumas. Es más, el Estado ni su madre ayudaron en ese proceso, por lo que cuesta entender o creer, que Reyka sea una gran profesional, pues se debate constantemente en sus traumas y en las consecuencias que mantiene al seguir enamorada de su captor, quien aún está en la cárcel.

Ese es un eje de la serie.

El otro tema central es la misteriosa muerte de mujeres jóvenes en las plantaciones de azúcar. ¿Cómo llegan a ese lugar y quién es capaz de matarlas? Es lo que Reyka y el equipo de policial encabezado por su Brigadier, Hector ZWane, quien es más un corrupto jefe y temeroso de los jefes mafiosos del sector; el policía e hijo de Hector, Samuel, muy impulsivo,  que se verá enfrentado a difíciles consecuencias por sus actos; Tanner, el eterno enamorado de Reyka, quien desea hacer lo correcto para ayudar, pero no exento de cometer errores; Nandi, una dedicada policía dispuesta a sacrificarse si es necesario; la familia Tyrone, dueña de las plantaciones donde han encontrado los cadáveres y de otras tierras que se están peleando con los nativos del sector. Y así, van apareciendo personajes que van mezclando sus historias.

La historia del rapto y trauma de Reika, así como los asesinatos en serie, son muy buenos guiones para tener una serie criminal y que atrape al espectador. Lo complicado es mantener atento al telespectador y saber entrelazar las historias, en donde el guion falla un poco, en el sentido que muestra situaciones irrisorias, no sé si la cultura del sector permite tanta incongruencia entre el actuar de la policía que realiza cada actor en solitario, cuando se debe actuar en pareja o grupo, o el chiste que resulta cuando quieren actuar encubiertos; el que jefes de tribus tengan más autoridad que la misma autoridad, o el caso de esta doctora, Reyka, que ella misma es un problema para su trabajo y vida en general, que hace que no se le tome en serio cuando quiere practicar sus “perfiles”.

Debo confesar que llegué a esta serie solo por Iaian Glen, quien es un excelente actor, al cual no le sacaron el provecho suficiente con su gran rol que es la del pedófilo. Aunque en los momentos en que ambos protagonistas se ven enfrentados, se siente la incomodidad.

El guion, aunque las historias son atrapantes, carece de buen desarrollo, aunque si cumple con las herramientas de su género que es el suspenso y thriller policial, donde tenemos personajes que siembran dudas.

La fotografía es muy buena, los ángulos de las cámaras están muy bien posiciones, el maquillaje muy bueno. La jerarquía de dichos lugares resulta interesante, aunque difícil de entender que suceda así. La puesta en escena con lugares donde la pobreza es extrema, las carencias policiacas, la falta de higiene, o las poderosas familiares, está bien enfocado.

Interesante serie que ya tiene disponible su segunda temporada para ver en algún momento, y saber que nuevos crímenes (y en especial un mejor desarrollo) nos trae Reyka y su equipo.

Es bueno, además, conocer trabajos fílmicos de otras latitudes, para así ampliar nuestros horizontes cinematográficos.

Temas que trata esta serie son los problemas mentales, traumas que vienen de la infancia y que no son tratados ni resueltos por los adultos en pos de sus menores, la inseguridad, la violencia de género, el sistema de justicia, racismo, y más.

Disponible en MAX y TNT Series.

Ficha técnica

Serie 8 capítulo, 50 minutos aprox. Cada uno
Año: 2021
País: Sudáfrica
Dirección: Catharine Cooke, Zee Ntuli
Guion: Rohan Dickson, Jake Riddell. Historia: Jake Riddell
Fotografía Tom Marais
Género: Serie de TV. Thriller. Intriga | Asesinos en serie. Policíaco. Thriller psicológico
Protagonistas: Kim Engelbrecht, Iaian Glen, Anna-Mart van der Merwe, Rashaan Stackling, Gerald Steyn, Gabrielle de Gama, Hamilton Dhlamini, Mavuso Simelane.

domingo, 10 de marzo de 2024

American Fiction - Por Carlos Correa Acuña

Thelonious "Monk" Ellison -Jeffrey Wright-, escritor y profesor afroamericano en Los Ángeles escribe novelas bien recibidas por el mundo académico pero que se venden mal, tanto así que los editores rechazan su último manuscrito por no ser "suficientemente negro". La Universidad donde imparte clases lo obliga a una licencia temporal debido a algunos problemas con algunos estudiantes respecto a cuestiones raciales; sus superiores le sugieren que pase tiempo con su familia en su ciudad natal, Boston, y asista a un seminario literario. En el encuentro, su panel tiene una paupérrima asistencia, mientras la sala del lado está repleta para una presentación de Sintara Golden, cuya novela más vendida “We's Lives in Da Ghetto” satisface todos los estereotipos esperados. Monk, cansado de tanta hipocresía, decide escribir un libro en base a todo lo que le piden y que él critica, lo que traerá sorprendentes consecuencias.

En este drama/comedia, basado en la novela de Percival Everett, escrito y dirigido por Cord Jefferson, presenciamos varias historias paralelas con personajes muy bien delineados. Cada uno tiene un espacio en el que queda clara su configuración y peso en el relato, con un ritmo y edición en los que destaca especialmente la selección de los tiempos empleados y la duración y consistencia de cada una de las escenas.

Jeffrey Wright hace un papel magnífico. Nominado a mejor actor en los Óscar 2024, destaca su genialidad gestual que llena y completa la pantalla, sin ser quien se lleve el peso mayor sino cumpliendo un rol de guía y enlace, una especie de vértice común, para todos quienes rodean a este especial académico. Y es que las ramificaciones son extensas, partiendo por su familia, su madre Agnes, su hermana Lisa, su hermano Clifford -Sterling K. Brown, nominado a mejor actor de reparto-, y Lorraine -quien ayuda en casa hace muchos años. A ellos se suma Coraline, la vecina del frente, los editores que reciben el manuscrito, los jurados de un premio de literatura al que Monk es invitado, y por cierto la mismísima Sintara Golden, la escritora de moda, una especie de rival inspiradora del protagonista.

“American Fiction” es una sátira deliciosa sobre el contenido que realmente “vende”, pero que es despreciado por el mundo intelectual. También lo es sobre la descalificación de los fenómenos masivos, o aquella complacencia que da en en gusto a la audiencia con temas banales, fingiendo cercanía, pero solamente entregando lo que se espera, sin ir más allá. Ciertamente la cinta toca el tema de la discriminación racial y sexual que afecta a las personas de color, pero lo hace desde una óptica diferente, internándose en un mundo que podría resultar peligroso si no se lleva adecuadamente.

Hacer comedia es de los géneros más difíciles, y esta obra lo hace muy bien. Entre broma y broma, se cuelan verdades del tamaño de una casa, porque también acá está en juego la autoestima y la conexión humana con otras realidades. Hay algo en la genialidad de ciertas personas que les impide una fluida relación con el entorno, y ago de esto está presente en Thelonious Ellison, sobre todo cuando es conminado por su hermano Cliff a dejarse amar por todos quienes le quieren, sin poner barreras o hacer distinciones.

La cantidad de detalles que tiene esta cinta son muchísimos. Solo tres, para tener en consideración: un Malbec “Luigi Bosca” (vino de Mendoza, Argentina) en una comida; la escena donde “Monk” escribe su novela y suceden cosas a su alrededor; y un final inesperado y sorprendente, tres trozos de manjar para saborearlos y degustarlos en el paladar luego de verlos.

Con el “Lacrimosa” del Réquiem de Mozart como telón de fondo, “Ficción Americana” concluye en forma brillante, sin aspavientos ni vericuetos imposibles, honesta y significativa, una película que hay que ver y disfrutar en todo su esplendor. ¿Se transformará en la sorpresa, en “el tapado” este fin de semana en la entrega de los premios Óscar? ¡Imperdible!

Ficha técnica


Título original: American Fiction
Año: 2023
Duración: 117 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Orion Pictures, MRC Film, 3 Arts Entertainment, Media Rights Capital (MRC), Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Distribuidora: Amazon Prime Video
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Literatura. Sátira
Guion: Cord Jefferson. Novela: Percival Everett
Música: Laura Karpman
Fotografía: Cristina Dunlap
Reparto: Jeffrey Wright, Tracee Ellis Ross, Issa Rae, Sterling K. Brown, John Ortiz, Erika Alexander, Leslie Uggams, Adam Brody, and Keith David.
Dirección: Cord Jefferson

Imaginario: Juguete Diabólico - Por Jackie O.

"La poderosa imaginación que se desvanece"


Sinopsis: Cuando Jessica regresa a la casa de su infancia con su familia, su hijastra menor, Alice, encuentra un osito de peluche llamado Chauncey. A medida que el comportamiento de Alice se vuelve cada vez más preocupante, Jessica interviene sólo para darse cuenta de que Chauncey es mucho más que el osito de peluche que ella creía que era.

Una joven pareja, ella escritora de cuentos, y él un músico divorciado que aporta a esta nueva aventura familiar dos hijas menores de edad, una rebelde de 15 años y otra de unos 10 años, más o menos. Ambas sufren la pérdida de su madre en diferentes aspectos que iremos conociendo en la trama.
Esta singular familia se va a vivir a la casa de infancia de Jessica, de la que, curiosamente, ella no tiene muchos recuerdos de esa infancia.

En este nuevo lugar que este joven matrimonio busca sea un hogar, comienza a suceder un hecho insólito, Alice, la menor de las niñas encuentra un oso de peluche en esa vieja casa, y lo hace su gran amigo. El resto, le sigue el juego, porque es una niña que vivió un trauma y no tiene nada de malo hacer volar la imaginación. Muchos han tenido amigos imaginarios.
Pero todo se sale fuera de control cuando este tierno oso no es lo que todos creían, desatando una maraña psicológica a nuestra protagonista Jessica que pondrá en juego la fuerza de esta familia.

Esta cinta se presenta como de terror, y tiene los elementos para ello, salvo que no se utilizaron del todo correctamente. Me recordó a las viejas películas de los 70 y 80, que mantenían muy pocos efectos visuales y sí muchos efectos prácticos. Sin muy buena presentación escénica.
En cuanto a su guion, se presentaron cosas sin sentido, que causan mucha risa, no se explicaban, y ningún sobresalto.
La idea está buena, pues está dividida en dos: el mundo real y el mundo imaginario; pero faltó más riesgo para causarnos terror real, faltó el mecanismo de usar más a este oso como se usó a Chucky, Megan, o Anabelle (con o sin buen resultado, pero fueron efectivos)

Una película que nos habla de las familias destruidas y la reconstrucción de las mismas. De darse oportunidades para hacer las cosas más llevaderas. De saber pedir ayuda cuando tenemos temas no resueltos, pero por sobretodo los adultos, la responsabilidad de los adultos por sobre los niños, saber detectar problemas y no temer pedir ayuda profesional.

Reitero, una película interesante, no vemos nada nuevo, que tiene los elementos para el género, sin embargo que le faltó para llegar a su objetivo. Pero curiosamente, divierte.

Actualmente en Cines.

Ficha técnica

Imaginary
Dirigida por Jeff Wadlow
Escrita por Jeff Wadlow, Greg Erb y Jason Oremland
104 minutos 
EEUU. 2024
Protagonizada por DeWanda Wise, Tom Payne, Taegen Burns, Pyper Braun, Matthew Sato, Verónica Falcón, Betty Buckley

viernes, 8 de marzo de 2024

Imaginario: Juguete Diabólico - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Cuando Jessica (DeWanda Wise) vuelve con su familia a la casa de su infancia, Alice (Pyper Braun), su hijastra más pequeña, comienza a desarrollar un extraño apego hacia Chauncey, el oso de peluche que encuentra en el sótano. En un primer momento, Alice y Chauncey se entretienen con juegos aparentemente divertidos que, poco a poco, irán volviéndose más siniestros y peligrosos. A medida que el comportamiento de Alice se va volviendo más inquietante, Jessica decide intervenir, pero cuando lo hace se da cuenta de que Chauncey es mucho más que un inofensivo oso de peluche.


Dirigida por Jeff Wadlow, esta cinta se inicia con una terrorífica secuencia. Jessica es escritora, pinta, hace caricaturas, y tiene un presente exitoso, pero creativamente pasa por un período en blanco previo a su próxima entrega. En lo familiar, tampoco lo pasa bien. A sus problemas de sueño, se agrega que debe lidiar con la carga de ser madrastra de las dos hijas de su pareja, la adolescente Taylor y la pequeña Alice.

Un proyectado -y adelantado- cambio de casa debería ayudar y favorecer las cosas. Más que mal, se trata de la casa donde ella vivió su infancia y que ahora vuelve a ocupar en circunstancias muy diferentes. La historia pesa, pero es un cable a tierra a pesar de algunos eventos que marcaron su difícil y compleja niñez y posterior adolescencia. Pero las cosas no mejoran. La relación con Taylor es tirante y se agudizan aún más las discusiones. El estrés de lo laboral también le pasa la cuenta, porque cuando intenta darse un tiempo para jugar con Alice, un llamado la saca de foco justo en el momento en que la pequeña descubre, en el sótano, un oso de peluche que se va a transformar en su nuevo amigo imaginario.

El género de terror no es nada fácil. Caer en los estereotipos y figuras manidas es siempre una tentación que puede llegar a ser irresistible. Wadlow rehuye un poco de aquello, sin embargo imprime muchas características “de manual” en este trabajo. Los sustos son parte fundamental, y ahí están, bien construidos y bien estructurados. La música de Bear McCreary ayuda también a crear atmósferas, y tiene una sincronía pura con las imágenes en los momentos precisos en los que se necesita esa coincidencia plena. La fotografía, oscura y lúgubre, aporta a crear incertidumbre, porque siempre hay un sótano con algún recoveco, espacio o puerta escondida que se abre en el momento menos pensado. El mérito del director es usar bien todos estos elementos, sin abusar, dosificados, para lograr que crezca la tensión y Chauncey se transforme en el verdadero protagonista de la historia.

En una hora de metraje parece que viniera el punto de inflexión, sin embargo es allí donde la película comienza a decaer, básicamente porque intenta explicar lo que estamos viendo en pantalla. La argumentación es tan laberíntica como los escenarios visualmente propuestos, y ya sabemos: si las explicaciones confunden y enredan más, finalmente no son mucho aporte. Más bien restan puntos a un todo que de a poco se va desintegrando.

Como en muchas cintas de terror, las bases de la trama se encuentran en los traumas pasados que no han sido superados. Acá, eso adquiere un papel fundamental, porque sabemos que “la historia no se repite pero rima”. Lo presente se transforma en una proyección del pasado, máxime cuando se abren algunas ventanas que lo observan y se muestran secretos que por fin salen a la luz.

En un poco menos de dos horas -aunque 90 minutos habrían sido ideales-, “Imaginary” funciona porque hace las cosas bien, con coherencia visual y argumental. La pequeña Alice brilla en su papel, dejando varios escalones más abajo a su hermana adolescente que no logra dar credibilidad a su rol. Jeff Wadlow trabaja bien las secuencias, el ritmo y la edición. Solo queda un poco al debe respecto a esas lagunas que se producen al profundizar aspectos que tal vez pueden ser considerados menos relevantes. Pero bueno, finalmente se trata de tomar decisiones y de optar, por lo que nada de esto quita mérito alguno a una película que resulta interesante por su buen nivel de producción, y porque no se deshace entre las manos cuando debe hacer el remate final. Si habrá continuación o no, dependerá de la taquilla. Al menos las pistas están, solo queda tirar de la manilla.

Ficha técnica

Título original: Imaginary
Año: 2024
Duración: 104 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Blumhouse Productions, Lions Gate Films, Tower of Babble Entertainment. Distribuidora: Lionsgate
Género: Terror | Sobrenatural
Guion: Greg Erb, Bryce McGuire, Jason Oremland, Jeff Wadlow
Música: Bear McCreary
Fotografía: James McMillan
Reparto: DeWanda Wise, Tom Payne, Taegen Burns, Pyper Braun, Veronica Falcón y Betty Buckley .
Dirección: Jeff Wadlow

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine Viernes 8 de Marzo 2024

Alejandro Caro Contreras conversa con Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.