jueves, 16 de mayo de 2024

Amigos imaginarios - Por Elizabeth Salazar T.

"Reconectando con la niñez"


Dicen que todos cuando niños tuvimos un amigo imaginario, pero al crecer, lo olvidamos… Esto también le está pasando a Bea (Cailey Fleming), una adolescente de 12 años, que debe volver a vivir con su abuela paterna (Fiona Shaw). En el edificio donde ellas residen, descubre que puede ver amigos imaginarios, pero no son sus amigos, sino los de otras personas que ya crecieron y dejaron de verlos. Mientras su padre (John Krasinski), lucha por resolver un problema, Bea tratará de ayudar a estos amigos imaginarios a tener nuevos amigos humanos, para esto contará con la ayuda de Cal (Ryan Ryenolds), un humano adulto que también, puede verlos. Además, él esta a cargo de una agencia de asignación para estos particulares personajes.

Esta película nos muestra las dificultades que debe pasar Bea en su vida, pero con un mensaje esperanzador, siempre tienes alguien que te ayuda y, además, viceversa, alguien a quien puedes ayudar. Estos tiernos personajes reconectan con su infancia, pero también con la esperanza de que todo puede mejorar. Los amigos imaginarios son un apoyo para sus amigos humanos, su vida gira en torno ayudarlos.

John Krasinski nos abre este mágico mundo que nos remontan a la infancia, son simpáticos y diversos, un oso azul, un Marshmallow, una flor, un ratón mago y un unicornio entre otros forman parte de este grupo. Hay escenas muy bellas, visualmente, no quiero spolear, pero atentos al encuentro de humanos con sus amigos, hay tomas muy bien logradas.

Además de ser director, Krasinski interpreta dos personajes, haciendo gala de todo su carisma. Igualmente, Ryan Reynolds figura como productor y personifica a Cal, un tipo algo solitario y bonachón, Cailey Fleaming, a su corta edad realiza una buena interpretación, es muy creíble. Si la ven en inglés el doblaje está a cargo de reconocidos actores como: Steve Carell, Emily Blunt, Matt Damon y Maya Rudolph, por mencionar algunos.

Es un bello filme que estoy segura atrapará a los niños (desde 8 años en adelante) y a los adultos, los remontará a su infancia. Con una historia que les llegará a sus corazones y los emocionará, sin duda.

Director: John Krasinski
Duración: 108 Minutos
Distribuye: Andes Films

El tarot de la muerte - Por Elizabeth Salazar T.

"Un juego peligroso"


Un grupo de amigos de la universidad, se van a celebrar un cumpleaños en una cabaña fuera de la ciudad. Por casualidad, encuentran en una caja un viejo y particular tarot, una de ellas realiza una lectura de carta a cada uno, pero tras esto ellos comienzan a morir de formas relacionadas con su fortuna.

Esta película se encuentra basada en el libro “Horroscope” de Nicholas Adams y nos entrega una aventura que nos recuerda a otros filmes de terror como “Destino final”. Mientras la vemos, sentimos esa atmósfera inquietante y un ritmo de narración ágil, que logra atrapar al espectador, en las aventuras de estos amigos, que deben hacer lo imposible para no cumplir su fatídico destino.

Lo mejor de este filme son las conversaciones, tiene buenos diálogos, donde se disfruta con las bromas de estos amigos, se nota su camaradería y la unión que tienen. Esto se acentúa cuando se dan cuenta de lo que les podría ocurrir, por lo que deben buscar las causas y la forma de contrarrestar sus efectos. Es una película de terror que tiene alguno de los elementos características del género, visualmente es oscura, tiene personajes bien definidos, corridas desesperadas y una villana.

Es entretenida, una película que le hará pasar un buen rato y también, lo asustará, por supuesto.

Directores: Spenser Cohen y Anna Halberg
Duración: 94 Minutos
Distribuye: Andes Films

miércoles, 15 de mayo de 2024

Life: Vida Inteligente - Por Bernardita Santander Navarro

Sinopsis: Seis integrantes de la Estación Espacial Internacional están a punto de lograr uno de los descubrimientos más importantes de la historia: la primera evidencia de vida extraterrestre en Marte. Sin embargo, a medida que el equipo comienza a investigar y sus métodos tienen consecuencias inesperadas, la forma viviente encontrada en el espacio, comenzará a demostrar que es súper terrorífica y más inteligente que todos.


Hay varias películas en la historia del cine que unen el mundo de los posibles contactos extraterrestres con los humanos, pero hay pocas que logran cautivar tanto al espectador, como lo es esta película del director sueco, y de origen chileno, Daniel Espinosa.

Todo comienza cuando el ingeniero Rory Adams (interpretado por Ryan Reynolds) consigue capturar en el espacio una sonda que contiene material biológico proveniente del planeta Marte. Posteriormente, el biólogo Hugh Derry (interpretado por Ariyon Bakare) logra reactivar y resucitar a este primer organismo al que los niños de la tierra deciden llamar Calvin.

Con el paso del tiempo este microorganismo crece, pero luego de un accidente en el laboratorio, nada vuelve a ser igual. ¿Podrán los tripulantes sobrevivir al primer ataque de Calvin? Esa es la primera interrogante que la película nos da y que no nos dejará en paz.

Con un buen guion, que también cuenta un poco la vida de cada tripulante en el encierro, buenas actuaciones y excelentes efectos especiales, esta película logra mantenerte concentrado y entusiasmado, especialmente por saber qué es lo que sucederá.

Si bien en un comienzo es un poco lenta, con el paso de los minutos uno no quiere dejar de verla, considerando además la envolvente música estresante que acompaña a cada escena.

A pesar que muchos podrían considerarla en el género de terror, algunos valores que se destacan y que te hacen reflexionar son: la amistad, el trabajo en equipo y el poder de decisión. Pero también, hay que decir que es una cinta que te muestra cómo el egoísmo humano puede estar presente frente al instinto de supervivencia.

Recomiendo ver esta cinta con personas mayores de 14 años, especialmente por el suspenso y el estrés que causa. También recomiendo verla por su interesante desenlace.

Disponible en Netflix, Amazon, Apple TV y Google Play.

Ficha Técnica

Título original: Life
Año: 2017
Duración: 103 minutos.
País: Estados Unidos
Dirección: Daniel Espinosa
Guion: Rhett Reese, Paul Wernick
Reparto: Jake Gyllenhaal, Rebecca Ferguson, Ryan Reynolds, Hiroyuki Sanada, Ariyon Bakare y Olga Dihovichnaya.
Música: Jon Ekstrand
Fotografía: Seamus McGarvey
Compañías: Skydance Productions, Columbia Pictures, Sony Pictures
Género: Ciencia ficción. Thriller. Terror. Aventura espacial. Extraterrestres. Supervivencia.

Garfield fuera de casa - Por Carlos Correa Acuña

Siempre es entretenido conocer alguna nueva historia y travesura de nuestro carismático Garfield. Parece que ya sabemos todo de él y solo nos deleitamos con mirarlo comer, descansar, flojear y aprovecharse del bueno de Jon. Pero siempre hay un secreto, un relato no contada, un evento mayor que provoca cambios en el curso de los hechos y justamente es este el caso de esta nueva entrega.

Nos remontamos a Garfield casi bebé, cuando es abandonado por su padre y por casualidad conoce a su entrañable amigo. Todo ternura y con una buena dosis de manipulación, logra el cariño inmediato de quien será su esmerado cuidador. Pero los años no pasan en vano y en medio de una rutina que para nuestro protagonista resulta toda una fascinación, llega lo inesperado: se produce un fortuito encuentro con su padre -el gato Vic-, momento en el que Garfield y su compañero Odie se ven forzados a dejar su vida perfecta para unirse a él y perpetrar un robo arriesgado con el objetivo de salvar sus vidas.

Uno de los mensajes que trae esta graciosa aventura del famoso felino se refiere a la necesidad de salir de la zona de confort. Es cierto, en este caso es obligado, pero debe hacerlo igual. Esta es una enseñanza vital, porque a todo nos cuesta dar ese paso y la mayoría de las veces necesitamos un empujón, más o menos fuerte, para tirarnos a la piscina.

Otro mensaje inserto en esta animada historia es respecto a la pérdida, y lo que ello significa. Primero, para Garfield, perder a su padre y no saber de él por años, y segundo, con la historia del inesperado amigo que encuentran en la granja que deben asaltar. Ahí hay temas importantes que la película esboza livianamente pero que se vislumbran como importantes, especialmente en el proceso de apertura y contención que significa el poder externalizar los sentimientos.

Cuando conocemos la historia verdadera -y para no hacer spoilers-, aparece otro tema que tiene que ver con la renuncia, un gesto genuino para que se produzca algo mejor. Cuando aquello se comprende, es posible reparar lazos y crear nuevos vínculos, algo que parecía perdido pero que tiene, con esto, una segunda oportunidad.

Otra de las enseñanzas que trae esta cinta infantil se refiere a la necesidad del trabajo en equipo. Nadie puede solo, ni con sus problemas ni con sus desafíos, por lo que tratar este tema en forma de fábula, y bien resuelto, es una forma para que el mensaje pueda ser comprendido por todos, desde los más pequeños hasta los “niños grandes”, dentro de los que, por supuesto, siempre me incluyo.

Para concluir, algunas menciones para elementos que me gustaron mucho: primero, las referencias musicales usadas en una partitura que por momentos es un verdadero mini concierto, son geniales. Linda banda sonora compuesta por John Debney, ágil y muy apropiada para cada momento de la acción. Segundo, el llamado que hace Jon a un call center es hilarante, fiel reflejo de lo que muchas veces nos ha tocado o nos toca vivir a todos. Tercero, y como extra, pongan ojo a la plataforma de streaming que mira Garfieldf. Cualquier similitud con la realidad es solo eso, mera similitud.

Ficha técnica

Título original: The Garfield Movie
Año: 2024
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Alcon Entertainment, Double Negative, Sony Pictures Animation, Paws, Prime Focus. Distribuidora: Sony Pictures
Género: Animación. Comedia | Gatos. Robos & Atracos. Cómic
Guion: Paul A. Kaplan, David Reynolds, Mark Torgove. Cómic: Jim Davis
Música: John Debney
Fotografía: Animación
Dirección: Mark Dindal

Malqueridas - Por Juan Pablo Donoso

…son aquellas mujeres que cumplen sentencia durante largo tiempo en prisión.

Documental chileno/alemán que reúne las vivencias de diversas mujeres chilenas que viven desde ahí su instinto maternal.

Crónica específica de los 10 años que una madre debió permanecer en la cárcel lejos de sus hijos.

Cuando ingresó le dijeron: “O conservas tu guagua aquí por 2 años o lo mandas a la calle” (Carcelera).

Y al cabo de ese tiempo vino la separación de su hijito aún pequeño.

Niños inocentes, muy chicos aún, para quienes esa sala-cuna fue el comienzo de sus vidas.

Filmada sólo con celular y/o fotos fijas. La banda sonora nos permite imaginar lo que algunas imágenes ocultan por discreción.

Transiciones del paso de tiempo en base a colores abstractos captados por los mismos teléfonos.

Aunque esas mujeres fueron culpables de delitos, ¿podrán salir del hampa al recuperar la libertad?

Mientras una compañera se ahorcó en la celda de castigo, la hermana drogadicta entregó al hijito a un Hogar de Menores.

Solo les queda la relación afectiva lésbica para compensar la soledad. Se adoptan como “madres” e “hijas” entre sus mismas compañeras. Conservan y cultivan sus femineidades y coqueterías naturales. Incluso organizan pequeñas fiestas para recordar que aún están vivas y pueden reír.

¿Qué pretende este documental?

Tal vez llamarnos a la “compasión pura” - ajena de cualquier juicio moral de culpabilidad. Una invitación a presenciar el dolor humano en su forma más cruda, azotados por la impotencia de salvar criaturas que han llegado al fondo del castigo de la ley. Y que, en este caso, siguen siendo personas, mujeres, madres y esposas.

Bellísima sucesión de rostros de mujeres prisioneras.

Aunque sin decirlo, nos remiten a uno de los objetivos primordiales de la orden católica de los Mercedarios: acompañar, consolar y mostrar a los reos caminos de redención por medio del amor cristiano. (San Pedro Nolasco - 1218).

Si nos quisieron tocar el corazón, lo lograron. Dolorosa desde el primero hasta el último fotograma.

SENSIBLE CAPTACIÓN DEL MUNDO ÍNTIMO DE AQUELLAS MUJERES Y MADRES ENCARCELADAS. TRISTE Y ADMIRABLE.

Ficha técnica

Documental 2023 Prisión, maternidad Alemania, Chile 1,14 hrs. 
Fotografía: 18 prisioneras chilenas 
Edición: Javiera Velozo, Tana Gilbert F. 
Guion: Paolo Castillo Villagrán, Karina Sánchez, Tana Gilbert 
Actores: Karina Sánchez, Natalia Abarca 
Dirección: Tana Gilbert Fernández

Garfield: fuera de casa - Por Alejandro Caro

Sinopsis: El famoso Garfield, nacido de una tira cómica de su autor Jim Davis hace 39 años, exactamente el 19 de junio de 1978; el gordo gato casero que odia los lunes y que adora la lasaña, está a punto de vivir una aventura ¡en el salvaje mundo exterior! Tras una inesperada reunión con su largamente perdido padre –el desaliñado gato callejero Vic– Garfield y su amigo canino Odie se ven forzados a abandonar sus perfectas y consentidas vidas al unirse a Vic en un hilarante y muy arriesgado atraco…


Este gato cínico y sarcástico está de vuelta con su acostumbrada forma de verse a sí mismo como esbelto y denominándose a sí mismo como un gato persa, que por supuesto no es. Es como un antihéroe, con una personalidad especial, por decirlo de alguna manera, solo le gusta comer, descansar, no hace ejercicio, está por la fruición de la vida.

Este filme hace un regreso al pasado de nuestro personaje, cuando fue abandonado, al parecer por su padre, frente a un restaurant italiano.

Pero también el pasado persigue al padre de Garfield, el cuál afectará, por supuesto, a su retoño.

Es interesante preguntarnos si compartimos los gustos de Garfield, como si nos gusta el día lunes o no, pienso que muy pocos gustan de ese día y volver a la rutina de la semana. Parece que el felino nos hace de espejo a nuestra vida.

Si bien corren dos historias que se entrelazan, el guion es nada original. Aún así, se ve interesante cómo el amor filial y los malos entendidos van marcado a este hijo su con padre, pues recordemos, su madre murió de cáncer en versiones anteriores.

En realidad es una animación bastante ruidosa para mantenernos conectados con la historia. Sus seguidores la disfrutarán, pero es un cine de bastante estrujar la marca, que no marcará un antes y un después al salir de la sala.

Bien para un viaje a algún lugar en tiempo de dos horas.

Ficha técnica

Título original: The Garfield movie
Año: 2024
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Mark Dindal
Guion: Paul A. Kaplan, David Reynolds, Mark Torgove. Cómic: Jim Davis.
Reparto voces originales : Chris Pratt (Garfield) Samuel L. Jackson, Nicholas Hoult, Ving Rhames, Bowen Yang, Cecily Strong.
Musica: John Debney
Fotografía: Animación
Compañías: Alcon Entertainment, Double Negative, Sony Pictures Animation, Paws, Prime Focus. Distribuidora: Sony Pictures
Género: Animación, comedia, gatos, atracos, cómic, amor filial, padre ausente.

martes, 14 de mayo de 2024

Vidas de Papel - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

Escrita por Ercan Mehmet Erdem y dirigida por Can Ulkay, esta película turca nos adentra en la cruda realidad de los barrios marginales de Estambul a través de la historia de Mehmet -Çağatay Ulusoy-, un hombre con un pasado que lo atormenta y que, de un día para otro, debe hacerse cargo de un niño abandonado de solo 8 años.

Mehmet es un recolector de basura nocturno. Al sufrir una crisis, su mejor amigo lo lleva al hospital y allí es discriminado por ser, al menos en apariencia, una persona en situación de calle. La atención médica demora, pero el diagnóstico es claro: su problema es renal y necesita urgentemente un transplante.

A poco andar, y superada en parte la emergencia, el escenario cambia. Al concluir la jornada de trabajo, Mehmet, quien es jefe de los recolectores de cartón y otras especies que recorren las calles de Estambul escarbando las bolsas de residuos y otros desperdicios, descubre al pequeño Ali -Emir Ali ğrul-, escondido al interior de un contenedor lleno con la carga de todo un día de trabajo. Este encuentro, sorpresivo para ambos, será el generador de un vínculo transformador que lentamente cambiará sus vidas.

Los valores que cruzan la película están presentes desde el inicio. Mehmet, a pesar de su tragedia personal, se muestra comprensivo con la situación del pequeño Ali. A través de su relación, ambos personajes logran avanzar y salir adelante; Mehmet comienza a dejar atrás su pasado, y Ali encuentra un hogar y una familia.

Esta cinta, más allá de ser un drama eminentemente social, se transforma en una muestra de compasión y resiliencia que logra poner de relieve la capacidad del ser humano para encontrar una luz en la oscuridad. No es una película fácil de ver. Las escenas de pobreza y violencia son bastante realistas, sin embargo, también está llena de momentos de esperanza y belleza.

Las hermosas imágenes nocturnas y diurnas de una capital que no duerme, no logran esconder algunos problemas de edición presentes en la cinta. Por ejemplo, ante un comienzo lleno de expectativa, sobre todo con el tema de la urgencia del hospital, rápidamente cambia de secuencia; simplemente se pasa de un contexto a otro sin mediar un tránsito o una resolución. Estas situaciones la tornan una película irregular, con escasos nudos de conflicto y un poco plana, especialmente al enunciar historias interesantes que no alcanzan a ser desarrolladas.

La química de Mehmet con Ali es innegable, y tal vez lo mejor del filme. A través de los juegos se acercan y desarrollan gran cariño, aflorando el sentido paterno ante la marcada ausencia materna en ambos protagonistas. La preocupación genuina y el hacerse cargo de un otro resulta vital, aunque no se perciba claramente cuándo se producen estos cambios.

“Vidas de Papel” cuenta una linda historia aunque no esté bien resuelta en términos narrativos. Aportando, sí, un final inesperado, esta película invita a reflexionar sobre la importancia de la resiliencia individual y comunitaria, en un trabajo que entrega la certeza que, incluso en los momentos más difíciles, siempre se puede encontrar una salida al final del túnel.

Ficha técnica

Título original: Kagittan Hayatlar
Año: 2021
Duración: 96 minutos
País: Turquía
Compañías: OG Medya, OGM Pictures. Distribuidora: Netflix
Género: Drama
Guion: Ercan Mehmet Erdem
Música: Jingle Jungle, Ömer Özgür, Doga Ebrisim
Fotografía: Serkan Güler
Reparto: Çağatay Ulusoy, Emir Ali Doğrul, Ersin Arıcı, Turgay Tanülkü, Selen Öztürk
Dirección: Can Ulkay

Heeramandi: The Diamond Bazaar - Por Jackie O.

"Amor y lágrimas en jaula de cristal"


Con el telón de fondo del movimiento de independencia indio contra el dominio británico en la India en la década de 1940, Heeramandi narra la vida de los tawaifs (cortesanas de lujo) del barrio rojo de Heera Mandi en Lahore.

En la década del 20 la joven Mallikajaan ha dado a luz a un varón, pero desaparece, desesperada comienza a buscarlo pero fue vendido. Al descubrir a la persona culpable, su corazon se endurece y toma una drástica decisión que cambiará su vida y la de su futura descendencia, pasando, a la fuerza, a convertirse en la "madre", la "proveedora", "la hermana mayor", la dueña del palacio (lujoso burdel) y todo lo que hay en su interior, incluida las cortesanas y sus hijos.

Hacemos un salto temporal de más de 20 años, y estas cortesanas ya son madres de chicas bellas, que deben seguir los pasos de sus madres ya que nacen con talentos.

Las cortesanas no se consideran prostitutas, son las mujeres más bellas del sector, y artistas, tanto en el espectáculo que montan a sus millonarios y nobles clientes con bailes y cantos espectaculares, como en la delicadeza de sus encantos en el lecho. Viven en una burbuja, dentro de lujos, están en una jaula de cristal porque tienen dueños. Y mientras afuera, se escribe otro capítulo, uno de libertad, donde están cansados de vivir bajo el yugo británico donde la rebelión se cuece lentamente; al interior de palacio se luchan las propias batallas.

Ambas historias, cortesanas y revolucionarios se entrelazan, así como historias de traiciones dentro del palacio, en especial, al abrirse otro burdel frente al de Mallikajaan. Es el de su sobrina que recién ha llegado a la ciudad, la hija de su hermana fallecida en los años 20, y viene a cobrar venganza. Ahí, ambas mujeres se enfrentarán en toda la trama con todas las armas que sean necesarias, sin pudor.
Como antagonistas tenemos a estas mismas tía y sobrina que buscan el poder lastimándose, y a quienes las rodean con diversas artimañas, pero el mayor enemigo son los británicos, quienes abusan del poder en gran escala, principalmente Alastair Cartwright un ser detestable.

Por supuesto está la parte del amor, entre la hija de Mallikajaan quien se enamora de un noble joven, en donde a veces el amor trae mucho sufrimiento, por lo que las miradas, cartas a escondidas, suspiros y llantos se verán, ya que un noble con una cortesana, históricamente, no es posible.

La puesta en escena es espectacular, cada toma no descuida ningún detalle, en especial los planos amplios donde se nota la preocupación escenográfica. Vestuario hermosísimo, así como maquillajes y peinados.
Las actuaciones son buenas.
Las coreografías son bellas nos llevan a esa cultura, y las canciones, hay que poner atención a las letras, son parte del guión.
La historia está bien contada, a pesar de tener los típicos clichés conocidos, mantiene giros argumentales que al terminar nos sorprenden. Con escenas muy hermosas, pero ya al final se vuelven algo más crudas.

¿Los rebeldes podrán conseguir su propósito? ¿El amor triunfará? ¿Quién será la reina del Heera Mandi?

Pasión, amor, traiciones, rebeliones, lealtad, todo bien dosificado en esta miniserie del otro lado del mundo.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Género: Drama histórico.
Creado por: Sanjay Leela Bhansali
Escrito por: Sanjay Leela Bhansali, Divya Nidhi y Vibhu Puri
Historia: Moin Baig
Protagonistas: Manisha Koirala, Sonakshi Sinha, Aditi Rao Hydari, Richa Chadha, Sanjeeda Sheikh, Sharmin Segal Mehta, Taha Shah Badussha
Música: Sanjay Leela Bhansali
País: India
Idioma: Hindi y Urdu
Episodios: 8
Duración: 50 minutos
Año: 2024

lunes, 13 de mayo de 2024

Caminemos Valentina - Por Carlos Correa Acuña

Una imagen difusa, como si fuera una aparición velada e inesperada, da comienzo a esta cinta del director argentino Alberto Lecchi. Se trata de una mujer que enseña que lo que veremos a continuación está basado en hecho reales; y es de aquellos hechos de los que nunca quisiéramos saber.

Basada en el libro autobiográfico de Sandra Migliore, “Raza de víboras, memorias de una novicia”, que narra en primera persona los abusos que ella y otras compañeras sufrieron durante años a manos de una monja experimentada en el seno de la Congregación Educacionistas Franciscanas de Cristo Rey, esta cinta se introduce de lleno en una temática dura, apretada, contingente y por momentos francamente desquiciada.

Los abusos en contextos eclesiales han marcado los últimos años, y conocer otros casos resulta ser todavía más dramático. Los abusos sexuales se originan a partir de abusos de poder -en este caso en nombre de Dios-, que llevan directo hacia la violencia y la pedofilia, con marcada hipocresía y altos niveles de encubrimiento.

El guion escrito por el propio Lecchi junto a Daniel Romañach, constituye una denuncia ilustrativa, sin sutilezas, enfocado en su punto central, y sin distracciones. Dos líneas de tiempo separan el relato, una en color y otra en blanco y negro. En el presente, Sandra -Gabriela Robledo Azócar-, ha dejado el noviciado pero aún sigue trabajando en la congregación como contadora, y Valentina -Paula Sartor-, ha llegado recién a supervisar los libros contables de Sandra. Una serie de correos electrónicos anónimos detallando las denuncias contra la Maestra de Novicias, la hermana Bibiana -Roxana Naranjo Robles-, y que la sindican como responsable de una gran cantidad de abusos contra jóvenes que estudiaban para tomar los hábitos, hace que ambas mujeres recuerden su propia historia, los propios abusos sufridos en el pasado, y el camino por el que ambas han optado para intentar escapar del gran dolor que se les ha infringido. Las imágenes son dolorosas y explícitas, no dejan lugar a dudas: aberraciones que no solo son intolerables, sino que, en la mayoría de los casos, corresponden a delitos que deben ser denunciados, perseguidos y castigados.

Paula Sartor, quien da vida a Valentina Rojas, y Gabriela Robledo Azócar en el rol de Sandra, cumplen bien sus papeles, aunque hay algo que se siente forzado en sus actuaciones -y que resulta difícil de explicar-, tal vez producto de la presión por mostrar conmoción, o tal vez debido a lo complejo que resulta escenificar lo íntimo de una relación que surge al alero de una brutal vulneración en su juventud, transformando, posteriormente, ese profundo sufrimiento en amor.

“Caminemos Valentina” se atreve a incomodar gracias al caso que presenta. La cinematografía funciona pero no deslumbra, pese a la prolija edición de Silvio Caiozzi, cuya mano se aprecia en el ritmo que imprime para destacar la fotografía de Sebastián Gallo. No obstante despertar mucho interés, la película se tiende a diluir al no tener un nudo de conflicto más rudo que obligue un desenlace urgente, una tensión que vaya más allá de lo explícito y que nos provoque aún más sensaciones.

Así y todo, Alberto Lecchi consigue rescatar -en sus mismas palabras-, que la historia de amor se posicione por sobre los abusos. Para ello, resulta fundamental la parte final, inserta junto a los créditos, con las protagonistas reales narrando, en voz primera, algunos de los hechos descritos en la cinta, momento en que la emoción se desborda y surgen espontáneos aplausos.

Ficha técnica

Título original: Caminemos Valentina
Año: 2023
Duración: 104 minutos
País: Argentina
Compañías: Coproducción Argentina-Chile; Zarlek Producciones, Andrea Films
Género: Drama | Abusos sexuales
Guion: Alberto Lecchi, Daniel Romañach. Libro: Sandra Migliore
Música: Valentina Caiozzi
Fotografía: Sebastián Gallo
Reparto: Paula Sartor, Roxana Naranjo Robles, Jacinta Torres Molina, Sara Margot, Gabriela Robledo Azócar, Ana Celentano, Lidia Catalano
Dirección: Alberto Lecchi

La madre de la novia - Por Jackie O.

"Las nuevas oportunidades, las nuevas familias"

Sinopsis: Aturdida por el espectacular anuncio de boda de su hija, Lana pronto se enfrenta a otro shock: el padre del novio es el hombre que le rompió el corazón hace años.


Lana es una prestigiosa doctora, pero su hija Emma no tiene pensado seguir estudiando como su madre, y le anuncia que se ha convertido en una gran influencer producto de su trabajo, donde le va muy bien económicamente. Y además, le anuncia que se casará, sin que su madre tenga mucha información de ese novio. A regañadientes acepta, más cuando en pocas semanas se realizará dicha boda.
Al llegar al lugar elegido para este evento, una isla paradisíaca, ya comienzan los problemas al verse, Lana, desplazada en todo, pues su hija contrató a una organizadora de eventos, y como es una gran influencer, todo debe estar minuciosamente hecho para transmitirlo en vivo, cosa que a Lana no le gusta, ya que quiere hacer las cosas en conjunto con su hija.
Lo peor sucede cuando conoce al padre del novio, Will, el mismo que la dejó con el corazón destrozado en la universidad.

Desde ahí hasta la boda, comienzan a suceder diversas situaciones que ponen en primera plana a nuestros protagonistas, Lana y Will, protagonizados muy bien por los excelentes actores Benjamin y Brooke (vi la película solo por ellos, de lo contrario paso de largo), quienes mantienen una gran química, y se prestan muy bien para las diversas situaciones que se presentan, que, siendo muy obvias y típicas en las comedias románticas, juegan muy bien.
El resto del elenco es un buen complemento que aporta a la trama.
La escenografía es bellísima y el vestuario muy acorde, sin dejar de mencionar, y se agradece ver, a los "cincuentones" del elenco que se mantienen bien físicamente.

El director, ya reconocido por sus películas del mismo género, que pasaron a ser de culto prácticamente, juega con los dramas de la separación sea familiar o de viejos amores, la amistad y las nuevas oportunidades, combinándolos con un tono de comedia liviano y predecible, y aunque es un guión flojo en su fondo ya que no se concentra en temas puntuales, igual se transforma en algo agradable de ver y de disfrutar en un fin de semana de frío, o terminada una jornada laboral extenuante.

No hay que ponerse tan intelectuales a veces.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Mother of the Bride
Director: Mark Waters
Guion: Robin Bernheim
90 minutos
2024
Protagonistas: Brooke Shields, Benjamin Bratt, Miranda Cosgrove, Sean Teale, Chad Michael Murray, Rachael Harris

sábado, 11 de mayo de 2024

El Planeta de los simios: Nuevo Reino - Por Juan Pablo Donoso

Enorme espectáculo de aventuras, con tecnología de punta, y una sucesión de símbolos político-culturales para explicar los conflictos que ocurren.

Suponemos que el lector ya conoce los antecedentes de la saga: se inició en 1968 cuando un astronauta (Charlton Heston) llegó a la Tierra en el futuro, la encontró en ruinas, y habitada por simios organizados y capaces de pensar y hablar como personas.

Su éxito dio origen a varias secuelas, algunas mejores que otras. Todas con muchas emociones, acción y violencia.

Con ésta comienza una nueva trilogía. Más que hablar de sus peripecias, nos abocaremos a los personajes principales, y a sus motivaciones. Nos parece que ahí estaría la médula de esta nueva historia.

Noa (Owen Teague) es un joven simio perteneciente al Clan de las Águilas. Una comunidad sabia y pacífica. Su padre es el patriarca, cultiva un criadero de águilas, con las cuales se comunica en bella armonía.

Todo se altera cuando los miembros de otro clan los invade, aprisiona, y llevan como esclavos a trabajar en su territorio. Su monarca es el tirano CÉSAR MÁXIMUS (Kevin Durand) quien - con armas de tecnologías humanas -, pervierte las nobles enseñanzas de CÉSAR - un antiguo profeta simio - para esclavizar a otros clanes.

El joven Noa, junto a Anaya y a su hermana Soona, se interna en la selva en busca de sus familiares. Aquí emerge RAKA (Peter Macon), un anciano orangután, quien le dará sensatos consejos para enfrentar a los enemigos.

En el camino hallarán a MAE/NOVA (Freya Allan), una muchacha humana solitaria, en estado muy primitivo, quien los acompaña porque conoce el secreto tecnológico para vencer a la perversa tribu dominante.

Cuando ellos también son apresados, junto a MAXIMUS habita otro humano - TREVATHAN (William H. Macy) - intelectual sobreviviente y sumiso al tirano.

De aquí en adelante - y con la ayuda de las águilas amaestradas por el padre de Noa - vivirán intensos y crueles combates en su afán por liberar de la esclavitud a los pueblos sometidos - incluido el propio - y abrir la esperanza de un “nuevo reino” (título del filme), mientras nos asomamos al escenario de la 2ª parte de la trilogía.

Al destacar los personajes claves de esta hermosa y muy bien realizada epopeya, se nos aclara la premisa central: “cualquier sociedad con criaturas pensantes - por altruistas y nobles que sean - nunca estará libre de la ambición desenfrenada, de la cobardía oculta tras la falsa intelectualidad, y de los horrores de la guerra. Pero también habrá semillas de convivencia entre humanos y animales, de esperanza y sabiduría ancestral”.

PRIMER CAPÍTULO DE UNA NUEVA TRILOGÍA. EXUBERANTES AVENTURAS CON LOS SIMIOS QUE SOBREVIVIERON AL CATACLISMO HUMANO.

Ficha técnica

Titulo Original: Kingdom of the Planet of the Apes
2024 Aventuras, ciencia ficción EE.UU. - 2,25 hrs. 
Fotografía: Gyula Pados 
Edición: Dirk Westervelt, Dan Zimmerman 
Música: John Paesano 
Diseño Prod.: Daniel T. Dorrance 
Guion: Josh Friedman, Rick Jaffa & Amanda Silver,(based on characters created by) 
Actores : Freya Allan, Kevin Durand, Dichen Lachman 
Director: Wes Hall

El planeta de los simios: Nuevo Reino - Por Jackie O.

"Juntos, simios fuertes"


Historia:
La novela escrita en 1963 por el francés Pierre Boulle, tuvo gran revuelo, fue llevada a la pantalla en 1968, ahí Charlton Heston dio el puntapié, junto a "Nova", de lo que sería una saga de cinco películas hasta 1973. En la cuarta cinta, aparece el persona de "César", quien será el nombre que hasta ahora resuena, principalmente para quienes no son cinéfilos o las nuevas generaciones. En el año 2001, Tim Burton tomó esta historia y la adaptó a su estilo, hasta que en el año 2011 al 2017, se realizó una trilogía donde Andy Serkis posicionó el nombre de César en lo alto.
Este año, nuevamente aparece esta historia, ¿y con qué?

Ambientada varias generaciones después de los hechos conocidos de la última película (ya franquicia) la vida de los simios es un mundo aparte, un mundo nuevo sin contacto con los seres humanos, que son para ellos leyendas, viven tranquilamente hasta que una humana irrumpe en sus tierras, siendo perseguida por unos simios enmascarados que no son del sector, provocando una matanza en la aldea de Noa, y a quienes viven los esclavizan.

Noa se arma de valor para ir a salvar a los suyos, traspasando la frontera, aquella prohibida para los de su aldea, donde la humana, a quien le llaman "eco" lo sigue. En dicha travesía conoce a un viejo orangután que se convierte en su amigo, contándole la historia de los humanos con los simios, y de las nobles enseñanzas que César dejó, y no las que actualmente profesan, encontrándose en el camino con estos enmascarados y más humanos, desatándose una persecución donde nuestro protagonista está dispuesto a todo por salvar a los suyos y vengarlos. Aunque su vida dependa de ello.

Estética:
La cinta nos narra una historia de supervivencia y de venganza, y en ausencia de César, a quienes todos conocen de esta franquicia gracias a su última trilogía, Noa se transforma en el protagonista central, llevando sobre sus hombros el peso de una nueva era, donde también no solo los simios se ven confundidos con su presente y futuro, sino que los humanos.
Los efectos visuales están tan bien ejecutados que puedes confundirte creyéndolos reales en varias de las tomas. La perfecta combinación de captura de movimiento y efectos visuales de vanguardia no solo da vida a los simios con un gran realismo, sino que también sirve para levantar lo emocional de sus luchas, pues cuenta con un buen protagonista y antagonista.
Los parajes que nos presentan son tan bellos como aterradores, y me recordaron a la primera película (1968). Mantiene buen guion, que lleva de la adrenalina a la nostalgia.

Como sugerencia, vale ver la trilogía anterior, y la primera de la quina original, si eres un gran cinéfilo amante de esta historia, donde sabrás el origen de algunas palabras o personajes que verás acá.

Porque la aventura, el poder, la amistad y el valor, se toman la pantalla, y se viene más.

Ficha técnica

Kingdom of the Planet of the Apes
2024 ‧ Action/Sci-fi ‧ 2h 25m
Director: Wes Ball
Guion: Josh Friedman, Rick Jaffa, Amanda Silver y Patrick Aison
Música: John Paesano
Fotografía: Gyula Pados
Montaje: Dan Zimmerman
Protagonistas: Owen Teague, Freya Allan, Peter Macon, Eka Darville, Kevin Durand, William H. Macy, Neil Sandilands

viernes, 10 de mayo de 2024

El planeta de los simios: Nuevo Reino - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Muchas generaciones después de los acontecimientos de la Guerra por el Planeta de los Simios, las civilizaciones de los simios han surgido del oasis al que César llevó a sus compañeros, mientras que los humanos han retrocedido a un estado salvaje y primitivo. Cuando el rey simio Proximus César -Kevin Durand-, armado con armas forjadas a partir de tecnologías humanas perdidas, pervierte las enseñanzas de César para esclavizar a otros clanes, el cazador de chimpancés Noa -Owen Teague-, se embarca en un desgarrador viaje junto a una mujer humana llamada Mae -Freya Allan-, para determinar el futuro de los simios y los humanos por igual.


¿Es del todo inimaginable, un mundo en el que los simios sean la especie dominante? Tal vez no, y justamente esta es la premisa de esta película que invita a reflexionar sobre la naturaleza humana y su lugar en el universo. Con estética deslumbrante y una realización muy real, la cinta apela a la técnica que despliega a lo largo de sus 145 minutos para capturar la atención del espectador. Los escenarios selváticos son amplios y majestuosos, y las recreaciones de los simios tienen impecable factura, a lo que esta saga nos tiene ya acostumbrados.

Acompañados de la interesante partitura escrita por John Paesano, lo que vemos en el fondo, son las mismas temáticas humanas que nos preocupan y nos consumen actualmente. Es vital el tema de la convivencia, por supuesto entre humanos y simios, pero también entre los propios humanos y entre los propios simios. La lucha de poder se apodera de uno de los ejes centrales de la trama, juntando el abuso y la destrucción para dominar a los subordinados, partiendo por el viejo principio de dividir para gobernar. La defensa de la familia emerge como contrapeso al poder, pero allí también se cuela la venganza, sin que necesariamente sea en beneficio de un bien mayor y comunitario.

Particularmente, las películas de esta franquicia -que con esta son ya diez-, no me producen demasiada fascinación. Y me refiero básicamente a los simios, las imitaciones de sus movimientos y sus marcados comportamientos humanos. Es ciencia ficción, claro, y en este género podemos ver muchas otras criaturas desarrollando lo mismo, pero definitivamente no es lo que más me llama la atención. Sin embargo, desde el punto de vista cinematográfico, una película así es realmente una hazaña, pues debe desarrollar tantos elementos para ser creíble y tener un sustento visual importante, que si no se hace bien, la verdad es que se va directo al precipicio. Esta secuela aprueba, y con creces, pues resulta admirable desde su realización, hasta su puesta en escena y lograda construcción.

Dejo para el análisis final tres puntos. El papel de Raka -Peter Macon-, un orangután sabio y virtuoso que representa la maestría y la compasión. A lo largo de la película se convierte en el guía de Noa, revelando esa necesidad que tenemos de hallar un punto de referencia que nos permita validar la experiencia que sirve de faro cuando nos desenfocamos o perdemos el rumbo. En el extremo opuesto se encuentra Trevathan -William H. Macy-, el clásico ejemplo de oportunismo y cercanía por conveniencia -de esos personajes que van solo donde el sol calienta y sin principios que conduzcan su actuar-, que sirve de contrapunto respecto a la altura valórica que es representada por Raka. El tercer punto a destacar es la presencia humana que entrega Mae. Retraída y desconfiada en el inicio -un estado salvaje según sabemos-, es portadora de un mensaje importante cuando se enfrenta al poderoso Proximus César: “no puede tener acceso a eso”, dice, en una clara alusión a que el tirano no puede hacerse con una tecnología que le permitiría aumentar exponencialmente su poder.

“Kingdom of the Planet of the Apes” no es solo una película de ciencia ficción, sino también puede ser vista como una parábola sobre la naturaleza humana, los peligros del poder y la ambición. La cinta nos recuerda que debemos ser cuidadosos con nuestras acciones y que la búsqueda de poder a cualquier costo puede traer consecuencias desastrosas. Además, es para verla en pantalla gigante. Disfrutar los efectos especiales y sus particulares recreaciones es de las mejores experiencias que se pueden vivir en el Cine, y esta película, aunque posea temáticas conocidas, nos transporta a hermosos parajes que vale la pena ver, escuchar y contemplar en óptimas condiciones.

Ficha técnica

Título original: Kingdom of the Planet of the Apes
Año: 2024
Duración: 145 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: 20th Century Studios, Fox Studios Australia, Oddball Entertainment, Jason T. Reed Productions
Género: Ciencia ficción. Aventuras | Simios. Futuro postapocalíptico
Guion: Josh Friedman, Rick Jaffa, Amanda Silver, Patrick Aison
Música: John Paesano
Fotografía: Gyula Pados
Reparto: Owen Teague, Freya Allan, Kevin Durand, Peter Macon, and William H. Macy
Dirección: Wes Ball

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 10 de Mayo 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro Contreras y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.

Magnolias de Acero: Field v/s Roberts - Por José Luis Nicolás

M-Lynn, interpretada por Sally Field, se prepara mentalmente para entregar en matrimonio a su enfermiza hija Shelby, que es personificada por Julia Roberts. En este difícil trance, esta esforzada madre de familia es acompañada por sus tres mejores amigas, y la flamante empleada de una de ellas (que rápidamente se acopla al grupo).

Así comienza Magnolias de Acero, un filme de 1989 dirigido por Herbert Ross (realizador de la legendaria Footloose de 1984). El dramaturgo Robert Harling adaptó para la gran pantalla, la obra de teatro homónima que él mismo escribió en 1987.

La acción transcurre en la ficticia localidad de Chincuapin Parish, ubicada en el sureño Estado de Luisiana. En esta zona crecen las magnolias (La flor oficial de Luisiana es la magnolia), y no son frágiles.

Las protagonistas de esta historia (completan el reparto estelar Dolly Parton, Daryl Hannah, Shirley MacLain y Olympia Dukakis) son delicadas y armoniosas como flores pero fuertes como el acero, sobre todo cuando el drama amenaza con quebrarles el carácter.

Herbert Ross filma con particular maestría una discusión (en plena Noche Buena) entre los personajes de Sally Field y Julia Roberts. Ambas son capaces de remecer la tierra con sus convincentes interpretaciones.

El director, oriundo de Nueva York y dueño de una carrera llena de particularidades (cómo haber sido el único en dirigir un guión de Woody Allen, además del propio Allen), es capaz de darle al don de la maternidad una cuota importante de heroísmo, que sólo pareciera ser valorado en una película como esta.

Ficha técnica

Título original: Steel Magnolias
Año: 1989
Duración: 118 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Herbert Ross
Guión: Robert Harling. Teatro: Robert Harling
Reparto: Sally Field, Julia Roberts, Dolly Parton, Shirley MacLaine, Daryl Hannah, Olympia Dukakis, Sam Shepard, Tom Skerritt, Dylan McDermott
Música: Georges Delerue
Fotografía: John A. Alonzo
Compañías: TriStar Pictures

jueves, 9 de mayo de 2024

Hachiko 2, Siempre a tu Lado - Por Juan Pablo Donoso

Un hecho real que sigue emocionando, aunque se haya narrado en dos excelentes filmes anteriores.

Testimonio maravilloso de la fidelidad de un perro por su amo.

La primera versión fue japonesa (1987) - dirigida por Seijiro Koyama y protagonizada por el legendario actor Tatsuya Nakadai. Irradiaba la atmósfera auténtica de su país de origen.

Luego, en 2009, el director sueco Lasse Hallström (¿Quién ama a Gilbert Grape y Chocolat), la recreó en EE.UU. , con Richard Gere, logrando similar impacto mundial.

Ahora nos llega este Hachiko 2, ambientado en China, con algunas notorias variantes pero manteniendo vivo el corazón del relato original.

Para quienes vean esta versión por primera vez, cumplirá su objetivo a cabalidad.

El incidente - que ya es leyenda para los turistas - explica la estatua de un perro que envejeció frente a una estación de tren, esperando el regreso de su amo que falleció antes de regresar a casa.

Con ritmo lento y minucioso, este filme chino sigue el proceso desde que un padre de familia recoge a un cachorrito abandonado, lo lleva temporalmente a su casa, con el disgusto de su esposa, hasta que alguien lo adopte.

Pero con el tiempo se creará un lazo de amor entre ellos, que condicionará la convivencia hogareña, demostrando como esa raza canina - akita inu - además de su inteligencia tiene la fidelidad más emblemática hacia UN SOLO AMO.

Como este relato, al margen de la resistencia inicial de la esposa, carece de un antagonista poderoso, la película nos deleita con los innumerables detalles domésticos de aquella familia de clase media: el dudoso romance de la hija, el proceso de maduración del hijo adolescente, la relación cordial de la esposa con las vecinas, los diversos preparativos culinarios, y los rutinarios trayectos del dueño de casa rumbo a su trabajo siempre acompañado por Hachiko (aquí llamado Batong), quien cada anochecer esperaba su regreso.

Es aquella minuciosa convivencia con los miembros del hogar la que nos aporta lo entrañable de la relación entre Chen (Xiaogang Feng) y su perro Botang (ficha 8 del Dominó chino).

Con estos aditamentos familiares tan típicamente chinos, el director Ang Xu, y sus guionistas, nos vuelven a demostrar el eterno milagro de amor entre un perro y su amo.

Admirable también la actuación de Joan Cheng como la esposa, y la paciencia “oriental” de quienes lograron las acciones y matices dramáticos de Hachiko (ver al final la enorme cantidad de perritos utilizados).

TESTIMONIO VERDADERO DE FIDELIDAD QUE NUNCA PIERDE VIGENCIA, AUNQUE SE NARRE DE DIVERSAS MANERAS. RECOMENDABLE PARA TODAS EDADES.

Ficha técnica

Título Original: 忠犬八公 (Mandarin)
2023 Tragicomedia familiar China - 2 hrs. 
Fotografía: Shan He 
Edición: Lin Zhu 
Música:Howard Jung 
Diseño Prod.: Wei Lu 
Guion: Liangwen Li, Lin Li, Ang Xu 
Actores: Xiaogang Feng, Joan Chen, Jugang Bai 
Director: Ang Xu

El Planeta de los simios: Nuevo Reino - Por Pablo Croquevielle

“En el nombre de Cesar”


Cuando se anunció una nueva trilogía que continuaba lo visto en la película anterior tuve miedo. La historia de Cesar fue perfecta, es una de mis trilogías favoritas del cine y termina con broche de oro.

Mis temores se acrecentaron cuando se anunció que el director sería Wes Ball, más que nada por lo hecho con Maze Runner. Sin embargo, todas las preocupaciones desaparecieron al ver "El planeta de los Simios: Nuevo Reino". Esta se ubica varias generaciones en el futuro, donde algunos simios olvidaron a Cesar y otros tergiversaron sus palabras, manchando su legado convirtiéndolo en un dios.

Cuando el clan de Noa es arrasado y capturado por los simios de Proximus Cesar, él deberá hacer todo lo posible por encontrar y salvarlos a medida que también aprenderá en el camino a conocerse y a conocer las enseñanzas reales del verdadero Cesar.

Una historia atrapante que te tiene cautivo de principio a fin, un inicio ideal para introducir este mundo, personajes carismáticos con los que sentirse identificado. Un viaje del héroe en toda regla, enemigos crueles y aliados improbables, esta película tiene de todo.

Obviamente, al ser el comienzo de una nueva etapa, cuesta despegar y no creo que sea muy convincente para el resto del público, sus casi tres horas de duración apenas se sienten, y el final obviamente está abierto para una continuación.

Sin embargo estoy feliz de volver a este mundo, de conocer más de lo que nos deparará el futuro tras este comienzo de una nueva trilogía

Sin ser una película perfecta, sí tiene sus momentos donde brilla y Wes logra aprobar más allá de lo justo.

Ficha técnica

Título original: Kingdom of the Planet of the Apes
Año: 2024
Duración: 145 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: 20th Century Studios, Fox Studios Australia, Oddball Entertainment, Jason T. Reed Productions
Género: Ciencia ficción. Aventuras | Simios. Futuro postapocalíptico
Guion: Josh Friedman, Rick Jaffa, Amanda Silver, Patrick Aison
Música: John Paesano
Fotografía: Gyula Pados
Reparto: Owen Teague, Freya Allan, Kevin Durand, Peter Macon, and William H. Macy
Dirección: Wes Ball

El planeta de los simios: Nuevo Reino - Por Elizabeth Salazar T.

"En busca de venganza"


Llega un esperado estreno, la épica franquicia global situada varias generaciones en el futuro tras el reinado de César, en el que los simios son la especie dominante que vive en armonía y los humanos han quedado reducidos a vivir en las sombras. Mientras un nuevo y tiránico líder simio construye su imperio, un joven simio Noa (Owen Teage), emprende un viaje desgarrador que le llevará a cuestionarse todo lo que sabe sobre el pasado y a tomar decisiones que definirán el futuro de simios y humanos por igual.

Desde los primeros minutos esta película impacta, por lo que enganchamos de inmediato con la historia de Noa. Nos damos cuenta de la importancia que tiene su familia y su tribu, a la cual el joven simio quiere vengar. En esta travesía, tendrá la compañía de un simio llamado Raka (Peter Macon) y Mae (Freya Allan) una mujer salvaje.

Con bellos paisajes y una fotografía que resalta la selva en todo su esplendor, vamos siguiendo las aventuras de este héroe sin capa. Noa es algo ingenuo e idealista, me llamó la atención que, incluso muestra más empatía y sentimientos que las personas que aparecen en el filme. Por el contrario, los hombres son mostrados como destructores y faltos de compasión. Así también, es su enemigo Proximus Caesar, egoísta, abusivo y ambicioso. En cambio, Raka es como un maestro para Noa, es prudente y sabio. En tanto, el personaje de Mae es una especie de Tarzán femenina, que lentamente, va mostrando su verdadera personalidad…

Es una película que tiene drama, acción y que nos invita a un viaje para ver los desafíos que deberá enfrentar Noa, pero también nos hace reflexionar sobre el daño que le estamos haciendo a la naturaleza y su hábitat. Estos simios tienen mucho que enseñarnos y, además lo harán pasar un muy buen rato.

Director: Wes Ball
Duración: 145 Minutos
Distribuidora: Cinecolor Films.

Caminemos Valentina - Por Elizabeth Salazar T.

"Develando una historia dolorosa"


Por primera vez el director chileno Silvio Caiozzi realiza en montaje de un filme que no es suyo, además es productor de este filme, que se encuentra basado en una historia real. Trata sobre dos ex novicias Valentina (Paula Sartor) y Sandra (Gabriela Robledo), que sufrieron abusos por parte de su Maestra la hermana Bibiana (Roxana Naranjo), durante su estancia en un convento. Ellas encuentran las fuerzas para superar las secuelas del abuso de poder al que fueron sometidas, en el amor compartido y su unión matrimonial.

Durante los últimos años, se han develado los abusos que ocurren dentro de la Iglesia, hay varios filmes que han mostrado historias tristemente verídicas, pero que se han centrado en hombres abusadores. Por primera vez, se nos revela información sobre abusos de parte de mujeres dentro de la Iglesia Católica. En este caso particular, una maestra que es monja, que se aprovecha de sus alumnas novicias y las convence que ellas son las culpables, de provocarla…

Una de las víctimas decide contar y denunciar esta situación, a partir de esto, unificarán fuerzas para mostrar que no se trata de un caso aislado, sino de un grupo de mujeres que durante su adolescencia padecieron estos abusos.

Con una bella fotografía donde podrán ver escenas con color y otras en blanco y negro, se nota prudencia y respeto en la forma en que es mostrada la historia. Además, se trata de una coproducción chileno-argentina, por lo que el elenco lo integran Paula Sartor y Gabriela Robledo, ambas argentinas y la actriz chilena Roxana Naranjo, todas realizan una muy buena interpretación.

Esta es una película necesaria, para denunciar que también hay abusadoras dentro de la Iglesia, que se aprovechan de la vulnerabilidad de los niños que tienen a su cargo. Una historia impactante, de mujeres valientes que denuncian no solo por ellas, sino también, para que a ninguna otra niña le vuelva a suceder. Impactante, vale la pena verla.

Director: Alberto Lechi
Duración: 144 Minutos
Distribuye: Arcadia Films

Hachiko 2: Siempre a tu lado - Por Jackie O.

“Incondicional y desinteresado amor”


Cinta basada en una historia real japonesa, que nos cuenta que existió un perro de raza Akita quien esperó a su dueño durante una década en la puerta de la estación de trenes.

Dice la historia que Hachiko nació en 1923 en la ciudad de Odate, Japón, el hogar original de la raza akita. El año en que nació Hachiko, al profesor de nombre Hidesaburo Ueno, reconocido docente de agricultura y amante de los perros, le fue regalado un cachorro de dicha raza. Según la biógrafa de Hachiko, la profesora Mayumi Itoh, Ueno, y su esposa Yae lo recibieron enfermo, y lo cuidaron hasta que fue recuperando la salud a lo largo de seis meses.

Ueno lo llamó Hachi, que significa ‘ocho’ en japonés. El sufijo Ko es un homenaje de los estudiantes del profesor. Como este debía tomar el tren para ir a trabajar varios días a la semana, Ueno iba acompañado de Hachiko, quien se quedaba ahí hasta que regresaba en la noche. Un 21 de mayo de 1925, el profesor falleció, conviviendo con Hachiko únicamente 16 meses, pero ese tiempo fue suficiente para que el perro forjara un fuerte vínculo con él. Luego de ello, Hachi vivió con diferentes familias, hasta que huyó a la ciudad donde vivió el profesor, y el perro reanudó su viaje a la estación del tren sin importar el clima, pasando los años.

Esta conmovedora historia se llevó a la pantalla grande por primera vez en 1987, con la película japonesa “Hachiko Monogatari”. Luego en el 2009, se lanzó una nueva adaptación protagonizada por Richard Gere, que fue muy popular y ayudó a catapultar esta historia en Occidente. Ahora, Hachiko 2, no es una secuela, sino una nueva versión China de esta historia, la cual tiene algunas libertades creativas en su forma debido a que está adaptada a un siglo XXI, pero con inspiración de las películas anteriores.

En esta nueva versión China, tenemos a Hachiko (ahora llamado Batong), un lindo perro pastor chino, quien se encuentra accidentalmente con Chen Jingxiu y un grupo de trabajadores que iba en un bus, llevándoselo a su hogar donde es increpado por su mujer a quien no le gustan los perros, pero con los días se convierte en miembro de la familia Chen.

El vínculo de Chen y el perrito se da naturalmente y él se siente acompañado, ya que a pesar de verse como una familia de costumbres y unida, es poco lo que comparten, así es que Chen siente en Batong el amigo-hijo que necesitaba. Así, cada día el perro lo acompaña a las puertas de la estación del teleférico para despedirse de su amigo, donde Chen busca una forma de que Batong vuelva a la casa, cosa que hace, pero como un reloj, el perrito sabe a qué hora saldrá su amo-papá y va por él. Hasta que llega el día en que Chen nunca más vuelve.

Desconcertado este animalito, pues está muy humanizado en la cinta, es olvidado de cierta forma por los miembros de la familia que está lidiando con la pérdida de Chen, y a pesar de cuidarlo no reparan en el dolor y obsesión de Batong por volver a su antiguo hogar, que ha ido desapareciendo.

El director que se especializa más en películas de terror que drama, nos presenta un trabajo que argumentalmente es plano, monótono y muy simple, lo que hace que cueste que nos conectemos con el protagonista y su entorno, solo nos centramos en el perro. Sí, es él el importante en la trama, pero la verdad es que ambos son y deben ser el centro de atención juntos.

Faltó que sintiéramos cercanía con Chen, así como alguna subtrama fuerte que vincule a los protagonistas con el resto. No nos hace empatizar con los humanos, solo nos centramos en el perro, lo que no es malo, pero acá insisto, Chen se pierde, y no debería. Él debe conmover y atraparnos, pero no lo hace.

Solo debemos esperar el tramo final, aquel que todos sabemos que viene y creemos sentirnos preparados para soportarlo, pero no. El nudo en la garganta, y tal vez alguna lágrima nos atrape, ya que vemos cómo ha vivido Batong durante 10 años, esperando a su amigo.

Lamentablemente tenemos que esperar el final para sentir la conformidad de lo que pudo haber sido el drama del año que rompiera de principio a fin nuestros corazones.

Mención honrosa a los perritos que participaron, pues se ven bellos y enternecen en todo momento.

Cinta que tal vez sirva para que estas nuevas generaciones se acerquen a esta particular y conmovedora historia, que de todas formas vale ver, y de paso, poder repasar las dos películas anteriores en algún momento.

Ficha técnica

Dirección: Xu Ang
Año: 2023
Duración :120 minutos
País: China
Guion: Liangwen Li, Lin Li, Xu Ang, Hansi Zhang
Reparto: Jugang Bai, Joan Chen, Xiaogang Feng

miércoles, 8 de mayo de 2024

Caminemos Valentina - Por Jackie O.

“Una oscura realidad”

Basada en el libro “Raza de víboras, memorias de una novicia”, de Sandra Migliore, cuenta un episodio brutal en la vida de Sandra y Valentina, dos novicias abusadas sexualmente dentro de un convento.

Sandra y Valentina asistieron a un convento en Argentina, ambas en épocas diferentes, nunca se cruzaron en su infancia, pero ambas tenían algo en común, eran menores de edad y deseaban servir a Dios, eso hizo que sus caminos se unieran siendo adultas.

La historia se presenta en dos líneas temporales, el blanco y negro cinematográfico es el pasado, un pasado oscuro, muy gris, que apagará la vida de estas jovencitas; y el presente en color, el color de la esperanza de una nueva vida, de decisiones. Ambas fueron abusadas sexualmente por una monja mayor en el convento, quien aprovechaba la instancia de que eran jóvenes vulnerables, sea porque fueron alejadas de sus familias por no poder mantenerlas, o necesitaban conectarse realmente con Dios, todas inocentes, todas obedientes y temerosas al castigo del Señor. Ese castigo que se les amenazaba constantemente, usar el nombre de Dios para conseguir malos propósitos.

Amenazas, temor, silencio, abuso, así fue la vida de Sandra, Valentina y otras menores de edad mientras estaban en el convento bajo la supervisión de la madre “Bibiana”.

Analizándola más conscientemente, se puede advertir que visualmente está bien contada, es decir, sin diálogos, la cinta se entiende claramente por la gesticulación y las escenas que se muestran, principalmente aquellas del recuerdo, donde nos provoca rechazo, rabia, pena, e incluso asco. Pero contradictoriamente, los diálogos en los momentos que se muestran de adultas, principalmente, hacen que la cinta no concrete el fondo, no provoca la tensión de la situación, no nos generan empatía estas víctimas ya adultas, y se alarga más de lo normal. Solo nos provoca cierta reacción, la intervención de terceros.

Las actuaciones son buenas, tantos jóvenes como adultas cumplen con su rol, pero las actrices que personifican a las menores abusadas son estremecedoras. Al verlas en su situación de dolor quieres contenerlas y ayudarlas. Y la actriz que personifica a la monja abusadora, es realmente aterradora y más que eso, asquerosa.

¿Cómo un adulto puede tener sensaciones de tipo sexual hacia menores de edad? No es sano, no es normal. Por lo tanto, no es tu culpa como víctima.

¿Por qué quienes deben guiar se aprovechan en nombre de Dios, abusando de su cargo, condición y fuerza, dañan?

En un momento donde los menores de edad deben nutrirse de buenas enseñanzas, buenos consejos, contención, apoyo y tener un referente de su vida, terminan dañándose psicológicamente, dudando de la fe, y a veces, de su condición sexual.

Una historia como muchas que hay y que no se han contado, sea por temor o vergüenza no salen a la luz. Ahora, estas dos mujeres adultas dan la cara, aunque tal vez legalmente sea tarde, para su conciencia no lo es.

No se debe callar, no debemos tener miedo, debemos dar el paso por muy duro que sea, denunciar al abusador, y que las instituciones sean puestas en jaque cuando protegen al abusador, como en este caso fue la Iglesia.

En resumen, aunque no es perfecta estéticamente, es necesario verla para no olvidar a las miles de víctimas existentes.

Y no juzgar cuando sabemos de alguna historia así, solo saber escuchar, pues la justicia, sea legal o divina se hará efectiva en algún momento. Sí, conscientemente puedo señalar que existen las falsas denuncias, pero reitero, la justicia, sea divina o terrenal, actuará en su momento.

Una historia de terror, que curiosamente terminó siendo una historia de esperanza y amor.

NOTA: Si necesitas denunciar un caso de abuso sexual en Chile, hazlo a uno de los siguientes teléfonos: 133, 147, 149 o 4242.

Y en cualquier lugar del mundo, acércate a las unidades policiales de tu sector.

Ficha técnica

Dirección: Alberto Lecchi
Año: 2023
Duración: 104 minutos
País: Argentina
Guion: Alberto Lecchi, Daniel Romañach
Música: Valentina Caiozzi
Fotografía: Sebastián Gallo
Edición: Silvio Caiozzi

Hachiko 2: Siempre a tu lado - Por Carlos Correa Acuña

Tercera película sobre este icónico perro japonés de raza akita. Nacido en Ōdate el 10 de noviembre de 1923 y fallecido en Shibuya, el 8 de marzo de 1935, Hachikō es recordado por haber esperado a su amigo, el profesor Hidesaburō Ueno, en la estación de Shibuya, por cerca de 10 años luego de su muerte.

La película inicial, de 1987, llamada “Hachikō Monogatari”, y dirigida por Seijiro Koyama, cuenta la historia de su vida desde que era un cachorro hasta su muerte, y se imaginó como un reencuentro espiritual con su amo. En agosto de 2009 se estrenó una adaptación estadounidense de este filme, titulada “Hachi: A Dog's Tale”, protagonizada por el actor Richard Gere, y que asume la historia de Hachikō y su relación con el profesor, en una época más moderna y en Estados Unidos como locación.

En esta tercera entrega, del año 2023 y que no es una secuela, el profesor es encarnado por el reconocido actor y director Feng Xiaogang, y su relación con el perro surge a raíz de una casualidad. Pese a las reticencias iniciales de la mujer del profesor -Joan Chen-, el cachorro acaba convirtiéndose en un miembro más de la familia. La amistad y lealtad que une al perro con el profesor se hace aún más presente cuando este último fallece.

La ciudad donde se desarrolla la historia ahora es Chongqing, un escenario que el director aprovecha para dar cuenta del paso de los años junto con la creciente y rápida construcción en China. Se puede observar un antes y un después en la ciudad, donde los teleféricos que cruzan el río quedan de a poco relegados a los turistas pues la construcción de nuevos puentes ya no los hacen del todo necesarios.

“Batong”, -nombre que recibe el perro en esta adaptación-, es encantador. Desde pequeño, juguetón y travieso, hasta que crece y logra interactuar más y más, este pastor chino crea un vínculo sólido con su amo, al punto de acompañarle en casi todas sus tareas cotidianas. Pareciera que entre ellos existe un entendimiento que va más allá del lenguaje, una forma de comunicación única que está presente en cada uno de sus diferentes movimientos y acciones. Por ello no sorprende que Batong lo vaya a dejar a la estación por las mañanas y lo vaya a recibir por las tardes, algo central en la historia original y también eje principal en esta nueva y emotiva cinta.

Con paciencia oriental, la cinta nos va llevando lentamente a involucrarnos con los protagonistas. Si bien, la trama es en esencia similar a sus predecesoras, los detalles hacen la diferencia, como las referencias modernas y actuales en un mundo que cambia constantemente, y que necesita de relieves como este para poder detenerse y admirar una humanidad que se ve amenazada.

“Hachiko” es un oasis en medio del tráfago, y aunque conozcamos la historia y por ello sea predecible, es imposible no emocionarse con su final bien logrado, y que apela a lo más fundamental que tenemos los seres humanos: nuestros sentimientos más íntimos y profundos. No se pierdan los créditos finales, con imágenes tras bambalinas de la filmación y también con algunas sorpresas.

Ficha técnica

Título original: Hachiko
Año: 2023
Duración: 120 minutos
País: China
Compañías: iQIYI Pictures
Género: Drama | Cine familiar. Perros/Lobos
Guion: Liangwen Li, Lin Li, Xu Ang, Hansi Zhang
Fotografía: He Shan
Reparto: Feng Xiaogang, Joan Chen, Bai Ju-Gang, Eponine Huang, Bo Qian.
Dirección: Xu Ang

20 Días en Mariúpol - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Cuando comienza la invasión rusa, un equipo de periodistas ucranianos atrapados en la ciudad sitiada de Mariupol lucha por continuar su trabajo documentando las atrocidades de la guerra.


Documental implacable, necesario, absolutamente vigente para remover nuestra conciencia de la sinrazón de la guerra, donde los únicos que pierden son los que están en el frente y los ciudadanos comunes, y como siempre, quienes la dirigen desde el poder, están situados en un lugar seguro.

Este trabajo cinematográfico desde el periodismo en zonas de guerra tiene un relato en primera persona recogiendo imágenes con muy poca edición lo cual le da realismo, logrando impactar con su dramatismo al desentrañar el asedio a la ciudad así como la crueldad de la expulsión o la muerte de aquellos ciudadanos, para que, de esta forma, el invasor pueda tomar aquel lugar.

El relato nos sitúa en la ciudad de Mariúpol, una ciudad estratégica para la invasión Rusa, pues es el corredor hacia Crimea; de la misma forma se ahoga la economía Ucraniana. Otra razón de la captura de la ciudad tiene que ver con la moral de las tropas rusas, por lo tanto no importa cómo se logre, así sea cometiendo crímenes de guerra para someter al pueblo ucraniano.

Por otra parte, esos 20 días pusieron en riesgo la vida de todo aquel equipo periodístico que quería exponer al resto del mundo lo que sucedía a toda esa comunidad.

Es un trabajo con un fuerte imperativo ético sobre la vida humana, aunque parece tan lejano está más cerca de lo que pensamos o creemos, y debería movilizarnos a actuar desde el ámbito o actividad en que nos encontremos.

Ficha técnica

Titulo original: 20 Days in Mariupol.
Año: 2023
Duración: 95 minutos
País: Ucrania
Dirección: Mstyslav Chernov
Guion: Mstyslav Chernov
Reparto: Documental
Música: Jordan Dykstra
Fotografía: Mstyslav Chernov
Compañías: Associated Press, Frontline PBS
Género: Documental, drama bélico, conflicto Rusia-Ucrania, periodismo.

Premios
2023 Festival de Sundance: Premio del Público - Documental (World Cinema). 
Oscar: Mejor largometraje documental. 
Premios BAFTA (Reino Unido): Mejor documental. 2 nominaciones. 
Premios Satellite Awards: Nominada a Mejor largometraje documental.
Premios del Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor documental.

La Sociedad de la Nieve - Por Bernardita Santander Navarro

Sinopsis: El viernes 13 de octubre de 1972, el vuelo 571 de la Fuerza Aérea de Uruguay, que trasladaba a 45 pasajeros, incluido un grupo de veinteañeros rugbistas, se estrelló en la Cordillera de los Andes. De los 45 pasajeros, sólo 29 lograron sobrevivir, por lo que se ven enfrentados al más absoluto desamparo en medio de las montañas.


Muchas veces la realidad supera la ficción, y por más que se hagan diversas representaciones del accidente aéreo de los rugbistas que quedaron gravemente heridos en la Cordillera de los Andes, siempre es un desafío para cualquier director, volver a recrear esta lamentable experiencia.

En esta nueva versión, titulada La Sociedad de la Nieve, del director Juan Antonio Bayona, volvemos a revivir lo que fue esta tragedia. Numa Turcatti, uno de los jóvenes rugbistas, es quien narra la primera parte de esta historia, que sin duda es conmovedora y muy realista, con excelentes efectos especiales y en general buenas actuaciones, que hacen que el espectador logre revivir cada segundo, como si estuviera ahí con sus propios protagonistas, quienes debieron sobrevivir durante 72 días en la nieve, sin ningún tipo de protección ni ayuda, hasta que fueron rescatados el 22 de diciembre de 1972.

Si bien el final de esta desgarradora experiencia es conocido por todos, esta nueva versión cinematográfica nos hace reflexionar y replantearnos todas nuestras creencias, ya sean morales, valóricas o incluso de fe. Porque es realmente impactante ver cómo estos jóvenes lograron salir adelante, especialmente cuando tuvieron que verse enfrentados a la drástica decisión de la antropofagia. Un tema que sigue siendo cuestionado, hasta el día de hoy, y que nos hace pensar si es correcto o no recurrir a ella en un momento tan complejo como este, donde literalmente era la única opción para sobrevivir.

En cuanto a lo cinematográfico, puedo decir que la película está muy bien lograda, con muy buenas tomas y una música envolvente. Sin embargo, me habría gustado (como opinión personal), que en el guion se aclarara quién era quién de una forma un poco más completa, ya que al ser tantos nombres, uno se confunde. Pero a pesar de este detalle, me parece que el texto está muy bien ejecutado, al igual que el maquillaje y la escenografía, que si bien incluye algunas tomas digitales, se logra ver muy real.

Una película que recomiendo para mayores de 18 años, básicamente por el impacto de la experiencia y los temas que se tratan, como el miedo, la dignidad, las frustraciones y las decisiones extremas.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirección: Juan Antonio Bayona
Guion: J. A. Bayona, Bernat Vilaplana, Jaime Marques, Nicolás Casariego
Basada en el libro "La sociedad de la nieve" de Pablo Vierci.
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Pedro Luque
Montaje: Jaume Martí
Narrador: Enzo Vogrincic
Protagonistas: Enzo Vogrincic, Matías Recalt, Agustín Pardella, Felipe González Otaño, Luciano Chatton, Valentino Alonso, Francisco Romero, Agustín Berruti, Andy Pruss, Simón Hempe, Juan Caruso.
País: España, EEUU
Año: 2023
Duración: 144 minutos
Género: Aventuras, cine biográfico, drama, cine histórico y suspenso.
Idioma(s): Español

lunes, 6 de mayo de 2024

20 Días en Mariúpol - Por Carlos Correa Acuña

"Es el primer Oscar de la historia de Ucrania. Estoy honrado, pero probablemente seré el primer director en este escenario que diga que ojalá nunca hubiera hecho esta película. Ojalá fuera capaz de cambiar esto porque Rusia nunca hubiera atacado y ocupado Ucrania"
, señaló el director de este filme, Mstyslav Chernov, al recibir el premio de la Academia al mejor documental en Marzo pasado.

Mujeres embarazadas a punto de perder la vida en un hospital de maternidad, adolescentes heridos de muerte tras un partido de fútbol, edificios reducidos a escombros, ciudadanos desesperados intentando refugiarse de los bombardeos, y soldados haciendo frente a los ataques, son parte de un testimonio desgarrador que conmueve hasta las vísceras a lo largo de sus 95 minutos de duración.

El fotógrafo y periodista ucraniano Mstyslav Chernov, narra la atroz guerra en Ucrania -específicamente lo sucedido en la ciudad portuaria de Mariúpol entre febrero y marzo del 2022, cuando fue atacada e invadida por tropas rusas-, con una templanza y entereza asombrosa. Las imágenes son crudas, crudísimas; es imposible permanecer inmóvil. La tensión se siente de tal forma que se sale de la pantalla con cada imagen, con cada secuencia. De pronto me vi recogido en el asiento, nervioso, apretado, asumiendo como propio un dolor inimaginable.

Cuando observamos trabajos de este tipo, documentos audiovisuales que muestran de cerca la muerte y de una manera que resulta indescriptible, surgen los cuestionamientos respecto al papel de la prensa ante hechos de esta naturaleza. Es más, el propio Chernov lo ratifica al comienzo de su filme cuando se pregunta si no será mejor tranquilizar a una mujer desesperada en vez de solo filmarla. No quiero ser repetitivo, pero sin duda me costaría mucho hacer un video de una situación donde quizá yo mismo puedo ayudar a salvar a alguien, o en otros casos, si aquello vulnera la intimidad de una persona herida o recién fallecida. De verdad es difícil, muy difícil, sin embargo, entiendo -solo racionalmente- lo que sucede. En este caso, lo vemos refrendado por las solicitudes de quienes son los propios protagonistas de las imágenes: necesitamos que ustedes filmen para que el mundo sepa lo que nos están haciendo. Ante eso, el deber es claro, y la responsabilidad, todavía mayor.

“20 Days in Mariupol” es una película intensa, dolorosa de ver, pero que debe ser vista. Parafraseando al director, ojalá nunca tengamos que presenciar películas de este tipo, pero mientras la humanidad no aprenda de sus propios errores y horrores, documentales como este son un cable a tierra para comunicar una realidad desoladora e incomprensible que, en este caso, esperamos termine cuanto antes y nunca más se repita.

Ficha técnica

Título original: 20 Days in Mariupol
Año: 2023
Duración: 95 minutos
País: Ucrania
Compañías: Associated Press, Frontline PBS
Género: Documental | Conflicto Rusia-Ucrania. Periodismo
Guion: Mstyslav Chernov
Música: Jordan Dykstra
Fotografía: Mstyslav Chernov
Reparto: Documental
Dirección: Mstyslav Chernov

La idea de ti - Por Jackie O.

"Las oportunidades en el amor"


Solène Marchand es una galerista divorciada de 40 años que planea un viaje de campamento en solitario, mientras su exmarido, Daniel, llevará a su hija Izzy de 16 años, y sus amigas, a Coachella (Festival musical). Cuando repentinamente lo llaman para ir a trabajar, Solène deberá llevarlos al Festival obligatoriamente.

Estando en dicho lugar, debe vivir la euforia de jovencitos que gritan sin cesar por sus ídolos, en especial el grupo del momento, "August Moon", pero no es del gusto de su hija Izzy.
En un momento determinado, y por un error, Solène conoce al vocalista de los August Moon, y el flechazo para Hayes, vocalista del grupo de 24 años, es de inmediato. Por lo que averigua de ella y la visita a su trabajo. Él quiere estar con ella, pero ella no se ve con alguien menor, aunque no descarta tener una aventura.

Ver a un hombre mayor con una mujer joven, es casi normal para todos, a lo más un par de bromas, pero es aceptable. Ver lo contrario, se comienza con recriminaciones, lamentablemente, la mayoría de las mujeres. ¿Por qué no es bien visto que una mujer mayor esté con un hombre menor, en una relación?

La cinta nos lleva por esa vereda, pero le agrega una tónica mayor para hacerlo públicamente escandaloso, y ahí la intervención de los terceros: Él es un famosísimo cantante (ojo que el actor canta), y ella, una mujer común y corriente.
Pero la voracidad es la tecnología, esa tecnología al alcance de todos y que es muy útil, pero acá usada de mala forma, donde todos pueden decir lo que se quiera a escondidas, "valientes ante el teclado", hacen estragos.

Una película basada en el libro del mismo nombre de Robinne Lee, de 2017, presenta ciertas variaciones en la cinta, que la fanaticada, en su mayoría, quedó conforme.

Más que comedia romántica, encuentro a mí parecer, es un drama romántico, que al contener las formas que hemos visto en las comedias, está desarrollada de forma diferente al tocar temas como el bullying, el Cyberbullying, el dejar ir solo por terceros, darse oportunidades, permitirse ser feliz, la familia, y por supuesto, el amor en todas sus formas.
Buenas escenografías, así como los temas musicales. Buena actuación de los protagonistas, se nota una acertada química.

Si bien, nuestra protagonista no demuestra sus 40 años, pues se mantiene en perfecta forma, por lo que se ven muy bien juntos, ¿por qué tenemos que involucrarnos en la relación de otros?

Creo que es mejor dejar amar, y nosotros también disfrutar del amor.

Disponible en Prime Video.

Ficha técnica

The Idea of You
Director: Michael Showalter
Screenplay: Michael Showalter y Jennifer Westfeldt
Protagonista: Anne Hathaway y Nicholas Galitzine
Cinematography: Jim Frohna
Editor: Peter Teschner
Music: Siddhartha Khosla
Duración: 116 minutos
Año: 2024

viernes, 3 de mayo de 2024

Amor, Mentiras y Sangre - Por Carlos Correa Acuña

Dirigida por Rose Glass, “Love Lies Bleeding”, es un excelente thriller no solo por sus logradas actuaciones, sino, particularmente, porque no resulta para nada predecible. Como si de una madeja se tratara, desde cada hilo se desprenden historias que vamos descubriendo con el correr de los minutos, al tiempo que nos damos cuenta de cómo las protagonistas se van enredando en ellas producto de sus propias decisiones y de las circunstancias que les rodean.

La trama sigue a Jackie Cleaver -Katy O'Brian-, una mujer físicoculturista que se dirige a Las Vegas para participar en una famosa competición. Corre el año 1989, y en su camino decide parar en un pequeño pueblo en Nuevo México donde conoce a Louise Langston -Kristen Stewart-, la solitaria encargada del gimnasio local. Lou es de pocas palabras, y también un tanto malas pulgas, pero de inmediato se siente atraída por Jackie, no solo físicamente, también producto de su personalidad desbordante, contraria a su forma de ser, algo retraída y apagada. Lou no quiere saber nada de su padre -Ed Harris-, un traficante de armas local que maneja un verdadero sindicato del crimen, en cuyas dependencias de práctica de tiro -que funciona como una fachada perfecta-, Jackie consigue trabajo como cantinera. En breve tiempo las dos mujeres se enamoran, sin embargo a poco andar asoma la violencia cuando ambas se ven inmersas en las turbias relaciones familiares de Lou.

La fotografía de Ben Fordesman, oscura y rasposa, es una referencia respecto a los temas ocultos en familias completamente disfuncionales. Beth -Jena Malone-, la hermana de Lou, es abusada físicamente por su marido, J.J. -Dave Franco, y nada puede hacer para defenderse o contrarrestar ataques que cada vez son más violentos. Asimismo, poco y nada conocemos del viejo Lou, estupendamente interpretado por Harris, quien solo esconde secretos y una mujer que se ha marchado para dejarlo totalmente solo.

Hay pocas pistas en este drama que importa bastantes elementos del cine negro, porque justamente son los temas escondidos los que siembran un manto de duda sobre todas las acciones que observamos en pantalla. Nada se destaca por ser sincero, son relaciones por conveniencia o bien abusivas, enredadas y torcidas, que contrastan con ese cielo estrellado y limpio que vemos en las amplias tomas nocturnas de aquel descampado desierto.

En la medida que el metraje avanza, Glass complejiza un guion que es también de su autoría. La delgada línea entre el amor y el odio, o más bien la locura que se puede desprender desde ambos sentimientos, encausan el relato hacia particulares eventos que toman diferentes cursos de acción. ¿Cómo se logra salir de situaciones de violencia de esa magnitud? Cuando se enloquece producto de la injusticia, ¿cuál es el límite aceptable y el que no se puede traspasar de ninguna manera?

El amor lleva a cometer actos irracionales, cuyas consecuencias van más allá de toda consideración. Algo de esto sucede en esta película, donde por amor se actúa y por amor se protege. También por amor se miente y por amor se demarra sangre, justamente las palabras que componen el título de este original relato cuya capa violenta -no recomendable para personas muy sensibles-, no logra desviarse de aquella humanidad íntima y sagrada que contiene su argumento central.

Ficha técnica

Título original: Love Lies Bleeding
Año: 2024
Duración: 104 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Film4 Productions, A24, Escape Plan Productions, Lobo Films. Distribuidora: A24
Género: Thriller. Drama | Drama romántico. Homosexualidad. Culturismo & Fitness. Años 80
Guion: Rose Glass, Weronika Tofilska
Música: Clint Mansell
Fotografía: Ben Fordesman
Reparto: Kristen Stewart, Katy O'Brian, Jena Malone, Anna Baryshnikov, Dave Franco, Ed Harris.
Dirección: Rose Glass