jueves, 31 de octubre de 2024

Aventuras Caninas: El misterio de la corona - Por Alejandro Caro

Sinopsis: La Ópera Metropolitana de Nueva York, un lugar legendario y de renombre, y Carmen, la opera más famosa del mundo, son los escenarios de esta aventura en la que Samson, líder de un grupo de perros callejeros, salvará a Anastasia. Un día, huyendo de sus cazadores se esconde en el edificio Met. Allí conoce a la encantadora Margot, la mascota de Anastasia, la primera bailarina del teatro. La trama se complica cuando la única corona que perteneció a la reina de Gran Bretaña y que Anastasia debe lucir en el cuarto acto, desaparece del camerino. Sin aquella joya, el espectáculo no puede continuar y debe cancelarse. Ahora Margot y Samson tienen que encontrar al ladrón y salvar la función.


A través de la música y el baile de la ópera Carmen de Bizet, se va entrelazando la historia animada que estos caninos tratan de resolver con su astucia callejera y la inocencia de la refinada Margot, -en otras animaciones ya hemos visto estos encuentros de aquellos desaliñados callejeros y ellas elegantes caninas-. Debemos decir que la música se aprecia por breves momentos y solo para dar sentido a la historia que arranca, pero da una idea y puede entusiasmar a los más pequeños por oír más de ella.

Tiene un guion básico que, por momentos, tambalea por una estructura que permite avanzar como algo nuevo. De esto se desprende la evocación a otros filmes similares de vidas perrunas.

Reconozcamos elementos positivos de los personajes, como el compañerismo, el liderazgo que se hace presente en la asignación de labores para cada uno de los miembros de la manada, y alcanzar el fin que se proponen; así como también la justicia y la solidaridad con sus pares caninos más desfavorecidos, ayudándolos a sobrevivir, aunque con acciones bastante a lo Robin Hood.

Pareciera una película de bajo presupuesto por su básica estética de animación, teniendo en cuenta que hoy hay una gran posibilidad tecnológica para el desarrollo de imágenes que atrapen al espectador por su creatividad.

A pesar de lo anterior, logra entretener, tiene pequeñas notas de humor, y no es tan larga en su duración, para que los pequeños amigos y amigas pasen un buen momento y no se aburran.

Ficha técnica

Título original:: Velikolepnaya pyaterka
País: Rusia
Año: 2023
Duración: 76 minutos
Dirección: Vasiliy Rovenskiy
Guion: Vasiliy Rovenskiy
Música: Anton Gryzlov (compositor)
Fotografía: Animación.
Productoras: Kinofirma, Nashe Kino. Distribuidora:Nashe Kino
Género: Animación, Comedia, Familia

El Lugar de la Otra - Por Bernardita Santander Navarro

Sinopsis: Una tímida asistente legal en el Chile de los años cincuenta, no se siente valorada como esposa ni madre, hasta que un caso de asesinato rompe sus esquemas y decide cambiar su vida, aunque sea por un momento.


La historia de esta película se centra básicamente en la vida de una mujer llamada Mercedes, (que es interpretada por Elisa Zulueta) que vive con su familia en un hogar sencillo con pocas comodidades para la época. Su rutina prácticamente la tiene agotada y su marido tampoco le colabora.

Ella trabaja como asistente de un juez, sin embargo, su realidad tomará un giro inesperado cuando le toque presenciar el arresto de una mujer que asesinó a su amante, en un reconocido hotel de la ciudad de Santiago llamado Crillón.

La detenida se llama María Carolina Geel, una escritora que estaba separada y que era parte de la aristocracia chilena. Este personaje es interpretado por Francisca Lewin y está basado en una historia real, cuando la novelista María Luisa Bombal, 14 años antes, y en el mismo lugar, le había disparado a su enamorado. No obstante, en esta ocasión no lo mató, sino que simplemente lo hirió en el brazo.

Este casi crimen pasional, es lo que motivó a la documentalista Maite Alberdi (que hizo anteriormente La Once y el Agente Topo) a recrear esta historia pero también a ponerle parte de su creatividad, para contar la vida de esta mujer ficticia llamada Mercedes, y cómo al conocer este crimen vio la oportunidad de aprovecharse del departamento de la detenida para vivir una vida de ensueño.

Tengo que decir que en su primer guion de ficción, Alberdi logra abordar muy bien la psicología femenina y el cómo las mujeres siempre buscamos de alguna u otra forma ser como las demás.

Con una excelente dirección de fotografía y un gran nivel de producción para conseguir los elementos que se usaban en esa época, tengo que destacar esta cinta por ser además interesante y entretenida, además de contar con un buen guion.

En general podemos ver muy buenas actuaciones, considerando también la participación de algunos personajes episódicos. Aunque tengo que decir que la única que estaba demás en esa línea era la humorista Natalia Valdebenito, dado que con su aparición se pierde un poco la seriedad de la película.

En tanto, Lewin y Zulueta se lucen en sus respectivos personajes. Es más, es muy interesante ver que el personaje de Lewin haya sido un protagónico con pocos diálogos.

Es una cinta fresca para lo que conocemos del cine chileno. Excelente sorpresa de Maite Alberdi, especialmente por algunos temas que se tratan y que aún persisten en nuestra sociedad, como es por ejemplo el machismo.

Disponible en Netflix.

Ficha Técnica

Título original: El Lugar de la otra
Año: 2024
Dirección: Maite Alberdi
Duración: 95 minutos
País: Chile
Reparto: Elisa Zulueta, Francisca Lewin, Marcial Tagle, Carlos Donoso, Pablo Macaya, Gabriel Urzúa, Gabriel Cañas, Cristián Carvajal, Nicolás Saavedra, Roberto Pumarino.
Guion: Inés Bortagaray, Paloma Salas, Maite Alberdi. Libro: Alia Trabucco Zerán
Música: José Miguel Miranda
Fotografía: Sergio Armstrong
Compañía: Fabula.
Distribuidora: Netflix
Género: Drama.

miércoles, 30 de octubre de 2024

Anora - Por Elizabeth Salazar T.

"En busca de la felicidad"

Dos personas diametralmente opuestas se conocen. Anora o Ani (Mikey Madison), es una joven trabajadora sexual de Brooklyn, y un día en el local donde trabaja conoce a Ivan (Mark Eydelshteyn), un joven millonario que para conquistarla le da toda clase de lujos. Tras vivir algunos días juntos, le propone matrimonio, ella acepta y se siente viviendo su propio cuento de hadas. Ivan es hijo de un magnate ruso, cuando sus padres se enteran, deciden viajar a Nueva York para anular el reciente matrimonio.

Al comienzo nos parece estar viendo una comedia romántica que nos recuerda a “Pretty woman”, la chica que conoce al millonario y transforma su vida, pero el protagonista masculino es muy diferente al interpretado por Richard Gere. Ivan es un joven inmaduro, fiestero y que busca con desesperación la atención de sus padres. La logra, pero involucrando una tercera persona y huyendo de las consecuencias de sus actos.

Ani busca el amor, a pesar de las dificultades que ha tenido en su vida. Cree en romance, se ilusiona al conocer a Ivan, pero las cosas no salen como ella lo ha soñado. Por el contrario, el filme da un giro tras la huida del joven, tras el romance y sexo. Le sigue un caos, con situaciones muy graciosas y algunas irónicas, se vuelve en una especia de anti-comedia romántica.

La ganadora de la Palma de Oro, en el pasado Festival de Cannes, nos muestra que, si bien los polos opuestos se atraen, al final las diferencias pasan la cuenta. Ani es madura y consciente de sus actos. Esta vez decidió darle una oportunidad al amor e ilusionarse con una mejor vida. Las diferencias sociales, también pesan en esta historia, porque para la familia de él, es terrible estar emparentados con Ani.

El director Sean Baker, “The Florida Project”, nos ofrece la historia de una Cenicienta moderna, cuyo príncipe se convierte en un sapo. Aunque podemos conocer las razones que motivan a cada uno de los protagonistas, y logramos entender y empatizar con ellos, en especial las mujeres con Ani, ella quiere ser amada de verdad. Al fin y al cabo, a pesar de sus diferencias, ambos buscan ser amados y felices.

Los giros de la historia nos muestran personajes interesantes y nos da entender que, a veces, las cosas no son como se planean y el destino puede asombrarnos, algo que le sucede a Ani, para bien o para mal… 

¡Vaya verla! Va a pasar un muy buen rato y seguro le sacará más de una sonrisa. Una historia diferente, que merece ser contada y vista.

Director: Sean Baker
Duración: 139 Minutos
Distribuye: Andes Films.

No hables con extraños - Por Bernardita Santander Navarro

Sinopsis: Una familia norteamericana, que vive en Londres, es invitada a pasar un fin de semana en la granja de otra familia británica, con la que hicieron amistad durante las vacaciones. Sin embargo, lo que parece ser un gran encuentro, se convertirá en una gran pesadilla.


Para aquellos que vieron Las Crónicas de Narnia: El león, la bruja y el ropero, les será muy familiar el personaje de Paddy, que es interpretado por el actor escocés James Mc Avoy, quien en esta película deja de ser el tierno fauno de este mundo ficticio para convertirse en un psicópata y asesino.

Cabe destacar que este thriller es una adaptación de una cinta danesa que lleva el mismo nombre y que fue estrenada en el año 2002. Es por eso que puedo decir que es una muy buena adaptación, ya que si bien se mantienen algunos diálogos, cambia totalmente desde la mitad de la trama hasta el desenlace.

Para aquellos que gustan de las películas de suspenso, les recomiendo ver primero la producción danesa y luego esta. Si bien la primera es bastante macabra hacia el final, tiene actores completamente diferentes en su interpretación de los personajes, lo que hará que uno valore más el esfuerzo y el éxito de esta adaptación norteamericana, donde podemos ver a un Mc Avoy mucho más agresivo y descontrolado.

No obstante, a pesar de ser esta una película bien oscura, quiero destacar el casting y la producción. Los niños que participan hacen un papel muy bueno, y los adultos también logran compenetrarse muy bien en sus personajes, especialmente Mc Avoy, que hace un trabajo extraordinario. Sin embargo, advierto que es una cinta que solo deben ver mayores de 18 años y que no sean animalistas o veganos, ya que algunas escenas podrían ser muy violentas para ellos.

Disponible próximamente en Prime Video y otras plataformas de streaming.

Ficha técnica

Título original: Speak No Evil
Año: 2024
Director: James Watkins
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Blumhouse Productions, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Terror | Remake
Guion: James Watkins, Christian Tafdrup, Mads Tafdrup
Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans
Fotografía: Tim Maurice-Jones
Reparto: James McAvoy, Mackenzie Davis, Aisling Franciosi, Alix West Lefler, Dan Hough, Scoot McNairy

Terrifier 3 - Por Elizabeth Salazar T.

"Noche sin paz"

La tercera entrega del payaso Art (David Howard Thornton), se ambienta en la época navideña, mientras los desprevenidos habitantes del condado de Miles duermen plácidamente, él desatará el caos y el terror durante Nochebuena.

Se supone que Navidad es una época de festividad y alegría, pero la llegada del payaso Art hará que todo cambie, con una serie de episodios violentos y muy sangrientos, como él suele serlo. Sienna Shaw (Lauren LaVera), aún no supera lo sucedido anteriormente, y junto a su hermano Jonathan Shaw (Elliott Fullam), saben que el violento payaso podría irrumpir en cualquier momento. Sobre todo Sienna, vive expectante y con secuelas de lo sucedido.

Art es un slasher particular, porque es sigiloso y sabe sorprender a sus víctimas, aprovechando sus distracciones. Para asesinarlos utiliza alguna clase de instrumentos, para generar muertes muy sangrientas. Sí ese es, su estilo y él parece disfrutarlo… Aunque también tiene sentido de humor, obviamente que uno muy oscuro.

Más que terror, pienso que algunas escenas lo dejarán impactado, es un filme que entretendrá a quienes gustan de las historias de asesinos, tiene un ritmo ágil de narración y estoy segura de que, en más de alguna escena, se tapará la cara.

Estreno en cines el 31 de octubre.

Director: Damien Leone
Duración: 125 Minutos
Distribuye: Diamond Films

El Asesino del Juego de Citas - Pablo Croquevielle

Voy a partir con algo importante, el poster latino es horrible si lo comparamos al americano que tiene unos colores vibrantes y le da mejor estética de la época en la que se basa y no parece ser uno genérico con un saturado color rojo.

Además, Anna Kendrick si bien oficia de directora en su debut, no debería ser considerada la protagonista por que si bien es quien mayor tiempo de metraje tiene, no tiene mucha más interacción con el asesino (un muy buen Daniel Zovatto) si lo comparo con el resto de las víctimas que compartieron con él más tiempo.
Otra cosa que me ha molestado desde el comienzo es el titulo de la película, por que creo que hasta le habría quedado mejor la traducción literal que sería "La mujer del momento", ya que tendría diversos significados ¿"El asesino del juego de citas"? Perdón, pero qué simple y sin imaginación

Le concedo a esta cinta que su primera escena es interesante, llamativa, y que ayuda a mostrarnos desde el comienzo quién es y qué hace Rodney Alcala (Zovatto), siendo un fotógrafo que sabe como convencer a sus víctimas antes de matarlas. Por lo general en este tipo de cintas, conocemos a los antagonistas al medio o al final de la historia, en cambio aquí vamos intercalando con la historia de Cheryl Bradshaw (Kenndrick), una aspirante a actriz con mala suerte que en un último intento de poder llamar la atención de la gente, se mete a un programa de citas "gracias" a su agente. Por otro lado, tenemos a Alcala a través de los años y lo vamos conociendo a través de diversas víctimas (en la vida real fueron aproximadamente 130)

Eventualmente, ambos se van a encontrar gracias a este programa de citas, pero si conocen la historia real, saben que aquí no llega a pasar mucho más porque después ella declararía que lo encontró raro como persona y no funcionó (a pesar de ambos haber ganado el premio juntos). Y hasta ahí es la participación de Kenndrick, la verdad es que el resto de las otras historias resultan más interesantes.

Tenemos a una aspirante a modelo, a una joven fugitiva de su hogar, a una azafata, a una testigo, y otros más, pero lamentablemente casi todo queda solo en ver al personaje de Cheryl sorteando la suerte con tres misteriosos galanes cuando en verdad la última historia es la más importante de todas, y es ver cómo se llegó a capturar a Alcala.
El gran problema es que aquí hay muchas subtramas que no llegan a cuajar, personajes que deberían hacer algo interesante, pero que la verdad están ahí como para intentar darle más dramatismo a la historia, pero que después de un rato quedas pensando "¿era esto necesario?"

Y como espectador a uno le da rabia al ver como funciona la justicia, como lo atraparon para dejarlo libre mientras continuaba el juicio de Alcala y gracias a eso, asesinó a mas personas.
Es cierto que no le dan un trabajo mas psicológico, los motivos, los porqués, qué traumas tuvo... se siente un asesino serial que hace lo que hace, por qué patata.
Pero si ya te lo han estado mostrando como una persona carismática, alguien que sabe convencer al acercarse a sus víctimas ¿por qué no hablar también un poco más de su pasado?
Claro, la historia principal es la del juego de citas donde una mujer lo reconoce porque fue testigo de cómo mataron a su mejor amiga años atrás, ella hace la denuncia....y queda en nada, y listo, hasta ahí quedó.

Sí, la película toca temas interesantes y cuenta de la mejor forma posible el encuentro de Alcalá con Sheryl, pero como dije más arriba, luego de que ella sale de escena, no sabemos más de su persona hasta un par de textos al final. "El asesino del juego de citas" tiene un hermoso trabajo de fotografía con sus colores, detalles y paisajes, la banda sonora funciona bastante bien... pero me falla el debut de Anna Kendrick como directora.

Entiendo que es un caso muy importante, pero no me llegó como hubiese querido. El desorden de historias, las líneas de tiempo y otros detalles me dejaron frío, con una cinta que tiene potencial pero no sabe como aprovecharlo.

Esperaré a la siguiente cinta de la directora, tal vez ahí sí logre convencerme.

Ficha técnica

Título original: Woman of the Hour
Año: 2023
Duración: 89 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Anna Kendrick
Guion: Ian MacAllister McDonald
Elenco: Anna Kendrick, Daniel Zovatto, Tony Hale, Autumn Best
Música: Dan Romer, Mike Tuccillo
Fotografía: Zach Kuperstein
Compañías: AGC Studios, BoulderLight Pictures,
Género: Thriller, Drama
Fecha de Estreno en Chile: Jueves 24 de Octubre 2024
Distribuido en Chile por: Diamond Films 

martes, 29 de octubre de 2024

Otra Piel - Por Carlos Correa Acuña

Reconozco mi ignorancia respecto a la temática de este documental. Es decir, solo conozco lo básico, principalmente aquello respecto a lo que habitualmente podemos observar en algunos museos. En este sentido, esta cinta de Patricia Correa ofrece una ventana a un vasto mundo, con muchísimas más ramificaciones de las que podríamos pensar. Vamos por partes.

Primero, como no, la historia de Miguel de la Fuente, el protagonista de este documental. Llama la atención su fascinación desde pequeño por el tema, gracias al impulso de su padre y de su abuela. Y fue justamente el profesional a cargo del Museo de Historia Natural, que Miguel visitó teniendo apenas 16 años, quien le inició en el arte de la preservación.

Segundo, cómo algo naturalmente propio de los museos se traspasa a la vida cotidiana de personas que quieren mantener el recuerdo de sus mascotas de una forma especial, como si estuvieran vivas, un deseo de conservar al ser amado cuando ya no está.

Tercero, las pistas sobre un oficio muy exclusivo, restringido, “un lujo caro” en palabras del mismo Miguel, y también en “peligro de extinción”, solo disponible para quienes pueden pagar por un trabajo consciente, delicado y detallista, encarado con mucho respeto y gran profesionalismo.

Ahora bien, desde el punto de vista de la cinematografía, las consideraciones se expanden aún más, porque esta pieza puede ser analizada desde variados aspectos. Por ejemplo, en pantalla mayormente solo está presente Miguel y varias de sus obras. Ciertas imágenes de archivo y otras que lo presentan junto a algunos clientes, no dan cuenta de Miguel persona, de su interioridad, o de su misma pasión. Por el contrario, vemos a Miguel artesano de su oficio, y también a Miguel prestador de servicios, lo que indudablemente entrega su retribución económica.

En otra arista, si bien es reducido el campo de acción que se observa, el metraje por momentos parece una larga exposición publicitaria para el autor. Este es un tema complicado, porque esa delgada línea entre el descubrimiento de un arte y su visualización con fines comerciales a veces se traspasa fácilmente. Acá no sucede del todo, pero no deja de ser un punto importante para reflexionar.

Otra faceta de este trabajo tiene que ver con el ritmo con que presentan sus imágenes. Llega un momento, especialmente pasada la media hora, en que lo que vemos es un tema con variaciones que no agrega mucha tensión al desarrollo. Se vislumbran algunos nudos, pero son muy pocos: el traslado a la costa, una exposición, una salida a cazar, el proyecto de viaje a Estados Unidos, entre otros, pero solo se esbozan, no tienen un mayor compromiso, y solo se ven como capítulos unitarios dentro de una medida plana, sin un claro punto de llegada.

El tema que me dejó más pensativo tiene que ver con la caza y con las afirmaciones expuestas por Miguel al respecto. Varios de sus trabajos son producto de su propia captura, lo que se evidencia en la preparación de las municiones para alimentar dos rifles de precisión. Aún no siendo experto, es armamento profesional, y presenta, tal vez, el mayor conflicto del filme: por un lado la conservación de las especies, y por otro, el provocar su muerte para cumplir con esos fines.

Tal vez no es menester analizar mucho más profundamente las motivaciones o razones que tiene Miguel de la Fuente respecto a su labor. Es mejor quedarnos con la sensación de haber tenido la oportunidad de conocer en primer plano, y de forma muy cercana, a una persona cuya fascinación se transformó en pasión, desarrollando un trabajo reconocido y de gran calidad, y que, además, mantiene vivo un oficio particular y complejo. Claramente ama lo que hace y aquello traspasa la pantalla.

Ficha técnica

Título original: Otra Piel
Duración: 70 minutos
Guion: Patricia Correa, Valentina Mac-Pherson
Producción: Gabriela Sandoval
Producción ejecutiva: Gabriela Sandoval y Consuelo Castillo
Producción general: Florencia Rodríguez
Fotografía: Denis Arqueros
Música: Salomón Beda
Dirección: Patricia Correa

Los Hermanos Menendez - Por Jackie O.

"Lazos de sangre"


El 20 de agosto de 1989, dos hombres entraron en una mansión de Beverly Hills y asesinaron a sus propietarios, Jose Menendez y su esposa Kitty. Los asesinatos, que conmocionaron a las clases altas de la sociedad de Los Ángeles, fueron atribuidos finalmente a sus hijos.

Un caso que este último tiempo salió a la luz por diversas entrevistas a famosos que han querido visibilizar esta historia, de abogados que han presentado nuevas mociones, de las redes sociales enloquecidas, hasta una miniserie se realizó y más.

Como no va a ser interesante plasmar en la pantalla un hecho real de rabia, traición y muerte. Es la historia de dos hermanos, Lyle y Erik, contada desde primera fuente. Ellos son quienes van relatando algunos hechos. No los vemos, los escuchamos mientras imágenes de archivos antiguos de la época acompañan este relato, así como testimonios de personas que participaron de alguna forma en ello, abogados, jurado, familiares, etc. De cómo dos jovencitos confiesan haber matado a sus padres, de cómo la investigación inicial tuvo muchas equivocaciones en el sitio del suceso, de cómo las leyes eran más duras en esa época, en ese condado de EEUU., y de cómo la prensa y las redes sociales influyen en ese momento y la actualidad.

Una historia bien editada, interesante saber desde el punto de vista de estos asesinos, el cómo, cuándo y sus motivaciones. De cómo el ser humano se nubla ante la desesperación y/o el odio.
De cómo el ser humano se va corrompiendo con los años, cómo su interior va creando conflictos que nadie ve. De cómo adultos ignoran a sus hijos. De cómo la sociedad se atreve a sacar sus propias conclusiones.
De cómo se encuentra la paz.

¿Verdad o no de su historia. Más bien sus motivaciones?
Solo lo saben ellos.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

The Menendez Brothers
2024. 1 hora 55 m.
Director: Alejandro Hartmann
Cinematografía: Topher Osborn

lunes, 28 de octubre de 2024

El Asesino del Juego de Citas - Por Carlos Correa Acuña

Interesante debut de Anna Kendrick en la dirección. Basada en hechos reales, y con guion de Ian McDonald, la historia muestra el inesperado cruce entre la joven aspirante a actriz Cheryl Bradshaw -Kendrick-, y el asesino en serie Rodney Alcala -Daniel Zovatto-, en un programa de televisión el año 1978. Se trata de “The Dating Game”, un espacio que promete a una concursante elegir al mejor soltero disponible de entre tres candidatos. El premio es un viaje juntos a un destino de ensueño, pero primero deben poner las cartas sobre la mesa, tanto la electora como los propios postulantes.

Cheryl trabaja duro, va a audiciones, se presenta a diferentes “casting” pero no le va bien, no consigue gran cosa. Es por eso que su agente le sugiere participar en el famoso programa de citas, porque allí, al menos, obtendrá algo de visibilidad. Rodney, por su parte, aparece allí con impresionante desfachatez, seguro de sí mismo, y confiado en que nadie conoce su secreto. Y funciona de esa manera, hasta que algo, o más bien alguien, hace sonar las alarmas sobre este misterioso galán de rostro afable por fuera y cruel asesino por dentro.

La premisa es sencilla y el material no es demasiado para componer un thriller que logre mantener el suspenso y además resulte interesante. Con estos escasos elementos, la clave la aporta la directora al ofrecer tres escenarios paralelos que se van desarrollando de manera independiente hasta que se produce el esperado cruce. La introducción muestra a Rodney con una de sus víctimas; pronto estamos con Cheryl, sus desafíos, su evolución, su llegada al programa; y al mismo tiempo observamos cómo otro relato, con otra protagonista se suma al argumento.

El recurso usado por Anna Kendrick para contar la historia funciona. Entre la preparación y cada una de sus hebras, pasan años. No son tiempos similares, ni tampoco coinciden necesariamente. Por ejemplo, hay temas truncos que por separado no se entienden. Están enunciados solamente, pero percibimos hacia dónde van. Esos cortes, esas separaciones, paradójicamente, sirven para enlazar las historias, lo que combinado con una buena edición, otorga agilidad a un metraje que podría fácilmente empantanarse si se quedara solo en los detalles de cada plano.

El talento de Kendrick se marca aún más con sus decisiones de enfoque y estética en cada cuadro. Cámaras en posiciones no tradicionales entregan frescura, mientras la recreación de épocas distintas destaca por su construcción y diseño. La combinación de estas secuencias le permite alargar la historia, posponiendo el esperado encuentro entre la joven y el asesino, porque sabemos que desde que aquello se produzca, el final será inminente.

Descubrimientos imprevistos y la aparición de una tercera persona que reconoce a Rodney, hace que la cinta acelere el tranco en el tercio final. Las sospechas se acrecientan y el guion introduce un tema inexplorado hasta ese momento: la negligencia ante las acusaciones, una desidia incomprensible para esa época e intolerable en los tiempos actuales.

De menos a más, y luego constante hasta su conclusión, “Woman of the Hour”, su título original, cumple bien a pesar de no tener un significativo desarrollo. Con una duración ideal (una hora y media), actuaciones creíbles, y una cinematografía de época bien desarrollada, esta película permite conocer más de cerca otra historia de crímenes violentos, hasta ese momento escondidos y sin solución. Se ve claramente, una vez más, que en la confianza está el peligro, y que, por cierto, muchas veces son solo los errores de los victimarios los que permiten conocer la verdad de sus acciones.

No hay crímenes perfectos, lo sabemos, y afortunadamente los criminales también se equivocan por exceso de seguridad en sí mismos. En épocas como las actuales, de violencia e inseguridad, más vale estar prevenidos y tomar todas las precauciones posibles. Y nunca estará de más, porque valga acá lo repetido innumerables veces: “uno ve caras pero no corazones”.

Ficha técnica

Título original: Woman of the Hour
Año: 2023
Duración: 89 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: AGC Studios, BoulderLight Pictures, Industry Entertainment, BondIt, Buffalo 8 Productions
Género: Thriller. Drama. Intriga | Basado en hechos reales. Asesinos en serie. Televisión. Años 70
Guion: Ian MacAllister McDonald
Música: Dan Romer, Mike Tuccillo
Fotografía: Zach Kuperstein
Reparto: Anna Kendrick, Daniel Zovatto ,Nicolette Robinson ,Tony Hale
Dirección: Anna Kendrick

Insospechable - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Valerie (Cristiana Réali) es una mujer activa y ejemplar. Psiquiatra de profesión, madre, esposa y feligrés irreprochable. Aún así, Valerie tiene un lado oscuro y doloroso que la mueve a realizar actos que están fuera de las normas sociales para descubrir el fondo de todo deberá pagar el precio de sanar en parte su pasado con ella y con su familia.


Es un filme que tiene un buen desarrollo y sabe para dónde va, desentrañando un drama humano acosado por fantasmas del pasado que van detrás de la protagonista con consecuencias para los que la rodean.

Todo transcurre en una familia aparentemente común y corriente, esposa, profesional, su vida familiar pasada y actual, nadie sospecha de las heridas, ni sus cercanos. Su esposo (François Berléand), es un comisario de la policía, y su hija desea conocer el pasado de su abuelo. Esa búsqueda los llevará a todos al límite por recordar, pero quieran o no, los obligará a enfrentar el pasado y asumir sus consecuencias.

Con actuaciones naturales hacen creíble el relato para un tema de suyo complejo como es el abuso y violencia intrafamiliar. Un drama muchas veces difícil de sanar.

Es una película que no tiene grandes pretensiones, logra mantenerte conectado con la trama, aunque por momentos le faltó al guion no entregar tanta información de manera que el espectador no pueda anticipar lo que va a suceder en el relato.

Un filme que seguramente no nos dejara indiferentes, y nos obligará a tomar postura sobre el abuso sexual frente al mundo infantil, y la violencia dentro de la familia, la cual no se puede ocultar ni callar.

Disponible en Amazon Prime.

Ficha técnica

Título original: Insoupçonnable
Año: 2011
Duración: 92 minutos
País: Francia
Dirección: Benoît d'Aubert
Guion: Mikael Ollivier, Franck Thilliez. Idea: Mikael Ollivier: Fabrice Aboulker.
Reparto: Cristiana Réali; François Berléand; Jade-Rose Parker; Sophie de Furst, Carole Franck.
Fotografía: William Watterlot.
Compañías: Adrénaline, France Télévisions, Radio Télévision Suisse (RTS), TV5 Monde. Distribuidora: TV5 Monde, Film & Picture Distribution.
Género: Drama. Thriller, Telefilm. Abuso sexual. Violencia intrafamiliar.

domingo, 27 de octubre de 2024

Hellboy: el hombre torcido - Por Jackie O.

"Folk Horror"

Historia: 
Hellboy es un gran personaje de cómic creado por el gran dibujante y escritor Mike Mignola, apareciendo en el año 1993. Es un antihéroe, un cambión (o semidemonio) cuyo verdadero nombre es Anung Un Rama, que fue invocado desde el infierno a la Tierra cuando era un bebé por ocultistas nazis. Apareció en las ruinas de una vieja iglesia de las Hébridas exteriores ante un equipo reunido por las Fuerzas Aliadas; entre ellos, el profesor Trevor Bruttenholm, que formó la Agencia para la Investigación y Defensa Paranormal (AIDP. Bureau for Paranormal Research and Defense: BPRD). Esto lo vemos en la primera película del año 2004.
Así se vuelve Hellboy un empleado para esta agencia internacional no gubernamental, donde no se caracteriza por seguir las reglas, y lucha contra fuerzas oscuras que incluyen nazis, otros demonios y brujas, en una serie de relatos que tienen sus raíces en el folclore, por lo que sus historias las trasladamos al subgénero del "Folk Horror".
El personaje ha sido adaptado en cuatro películas de acción real: Hellboy (2004) y su secuela The Golden Army (2008), una película reboot en 2019, y ahora con un nuevo director y actor protagónico.

Estética:
Así como la película del año 2019, Mignola participa en el guion de una historia directa del cómic, donde nos muestra a un Hellboy, junto a su compañera, quedando varados en un sector montañoso sin conexión a la civilización, zona rural de Appalachia.
Estamos a finales de la década del 50, y las historias de brujos y posesiones rodean el lugar, más cuando también aparece Tom, un sujeto que hace muchos años se fue de dicho pueblo, pero trae lo que para él es una maldición que desea deshacer.
Así, junto a Hellboy y la agente Bobbie, comienzan a deambular por el lugar y ayudar a eliminar una amenaza diabólica que afectará directamente el pasado de Hellboy.

Las historias de Mignola son muy buenas, pero este guión carece de profundidad. Lo mismo pasó en la versión anterior, donde Mignola compartió la realización del guión. ¿Por qué no dejan a Mignola escribir solo? Tal vez ahí radica el problema. Muchas manos que hacen que sea una historia sin profundidad, con un efecto narrativo que se hace lento, donde anticipan o sobre explican situaciones fuera de tiempo, acompañado de una edición deficiente.
No es primera vez que este director pasa a la pantalla un cómic, ya lo vimos con Jonás Hex y Ghost Rider. Y no se si el bajo presupuesto sea excusa para una débil historia, que sí prometía.
Los efectos visuales no fueron demasiados y se agradece. La fotografía no fue de las mejores, pues se abusó mucho de la oscuridad. Las actuaciones en su mayoría totalmente olvidables, ya que su falta de emociones hace que nos dé lo mismo lo que pase con ellos.
En cuanto al protagonista, y donde nuestra atención iba a estar depositada, Jack Kessy hizo su mejor esfuerzo, aunque demasiado taciturno, a veces, hacía que se perdiera un poco del personaje, pero su maquillaje y protésicos debo destacar que estaban bien.

No es una película mala, sino que tiene puntos deficientes. Pero siendo una fan de Hellboy, debo señalar que espero más.
Por lo que aún espero que dejen a Mignola escribir tranquilo para una próxima cinta, y por qué no, que la dirija Guillermo del Toro. Creo que Mignola/Del Toro, sería una película brutal.

Fe, demonios y revelaciones del pasado, es lo que veremos en esta cinta.

Ficha técnica

Hellboy: The Crooked Man
Dirigido por Brian Taylor
Guión: Christopher Golden, Mike Mignola y Brian Taylor
Protagonistas: Jack Kesy, Jefferson White, Adeline Rudolph
Cinematography Ivan Vatsov
Edición Ryan Denmark
99 minutos. 2024

sábado, 26 de octubre de 2024

Venom: El Último Baile - Por Carlos Correa Acuña

Hice un experimento, una prueba. Sin haber visto las dos primeras películas, tomé el riesgo de ir directo a la tercera de esta saga que comenzó el año 2018. ¿Cómo me fue? Veamos.

Lo primero que uno se pregunta cuando ve una cinta que forma parte de una trilogía, como en este caso, es si se explica por sí misma, o si es indispensable conocer la historia anterior. Aquí, puedo dar fe que la trama se comprende sin problemas. La introducción nos lleva a un escenario que es muy claro y que determina los hechos que veremos a continuación. ¡Check! Lo segundo se refiere al conocimiento de los personajes, o tenemos nociones de qué trata la trama. ¡Check también! Porque sabemos de antemano que existe un simbionte llamado Venom, unido a Eddie Brock -Tom Hardy-. Por último, queda darnos cuenta de en qué lugar de la oración se sitúan los acontecimientos actuales, lo que tampoco resulta tan difícil, porque rápidamente nos percatamos que Eddie y Venom están en plan de huida, perseguidos por amenazas humanas y extraterrestres. ¡Tercer check en línea!

Despejadas las incógnitas, solo cabe sentarse a disfrutar de la función. ¿O disfrutar podría ser un poco exagerado? Tal vez, porque lo que marca esta cinta es la acción y la confrontación, dando poco espacio a los diálogos, o a una explicación más profunda sobre los sucesos. Y está bien, es el estilo y la dinámica esperada, porque una cinta de este tipo, y especialmente realizada para el formato iMax, debe tener énfasis en los efectos especiales, tanto visuales como de sonido envolvente. ¡Y vaya que lo cumple! Las secuencias principales son un deleite, relegando a un segundo, o incluso tercer plano, cualquier otro recurso, como las muchas caricaturas de personalidades que se presentan.

La directora inglesa Kelly Marcel navega bien por las complejas aguas que caracterizan al personaje original de Marvel Comics, y que desde hace unos años forma parte del Universo Spider-Man de Sony. Un “enredo pataguino” diría mi padre, pero parece que no es ningún problema, porque los conflictos de los grandes estudios afortunadamente no se traspasan a la pantalla -al menos esta vez-, pues dejan vía libre a la imaginación y creatividad de un guion escrito por la misma directora junto al protagonista del filme.

Pero los efectos no lo son todo en este espectáculo. Las actuaciones también son importantes. En ese aspecto, tanto Chiwetel Ejiofor como Juno Temple, se ven muy cómodos y a la altura de un Tom Hardy que, sencillamente, se nota que se siente a sus anchas. Los tres se complementan adecuadamente, generando una base sólida que permite que la historia se desarrolle con naturalidad.. Donde tengo reparos es con los personajes que representan a los Moon, dos padres hippies, con sus dos hijos, una familia muy entusiasta respecto al tema extraterrestre pero caricaturizada en extremo. Algo parecido sucede con el actor Cristo Fernández -Ted Lasso-, quien en un rol pequeño y divertido, no logra aportar mucho más que su naturalidad y carisma que le caracteriza y que despierta inmediatamente nuestra espontánea sonrisa, haga lo que haga.

“Venom: El Último Baile” es parafernálica. Usa y abusa de esta característica pero no llega a saturar, se deja ver. Diferente es si a uno le gusta más o menos una temática de este tipo, si es más fan o menos fan de los cómics, si conoce las anteriores, o si es más purista respecto a los personajes. Esas son otras consideraciones y el debate puede ser largo, muy largo, pero raya para la suma, y sin ser un filme fundamental o trascendente por su escaso aporte, cumple su propósito de entretener por casi dos horas. Misión cumplida. ¡Check final!

Ficha técnica

Título original: Venom: The Last Dance
Año: 2024
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Marvel Entertainment, Arad Productions, Columbia Pictures, Hutch Parker Entertainment, Matt Tolmach Productions, Pascal Pictures.
Distribuidora: Sony Pictures Releasing
Género: Acción. Fantástico | Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. Secuela
Guion: Kelly Marcel. Historia: Tom Hardy, Kelly Marcel
Música: Dan Deacon
Fotografía: Fabian Wagner
Reparto: Tom Hardy, Chiwetel Ejiofor, Juno Temple, Rhys Ifans, Peggy Lu, Alanna Ubach, Stephen Graham.
Dirección: Kelly Marcel

El Lugar de la Otra - Por Juan Pablo Donoso

A raíz de un crimen pasional cometido en Santiago, una esposa y madre de familia rutinaria, tiene la oportunidad de crearse una fantasía que iluminará su vida para siempre.

Una vez más la talentosa y galardonada Maite Alberdi (La Once, El Agente Topo), nos entrega un relato, ahora semi-documental, incursionando en los misterios más profundos de la psiquis femenina.

El punto de partida fue el bullado asesinato de la escritora María Carolina Geel a su amante en los comedores del Hotel Crillón en 1955. Catorce años antes, en el mismo lugar, la novelista María Luisa Bombal le disparó a su enamorado en un brazo sin matarlo, por fortuna.

A Mercedes, siendo secretaria de un Juzgado del Crimen donde se investigaba el caso, los testimonios contradictorios de conocidos y parientes, le despertaron una extraña curiosidad.

Cuando el Juez le pasó la llave para que recogiera y llevara pertenencias a la prisionera, Mercedes, en el silencio y soledad del departamento, sintió una gradual empatía por su propietaria.

Después de visitarla en la cárcel de mujeres, siguió ingresando, en secreto en ese hogar, usando los maquillajes, el baño, los perfumes, sus libros, llegando a identificarse con la moradora. De ahí el título del filme: El Lugar de la Otra.

Desde entonces, y sin abandonar marido ni hijos, comenzó a sumergirse - ilusoriamente - en esta nueva identidad: la de una mujer elegante, creativa, y férrea defensora de su libertad.

Lograda incursión de Alberdi (documentalista), y colaboradores en el género narrativo. Edición fluida, bella iluminación fotográfica, y, en general, cuidada recreación de la época 1955, con leves errores cronológicos (perdonables para realizadoras que nacieron años más tarde).

Estupenda actuación de la dramaturga Elisa Zulueta como Mercedes. Compenetrada hasta en los mínimos detalles con su personaje. Naturalismo actoral en los actores secundarios.

Presencia fílmica del poder de los VACÍOS y del SILENCIO en la maduración espiritual de algunas personas. En especial de las mujeres.

Pocos años más tarde, y a petición de Gabriela Mistral, el Pdte. Ibáñez del Campo indultó a María Carolina Geel, quien volvió a su hogar hasta fallecer en 1996.

Lo destacable de esta película es el proceso de cómo Mercedes - en secreto - halló un nicho de alivio y liberación ÍNTIMA para su opaca rutina hogareña y laboral.

Durante el tiempo que duró pudo ser OTRA, y renacer ante sí misma con gratificante majestad.

Talentoso y sutil testimonio de la indefinible complejidad del alma femenina… que quizás ni ellas mismas comprenden a veces.

EL SUEÑO FECUNDO DE UNA NUEVA Y MARAVILLOSA IDENTIDAD. RECOMENDABLE.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: El lugar de la Otra
2024 Drama, crimen, historia Chile - 1,29 hrs. 
Fotografía: Sergio Armstrong 
Edición: Alejandro Carrillo Penovi, Javier Estévez, Geraldina Rodríguez 
Música: José Miguel Miranda 
Diseño Prod.: Rodrigo Bazaes 
Guion: Inés Bortagaray, Paloma Salas, Maite Alberdi
Libro: Alia Trabucco Zerán 
Actores: Elisa Zulueta, Francisca Lewin, Marcial Tagle 
Dirección: Maite Alberdi

Venom: El último Baile - Por Pablo Croquevielle

Cerrar una trilogía nunca es fácil, tienes que escribir una historia acorde a lo que se ha contado previamente y si puedes, mejorarla. Tampoco es que sea tan imposible hacer esto último cuando "Venom let be carnage" (2021) es realmente mala, y la cinta mas débil de toda esta trilogía. Por lo que la vara estaba bastante baja y no iba a ser tan difícil hacer algo mejor.

Sony tiene un problema cuando quiere hacer película de superhéroes dentro del universo de Marvel usando personajes que no pueden mencionar directamente lo que pasa en el MCU, porque si bien son colaboradores, no son participes, así que cualquier cosa relacionada al universo masivo de películas, solo pueden tocarlos por fuera sin dar nombres (a menos que sea una cinta de Spiderman).

Entonces, ¿qué se puede hacer con una película del simbionte anti héroe favorito, aquel que tiene un humor bastante particular y una relación parasitaria con Eddie Brock? Idealmente subir el nivel de riesgos y peligros a la hora de hacer una última película. Y en este caso, el villano de turno es Knull, el dios/creador de los simbiontes, quien, prisionero, busca capturar a alguna de sus creaciones que posea algo especial.

Ahora, el "pequeño" problema que tenemos con esta cinta es que -al igual que pasa casi siempre con el MCU - los villanos del MSV (Marvel Sony Verse) no funcionan, son inútiles, totalmente cero aporte. Knull es uno de los villanos más importantes del universo arácnido, un monstruo, alguien de temer, un dios. Y aquí, con suerte, aparece en un par de escenas y jamás se le ve el rostro. Solo está sentado y manda a sus criaturas a hacer el trabajo y listo. Nunca más sabemos de él (hasta la primera Y UNICA escena post créditos).
Al igual que con Carnage, queda como una simple promesa que no se cumplió.

Es cierto que aquí hay una especie de despedida para la relación de Eddie y Venom, este duo tan extrañamente particular. Se encuentran escapando tras los acontecimientos de la cinta anterior, ya que el humano está siendo acusado de un crimen que no cometió, y ahora, el simbionte quiere conocer Nueva York, por lo que, evitando a las autoridades, hacen un viaje de carretera (Road Trip) para poder llegar a destino mientras buscan la forma de limpiar el nombre.

Como siempre, esta tercera parte está llena de humor ácido, algunas escenas estrambóticas de combates, un viaje a caballo al ritmo de Don't stop me now de Queen (bastante graciosa, la verdad), y una emotiva escena con "Space Oddity" de fondo.
Se van cimentando los acontecimientos para entender que estamos cerca del final del viaje de esta pareja dispareja.

"Venom: The last dance" es entretenida, está bien, funciona hasta cierto punto. Pero nuevamente, si no eres Tom Hardy o algún personaje relevante / principal, tu arco de secundario queda en meros eye candy de cameos simbioticos, referencias que solo los lectores de Comics entenderemos, y una increíble escena de batalla final que podría haber tenido mejor presupuesto.
Entre medio tenemos una historia secundaria con una familia hippie a cargo de un padre (un notable Rhys Ifans, a quien vimos en la cinta de Spider-Man del 2012 como El Lagarto), que desea conocer el Area 51.

Esta sub trama de la familia, que apenas tiene relevancia para la historia, sirve para que Eddie Brock los conozca y le ayuden a acelerar un poco más el viaje. Pero, la verdad es que sin ellos, nada habría cambiado. Es cierto que toda la escena con la canción de David Bowie es bonita y sirve para que Eddie piense en lo que podría haber sido su vida si las cosas hubiesen sido diferentes y nada más ¿En qué aporta? ¿En qué ayuda a la historia? Si alguien vio la película, por favor cuéntenme, porque creo que no pude conectar con todo esto.

Y tenemos una escena con Dancing Queen de Abba que no tiene ni pies ni cabeza. Es graciosa, es cierto, pero ¿era necesaria?. Tenemos de regreso a la Señora Chen (la dependiente de la tienda), en esta secuencia porque no tiene sentido su aparición. ¿Es para tener continuidad?.
Son momentos, detalles, situaciones, que te hacen cuestionar las decisiones de la directora Kelly Marcel y a su equipo de guionistas. Porque se agradece que la cinta no dure tanto, pero...¿era necesario todo esto? Pero insisto, todo este desorden de road movie es mucho mejor que la segunda parte, y eso se agradece.

Al final, es una despedida más que decente. Tiene una muy interesante secuencia de acción en el tercer acto donde tenemos muchos simbiontes, explosiones, sangre, disparos y un sacrificio.
Pero el problema, como digo, es que en ningún momento se siente el peligro real cuando Knull ni siquiera es partícipe real de la historia, y durante semanas antes de su estreno te lo estaban haciendo mostrar como "EL VILLANO DEFINITIVO"... para tener menos participación que las alucinaciones de Madam Web en su acto final

"Venom: el último baile" cierra su historia de forma caótica, con un final más que cerrado para Tom Hardy (¿o tal vez no?), logra entretener y divertir a partes iguales.

No es la película superheroica del año (no esperamos nada de Sony a estas alturas), pero al menos el estudio logra salvar con lo justo.

Ficha técnica

Título original: Venom: The Last Dance
Año: 2024
Duración: 109 min.
País: Estados Unidos Estados Unidos
Dirección: Kelly Marcel
Guion: Kelly Marcel | Historia: Tom Hardy, Kelly Marcel
Reparto: Tom Hardy, Juno Temple, Chiwetel Ejiofor, Rhys Ifans, Peggy Lu
Música: Dan Deacon
Fotografía: Fabian Wagner
Compañías: Marvel Entertainment, , Columbia Pictures,  Pascal Pictures
Distribuidora Internacional: Sony Pictures Releasing
Género: Acción, Fantástico, Ciencia ficción, Superhéroes, Cómic, Extraterrestres, Comedia negra, Marvel Comics, Secuela
Fecha de Estreno en Chile: Jueves 24 de Octubre 2024
Distribuido en Chile por: Andes Films

viernes, 25 de octubre de 2024

Super/Man: La historia de Christopher Reeve - Por Carlos Correa Acuña

El 27 de mayo de 1995, el actor Christopher Reeve cayó de su caballo. Sufrió una lesión en la columna cervical que lo paralizó desde el cuello hacia abajo. El mundo entero presenciaba, desde ese momento, cómo el otrora “Superman”, ahora conectado a un respirador artificial, debía luchar por su vida. Si bien recuperó pronto la conciencia, su delicada situación y la dependencia de métodos artificiales de supervivencia por poco doblegan su voluntad. Solo el apoyo irrestricto de su familia y el amor inconmensurable de su esposa Dana, consiguieron que el milagro de la vida continuara en quien, años antes y paradójicamente, caracterizara con tanta fuerza y mística al mundialmente famoso “hombre de acero”.

Esta pieza documental dirigida por Ian Bonhôte, Peter Ettedgui resulta muy humana y emotiva, un homenaje a la nueva persona que emerge detrás del actor luego de su grave accidente. Uno de los aspectos positivos que más llama la atención es que el metraje resiste la tentación de quedarse pegado en el personaje de DC Comics. Y no es fácil, porque la figura de “Superman” es tan fuerte, que es imposible eludirla, incluso queriendo alejarse de esa marca para poder contar otra historia. Los minutos pasan y las imágenes corren vertiginosamente, como también los recuerdos que evoca en nosotros visualizar escenas icónicas de la primera entrega del personaje, la película del año 1978, la que a poco andar se transformó en éxito mundial.

El trabajo de Bonhôte y Ettedgui incluye muchos temas entre los que va saltando desordenadamente pero con precioso sentido de unidad. Vemos la familia más cercana, el entorno protegido, la industria cinematográfica, los primeros años del actor con sus sueños e ilusiones, su decisión de audicionar para el papel que lo lanzara al estrellato, y su alejamiento, producto de aquello, del teatro clásico, con el cuestionamiento consiguiente, especialmente de su padre y de sus pares. Cuando el éxito parece superar todas las adversidades, trabajos paralelos en otras películas no logran traspasar esa vara invisible con que se mide y se valora a los éxitos de taquilla. Reeve es “Superman”, “Superman” es Reeve; juntos ineludiblemente. Cuatro entregas de una franquicia que paulatinamente fue teniendo cada vez menos luz.

El accidente es un corte. Brusco, brutal, inesperado, fatal. Pero lo que viene es un renacer inesperado. El diagnóstico, producto del golpe, corresponde a una lesión severa de la médula espinal. La discapacidad es casi total. El confinamiento a una silla de ruedas y la dependencia de medios externos pasan a ser de urgencia vital. ¿Quién puede vivir así? Es fácil rendirse y no ver posible ningún futuro. Christopher Reeve se aferra a su familia y también a una causa que hace propia: visibilizar a personas con discapacidades similares a la suya, iniciando con ello, un largo y doloroso proceso de recuperación.

La película se centra en el círculo íntimo y cercano del actor. El héroe de la ficción ahora está en el suelo, derrumbado. ¿Cómo seguir adelante, avanzando? No es fácil, es casi una utopía, como la que representa su “alter ego”. Pero hay un impulso vital, algo que lo decide todo, lo cambia todo. ¿En qué momento sucede? Y ojo, acá el documental pone el tema de la eutanasia encima de la mesa, porque, aunque no de manera explícita, se enfrenta el debate de morir o vivir bajo circunstancias de dolor, sufrimiento y angustia extrema. Pero, qué gira la brújula? La respuesta es unívoca: el amor.

La nueva condición de Christopher Reeve le impone limitaciones y, por cierto, aquello involucra cuantiosos recursos económicos. Pero aunque los tenga, no es tan claro que una persona posea la fuerza y el coraje para reinventarse. En el caso de Reeve, la contradicción es aun más grande: de súper hombre a hombre vulnerable; de figura icónica a ser casi parte del inventario. Duro, crudo, complejo. ¿Quién podría culparle si se echa a morir? Es lo más cercano, lo normal, incluso lo esperable. Pero emerge la resiliencia, la capacidad de adaptarse, moldeada por el amor de una familia extendida que irradia energía, y que además ayuda a otras personas a través de la Fundación Christopher Reeve. La propia realización a través de la colaboración con otros resalta valores trascendentes y vitales, un ejemplo claro de verdadera solidaridad y empatía.

“Super/Man: The Christopher Reeve Story” está muy bien hecha. Resulta emocionante pues toca fibras íntimas de los espectadores. Es que presenciamos parte de la historia de cada uno de nosotros, imágenes que marcaron nuestra niñez y que nos hacen volver a vivir sensaciones. Esa cercanía que se produce, gracias a un testimonio honesto y dedicado, constituye una lección de vida. Conocer de primera fuente a Christopher Reeve a través de las voces de sus hijos Alexandra, Matthew y Will, junto a su primera esposa Gae Exton, su mejor amigo Robin Williams, y los actores Jeff Daniels, Susan Sarandon, Glenn Close, Whoopi Goldberg, más el político John Kerry, y la activista Brooke Ellison, entre otros, es un lujo. Son muchas las personas presentes en este trabajo, un documental que resulta imprescindible y que probablemente sea nominado a varios premios no solo por su indudable calidad técnica, sino que, además, por ser portador de esperanza y humanidad en un mundo cada vez más desolado.

Ficha técnica

Título Original: Super/Man: The Christopher Reeve Story
Año: 2024
Duración: 106 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Jenco Films, Misfits Entertainment, Passion Pictures, Words + Pictures
Género: Documental | Documental sobre cine. Biográfico. Discapacidad
Guion: Ian Bonhôte, Otto Burnham, Peter Ettedgui. Biografía sobre: Christopher Reeve
Música: Ilan Eshkeri
Reparto: Christopher Reeve, Alexandra Reeve Givens, Matthew Reeve, and Will Reeve
Dirección: Ian Bonhôte, Peter Ettedgui

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 25 de Octubre 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Carlos Correa Acuña en el Programa Semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.

Milagros inesperados (1999) - Por José Luis Nicolás

Año 1995. Paul, un anciano carcelero retirado, recuerda el vínculo que mantuvo en 1935 (60 años antes) con un prisionero condenado a muerte llamado John Coffey: un hombre afroamericano, grande y fornido, que poseía un gran don.

Así comienza Milagros inesperados, una película estrenada en 1999. La historia pertenece a una de los escritores más destacados en Estados Unidos: Stephen King. Nacido en Portland en la década de 1940, King venció la pena que heredó de un padre huido y ausente, leyendo los libros que encontraba en el hogar materno.

Pasaron los años y cuando hubo pulido su pluma, se lanzó a la aventura de las letras presentando al mundo su primera creación: Carrie, de 1974. Pese a no quedar conforme con el resultado de su ópera prima, logró venderla a United Artist que la adaptó para la gran pantalla.

La suerte que corrió su novela de terror juvenil se repitió en innumerables ocasiones: El Resplandor, Cujo, Cementerio de Animales, y la lista es larga. Todos estos títulos fueron exitosos en librerías y salas de cines.

Especialista en narraciones de terror, King dejó espacio para otras historias. A este grupo pertenecen Stand By Me, Sueños de Libertad y… El pasillo de la muerte (conocida cinematográficamente como Milagros inesperados).

King escribió El pasillo de la muerte basándose en el caso de un joven de 14 años, afroamericano, acusado en 1932 del asesinato de dos niñas. George Stinney (así se llamaba el muchacho) fue condenado a morir en la silla eléctrica. El caso fue revisado en 2014, y la justicia reveló la inocencia de Stinney.

El pasillo de la muerte fue transformado al lenguaje fílmico por el director Frank Darabont. Bajo el título de Green Mille (Milagros inesperados para el público latinoamericano) el realizador -que ya había adaptado otro relato de king, Sueños de libertad, en 1994- contó, en esta ocasión, con Tom Hanks y Michael Clarke Dunkan en los roles de Paul (el bonachón carcelero) y John Coffey (el preclaro condenado), respectivamente.

Para comprender Milagros Inesperados se requiere fe. También necesitamos, antes de acomodarnos en el sofá de nuestros hogares para ver esta película, una buena porción de esperanza y otro tanto de caridad. Porque fe, esperanza y caridad en nuestra especie es lo que le sobra a esta cinta ambientada en el corredor de la muerte de una cárcel donde, pese a todo, triunfa la mejor versión del ser humano.

Disponible en Max.

Ficha Técnica

Título original: The Green Mile
Año: 1999
Duración: 180 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Frank Darabont
Guion: Frank Darabont. Novela: Stephen King
Reparto: Tom Hanks, Michael Clarke Dunkan, David Morse, James Gromwell, Patricia Clarkson, Bonnie Hunt, Sam Rockwell, Doug Hutchison
Música: Thomas Newman
Fotografía: David Tattersall
Compañías: Warner Bros, Castle Rock Entertainment

jueves, 24 de octubre de 2024

Stella. Una vida - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Stella crece en Berlín durante el gobierno Nazi. Sueña con una carrera como cantante de jazz, a pesar de todas las medidas represivas que la obligan a esconderse con sus padres en 1944, su vida se convierte en una tragedia culpable.


¡Qué contradicciones surgen al ver esta película! Transitamos desde una natural empatía inicial, hacia sentimientos totalmente opuestos cuando el metraje madura pasando levemente su ecuador. Es que es imposible no conmoverse por las víctimas de un régimen Nazi bárbaro, opresor, inhumano y criminal. Los ejemplos son demasiados y, aunque sean vistos una y otra vez, sencillamente no cabe en la cabeza cómo pudo suceder el Holocausto. Ya no hay palabras, ni imágenes, ni cintas, que puedan hacer justicia al horror que significó el exterminio de millones de personas solo por sus raíces y procedencia.

Stella -Paula Beer-, es una víctima, como muchísimas otras, del brutal autoritarismo del Tercer Reich. Ella se destaca porque canta, forma parte de una banda, y parece alejada del peligro gracias a su bello físico. Pero nadie está a salvo. Es solo cosa de tiempo. Cuando el momento finalmente llega, y la presión es máxima, esta joven mujer debe tomar decisiones que no solo la involucran a ella, sino que también a su marido, a su familia, y a su comunidad. Si bien la premisa y las sinopsis de esta cinta son escuetas, sabemos que Stella recorrerá un camino peligroso, obligada a colaborar a cambio de salvar su vida.

El análisis de dos puntos fundamentales de esta película puede resultar arduo. No entraré en mayores profundidades, pero es necesario poner en relieve el tema de la integridad moral de las personas cuando su flanco más débil es atacado persistentemente. ¿Quién puede resistir la tortura infinita, o el acecho de la muerte en cada paso que se da? Admiro a quienes han podido dar testimonio, porque honestamente no sé cómo actuaría en una circunstancia como esa. El otro punto relevante es la estrategia empleada por los jerarcas militares, quienes no dudan un segundo en aplicar violencia física, pero tampoco descuidan el ejercicio de aniquilación de la humanidad, pisoteando y barriendo cualquier rastro de identidad, un ataque que destruye por completo el alma de las personas.

El director Kilian Riedhof se enfrenta con esta cinta a un gran desafío, y sale airoso gracias a varios elementos presentes en el desarrollo de la cinematografía. El movimiento de las cámaras, siempre nervioso y nunca inmóvil, se funde con acercamientos y alejamientos bruscos y seguimientos a personajes que varias veces terminan en escenas que se cierran en negro. Son pequeños capítulos, especies de cápsulas, que van modelando un relato fragmentado, y que gracias a una certera edición, fluye rápido y transita permanentemente de un extremo a otro del arco dramático.

“Stella. A Life.” es principalmente su protagonista. Estupendo trabajo el de Paula Beer que se interna en el papel que representa. Ella es, qué duda cabe, esa mujer tremendamente conflictuada que, sin embargo, presenta pocas dudas al momento de actuar y definir sus pasos. ¿Se trata de un estudio de personalidad? Podría ser, pero no sería suficiente. ¿Una filmación íntima? Tal vez está más cerca, pero aun le falta un poco conocer más a la persona, más allá de sus elocuentes gestos, miradas y sonrisas convenientes. ¿Qué pasa realmente con ella? ¿Es la presión y el agobio lo que realmente la hace actuar de esa manera? ¿O hay algo más, escondido, subsecuente, subterráneo?

Estamos ante un trabajo interesante que deja más interrogantes que respuestas. Es cine que cuestiona y nos pone en el lugar de los protagonistas, para reflexionar, discernir y evaluar (no juzgar). Los créditos finales son ilustrativos, porque justamente en unas pocas líneas nos cuentan lo que la película no alcanzó a desarrollar, y aunque no se siente incompleta, tal vez habría sido mejor una extensión mayor para cerrar de forma más sólida el relato. En fin, tal vez faltan documentos de esos años, o bien se tomó una decisión distinta al componer el guion, pero sea cual fuere la razón, conocer la vida de Stella Goldschlag (1922-1994) constituye un aporte, un nuevo testimonio fílmico que contribuye a nutrir la memoria histórica de la Segunda Guerra Mundial.

Ficha técnica

Título original: Stella. A Life.
Año: 2023
Duración: 120 minutos
País: Alemania
Compañías: Coproducción Alemania-Austria-Suiza; Letterbox Filmproduktion, Seven Pictures, Real Film Berlin, Amalia Film, Dor Film Wien
Género: Drama. Bélico | II Guerra Mundial. Años 40
Guion: Marc Blöbaum, Jan Braren, Kilian Riedhof
Música: Peter Hinderthür
Fotografía: Benedict Neuenfels
Reparto: Paula Beer, Katja Riemann, Lukas Miko, Jannis Niewöhner, Bekim Latifi, Damian Hardung, Maeve Metelka, Joel Basman
Dirección: Kilian Riedhof

Super/man: la historia de Christopher Reeve - Por Elizabeth Salazar T.

"Todos necesitamos un héroe"


¡Es un pájaro, es un avión, no es Superman! Esta es una de las frases más representativas del personaje que interpretó el actor Christopher Reeve y que lo llevó a convertirse en una estrella a nivel mundial. Reeve, con sus ojos azules, sonrisa amplia, alto, guapo, carismático, cuando llegó cautivó a grandes y chicos como el hombre de acero. Es por eso que, cuando el año 1995 tuvo un accidente en un concurso de equitación que lo dejó cuadripléjico, sus múltiples admiradores sintieron una profunda tristeza. Y no era para menos, Reeve se convirtió en un ícono como Superman.

Este documental sigue la vida de Christopher Reeve, nos permite conocer más de su infancia, su familia y su ascenso al estrellato. Pero también podemos ver las dificultades que debió enfrentar tras su accidente. Es él mismo quien se cuestionó el por qué le tenía que pasar eso, pero el tiempo y el amor de su mujer Dana, le darían las respuestas.

Reeve supo dar un nuevo sentido a su vida. Se convirtió en un embajador para las personas que tenían alguna discapacidad, aportando desde su experiencia, y ayudando a recolectar fondos para instituciones de ayuda benéfica de la causa. Su mirada frente a la vida cambió, y se dedicó a vivir de la mejor manera posible, enfocado en pasar tiempo con su familia, y retomó su vida profesional, pero en una nueva faceta, como director.

Este documental se siente muy íntimo, incluye entrevistas al círculo cercano de Reeves, su mujer Dana, sus hijos, sus amigos del ambiente artístico como Robin Williams (su mejor amigo), Susan Sarandon, Whoopi Woldberg, entre otras. Hay veces que pensamos que nuestra vida siempre será igual, pero este documental nos invita a reflexionar y ser agradecidos. Una historia inspiradora y muy emotiva. Dicen que hay héroes sin capa, pero Reeve, sin duda, fue un héroe con y sin capa.

Director: Ian Bonhote y Peter Ettedgui
Duración: 104 Minutos
Distribuye: Warner Bros Chile

miércoles, 23 de octubre de 2024

Hellboy: The Crooked Man - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: La historia sigue a Hellboy -Jack Kesy-, mientras investiga sucesos paranormales en los Apalaches a fines de la década de los años 50. Acompañado por una agente novata de la B.P.R.D., se enfrenta a una comunidad dominada por brujas y el demoníaco “Crooked Man”, quien tiene una conexión con el pasado de Hellboy.”


Poquito ofrece esta película de hechizos, posesiones, demonios y roba almas. De hecho, la sinopsis es mucho más expresiva, porque el desarrollo de la historia es tan delgado que se torna invisible. ¿Hay elementos interesantes? Sí, por ejemplo los efectos especiales, pero no resultan suficientes para hacer flotar la película o al menos rescatarla de un hundimiento tan predecible como merecido.

La filmación es oscura, bien por eso. Pero, ¿tiene sentido? ¿Busca algo? No lo veo, salvo el gatillo fácil del protagonista que, ante cualquier amenaza, resuelve disparando al instante su arma. Escaso aporte, muy escaso, para una película que quiere urdir una trama pero no lo consigue, ya que no avanza ni un solo milímetro. De los personajes, mejor no hablar. Ausentes, desconectados, perdidos, inexistentes.

En fin, una película innecesaria. Hace tiempo que no me pasaba sentir que quería salir corriendo de una sala de cine. No lo hice por educación, y también porque todo trabajo merece una oportunidad de ser visto en su totalidad. Pero definitivamente no es de mi gusto, no lo comparto ni lo comprendo. Solo me queda resonando una frase del protagonista: “he amanecido con peores” dice Hellboy, y para consuelo de los realizadores, yo también he visto peores.

Ficha técnica

Título original: Hellboy: The Crooked Man
Año: 2024
País: Estados Unidos
Compañías: Campbell Grobman Films, Dark Horse Comics, Dark Horse Entertainment, Millennium Media, Nu Boyana
Género: Terror. Fantástico | Folk Horror. Superhéroes. Cómic. Años 50
Guion: Mike Mignola, Christopher Golden, Brian Taylor. Cómic: Mike Mignola
Música: Sven Faulconer
Fotografía: Ivan Vatsov
Reparto: Jack Kesy, Jefferson White, Adeline Rudolph
Dirección: Brian Taylor

Hellboy, el Hombre Torcido - Por Juan Pablo Donoso

Hasta los más devotos del antiguo Hellboy manifiestan su decepción ante esta nueva secuela.

Para ellos este gigantón de aspecto monstruoso - con dos tapas de frasco incrustadas en la frente - tenía un origen mágico, semi-diabólico, pero que en su tormento se redimía como anti-héroe.

Recargada sin necesidad. Más parafernalia que conflicto de interés.

Personajes innecesarios, sobreabundantes, mal motivados y sin objetivos dramáticos claros. Ninguno, por monstruoso que se presente, nos impresiona. Nos da lo mismo su destino.

Justifican la presencia de Hellboy, ahora encarnado por Jack Kesy (antes era Ron Perlman) haciéndolo participar, a ratos, en combates inverosímiles, de los cuales sale siempre incólume. Fuma sin cesar, y nunca se le acaba la reserva de cigarrillos. Se siente postizo y mal maquillado; como de otra película.

Ritmo lento, criaturas casi sin motivación. Los guionistas perdieron la médula del relato, que antes hacía empático al protagonista.

Mazamorra tenebrosa, exagerada. Acumulación de seres fantasmales para mantener violencia y disparates gratuitos.

“Cajón de abuela” lleno de efectos especiales y músicas estridentes para que creamos que algo muy importante está sucediendo,

DESPERDICIO DE UN ANTI-HÉROE DE HISTORIETAS. UN AQUELARRE CONFUSO, SENSACIONALISTA Y POCO ATRACTIVO. LAMENTABLE.

Ficha técnica

Título Original: Hellboy, the Crooked Man
2024 Horror, acción EE.UU. - Reino Unido, Alemania, Bulgaria - 1,39 hrs 
Fotografía: Ivan Vatsov 
Edición: Ryan Denmark 
Música: Sven Faulconer 
Diseño Prod.: Orlin Grozdanov 
Guion: Christopher Golden, Mike Mignola, Brian Taylor 
Actores: Jack Kesy, Jefferson White, Leah McNamara 
Director: Brian Taylor

SuperMan: La historia de Christopher Reeve - Por Jackie O.

"Esposo, padre, luchador, héroe"


Cuando hablamos de Superman, instantáneamente para mí, está la figura de Christopher Reeve. Y por años hemos visto entrevistas de él, a su familia, a sus amigos, y debe haber cientos más en las redes.
Entonces, ¿qué nuevo tiene este trabajo que nos pueda interesar? O, por lo menos, interesar al público en general, aquel que no es su fan. Un trabajo que puede ser un desafío.

Con entrevistas a varios de sus amigos y también a familiares de Christopher Reeve, principalmente con sus hijos Matthew, Alexandra, y Will, la cinta se presenta de manera no lineal, alternando entre antes y después del accidente de equitación que lo dejó postrado.

Vemos como Christopher tuvo una infancia difícil, un padre al cual jamás dejaba conforme, y una pronta separación de ellos, convirtiéndose en un niño sin un hogar fijo. Pero en el Instituto de Arte de New York encontró su refugio, su hogar y familia. Ahí encontró a su hermano, Robin Williams, dos seres tan diferentes pero iguales, que se volvieron inseparables.
Hasta que un día, golpearon la puerta del Instituto y le pidieron audicionar para Superman, algo que ningún actor serio habría aceptado, pero él se arriesgó. Esto, y más, vamos viendo en este trabajo, donde el éxito, el amor, la fama, y cómo comenzó a formar su familia, se alterna con su accidente, y de cómo ese super héroe ya no levantaba toneladas, sino que lo levantaban a él. De cómo en el momento de mayor fama, su vida se cayó a pedazos, pero a pesar de todo tuvo suerte, porque no estaba solo. Contó con una red de apoyo que lo salvó.

Siempre se dice "cuando te pase a ti o a tus cercanos tomarás conciencia". Tal vez es cierto, tal vez es una forma de remecernos violentamente, que debemos ser empáticos, conocer otras realidades, ayudar, no quedándonos solo en palabras de buena crianza, sino ayuda real. Por eso pregúntate ¿de qué forma ayudo a mi prójimo?

Reeves fundó, junto a su mujer, una Fundación para la investigación dedicada a encontrar tratamientos y curas para la parálisis causada por lesiones de la médula espinal y otros trastornos neurológicos. ¿Habría puesto atención a esto antes? No lo sabemos, tal vez colaboraba en otras instituciones, tal vez jamás se imaginó ese mundo. Pero ese legado, esa ayuda, sea con o sin su accidente, sirvió, sirve, y fue creciendo, y su familia se involucró más allá de su muerte.

Un trabajo muy bien editado, con entrevistas conmovedoras, con imágenes de archivo aún más emocionales, donde no solo hablamos de un hombre famoso, sino de un ser humano con defectos y virtudes, que dejó un legado y que siempre recordaremos.

Porque nosotros también podemos ser héroes para alguien.

Ficha técnica

SuperMan: The Christopher Reeve Story.
Directores: Ian Bonhôte y Peter Ettedgui
Guion: Ian Bonhote, Peter Ettedgui y Otto Burnham
2024. 104 minutos.
Documental.

lunes, 21 de octubre de 2024

El Lugar de la Otra - Por Carlos Correa Acuña

Esta primera ficción de la premiada documentalista chilena Maite Alberdi logra sortear un camino complejo. Basado en hechos reales, descritos en el libro “Las Homicidas”, de Alia Trabucco Zerán, el guion, escrito por Inés Bortagaray, Paloma Salas, y la misma directora, se propone abordar como drama íntimo un caso criminal que conmocionó a la sociedad chilena el año 1955. Se trata de un asesinato a quemarropa ocurrido en el emblemático Hotel Crillón, en pleno centro de Santiago. En ese lugar, a vista y paciencia de todos los comensales, la escritora María Carolina Geel -Francisca Lewin-, disparó cinco veces contra su amante, y lo liquidó al instante. La noticia corrió rápido, por supuesto, y demandó la inmediata presencia del Juez a cargo -Marcial Tagle-, quien concurrió al sitio del suceso con su fiel actuaria Mercedes -Elisa Zulueta-, para encontrar un escenario realmente dantesco. Mientras la víctima aún yacía en el suelo, la escritora, todavía con restos de sangre en su cara y en sus ropas, era detenida por Carabineros y escoltada al exterior del hotel, en medio de un enjambre de periodistas y reporteros gráficos.

Pero esta historia no comienza con el crimen. Lo que primero observamos es la rutina familiar que Mercedes desarrolla en una pequeña casa que habita junto a sus dos hijos y su marido -Pablo Macaya-. Y no es cualquier rutina, porque en escasos minutos percibimos lo incómoda que es su vida debido a las postergaciones que enfrenta, y a las exigencias de un rol incuestionable: ser la encargada de todas las tareas domésticas del hogar, su eje central, independiente de su labor profesional que, además, es lo que provee el sustento al grupo familiar.

El asesinato despierta de inmediato la curiosidad de Mercedes. Mejor dicho, es la mujer asesina quien provoca inquietud en esta tímida mujer que aparentemente lleva años sin cuestionar ningún aspecto de su vida. Primero en forma leve, y después mucho más consciente, Mercedes comienza a ver a la victimaria mucho más como mujer que como criminal. Dicen que está loca, que nadie en su sano juicio podría cometer un acto así, pero Georgina Silva Jiménez, su verdadero nombre, parece estar más cuerda que cualquiera de nosotros. Esto llama la atención de Mercedes, hecho que ella misma corrobora cuando, por encargo del mismo tribunal, debe concurrir al luminoso departamento de la escritora, un espacio amplio en el que comienza a descubrir quién es, verdaderamente, esta mujer.

Maite Alberdi, con exquisita sensibilidad y gusto artístico, saca máximo partido a la hermosa fotografía de Sergio Armstrong, y a la excelente factura de la productora Fabula para recrear una época característicamente marcada por crecientes demandas femeninas. Los detalles son muchísimos, y la preocupación por ellos, minuciosa. Desde los ambientes, el vestuario, los cortes de pelo y los maquillajes, hasta la recreación en las calles, letreros, y automóviles, sumando una larga lista de aspectos únicos que jamás son dejados al azar. Incluso, un elemento que podría considerarse algo menor, un violoncelista que ameniza el almuerzo en el Crillón al momento del crimen, es un músico verdadero, no es un actor que hace mímica, un hecho que da cuenta que de verdad los detalles son importantes para el equipo y que nada se puede pasar por alto al momento de confeccionar una apropiada ficción de época.

Y acá el primer punto. Esta película tiene al menos dos o tres aspectos que debemos claramente separar. El primero, y más evidente, es todo lo descrito en el párrafo precedente, vale decir la excelencia de su puesta en escena pulcra y vital para sumergirnos 70 años en el pasado. El segundo tiene que ver con la profundidad de la historia y su tratamiento, sobre lo que podemos discutir y discrepar, tanto si consideramos que es un logro, o bien si estimamos que posee carencias desde la narrativa o desde el arco dramático presentado. Una tercera consideración, más profunda sin duda, y tal vez por ello más sustantiva, es la que tiene que ver con las protagonistas, Mercedes y Carolina, y las transformaciones que este episodio provoca en sus vidas.

Detengámonos un poco en este último aspecto.

Elisa Zulueta logra configurar un personaje poco descifrable. Mercedes vive una vida monótona, aburrida. y sin mayores pretensiones, pero es su vida y sigue adelante con ella. El cambio se produce cuando descubre ese otro mundo, desconocido y muy atractivo por lo demás, al momento de visitar el departamento de María Carolina. Y ojo, no descubre solo las cosas materiales que allí se encuentran, sino que, en el fondo, va descubriendo quién vive allí, y a través de sus objetos y ropas comienza a vivir una nueva vida, no en su imaginación sino en la propia realidad. Al principio tímida, pero luego cada vez con mayor soltura, la transferencia se va consumando lentamente, al punto de confundir, muchas veces, realidades con sueños, y viceversa.

Francisca Lewin funciona totalmente como contraparte. Y hay dos. Su personaje luego del asesinato, y su personaje antes del crimen, dos mujeres que parecen muy diferentes pero que son, obviamente, la misma, algo así como un espejo del nombre real y del seudónimo. Si bien, su desarrollo es más limitado que el de Mercedes, aún así es suficiente para crear una figura destacada y representativa de una mujer independiente y profesional, libre de ataduras y de cualquier convención social. Así visto, el crimen se transforma en un grito de libertad, un corte profundo con lo establecido, un salto hacia adelante, sin importar ni medir consecuencias.

En la vereda de enfrente, las figuras masculinas no pasan de ser estereotipos y figuras que quedan muy mal paradas. Es cierto, responden a la época, pero su papel decorativo solo está en función de las mujeres protagonistas, otro eco de lo que la historia quiere destacar.

El análisis podría ser más profundo, pero no quiero abusar de la paciencia de ustedes, mis lectores. Hay que ver esta película para tener opinión. A mí en lo personal, “El lugar de la otra” me parece que es una película que va tornándose más sólida en la medida que miramos aquellos aspectos menos evidentes. Si nos quedamos en la piel externa, es posible que solo sea una película más, pero si nos abrimos a ser sensibilizados por el relato, especialmente por aquello que resulta menos visible, las sensaciones que tendremos posteriormente serán profundas y evocadoras. A fin de cuentas, esta película es una ventana al pasado pero también al futuro, porque perfectamente podemos preguntarnos con genuino interés, cuánto ha cambiado nuestra sociedad durante todos estos años.

Ficha técnica

Título original: El lugar de la otra
Año: 2024
Duración: 95 minutos
País: Chile
Compañías: Fabula. Distribuidora: Netflix
Género: Drama | Años 50. Crimen. Basado en hechos reales
Guion: Inés Bortagaray, Paloma Salas, Maite Alberdi. Libro: Alia Trabucco Zerán
Música: José Miguel Miranda
Fotografía: Sergio Armstrong
Reparto: Francisca Lewin, Elisa Zulueta, Marcial Tagle, Carlos Donoso, Pablo Macaya, Gabriel Urzúa, Gabriel Cañas, Cristián Carvajal, Nicolás Saavedra, Roberto Pumarino, Natalia Valdebenito
Dirección: Maite Alberdi

domingo, 20 de octubre de 2024

Un Panda en África - Por Carlos Correa Acuña

Simpática película infantil, ideal para los mas chiquititos de la casa. Sin grandes ambiciones, esta cinta dirigida por Richard Claus y Karsten Kiilerich, presenta la historia de dos grandes amigos, el joven oso panda Ping y la dragona Jielong. Cuando ella es secuestrada, Ping no duda un instante en acudir a su rescate, contra viento y marea, viajando al desconocido y exuberante continente africano. Aquella temeraria acción, marca el comienzo de una aventura que incluye valores como la bondad y la amistad, junto con el descubrimiento de un nuevo mundo lleno de nuevos desafíos.

Procedente de Dinamarca, esta colorida animación no suma demasiado desde el punto de vista de los personajes ni de la historia. Su aspecto más destacado recae en la simpleza para trabajar un material sencillo y hacerlo muy accesible para los más pequeños. El punto principal son los temas que presenta. Vemos la importancia de la familia, la amistad, la lealtad y también cómo el mal acecha a la vuelta de la esquina y la necesidad de hacerle frente en comunidad. La reacción de Ping, instantánea, también la podemos leer como un signo visible de lo anterior, a pesar de que el no medir consecuencias podría pasarle la cuenta al final de su arriesgada aventura.

“Panda Bear in Africa” tiene algo de películas que ya hemos visto, de leones, de dragones y de pandas, pero esto es más confuso para los que las conocemos que para los más chicos, o quienes tienen sus primeras experiencias frente a estos personajes. Por ello, acá lo importante no se trata de quiénes son los protagonistas de la historia, el centro está en el desarrollo de las relaciones al interior y exterior de las propias comunidades.

En este filme tenemos 84 minutos de sana entretención. Es cierto que su animación no logra el nivel técnico de las películas más conocidas, aquellos productos refinados de los grandes estudios, pero no está nada de mal. Cumple perfectamente con su función de ilustrar un relato que tiene como objetivo distraer y divertir al tiempo de entregar un mensaje positivo en medio de una modernidad cada vez más azotada por las desgracias y las malas noticias.

Ficha técnica

Título original: Panda Bear in Africa

Año: 2024
Duración: 84 minutos
País: Dinamarca
Compañías: Coproducción Dinamarca-Países Bajos (Holanda)-Francia-Alemania-Estonia; Cool Beans, Le Pacte, A Film Estonia, A. Film, Comet Film Produktion GmbH
Género: Animación. Comedia. Infantil | Animales. África
Guion: Richard Claus, Karsten Kiilerich, Rob Sprackling
Música: Vidjay Beerepoot
Fotografía: Animación, Niels Grønlykke
Reparto: Animación
Dirección: Richard Claus, Karsten Kiilerich