Capitán Avispa - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: La historia se desarrolla en Avispatrópolis y el Reino de la Miel los cuales viven en armonía en el panal protegidos por el Héroe de ambos, el Capitán Avispa, pero su archi-enemigo Avispón Jaques Poison y sus secuaces planean acabar con esa paz y apoderarse de ambas colonias. Está en las manos de este insecto defender a los suyos a toda costa, como siempre, con nobleza, justicia e inocencia.

"Qué bueno es, a veces, lo esencial", es lo que uno piensa al sumergirse en "Avispatrópolis: El Capitán Avispa y el Reino de la Miel", una película que, sin grandes pretensiones, se despliega ante a nuestros ojos como un animado cuento de abejas con corazón. Con un estilo que nos envuelve en la nostalgia de aquellas historias que nos contaban nuestros padres, esta pieza nos recuerda la importancia de los valores más simples: la nobleza, la justicia, y esa ternura infantil que tanto nos hace falta hoy día. El Capitán Avispa, un héroe que parece sacado de un libro mágico olvidado, lleva sobre sus pequeñas alas la responsabilidad de proteger a su gente, y lo hace con una inocencia difícil de encontrar. Es una película para todos, una propuesta cinematográfica que nos recuerda que papás, hijos, y hasta abuelos, pueden disfrutar juntos, transversalmente y sin complicaciones.

Los villanos, encabezados por el carismático Avispón Jaques Poison, añaden el contraste necesario para que la historia agarre vuelo. La trama, muy sencilla, nos introduce en el plan concebido por este malulo y que desestabiliza la paz del Reino de la Miel. Las persecuciones y las escaramuzas que se suceden son lo suficientemente entretenidas para mantenernos alertas, especialmente cuando la batalla se libra no solo por el control del panal, sino por el futuro de todos los habitantes del lugar. Aunque el conflicto es importante, la película no pierde esa ligereza que la hace agradable, tal como si se tratara de un vuelo suave en un tranquilo día de verano.

Ahora, hablemos de la música, porque aquí la cosa se pone interesante. Las canciones de fondo -todas de Juan Luis Guerra, quien también es productor-, en las escenas de acción son, por decir lo menos, una apuesta bastante arriesgada y no siempre encajan. Es como si se contrapusieran con el vértigo de la propia historia; raro, no cuadran. Sin embargo, cuando esos pegajosos ritmos y acordes suenan en los bailes y en los momentos de celebración, ahí sí que funcionan. ¡Bien por la bachata! El ambiente se siente muy cómodo, como en casa, y todo cobra sentido.

En la batalla final, muy clásica en su forma, vemos al Capitán Avispa enfrentarse no solo a sus enemigos, sino también a sus propias dudas. Aquí es donde la película culmina en alza al valorar la transmisión de un legado, poniendo en relieve siempre la verdad y la bondad. “Capitán Avispa”, se transforma en una película que, con su simpleza, le habla al niño que llevamos dentro, nos deja con una sonrisa, y con la certeza que, a veces, lo más valioso es también lo más sencillo.

Ficha técnica

Título original: Capitán Avispa
Año: 2024
Duración: 90 minutos
País: República Dominicana
Compañías: Guerra Films, Guerra Toons. Productor: Juan Luis Guerra. Distribuidora: Caribbean Films Distribution, Spanglish Movies
Género: Animación. Aventuras. Acción | Superhéroes. Insectos
Guion: Gustavo Lopez, Miguel Yarull. Idea: Juan Luis Guerra
Música: Juan Luis Guerra
Fotografía: Animación
Reparto: Voces de Luis Fonsi, Joy Huerta, Juanes, Juan Luis Guerra
Dirección: Jean Gabriel Guerra, Jonnathan Melendez

Exhuma: la Tumba del Diablo - Por Juan Pablo Donoso

Compleja, larga y prolija obra de terror coreana. Cargada de ritos folclóricos para combatir maldiciones.

Queriendo vender una parcela en la montaña, hallan la tumba de un anciano sepultado por un monje asesino japonés.

Al abrir el ataúd en la morgue, un espectro malévolo salió volando. Ahora visita a sus descendientes primogénitos causándoles dolor y muerte.

Una pareja de jóvenes chamanes orientales, contratados para exorcizar demonios, serán víctimas de los mismos leviatanes que combaten.

Dividida en varios capítulos, cada uno culmina con un mini clímax. Tiene el mérito de crear terror atmosférico sin abusar de efectismos comerciales.

Con muchas escenas nocturnas aumentan el ámbito siniestro. Mas, se acumulan tantos incidentes fatales que a ratos cuesta diferenciar a muchos personajes secundarios.

El filme pareciera tener dos partes. La primera más realista y cotidiana. La segunda, más dantesca y con demonios multiplicándose hasta convertirse en bolas de fuego. Sin duda, una obra de horror bien elaborada, y con actores solventes de distintas edades.

¿Adónde conduce tan extensa epopeya tenebrosa? Tal vez a dejar a los muertos en paz.

RECARGADA PESADILLA MORTUORIA - LLENA DE SÍMBOLOS - DONDE HASTA LOS DEMONIOS DE LA GUERRA REGRESAN A TOMAR VENGANZA.

Ficha técnica

Título Original: Pamyo

2024 Terror, misterio, historia bélica Corea del Sur - 2, 14 hrs. 

Fotografía: Lee Mo-gae 

Música: Kim Tae-seong 

Actores: Choi Min-sik. Lee Do-hyun, Kim Go-eun 

Guionista y Director: Jang Jae-hyun

Exhuma - Por Jackie O.

"Estacas de hierro... cultura y folclore mortal"

Estamos ante la historia de la joven chamana Hwa-rim y su gran amigo y colaborador Bong-gil, quienes acuden a una llamada de ayuda procedente de Estados Unidos, donde el primogénito de la millonaria familia Park padece una enfermedad desconocida y también su recién nacido hijo, así como su padre; el trabajo está bien pagado, por lo que lo aceptan, y perciben que el origen del mal está en un antepasado de dicha familia, para lo cual vuelven a Corea y buscan a un geomantista experto en feng shui, Kim Sang-deok, y un sepulturero amigo. Entonces, comienzan a averiguar donde está ese antepasado enterrado, revisan la zona con minuciosidad con el fin de exhumar la tumba en el norte de la provincia de Gangwon-do.

 
La tumba no tiene nombre, está en un cerro alejado, y estos expertos no entienden por qué, sospechan que algo no anda bien. La familia dice no tener datos al respecto, y permiten que exhumen el cuerpo pero con la clara indicación de que no le realicen las típicas ceremonias que su costumbre indica cuando se exhuma un cuerpo antes de cremarlo o cambiarlo de sepultura. Solo pide el "cliente" que su bisabuelo sea cremado sin abrir el fino ataúd.

Pero un escrupuloso empleado de la morgue, y al saber que los difuntos se entierran con riquezas, intenta abrir el ataúd liberando a una entidad desconocida, y maligna.

Estamos ante una historia que se cuece lentamente, contada en corto capítulos para ir conociendo a los partícipes, y sus costumbres orientales que son muy interesantes, incluso podemos encontrarlas raras, pero ellos las siguen y respetan sagradamente. Eso hace que nos vamos interesando en la historia que nos van contando.
De cómo tradiciones antiguas aún se mantienen, de cómo se respeta la muerte así como la vida de las personas.

Una cinta que no tiene esos saltos (jump scare) que se esperan o abundan en las películas, muchas veces a la fuerza, con ruidos o imágenes. Acá no es necesario. El suspenso es presentado de forma más ceremonial y el terror de manera ambiental.
Genera tensión más que sobresalto, pues tiene un ritmo muy bien controlado.
Buenas actuaciones de todos ya que son grandes actores, en especial el legendario Choi Min-sik. La ambientación está muy bien detallada, así como la música ambiental. Los efectos visuales funcionan bien, sin ser muy destacados. Con una gran paleta de colores que hace una buena fotografía.

Vida y muerte, el descanso de los vivos dependiendo del descanso de los muertos. Creencias ancestrales. Espíritus y vida eterna, posesiones espirituales. Y la Historia de Corea con la ocupación japonesa, se puede obtener a lo largo de la película.

Ficha técnica

Dirección y guion: Jang Jae-hyun
Jang Jae-hyun
Música: Kim Tae-seong
Fotografía: Lee Mo-gae
Montaje: Jung Byung-jin
Protagonistas: Choi Min-sik, Kim Go-eun, Yoo Hae-jin, Lee Do-hyun
Corea del Sur - 2024
134 minutos

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 30 de Agosto 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa Acuña en el Programa Semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.

Leyendas de Pasión (1994) - Por José Luis Nicolás

William Ludlow, coronel retirado del ejército estadounidense, vive en un rancho de la zona de Montana junto a sus tres hijos: Alfred, Tristan y Samuel. Los cuatro llevan una vida conectada a la naturaleza y al margen de la civilización. Después de un largo viaje, Samuel (el menor de los tres hermanos) regresa al hogar con su prometida Susannah. La joven mujer llegará a alterar la convivencia entre los miembros de la varonil familia.

Esta es la premisa de Leyendas de Pasión, una película de 1994 dirigida por Edward Zwick. La cinta se basa en una novela titulada Leyendas de Otoño del escritor Jim Harrison, y está ambientada en las décadas de 1910 y 1920.

Alfred, el mayor de los hijos Ludlow es interpretado por Aidan Quinn; mientras que Samuel, el menor de la familia, es personificado por Henry Thomas (¡Sí, Elliot de E.T., el extraterrestre!); a Susannah la encarna Julia Ormond; y al coronel William Ludlow lo personifica Anthony Hopkins.

Edward Zwick dialogó durante largo tiempo con Tom Cruise para que estuviera en la piel de Tristan, el hermano del medio, pero a Cruise no le acomodó el rol. La segunda opción para interpretar a este hijo rebelde era Brad Pitt, que aceptó la propuesta. El propio Zwick confesó en sus memorias, lanzadas al mercado en febrero de 2024, que la relación con Pitt fue compleja. Los conflictos entre el actor y el director dividieron al equipo, y pusieron en riesgo la concreción del proyecto.

Pese a las desavenencias detrás de cámara, Leyendas de Pasión fue un éxito de taquilla: recaudó 160 millones de dólares, más que quintuplicando el costo de producción que fue de 30 millones de dólares.

Con todo, se reconoce la poderosa fuerza que posee esta película, aunque plantea un modo de subsistencia que no es sostenible para el común de la gente. Los Ludlows eligen vivir entre aborígenes, lejos del ruido de la ciudad: gente como ellos pueden ¿Usted podría?

Disponible en Prime Video (canal Sony One) y Apple TV.

Ficha Técnica

Título original: Legends of the Fall
Año: 1994
Duración: 134 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Edward Zwick
Guión: Susan Shilliday, Bill Wittliff. Novela: Jim Harrison
Reparto: Brad Pitt, Anthony Hopkins, Aidan Quinn, Julia Ormond, Henry Thomas
Música: James Horner
Fotografía: John Toll
Compañías: The Bedford Falls Company, Pangaea. Distribuidora: TriStar Pictures

La viuda de Clicquot - Por Elizabeth Salazar T.

"No soy un solo ser"

Se encuentra basada en el libro de Annette Fabiani “La princesa del champán”. La historia ambientada en Francia del siglo XIX nos muestra la vida de Barbe-Nicole Ponsardin (Harley Bennett), que fue conocida como Barbe-Nicole Clicquot o Madame Clicquot, quien se convirtió en una de las primeras mujeres empresarias de ese país. Ella contrajo matrimonio con François Clicquot (Tom Sturridge), cuya familia se dedicaba al negocio del vino. Barbe, tras enviudar, debió tomar el liderazgo del negocio que habían comenzado juntos para hacer champán. A pesar de los prejuicios de la época, que no veían con buenos ojos a una mujer dirigiendo un negocio y al hecho de ser viuda, Barbe supo enfrentar el alborotado ambiente político y las crisis económicas. Ella llegó a convertirse en una de las mujeres más ricas de su época.

Esta es una historia inspiradora de una mujer que fue resiliente a todas las dificultades que debió enfrentar y muy feminista. Le decían frases como:” Una mujer no puede manejar un viñedo”, “El viñedo no es un lugar para ti”. A pesar de los prejuicios, ella incluso inventó un proceso conocido como remuage o riddling, porque este es un método que consiste en girar botellas de champán en ángulo para mover los sedimentos hacia el cuello de la botella, lo que permitió producir un champán más claro y de mejor calidad. Barbe tenía mucho coraje e ingenio, algo que la ayudó en momentos difíciles. Ella misma dice: “debo renunciar a la idea de la rueda, porque molesta a los hombres”. El remuage se utiliza hasta el día de hoy.

Esta es una película bella en muchos aspectos, tiene una fotografía, estética y una ambientación hermosa. En más de una toma, nos parece estar viendo una pintura. Además de su trama, podemos ver la evolución de la protagonista como la joven Barbe hasta convertirse en Madame Clicquot, tomando las riendas de su vida. Como dice la famosa frase “el fin justifica los medios”, creo que es la que mejor sintetiza lo que sucede con ella, que debe tomar decisiones radicales para poder sacar a flote su negocio. A pesar de su juventud es consciente que de su éxito depende su familia, y también, la de sus trabajadores.

Una mujer que supo desafiar las convenciones de la época que le tocó vivir y que, como diría Frank Sinatra, vivió a su manera. Una historia poderosa que vale la pena ver.

Director: Thomas Napper
Duración: 90 Minutos
Distribuye: BF Distribution

Exhuma: la tumba del diablo - Por Elizabeth Salazar T.

"Morimos y volvemos a nacer"

Durante estos días se han estrenado varias películas de terror, esta vez llega una propuesta diferente. La película trata sobre los extraños sucesos que les suceden a geománticos, enterradores y chamanes que reubican tumbas sospechosas por dinero. La joven chamana Hwa-rim (Kim Go-eun) y su compañero Bong-gil (Lee Do-hyun), reciben una solicitud de ayuda proveniente de Los Ángeles, Estados Unidos. Un joven matrimonio teme por la salud de su bebé, debido a que algunos integrantes de la familia Park padecen una enfermedad desconocida. Por este trabajo recibirán una buena paga, pero despertarán a un espíritu malévolo tras hurgar en la tumba equivocada…

Es una buena película de terror occidental, la historia atrapa al espectador, a medida que van sucediendo distintos hechos, el suspenso aumenta. Nos acerca a parte de la cultura de Corea, a través de sus chamanes, podemos ver sus bailes y ritos.

Es interesante y refrescante ver un horror diferente, con una excelente trama, que sorprende. Buenas actuaciones, sus protagonistas logran convencer como este grupo de enterradores y chamanes. En especial destacó a Choi Min Sik que interpreta a Kim Sang-deok, podemos decir que es el líder del grupo, se toma el trabajo asignado con mucha seriedad, pero igualmente va sintiendo temor de enfrentar a lo desconocido.

Es una película que lo mantendrá expectante de principio a fin. Si le gusta el terror, es una buena posibilidad de ver una propuesta diferente, no sé si se asuste mucho, pero es una historia bien hecha, que le hará pasar un buen rato.

Director: Jang Jae-hyun
Duración: 134 Minutos
Distribuye: Cinetopia Chile

El ladrón de perros - Por Jackie O.

"Desesperanza infantil"

Estamos ante la historia de un estudiante preadolescente, llamado Martin, quien es huérfano y está al cuidado de una mujer que trabaja como asesora de hogar puertas adentro, y sobrevive trabajando como lustrabotas en la ciudad de La Paz, enfrentando día a día la discriminación y bullying de sus compañeros de colegio y la pobreza que lo afecta.

Hasta que conoce a un sastre del sector, es un sujeto adulto y solitario, y Martín comienza a hacer lo posible por acercarse cada vez más a él, ya que cree que es su padre. Ese acercamiento hace que este sastre conocido como Novoa, comience a aceptar su amistad. Pero Martín planea el secuestro del hermoso perro de Novoa para pedir rescate y ganar dinero, cosa cruel, por la tristeza de este animalito que se ve al extrañar a su amo, y del mismo Novoa.
¿Martín hace esto por venganza y que sufra Novoa? O ¿Es la forma de conseguir dinero con un rescate, y así llevar una vida mejor?

Mediante la falta de este perro en Novoa, comienza más el acercamiento con Martín, y eso a este joven le gusta. Es la atención que siempre quiso, por lo que en la confusa cabeza de este preadolescente, no sabe si devolver el perro o seguir siendo "visible" para Novoa.

La película esta ambientado en los contrastes de una ciudad marcada por la desigualdad, con planos generales, donde ayudan también los efectos de sonido con música alegre o disparos de fondo en algún momento. También captura los gestos de los actores en buenos primeros planos, donde vemos a este joven con un rostro endurecido por el trabajo callejero y la tristeza.
Pero tiene guion poco atractivo, que mantenga la intensidad del relato. Sí, nos muestra una desigualdad social, y la falta de la paternidad en un huérfano, relato que pudo haber sido mucho más atractivo si se hubiera arriesgado para obtener un buen clímax en algún momento, el que nunca llega.

Solo nos quedamos con una cinta que nos hace ver realidades: desigualdad social, bullying, temas de adopción, abandono y otros, que nos hace pensar de qué forma contribuimos en esta sociedad para hacerla mejor, Y qué hace el Estado para mejorar esas temáticas.

Ficha técnica

The Dog Thief
2024. Bolivia
Duración: 90 min.
Dirección: Vinko Tomičić
Reparto: Alfredo Castro, Franklin Aro, Teresa Ruiz, María Luque, Julio César Altamirano, Ninón Dávalos.

El ladrón de perros - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Martín, un joven lustrabotas de 14 años que trabaja en las calles de La Paz, decide robar el perro de su mejor cliente, Novoa, un solitario sastre a quien Martín ha comenzado a imaginar como su padre.

Gracias a la hermosa fotografía a cargo de Sergio Armstrong, esta pieza escrita y dirigida por Vinko Tomičić toma fuerza en la medida que avanza en metraje. Encuadres especiales y un sonido de excelente calidad, suman bonos a un tratamiento cinematográfico que da cuenta de un transito, un seguimiento ágil y profundo a un adolescente que comienza a descubrir el mundo con sus propios ojos.

Martin -Franklin Aro-, tiene la autoestima en el suelo. Menospreciado y víctima de buylling en el colegio, su escapatoria es trabajar limpiando zapatos en el centro de la ciudad. Se tapa la cara con un pasamontañas, no por frío ni por otras razones, solo se quiere ocultar del mundo que lo acosa.

Su deseo de surgir y salir adelante encuentra una veta con un instrumento musical, la trompeta, y con la posibilidad de integrar la banda del colegio. Martin tiene voluntad, pero no tiene herramientas para desarrollarla. Eso lo lleva a deambular, a buscar y recorrer, a tratar de encontrar una oportunidad a la que poder aferrarse.

La ciudad y su entorno nocturno es otro personaje que se encuentra al acecho. Ruidos de fondo se logran percibir como amenaza. ¿Un evento social en ciernes? ¿La ciudad provoca temor, o Martin le tiene temor a la ciudad? El contraste es desgarrador, preciosas vistas versus otras en las que aflora la pobreza extrema de cada rincón visitado por la cámara. Conviven estados y estratos muy diversos, un mapa amplio, cultural y político de La Paz actual, con altos y modernos edificios y un sinnúmero de construcciones precarias entre sus cerros.

La relación con Novoa -Alfredo Castro-, se va construyendo gradualmente. De solo lustrar sus zapatos, avanza al punto de ir a su casa por un plato de comida y algo más, pero allí surge la idea de aprovecharse también, porque el precioso perro del sastre puede otorgar una oportunidad de ganar dinero al robarlo, secuestrarlo y esperar una recompensa por encontrarlo. No suena mal, se debe implementar el plan y ejecutarlo a la perfección, sin descuidos, con atención al más mínimo detalle. Y se lleva a cabo, y resulta, al menos la primera etapa del robo.

En medio de la desolación del patrón, Martin resulta ser una compañía impensada. Es más, pide ayudarle, y pronto surge el interés por aprender el oficio. Avanza más la relación, hay más que compañía, existe complicidad e incluso un poco de cariño. Martín quiere la vida de Novoa, la imita tal vez, la anhela, aprende de sus gustos, parece genuino aunque algo forzado por una sospecha que cada vez se torna más posible. ¿Y si Novoa es su padre, el hombre que abandonó a su madre a la suerte de la calle cuando ella se embarazó inesperadamente?

Interesante propuesta de Vinko Tomičić para mostrar una realidad diferente, con pocos elementos pero muy bien detallados y rodados. “El ladrón de perros” es una película de grandes contrastes, como por ejemplo intercalar Rachmaninoff en medio de una secuencia importante de transferencia cultural y social entre los protagonistas. También toca temas de fondo como el cuidado de los menores, la adopción, el trabajo infantil y los abusos, en el descubrimiento de una personalidad que va de la sorpresa a la emoción, del agradecimiento al aprovechamiento, y de la dualidad extrema que producen, por igual, la culpa y el amor.

Ficha técnica

Título original: El ladrón de perros
Año: 2024
Duración: 90 minutos
País: Bolivia
Compañías: Coproducción Bolivia-Chile-Francia-México-Ecuador-Italia; Calamar Cine, Color Monster, Easy Riders Films, Jirafa, Machete Producciones, Zafiro Cinema
Género: Drama | Perros/Lobos. Robos & Atracos
Guion: Vinko Tomičić
Música: Wissam Hojeij
Fotografía: Sergio Armstrong
Reparto: Franklin Aro, Alfredo Castro, Teresa Ruiz, María Luque, Julio César Altamirano, Ninón Dávalos
Dirección: Vinko Tomičić

El salón de profesores - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Leonie Benesch interpreta a Carla Nowak, una idealista profesora de matemáticas y deportes, comienza su primer trabajo en una escuela de secundaria. Cuando se producen una serie de robos en la escuela y se sospecha de uno de sus alumnos, decide llegar al fondo del asunto por su cuenta. Carla intenta mediar entre padres indignados, colegas obstinados y estudiantes agresivos, pero se enfrenta a una rígida estructura del sistema escolar de tolerancia cero.

Catak nos lleva a un recorrido por los vínculos que se entrelazan entre profesores y alumnos, aún más allá del ámbito netamente estudiantil, para tocar, de alguna manera, no solamente lo que ocurre al interior del colegio sino que también a sus familias y por supuesto a la comunidad.

Es un filme con buena fotografía y una cámara que va recorriendo diferentes momentos, y espacios de la vida estudiantil y académica. Con una trama que lentamente nos va adentrando en la historia y por supuesto con un suspenso propio de un thriller, manteniéndonos atentos por conocer el desenlace…o cómo resolverá la protagonista aquél nudo del conflicto.

Lo interesante de la protagonista es su vocación de educadora y a pesar de tener muchos factores en contra no renuncia a su ética y su fortaleza interna para defender los valores en los que ella cree y que formarán a aquellos que el sistema educativo le ha encomendado. Ella está buscando dar trato de humanidad a sus alumnos, los cuales arrastran posiblemente algunos problemas de sus hogares que se ven reflejados en sus comportamientos en el colegio. Por otra parte, lo anterior contrasta con que algunas acciones y apreciaciones, o caminos para la solución, pueden estar equivocadas por parte de Carla, pero eso no la hace renunciar a su rol de educadora.

Finalmente, el filme no nos dejará indiferentes y puede que tomemos partido, ya sea por la profesora, los alumnos, las familias, o el colegio…en fin, ahí cada uno de nosotros define dónde se ubica.

Disponible en MAX.

Ficha técnica

Título original: Das Lehrerzimmer

Año: 2023

Duración: 99 minutos

País: Alemania

Guion: Johannes Duncker, Ilker Çatak

Reparto: Leonie Benesch, Eva Löbau, Leonard Stettnisch, Michael Klammer, Anne-Kathrin Gummich, Kathrin Wehlisch, Sarah Bauerett, Rafael Stachowiak, Uygar Tamer.

Música: Marvin Miller

Fotografía: Judith Kaufmann

Compañías: if... Productions, ARTE, ZDF

Género: Drama. Thriller | Colegios & Universidad. Enseñanza

Dirección: Ilker Çatak

Premios: 2023.-Premios Oscar: Nominada a Mejor película internacional.

Premio Goya (España): Nominada a Mejor película europea. Premio del Cine Europeo (EFA): 3 nominaciones.Festival de Valladolid - Seminci: Mejor montaje. 2 nominaciones. Premios Satellite Awards: Nominada a Mejor película internacional.

No son 30 pesos - Por Carlos Correa Acuña

Documental argentino dirigido por Fernando Krichmar que explora la historia del Frente Patriótico Manuel Rodríguez (FPMR), una organización de resistencia armada que nació en los años 80 durante la dictadura de Augusto Pinochet en Chile. A través de una mezcla de elementos documentales y de recreaciones, la película busca conectar los eventos del pasado con las protestas sociales surgidas en Chile hace casi cinco años. El título hace referencia a la consigna popular "No son 30 pesos, son 30 años", que engloba la demanda del denominado “estallido social” del 18 de octubre del 2019.

El documental utiliza una combinación de testimonios con ficción desarrollada por actores jóvenes, lo que posibilita un diálogo intergeneracional que intenta poner en perspectiva la persistencia de las luchas sociales a lo largo del tiempo. En este sentido, este trabajo no solo revisita al grupo armado que luchó contra la dictadura chilena, sino que también reflexiona sobre la relevancia histórica del FPMR en el contexto político actual, alzando como hipótesis la continuidad de las demandas sociales en el momento presente.

La dirección de Fernando Krichmar combina elementos en una estructura que, aunque ambiciosa, presenta un ritmo desigual y una división arbitraria entre sus distintos enfoques. Las partes documentales, basadas en testimonios y material de archivo, logran captar la crudeza de los eventos históricos, mientras que las secuencias ficcionales intentan agregar un valor más emocional y simbólico a los mismos hechos. Sin embargo, aquellas transiciones a menudo van en sentido contrario, creando una experiencia visual que oscila entre momentos de intensidad y otros que provocan desconexión.

El guion de Ximena González y del propio director, logra conectar pasado y presente a través de un desarrollo temático que resulta, a veces, irregular, donde las actuaciones resultan convincentes pero los testimonios reales son los que aportan la necesaria autenticidad. La relevancia social es clara, refleja las luchas ejercidas en Chile y también, en voz de sus protagonistas, el legado, aun presente, de la dictadura.

"No son 30 pesos" es mucho más que un documental; es una declaración de principios con todas las letras, un tributo a la lucha contra Pinochet y las batallas sociales que, según sus autores, aún siguen vigentes en Chile. Krichmar, literalmente, no le quita el cuerpo a las balas. La película se planta firme en lo ideológico, inclinándose sin tapujos hacia el panfleto. Este enfoque deja claro que no se trata solo de narrar los hechos, sino de influir en la percepción del espectador sobre lo que es justo y lo que no. Así, lo que empieza como un conjunto de testimonios se transforma en un llamado colectivo, una invitación a la reflexión y, por qué no, también a la acción.

Ficha técnica

Título original: No son 30 pesos
Año: 2023
Duración: 147 minutos
País: Argentina
Guion: Fernando Krichmar, Ximena González
Música: Karen Higgs, Federico Pritsch
Fotografía: Álvaro de la Barra
Género: Documental | Dictadura chilena
Reparto: Documental
Dirección: Fernando Krichmar

El Cuervo - Por Pablo Croquevielle

Cuando se anunció que se haría un remake de la legendaria cinta de 1994, “El Cuervo“, muchas alarmas se encendieron. Tanto porque se sentía innecesario, porque las primeras imágenes no convencían del todo, y porque el tráiler se veía ‘decente’ pero no llamativo.

Hacer una nueva versión de una película que es considerada de culto por mucha gente y querer convencerlas de que es buena es algo muy difícil. La trágica historia que tuvo la original, con su protagonista muerto debido a un disparo de bala accidental, el cómo la terminaron, y cómo se convirtió prácticamente en un mito de la cultura popular es algo que, al día de hoy, permanece

Mi problema con la versión 2024 de “El Cuervo“ es que se siente genérica, como hecha por cumplir, sin ganas, como si solo quisieran aprovechar la marca y sacar algo adelante a como diera lugar. Sí, tiene violencia y sangre por montones; en ese aspecto, la película cumple (hay algunos momentos que son gore total), pero a cambio, nos entregan una historia pobre en contenido, con muchos huecos argumentales y sin sentidos que te hacen pensar que tal vez exista un corte distinto, porque no me explico cómo esto llegó al final.

Bill Skarsgård es un actor de renombre, al que hemos visto en cintas como “Boy Kills World“ (de este año) o como el villano de la última de “John Wick“, también como el payaso diabólico Pennywise en “IT“, entre otros papeles. Él siempre ha entregado personajes que derrochan carisma y actitud. No sé si es por el guion de esta película, pero su Eric Draven es aburrido y parece que Bill está en modo automático, no entrega emociones convincentes. Está ahí por estar, por cumplir, por cobrar el pago de su trabajo. Además, entiendo que para las nuevas audiencias quieran entregar más contexto, quieran mostrar más el pasado de los personajes (en la de 1994 partimos de inmediato con los asesinatos), pero aquí les dan un enfoque que no me termina de convencer del todo, siendo exdrogadictos con crisis y abandonados por sus familias.

Hay muchos agujeros en la película con situaciones que están ahí y suceden "porque sí", hay momentos en que te preguntas qué es lo que estás viendo y qué sentido tiene que sigas sentado viendo una película que no va para ningún lado.

Ni la fotografía ayuda, ni la música (que se corta abruptamente en muchos momentos) ni las actuaciones de nadie, sintiéndose como si fuera una película de comienzos de los 2000.

“El Cuervo“ siempre fue una historia de amor y venganza. La pareja de enamorados (en la original) se iban a casar al día siguiente cuando ocurrió la tragedia. En cambio, en la de 2024, son dos jóvenes que, siendo dos personas muy dañadas emocionalmente, casi como que se enamoran de una sola vez, y no es muy convincente que luego todo el asunto de la venganza "sea por amor verdadero".

No tengo nada contra FKA Twigs. Hasta ayer no tenía ni idea de su existencia ni de su carrera como cantante, siendo esta su primera película como protagonista. Pero su química con Bill es nula, en ningún momento la sentí creíble, en ningún momento sentí que ellos dos estuvieran enamorados, nunca me pudieron convencer.

Si hay algo que debo rescatar de esta película es la escena de la ópera: un espectáculo de acción, violencia, sangre y cabezas destripadas de forma gloriosa. Pero se queda ahí, tal vez en su mejor momento, porque luego de eso vuelven a aparecer los personajes que no aportan, situaciones que son totalmente salidas de la nada y diálogos dignos de una película de clase B.

Y no escribo más por que no tengo nada que aportar con esta película, que fácilmente pasa a estar entre las peores del año.

Ficha técnica

Título original: The Crow

Año: 2024

Duración: 111 minutos

País: Estados Unidos

Dirección: Rupert Sanders

Guion: Zach Baylin, William Schneider

Música: Volker Bertelmann

Fotografía: Steve Annis

Actores: Bill Skarsgård, FKA Twigs, Danny Huston, Laura Birn, Sami Bouajila

Productora: The Electric Shadow Company, Edward R. Pressman Film

Género: Thriller, Acción, Remake

Sin Glasear - Por Jackie O.

"Dicen que el desayuno es lo más importante"

La película está basada, muy libremente, en la historia real de la creación de los pasteles tostados Pop-Tarts.

Estamos ante una película ambientada en los años 60', que puede ser absurda, con exceso de caricaturismo en todos los aspectos, donde sus actores no le tienen miedo al ridículo, con un guión agudo, y ojo, que hacen referencias a otras películas o series que te causarán gracias, y también vemos situaciones que suceden mundialmente o que se vivirán, lanzándose como chistes irónicos ridículamente actuadas; pero te quedas viéndola igual.

Kellogg's y Post, enemigos acérrimos en el sector de los cereales, compiten por crear un producto que cambie para siempre los desayunos. Sus directores se odian (y otros sentimientos ocultos) y buscan la forma de derrotarse, y humillar al otro como sea, es así que ocultan sus recetas, contratan espías, buscan alianzas estratégicas aunque peligrosas, contratan seudo expertos en algún área, hacen lo que tengan en su poder para ser los reyes del desayuno.

 
Eso hace que veamos una serie de situaciones muy ridículas, en las que incluso puedes reírte o tomarte de la cabeza y gritar ¡qué es esto! Mascotas en huelga, entierro de cereal, niños expertos en basura, etc.
El guión es sutil y directo para hacer referencias de todo tipo. Las actuaciones están buenas pero nada que destacar, y nos cuentan una historia real, pero muy adaptada por supuesto, llevándola a una comedia con exceso de parodias y situaciones con diversos personajes que, aunque se visualicen por poco, tiene su historia y no pasan desapercibidos

En resumen, estamos ante una comedia sobre un relato de ambición, traiciones, que por muy azucarado que sea, hasta los lecheros que son mala leche.

Y aunque no lo crean, esta nominada a los Emmy en categoría Mejor película.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Unfrosted
Dirigido por Jerry Seinfeld
Escrito por Jerry Seinfeld, Spike Feresten, Andy Robin y Barry Marder
Protagonizada por Jerry Seinfeld, Melissa McCarthy, Jim Gaffigan, Max Greenfield, Hugh Grant, Amy Schumer
Duración: 93 minutos
Año: 2024

El Cuervo - Por Carlos Correa Acuña

Estamos ante una película que perfectamente podría provocar reacciones divididas. La fotografía, oscura y cargada de símbolos, se entrelaza con el guion para mantener la esencia del original al tiempo que se atreve a explorar nuevos caminos. No obstante lo anterior, este filme tambalea un poco al intentar mantener un equilibrio, transformando la experiencia en algo que puede ser tanto cautivador como desorientador.

La dirección de la película está a cargo de Rupert Sanders, un director que ha demostrado su capacidad para crear ambientes densos y envolventes en películas como "Snow White and the Huntsman” y “Ghost in the Shell”. En "El Cuervo", Sanders se ve dentro de su zona de confort, abordando una temática familiar: la lucha entre la luz y la oscuridad, tanto en sentido literal como metafórico. A pesar de su talento para el manejo de los ritmos, en esta ocasión, su estilo parece verse limitado por las expectativas que rodean esta nueva versión. Rupert Sanders intenta, tal vez, homenajear al original con elementos contemporáneos, pero en ocasiones, estos esfuerzos generan una desconexión entre lo que se presenta en pantalla y lo que el público espera captar emocionalmente.

La trama de "El Cuervo" sigue la historia de Eric Draven, un músico que regresa de la muerte para vengar su asesinato y el de su novia. La base original de la historia -de la que esta es una segunda adaptación, según los autores-, proviene de la novela gráfica homónima de James O'Barr, un relato que combina elementos de tragedia, amor y violencia en un mundo gótico. Esta vez, la historia se expande, incluye nuevos personajes con subtramas que intentan profundizar en la psicología de Draven y en los antagonistas que enfrenta.

Las actuaciones tienen de todo un poco. El protagonista, interpretado por Bill Skarsgård, un actor joven con gran talento emergente, logra capturar la esencia atormentada de Eric Draven, aunque su interpretación se sienta un poco más contenida que la de Brandon Lee en la versión de los 90. FKA Twigs, por su parte, se va al extremo opuesto, hacia un desarrollo más íntimo y sobrio que provoca un natural contraste con su contraparte. La química entre ambos es muy buena, por cierto, sin embargo, es superada por Danny Huston, el principal villano, quien destaca por un carisma que lo lleva, tal vez, a ser uno de los puntos fuertes de la película.

La comparación con la versión anterior de "El Cuervo" es inevitable. Aquella película, dirigida por Alex Proyas y protagonizada por el ya mencionado Lee, se ha convertido, a esta altura, en un clásico de culto, en gran parte debido a la trágica muerte del actor durante el rodaje. Esta versión de 2024 si bien mantiene elementos estéticos y temáticos de la original, se distancia al introducir opciones más modernas y un actualizado enfoque visual.

"El Cuervo”, del año 2024, es una película que, a pesar de sus debilidades argumentales y narrativas, merece una oportunidad por tener ambición visual y por ser audaz en su desarrollo. No es una experiencia cinematográfica para quedar indiferente debido, principalmente, a la densa atmósfera que propone junto a la oscuridad emocional de sus protagonistas.

En frente tenemos un filme en extremo violento, con mucha sangre por milímetro cuadrado, explícitamente crudo y muy visceral. Si tiene reparos en alguno de estos aspectos, es mejor contenerse, porque podría ser una barrera insalvable para ingresar a esta inmersión cinematográfica. Si, por el contrario, ya vio la primera y siente curiosidad por esta nueva adaptación, esta película es para usted. Vaya, siéntese, disfrute, y trate que nada de lo que sucede en pantalla le salpique.

Ficha técnica

Título original: The Crow
Año: 2024
Duración: 111 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido-Francia; The Electric Shadow Company, Edward R. Pressman Film, Davis Films, Hassell Free Productions, Edward R. Pressman Film
Género: Thriller. Fantástico | Venganza. Cómic
Guion: Zach Baylin, William Schneider. Cómic: James O'Barr
Música: Volker Bertelmann
Fotografía: Steve Annis
Reparto: Bill Skarsgård, FKA Twigs, Danny Huston
Dirección: Rupert Sanders

El Reino de Kensuke - Por Carlos Correa Acuña

Esta cinta es una bella animación que adapta la novela infantil de Michael Morpurgo. La historia sigue a Michael, un niño que, durante un viaje en velero con su familia, es arrastrado por una tormenta y acaba naufragando en una isla desierta en el Pacífico. Allí, Michael descubre que no está solo. Kensuke, un veterano japonés de la Segunda Guerra Mundial, ha vivido en la isla durante años. A medida que Michael y Kensuke se van conociendo, va surgiendo entre ellos una relación llena de desafíos y descubrimientos, donde ambos aprenden a superar sus diferencias y a apoyarse mutuamente para sobrevivir.

Lo que hace especial a esta película no es solo su historia, sino cómo cada elemento se combina para llevarnos por un viaje profundamente emocional. Desde el principio, la música nos envuelve, marcando el tono de la soledad que rodea a Michael en su aventura. Aunque la trama avanza lentamente al inicio, esos primeros veinte minutos son cruciales para prepararnos, sumergiéndonos en la sensación de abandono y aislamiento que Michael siente al quedar varado en la isla. Aquí, la soledad que experimenta no es solo física, sino también emocional, y la música se convierte en el latido que mantiene viva la tensión, recordándonos lo frágil de su situación.

Cuando Michael se da cuenta de que no está completamente solo, cuando le llega comida como “por arte de magia”, se abre la puerta a un encuentro inesperado. Kensuke, un hombre que ha vivido en soledad por años, se atreve a establecer un contacto silencioso y cauteloso con él. Este encuentro se convierte en un desafío lleno de miedo y curiosidad, pues los límites que Kensuke establece son constantemente desafiados por la naturaleza rebelde e infantil de Michael. Pero este proceso no es en vano; es parte del crecimiento de Michael, donde su inmadurez va dando paso a una comprensión más profunda de respeto y cooperación. La soledad se convierte así en una lección, y Kensuke en el maestro que enseña el valor de la paciencia y la sabiduría.

La relación que se forja entre Michael y Kensuke es un bello testimonio de cómo dos mundos opuestos pueden encontrarse en un punto común. A pesar de las grandes diferencias culturales y generacionales, ambos personajes descubren que comparten mucho más de lo que imaginaban. Sin embargo, como toda buena historia, la paz que encuentran es breve. La llegada de unos cazadores amenaza con destruir todo lo que han construido juntos. Es en estos momentos de peligro cuando la verdadera naturaleza de la amistad se revela, mostrando que los lazos creados en la adversidad son los más fuertes.

"El Reino de Kensuke" es más que una historia de supervivencia; es un viaje hacia la madurez, tanto para Michael como para nosotros como espectadores. Michael aprende a valorar la vida, las conexiones humanas y los sacrificios que hacemos por quienes amamos. A través de su relación con Kensuke, este joven descubre el verdadero significado de la amistad, el cariño y la familia. Aunque las pérdidas sean inevitables, la película nos deja con un mensaje de esperanza: incluso en los momentos más oscuros, la bondad, el amor y los valores compartidos pueden ayudarnos a encontrar la luz al final del tunel.

Ficha técnica

Título original: Kensuke's Kingdom
Año: 2023
Duración: 74 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Luxemburgo-Francia; Bankside Films, Align, British Film Institute, Bumpybox, Ffilm Cymru Wales. Distribuidora: Front Row Filmed Entertainment
Género: Animación. Aventuras | Supervivencia
Guion: Frank Cottrell Boyce. Novela: Michael Morpurgo
Música: Stuart Hancock
Fotografía: Animación
Dirección: Neil Boyle, Kirk Hendry

Longlegs: coleccionista de almas - Por Carlos Correa Acuña

Más que interesante resulta esta película escrita y dirigida por Oz Perkins. Desde la introducción, un viaje lento con un efecto visual de cambio de colores que concluye una secuencia con un “cluster”, y que entrega misterio y suspenso a una composición audiovisual que promete sorpresas. Dividido en tres partes, este filme denota un excelente nivel de producción, gracias a una nitidez de sonido que resulta envolvente, y una calidad de filmación que destaca por sobre otras películas de su género.

¿Qué dice la sinopsis de esta historia? A Lee Harker, una nueva y talentosa agente del FBI, le han asignado un caso sin resolver de un asesino en serie. A medida que la investigación se complica y se descubren pruebas ocultas, Harker se da cuenta que existe un vínculo personal con el despiadado asesino y debe actuar con rapidez para evitar otro asesinato.

¿Cuáles son los puntos que se anota “Longlegs”? Varios, por cierto. Primero, el desarrollo del suspenso. Simple, directo, sin apuro, muy lento. No es fácil sostener la tensión cuando la historia avanzan cansinamente, pero acá el director lo consigue ampliamente. Segundo, la sencillez de la trama denota que hay mucho trabajo detrás, para que sea coherente y no se produzcan vacíos narrativos. Acá, si bien es poco lo que sucede en la mayoría de las secuencias, la ambientación lo es todo. Y con todo, me refiero a los escenarios, pero principalmente a las capas de sonido que entrega la partitura de Zilgi, seudónimo de Elvis Perkins, hermano del director de la película.

Siguiendo con el análisis de los aspectos centrales, la obra se va armando como un pequeño rompecabezas, donde las pistas son las piezas que se deben unir con trabajo y una buena cuota de talento e intuición. Cuando vamos conociendo la personalidad de Lee Harker -muy bien interpretada por Maika Monroe-, comprendemos que hay traumas producto de una historia pasada, y vienen los contrastes entregados por la soledad, la casa, el silencio y en ocasiones el viento, todas metáforas de una construcción quebrada en el tiempo y con una necesidad imperiosa de ser reparada.

Cuando la cinta ingresa a su sección central, más pistas entregan patrones. Sospechamos de cultos que tal ves están cubiertos por símbolos u otros elementos que nos hacen dudar desde dónde viene y hacia dónde va la historia. Imágenes van y vienen, flash backs recurrentes, extrañas relaciones, obligaciones incomprensibles y un caso particular que parece robarse el relato.

Párrafo aparte para Nicolas Cage interpretando a Longles, el histriónico y esquivo asesino en serie cuyo nombre real es Dale Cobble. Notable el actor para dar vida a un personaje complejo, que fácilmente puede caer en la caricatura pero que debe jugar al límite para ser creíble y respetado como tal.

El epílogo no es más que una confirmación de un estado de las cosas donde no veremos muchos avances, sino más bien descubriremos finalmente las relaciones que existen entre cada una de las variantes que el guion puso delante de nuestros ojos. Por eso, “Longlegs” es más una película de sensaciones que de acción, de revelaciones más que de efectos especiales, y mucho más de personalidades que de un convencional thriller de suspenso. En ese sentido, es el aspecto psicológico el que juega el papel fundamental, porque ya han jugado con nosotros, nos han hecho dudar y mostrar nuestras cartas, nos han hecho tomar partido y tener una opinión sobre la conclusión de la historia. ¿Qué tan cerca estuvimos o estaremos? Pregunta planteada para que usted, querida lectora, querido lector, pueda emitir su respuesta.

Ficha técnica

Título original: Longlegs
Año: 2024
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: C2 Motion Picture Group, Saturn Films, Neon, Range Media Partners
Género: Thriller. Terror | Thriller psicológico. Asesinos en serie. Policíaco
Guion: Oz Perkins
Fotografía: Andrés Arochi
Reparto: Maika Monroe, Nicolas Cage, Blair Underwood, Alicia Witt, Michelle Choi-Lee, Dakota Daulby, Kiernan Shipka
Dirección: Oz Perkins

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 23 de Agosto 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Carlos Correa Acuña en el Programa Semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.

El Reino de Kensuke - Por Jackie O.

"Lazos de respeto"

Película basada en la novela infantil homónima del escritor Michael Morpurgo.

El preadolescente Michael es de los niños "porfiados", no sigue las reglas, y eso hace que se meta en problemas, o peor aún, mete en problemas a otros. Y en un viaje programado por sus padres y su hermana adolescente, se embarcarán a una aventura por un buen tiempo en un bote alrededor del mundo.
Pero Michael extraña a su perrita, y por el bien de ella fue dejada donde un pariente en su casa, un bote no es para un animal. Pero Michael no siguió la regla y la introdujo a escondidas en el bote, eso generó un caos, más en una tormenta donde Michael nuevamente no obedece una orden dada por sus padres, y eso hace que desaparezca en el mar junto a su perrita, ante la desesperación de su familia por no poder ayudar.

Michael y su perrita acaban en una isla remota. Desesperados pasan el tiempo con hambre y sed sin saber qué hacer, pero un día encuentra comida y agua, alguien la dejo ahí, pero no sabe quién; así sucede un par de días. Hasta que descubre quién es el misterioso residente de dicha Isla. Es un anciano japonés que ha vivido en la isla desde la Segunda Guerra Mundial, y vamos conociendo su historia.
Ninguno entiende el idioma del otro, además de desconfiar, pero llega el día en que se comienza a compartir, se entienden y ayudan, pues no sabemos cuanto tiempo Michael estará ahí.
Pronto deben unir más fuerzas, cuando invasores amenazan ese frágil paraíso, donde la flora y fauna está en grave peligro.

Estamos ante una cinta que no es para pequeños, pues prima mucho el silencio más que los diálogos, y serían inentendibles para ellos, pues en ese silencio radica la comprensión, la amistad, la pena, la alegría, los recuerdos y la lucha.

Los dibujos están muy bien realizados con una animación en 2D y elementos 3D usados levemente, que se ve una estructura simple pero muy realista.
El guión dice mucho, pero me habría gustado más riesgo al contar la historia.

Aún así, es una bella historia de amor a la familia, de la amistad, de cuidar el planeta, y no solo respetar a las personas, sino que a los animales y la naturaleza misma.

Ficha técnica

Título original: Kensuke's Kingdom
2023 / Reino Unido
Duración: 74 minutos
Guion: Frank Cottrell Boyce
Música: Stuart Hancock
Dirección: Neil Boyle y Kirk Hendry

Diario de una Pasión (2004) - Por José Luis Nicolás

Noah es un anciano que se interna voluntariamente en un hogar para acompañar a su esposa Allie. La enamorada de este galán “a la antigua” sufre demencia senil y apenas lo reconoce. Noah, romántico incorregible, asume la vital misión de contarle la historia de amor de ambos, aunque ella no se dé por advertida.

Diario de una Pasión, es una película del año 2004, dirigida por Nick Cassavettes y basada en una novela de Nicholas Sparks. Más allá del texto, la cinta tomó vida propia gracias, en parte, a la historia familiar de Cassavetes.

La versión adulta mayor de Allie fue interpretada por Gena Rowlands. En la década de 1950, época en la que estudiaba actuación en la American Academy of Dramatic Arts de Nueva York, Rowlands quedó flechada por un compañero que era todo lo opuesto a ella: John Cassavetes.

Ella provenía de la aristocracia financiera estadounidense y él era hijo de unos esforzados inmigrantes griegos. La refinada muchacha y el desenfadado varón se casaron en 1954. De la unión nacieron tres hijos, uno de ellos Nick Casavetes. El matrimonio duró hasta que la muerte de John los separó en 1989.

En la piel de la versión senior de Noah estuvo James Garner, figura del Hollywood de los años 60 del siglo XX. Galán de tomo y lomo, logró conectar con la joven audiencia de principios de los años 2000, que llegó a los cines para sufrir y emocionarse con este efectivo melodrama.

Rachel McAdams y Ryan Gosling encarnaron a las versiones junior de Noah y Allie. Ambos cumplieron con profesionalismo las exigencias impuestas por la producción para sus roles. Fuera del set apenas se miraban. Un año después del estreno de la cinta se reencontraron, y se dieron cuenta que tenían más en común de lo que pensaban: sostuvieron una relación amorosa por tres años, hasta el 2008.

James Garner falleció en 2014, diez años antes que Gena Rowlands. Sin embargo, ambos sobreviven en el inconsciente colectivo gracias a Diario de una Pasión: un clásico moderno sobre el amor en la juventud y en la vejez; en la salud y la enfermedad; también, en las buenas y las malas.

Disponible en Max.

Ficha Técnica

Título original: The Notebook
Año: 2004
Duración: 124 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Nick Cassavetes
Guión: Jeremy Leven, Jan Sardi. Novela: Nicholas Sparks
Reparto: Rachel McAdams, Ryan Gosling, James Garner, Gena Rowlands
Música: Aaron Zigman
Fotografía: Robert Fraisse
Compañías: New Line Cinema, Gran Via, Avery Pix. Distribuidora: New Line Cinema

Parpadea dos veces - Por Carlos Correa Acuña

En su primera incursión al frente de un filme, la directora Zoë Kravitz nos regala un thriller psicológico que se aventura a caminar por la delgada cornisa que separa el suspenso clásico de la comedia negra. La trama nos lleva a conocer a Frida, una camarera que, al aceptar una invitación del magnate tecnológico Slater King para pasar unos días de vacaciones en una isla privada, se sumerge en una cadena de eventos que convierten lo que prometía ser un paraíso en una auténtica pesadilla. Kravitz intenta desmenuzar las dinámicas de poder junto a las complejidades de las relaciones contemporáneas, sin embargo la película, por momentos, presenta ciertas indefiniciones que repercuten en su coherencia y ponen en riesgo el resultado final.

Las actuaciones resultan fundamentales en esta propuesta. Naomi Ackie, con su rol de Frida, logra plasmar la evolución emocional del personaje al reflejar tanto su fragilidad como su temple en un entorno que se hace cada vez más intimidante. Channing Tatum, por otra parte, asume un papel mucho más parco y sombrío de lo que nos tiene acostumbrados, para encarnar a un magnate con muchas aristas, interpretación que cumple su objetivo pese a la ausencia de elementos necesarias para mostrar la complejidad moral de su personaje. Con un elenco muy atractivo, donde además destacan nombres como Christian Slater y Geena Davis, la película exhibe gran talento aún cuando varios de sus personajes secundarios no alcanzan el desarrollo necesario para dejar un recuerdo importante.

El trabajo de Kravitz, visualmente atractivo, deja entrever los desafíos propios de quien debuta en la silla de director. Kravitz maneja con destreza las escenas de tensión, en especial la construcción del largo preámbulo inicial, secuencias en las que tenemos permanentemente la sensación de que algo va a ocurrir en algún momento y lo esperamos con verdaderas ansias. Las decisiones estilísticas para lograr la atmósfera apropiada del lugar son muy acertadas, sin embargo, la narrativa se percibe un poco saturada con temas que no llegan a profundizarse completamente, dejándonos con la impresión que el filme tal vez ha querido abarcar demasiado. Declarados chispazos de humor negro, en su mayoría ingeniosos, por momentos interrumpen la buena generación del suspenso, añadiendo a la película una capa ambigua respecto a su real motivación.

"Parpadea dos veces" deja claro que Zoë Kravitz tiene una visión clara y definida y también el potencial para ser una gran directora. Posicionamiento de cámaras, filtros y una edición más que interesante, tienen un correlato en la mezcla de géneros y estilos -uno de los méritos destacados de esta producción-, aunque no siempre consiga llevar a cabo todas las ideas, lo que se hace visible sobre todo al final, cuando comprime una conclusión que debió tener más espacio de desarrollo para evidenciar consecuencias de manera más fluida y coherente.

En síntesis, para quienes disfrutan de un cine que se atreve a jugar más con expectativas que con situaciones concretas, "Blink Twice" puede ser una experiencia que valga la pena explorar.

Ficha técnica

Título original: Blink Twice
Año: 2024
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Free Association, Bruce Cohen Productions, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Redrum. Distribuidora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Género: Intriga. Thriller | Thriller psicológico
Guion: E.T. Feigenbaum, Zöe Kravitz
Música: Chanda Dancy, Gabriel Garzón-Montano
Reparto: Naomi Ackie, Channing Tatum, Christian Slater, Simon Rex, Adria Arjona, Haley Joel Osment, Kyle MacLachlan, Geena Davis, and Alia Shawkat
Dirección: Zöe Kravitz

Parpadea dos veces - Por Juan Pablo Donoso

Misterio, elegancia e intriga. Exuberante parafernalia en su forma y contenido. Narra, en realidad, un hecho bastante simple cuya premisa solo se nos revela al final.

Es evidente que quieren destacar la figura de la actriz inglesa de color Naomi Ackie (Lady Macbeth, Star Wars, Whitney Houston). Y la muchachita responde a la oportunidad aplicando con creces su talento.

Actores conocidos de antaño interactuando con nuevas figuras.

Muy ágil y provocativa edición.

Ambientes fastuosos con mujeres frívolas. Atmósfera de “dolce vita” a destajo.

Una acumulación - tal vez excesiva - de claves enigmáticas para mantenernos tratando de comprender el secreto subterráneo de todo lo que va sucediendo.

Para acentuar la sofisticación del lenguaje visual hay una recóndita reiteración de encendedores para cigarrillos, y una deliberada exhibición de pies desnudos, en especial femeninos.

Veladas resonancias de grandes filmes antiguos como, por ejemplo, La Naranja Mecánica de Kubrick (en sus escenas más erótico/violentas).

Prolija realización escrita y dirigida por la primeriza Zöe Kravitz, que incluye muchas otras mujeres en su equipo de trabajo y actorales.

Nos quieren demostrar - sin eufemismos - que por más dinero, fatuidad y prepotencia física que tengan los hombres, será siempre la astucia femenina la que termina imponiéndose, a pesar de su sentimentalismo y fragilidad.

Discurso salpicado de “flash backs” que solo hacen más críptico el súperobjetivo del relato.

GLAMOROSA EXPERIENCIA DE MISTERIO, PLAGADA DE CLAVES SINIESTRAS. GALERÍA DE ACTORES ANTIGUOS Y ACTUALES QUE APORTAN A LA SOFISTICACIÓN DEL AMBIENTE SÁDICO/MACABRO. PUZZLE FEMINISTA ÁGIL E INTRIGANTE.

Ficha técnica

Título Original: Blink Twice

2024 Misterio, suspenso, sadismo México, EE.UU. - 1,42 hrs. 

Fotografía: Adam Newport-Berra 

Edición: Kathryn J. Schubert 

Música: Chanda Dancy 

Diseño Prod.: Roberto Bonelli Guion:Zoë Kravitz, E.T. Feigenbaum 

Actores: Naomi Ackie, Channing Tatum, Christian Slater 

Directora: Zoë Kravitz

Parpadea dos veces - Por Jackie O.

"Si estás en peligro..."

Frida y Jess son grandes amigas que trabajan de camareras, y Frida admira al millonario magnate de la tecnología, Slater King, y una noche le toca trabajar en una de sus fiestas. Luego, ambas chicas, al terminar el turno se arreglan hermosas y se mezclan en la fiesta, pues Frida quiere acercarse a Slater, y lo consigue. La noche se transforma en su sueño hecho realidad, ella ya no es invisible. Ambas chicas están codeándose con "la gente linda", los importantes, y eso las hace estar en la gloria. La fiesta llega a su fin, pero su aventura recién comienza cuando Slater las invita a su isla privada junto a sus amigos.
Llegan en Jet privado a una isla de ensueño. Solo un grupo exclusivo de personas que se la pasan en fiestas, cócteles al sol, droga, vestuario bello, comida gourmet; la vida que siempre quisieron.
Hasta que Frida comienza a notar que algo pasa, que extraña algo, o más bien a alguien.

Tenemos la primera película como directora de la conocida actriz Zoë Kravitz, y creo que está muy bien encaminada, porque la dirección estuvo correcta. El problema radica en el guion y su ritmo, escrito por ella misma.
La película tiene una buena premisa, y estamos atentos a "ese parpadeo", pero que nunca llega. La cinta se extiende 45 minutos de nada, o más bien de ese preámbulo, pero que llega a ser muy repetitivo que aburre, y cuando crees que algo va a suceder, no sucede, y esperas otros 10 minutos para que la acción se tome la pantalla, o sea esperamos más de la mitad de la cinta para comenzar a ver su desarrollo crucial. De comenzar a descubrir ese secreto macabro que se escondía en dicha Isla, que llevaban desde el continente y por bastante tiempo.

La película toma buenos elementos para desarrollar esa última parte, en especial el último tercio, recordamos algunas referencias a otras cintas, y nos demuestran buenas actuaciones, pero es el último tercio, antes de ello, incluso, se torna, en algunos momentos, aburrida.
Esperamos casi toda la película para encontrar el clímax, la tensión, descubrir el misterio, ver buenas actuaciones, y un giro inesperado.

No es una cinta donde se diga que "aquí hay poder femenino" o "mujeres al poder", no, aunque la protagonista y el elenco relevante lo sea. Es una historia de una escabrosa situación, que no me extrañaría que se use en la actualidad, o a algún psicópata se le ocurra hacer ahora. El abuso hacia otros de forma despiadada.

Muchas veces espero que el título me diga algo, que me dé señales a lo que voy, pero este título no significó nada dentro del contexto de la película, y vaya que sí se pudo haber usado como referencia en algún momento para haberla hecho más tensional.

Película de tono oscuro, con buenas tomas en primeros planos, donde la triada "Ackie, Channing y Arjona" está muy bien, y con secundarios, muy reconocidos también, que complementan esta historia de crimen y suspenso psicológico donde Kravitz está bien encaminada como directora en potencia.

Puedes señalar que todo lo que pasó en gran parte de la cinta era necesario para el último acto, y sí, estás en lo correcto, pero el tono en que se desarrolló hizo que su ritmo no estuviera bien, pero lo mejor para muchos, es que lo bueno llega al final, y es con ese final con lo que se queda la mayoría.

Como moraleja, cuídate de las invitaciones aunque se vean muy buenas, avisa a tus cercanos dónde y con quién estarás.

Ficha técnica

Blink Twice.
Dirección: Zoë Kravitz
Guion: Zoë Kravitz
Música: Chanda Dancy
Protagonistas: Naomi Ackie, Channing Tatum, Simon Rex, Adria Arjona, Haley Joel Osment, Christian Slater, Geena Davis, Kyle MacLachlan, Alia Shawkat, María Elena Olivares
EEUU, México
2024. 1 hora 40 minutos.

Longlegs: coleccionista de almas - Por Elizabeth Salazar T.

"Terror nostálgico"

Ha causado muchas especulaciones, lo que ha incrementado las ganas de verla. Esta película nos muestra a Lee Harker (Maika Monroe), una novata agente del FBI, que ha sido asignada a un enigmático caso sin resolver de un oscuro asesino en serie. A medida que la investigación avanza, las pistas se vuelven confusas y las evidencias se ocultan en las sombras, esto hasta que Harker se dé cuenta de que un vínculo personal le une con el asesino y que debe actuar rápidamente para evitar otro siniestro asesinato.

Este thriller atrapa desde su primera escena, nos intriga qué es lo que está sucediendo. La primera vez que vemos a Longlegs (Nicolas Cage), es impresionante. Es una historia enigmática que no podemos dejar de verla. Esta bien hecha, tiene un buen guion, el sonido es muy importante y la música también, aumentan la tensión y nos da la sensación de estar viendo un filme de terror de los setentas.

Con buenas actuaciones, en especial de Cage, haciendo algo totalmente diferente a lo que le habíamos visto y un papel en que logra convencer, sin duda. Maika Monroe, igualmente está muy bien en su rol, una mujer que enfrenta sus temores. También, me gustaría destacar la actuación de Alicia Witt como Ruth Harker, que realiza una excelente interpretación.

De esas películas, que lo mantendrá atrapado de principio a fin, que le generará tensión e intriga. Es una muy buena película, imperdible para quienes gustan de los films de terror.

Director: Osgood Perkins
Duración: 101 Minutos.
Distribuidora: Diamond Films Chile.

Parpadea dos veces - Por Elizabeth Salazar T.

"La unión hace la fuerza"

Llega el debut como directora y escritora de la actriz Zoë Kravitz, con un thriller que al comienzo nos parece idílico, pero el sueño se va tornando en una pesadilla. Trata de un multimillonario del sector tecnológico, Slater King (Channing Tatum), que conoce a la mesera Frida (Naomi Ackie) en su gala benéfica, donde surge una fuerte atracción entre ambos. Él la invita a unirse a él y a sus amigos en unas vacaciones de ensueño en su isla privada. Es el paraíso. Las noches salvajes se mezclan con días bañados por el sol y todos se están divirtiendo mucho. Nadie quiere que este viaje termine, pero a medida que pasan los días, empiezan a ocurrir cosas extrañas, por lo que Frida comienza a cuestionar su realidad. Algo anda mal en este lugar… Tendrá que descubrir la verdad si quiere salir viva de esta fiesta.

Esta película ha despertado mucho interés, tanto por ser la ópera prima de Zoë Kravitz y también por su trama, que nos parece al inicio una comedia romántica, que se va convirtiendo un drama terrorífico. Y aunque al principio parece que las huéspedes del lugar fueran parte de una secta o algo parecido, debido a que todas las mujeres visten de la misma forma, y les regalan vestimentas, que curiosamente son todas de color blanco. Los días pasan entre masajes, cuidados de belleza, alcohol, drogas y diversión, pero las noches… son aterradoras. Con mucha astucia femenina, Frida descubrirá la verdad de lo que pasa. Y busca una partner, Sarah (Adri Arjona), con quien unirán fuerzas para tratar de salir del lugar.

Con una trama muy feminista, esta película muestra que la unión femenina es poderosa, capaz de derribar a grandes. Frida es valiente, resiliente, debe luchar con sus temores y tratar de sobrevivir. Una excelente actuación de Naomi Ackie, es increíble como la gestualidad de su personaje cambia y su actitud, también. Channing Tatum, es creíble con un personaje que se muestra galán, amable, pero su lado oscuro es perverso; el dinero y el poder le dan acceso a todo… Bien Adrie Arjona como Sarah, un personaje que igualmente tiene una evolución. En el elenco además están Geena Davis como Stacy, una asistente algo extraña… y Haley Joel Osment (sí, el niño de “Sexto sentido”), como Tom, un fiestero total.

Aunque a ratos se siente una película un poco dispersa, por la cantidad de temas que trata, a medida que la vamos procesando nos damos cuenta que la violencia y las escenas sangrientas no son lo importante. Es llamar a la unión femenina, juntas siempre conseguimos más, somos más poderosas.

Bien por el debut cinematográfico de Zoë Kravitz, con mucho suspenso, nos entrega una alegoría femenina.

Directora: Zoë Kravitz
Duración: 103 Minutos.
Distribuye: Warner Chile.

El reino de Kensuke - Por Elizabeth Salazar T.

"El valor de la familia"

Basada en el libro del mismo nombre del autor superventas Michael Morpurgo, nos muestra la historia de Michael, un joven que, tras emprender un viaje en barco junto a sus padres y ser arrastrado por una violenta tormenta, termina varado en una isla desierta luchando por sobrevivir. Pronto, Michael descubrirá que no está solo, y que un sinfín de aventuras le esperan en este nuevo mundo que alberga peligros y bellezas inimaginables.

Esta animación japonesa nos muestra, a través de su relato, una historia que deja varias enseñanzas y llega al corazón. Michael es un adolescente curioso, que ama a su perrita Stella. Debido a su inmadurez y el cariño por su mascota, él desobedece a sus padres. Naufraga en una isla donde conocerá a un curioso personaje, Kensuke.

A pesar de sus diferencias de edad y de vida, Michael y Kensuke, aprenderán uno del otro. Este último le enseñará al joven la importancia del cuidado de la naturaleza, a ser respetuoso y cuidarla, igualmente con los animales.

La familia es un tema en común que ambos tienen, ambos extrañan a sus familiares, pero hay lazos que no son sanguíneos y son igualmente, fuertes. Una animación bellísima, tanto por sus dibujos, como por las moralejas que deja.

Una película familiar, pero para que logren entenderla bien y por los temas que trata, recomiendo para niños de 8 años en adelante. Es una feel good movie, de esas que nos hace bien ver.

Directores: Neil Boyle y Kirk Hendry.
Duración: 89 Minutos
Distribuye: Cinetopia Chile.

Lo mejor está por venir - Por Carlos Correa Acuña

Desde la escena introductoria, que incluye los créditos iniciales, se observa que estamos ante una película diferente. Giovanni -Nanni Moretti-, un director altamente comprometido con la realización de su nuevo trabajo, enfrenta problemas en varios frentes. En su casa, su hija no le hace caso; en el set, las dificultades arrecian ya que su esposa Paola -Margherita Buy-, no oficia como su productora; y en la vida, su crisis es tan grande como lo que busca representar en la filmación. Raya para la suma: frustración y desesperanza extrema.

Una vez más tenemos cine dentro del cine, una fórmula recurrente que se encarga de aportar una cuota interesante respecto a la mirada que los cineastas tienen sobre la industria y sobre sí mismos. En este caso, Moretti no abusa. Por el contrario, es cauto a la hora de tejer e hilvanar los conflictos que traslada a la pantalla grande como si se tratara de un espejo de su vida real y concreta.

Si muchas veces hablamos de las capas presentes en los relatos, en esta oportunidad todas son claras y muy visibles. Por un lado tenemos la más personal, que se refiere a la vida familiar del protagonista. Pequeña familia, grandes problemas: su hija tratando de ser independiente, su mujer explorando salir de su campo de acción como productora de otra película, y un problema mayor, quizá imperceptible para él, una viga que está a punto de caer sobre su vida: el quiebre matrimonial.

En el set está la segunda capa, la que a su vez tiene otras aristas particulares, pues la historia es política y da cuenta de la reacción de una sección local del Partido Comunista Italiano respecto a la revolución húngara de 1956. La intervención armada soviética, de hecho, ha puesto al PCI en una posición incómoda, lo que en esta ficción es representada por Ennio -Ennio Mastrogiovanni-, secretario de un círculo romano del PCI y editor de “l'Unità”, y por Vera, su esposa comunista, interpretada por Barbora Bobuľová, quien solidariza inmediatamente con la causa húngara mientras su marido espera que el partido tome una posición oficial.

Pero los problemas abundan, y ante la falta de dinero por la insolvencia de Pierre -Mathieu Amalric-, el productor asociado, es urgente buscar nuevas fuentes de financiamiento. Aparece allí una nueva dimensión, mucho más actual, representada por una hilarante reunión con un grupo ejecutivo de Netflix, en la que las partes parecen bandos separados por abismos insondables. La solución final al problema económico proviene de la asociación con un grupo de productores coreanos que, aunque tampoco se entienden mucho, al menos le permiten a Moretti concluir su trabajo relativamente en paz.

Ya les he contado mucho del argumento, y me disculpo por ello, sin embargo abordar esta película sin mencionar sus pilares centrales resulta difícil, más aún tomando en cuenta que se trata de la autofilmación de un director que tiene bastante historia en el cine italiano. “Sogni d'oro”, “Bianca”, y “Palombella rossa”, emergen con sus citas, todas películas de los años 80, y también el cine del maestro Fellini, con una secuencia de “La dolce vita”, y algo de “8 y 1/2”. Y la verdad es que son más que citas, homenajes tal vez, de un cineasta que quiere volver a ser considerado luego de un tiempo en el que no ha podido enhebrar certeramente la aguja.

El giro final presente en “Il sol dell'avvenire” no solo confirma una necesidad, sino que hace patente algo que resulta obvio a todas luces. Hay cierta complacencia, cómo no, pero tratada con una mirada sutilmente irónica. Nanni Moretti no se lamenta. Al contrario, se ríe de sí mismo y transforma esa benevolencia personal en un desafío particular. Hay que leer entre líneas para poder ver el drama en una comedia cuyo ropaje fácilmente nos puede distraer. La abundancia de elementos y la constante dispersión, son trampas para ocultar lo que verdaderamente trasunta esta película: arte en estado completo, producto de los sueños y anhelos, pero también de la miseria y la frustración personal, un retrato vívido de los esfuerzos de un creador por permanecer vigente, apelando al pasado, sobreviviendo al presente, y con sus ojos siempre puestos en la ilusión de un futuro mejor.

Ficha técnica

Título original: Il sol dell'avvenire
Año: 2023
Duración: 91 minutos
País: Italia
Compañías: Sacher Film Rome, Fandango Produzione, RAI Cinema
Género: Comedia. Drama | Circo. Años 50. Años 60. Años 70. Cine dentro del cine
Guion: Francesca Marciano, Nanni Moretti, Federica Pontremoli, Valia Santella
Música: Franco Piersanti
Fotografía: Michele D'Attanasio
Reparto: Nanni Moretti, Margherita Buy, Silvio Orlando, Ennio Mastrogiovanni, Barbora Bobuľová, Mathieu Amalric, Jerzy Stuhr, Teco Celio, Valentina Romani
Dirección: Nanni Moretti

La Momia - Por Bernardita Santander Navarro

Sinopsis: Una egiptóloga con su hermano y un ex soldado resucitan sin querer a una momia que busca acabar con la humanidad y revivir a su enamorada egipcia.

En el mundo de Hollywood hay varias películas sobre momias que van desde el año 1932 (que es la versión original de esta cinta) hasta la actualidad. Sin embargo, me gustaría recomendar esta producción del año 1999, que es protagonizada por Brendan Fraser (que en ese entonces se encontraba en su mejor momento) y la destacada actriz Rachel Weisz.

La historia ha vuelto a Netflix y está basada en una mágica historia de amor: Imhotep (interpretado por Arnold Vosloo), el sumo sacerdote del Faraón egipcio Seti I (interpretado por Aharon Ipalé), decide tener una relación secreta con Anck-Su-Namun (interpretada por Patricia Velásquez), la mujer del señor de las dos tierras. Sin embargo, todo se complicará para ellos cuando el soberano los descubra, ella se suicide y sus guardias lo condenen en esta y la próxima vida. ¿Podrá Imhotep resucitar a su amada y vengarse de aquellos que lo condenaron tan trágicamente?

Esa es la invitación especial que nos hace esta película, que a mi juicio es bastante entretenida, porque a partir de esta historia de amor frustrado, se forma la aventura que está a cargo de los personajes: Rick, Evelyn, Jonathan y Ardeth, interpretados por Brendan Fraser, Rachel Weisz, John Hannah y Oded Fehr, respectivamente, quienes deberán buscar la forma revertir el maleficio que despertó a esta momia, y evitar que esta elimine a la humanidad.

Con un buen guion, locaciones extraordinarias, una trama interesante, muy buenos efectos especiales (para la época) y en general buenas actuaciones (especialmente por parte de Rachel Weisz, Brendan Fraser y Kevin J. O'Connor, quien interpreta a Benni, el ex amigo de Rick) recomiendo ver esta película pero con personas mayores de 13 años, ya que hay algunas escenas de violencia.

Algunos valores y temas que podemos ver en esta cinta son la solidaridad, el compañerismo, la empatía y el no dejarse vencer ante la adversidad.

Cabe destacar que esta película tiene también una segunda parte que se llama La Momia Regresa.

Disponible en Netflix, Prime Video y Disney+.

Ficha Técnica

Título original: The Mummy
Año: 1999
Duración: 125 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Stephen Sommers
Guion: Stephen Sommers
Reparto: Brendan Fraser, Rachel Weisz, John Hannah, Arnold Vosloo, Patricia Velásquez, Kevin J. O'Connor, Jonathan Hyde, Oded Fehr, Erick Avari, Stephen Dunham, Corey Johnson, Tuc Watkins, Omid Djalili, Aharon Ipalé y Bernard Fox.
Música: Jerry Goldsmith
Fotografía: Adrian Biddle
Compañía: Universal Pictures
Género: Aventuras, acción, cine fantástico, cine épico, antiguo Egipto, años 20.

Nada que perder - Por Carlos Correa Acuña

Dirigida por Delphine Deloget, esta cinta muestra la vida de Sylvie, una madre soltera que vive en Brest, Francia, con sus dos hijos, Sofiane y Jean-Jacques. Una noche, mientras ella trabaja, Sofiane sufre quemaduras graves estando solo en el departamento. Debido al incidente, el pequeño es internado en un hogar de acogida, lo que desencadena una batalla legal y administrativa de Sylvie para recuperarlo y mantener a su familia unida al tiempo que intenta demostrar que es capaz de cuidar a sus hijos.

¡Qué trascendente nudo de conflicto presenta esta película! El tema es sensible y delicado, pues apunta a lo más profundo que una madre puede sentir respecto a un hijo, y que tiene que ver, esencialmente, con su bienestar, es decir, su cuidado tanto físico como sicológico y emocional. Sylvie debe trabajar para sostener a su familia, y su trabajo nocturno no le permite estar siempre presente. Jean-Jacques, el hijo mayor, es quien debe asumir el cuidado de su inquieto hermano menor, algo que no le corresponde, por cierto, pero no hay otra solución. Un descuido, un accidente grave, la angustia consiguiente, configuran un escenario que se agudiza aun más cuando el servicio social debe tomar cartas en el asunto con el fin de salvaguardar y proteger al menor de edad

Sylvie es cuidadosa, mantiene a raya sus relaciones en el trabajo, e intenta llevar una vida normal, pero se encuentra siempre bajo una gran presión. Presión económica, presión como madre, presión como mujer, presión social, y tal vez la más agobiante, una autoexigencia que está a punto de inmovilizarle. Las dudas son pan de cada día, y el qué hacer no tiene respuesta. Luego del accidente lo intenta todo, incluso un cambio de trabajo, pero nada resulta, todo parece estar en contra, la condiciones no mejoran, muy por el contrario, empeoran. ¿Hay salida?

Delphine Deloget, también autor del guion, explora las reacciones. Este es el fuerte de la cinta gracias a una sólida actuación de Virginie Efira quien se lleva el peso de estar casi siempre en escena. Sus gestos y silencios, junto a sus airadas respuestas, demuestran desesperación e impotencia, una rabia incontenible producto de una tristeza inimaginable. ¿Quién puede soportar una carga así? Que le separen de lo más preciado, su hijo menor, al que solo ella entiende y contiene. ¿Un infortunio puede determinar el resto del futuro? La película plantea una disyuntiva feroz entre la maternidad y un sistema legal que, aún reconociendo sus buenas intenciones, se muestra rígido, inhumano, y carente de cualquier tipo de empatía.

“Rien à Perdre” es un drama que logra conmover. Está en juego la vida de un menor, pero ¿quién puede determinar lo que es mejor para él? ¿Un sistema de protección de menores o su propia madre? El dilema es fundamental y tal vez no tiene una respuesta unívoca. La película se encarga de hacer aún más difusa la línea al destacar la fortaleza y determinación de una madre en circunstancias difíciles, pero también considerar la protección de menores cuando sus condiciones de vida ponen en peligro su integridad. No obstante, y y tomando una posición, este trabajo se inclina claramente hacia el amor maternal, la lucha contra el sistema y la resiliencia extrema. El centro del relato es Sofiane, o Sylvie, dependiendo la lectura que podamos hacer, aunque también resulta claro que el valor primordial que se destaca es la lucha y la perseverancia de una madre por recuperar a su hijo, contra viento y marea, contra todo obstáculo y adversidad.

Ficha técnica

Título original: Rien à Perdre
Año: 2023
Duración: 112 minutos
País: Francia
Compañías: Curiosa Films, Unité de production
Género: Drama
Guion: Pierre Chosson, Delphine Deloget, Julia Kowalski
Fotografía: Guillaume Schiffman
Reparto: Virginie Efira, Félix Lefebvre, Arieh Worthalter, Mathieu Demy, India Hair
Dirección: Delphine Deloget