El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.
La misión global de SIGNIS es colaborar con profesionales de los medios de comunicación y ayudar a transformar la cultura a través de valores artísticos, promoviendo la dignidad humana, la justicia y la reconciliación. La directiva en Chile está formada por Juan Pablo Donoso, Presidente, Elizabeth Salazar T., Vicepresidenta, y Jackie P. Olivo, Secretaria. Son miembros, Bernardita Santander Navarro, Pablo Crocquevielle, José Luis Nicolás, Alejandro Caro Contreras y Carlos Correa Acuña.
viernes, 31 de diciembre de 2021
No Miren Arriba - Por Carlos Correa
Disponible en Netflix.
Disparatada, irreverente, mordaz y ridícula, esta sátira de humor negro se basa en estereotipos y arquetipos de hechos reales que aun no vivimos pero que podrían perfectamente ocurrir. ¿Qué es esto de “no miren arriba”? Vamos por parte.
Kate Dibiasky -Jennifer Lawrence-, cursa un doctorado en Astronomía y por casualidad se encuentra con un asombroso descubrimiento: se trata de un cometa del tamaño del monte Everest que se dirige directamente a la Tierra. Inmediatamente alerta a su mentor, el doctor Randall Mindy -Leonardo DiCaprio-, quien a su vez acude al académico y también doctor Teddy Oglethorpe -Rob Morgan-, para exponer el tema a la más alta esfera de poder: La Casa Blanca.
La entrevista con la Presidenta Orlean -Meryl Streep-, y su hijo y jefe de gabinete, Jason -Jonah Hill-, es casi anecdótica. Las preocupaciones que tienen son otras, pues para ellos los temas acuciantes son una dudosa nominación a la Corte Suprema y las elecciones intermedias.
Al verse ignorados, Kate y Randall recurren al poder de los medios de comunicación. Consiguen ser entrevistados en un segmento de “The Daily Rip”, un matinal presentado por Brie -Cate Blanchett- y Jack -Tyler Perry-, quienes tienen una pauta basada más en la farándula que en noticias que pudieran resultar trascendentes.
Ante una nueva decepción, las opciones se reducen exponencialmente y quedan menos de seis meses para el impacto del cometa en la Tierra. Con todo en contra, los protagonistas harán sus mejores esfuerzos para dar a conocer el fenómeno y con ello encontrar alguna solución antes que sea demasiado tarde.
Esta cinta, escrita y dirigida por Adam McKay, resulta bastante particular. Alega sobre la estupidez humana y nos trata a todos como tales; nadie se salva, todos por igual. El guion juega con el peso relativo de las cosas para preguntarse dónde está realmente lo fundamental. Contrapone la seriedad versus la liviandad, en un terreno donde parece que a nadie le importa nada, ni siquiera saber que nos vamos a extinguir en cosa de semanas.
El relato es ondulante, inteligente y atrevido. Con permanentes guiños, plantea sugerentes descalificaciones dentro de una audaz propuesta cuya forma releva el verdadero fondo. La influencia mediática se confronta con la realidad; siempre hay cosas más importantes, más llamativas, que venden más o que suscitan mayor interés. Pero, ¿qué pasa con un evento de esta naturaleza? ¿Seguimos caminando de la misma forma o lo tomamos realmente en serio? El director se ríe de sí mismo, de sus personajes y de nosotros también. A través de la burla y el sarcasmo impregna de valor su mensaje y nos hace cómplices de aquello.
Las actuaciones resultan convincentes. Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence, sólidos y afiatados, representan papeles muy bien logrados, a los que se suma la configuración de algunos personajes extremos con píldoras de realidad, entre los que brilla la desorbitada Meryl Streep y el impávido Jonah Hill.
Obviamente esta película resiste todo tipo de interpretaciones. Cada cual puede poner el foco en su prioridad. ¿Dónde están los valores y principios? Parece que todo es transable. ¿Dónde está el valor de la comunidad? ¿Prima lo individual, el interés particular? ¿O son los intereses económicos los que pasan por encima dada la conveniencia de un negocio? ¿Son los medios de comunicación y las Reds sociales espacios para informar o desinformar? ¿El poder al servicio de la humanidad o servirse del poder?
“Don't Look Up” permite conversar. Es una película que tiene la habilidad de colarse subrepticiamente e invitarnos a una reflexión más profunda. Tal vez es pesimista y también aleccionadora. Lo que sí está claro es que es un llamado de atención y conciencia, una denuncia explícita realizada en formato de desopilante comedia.
Ficha técnica
Título original: Don't Look Up
Año: 2021
Duración: 138 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Hyperobject Industries, Bluegrass Films. Distribuidora: Netflix
Género: Comedia. Drama. Ciencia ficción | Sátira. Catástrofes
Guion: Adam McKay. Historia: Adam McKay, David Sirota
Música: Nicholas Britell
Fotografía: Linus Sandgren
Reparto: Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Meryl Streep, Jonah Hill, Rob Morgan, Mark Rylance, Tyler Perry, Timothée Chalamet, Ron Perlman, Ariana Grande, Kid Cudi, Cate Blanchett, Tomer Sisley
Dirección: Adam McKay
Disparatada, irreverente, mordaz y ridícula, esta sátira de humor negro se basa en estereotipos y arquetipos de hechos reales que aun no vivimos pero que podrían perfectamente ocurrir. ¿Qué es esto de “no miren arriba”? Vamos por parte.
Kate Dibiasky -Jennifer Lawrence-, cursa un doctorado en Astronomía y por casualidad se encuentra con un asombroso descubrimiento: se trata de un cometa del tamaño del monte Everest que se dirige directamente a la Tierra. Inmediatamente alerta a su mentor, el doctor Randall Mindy -Leonardo DiCaprio-, quien a su vez acude al académico y también doctor Teddy Oglethorpe -Rob Morgan-, para exponer el tema a la más alta esfera de poder: La Casa Blanca.
La entrevista con la Presidenta Orlean -Meryl Streep-, y su hijo y jefe de gabinete, Jason -Jonah Hill-, es casi anecdótica. Las preocupaciones que tienen son otras, pues para ellos los temas acuciantes son una dudosa nominación a la Corte Suprema y las elecciones intermedias.
Al verse ignorados, Kate y Randall recurren al poder de los medios de comunicación. Consiguen ser entrevistados en un segmento de “The Daily Rip”, un matinal presentado por Brie -Cate Blanchett- y Jack -Tyler Perry-, quienes tienen una pauta basada más en la farándula que en noticias que pudieran resultar trascendentes.
Ante una nueva decepción, las opciones se reducen exponencialmente y quedan menos de seis meses para el impacto del cometa en la Tierra. Con todo en contra, los protagonistas harán sus mejores esfuerzos para dar a conocer el fenómeno y con ello encontrar alguna solución antes que sea demasiado tarde.
Esta cinta, escrita y dirigida por Adam McKay, resulta bastante particular. Alega sobre la estupidez humana y nos trata a todos como tales; nadie se salva, todos por igual. El guion juega con el peso relativo de las cosas para preguntarse dónde está realmente lo fundamental. Contrapone la seriedad versus la liviandad, en un terreno donde parece que a nadie le importa nada, ni siquiera saber que nos vamos a extinguir en cosa de semanas.
El relato es ondulante, inteligente y atrevido. Con permanentes guiños, plantea sugerentes descalificaciones dentro de una audaz propuesta cuya forma releva el verdadero fondo. La influencia mediática se confronta con la realidad; siempre hay cosas más importantes, más llamativas, que venden más o que suscitan mayor interés. Pero, ¿qué pasa con un evento de esta naturaleza? ¿Seguimos caminando de la misma forma o lo tomamos realmente en serio? El director se ríe de sí mismo, de sus personajes y de nosotros también. A través de la burla y el sarcasmo impregna de valor su mensaje y nos hace cómplices de aquello.
Las actuaciones resultan convincentes. Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence, sólidos y afiatados, representan papeles muy bien logrados, a los que se suma la configuración de algunos personajes extremos con píldoras de realidad, entre los que brilla la desorbitada Meryl Streep y el impávido Jonah Hill.
Obviamente esta película resiste todo tipo de interpretaciones. Cada cual puede poner el foco en su prioridad. ¿Dónde están los valores y principios? Parece que todo es transable. ¿Dónde está el valor de la comunidad? ¿Prima lo individual, el interés particular? ¿O son los intereses económicos los que pasan por encima dada la conveniencia de un negocio? ¿Son los medios de comunicación y las Reds sociales espacios para informar o desinformar? ¿El poder al servicio de la humanidad o servirse del poder?
“Don't Look Up” permite conversar. Es una película que tiene la habilidad de colarse subrepticiamente e invitarnos a una reflexión más profunda. Tal vez es pesimista y también aleccionadora. Lo que sí está claro es que es un llamado de atención y conciencia, una denuncia explícita realizada en formato de desopilante comedia.
Ficha técnica
Título original: Don't Look Up
Año: 2021
Duración: 138 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Hyperobject Industries, Bluegrass Films. Distribuidora: Netflix
Género: Comedia. Drama. Ciencia ficción | Sátira. Catástrofes
Guion: Adam McKay. Historia: Adam McKay, David Sirota
Música: Nicholas Britell
Fotografía: Linus Sandgren
Reparto: Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Meryl Streep, Jonah Hill, Rob Morgan, Mark Rylance, Tyler Perry, Timothée Chalamet, Ron Perlman, Ariana Grande, Kid Cudi, Cate Blanchett, Tomer Sisley
Dirección: Adam McKay
Emily en Paris, Temporada 2 - Por Jackie O.
"Moda, amistad y amor".
Amantes de la moda, del buen gusto, de las aventuras, del amor, con todos sus clichés y más, bienvenidos a esta Segunda Temporada con la simpatiquísima Emily.
En la temporada anterior hablé de la moda y los temas principales que tocaba esta serie, y que los puedes leer acá en mi reseña.
¿Qué pasa en esta segunda temporada, donde la vida sentimental de Emily quedó pendiente, al verse envuelta en unos líos amorosos que la mantenían algo confundida?
Tenemos a los mismos personajes y otros nuevos, para hacer nuevas historias. A la jefa de Emily no solo la veremos a través de una video llamada, sino que querrá tomar las riendas de la empresa y eso genera un conflicto en "Savoir", que nos dejará a todos intrigantes al final, pues Emily debe tomar una decisión para la tercera temporada.
Ya, en realidad ni tan intrigantes, porque esa decisión es demasiado obvia, no es ni siquiera spoiler, pues lo dice todo el título de esta serie.
El amor siempre presente en esta comedia livianita y simpática, con las carismáticas Camille, Emily y Mindy. Vemos amor entre diferentes y mismo sexo, de diferentes culturas y edades, pues el amor está en todos lados, porque esta ciudad llama a enamorarse.
Y la parte principal, la moda, así es, pues Emily en París quiere imponerse como "la" serie de moda de este tiempo, así como lo fue "Sex and the City" en su momento (obvio dirán, con Patricia Field a la cabeza del vestuario como lo hizo en esa serie y en "El diablo viste a la Moda"), por lo que no escatiman en gastos y gustos caros, donde la pobreza no está permitida, y las tallas XS están presente con Emily luciendo sus diminutos trajecitos.
Vestuario excéntrico, muy a la moda y versátil, pues combina lo actual con accesorios y cortes antiguos, presentándonos a cada personaje con un estilo diferente y marcado. Muy bellos.
La amistad, otro tema interesante, se ve combinado con varios personajes. Emily ya está más afiatada en su trabajo. Aún vemos a Mindy, con quien es muy cercana, como hermanas, pero con Camille cambia, más que mal, ambas tienen un roce que las ha distanciado.
Entretenida, dinámica, con un diseño estético muy hermoso, música agradable, personajes divertidos, pero con un fondo dramático nulo, y poco nivel narrativo interesante.
¿Vale verla? Por supuesto. En especial por quienes disfrutamos la moda, las cosas bellas y el romance con sus clichés. Una serie que no te hará pensar mucho, y eso es bueno también, pues divierte, y sus capítulos, de menos de media hora, se pasan volando.
Disponible en Netflix.
Ficha técnica
Año 2021
10 capítulos
Protagonistas: Lily Collins; Ashley Park; Philippine Leroy-Beaulieu; Lucas Bravo; Samuel Arnold; Camille Razat; Bruno Gouery.
Comedia, romance.
Amantes de la moda, del buen gusto, de las aventuras, del amor, con todos sus clichés y más, bienvenidos a esta Segunda Temporada con la simpatiquísima Emily.
En la temporada anterior hablé de la moda y los temas principales que tocaba esta serie, y que los puedes leer acá en mi reseña.
¿Qué pasa en esta segunda temporada, donde la vida sentimental de Emily quedó pendiente, al verse envuelta en unos líos amorosos que la mantenían algo confundida?
Pues tuvo que tomar una decisión; bueno, algo así, ya que esto del amor estaba envuelto también con la amistad, y nuestra chica es muy tierna y como heroína de cuentos, busca que otros estén bien.
La historia es simple, pero esta temporada sin "contundencia", es decir, tiene muchos vacíos argumentales. Sí, es entretenida, pues sus personajes son muy amenos, y te encariñas con más de uno.
La historia es simple, pero esta temporada sin "contundencia", es decir, tiene muchos vacíos argumentales. Sí, es entretenida, pues sus personajes son muy amenos, y te encariñas con más de uno.
Tenemos a los mismos personajes y otros nuevos, para hacer nuevas historias. A la jefa de Emily no solo la veremos a través de una video llamada, sino que querrá tomar las riendas de la empresa y eso genera un conflicto en "Savoir", que nos dejará a todos intrigantes al final, pues Emily debe tomar una decisión para la tercera temporada.
Ya, en realidad ni tan intrigantes, porque esa decisión es demasiado obvia, no es ni siquiera spoiler, pues lo dice todo el título de esta serie.
El amor siempre presente en esta comedia livianita y simpática, con las carismáticas Camille, Emily y Mindy. Vemos amor entre diferentes y mismo sexo, de diferentes culturas y edades, pues el amor está en todos lados, porque esta ciudad llama a enamorarse.
Y la parte principal, la moda, así es, pues Emily en París quiere imponerse como "la" serie de moda de este tiempo, así como lo fue "Sex and the City" en su momento (obvio dirán, con Patricia Field a la cabeza del vestuario como lo hizo en esa serie y en "El diablo viste a la Moda"), por lo que no escatiman en gastos y gustos caros, donde la pobreza no está permitida, y las tallas XS están presente con Emily luciendo sus diminutos trajecitos.
Vestuario excéntrico, muy a la moda y versátil, pues combina lo actual con accesorios y cortes antiguos, presentándonos a cada personaje con un estilo diferente y marcado. Muy bellos.
La amistad, otro tema interesante, se ve combinado con varios personajes. Emily ya está más afiatada en su trabajo. Aún vemos a Mindy, con quien es muy cercana, como hermanas, pero con Camille cambia, más que mal, ambas tienen un roce que las ha distanciado.
Entretenida, dinámica, con un diseño estético muy hermoso, música agradable, personajes divertidos, pero con un fondo dramático nulo, y poco nivel narrativo interesante.
¿Vale verla? Por supuesto. En especial por quienes disfrutamos la moda, las cosas bellas y el romance con sus clichés. Una serie que no te hará pensar mucho, y eso es bueno también, pues divierte, y sus capítulos, de menos de media hora, se pasan volando.
Disponible en Netflix.
Ficha técnica
Año 2021
10 capítulos
Protagonistas: Lily Collins; Ashley Park; Philippine Leroy-Beaulieu; Lucas Bravo; Samuel Arnold; Camille Razat; Bruno Gouery.
Comedia, romance.
jueves, 30 de diciembre de 2021
Fue la Mano de Dios - Por Carlos Correa
Disponible en Neflix.
Década de 1980, Nápoles, Italia. La cinta presenta a Fabietto Schisa -Filippo Scotti-, un adolescente que vive con sus padres, con sus dos hermanos, llevando una vida bastante normal. Su familia es extendida, por lo que el joven conoce de cerca la fraternidad, la alegría de celebrar en grupos numerosos y también aquellas cosas negativas que se dan, como las desconfianzas, las descalificaciones, y también la inaceptable violencia intrafamiliar.
Cada personaje tiene su propia historia. Sus padres, Saverio -Toni Servillo-, y Maria -Teresa Saponangelo-, llevan años casados, discuten, pero parecen felices. Patrizia -Luisa Ranieri-, hermana de María, es golpeada por su marido; Marchino -Marlon Joubert-, quiere ser actor pero es rechazado en una audición con el director Federico Fellini; y así, cada quien viene a ser un libro abierto. Mientras Fabietto intenta encajar todas las piezas de este puzzle familiar y social, el Napoli compra al futbolista Diego Armando Maradona quien se transforma en un icono que revoluciona totalmente la ciudad y sus habitantes. Pero no todo es algarabía; sobreviene una tragedia que modifica el rumbo de las cosas y deja al joven protagonista enfrentado a las decisiones más complejas e importantes de su vida.
Paolo Sorrentino, como guionista y director, nos ofrece un trabajo íntimo, incluso tal vez con referencias autobiográficas. Describe el tránsito adolescente, ese descubrimiento permanente, esa experiencia que entregan las vivencias, con carencias y fortalezas, con ausencias y presencias significativas.
El núcleo principal es la familia. La realidad de los padres, por un lado, y por otro, la diversidad familiar de un entorno donde vemos extremos que pueden llegar hasta la locura. También está la ciudad, protagonista excelsa, con su vida social y el impacto del fenómeno Maradona reflejado en los sueños e ilusiones de sus habitantes.
Esta particular visión del director también tiene múltiples referencias al mundo cinematográfico, principalmente por el deseo de Fabietto de ser director de cine, de contar historias, de tener algo que decir. Si bien es algo que va decantando hacia el tercio final, es el hecho claramente inspirador, pues justamente en lo más íntimo del protagonista se encuentra esa pasión indescriptible, una ilusión que nace justamente por todo aquello que le toca vivir.
Estamos ante un recorrido personal, íntimo, casi en retrospectiva; un relato en forma de retrato que se mira a sí mismo en busca de explicaciones. El tono es especial, va de la comedia a la tragedia y viceversa, de tumbo en tumbo, pasando vertiginosamente de uno a otro extremo, con escenas que descolocan, componiendo una ensalada rusa de temáticas disímiles y, por qué no decirlo, también algo antojadizas. El director abre y cierra ventanas que en ocasiones aparentemente no tienen ton ni son, pero están allí, para que las observemos y las descifremos, o tal vez para que las interpretemos de la forma que mejor nos parezca.
Considero que es una película difícil de ver y de seguir. Puede incomodar de entrada. A mí, en lo personal, me costó enganchar por lo disgregada y dispersa que resulta su construcción y elaboración. Aún así, el enfoque del final resulta necesario, aunque para hacerlo, la película se ralentiza demasiado, dejando de fluir, dando paso a una contemplación que parece aspirar a ser tan espiritual como contradictoria.
“Fue la mano de Dios” es muy interesante como propuesta pero menos arrebatadora en su realización. Hay que observarla, sí, porque es un trabajo de Sorrentino -que además ya ha ganado premios-, y también porque este tipo de cine de autor no es abundante y requiere análisis y opinión. Arte puro, tan debatible como cada apreciación que nos surge de aquello que vemos en pantalla.
Ficha técnica
Título original: È stata la mano di Dio
Año: 2021
Duración: 130 minutos
País: Italia
Productora: Coproducción Italia-Estados Unidos; The Apartment, Netflix. Distribuidora: Netflix
Género: Drama. Comedia | Años 80. Biográfico
Guion: Paolo Sorrentino
Música: Lele Marchitelli
Fotografía: Daria D'Antonio
Reparto: Filippo Scotti, Toni Servillo, Luisa Ranieri, Teresa Saponangelo, Marlon Joubert, Lino Musella, Renato Carpentieri, Sofya Gershevich, Enzo Decaro, Massimiliano Gallo, Elisabetta Pedrazzi, Ciro Capano, Biagio Manna
Dirección: Paolo Sorrentino
Década de 1980, Nápoles, Italia. La cinta presenta a Fabietto Schisa -Filippo Scotti-, un adolescente que vive con sus padres, con sus dos hermanos, llevando una vida bastante normal. Su familia es extendida, por lo que el joven conoce de cerca la fraternidad, la alegría de celebrar en grupos numerosos y también aquellas cosas negativas que se dan, como las desconfianzas, las descalificaciones, y también la inaceptable violencia intrafamiliar.
Cada personaje tiene su propia historia. Sus padres, Saverio -Toni Servillo-, y Maria -Teresa Saponangelo-, llevan años casados, discuten, pero parecen felices. Patrizia -Luisa Ranieri-, hermana de María, es golpeada por su marido; Marchino -Marlon Joubert-, quiere ser actor pero es rechazado en una audición con el director Federico Fellini; y así, cada quien viene a ser un libro abierto. Mientras Fabietto intenta encajar todas las piezas de este puzzle familiar y social, el Napoli compra al futbolista Diego Armando Maradona quien se transforma en un icono que revoluciona totalmente la ciudad y sus habitantes. Pero no todo es algarabía; sobreviene una tragedia que modifica el rumbo de las cosas y deja al joven protagonista enfrentado a las decisiones más complejas e importantes de su vida.
Paolo Sorrentino, como guionista y director, nos ofrece un trabajo íntimo, incluso tal vez con referencias autobiográficas. Describe el tránsito adolescente, ese descubrimiento permanente, esa experiencia que entregan las vivencias, con carencias y fortalezas, con ausencias y presencias significativas.
El núcleo principal es la familia. La realidad de los padres, por un lado, y por otro, la diversidad familiar de un entorno donde vemos extremos que pueden llegar hasta la locura. También está la ciudad, protagonista excelsa, con su vida social y el impacto del fenómeno Maradona reflejado en los sueños e ilusiones de sus habitantes.
Esta particular visión del director también tiene múltiples referencias al mundo cinematográfico, principalmente por el deseo de Fabietto de ser director de cine, de contar historias, de tener algo que decir. Si bien es algo que va decantando hacia el tercio final, es el hecho claramente inspirador, pues justamente en lo más íntimo del protagonista se encuentra esa pasión indescriptible, una ilusión que nace justamente por todo aquello que le toca vivir.
Estamos ante un recorrido personal, íntimo, casi en retrospectiva; un relato en forma de retrato que se mira a sí mismo en busca de explicaciones. El tono es especial, va de la comedia a la tragedia y viceversa, de tumbo en tumbo, pasando vertiginosamente de uno a otro extremo, con escenas que descolocan, componiendo una ensalada rusa de temáticas disímiles y, por qué no decirlo, también algo antojadizas. El director abre y cierra ventanas que en ocasiones aparentemente no tienen ton ni son, pero están allí, para que las observemos y las descifremos, o tal vez para que las interpretemos de la forma que mejor nos parezca.
Considero que es una película difícil de ver y de seguir. Puede incomodar de entrada. A mí, en lo personal, me costó enganchar por lo disgregada y dispersa que resulta su construcción y elaboración. Aún así, el enfoque del final resulta necesario, aunque para hacerlo, la película se ralentiza demasiado, dejando de fluir, dando paso a una contemplación que parece aspirar a ser tan espiritual como contradictoria.
“Fue la mano de Dios” es muy interesante como propuesta pero menos arrebatadora en su realización. Hay que observarla, sí, porque es un trabajo de Sorrentino -que además ya ha ganado premios-, y también porque este tipo de cine de autor no es abundante y requiere análisis y opinión. Arte puro, tan debatible como cada apreciación que nos surge de aquello que vemos en pantalla.
Ficha técnica
Título original: È stata la mano di Dio
Año: 2021
Duración: 130 minutos
País: Italia
Productora: Coproducción Italia-Estados Unidos; The Apartment, Netflix. Distribuidora: Netflix
Género: Drama. Comedia | Años 80. Biográfico
Guion: Paolo Sorrentino
Música: Lele Marchitelli
Fotografía: Daria D'Antonio
Reparto: Filippo Scotti, Toni Servillo, Luisa Ranieri, Teresa Saponangelo, Marlon Joubert, Lino Musella, Renato Carpentieri, Sofya Gershevich, Enzo Decaro, Massimiliano Gallo, Elisabetta Pedrazzi, Ciro Capano, Biagio Manna
Dirección: Paolo Sorrentino
miércoles, 29 de diciembre de 2021
El canto del cisne - Por Carlos Correa
Disponible en Apple TV+.
Esta nueva propuesta del servicio de streaming de Apple ofrece una interesante premisa. Plantea un problema ético, moral, y también un problema práctico. Estamos ante el dilema de la vida y la muerte, una enfermedad terminal que afecta tanto al paciente como a su familia.
Este relato futurista nos muestra a Cameron -Mahershala Ali-, un esposo y padre al que le queda poco tiempo de vida. Una solución alterna planteada por su médico -Glenn Close-, podría evitar el dolor de su partida como también el duelo a su familia. Cameron debe discernir. ¿Jugar sus cartas individualmente o discutirlo con su esposa? ¿El aliviar a su familia sería un acto de compasión o bien una actitud egoísta? ¿Debe hacerles parte o decidirlo solo? En otras palabras, ¿enfrenta la verdad, por dolorosa que esta sea, o construye una mentira en aras de un supuesto bien mayor?
La actuación de Mahershala Ali es soberbia. Denota solidez en pequeños detalles que marcan diferencias y permiten apreciar variadas características. Alí vibra en pantalla, profundiza su personaje y transmite emoción. Además logra una excelente química con Naomie Harris, actriz que interpreta a su esposa Poppy. Glenn Close se ve un poco apagada en esta película, en un plano más bajo, sin embargo su rol soporta perfectamente las bases necesarias para el desarrollo de todo lo que tiene que ver con los aspectos médicos y técnicos involucrados.
Benjamin Cleary, guionista y director, filma ambientes donde la ciencia ficción se ve como algo normal. Con pulso firme, usa efectos especiales que si bien no deslumbran, funcionan perfectamente para dotar a la cinta de una natural credibilidad. La música Jay Wadley es inquieta, y aporta gotas de suspenso y emoción en aquellos momentos referenciales del metraje.
“Swan Song” debiera abrir un debate sobre las motivaciones de tomar una decisión como la que plantea en su argumento medular. ¿Qué hacer en caso de vernos enfrentados a una enfermedad terminal, con la posibilidad de elegir una opción ofrecida por la ciencia? ¿En relación a qué valores debemos escoger el camino? ¿Es clara la línea que separa la conducta ética y moral, del pragmatismo que se ofrece como opción? Surgen más preguntas que respuestas en una cinta que aborda, desde otra perspectiva, una temática que siempre resulta compleja y difícil de desarrollar.
Ficha técnica
Título original: Swan Song
Año: 2021
Duración: 112 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Anonymous Content, Apple, Concordia Studio, Know Wonder. Distribuidora: Apple TV+
Género: Ciencia ficción. Drama
Guion: Benjamin Cleary
Música: Jay Wadley
Fotografía: Masanobu Takayanagi
Reparto: Mahershala Ali, Naomie Harris, Glenn Close, Awkwafina, Adam Beach, Jayr Tinaco, Lee Shorten, Nyasha Hatendi, Dax Rey
Dirección: Benjamin Cleary
Esta nueva propuesta del servicio de streaming de Apple ofrece una interesante premisa. Plantea un problema ético, moral, y también un problema práctico. Estamos ante el dilema de la vida y la muerte, una enfermedad terminal que afecta tanto al paciente como a su familia.
Este relato futurista nos muestra a Cameron -Mahershala Ali-, un esposo y padre al que le queda poco tiempo de vida. Una solución alterna planteada por su médico -Glenn Close-, podría evitar el dolor de su partida como también el duelo a su familia. Cameron debe discernir. ¿Jugar sus cartas individualmente o discutirlo con su esposa? ¿El aliviar a su familia sería un acto de compasión o bien una actitud egoísta? ¿Debe hacerles parte o decidirlo solo? En otras palabras, ¿enfrenta la verdad, por dolorosa que esta sea, o construye una mentira en aras de un supuesto bien mayor?
La actuación de Mahershala Ali es soberbia. Denota solidez en pequeños detalles que marcan diferencias y permiten apreciar variadas características. Alí vibra en pantalla, profundiza su personaje y transmite emoción. Además logra una excelente química con Naomie Harris, actriz que interpreta a su esposa Poppy. Glenn Close se ve un poco apagada en esta película, en un plano más bajo, sin embargo su rol soporta perfectamente las bases necesarias para el desarrollo de todo lo que tiene que ver con los aspectos médicos y técnicos involucrados.
Benjamin Cleary, guionista y director, filma ambientes donde la ciencia ficción se ve como algo normal. Con pulso firme, usa efectos especiales que si bien no deslumbran, funcionan perfectamente para dotar a la cinta de una natural credibilidad. La música Jay Wadley es inquieta, y aporta gotas de suspenso y emoción en aquellos momentos referenciales del metraje.
“Swan Song” debiera abrir un debate sobre las motivaciones de tomar una decisión como la que plantea en su argumento medular. ¿Qué hacer en caso de vernos enfrentados a una enfermedad terminal, con la posibilidad de elegir una opción ofrecida por la ciencia? ¿En relación a qué valores debemos escoger el camino? ¿Es clara la línea que separa la conducta ética y moral, del pragmatismo que se ofrece como opción? Surgen más preguntas que respuestas en una cinta que aborda, desde otra perspectiva, una temática que siempre resulta compleja y difícil de desarrollar.
Ficha técnica
Título original: Swan Song
Año: 2021
Duración: 112 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Anonymous Content, Apple, Concordia Studio, Know Wonder. Distribuidora: Apple TV+
Género: Ciencia ficción. Drama
Guion: Benjamin Cleary
Música: Jay Wadley
Fotografía: Masanobu Takayanagi
Reparto: Mahershala Ali, Naomie Harris, Glenn Close, Awkwafina, Adam Beach, Jayr Tinaco, Lee Shorten, Nyasha Hatendi, Dax Rey
Dirección: Benjamin Cleary
martes, 28 de diciembre de 2021
Misterio - Por Juan Pablo Donoso
Una sencilla historia de la vida real. Para recibirla con el corazón, gozar con la belleza de sus imágenes, y admirar el loable trabajo fílmico con animales salvajes.
Ocurre en los Alpes de Francia, en la aldea Col de Neronne. Ahí llega el Dr. Stephane Dutel, recién viudo, junto a su pequeña hijita Vicky. En señal de duelo ha tomado un año sabático. Habitarán una cabaña de veraneo que tenían desde tiempo abandonada.
La pena de ese padre se aumenta con el mutismo traumático, y las pesadillas nocturnas de Vicky. Esperan consolarse con la magnificencia de aquellas montañas y bosques nevados.
Durante un paseo por el campo conocen a un anciano campesino solitario. En un canasto duerme un cachorrito tal vez olvidado por su madre. Como desconocen su origen, lo llaman Misterio.
Se lo regalan a la niña quien, al llevarlo a su casa, entabla con el perrito tal cariño y alegría que vuelve a hablar y recuperar la sonrisa. Todo resplandece para ella incluso en la escuelita rural. Misterio ha sido una terapia milagrosa.
El drama sobreviene cuando, con el paso del tiempo, Misterio va creciendo y se nos revela como un cachorro de lobo, por lo tanto, muy peligroso. Peor aún, los campesinos de la región estaban en campaña de exterminar a las jaurías de lobos salvajes que diezmaban sus rebaños.
Imposible convencer a la niña de la fatal separación. Había entre ambos un lazo de amor irrompible. Ante tan doloroso dilema, los hechos siguientes irán tejiendo un equilibrio entre la fuerza de los sentimientos y la realidad de la naturaleza.
El guionista y director Denis Imbert prescinde de todo rebuscamiento psicológico. Mantiene el relato con pulso directo y cercano. Se apoya visualmente en la grandiosidad de los paisajes y en la música clásica familiar a nuestro oído.
Los personajes adultos juegan sin dobleces ni estridencias. Muy acertada fue la elección de Shanna Keil como la pequeña Victoria, y la titánica hazaña de captar a los lobos en su hábitat natural, logrando que Misterio se nos haga tan entrañable a nosotros como a su vulnerable amiguita y compañera.
El hecho fue real y la verdadera Vicky aparece junto a Misterio al terminar la película.
HERMOSA Y SENCILLA INVITACIÓN A RECONCILIAR LA NATURALEZA CON LOS NIÑOS, LOS ANIMALES, Y LA COMPRENSIÓN DE LOS ADULTOS. EMOTIVA.
Ficha técnica
Título Original: Mystere
Ocurre en los Alpes de Francia, en la aldea Col de Neronne. Ahí llega el Dr. Stephane Dutel, recién viudo, junto a su pequeña hijita Vicky. En señal de duelo ha tomado un año sabático. Habitarán una cabaña de veraneo que tenían desde tiempo abandonada.
La pena de ese padre se aumenta con el mutismo traumático, y las pesadillas nocturnas de Vicky. Esperan consolarse con la magnificencia de aquellas montañas y bosques nevados.
Durante un paseo por el campo conocen a un anciano campesino solitario. En un canasto duerme un cachorrito tal vez olvidado por su madre. Como desconocen su origen, lo llaman Misterio.
Se lo regalan a la niña quien, al llevarlo a su casa, entabla con el perrito tal cariño y alegría que vuelve a hablar y recuperar la sonrisa. Todo resplandece para ella incluso en la escuelita rural. Misterio ha sido una terapia milagrosa.
El drama sobreviene cuando, con el paso del tiempo, Misterio va creciendo y se nos revela como un cachorro de lobo, por lo tanto, muy peligroso. Peor aún, los campesinos de la región estaban en campaña de exterminar a las jaurías de lobos salvajes que diezmaban sus rebaños.
Imposible convencer a la niña de la fatal separación. Había entre ambos un lazo de amor irrompible. Ante tan doloroso dilema, los hechos siguientes irán tejiendo un equilibrio entre la fuerza de los sentimientos y la realidad de la naturaleza.
El guionista y director Denis Imbert prescinde de todo rebuscamiento psicológico. Mantiene el relato con pulso directo y cercano. Se apoya visualmente en la grandiosidad de los paisajes y en la música clásica familiar a nuestro oído.
Los personajes adultos juegan sin dobleces ni estridencias. Muy acertada fue la elección de Shanna Keil como la pequeña Victoria, y la titánica hazaña de captar a los lobos en su hábitat natural, logrando que Misterio se nos haga tan entrañable a nosotros como a su vulnerable amiguita y compañera.
El hecho fue real y la verdadera Vicky aparece junto a Misterio al terminar la película.
HERMOSA Y SENCILLA INVITACIÓN A RECONCILIAR LA NATURALEZA CON LOS NIÑOS, LOS ANIMALES, Y LA COMPRENSIÓN DE LOS ADULTOS. EMOTIVA.
Ficha técnica
Título Original: Mystere
2021 Drama, ecología Francia - 1,24 hrs.
Fotografía: Fabrizio Fontemaggi
Edición: Valerie Desdeine,Vincent Zuffranieri
Música: Armand Amar
Diseño Prod: Herald Najar
Guion: Remi Sappe, Denis Imbert
Actores: Vincent Elbaz, Shanna Keil, Marie Gillain
Dirección: Denis Imbert
Nadie - Por Alejandro Caro
Sinopsis: Hutch Mansell (Bob Odenkirk) es un hombre de familia aparentemente común y corriente. Una noche unos ladrones entran a su casa y él renuncia a defenderse y defender a su familia con el fin de evitar complicaciones. Esto decepciona a su hijo Blake (Gage Munroe) y a su mujer Becca (Connie Nielsen) que empiezan a distanciarse de él. El incidente le corroe por dentro y hace que salga a la luz su lado más oscuro.
Con aires más de comedia que de thriller, “Nadie” logra su cometido. Odenkirk sostiene con creces el filme con una muy buena actuación de alguien que no es nadie y todos lo ven así, un enclenque individuo que trabaja en la empresa de su suegro, donde tampoco hay mucho respeto por él. Pronto, todos descubrirán quién es realmente.
Disponible en HBO Max.
Ficha técnica
Con aires más de comedia que de thriller, “Nadie” logra su cometido. Odenkirk sostiene con creces el filme con una muy buena actuación de alguien que no es nadie y todos lo ven así, un enclenque individuo que trabaja en la empresa de su suegro, donde tampoco hay mucho respeto por él. Pronto, todos descubrirán quién es realmente.
Hay un pasado que al parecer lo persigue y los demás no conocen, pero oír su nombre aterroriza a muchos y es mejor marcharse antes que sufrir un encuentro con Hutch Mansell, encargado de la “limpieza” en épocas pasadas, denominado el "auditor", un asesino empleado por agencias de inteligencia para matar a personas que eran consideradas peligrosas, demasiado difíciles de juzgar o simplemente que ya no servían a los propósitos del sistema.
Tiene toda la acción que se espera así como un exagerado reparto de balas, sangre y cadáveres. Un guion liviano sin pretensiones, bien llevado, con creatividad escenográfica y fotográfica. Filme para un buen momento de pasatiempo, pero nada más.
Al parecer en Odenkirk ha surgido un nuevo exterminador…
Tiene toda la acción que se espera así como un exagerado reparto de balas, sangre y cadáveres. Un guion liviano sin pretensiones, bien llevado, con creatividad escenográfica y fotográfica. Filme para un buen momento de pasatiempo, pero nada más.
Al parecer en Odenkirk ha surgido un nuevo exterminador…
Disponible en HBO Max.
Ficha técnica
Título original: Nobody
Año: 2021
Duración: 92 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Ilya Naishuller
Guion: Derek Kolstad
Música: David Buckley
Fotografía: Pawel Pogorzelski
Reparto: Bob Odenkirk, Aleksey Serebryakov, Connie Nielsen, Christopher Lloyd, Michael Ironside, Colin Salmon, RZA, Billy MacLellan, Araya Mengesha.
Productora: Perfect World Pictures, Odenkirk Provissiero Entertainment, 87North, Eighty Two Films. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Comedia negra, acción, thriller, crimen, mafia.
Spider-Man: sin camino a casa - Por Carlos Correa
¿Esta nueva entrega de Spider-Man cumple con las expectativas? Absolutamente. ¿Por qué? Es vertiginosa, amena y entretenida, presenta un desarrollo condensado y ampliado a la vez, trabaja, separa y vuelve a unir la historia; en resumen, una película estupenda.
Veamos. Comienza justo en el momento en el que queda la cinta anterior, vale decir en el preciso momento en que la identidad de Spider-Man es descubierta, ¿se acuerdan? Y claro, ahora con Spider-Man desenmascarado, Peter Parker -Tom Holland-, queda absolutamente vulnerable y pasa a ser la figura número uno del mundo, la más buscada y, tal vez, la más acosada.
El asunto es que a Parker no solo lo delatan, sino que, además, lo incriminan por las muertes ocurridas en Londres, por eso debe defenderse junto a su novia MJ -Zendaya-, su mejor amigo Ned -Jacob Batalon-, y su tía May -Marisa Tomei-. Como Peter no tolera este giro radical en su vida, recurre al Dr. Stephen Strange -Benedict Cumberbatch-, para solicitar ayuda. La idea es revertir la situación, o al menos mitigarla; le pide que ejecute un hechizo que permita que las personas se olviden que Parker es Spider-Man.
Dr. Strange lleva a cabo la acción pero Peter le pide modificar la fórmula, una y otra vez, para excluir a quienes no les debería afectar -su círculo cercano-, lo que ocasiona que el hechizo se corrompa a pesar de los esfuerzos de Strange por contener la situación. El resultado, con tantas modificaciones y ya fuera de todo control, es un efecto dominó en el Multiverso, una situación que hace que varias realidades paralelas se asocien permitiendo traspasos entre ellas y facilitando el retorno de villanos ya vistos en anteriores entregas de la saga. El desafío ahora es múltiple: lidiar con estos villanos, devolverlos a sus universos de origen y recuperar la esencia de Spider-Man: su identidad secreta.
Jon Watts filma un guion de Chris McKenna y Erik Sommers que no da tregua alguna. Comprensible tanto para novatos, entendidos o fans, el hilo conductor es capaz de atar algunos cabos mientras despliega otros con mayor elaboración. La construcción es inteligente y creativa, posee un ritmo trepidante, y depara sorpresas en cada recoveco de su sinuoso camino. Por favor, sugiero encarecidamente no saber de spoilers o anticipos antes de verla, porque parte importante de esta película es dejarse, de verdad, sorprender.
Las secuencias y efectos especiales son formidables, nada que decir. Quiero destacar una secuencia que me llamó mucho la atención y que corresponde a la de los espejos, un conjunto que contiene un grado de abstracción multidimensional de proporciones, algo que si bien hemos visto en otras cintas, no ha sido parte del contexto de anteriores películas de Spider-Man. Qué decir de la edición, excelente; el montaje, preciso; los detalles, infinitos -nos hace pensar que debemos ver la película más de una vez-; en otras palabras, el Multiverso en plena evolución y desplegado ambiciosamente.
Desde el punto de vista de la historia, estamos ante algo que parecía imposible -conocer quién es este arácnido superhéroe-, y que afecta la esencia del protagonista, es decir, una situación que simplemente descoloca. Aun así, tenemos algunas certezas y conocemos a los personajes gracias a su versión anterior, por lo que no es complejo entrar rápidamente en el nuevo argumento y ser absorbidos por el relato.
Un aspecto a destacar es que esta película pone un énfasis mayor en la humanidad de Peter Parker. Es cierto que están todas sus fortalezas y despliegue escénico en las múltiples batallas y peleas, pero, en esta ocasión, nuestro héroe se ve enfrentado a un mundo que desconoce por completo y que es mucho más emocional. ¿Qué hacer? ¿Es opción pedir ayuda? ¿Cómo protege a quienes más quiere? ¿Podrá revertir la situación en la que se encuentra?
En el medio del camino -o como dice el subtítulo, en este denominado “sin camino a casa”-, con poquísimos éxitos y demasiadas amenazas, surge la sentencia que señala que ante un gran poder se tiene una gran responsabilidad. Es posible que la frase o incluso su sentido pueda ser considerada moralista, pero discurrir sobre hacer lo correcto es lo menos que se puede plantear cuando los valores y contravalores se pelean en un escenario tan incierto como líquido.
Como síntesis, ¿qué es finalmente lo importante? ¿Cuál es el foco, y en su fuero más íntimo, lo que busca en definitiva Peter Parker? Las respuestas emergen de los lazos humanos, la preocupación por los seres queridos y la transformación -positiva o negativa- de las personas. Parker no solo persigue la misión que tiene Spider-Man en la sociedad sino que principalmente intenta descubrir su propio rol en la vida, y es tal vez por eso que tendremos “hombre araña” para rato, porque justamente es en esa humanidad en la que se sustenta toda la parafernalia mágica que naturalmente viene por añadidura.
Y no se vayan al final, por favor, vienen dos escenas post créditos que son interesantes, la última especialmente, y que sirven de bisagra para lo que seguramente veremos muy pronto en nuevas entregas de Marvel. No dejen de ver esta película en el Cine, es imperdible, y justifica plenamente el éxito de taquilla que tiene sus funciones repletas con días de anticipación.
Ficha técnica
Título original: Spider-Man: No Way Home
Año: 2021
Duración: 148 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Pascal Pictures, Marvel Studios, Columbia Pictures. Distribuidora: Columbia Pictures, Sony Pictures Entertainment (SPE)
Género: Fantástico. Acción. Ciencia ficción | Superhéroes. Secuela. Cómic. Marvel Comics
Guion: Chris McKenna, Erik Sommers. Cómic: Steve Ditko, Stan Lee
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Mauro Fiore
Reparto: Tom Holland, Zendaya, Benedict Cumberbatch, Marisa Tomei, Jacob Batalon, Jon Favreau, Angourie Rice, Alfred Molina, Jamie Foxx, J.K. Simmons, Thomas Haden Church, Rhys Ifans, Harry Holland
Dirección: Jon Watts
Veamos. Comienza justo en el momento en el que queda la cinta anterior, vale decir en el preciso momento en que la identidad de Spider-Man es descubierta, ¿se acuerdan? Y claro, ahora con Spider-Man desenmascarado, Peter Parker -Tom Holland-, queda absolutamente vulnerable y pasa a ser la figura número uno del mundo, la más buscada y, tal vez, la más acosada.
El asunto es que a Parker no solo lo delatan, sino que, además, lo incriminan por las muertes ocurridas en Londres, por eso debe defenderse junto a su novia MJ -Zendaya-, su mejor amigo Ned -Jacob Batalon-, y su tía May -Marisa Tomei-. Como Peter no tolera este giro radical en su vida, recurre al Dr. Stephen Strange -Benedict Cumberbatch-, para solicitar ayuda. La idea es revertir la situación, o al menos mitigarla; le pide que ejecute un hechizo que permita que las personas se olviden que Parker es Spider-Man.
Dr. Strange lleva a cabo la acción pero Peter le pide modificar la fórmula, una y otra vez, para excluir a quienes no les debería afectar -su círculo cercano-, lo que ocasiona que el hechizo se corrompa a pesar de los esfuerzos de Strange por contener la situación. El resultado, con tantas modificaciones y ya fuera de todo control, es un efecto dominó en el Multiverso, una situación que hace que varias realidades paralelas se asocien permitiendo traspasos entre ellas y facilitando el retorno de villanos ya vistos en anteriores entregas de la saga. El desafío ahora es múltiple: lidiar con estos villanos, devolverlos a sus universos de origen y recuperar la esencia de Spider-Man: su identidad secreta.
Jon Watts filma un guion de Chris McKenna y Erik Sommers que no da tregua alguna. Comprensible tanto para novatos, entendidos o fans, el hilo conductor es capaz de atar algunos cabos mientras despliega otros con mayor elaboración. La construcción es inteligente y creativa, posee un ritmo trepidante, y depara sorpresas en cada recoveco de su sinuoso camino. Por favor, sugiero encarecidamente no saber de spoilers o anticipos antes de verla, porque parte importante de esta película es dejarse, de verdad, sorprender.
Las secuencias y efectos especiales son formidables, nada que decir. Quiero destacar una secuencia que me llamó mucho la atención y que corresponde a la de los espejos, un conjunto que contiene un grado de abstracción multidimensional de proporciones, algo que si bien hemos visto en otras cintas, no ha sido parte del contexto de anteriores películas de Spider-Man. Qué decir de la edición, excelente; el montaje, preciso; los detalles, infinitos -nos hace pensar que debemos ver la película más de una vez-; en otras palabras, el Multiverso en plena evolución y desplegado ambiciosamente.
Desde el punto de vista de la historia, estamos ante algo que parecía imposible -conocer quién es este arácnido superhéroe-, y que afecta la esencia del protagonista, es decir, una situación que simplemente descoloca. Aun así, tenemos algunas certezas y conocemos a los personajes gracias a su versión anterior, por lo que no es complejo entrar rápidamente en el nuevo argumento y ser absorbidos por el relato.
Un aspecto a destacar es que esta película pone un énfasis mayor en la humanidad de Peter Parker. Es cierto que están todas sus fortalezas y despliegue escénico en las múltiples batallas y peleas, pero, en esta ocasión, nuestro héroe se ve enfrentado a un mundo que desconoce por completo y que es mucho más emocional. ¿Qué hacer? ¿Es opción pedir ayuda? ¿Cómo protege a quienes más quiere? ¿Podrá revertir la situación en la que se encuentra?
En el medio del camino -o como dice el subtítulo, en este denominado “sin camino a casa”-, con poquísimos éxitos y demasiadas amenazas, surge la sentencia que señala que ante un gran poder se tiene una gran responsabilidad. Es posible que la frase o incluso su sentido pueda ser considerada moralista, pero discurrir sobre hacer lo correcto es lo menos que se puede plantear cuando los valores y contravalores se pelean en un escenario tan incierto como líquido.
Como síntesis, ¿qué es finalmente lo importante? ¿Cuál es el foco, y en su fuero más íntimo, lo que busca en definitiva Peter Parker? Las respuestas emergen de los lazos humanos, la preocupación por los seres queridos y la transformación -positiva o negativa- de las personas. Parker no solo persigue la misión que tiene Spider-Man en la sociedad sino que principalmente intenta descubrir su propio rol en la vida, y es tal vez por eso que tendremos “hombre araña” para rato, porque justamente es en esa humanidad en la que se sustenta toda la parafernalia mágica que naturalmente viene por añadidura.
Y no se vayan al final, por favor, vienen dos escenas post créditos que son interesantes, la última especialmente, y que sirven de bisagra para lo que seguramente veremos muy pronto en nuevas entregas de Marvel. No dejen de ver esta película en el Cine, es imperdible, y justifica plenamente el éxito de taquilla que tiene sus funciones repletas con días de anticipación.
Ficha técnica
Título original: Spider-Man: No Way Home
Año: 2021
Duración: 148 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Pascal Pictures, Marvel Studios, Columbia Pictures. Distribuidora: Columbia Pictures, Sony Pictures Entertainment (SPE)
Género: Fantástico. Acción. Ciencia ficción | Superhéroes. Secuela. Cómic. Marvel Comics
Guion: Chris McKenna, Erik Sommers. Cómic: Steve Ditko, Stan Lee
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Mauro Fiore
Reparto: Tom Holland, Zendaya, Benedict Cumberbatch, Marisa Tomei, Jacob Batalon, Jon Favreau, Angourie Rice, Alfred Molina, Jamie Foxx, J.K. Simmons, Thomas Haden Church, Rhys Ifans, Harry Holland
Dirección: Jon Watts
lunes, 27 de diciembre de 2021
No Miren Arriba - Por Jackie O.
“Qué hemos hecho de nuestra vida…y qué podemos hacer”.
¿Qué pasaría si nos quedaran aproximadamente seis meses en este planeta, porque será destruido por un meteorito?
Esa es la premisa de esta película, la cual puedes ver solo porque tiene un elenco de lujo en roles principales, secundarios y secundarísimos. O ver las denuncias sociales que nos trae esta comedia de humor negro, donde, dentro de todo su absurdo, demuestra las torpezas humanas y parece que nunca aprendemos nada.
La estudiante de Doctorado Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), descubre accidentalmente un cometa de dimensiones enormes que viene directo a la Tierra donde impactará, haciéndola desaparecer. Esto se lo da a conocer en forma inmediata al Astrónomo Randall Mindy (Leonardo Di Caprio), para lo cual buscan ayuda del Gobierno de E.E.U.U. (como siempre para salvar el mundo), entrevistándose con su Presidenta (Mery Streep). Pero era de esperarse que no fueran tomados en cuenta, ya que existen otras prioridades como, elecciones, además no es noticia relevante, mostrándonos que las celebridades, internet, los torpes #challenge, el individualismo y el dinero cobran mayor relevancia.
Toda esta historia se basa en mostrarnos que el mundo está dividido en dos: la minoría que piensa en la vida y la estabilidad comunitaria, versus quienes viven de las trivialidades y el poder. Esto último personificado por diversas celebridades, como una cantante (Ariana Grande) donde su vida es contingencia nacional, o un multimillonario tecnológico (el también oscarizado Mark Rylance), quien trata con ideas algo descabelladas, y solo para buscar el beneficio económico en pos de la vida, tratar de pulverizar el meteorito; entre otros personajes que se van mostrando en la cinta.
Todo lo vemos en hechos que podrían ser muy absurdos, pero dejándonos ese mensaje de la negación, la ambición, corrupción, manipulación mediática, incompetencia intelectual, ignorancia, cambio climático, individualismo, o la misma pandemia que vivimos.
“No miren arriba” fue la consigna del gobierno al pueblo para dejar atacar su ambición ante el bienestar; y cómo conseguían la manipulación de la muchedumbre, donde nos absorben con publicidad basura, mensajes errados por redes, donde dejamos que las falsas noticias o incompletas ganen terreno sin que nos detengamos a descubrir la verdad, aunque esta esté ante nuestros ojos, o cayendo, literalmente, sobre nuestra cabezas.
Pues hay muchas cosas inútiles que nos consumen el día a día, dejando de lado lo importante.
También nos hace pensar en quién tiene el poder de salvar el planeta, cuál es nuestro rol, qué función cumple la ciencia o la religión.
No es una película que quedará para la historia, y por muy descabellada, ridícula o torpe que la encuentres, es para verla con calma, ya que es de lectura entre líneas, pues es inevitable no pensar en sus mensajes que son muy actuales.
Y ojo, porque tiene dos escenas post créditos.
Disponible en Netflix.
¿Qué pasaría si nos quedaran aproximadamente seis meses en este planeta, porque será destruido por un meteorito?
Esa es la premisa de esta película, la cual puedes ver solo porque tiene un elenco de lujo en roles principales, secundarios y secundarísimos. O ver las denuncias sociales que nos trae esta comedia de humor negro, donde, dentro de todo su absurdo, demuestra las torpezas humanas y parece que nunca aprendemos nada.
La estudiante de Doctorado Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), descubre accidentalmente un cometa de dimensiones enormes que viene directo a la Tierra donde impactará, haciéndola desaparecer. Esto se lo da a conocer en forma inmediata al Astrónomo Randall Mindy (Leonardo Di Caprio), para lo cual buscan ayuda del Gobierno de E.E.U.U. (como siempre para salvar el mundo), entrevistándose con su Presidenta (Mery Streep). Pero era de esperarse que no fueran tomados en cuenta, ya que existen otras prioridades como, elecciones, además no es noticia relevante, mostrándonos que las celebridades, internet, los torpes #challenge, el individualismo y el dinero cobran mayor relevancia.
Toda esta historia se basa en mostrarnos que el mundo está dividido en dos: la minoría que piensa en la vida y la estabilidad comunitaria, versus quienes viven de las trivialidades y el poder. Esto último personificado por diversas celebridades, como una cantante (Ariana Grande) donde su vida es contingencia nacional, o un multimillonario tecnológico (el también oscarizado Mark Rylance), quien trata con ideas algo descabelladas, y solo para buscar el beneficio económico en pos de la vida, tratar de pulverizar el meteorito; entre otros personajes que se van mostrando en la cinta.
Todo lo vemos en hechos que podrían ser muy absurdos, pero dejándonos ese mensaje de la negación, la ambición, corrupción, manipulación mediática, incompetencia intelectual, ignorancia, cambio climático, individualismo, o la misma pandemia que vivimos.
“No miren arriba” fue la consigna del gobierno al pueblo para dejar atacar su ambición ante el bienestar; y cómo conseguían la manipulación de la muchedumbre, donde nos absorben con publicidad basura, mensajes errados por redes, donde dejamos que las falsas noticias o incompletas ganen terreno sin que nos detengamos a descubrir la verdad, aunque esta esté ante nuestros ojos, o cayendo, literalmente, sobre nuestra cabezas.
Pues hay muchas cosas inútiles que nos consumen el día a día, dejando de lado lo importante.
También nos hace pensar en quién tiene el poder de salvar el planeta, cuál es nuestro rol, qué función cumple la ciencia o la religión.
No es una película que quedará para la historia, y por muy descabellada, ridícula o torpe que la encuentres, es para verla con calma, ya que es de lectura entre líneas, pues es inevitable no pensar en sus mensajes que son muy actuales.
Y ojo, porque tiene dos escenas post créditos.
Disponible en Netflix.
Ficha técnica
Don't Look Up
Dirección: Adam McKay
Música: Nicholas Britell
Fotografía: Linus Sandgren
Montaje: Hank Corwin
País: EEUU
Don't Look Up
Dirección: Adam McKay
Música: Nicholas Britell
Fotografía: Linus Sandgren
Montaje: Hank Corwin
País: EEUU
Año: 2021
Género: Comedia, Ciencia ficción
Duración: 145 minutos
Protagonistas: Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Rob Morgan, Jonah Hill, Mark Rylance, Tyler Perry, Ron Perlman, Timothée Chalamet, Ariana Grande, Scott Mescudi, Cate Blanchett, Meryl Streep.
Género: Comedia, Ciencia ficción
Duración: 145 minutos
Protagonistas: Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Rob Morgan, Jonah Hill, Mark Rylance, Tyler Perry, Ron Perlman, Timothée Chalamet, Ariana Grande, Scott Mescudi, Cate Blanchett, Meryl Streep.
No Miren Arriba - Por Juan Pablo Donoso
Disponible en Netflix.
Sátira aguda que denuncia la estupidez y fatuidad de figuras prominentes de la política, los medios de comunicación y las empresas millonarias.
Su guionista y director, Adam McKay, es también un prestigioso humorista creador, junto a Will Ferrell, de series sarcásticas televisivas.
Para esta película contó con la participación de connotadas estrellas de cine quienes, al conocer la inteligencia del guion, pusieron su talento al servicio de la idea.
Como denuncia catastrófica está en la huella del clásico Dr. Insólito, de Stanley Kubrick de 1964.
Un astrónomo (Leonardo DiCaprio) y su alumna de doctorado (Jennifer Lawrence) descubren que un gigantesco cometa viene directo a estrellarse contra la Tierra. Quedan pocos días para el impacto fatal.
Recurren a un sabio de la NASA quien los urge a comunicar la alarma a la Presidenta de EE.UU. (Meryl Streep). Es imperioso lanzar cohetes explosivos contra la roca para pulverizarla antes que acabe con toda la vida de nuestro planeta.
Ante un peligro tan apremiante los científicos se enfrentan a un muro de políticos egocéntricos, a cadenas faranduleras de TV cuyos animadores - con tal de lucirse - trivializan las noticias, y empresarios aeronáuticos multimillonarios que sólo ambicionan lucrar con los posibles minerales valiosos que trae el cometa.
El tiempo avanza y por más que los astrónomos soliciten medidas de emergencia nacionales, e internacionales, las autoridades aprovechan la circunstancia para obtener provecho de poderío personal.
El suspenso y la ciencia ficción, vienen salpicados con efectivos toques de humor absurdo. El dilema de esta tragicomedia contrasta la hecatombe mundial con las más estúpidas -¡y posibles! - trivialidades de los poderosos.
Ante la inminencia del caos, y el fracaso de todo intento de cordura, sólo queda acatar la fatalidad refugiándose en los valores esenciales del amor de pareja y de los vínculos familiares.
Recomendamos ver completos los créditos finales. En medio de su diseño caricaturesco y de su música burlona, agregan dos escenas futuristas - 22,000 años después - donde los pocos sobrevivientes espaciales, a pesar de su larga hibernación tecnológica, seguirán siendo los mismos mentecatos que conocimos. ¡Nunca miraron hacia arriba!...
SÁTIRA INTELIGENTE, GRACIOSA, AMENA - CON FAMOSOS ACTORES - QUE LOGRA ESTAMPAR SU DENUNCIA CON CLARIDAD. BUENA.
Su guionista y director, Adam McKay, es también un prestigioso humorista creador, junto a Will Ferrell, de series sarcásticas televisivas.
Para esta película contó con la participación de connotadas estrellas de cine quienes, al conocer la inteligencia del guion, pusieron su talento al servicio de la idea.
Como denuncia catastrófica está en la huella del clásico Dr. Insólito, de Stanley Kubrick de 1964.
Un astrónomo (Leonardo DiCaprio) y su alumna de doctorado (Jennifer Lawrence) descubren que un gigantesco cometa viene directo a estrellarse contra la Tierra. Quedan pocos días para el impacto fatal.
Recurren a un sabio de la NASA quien los urge a comunicar la alarma a la Presidenta de EE.UU. (Meryl Streep). Es imperioso lanzar cohetes explosivos contra la roca para pulverizarla antes que acabe con toda la vida de nuestro planeta.
Ante un peligro tan apremiante los científicos se enfrentan a un muro de políticos egocéntricos, a cadenas faranduleras de TV cuyos animadores - con tal de lucirse - trivializan las noticias, y empresarios aeronáuticos multimillonarios que sólo ambicionan lucrar con los posibles minerales valiosos que trae el cometa.
El tiempo avanza y por más que los astrónomos soliciten medidas de emergencia nacionales, e internacionales, las autoridades aprovechan la circunstancia para obtener provecho de poderío personal.
El suspenso y la ciencia ficción, vienen salpicados con efectivos toques de humor absurdo. El dilema de esta tragicomedia contrasta la hecatombe mundial con las más estúpidas -¡y posibles! - trivialidades de los poderosos.
Ante la inminencia del caos, y el fracaso de todo intento de cordura, sólo queda acatar la fatalidad refugiándose en los valores esenciales del amor de pareja y de los vínculos familiares.
Recomendamos ver completos los créditos finales. En medio de su diseño caricaturesco y de su música burlona, agregan dos escenas futuristas - 22,000 años después - donde los pocos sobrevivientes espaciales, a pesar de su larga hibernación tecnológica, seguirán siendo los mismos mentecatos que conocimos. ¡Nunca miraron hacia arriba!...
SÁTIRA INTELIGENTE, GRACIOSA, AMENA - CON FAMOSOS ACTORES - QUE LOGRA ESTAMPAR SU DENUNCIA CON CLARIDAD. BUENA.
Ficha técnica
Título Original: Don´t Look Up
Título Original: Don´t Look Up
2021 Tragicomedia, ciencia ficción EE.UU. - 2,18 hrs.
Fotografía: Linus Sandgren
Edición: Hank Crowin
Música: Nicholas Britell
Diseño Prod.:Clayton Hardley
Actores: Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence,Cate Blanchett, Meryl Streep
Guionista y Director: Adam McKay
Una chica en el río: el precio del perdón - Por Jackie O.
"Matar por honor".
SABA, una joven de familia modesta pero estable económicamente, y que quiere al joven Qaiser. Sus padres saben de ese cariño pero el tío de Saba se opone a ese romance, porque este joven es de una familia pobre, así es que debe casarse con otro; ese otro lo escoge ese tío. Pero Saba le cuenta a Qaiser y huyen sin que los padres de la chica sepan, y se casan.
Todo parece una historia de amor imposible que vemos en las grandes pantallas con un final feliz, o una trama emocionante llena de fuegos artificiales. Un guión perfecto para una película.
Pero no, estamos ante una familia en Pakistán que, en pleno siglo XXI, vive como si fuera el siglo I. Con sus costumbres y creencias, donde ponen a Dios ante todo, se escudan en su nombre para todo lo bueno o lo malo, son sus tradiciones.
¿Los que son más religiosos, son los que más blasfeman?
Hago esto y aquello porque Dios así lo dice... Dios así lo predijo... Lo dice la Biblia ( o cualquier libro religioso)... Lo juro ante Dios...
El Corán señala que las mujeres deben respetar a su familia, principalmente a su padre. El Islám no permite que la mujer se vaya de la casa. Y esa es la excusa para que el padre y tío de Saba quieran matarla. Un plan que no esconden, un plan que ponen en marcha y lo ejecutan. Pero con un desenlace diferente: Saba queda viva.
¿Crees que aún estamos ante una película?
Este documental nos cuenta la historia de primera fuente, de una joven paquistaní que su padre y tío la golpearon, le dispararon y lanzaron al río dentro de un saco con claras intenciones de que no sobreviviera. Pero sobrevivió, denunció el hecho y ambos sujetos luego de un corto tiempo fueron encontrados y apresados.
Pero hay que juzgarlos.
Crímenes de honor es su defensa. Algo que es aceptado en esas latitudes. La ley pareciera que es esa.
Saba dice que no los perdonará nunca. Vive con su marido y la familia de él. La comunidad se entromete en los hechos, todos deciden sobre ella. Se escucha hablar a todos, cada uno tiene sus argumentos, pareciera que los de ella no son importantes.
Una realidad dura, triste y angustiante para quienes vemos esto. Para ellos, algo normal.
Saba dice que no los perdonará, su madre señala que deben regirse por las tradiciones, el padre tras las rejas no se arrepiente. Su marido la apoya, pero no puede hacer mucho.
Una historia donde la mujer en Pakistán es considerada persona de segunda categoría, y eso es mucho decir. Costumbres que se mantienen, que se aceptan, que pareciera no cambiarán.
El padre de Saba está orgulloso por lo que hizo. Y ella debe seguir su vida con su familia, y pensar en la hija que está por nacer.
Estamos ante una historia real, donde esta es una de las tantas mujeres que aún no son respetadas en el mundo, son maltratadas, humilladas y asesinadas.
Solo pido a la distancia, que no existan más Saba's en el mundo.
Este trabajo fue galardonado con el Premio Óscar en la categoría mejor corto documental en el año 2016. La directora había recibido ya antes otro Premio Óscar, en el año 2012 por su trabajo "Salvar la cara".
Disponible en HBO.
SABA, una joven de familia modesta pero estable económicamente, y que quiere al joven Qaiser. Sus padres saben de ese cariño pero el tío de Saba se opone a ese romance, porque este joven es de una familia pobre, así es que debe casarse con otro; ese otro lo escoge ese tío. Pero Saba le cuenta a Qaiser y huyen sin que los padres de la chica sepan, y se casan.
Todo parece una historia de amor imposible que vemos en las grandes pantallas con un final feliz, o una trama emocionante llena de fuegos artificiales. Un guión perfecto para una película.
Pero no, estamos ante una familia en Pakistán que, en pleno siglo XXI, vive como si fuera el siglo I. Con sus costumbres y creencias, donde ponen a Dios ante todo, se escudan en su nombre para todo lo bueno o lo malo, son sus tradiciones.
¿Los que son más religiosos, son los que más blasfeman?
Hago esto y aquello porque Dios así lo dice... Dios así lo predijo... Lo dice la Biblia ( o cualquier libro religioso)... Lo juro ante Dios...
El Corán señala que las mujeres deben respetar a su familia, principalmente a su padre. El Islám no permite que la mujer se vaya de la casa. Y esa es la excusa para que el padre y tío de Saba quieran matarla. Un plan que no esconden, un plan que ponen en marcha y lo ejecutan. Pero con un desenlace diferente: Saba queda viva.
¿Crees que aún estamos ante una película?
Este documental nos cuenta la historia de primera fuente, de una joven paquistaní que su padre y tío la golpearon, le dispararon y lanzaron al río dentro de un saco con claras intenciones de que no sobreviviera. Pero sobrevivió, denunció el hecho y ambos sujetos luego de un corto tiempo fueron encontrados y apresados.
Pero hay que juzgarlos.
Crímenes de honor es su defensa. Algo que es aceptado en esas latitudes. La ley pareciera que es esa.
Saba dice que no los perdonará nunca. Vive con su marido y la familia de él. La comunidad se entromete en los hechos, todos deciden sobre ella. Se escucha hablar a todos, cada uno tiene sus argumentos, pareciera que los de ella no son importantes.
Una realidad dura, triste y angustiante para quienes vemos esto. Para ellos, algo normal.
Saba dice que no los perdonará, su madre señala que deben regirse por las tradiciones, el padre tras las rejas no se arrepiente. Su marido la apoya, pero no puede hacer mucho.
Una historia donde la mujer en Pakistán es considerada persona de segunda categoría, y eso es mucho decir. Costumbres que se mantienen, que se aceptan, que pareciera no cambiarán.
El padre de Saba está orgulloso por lo que hizo. Y ella debe seguir su vida con su familia, y pensar en la hija que está por nacer.
Estamos ante una historia real, donde esta es una de las tantas mujeres que aún no son respetadas en el mundo, son maltratadas, humilladas y asesinadas.
Solo pido a la distancia, que no existan más Saba's en el mundo.
Este trabajo fue galardonado con el Premio Óscar en la categoría mejor corto documental en el año 2016. La directora había recibido ya antes otro Premio Óscar, en el año 2012 por su trabajo "Salvar la cara".
Disponible en HBO.
Ficha técnica
Título: A girl in the river
Directora: Sharmeen Obaid Chinoy
Fotografía: Asad Faruqi
Año: 2015
País: Pakistán y EEUU.
Género: Documental
Duración: 40 minutos
Idioma(s): Punjabi, Inglés
Título: A girl in the river
Directora: Sharmeen Obaid Chinoy
Fotografía: Asad Faruqi
Año: 2015
País: Pakistán y EEUU.
Género: Documental
Duración: 40 minutos
Idioma(s): Punjabi, Inglés
sábado, 25 de diciembre de 2021
El Poder del Perro - Por Carlos Correa
Disponible en Netflix.
Dotada de una narración poética, “El Poder del Perro”, escrita y dirigida por Jane Campion en base a la novela de Thomas Savage, resulta ser en extremo profunda. Con un marcado y cadencioso ritmo y una construcción tan elaborada como pedregosa, la cinta posee exigentes planos cercanos y hermosos planos amplios en los que sus actores exhiben una comunicación y conexión basada en miradas, gestos y sensibles actitudes. El fuego lento de la cocción hace que las raíces de este trabajo sean sólidas. En la medida que avanzamos, nos comprometemos con el relato, con sus personajes y, más importante aun, con su intimidad, introspección y sólidas convicciones.
La historia transcurre en un rancho de Montana, el año 1925. Los hermanos Phil -Benedict Cumberbatch-, y George Burbank -Jesse Plemons-, son dueños de un importante terreno y se dedican al cultivo de ganado. Ambos hombres no pueden ser más extremos; el primero es rudo y desordenado, en cambio el segundo es amable y paciente. Vidas diferentes bajo un mismo hogar, sus caminos naturalmente divergen. Phil se aísla y transita en su propio mundo, mientras George se fija en una mujer viuda que capta su atención. Se trata de Rose -Kirsten Dunst-, quien tiene un hijo, Peter -Kodi Smit-McPhee-, de modales afeminados y el sueño de estudiar medicina.
Rose y George se casan y ella se traslada a vivir al rancho mientras Peter va a la Universidad. Sin embargo, la relación de Phil con el hijo de su cuñada ha comenzado con el pie izquierdo, por lo que la incomodidad es absolutamente manifiesta. Rose no se siente bien en la casa. Phil considera que ella solo quiere el dinero de su hermano. La llegada de Peter, para pasar el tiempo de vacaciones, no hace más que agudizar las evidentes tensiones.
La configuración de los personajes da cuenta de un gran trabajo. Las actuaciones principales son convincentes, y los actores secundarios brindan, además, un excelente desarrollo. La película juega en base a opuestos: diferencias abrumadoras entre los hermanos, un claro cara y sello, dos caras; conceptualmente, construcción y deconstrucción.
Asomarse a la cultura imperante en esos años resulta inquietante. Esa hombría descrita con rudeza, formas toscas y rebeldía, también configura otra contracara: lo que se vive en el mundo interior versus lo que se muestra al exterior o las apariencias. También observamos el prejuicio social respecto de la viuda, y la burla por los modales de su hijo; otra contraposición, esta vez la brutalidad versus la sensibilidad. Hay un blanco y negro muy claro en la confrontación, donde parece que no existen matices ni tonos intermedios, como por ejemplo lo que observamos entre las formales obligaciones sociales y la íntima vida familiar.
Jane Campion filma muy bien, con atención en los detalles y un ojo crítico que se percibe en cada una de sus tomas. La música de Jonny Greenwood resulta muy apropiada e interesante, acompañando una fotografía de Ari Wegner que resalta cada uno de los contrastes ya descritos, y que entrega color y una textura especial y diferente para una película que no tiene temor en sumergirse en las temáticas que aborda.
“The Power of the Dog” es reflexiva, queda resonando con sus personajes y su forma de componer la subterránea tensión que propone. Sus capas son múltiples y sus interpretaciones también, incluso con segundas y terceras lecturas de procesos que tal vez podemos pasar por alto si no escarbamos un poco más allá de la superficie. Y ahí, quizás, hay una clave; tratar de interpretar los gestos y detalles de un Cumberbatch impregnado de su rol y de un Plemons apacible y diferente. Qué decir de Kodi Smit-McPhee quien nos entrega pistas permanentemente pero que no logramos descifrar hasta el final, en una fina complicidad con Kirsten Dunst, algo que nos lleva a dudar de todo lo que vemos en el camino.
Interesante y desafiante, estamos ante una película para ver con calma, sin apuro y con disposición para contemplar. Un ejemplo de cine de autor en una plataforma acostumbrada a los Blockbuster, algo digno de destacar y que sin duda podemos aprovechar pues seguramente estará dentro de las películas nominadas a distinciones y premios en esta temporada.
Ficha técnica
Título original: The Power of the Dog
Año: 2021
Duración: 128 minutos
País: Australia
Productora: Coproducción Australia-Reino Unido-Nueva Zelanda; See-Saw Films, Max Films Productions, BBC Films, Brightstar Films, Max Films International, Cross City Films. Distribuidora: Netflix
Género: Western. Drama | Drama psicológico. Años 20
Guion: Jane Campion. Novela: Thomas Savage
Música: Jonny Greenwood
Fotografía: Ari Wegner
Reparto: Benedict Cumberbatch, Jesse Plemons, Kirsten Dunst, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie, Frances Conroy, Keith Carradine, Geneviève Lemon, Peter Carroll, Adam Beach, Karl Willetts, Yvette Parsons, Tatum Warren-Ngata, ver 23 más
Dirección: Jane Campion
Dotada de una narración poética, “El Poder del Perro”, escrita y dirigida por Jane Campion en base a la novela de Thomas Savage, resulta ser en extremo profunda. Con un marcado y cadencioso ritmo y una construcción tan elaborada como pedregosa, la cinta posee exigentes planos cercanos y hermosos planos amplios en los que sus actores exhiben una comunicación y conexión basada en miradas, gestos y sensibles actitudes. El fuego lento de la cocción hace que las raíces de este trabajo sean sólidas. En la medida que avanzamos, nos comprometemos con el relato, con sus personajes y, más importante aun, con su intimidad, introspección y sólidas convicciones.
La historia transcurre en un rancho de Montana, el año 1925. Los hermanos Phil -Benedict Cumberbatch-, y George Burbank -Jesse Plemons-, son dueños de un importante terreno y se dedican al cultivo de ganado. Ambos hombres no pueden ser más extremos; el primero es rudo y desordenado, en cambio el segundo es amable y paciente. Vidas diferentes bajo un mismo hogar, sus caminos naturalmente divergen. Phil se aísla y transita en su propio mundo, mientras George se fija en una mujer viuda que capta su atención. Se trata de Rose -Kirsten Dunst-, quien tiene un hijo, Peter -Kodi Smit-McPhee-, de modales afeminados y el sueño de estudiar medicina.
Rose y George se casan y ella se traslada a vivir al rancho mientras Peter va a la Universidad. Sin embargo, la relación de Phil con el hijo de su cuñada ha comenzado con el pie izquierdo, por lo que la incomodidad es absolutamente manifiesta. Rose no se siente bien en la casa. Phil considera que ella solo quiere el dinero de su hermano. La llegada de Peter, para pasar el tiempo de vacaciones, no hace más que agudizar las evidentes tensiones.
La configuración de los personajes da cuenta de un gran trabajo. Las actuaciones principales son convincentes, y los actores secundarios brindan, además, un excelente desarrollo. La película juega en base a opuestos: diferencias abrumadoras entre los hermanos, un claro cara y sello, dos caras; conceptualmente, construcción y deconstrucción.
Asomarse a la cultura imperante en esos años resulta inquietante. Esa hombría descrita con rudeza, formas toscas y rebeldía, también configura otra contracara: lo que se vive en el mundo interior versus lo que se muestra al exterior o las apariencias. También observamos el prejuicio social respecto de la viuda, y la burla por los modales de su hijo; otra contraposición, esta vez la brutalidad versus la sensibilidad. Hay un blanco y negro muy claro en la confrontación, donde parece que no existen matices ni tonos intermedios, como por ejemplo lo que observamos entre las formales obligaciones sociales y la íntima vida familiar.
Jane Campion filma muy bien, con atención en los detalles y un ojo crítico que se percibe en cada una de sus tomas. La música de Jonny Greenwood resulta muy apropiada e interesante, acompañando una fotografía de Ari Wegner que resalta cada uno de los contrastes ya descritos, y que entrega color y una textura especial y diferente para una película que no tiene temor en sumergirse en las temáticas que aborda.
“The Power of the Dog” es reflexiva, queda resonando con sus personajes y su forma de componer la subterránea tensión que propone. Sus capas son múltiples y sus interpretaciones también, incluso con segundas y terceras lecturas de procesos que tal vez podemos pasar por alto si no escarbamos un poco más allá de la superficie. Y ahí, quizás, hay una clave; tratar de interpretar los gestos y detalles de un Cumberbatch impregnado de su rol y de un Plemons apacible y diferente. Qué decir de Kodi Smit-McPhee quien nos entrega pistas permanentemente pero que no logramos descifrar hasta el final, en una fina complicidad con Kirsten Dunst, algo que nos lleva a dudar de todo lo que vemos en el camino.
Interesante y desafiante, estamos ante una película para ver con calma, sin apuro y con disposición para contemplar. Un ejemplo de cine de autor en una plataforma acostumbrada a los Blockbuster, algo digno de destacar y que sin duda podemos aprovechar pues seguramente estará dentro de las películas nominadas a distinciones y premios en esta temporada.
Ficha técnica
Título original: The Power of the Dog
Año: 2021
Duración: 128 minutos
País: Australia
Productora: Coproducción Australia-Reino Unido-Nueva Zelanda; See-Saw Films, Max Films Productions, BBC Films, Brightstar Films, Max Films International, Cross City Films. Distribuidora: Netflix
Género: Western. Drama | Drama psicológico. Años 20
Guion: Jane Campion. Novela: Thomas Savage
Música: Jonny Greenwood
Fotografía: Ari Wegner
Reparto: Benedict Cumberbatch, Jesse Plemons, Kirsten Dunst, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie, Frances Conroy, Keith Carradine, Geneviève Lemon, Peter Carroll, Adam Beach, Karl Willetts, Yvette Parsons, Tatum Warren-Ngata, ver 23 más
Dirección: Jane Campion
viernes, 24 de diciembre de 2021
"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 24 de diciembre 2021
El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.
Las cosas por limpiar - Por Jackie O.
Una limpieza interna y de nuestro entorno".
Deambula, pide ayuda a sus cercanos, esos cercanos que están más a favor de su pareja que de ella. Llega a pedir ayuda "al sistema" (gobierno), un sistema del cual desconoce, nunca pensó estar en esa situación, no sabe qué hacer respecto a nada, no entiende los conceptos, no entiende su situación. Así es, ella no cree cumplir con el requisito de ocupar una vacante en un hogar de mujeres abusadas, porque, según ella, no ha sufrido violencia.
Pueden existir muchas dificultades para quienes se encuentran siendo víctimas de violencia en las relaciones de pareja después de la ruptura (no tener un lugar para dormir, la demora en trámites, sobre custodia de la hija, independencia financiera, falta de red de apoyo, y un largo etc.) Pero existen, más en este siglo donde la mujer ya está más empoderada y piensa en su hijo primero. Pero para quienes están mentalmente confundidas, también existe la ayuda, pero sucede lo que vemos en esta cinta, no te pueden obligar a algo en lo que tú no colaboras, pues hay miles de mujeres que están pidiendo ayuda.
Y para quienes solo se dedican a criticar "el sistema" desde la comodidad de sus hogares, mirando desde lejos, podrían aportar ayudando, o averiguar bien como funciona "ese sistema" que critican, y así orientar cuando se les pide ayuda, pues muchos critican y cuando una víctima les pide ayuda, no están.
Una serie densa por su contexto de violencia, es angustiante, quieres acoger a Alex, pero también quieres zamarrearla para que reaccione.
Pero ella quiere salir adelante, por lo menos financiera y educacionalmente, pues se dedica a trabajar como asesora de hogar, un trabajo digno pero que mucha gente lo mira en menos, y donde también muchas mujeres no quieren ejercerlo y prefieren la dependencia de sus "hombres". Alex quiere avanzar, pero es débil también, y está cansada.
Hay que tener presente que es común que las víctimas regresen con los agresores (ciclo de violencia y dinámicas abusivas). Y que nada se puede hacer, es tú decisión. Están las herramientas, existen las personas como "Daniel", "Regina" o "Denise", que te dan el empujón, que están ahí para cuando las necesitas, pero no te pueden obligar, el ser humano como sujeto único debe tomar sus desiciones.
Este trabajo nos presenta muchos personajes y temas interesantes. Muchos existen dentro de la vida de las personas afectadas, como la familia. Hay quienes no la tienen y sus amigos se van convirtiendo en su refugio, a veces para bien o para mal. También están esas personas que menos pensabas que te podrían tender una mano, y se convierten en ángeles en tu vida. Aprendes a conocer cómo funcionan los sistemas de ayuda, y cómo puedes ayudar a otros.
Una miniserie con una buena puesta en escena y actuaciones de todos los intervinientes, un guion fuerte, unos movimientos de cámara que te llevan a cada punto de la historia para así inmiscuirte más en ella.
¿Cómo terminará nuestra Alex en esta historia?
Hay muchas mujeres que salen adelante y otras no terminan bien, no hay finales felices. Muchas víctimas ponen denuncias y las retiran una y otra vez. Muchas víctimas tienen a sus agresores con restricciones de acercarse, pero lamentablemente estas víctimas los aceptan cerca, y por eso muchas agresiones se producen nuevamente. Es una realidad dura, pero es así.
Pero por supuesto está la excepción y, aunque no se crea, es la minoría, quien se cuida después de una agresión para no tener contacto con su agresor, quien decide avanzar aunque le cueste y no recaer, y si recae, intenta volver a salir de ese hoyo.
Por eso el autocuidado es muy relevante. Aportemos como ser humano a cuidarnos, no le dejemos a un tercero el cuidado de nuestra integridad. Y a quienes están en constante negación al abuso, y realmente solos, hay que ayudarle en lo que se pueda, ponerles atención.
Pero, ¿ hasta qué punto, si vuelven con su agresor? Difícil responder.
Hay muchas experiencias y aprendizajes que traemos de casa, (papá, mamá, otros), que si no tratamos y abordamos con terapia pueden hacer de nuestra vida un infierno. Aceptarlos, reconocerlos y querer romper ese patrón, es el primer paso para cambiar el rumbo de tu vida a una mejor. Insisto: AUTOCUIDADO.
Pero a pesar de todo, se necesita mucho coraje para dejar todo atrás, cuando tomas la decisión de empezar de nuevo.
Una miniserie para reflexionar sobre la importancia del amor propio, de proyectos de vida, inserción laboral, empatía, vínculos y la resiliencia.
Disponible en Netflix
Ficha técnica
Maid
Género: Drama
Creado por Molly Smith Metzler
Basado en "Sirvienta: Trabajo duro, poca paga, y la voluntad de una madre por sobrevivir", de Stephanie Land
Protagonistas: Margaret Qualley, Nick Robinson, Anika Noni Rose, Tracy Vilar, Billy Burke, Andie MacDowell, Chris Stracey.
10 capítulos de aproximadamnete 50 min. cada uno.
Estamos ante una historia fuerte, de la cual sentí muchas emociones al ver cada episodio. Me enojaba, me angustiaba, sufría, me alegré, detesté, y por sobre todo, reflexioné.
Debemos recordar que la violencia es sutil, se esconde detrás de los comportamientos más impensados. En un "nunca más", "no sé que me pasó", "es la última vez", o "no me di cuenta".
La violencia siempre debe ser condenada, no existe la excusa para sentirte menoscabado, sea física o psicológicamente.
Esta miniserie sigue la vida de Alex, una joven madre que vive una relación abusiva, sufre violencia psicológica, pero ella está en estado de negación, ya que para ella existe la violencia física y jamás la ha sufrido. Ignora los otros tipos de violencia que un ser humano puede llegar a sufrir, o tal vez no los ignora, simplemente no los acepta. Esa violencia psicológica/emocional (manipulación, control financiero y aislamiento) deja marcas no visibles a la vista, pero enormes agujeros en el interior, como disminución de la autoestima, ansiedad, trastorno de estrés postraumático, etc. Y este es el caso de nuestra protagonista.
Las relaciones son complejas, las dinámicas que se crean entre dos individuos aún más, muchas personas se ven sumidas en la pobreza, pero no solo económica, sino interna, donde no saben otra forma de comunicarse que la violencia, donde la participación es de hombres y mujeres.
A veces, las relaciones con la familia de origen son dolorosas, y es el caso de nuestra amiga Alex. No tiene más familiares que una madre con sus facultades mentales perturbadas y que también fue víctima de abuso, y un padre alejado que nunca ha sido un aporte para ella. En cuanto a amigos, son los mismos que su pareja, por lo que es una chica sola, sola con su pequeña hija, sola transita por la vida. Y una noche determinada, huye de su hogar y no sabe qué hacer. Nunca había tomado la decisión de alejarse de su pareja, ya no da más.
Debemos recordar que la violencia es sutil, se esconde detrás de los comportamientos más impensados. En un "nunca más", "no sé que me pasó", "es la última vez", o "no me di cuenta".
La violencia siempre debe ser condenada, no existe la excusa para sentirte menoscabado, sea física o psicológicamente.
Esta miniserie sigue la vida de Alex, una joven madre que vive una relación abusiva, sufre violencia psicológica, pero ella está en estado de negación, ya que para ella existe la violencia física y jamás la ha sufrido. Ignora los otros tipos de violencia que un ser humano puede llegar a sufrir, o tal vez no los ignora, simplemente no los acepta. Esa violencia psicológica/emocional (manipulación, control financiero y aislamiento) deja marcas no visibles a la vista, pero enormes agujeros en el interior, como disminución de la autoestima, ansiedad, trastorno de estrés postraumático, etc. Y este es el caso de nuestra protagonista.
Las relaciones son complejas, las dinámicas que se crean entre dos individuos aún más, muchas personas se ven sumidas en la pobreza, pero no solo económica, sino interna, donde no saben otra forma de comunicarse que la violencia, donde la participación es de hombres y mujeres.
A veces, las relaciones con la familia de origen son dolorosas, y es el caso de nuestra amiga Alex. No tiene más familiares que una madre con sus facultades mentales perturbadas y que también fue víctima de abuso, y un padre alejado que nunca ha sido un aporte para ella. En cuanto a amigos, son los mismos que su pareja, por lo que es una chica sola, sola con su pequeña hija, sola transita por la vida. Y una noche determinada, huye de su hogar y no sabe qué hacer. Nunca había tomado la decisión de alejarse de su pareja, ya no da más.
Deambula, pide ayuda a sus cercanos, esos cercanos que están más a favor de su pareja que de ella. Llega a pedir ayuda "al sistema" (gobierno), un sistema del cual desconoce, nunca pensó estar en esa situación, no sabe qué hacer respecto a nada, no entiende los conceptos, no entiende su situación. Así es, ella no cree cumplir con el requisito de ocupar una vacante en un hogar de mujeres abusadas, porque, según ella, no ha sufrido violencia.
Pueden existir muchas dificultades para quienes se encuentran siendo víctimas de violencia en las relaciones de pareja después de la ruptura (no tener un lugar para dormir, la demora en trámites, sobre custodia de la hija, independencia financiera, falta de red de apoyo, y un largo etc.) Pero existen, más en este siglo donde la mujer ya está más empoderada y piensa en su hijo primero. Pero para quienes están mentalmente confundidas, también existe la ayuda, pero sucede lo que vemos en esta cinta, no te pueden obligar a algo en lo que tú no colaboras, pues hay miles de mujeres que están pidiendo ayuda.
Y para quienes solo se dedican a criticar "el sistema" desde la comodidad de sus hogares, mirando desde lejos, podrían aportar ayudando, o averiguar bien como funciona "ese sistema" que critican, y así orientar cuando se les pide ayuda, pues muchos critican y cuando una víctima les pide ayuda, no están.
Una serie densa por su contexto de violencia, es angustiante, quieres acoger a Alex, pero también quieres zamarrearla para que reaccione.
Pero ella quiere salir adelante, por lo menos financiera y educacionalmente, pues se dedica a trabajar como asesora de hogar, un trabajo digno pero que mucha gente lo mira en menos, y donde también muchas mujeres no quieren ejercerlo y prefieren la dependencia de sus "hombres". Alex quiere avanzar, pero es débil también, y está cansada.
Hay que tener presente que es común que las víctimas regresen con los agresores (ciclo de violencia y dinámicas abusivas). Y que nada se puede hacer, es tú decisión. Están las herramientas, existen las personas como "Daniel", "Regina" o "Denise", que te dan el empujón, que están ahí para cuando las necesitas, pero no te pueden obligar, el ser humano como sujeto único debe tomar sus desiciones.
Este trabajo nos presenta muchos personajes y temas interesantes. Muchos existen dentro de la vida de las personas afectadas, como la familia. Hay quienes no la tienen y sus amigos se van convirtiendo en su refugio, a veces para bien o para mal. También están esas personas que menos pensabas que te podrían tender una mano, y se convierten en ángeles en tu vida. Aprendes a conocer cómo funcionan los sistemas de ayuda, y cómo puedes ayudar a otros.
Una miniserie con una buena puesta en escena y actuaciones de todos los intervinientes, un guion fuerte, unos movimientos de cámara que te llevan a cada punto de la historia para así inmiscuirte más en ella.
¿Cómo terminará nuestra Alex en esta historia?
Hay muchas mujeres que salen adelante y otras no terminan bien, no hay finales felices. Muchas víctimas ponen denuncias y las retiran una y otra vez. Muchas víctimas tienen a sus agresores con restricciones de acercarse, pero lamentablemente estas víctimas los aceptan cerca, y por eso muchas agresiones se producen nuevamente. Es una realidad dura, pero es así.
Pero por supuesto está la excepción y, aunque no se crea, es la minoría, quien se cuida después de una agresión para no tener contacto con su agresor, quien decide avanzar aunque le cueste y no recaer, y si recae, intenta volver a salir de ese hoyo.
Por eso el autocuidado es muy relevante. Aportemos como ser humano a cuidarnos, no le dejemos a un tercero el cuidado de nuestra integridad. Y a quienes están en constante negación al abuso, y realmente solos, hay que ayudarle en lo que se pueda, ponerles atención.
Pero, ¿ hasta qué punto, si vuelven con su agresor? Difícil responder.
Hay muchas experiencias y aprendizajes que traemos de casa, (papá, mamá, otros), que si no tratamos y abordamos con terapia pueden hacer de nuestra vida un infierno. Aceptarlos, reconocerlos y querer romper ese patrón, es el primer paso para cambiar el rumbo de tu vida a una mejor. Insisto: AUTOCUIDADO.
Pero a pesar de todo, se necesita mucho coraje para dejar todo atrás, cuando tomas la decisión de empezar de nuevo.
Una miniserie para reflexionar sobre la importancia del amor propio, de proyectos de vida, inserción laboral, empatía, vínculos y la resiliencia.
Disponible en Netflix
Ficha técnica
Maid
Género: Drama
Creado por Molly Smith Metzler
Basado en "Sirvienta: Trabajo duro, poca paga, y la voluntad de una madre por sobrevivir", de Stephanie Land
Protagonistas: Margaret Qualley, Nick Robinson, Anika Noni Rose, Tracy Vilar, Billy Burke, Andie MacDowell, Chris Stracey.
10 capítulos de aproximadamnete 50 min. cada uno.
La verdadera historia de Navidad - Por Jackie O.
"Un mágico cuento".
Muchas historias se tejen respecto de cuál es el origen de la Navidad, y todo dependerá de tu religión, costumbres y creencias varias.
En este documental se habla el tema mostrándotelo de una forma didáctica, pasando de lo pagano a lo religioso, y de lo histórico a la fantasía.
Como por ejemplo, que en 1882 Edward Johnson, empleado de General Electric creara las bombilla eléctricas, lo que conocemos como las luces navideñas. O por qué los pinos navideños, o chocolate caliente y todas esas cosas ricas que disfrutamos están en esa fecha. Bueno, todas esas costumbres nacen en lugares donde es mucho el frío.
Se dice que hace unos dos mil años atrás, tribus del norte de Europa, en los solsticios de invierno festejaban por 12 días, donde los nórdicos prendían grandes fogatas con leños de abetos y pinos, y así promovían un futuro mejor.
¿Pero, qué tiene que ver con el nacimiento de Jesús?
Nos cuenta, además, que los cristianos se basan en el Nuevo Testamento, específicamente en los evangelios de Mateo y Lucas, donde ahí se relatan ciertos sucesos que los acerca a ese acontecimiento. Porque, la verdad, es que se desconoce la fecha exacta de su nacimiento.
Se dice que en el siglo IV se comenzó a celebrar en 25 de diciembre el nacimiento de Jesús, con oraciones y cánticos, los cuales fueron evolucionando hasta los villancicos.
Pero esta fecha no era tomada como algo solemne en la antigüedad, sino que era algo más bien liberal y desenfrenado, comenzando una molestia para los protestantes.
Este documental habla de todo un poco, un paseo por diversas culturas, donde no pueden quedarse fuera los romanos, señalándonos que antiguamente celebraban mucho en fin de año, dándose regalos y festines, porque dos de sus dioses importantes se festejaban el 25 de diciembre.
Ya por allá en el siglo XIX, en un mundo más avanzado y lleno de ideas, apareció un profesor de nombre Clarke Moore, quien escribió un poema navideño, basado en diversas costumbres, que no eran ni paganas ni religiosas. Fue tanto el éxito que tuvo, que un historietista llamado Thomas Nast ilustró dicho cuento con algunas transformaciones al personaje de "Santa Claus", quedando similar a lo que conocemos hoy en día.
Como ven, Jesús y el Viejo Pascuero mezclados en estas fechas.
¿Era necesario tener un personaje para Navidad?
Sí, pues el ser humano se basa en imágenes. Necesita algo o alguien para recordarle fechas, momentos, o solo para rendir admiración.
Navidad, una fecha económicamente lucrativa para muchos, en donde no debemos olvidarnos de inculcar e inculcarnos los valores importantes, como la unión, la familia, la colaboración, el respeto, el compañerismo, la paz, y mucho más.
Aunque esta fecha sa una excusa para ello, llevemos ese mensaje siempre.
Un documental interesante, del cual puede que estés de acuerdo o no en su relato, sin embargo igual entretiene.
Disponible en YouTube
Documental de History Chanel
26 minutos
Muchas historias se tejen respecto de cuál es el origen de la Navidad, y todo dependerá de tu religión, costumbres y creencias varias.
En este documental se habla el tema mostrándotelo de una forma didáctica, pasando de lo pagano a lo religioso, y de lo histórico a la fantasía.
Como por ejemplo, que en 1882 Edward Johnson, empleado de General Electric creara las bombilla eléctricas, lo que conocemos como las luces navideñas. O por qué los pinos navideños, o chocolate caliente y todas esas cosas ricas que disfrutamos están en esa fecha. Bueno, todas esas costumbres nacen en lugares donde es mucho el frío.
Se dice que hace unos dos mil años atrás, tribus del norte de Europa, en los solsticios de invierno festejaban por 12 días, donde los nórdicos prendían grandes fogatas con leños de abetos y pinos, y así promovían un futuro mejor.
¿Pero, qué tiene que ver con el nacimiento de Jesús?
Nos cuenta, además, que los cristianos se basan en el Nuevo Testamento, específicamente en los evangelios de Mateo y Lucas, donde ahí se relatan ciertos sucesos que los acerca a ese acontecimiento. Porque, la verdad, es que se desconoce la fecha exacta de su nacimiento.
Se dice que en el siglo IV se comenzó a celebrar en 25 de diciembre el nacimiento de Jesús, con oraciones y cánticos, los cuales fueron evolucionando hasta los villancicos.
Pero esta fecha no era tomada como algo solemne en la antigüedad, sino que era algo más bien liberal y desenfrenado, comenzando una molestia para los protestantes.
Este documental habla de todo un poco, un paseo por diversas culturas, donde no pueden quedarse fuera los romanos, señalándonos que antiguamente celebraban mucho en fin de año, dándose regalos y festines, porque dos de sus dioses importantes se festejaban el 25 de diciembre.
Ya por allá en el siglo XIX, en un mundo más avanzado y lleno de ideas, apareció un profesor de nombre Clarke Moore, quien escribió un poema navideño, basado en diversas costumbres, que no eran ni paganas ni religiosas. Fue tanto el éxito que tuvo, que un historietista llamado Thomas Nast ilustró dicho cuento con algunas transformaciones al personaje de "Santa Claus", quedando similar a lo que conocemos hoy en día.
Como ven, Jesús y el Viejo Pascuero mezclados en estas fechas.
¿Era necesario tener un personaje para Navidad?
Sí, pues el ser humano se basa en imágenes. Necesita algo o alguien para recordarle fechas, momentos, o solo para rendir admiración.
Navidad, una fecha económicamente lucrativa para muchos, en donde no debemos olvidarnos de inculcar e inculcarnos los valores importantes, como la unión, la familia, la colaboración, el respeto, el compañerismo, la paz, y mucho más.
Aunque esta fecha sa una excusa para ello, llevemos ese mensaje siempre.
Un documental interesante, del cual puede que estés de acuerdo o no en su relato, sin embargo igual entretiene.
Disponible en YouTube
Ficha técnica
Documental de History Chanel
26 minutos
miércoles, 22 de diciembre de 2021
Imperdonable - Por Carlos Correa
Disponible en Netflix.
Ruth Slater -Sandra Bullock-, ha pasado 20 años en prisión, luego de cometer un gravísimo crimen. Ha cumplido su sentencia, se apronta a recuperar su libertad y debe ser capaz de reconstruir su vida. Lo sucedido fue violento y repentino. Tuvo que dejar atrás a su hermana Katie de cinco años, sola, desamparada, en manos del sistema de protección de menores. Es por eso que, ya liberada, todos sus esfuerzos se concentran en conocer su paradero, saber qué sucede con ella, cómo se encuentra, cómo es su vida, junto con muchas otras preguntas. En definitiva, necesita recuperar a su hermana.
Ruth está en libertad condicional. No puede dar ningún paso en falso pues arriesga volver a la cárcel. Naturalmente tiene muchas dificultades, necesita trabajar, requiere que le den una oportunidad. Para una ex convicta todo es discriminación y nadie se dispone a ayudarla, no obstante Ruth se las arregla para conseguir no solo un empleo sino dos, lo que le significa realizar jornadas extenuantes. Aun así, pese a todo y contra todo, prosigue en la búsqueda de su hermana gracias a un abogado corporativo que conoce en la que fuera en el pasado su casa familiar. Encontrar a Katie es su norte, su desvelo, y finalmente su redención, y no se rendirá hasta conseguirlo.
La narración de esta cinta dirigida por Nora Fingscheidt es lenta, en especial en sus inicios. Es verdad que la historia necesita un contexto claro, pero el preámbulo se hace algo extenso dado que el escenario no resulta tan complejo de ejemplificar. Sandra Bullock ofrece un papel diferente a lo acostumbrado. Acá su expresión es de una contenida emoción interior, o dicho de otro modo, su exterior refleja muy poco. Tras esa cara rígida, dura, aparentemente sin emoción, encontramos un poderoso mecanismo de defensa que, a través de un rostro desmejorado y gestos rudos, denota la procesión interna y los abismos del pasado que no dan tregua a la protagonista.
“The Unforgivable” es un thriller interesante en cuanto a sus temáticas sobre la justicia y el juzgamiento social, sobre el amor, la venganza, el trabajo voluntario, el temple y el tesón por conseguir un objetivo. A pesar de tener actores secundarios de indudable trayectoria, son desaprovechados pues sus personajes carecen de suficiente desarrollo como para sostener el relato desde diferentes planos.
Como resultado, quedan algunas preguntas que se esbozan en el transcurso del metraje. ¿La deuda social se paga con la condena o eso no es suficiente? ¿Qué pasa con los afectados cuando el victimario sale en libertad? ¿Es posible que la vida siga su curso normalmente? ¿Dónde está el foco del relato, en Ruth o en su hermana menor? Esto último, planteado explícitamente en la película, también se traslada a nosotros, los espectadores, y debemos procurar dilucidarlo.
“Imperdonable” funciona como película de entretención para un fin de semana gracias a giros prudentes que ayudan a revertir cierto carácter plano del relato, y también gracias a la exposición de algunas aristas que permiten conversación, análisis y reflexión.
Ficha técnica
Título original: The Unforgivable
Año: 2021
Duración: 113 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Alemania-Estados Unidos; Construction Film, GK Films, Fortis Films Production. Distribuidora: Netflix
Género: Drama | Remake
Guion: Sally Wainwright, Peter Craig, Hillary Seitz, Courtenay Miles
Música: Dave Fleming, Hans Zimmer
Fotografía: Guillermo Navarro
Reparto: Sandra Bullock, Viola Davis, Rob Morgan, Vincent D'Onofrio, Jon Bernthal, Aisling Franciosi, Richard Thomas, Linda Emond, Emma Nelson, Toby Hargrave, Craig March, W. Earl Brown, Patti Kim
Dirección: Nora Fingscheidt
Ruth está en libertad condicional. No puede dar ningún paso en falso pues arriesga volver a la cárcel. Naturalmente tiene muchas dificultades, necesita trabajar, requiere que le den una oportunidad. Para una ex convicta todo es discriminación y nadie se dispone a ayudarla, no obstante Ruth se las arregla para conseguir no solo un empleo sino dos, lo que le significa realizar jornadas extenuantes. Aun así, pese a todo y contra todo, prosigue en la búsqueda de su hermana gracias a un abogado corporativo que conoce en la que fuera en el pasado su casa familiar. Encontrar a Katie es su norte, su desvelo, y finalmente su redención, y no se rendirá hasta conseguirlo.
La narración de esta cinta dirigida por Nora Fingscheidt es lenta, en especial en sus inicios. Es verdad que la historia necesita un contexto claro, pero el preámbulo se hace algo extenso dado que el escenario no resulta tan complejo de ejemplificar. Sandra Bullock ofrece un papel diferente a lo acostumbrado. Acá su expresión es de una contenida emoción interior, o dicho de otro modo, su exterior refleja muy poco. Tras esa cara rígida, dura, aparentemente sin emoción, encontramos un poderoso mecanismo de defensa que, a través de un rostro desmejorado y gestos rudos, denota la procesión interna y los abismos del pasado que no dan tregua a la protagonista.
“The Unforgivable” es un thriller interesante en cuanto a sus temáticas sobre la justicia y el juzgamiento social, sobre el amor, la venganza, el trabajo voluntario, el temple y el tesón por conseguir un objetivo. A pesar de tener actores secundarios de indudable trayectoria, son desaprovechados pues sus personajes carecen de suficiente desarrollo como para sostener el relato desde diferentes planos.
Como resultado, quedan algunas preguntas que se esbozan en el transcurso del metraje. ¿La deuda social se paga con la condena o eso no es suficiente? ¿Qué pasa con los afectados cuando el victimario sale en libertad? ¿Es posible que la vida siga su curso normalmente? ¿Dónde está el foco del relato, en Ruth o en su hermana menor? Esto último, planteado explícitamente en la película, también se traslada a nosotros, los espectadores, y debemos procurar dilucidarlo.
“Imperdonable” funciona como película de entretención para un fin de semana gracias a giros prudentes que ayudan a revertir cierto carácter plano del relato, y también gracias a la exposición de algunas aristas que permiten conversación, análisis y reflexión.
Ficha técnica
Título original: The Unforgivable
Año: 2021
Duración: 113 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Alemania-Estados Unidos; Construction Film, GK Films, Fortis Films Production. Distribuidora: Netflix
Género: Drama | Remake
Guion: Sally Wainwright, Peter Craig, Hillary Seitz, Courtenay Miles
Música: Dave Fleming, Hans Zimmer
Fotografía: Guillermo Navarro
Reparto: Sandra Bullock, Viola Davis, Rob Morgan, Vincent D'Onofrio, Jon Bernthal, Aisling Franciosi, Richard Thomas, Linda Emond, Emma Nelson, Toby Hargrave, Craig March, W. Earl Brown, Patti Kim
Dirección: Nora Fingscheidt
martes, 21 de diciembre de 2021
El rio sueña: Chile zona central - Por Alejandro Caro
Sinopsis: El nombre del documental nació después de una conversación con una de las defensoras del río Choapa. Este territorio es parte de la idiosincrasia local, la idea que cuando los ríos permanecen secos por bajas precipitaciones, todo empieza enrarecerse con un ruido que no se sabe de donde proviene, las aves vuelan y los demás animales se desplazan hacia las zonas más altas del lecho seco. A esta relación con la ausencia y la presencia latente del caudal, la identifican con la creencia que el río sueña, y es aviso seguro que el agua bajará desde la montaña, rompiendo todo a su paso.
Primera parte de una trilogía de Secas. Defensoras de las aguas: “El rio Sueña”, en este episodio, hace un breve recorrido por la zona central de Chile.
El río como eje central que surge con una personalidad y conciencia propia de lo humano y que, además, sueña. Grita desde su aridez por aquello que le han robado: su más preciado bien, el agua, la razón de su existencia.
El relato de las diferentes comunidades rurales es no doblegarse frente a esta carencia acuífera, producto de su uso indiscriminado por parte de industrias tanto públicas como privadas, sin ninguna participación de las comunidades para su uso y subsistencia.
Este documental es vital, pues es un movimiento en defensa del agua, por lo tanto de la tierra y la comunidad, como una madre defiende a aquellos que les dio la vida. El documental lo refleja perfectamente, con miradas femeninas de profunda humanidad y espiritualidad, pero no por eso menos contestatario frente a un abuso descarado, bordeando lo inhumano y criminal, donde ha primado lo económicamente rentable por sobre la vida de niños, mujeres y hombres de aquellos territorios.
La carencia hídrica no es algo del futuro, ya está aquí y surgen preguntas en el caso de nuestro país. ¿Por qué estas comunidades no tienen la protección de los organismos competentes frente a las grandes mineras?, o ¿por qué Chile no firmó el “Acuerdo de Ecazú”, el que después de años se convirtió en el primer tratado del continente y único a nivel mundial para la protección de los defensores de asuntos ambientales?
Buen documental, imperativamente necesario para empoderar a la comunidad y producir las transformaciones sociales y culturales.
Nos invita a la reflexión y tomar compromisos, conmigo mismo, con la comunidad, para un desarrollo más sustentable basado en los derechos humanos para tener un buen vivir.
Disponible en: Cinechile.cl y Youtube
Ficha técnica
Primera parte de una trilogía de Secas. Defensoras de las aguas: “El rio Sueña”, en este episodio, hace un breve recorrido por la zona central de Chile.
El río como eje central que surge con una personalidad y conciencia propia de lo humano y que, además, sueña. Grita desde su aridez por aquello que le han robado: su más preciado bien, el agua, la razón de su existencia.
El relato de las diferentes comunidades rurales es no doblegarse frente a esta carencia acuífera, producto de su uso indiscriminado por parte de industrias tanto públicas como privadas, sin ninguna participación de las comunidades para su uso y subsistencia.
Este documental es vital, pues es un movimiento en defensa del agua, por lo tanto de la tierra y la comunidad, como una madre defiende a aquellos que les dio la vida. El documental lo refleja perfectamente, con miradas femeninas de profunda humanidad y espiritualidad, pero no por eso menos contestatario frente a un abuso descarado, bordeando lo inhumano y criminal, donde ha primado lo económicamente rentable por sobre la vida de niños, mujeres y hombres de aquellos territorios.
La carencia hídrica no es algo del futuro, ya está aquí y surgen preguntas en el caso de nuestro país. ¿Por qué estas comunidades no tienen la protección de los organismos competentes frente a las grandes mineras?, o ¿por qué Chile no firmó el “Acuerdo de Ecazú”, el que después de años se convirtió en el primer tratado del continente y único a nivel mundial para la protección de los defensores de asuntos ambientales?
Buen documental, imperativamente necesario para empoderar a la comunidad y producir las transformaciones sociales y culturales.
Nos invita a la reflexión y tomar compromisos, conmigo mismo, con la comunidad, para un desarrollo más sustentable basado en los derechos humanos para tener un buen vivir.
Disponible en: Cinechile.cl y Youtube
Ficha técnica
Año: 2021
País: Chile
Duración: 26:28 minutos
Dirección: Galut Alarcón
Guion: Galut Alarcón
Elenco: Chamila Rodríguez, María Paz Grandjean, Gabriela Arancibia, Norma Hueche
Dirección de fotografía: Matías Baeza,Pepe Guzmán
Música: Sebastián Errázuriz
Sonido: Erick Aeschlimann, Romina Cano
Producción general: Chamila Rodríguez
Productora: Poetastros
lunes, 20 de diciembre de 2021
Fue la Mano de Dios - Por Juan Pablo Donoso
Disponible en Netflix.
Especie de autobiografía de un excelente director. (Juventud, La Gran Belleza). Desgraciadamente la primera parte es muy superior a la segunda.
Paolo Sorrentino debió asesorarse en la escritura del guion. Durante el relato rinde homenajes a Zeffirelli y a Fellini. Y al igual que este último genera personajes familiares pintorescos influido, sin duda, también por otro maestro, Ettore Scola.
Se habla y aconseja más a sí mismo que a nosotros.
Comienza con una fascinante alegoría en que interviene San Jenaro, patrono de Nápoles, y la presencia de un “monjecito” mágico que debió seguir participando de algún modo en el relato; pero lo olvidamos durante el desarrollo sólo para aparecer al final como un críptico “saludo a la bandera”.
La película, en vez de seguir creciendo en nuestro recuerdo - y entregando nuevas sugerencias poéticas o de sabiduría- se va deshilachando hasta desaparecer en el olvido.
Toda la potencial poesía de las imágenes, del ambiente centenario napolitano, y de la excesiva exposición de la presencia de Maradona contribuyen más confundir al espectador que a concentrar una posible premisa autoral.
Las películas anteriores de Santorini lograban un lenguaje holístico de belleza y sugerencia más integrado.
Acompañamos al joven escolar Fabietto en la búsqueda de su propia identidad: tímido despertar sexual, víctima y testigo impotente de los disparates de su familia para, finalmente, dedicarse a filmar películas en que la magia irrumpe en lo real, y viceversa.
La “mano de Dios” fueron todas las coincidencias, penas y alegrías que formaron la personalidad creativa de este sensible director. Más como un psicoanálisis que como un relato concreto.
AUTORREFENCIA QUE PERJUDICA LA RIQUEZA DE LOS PERSONAJES INICIALES. CARECE DE SELECCIÓN PARA LOS MUCHOS SÍMBOLOS QUE INCLUYE.
Ficha técnica
Especie de autobiografía de un excelente director. (Juventud, La Gran Belleza). Desgraciadamente la primera parte es muy superior a la segunda.
Paolo Sorrentino debió asesorarse en la escritura del guion. Durante el relato rinde homenajes a Zeffirelli y a Fellini. Y al igual que este último genera personajes familiares pintorescos influido, sin duda, también por otro maestro, Ettore Scola.
Se habla y aconseja más a sí mismo que a nosotros.
Comienza con una fascinante alegoría en que interviene San Jenaro, patrono de Nápoles, y la presencia de un “monjecito” mágico que debió seguir participando de algún modo en el relato; pero lo olvidamos durante el desarrollo sólo para aparecer al final como un críptico “saludo a la bandera”.
La película, en vez de seguir creciendo en nuestro recuerdo - y entregando nuevas sugerencias poéticas o de sabiduría- se va deshilachando hasta desaparecer en el olvido.
Toda la potencial poesía de las imágenes, del ambiente centenario napolitano, y de la excesiva exposición de la presencia de Maradona contribuyen más confundir al espectador que a concentrar una posible premisa autoral.
Las películas anteriores de Santorini lograban un lenguaje holístico de belleza y sugerencia más integrado.
Acompañamos al joven escolar Fabietto en la búsqueda de su propia identidad: tímido despertar sexual, víctima y testigo impotente de los disparates de su familia para, finalmente, dedicarse a filmar películas en que la magia irrumpe en lo real, y viceversa.
La “mano de Dios” fueron todas las coincidencias, penas y alegrías que formaron la personalidad creativa de este sensible director. Más como un psicoanálisis que como un relato concreto.
AUTORREFENCIA QUE PERJUDICA LA RIQUEZA DE LOS PERSONAJES INICIALES. CARECE DE SELECCIÓN PARA LOS MUCHOS SÍMBOLOS QUE INCLUYE.
Ficha técnica
Título Original: E Stata la Mano di Dio
2021 Tragicomedia biográfica Italia, EE.UU. - 2,10 hrs.
Fotografía: Daria D'Antonio
Edición: Cristiano Travaglioli
Música: Lele Marchitelli
Diseño Prod.: Carmine Guarino
Actores: Filippo Scotti, Toni Servilllo, Teresa Saponangelo
Guionista y Director: Paolo Sorrentino
El Poder del Perro - Por Jackie O.
“Hay nudos imposibles de desatar.”
Jane Campion reaparece adaptando el libro de Thomas Savage, “The Power of the Dog (1967)", trayéndonos una película profunda, llena de metáforas, de construcción y deconstrucción de personajes, psicológica, en un salvaje oeste lleno de matices, con machismo y misoginia.
No, no estamos en ese viejo oeste lleno de conflictos que terminan enfrascados en sendos tiroteos, ni tampoco estamos ante un torrente de pasión desenfrenada. Acá, más bien, son conflictos internos, es una historia dramática que va lenta, es una propuesta artística más que un trabajo comercial, así nos sumerge muy de a poco en la trama y por sobre todo en sus personajes.
Cuatro personajes que se complementa entre sí; por un lado tenemos a dos hermanos acaudalados, George es sutil, ordenado y amable, en cambio Phil es rudo, y descuidado. Con el correr del tiempo, George se va acercando a la viuda Rose a la cual desposa, y Phil no soporta tal acto comenzando a hacerle la vida imposible a la dulce viuda, a quien la considera una amenaza para su armonía.
Rose tiene un hijo, un adolecente afeminado. Un joven objeto de burlas de ese desértico lugar pero a la vez exótico, un paraje impregnado de testosterona, un lugar aislado, un lugar frío. Un joven que ingresa a estudiar como su difunto padre, medicina. Una forma de llegar al interior de un ser, donde la vida y la muerte están y estarán siempre presentes en él.
Una historia con muchos subtextos, con conflicto de valores, debilidades, tensiones, dolor, identidad sexual, amor, lealtad, odio, opresión. Las imágenes hablan, y te dan señales que te explican el desenlace final. Un desenlace para muchos confuso o incompleto. Pero no, no es confuso ni incompleto. Es desgarrador. Una historia que se cuenta y encuentra en el fondo de una botella, en las caricias del agua, en el sol enardecedor, en cada movimiento de cuerdas, en cada palabra, en cada silencio; cada puesta en escena habla.
Los cuatro actores principales han efectuado una actuación que se complementa muy bien el uno con el otro, ninguno sobra, ninguno está puesto al azar, por lo que es una excelente elección del elenco. Benedict Cumberbatch (Doctor Strange, Sherlock), nos trae el conflicto de un protagonista y antagonista a la vez; Kirsten Dunst (Spider-Man, Entrevista con el vampiro) sabe impregnar dulzura y tormento; Jesse Plemons (Fargo, Judas y el Mesías Negro), al que siempre le adjudican roles secundarios, sabe destacar en ese silencioso mundo interno que grita una liberación, y Kodi Smit-McPhee (XMen, La carretera), no deja indiferente en su propuesta, sus movimientos hablan.
Fotografía y banda sonora muy destacables, armonizan y dan profundidad al relato. Una muy buena puesta en escena. Vestuario, maquillaje y peinado están correctos para llevarnos a la época.
Planos amplios que nos muestran la soledad de sus espacios, contándonos sobre una soledad interna, primeros planos para mostrar la intensidad de sus emociones, primerísimos planos para detectar el detalle que marca la diferencia. El movimiento de cámaras, nos cuenta la historia sin hablar.
¿En qué podría fallar según mi apreciación? Es que no es una película para todo público, pues ya señalé que es una visión más artística, que debe ser vista con total concentración ya que se cuece con calma.
Disponible en Netflix.
Jane Campion reaparece adaptando el libro de Thomas Savage, “The Power of the Dog (1967)", trayéndonos una película profunda, llena de metáforas, de construcción y deconstrucción de personajes, psicológica, en un salvaje oeste lleno de matices, con machismo y misoginia.
No, no estamos en ese viejo oeste lleno de conflictos que terminan enfrascados en sendos tiroteos, ni tampoco estamos ante un torrente de pasión desenfrenada. Acá, más bien, son conflictos internos, es una historia dramática que va lenta, es una propuesta artística más que un trabajo comercial, así nos sumerge muy de a poco en la trama y por sobre todo en sus personajes.
Cuatro personajes que se complementa entre sí; por un lado tenemos a dos hermanos acaudalados, George es sutil, ordenado y amable, en cambio Phil es rudo, y descuidado. Con el correr del tiempo, George se va acercando a la viuda Rose a la cual desposa, y Phil no soporta tal acto comenzando a hacerle la vida imposible a la dulce viuda, a quien la considera una amenaza para su armonía.
Rose tiene un hijo, un adolecente afeminado. Un joven objeto de burlas de ese desértico lugar pero a la vez exótico, un paraje impregnado de testosterona, un lugar aislado, un lugar frío. Un joven que ingresa a estudiar como su difunto padre, medicina. Una forma de llegar al interior de un ser, donde la vida y la muerte están y estarán siempre presentes en él.
Una historia con muchos subtextos, con conflicto de valores, debilidades, tensiones, dolor, identidad sexual, amor, lealtad, odio, opresión. Las imágenes hablan, y te dan señales que te explican el desenlace final. Un desenlace para muchos confuso o incompleto. Pero no, no es confuso ni incompleto. Es desgarrador. Una historia que se cuenta y encuentra en el fondo de una botella, en las caricias del agua, en el sol enardecedor, en cada movimiento de cuerdas, en cada palabra, en cada silencio; cada puesta en escena habla.
Los cuatro actores principales han efectuado una actuación que se complementa muy bien el uno con el otro, ninguno sobra, ninguno está puesto al azar, por lo que es una excelente elección del elenco. Benedict Cumberbatch (Doctor Strange, Sherlock), nos trae el conflicto de un protagonista y antagonista a la vez; Kirsten Dunst (Spider-Man, Entrevista con el vampiro) sabe impregnar dulzura y tormento; Jesse Plemons (Fargo, Judas y el Mesías Negro), al que siempre le adjudican roles secundarios, sabe destacar en ese silencioso mundo interno que grita una liberación, y Kodi Smit-McPhee (XMen, La carretera), no deja indiferente en su propuesta, sus movimientos hablan.
Fotografía y banda sonora muy destacables, armonizan y dan profundidad al relato. Una muy buena puesta en escena. Vestuario, maquillaje y peinado están correctos para llevarnos a la época.
Planos amplios que nos muestran la soledad de sus espacios, contándonos sobre una soledad interna, primeros planos para mostrar la intensidad de sus emociones, primerísimos planos para detectar el detalle que marca la diferencia. El movimiento de cámaras, nos cuenta la historia sin hablar.
¿En qué podría fallar según mi apreciación? Es que no es una película para todo público, pues ya señalé que es una visión más artística, que debe ser vista con total concentración ya que se cuece con calma.
Disponible en Netflix.
Ficha técnica
Directora: Jane Campion
Adaptación de: "The power of the dog"
Año: 2021
Directora: Jane Campion
Adaptación de: "The power of the dog"
Año: 2021
Duración: 126 minutos
Montaje: Peter Sciberras
Música: Jonny Greenwood
Fotografía: Ari Wegner
Género: Western y Drama
Montaje: Peter Sciberras
Música: Jonny Greenwood
Fotografía: Ari Wegner
Género: Western y Drama
sábado, 18 de diciembre de 2021
Lupin Parte 2 - Por Jackie O.
"Venganza de guante blanco".
Si ya viste la temporada 1 y leíste mi reseña, ya estás listo para esta segunda parte. Si aún no sabes si verla o no, te invito igual a leer mi reseña, y aventurarte en esta serie francesa protagonizada por Omar Sy en el papel de Assane Diop, un hombre que se inspira en las aventuras de Arsène Lupin para efectuar sus peripecias.
¿Recuerdan que la primera temporada terminó con "aquella situación", y quedamos todos totalmente metidos con eso?.
Así es que, sin más vueltas, comenzó ahí mismito esta segunda temporada, donde nuestro caballero ladrón tiene que efectuar todo lo que tenga a mano para sortear esta angustiosa situación, ayudado por un "buen samaritano". A pesar de ser una fase predecible, y que hubo momentos muy sobreactuados, como por ejemplo pelear, se lo vamos a dejar pasar, porque entretiene igual.
La serie sigue esa venganza que Assane no puede dejar pasar. Busca la forma de acercarse a su objetivo, donde él, junto a su gran amigo y nuevos personajes que se suman a esta historia, va forjando esta vindicta. Algunos, incluso, son "usados" por Assane sin saberlo, pero para él todo vale.
Tenemos cinco capítulos que pasan muy rápido, ya que la simpatía de su protagonistas, sumada una historia sin el desgaste de efectos visuales, un guion simple, secundarios aliados a la trama, y un buen antagonista, hace que no paremos de ver.
Una historia simple, que hace que nos conectemos sin ninguna complicación, y aunque predecible con altos y bajos, es muy digerible.
Nos habla de la venganza, esa venganza que corrompe el alma, donde nos podemos cuestionar si es bueno o no ese sentimiento y llegar hasta las últimas consecuencias, sin importar a quién dañes por el camino. También, desde otra vereda, nos abraza con el amor de todo tipo -filial, amistad, pareja - Así como el poder del dinero que manipula todo a su paso.
Reitero, porque es así, contamos con buen protagonista, que supo ganarse el cariño de la teleaudiencia con su bondad, alegría y perspicacia. La serie, además, mantiene una agradable banda sonora (Mathieu Lamboley), que sabe mantener los momentos adecuados. El diseño de arte en general, hace que nos acerquemos a esta historia. Los personajes hacen que empaticemos con cualquiera de ellos, y el antagonista fue bien escogido, Hubert Pelligrini refleja esa maldad y hambre de codicia, que muchos tienen.
Seguimos con las analepsias, muy bien montadas, lo que hace una buena edición.
Y aunque los personajes secundarios son buenos, los policías me resultan un tanto caricaturescos, creo que ahí deben modificar un poco su estilo.
Muchas cosas buenas podemos ver, pero aún así no la hacen una serie excelente, ya que descansa en su simplicidad. Sus creadores no quieren arriesgarse, se mantienen sin dar un paso más allá. Podríamos esperar algo más de astucia, pero no.
Tal vez en esa simpleza está su encanto.
Y se viene tercera temporada.
Disponible en Netflix.
¿Recuerdan que la primera temporada terminó con "aquella situación", y quedamos todos totalmente metidos con eso?.
Así es que, sin más vueltas, comenzó ahí mismito esta segunda temporada, donde nuestro caballero ladrón tiene que efectuar todo lo que tenga a mano para sortear esta angustiosa situación, ayudado por un "buen samaritano". A pesar de ser una fase predecible, y que hubo momentos muy sobreactuados, como por ejemplo pelear, se lo vamos a dejar pasar, porque entretiene igual.
La serie sigue esa venganza que Assane no puede dejar pasar. Busca la forma de acercarse a su objetivo, donde él, junto a su gran amigo y nuevos personajes que se suman a esta historia, va forjando esta vindicta. Algunos, incluso, son "usados" por Assane sin saberlo, pero para él todo vale.
Tenemos cinco capítulos que pasan muy rápido, ya que la simpatía de su protagonistas, sumada una historia sin el desgaste de efectos visuales, un guion simple, secundarios aliados a la trama, y un buen antagonista, hace que no paremos de ver.
Una historia simple, que hace que nos conectemos sin ninguna complicación, y aunque predecible con altos y bajos, es muy digerible.
Nos habla de la venganza, esa venganza que corrompe el alma, donde nos podemos cuestionar si es bueno o no ese sentimiento y llegar hasta las últimas consecuencias, sin importar a quién dañes por el camino. También, desde otra vereda, nos abraza con el amor de todo tipo -filial, amistad, pareja - Así como el poder del dinero que manipula todo a su paso.
Reitero, porque es así, contamos con buen protagonista, que supo ganarse el cariño de la teleaudiencia con su bondad, alegría y perspicacia. La serie, además, mantiene una agradable banda sonora (Mathieu Lamboley), que sabe mantener los momentos adecuados. El diseño de arte en general, hace que nos acerquemos a esta historia. Los personajes hacen que empaticemos con cualquiera de ellos, y el antagonista fue bien escogido, Hubert Pelligrini refleja esa maldad y hambre de codicia, que muchos tienen.
Seguimos con las analepsias, muy bien montadas, lo que hace una buena edición.
Y aunque los personajes secundarios son buenos, los policías me resultan un tanto caricaturescos, creo que ahí deben modificar un poco su estilo.
Muchas cosas buenas podemos ver, pero aún así no la hacen una serie excelente, ya que descansa en su simplicidad. Sus creadores no quieren arriesgarse, se mantienen sin dar un paso más allá. Podríamos esperar algo más de astucia, pero no.
Tal vez en esa simpleza está su encanto.
Y se viene tercera temporada.
Disponible en Netflix.
Ficha técnica
Creadores: George Kay y François Uzan
Género: Comedia, Drama, Suspenso
5 capítulos, de 45 min.aproximados
Reparto: Hervé Pierre, Nicole Garcia, Clotilde Hesme, Ludivine Sagnier, Antoine Gouy, Shirine Boutella y Soufiane Guerrab.
Creadores: George Kay y François Uzan
Género: Comedia, Drama, Suspenso
5 capítulos, de 45 min.aproximados
Reparto: Hervé Pierre, Nicole Garcia, Clotilde Hesme, Ludivine Sagnier, Antoine Gouy, Shirine Boutella y Soufiane Guerrab.
viernes, 17 de diciembre de 2021
"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 17 de diciembre 2021
El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.
Amor sin Barreras - Por Carlos Correa
Una cuarta justa y un tritono ascendente… un aviso, una alerta…
Esta versión 2021 de la famosa “West Side Story” resulta conmovedora. Configura un carrusel de emociones que pasa de la contemplación al compromiso; se mueve y se aquieta, moldea y modula, sube y baja, va de un lado a otro en un serpentín infinito de vértigo y pasión. Es una película sensible, que apela al recuerdo, y funciona como un gran homenaje a la cinta original del año 1961. Y por si fuera poco, se siente tremendamente actual. ¿Qué elementos tiene que la hacen especial? Vamos por parte.
La historia que presenta esta renovada “Amor sin Barreras” es sencilla. Siendo muy fiel a su predecesora, nos entrega este “Romeo y Julieta” moderno situado en San Juan Hill, un modesto barrio de Nueva York, en el año 1957. Hay dos bandos, dos pandillas que luchan por el control del territorio: los “Jets”, estadounidenses blancos liderados por Riff -Mike Faist-, y los “Tiburones”, jóvenes puertorriqueños guiados por Bernardo -David Alvarez-. El sector será demolido para construir el Lincoln Center, pero a ellos les tiene sin cuidado. Por encima está el orgullo y una supremacía que se debe demostrar e imponer a toda costa.
En esta lucha de puertorriqueños versus gringos, el resultado es incierto. Se proponen peleas, las calles son el escenario, las escaramuzas van y vienen, y mínimas diferencias pueden marcar trascendencia. En medio de todo el barullo surge algo inesperado: en una animada fiesta se conocen Tony -Ansel Elgort-, un miembro de los Jets que viene saliendo de prisión y está en libertad condicional, con María -Rachel Zegler-, la hermana menor de Bernardo. Ambos pertenecen a bandos opuestos sin embargo se gustan, se enamoran y con ello complican todo el escenario. La película describe este proceso en detalle, muestra un amor que traspasa fronteras y límites, y gira en torno a estos dos amantes, con sus peripecias, sueños y desgracias, avanzando progresivamente en tensión hasta su conclusión.
Lo primero a destacar, aunque sea tal vez una obviedad, es la hermosura de la música. Estamos frente a una partitura compuesta por Leonard Bernstein para el musical de Broadway, con letras de Stephen Sondheim. Mediante algunas adaptaciones y adecuaciones, David Newman realiza un notable trabajo de revisionado que entrega novedad y frescura a melodías que se encuentran en nuestro inconsciente y que siguen seduciendo aún más con el paso de los años. Gustavo Dudamel, director de orquesta venezolano, conduce a la Filarmónica de Nueva York en un trabajo musical formidable en forma y fondo, obteniendo un resultado a gran nivel.
En los papeles protagónicos destacan Rachel Zegler y Ansel Elgort. Su entrega llena de vida, cantando y bailando, logran convencer plenamente. Y la vara es alta, son los sucesores de Natalie Wood y Richard Beymer, cuyo recuerdo sigue tan vivo como el primer día. Zegler y Elgort se comprometen realmente con sus roles, son tremendamente expresivos y consiguen escenas vibrantes, tanto en la intimidad como en formato grupal, y transmiten lo que sienten en todo momento. También aparece un nuevo papel, el de Valentina, lo que constituye un gran acierto. Interpretada nostálgicamente por Rita Moreno (la galardonada Anita de 1961), le da novedad a la historia y funciona tanto como homenaje, como continuidad y referencia temporal paradójica.
Una película de Steven Spielberg siempre da garantías. Tiene un sello propio y claramente un alto nivel de calidad. En este caso, la realización visual y sonora es fantástica, las coreografías vistosas y preciosas, y cada cuadro se encuentra excelentemente logrado en todo sentido. Por mencionar algunos, donde destaca la disputa por la pistola en el Muelle, vemos que “María”, “Tonight”, “America”, el “Mambo”, “Chachachá”, y “Somewhere”, lucen espléndidos, llenos de color y expresiva emoción.
Spielberg se encarga de poner las cámaras precisas para captar cada uno de los momentos de la acción. Adiciona, además, una excelente edición, montaje y continuidad, junto a un gran despliegue escenográfico al captar un elenco perfectamente afiatado. Tal vez lo único reprochable podría ser los subtítulos con las traducciones de las canciones. Algo no cuadra, y a pesar de que se entiende el sentido, no deja de ser un detalle importante, donde es mejor escuchar el original y dejarse inspirar por las preciosas letras de Sondheim.
Permítanme, para finalizar, algo muy personal, pues no puedo dejar de recordar a mi mamá. ¡Cuánto le habría gustado ver esta nueva versión! Si el original le encantó, este le habría llegado al corazón. Es que esta nueva versión se inscribe dentro de los mejores trabajos musicales del último tiempo, por su solidez, calidad, buen ritmo y garantizada entretención. ¡Qué mejor!
¡Gran película, imperdible!
Ficha técnica
Título original: West Side Story
Año: 2021
Duración: 156 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Amblin Entertainment, 20th Century Studios. Distribuidora: 20th Century Studios
Género: Musical. Romance. Drama
Guion: Tony Kushner. Libro: Arthur Laurents. Musical: Jerome Robbins
Música: David Newman
Fotografía: Janusz Kaminski
Reparto: Rachel Zegler, Ansel Elgort, David Alvarez, Ariana DeBose, Rita Moreno, Josh Andrés Rivera, Corey Stoll, Brian d'Arcy James, Maddie Ziegler, Ana Isabelle, Mike Faist, Reginald L. Barnes, Jamila Velazquez
Dirección: Steven Spielberg
Esta versión 2021 de la famosa “West Side Story” resulta conmovedora. Configura un carrusel de emociones que pasa de la contemplación al compromiso; se mueve y se aquieta, moldea y modula, sube y baja, va de un lado a otro en un serpentín infinito de vértigo y pasión. Es una película sensible, que apela al recuerdo, y funciona como un gran homenaje a la cinta original del año 1961. Y por si fuera poco, se siente tremendamente actual. ¿Qué elementos tiene que la hacen especial? Vamos por parte.
La historia que presenta esta renovada “Amor sin Barreras” es sencilla. Siendo muy fiel a su predecesora, nos entrega este “Romeo y Julieta” moderno situado en San Juan Hill, un modesto barrio de Nueva York, en el año 1957. Hay dos bandos, dos pandillas que luchan por el control del territorio: los “Jets”, estadounidenses blancos liderados por Riff -Mike Faist-, y los “Tiburones”, jóvenes puertorriqueños guiados por Bernardo -David Alvarez-. El sector será demolido para construir el Lincoln Center, pero a ellos les tiene sin cuidado. Por encima está el orgullo y una supremacía que se debe demostrar e imponer a toda costa.
En esta lucha de puertorriqueños versus gringos, el resultado es incierto. Se proponen peleas, las calles son el escenario, las escaramuzas van y vienen, y mínimas diferencias pueden marcar trascendencia. En medio de todo el barullo surge algo inesperado: en una animada fiesta se conocen Tony -Ansel Elgort-, un miembro de los Jets que viene saliendo de prisión y está en libertad condicional, con María -Rachel Zegler-, la hermana menor de Bernardo. Ambos pertenecen a bandos opuestos sin embargo se gustan, se enamoran y con ello complican todo el escenario. La película describe este proceso en detalle, muestra un amor que traspasa fronteras y límites, y gira en torno a estos dos amantes, con sus peripecias, sueños y desgracias, avanzando progresivamente en tensión hasta su conclusión.
Lo primero a destacar, aunque sea tal vez una obviedad, es la hermosura de la música. Estamos frente a una partitura compuesta por Leonard Bernstein para el musical de Broadway, con letras de Stephen Sondheim. Mediante algunas adaptaciones y adecuaciones, David Newman realiza un notable trabajo de revisionado que entrega novedad y frescura a melodías que se encuentran en nuestro inconsciente y que siguen seduciendo aún más con el paso de los años. Gustavo Dudamel, director de orquesta venezolano, conduce a la Filarmónica de Nueva York en un trabajo musical formidable en forma y fondo, obteniendo un resultado a gran nivel.
En los papeles protagónicos destacan Rachel Zegler y Ansel Elgort. Su entrega llena de vida, cantando y bailando, logran convencer plenamente. Y la vara es alta, son los sucesores de Natalie Wood y Richard Beymer, cuyo recuerdo sigue tan vivo como el primer día. Zegler y Elgort se comprometen realmente con sus roles, son tremendamente expresivos y consiguen escenas vibrantes, tanto en la intimidad como en formato grupal, y transmiten lo que sienten en todo momento. También aparece un nuevo papel, el de Valentina, lo que constituye un gran acierto. Interpretada nostálgicamente por Rita Moreno (la galardonada Anita de 1961), le da novedad a la historia y funciona tanto como homenaje, como continuidad y referencia temporal paradójica.
Una película de Steven Spielberg siempre da garantías. Tiene un sello propio y claramente un alto nivel de calidad. En este caso, la realización visual y sonora es fantástica, las coreografías vistosas y preciosas, y cada cuadro se encuentra excelentemente logrado en todo sentido. Por mencionar algunos, donde destaca la disputa por la pistola en el Muelle, vemos que “María”, “Tonight”, “America”, el “Mambo”, “Chachachá”, y “Somewhere”, lucen espléndidos, llenos de color y expresiva emoción.
Spielberg se encarga de poner las cámaras precisas para captar cada uno de los momentos de la acción. Adiciona, además, una excelente edición, montaje y continuidad, junto a un gran despliegue escenográfico al captar un elenco perfectamente afiatado. Tal vez lo único reprochable podría ser los subtítulos con las traducciones de las canciones. Algo no cuadra, y a pesar de que se entiende el sentido, no deja de ser un detalle importante, donde es mejor escuchar el original y dejarse inspirar por las preciosas letras de Sondheim.
Permítanme, para finalizar, algo muy personal, pues no puedo dejar de recordar a mi mamá. ¡Cuánto le habría gustado ver esta nueva versión! Si el original le encantó, este le habría llegado al corazón. Es que esta nueva versión se inscribe dentro de los mejores trabajos musicales del último tiempo, por su solidez, calidad, buen ritmo y garantizada entretención. ¡Qué mejor!
¡Gran película, imperdible!
Ficha técnica
Título original: West Side Story
Año: 2021
Duración: 156 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Amblin Entertainment, 20th Century Studios. Distribuidora: 20th Century Studios
Género: Musical. Romance. Drama
Guion: Tony Kushner. Libro: Arthur Laurents. Musical: Jerome Robbins
Música: David Newman
Fotografía: Janusz Kaminski
Reparto: Rachel Zegler, Ansel Elgort, David Alvarez, Ariana DeBose, Rita Moreno, Josh Andrés Rivera, Corey Stoll, Brian d'Arcy James, Maddie Ziegler, Ana Isabelle, Mike Faist, Reginald L. Barnes, Jamila Velazquez
Dirección: Steven Spielberg
miércoles, 15 de diciembre de 2021
Rey Richard - Por Carlos Correa
Inspirada en hechos reales, esta es una de esas historias que se deben contar. Para quienes hemos visto la carrera profesional de Venus y Serena Williams, resulta más fascinante aún conocer algunos detalles de su infancia y sus primeros pasos en el tenis. Saber, o al menos vislumbrar, lo que hay detrás de sus enormes éxitos deportivos, despierta un natural interés, sobretodo tomando en cuenta esa figura paterna de rasgos y características especiales.
“King Richard” se centra justamente en la historia de Richard Williams -Will Smith-, trabajador incansable y padre tenaz, que tiene como objetivo primordial criar a sus dos hijas y convertirlas en extraordinarias atletas. Venus -Saniyya Sidney-, y Serena -Demi Singleton-, están convencidas del plan trazado por su padre, no lo discuten ni menos lo rebaten. Influenciadas y apoyadas también por su madre Oracene "Brandy" -Aunjanue Ellis-, parecen tener claro desde muy pequeñas que el sacrificio y el trabajo duro es la única forma de destacar y así superar cualquier dificultad o condición.
La vida de la familia Williams no es fácil. Viven modestamente en Compton, California, y comparten un espacio reducido junto a tres hijas mayores de Oracene. Las privaciones y ajustes propios de esa realidad no representan una barrera para el genuino deseo de superación familiar. La exigencia es alta, el esfuerzo fundamental, mientras que el respeto y amor filial, ciertamente es su pilar número uno. Pero hay deferencias, por supuesto, implícitas y explícitas, que perfectamente podrían poner en riesgo cualquier ideal futuro, sin embargo la familia es capaz de sortearlas tal como si estuvieran disputando una carrera con obstáculos.
La persistencia de Richard parece dar frutos. Primero con un reconocido entrenador de Sampras y luego haciendo una jugada maestra, una arriesgada apuesta por Rick Macci, “King” parece controlar cada paso que dan las jóvenes deportistas. Tiene respuesta para todo, un plan A, B o el que le pidan, aunque aquello no impide que el camino se dificulte en la medida que las diferentes etapas de crecimiento de las niñas avanzan. Y claro, conocemos el desenlace, sin embargo aun así la historia nos atrapa, porque no se trata de saber el final sino justamente de observar el desarrollo: qué pasos se dan y cómo se gesta este ascenso épico a la élite del deporte mundial.
En esta película dirigida por Reinaldo Marcus Green, vemos a Will Smith en un rol que le sienta cómodo. Acapara la pantalla, parece no abandonarla nunca, y su presencia se siente en todo momento. Es, probablemente, una actuación que perfectamente podría tener una nominación al Óscar por la construcción de un personaje fuerte, omnipresente y de características precisas que Smith conjuga muy bien con elaboradas expresiones. Smith puede ser tan agobiante como Richard lo es en la dirección de sus hijas. Y acá el rol de autoridad paterna -y ojo, también materna-, resulta clave en el análisis. La exigencia, ya lo dijimos, es máxima. ¿Hay abuso en esto? ¿Las hijas tienen libertad de elegir? Hay valores fundamentales en juego, el tesón, la perseverancia, la insistencia, junto con gran convicción, amor, confianza y lealtad familiar. No obstante, igual se observa intransigencia y rigidez, las ideas fijas amenazan el curso de los hechos, la inflexibilidad puede convertirse en la peor amenaza de estos idealizados sueños.
La importancia de la familia se destaca como pieza clave en el guion escrito por Zach Baylin. Otros temas presentes abordan la pobreza, el racismo y la religión, aunque siempre en un plano algo más interno, aunque sin perder protagonismo ni descuidar su influencia en la historia. La lucha y el sacrificio emergen como respuesta natural a condiciones precarias, como mecanismos de defensa y también como una gran fortaleza ante la adversidad o bien ante cualquier forma de discriminación.
Este trabajo de Marcus Green posee una filmación ágil, una acertada recreación de los partidos de tenis, y ofrece un retrato creíble del día a día de sus protagonistas. Se posiciona al deporte como algo fundamental para mantener a las hijas alejadas de las calles, apartadas de entornos llenos de pandillas y sus naturales peligros. La cinta mantiene la tensión y solo cae en torno a los dos tercios al hacerse predecible, aunque logra remontar en su cuarto final.
“King Richard” resulta interesante y amerita verla, no solo por el componente histórico sino también por su realización y sus actuaciones. Es un poco larga, es cierto, pero si nos dejamos llevar se hace más ligera. Y Will Smith encarna tan bien al personaje central que las imágenes finales -las reales- de mucho del material filmado nos pone en contexto para apreciar el gran trabajo de producción y recreación en una película de la que seguramente escucharemos hablar en la próxima temporada de premios.
Ficha técnica
Título original: King Richard
Año: 2021
Duración: 138 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Star Thrower Entertainment, Westbrook Studios, Warner Bros., Overbrook Entertainment. Distribuidora: Warner Bros., HBO Max
Género: Drama | Familia. Biográfico. Deporte. Tenis
Guion: Zach Baylin
Música: Kris Bowers
Fotografía: Robert Elswit
Reparto: Will Smith, Demi Singleton, Saniyya Sidney, Aunjanue Ellis, Jon Bernthal, Tony Goldwyn, Andy Bean, Kevin Dunn, Craig Tate, Dylan McDermott, Katrina Begin, Andy Hoff, Jimmy Walker Jr.
Dirección: Reinaldo Marcus Green
“King Richard” se centra justamente en la historia de Richard Williams -Will Smith-, trabajador incansable y padre tenaz, que tiene como objetivo primordial criar a sus dos hijas y convertirlas en extraordinarias atletas. Venus -Saniyya Sidney-, y Serena -Demi Singleton-, están convencidas del plan trazado por su padre, no lo discuten ni menos lo rebaten. Influenciadas y apoyadas también por su madre Oracene "Brandy" -Aunjanue Ellis-, parecen tener claro desde muy pequeñas que el sacrificio y el trabajo duro es la única forma de destacar y así superar cualquier dificultad o condición.
La vida de la familia Williams no es fácil. Viven modestamente en Compton, California, y comparten un espacio reducido junto a tres hijas mayores de Oracene. Las privaciones y ajustes propios de esa realidad no representan una barrera para el genuino deseo de superación familiar. La exigencia es alta, el esfuerzo fundamental, mientras que el respeto y amor filial, ciertamente es su pilar número uno. Pero hay deferencias, por supuesto, implícitas y explícitas, que perfectamente podrían poner en riesgo cualquier ideal futuro, sin embargo la familia es capaz de sortearlas tal como si estuvieran disputando una carrera con obstáculos.
La persistencia de Richard parece dar frutos. Primero con un reconocido entrenador de Sampras y luego haciendo una jugada maestra, una arriesgada apuesta por Rick Macci, “King” parece controlar cada paso que dan las jóvenes deportistas. Tiene respuesta para todo, un plan A, B o el que le pidan, aunque aquello no impide que el camino se dificulte en la medida que las diferentes etapas de crecimiento de las niñas avanzan. Y claro, conocemos el desenlace, sin embargo aun así la historia nos atrapa, porque no se trata de saber el final sino justamente de observar el desarrollo: qué pasos se dan y cómo se gesta este ascenso épico a la élite del deporte mundial.
En esta película dirigida por Reinaldo Marcus Green, vemos a Will Smith en un rol que le sienta cómodo. Acapara la pantalla, parece no abandonarla nunca, y su presencia se siente en todo momento. Es, probablemente, una actuación que perfectamente podría tener una nominación al Óscar por la construcción de un personaje fuerte, omnipresente y de características precisas que Smith conjuga muy bien con elaboradas expresiones. Smith puede ser tan agobiante como Richard lo es en la dirección de sus hijas. Y acá el rol de autoridad paterna -y ojo, también materna-, resulta clave en el análisis. La exigencia, ya lo dijimos, es máxima. ¿Hay abuso en esto? ¿Las hijas tienen libertad de elegir? Hay valores fundamentales en juego, el tesón, la perseverancia, la insistencia, junto con gran convicción, amor, confianza y lealtad familiar. No obstante, igual se observa intransigencia y rigidez, las ideas fijas amenazan el curso de los hechos, la inflexibilidad puede convertirse en la peor amenaza de estos idealizados sueños.
La importancia de la familia se destaca como pieza clave en el guion escrito por Zach Baylin. Otros temas presentes abordan la pobreza, el racismo y la religión, aunque siempre en un plano algo más interno, aunque sin perder protagonismo ni descuidar su influencia en la historia. La lucha y el sacrificio emergen como respuesta natural a condiciones precarias, como mecanismos de defensa y también como una gran fortaleza ante la adversidad o bien ante cualquier forma de discriminación.
Este trabajo de Marcus Green posee una filmación ágil, una acertada recreación de los partidos de tenis, y ofrece un retrato creíble del día a día de sus protagonistas. Se posiciona al deporte como algo fundamental para mantener a las hijas alejadas de las calles, apartadas de entornos llenos de pandillas y sus naturales peligros. La cinta mantiene la tensión y solo cae en torno a los dos tercios al hacerse predecible, aunque logra remontar en su cuarto final.
“King Richard” resulta interesante y amerita verla, no solo por el componente histórico sino también por su realización y sus actuaciones. Es un poco larga, es cierto, pero si nos dejamos llevar se hace más ligera. Y Will Smith encarna tan bien al personaje central que las imágenes finales -las reales- de mucho del material filmado nos pone en contexto para apreciar el gran trabajo de producción y recreación en una película de la que seguramente escucharemos hablar en la próxima temporada de premios.
Ficha técnica
Título original: King Richard
Año: 2021
Duración: 138 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Star Thrower Entertainment, Westbrook Studios, Warner Bros., Overbrook Entertainment. Distribuidora: Warner Bros., HBO Max
Género: Drama | Familia. Biográfico. Deporte. Tenis
Guion: Zach Baylin
Música: Kris Bowers
Fotografía: Robert Elswit
Reparto: Will Smith, Demi Singleton, Saniyya Sidney, Aunjanue Ellis, Jon Bernthal, Tony Goldwyn, Andy Bean, Kevin Dunn, Craig Tate, Dylan McDermott, Katrina Begin, Andy Hoff, Jimmy Walker Jr.
Dirección: Reinaldo Marcus Green
martes, 14 de diciembre de 2021
Imperdonable - Por Alejandro Caro
Sinopsis: Tras salir de prisión después de cumplir condena de 20 años por un crimen violento, Ruth Slater (Bullock) se reinserta en una sociedad que se niega a perdonar su pasado. Tras enfrentarse a las duras opiniones del lugar que una vez fue su hogar, su única esperanza de redención es encontrar a su hermana pequeña Katherine (Aisling Franciosi) a la que tuvo que dejar detrás.
Drama producto de un remake de una serie británica, "Unforgiven", de Sally Wainwright. Esta última es mejor que el filme de Nora Fingscheidt, el cual se torna lento en su desarrollo, pues carece de tensión narrativa. Aunque la historia no es nueva y creativa, los giros del guion permiten mantener el interés, ayudado, por supuesto, por la actuación de una casi fantasmal Bullock, carente de emociones propias de alguien que carga con lo sucedido, quien junto a su hermana pequeña y flashbacks, van reconstruyendo el momento de lo acontecido en aquel hogar.
Faltó desarrollar los personajes secundarios que los tenía, y buenos, por ejemplo a Viola Davis, Rob Morgan, Vincent D'Onofrio.
La historia de la protagonista es tan dramática, que el espectador termina solidarizando con su drama, pues como suele ocurrir con alguien salido de la cárcel, la comunidad a la que debe integrarse le hará sentir que aún debe pagar su deuda: comenzando por encontrar un trabajo y seguir cargando con el estigma de la prisión o por la sed de venganza de aquellos que fueron víctimas, como sucede en este filme. Es verdad, esto último es relevante en el cine, puede que los protagonistas no lo sientan, pero es casi de manual que los espectadores sí deben sentir la tensión de peligro. Eso no sucede aquí.
Para pasar el momento, puede que nos emocionemos.
Ficha técnica
Drama producto de un remake de una serie británica, "Unforgiven", de Sally Wainwright. Esta última es mejor que el filme de Nora Fingscheidt, el cual se torna lento en su desarrollo, pues carece de tensión narrativa. Aunque la historia no es nueva y creativa, los giros del guion permiten mantener el interés, ayudado, por supuesto, por la actuación de una casi fantasmal Bullock, carente de emociones propias de alguien que carga con lo sucedido, quien junto a su hermana pequeña y flashbacks, van reconstruyendo el momento de lo acontecido en aquel hogar.
Faltó desarrollar los personajes secundarios que los tenía, y buenos, por ejemplo a Viola Davis, Rob Morgan, Vincent D'Onofrio.
La historia de la protagonista es tan dramática, que el espectador termina solidarizando con su drama, pues como suele ocurrir con alguien salido de la cárcel, la comunidad a la que debe integrarse le hará sentir que aún debe pagar su deuda: comenzando por encontrar un trabajo y seguir cargando con el estigma de la prisión o por la sed de venganza de aquellos que fueron víctimas, como sucede en este filme. Es verdad, esto último es relevante en el cine, puede que los protagonistas no lo sientan, pero es casi de manual que los espectadores sí deben sentir la tensión de peligro. Eso no sucede aquí.
Para pasar el momento, puede que nos emocionemos.
Ficha técnica
Título original: The Unforgivable
Año: 2021
Duración: 113 minutos
País: Reino Unido
Dirección: Nora Fingscheidt
Guion: Sally Wainwright, Peter Craig, Hillary Seitz, Courtenay Miles
Música: Dave Fleming, Hans Zimmer
Fotografía: Guillermo Navarro
Reparto: Sandra Bullock, Viola Davis, Rob Morgan, Vincent D'Onofrio, Jon Bernthal, Aisling Franciosi, Richard Thomas, Linda Emond, Emma Nelson, Toby Hargrave.
Productora: Coproducción Reino Unido-Alemania-Estados Unidos;
Construction Film, GK Films, Fortis Films Production. Distribuidora: Netflix
Género: Drama, Remake
Disponible en Netflix