Un gato con suerte - Por Carlos Correa Acuña

Me encantan las películas animadas. Trato de ver todos los estrenos en el cine, sin embargo a veces la vorágine no lo permite, o bien, no coinciden necesariamente los horarios. Esto me pasó con esta propuesta, me demoré en verla, pero no hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague. Además, los buenos comentarios recibidos por esta animación se justifican plenamente, ya que se trata de una sencilla fábula animada con un protagonista encantador, un personaje que, además, está a medio camino entre varios de sus congéneres archiconocidos.

Vamos por parte. La historia corresponde a Beckett, un gato mimado y un poquitín egoísta que se siente pleno por la buena suerte que ha tenido en la vida. La película se centra en su transformación, pues tras perder su novena vida, se embarca en una serie de reencarnaciones que le enseñan lecciones importantes sobre el amor, la vida y el apoyo mutuo.

Lo que primero observamos es la forma cómo Rose lo rescata de morir atropellado. De ahí en más, viene la vida cotidiana, ese lazo y vínculo que se forma entre ambos, en especial al comienzo, cuando Beckett es aún un pequeño gatito, una ternurita que dan ganas de no soltar jamás. Pero bueno, crece, y bastante, y en eso llega un tercero, el ex novio de Rose, y la cosa se complica porque obviamente se siente desplazado, tiene celos, y todo termina mal. Se acaban, entonces, sus nueve vidas.

Beckett llega al cielo y suplica por clemencia. Un “Guardián” le permite regresar a la Tierra con otras nueve vidas. Pero esto no es una repetición de lo anterior, pues, con esta nueva oportunidad, nuestro gatito experimenta diversas formas de existencia a través de las que debe aprender, a la fuerza, sobre la importancia de las relaciones y sobre el amor desinteresado.

En paralelo se encuentra el tema de las abejas con las que Rose trabaja en diversos experimentos cuyo fin es salvarlas del exterminio, con un jefe preocupado y sistemático pero que oculta un gran secreto. No adelantaré nada de esta trama para que la puedan descubrir, porque es otra de las lindas enseñanzas que destaca en esta simpática película.

Volviendo a Beckett, la experiencia de ser pájaro, perro, pez y caballo, entre otros, no le sienta muy bien, está perdido, y lo único que quiere es poder volver a estar con Rose, tal como era antes.

En el interin, la maldad a su alrededor va en aumento, y cuando nuestro protagonista se da cuenta, no duda un segundo en sacrificarse para proteger a su querida Rose. Por eso, cuando ya el segundo racimo de vidas está por terminar, comprende, tal vez, la mayor lección de todas, esa que reza que “cuando amas con todo tu corazón, solo una vida es lo que necesitas”.

Dirigida por Mark Koetsier y Christopher Jenkins, “10 Lives”, su título original, seduce por la simpatía y simpleza que tiene al momento de entregar su mensaje. Beckett no solo aprende sobre el amor al prójimo y el valor de la vida, sino que también se enfrenta a una profunda transformación que lo lleva a encontrar la mejor versión de sí mismo, un tema valórico primordial traducido a un lenguaje sencillo que, además, permite que grandes y chicos lo disfruten al máximo. Y me incluyo, naturalmente, entre los “chicos” grandes.

Ficha técnica

Título original: 10 Lives
Año: 2024
Duración: 78 minutos
País: Reino Unido
Compañías: GFM Animation, Original Force, 10 Lives Productions, Align, Caramel Film, Netflix Animation
Género: Animación. Comedia | Gatos. Cine familiar
Guion: Ken Cinnamon, Karen Wengrod
Música: Geoff Zanelli
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Mark Koetsier, Christopher Jenkins

Amor, mentiras y sangre - Por Elizabeth Salazar T.

"Poder femenino"

Producida por A 24, la famosa productora y distribuidora de cine, este filme nos muestra la historia de una solitaria encargada de un gimnasio llamada Lou (Kristen Stewart), que se enamora perdidamente de una ambiciosa físicoculturista (Katy O’Brien), que ha llegado recientemente al lugar y que se encuentra obsesionada con triunfar en un torneo deportivo en Las Vegas. Ellas comienzan a tener un romance, que se verá interrumpido debido a que ambas caerán en una violenta red criminal encabezada por el lunático padre de Lou (Ed Harris).

Dos mujeres que se encuentran y comienzan a conocerse, apoyarse y enamorarse, cuando parece que están viviendo un buen momento, comienzan a enfrentar situaciones complicadas, violentas, que les desequilibra todo. A partir de este hecho, algunos recuerdos que Lou tenía bloqueados comienzan a aparecer…

El personaje de Jackie quiere lograr tener éxito, para esto realiza exhaustivos entrenamientos, pero empieza además, a consumir una droga, esto la desestabiliza, y aunque su físico comienza a verse cada vez mejor para la competencia, la llevará a tomar decisiones que tendrán graves consecuencias. Lou trata de apoyar a Jackie, pero también, en su vida familiar, debe lidiar con situaciones complicadas; su hermana Daisy (Anna Baryshnikov), tiene un marido que la maltrata JJ (Dave Franco), Lou ve con impotencia esto… Su padre es un hombre de aspecto desagradable, y su forma de ser es aún peor. Todo el elenco realiza una buena interpretación, destaco a Katy O’Brien, es muy creíble en su rol.

Esta película tiene momentos desconcertantes, que estoy segura de que lo atraparán y querrá saber cómo concluye la aventura de sus dos protagonistas.

Directora: Rose Glass
Duración: 104 Minutos
Distribuye: Cinetopia Chile

La idea de ti - Por Elizabeth Salazar T.

"Una nueva oportunidad en el amor"

El pasado 6 de marzo, se lanzó el tráiler de esta comedia romántica y se convirtió en un suceso, alcanzó 125 millones de reproducciones en las redes sociales, convirtiéndose en uno de los más visto de la historia para una película de streaming. Es una adaptación del libro de Robinne Lee, en 2017, del mismo nombre. La trama sigue a Solène (Anne Hathaway), una madre soltera de 40 años, a quien se le presenta la oportunidad de vivir el sueño adolescente de muchas chicas: enamorarse de Hayes Campbell (Nicholas Galitzini), el ídolo pop del momento, a quien conoce por casualidad al llevar a su hija a un concierto de la banda que él encabeza, August Moon. El romance se complicará debido a la diferencia de edad, él tiene 24 años, pero además por el escrutinio público al que se verán expuestos por la fama del cantante.

Mucho se ha comentado, que además del libro, la trama se habría inspirado en la relación de Harry Styles con la directora Olivia Wilde, y aunque Anne Hathaway lo negó, es inevitable no notar algunas similitudes, como los tatuajes que luce Hayes, similares a los Harry Styles y, además, cabe recordar que Styles también fue cantante de una boy band. Igualmente, me recordó a “Nottin Hill”, por las complicaciones que debe afrontar una persona común, cuando se enamora de un famoso.

Esta comedia romántica es todo lo que esperaba y más, porque está muy bien realizada, podemos ver arte, en la galería que tiene Soléne, disfrutar con las imágenes de los conciertos de August Moon, esta banda ficticia que grabó canciones para el filme, pero también toca temas como el bullying, el acoso de los paparazzi a los famosos, los prejuicios y las inseguridades de Soléne.

Los protagonistas tienen muy buena química, hay unas escenas muy sensuales, de verdad que ambos están posesionados en sus personajes y les creemos todos. Nos vamos encantando con esta pareja. La hija adolescente de Soléne es Izzy (Ella Rubin), es una chica muy agradable, que quiere mucho a su madre y desea su felicidad, pero como en toda película tiene que haber un antagonista, acá es Daniel (Reid Scott), el ex marido de Soléne, un tipo realmente desagradable.

Las canciones August Moon, son pegajosas, estoy segura que tras verla tarareará “Dance before we walk”, realmente fueron interpretadas por él, Nicholas, que además tocó instrumentos y bailó para su papel.

Es una película que le llegará al corazón y le hará pasar un muy buen rato viéndola.

Se estrena el 2 de mayo en Prime Video.

Rebel Moon Parte 2 - Por Pablo Croquevielle

"El Eterno desorden de Zack Snyder"

Si hay un director actual que divide a la fanaticada en el sub mundo del cine superheroico, ese es Zack Snyder. O lo consideras el máximo salvador del género en el cine, el mesías prometido, o simplemente es un fraude como director, que debería haberse alejado hace mucho tiempo de la silla principal.

Es cierto que su visión de la Liga de la Justicia (2021) fue un acontecimiento histórico. Mal que mal, la versión anterior (de Josh Whedon, de 2017) fue blanco de críticas tanto de los espectadores, críticos y actores, estos últimos por su mal comportamiento en los rodajes.

Luego de que Snyder en la red social VERO hiciera eco de cómo era originalmente su historia, que cuál había sido su visión, las ideas y planes que tenía para la franquicia, los fans no se hicieron esperar y armaron el escándalo máximo en internet con un hashtag llamado #ReleaseTheSnyderCut.
E increíblemente funcionó, y el director (haciendo trampa por que igual filmó material nuevo adicional para agregar), por fin sacó el trabajo que abruptamente había dejado en su momento.

Si el corte de director (Snyder Cut) es bueno o malo, lo dejo al lector de esta reseña.

El año pasado, Zack Snyder presentó su película original para la plataforma Netflix llamada “Rebel Moon parte 1: La niña de fuego”, una cinta de ciencia ficción espacial. Haciendo la del picado (por que presentó la idea en Lucas Films y lo rechazaron), inventó su propio universo de Star Wars sin llamarse Star Wars.
Aquí, unos improbables héroes deben reunirse para salvar a un pueblo de las malvadas garras del imperio y de las manos del tirano Balisarius.

Y en el papel, la idea estaba bien, pero la ejecución fue diferente. Mucho desorden, muchos personajes que no aportaban a la trama, y un uso un tanto excesivo del sello característico de Snyder, el Slow Motion.
Si en 300, su película que adaptaba la novela gráfica del mismo nombre, tenía un meticuloso uso de eso y funcionaba muy bien, aquí se va, en buen chileno, a la chuña.

Independiente de que la cinta haya sido de las mas vistas en Netflix durante semanas, esta no se salvó de ser apaleada por la crítica.
Y obvio, el director apareció diciendo que esta no era su versión, que próximamente tendríamos una nueva y mas larga, mas violenta y con sexo incluido. Porque Snyder tiene el problema de que si dicen que su película es mala, el sale con “no, espera, tengo una versión distinta”.

Y llegamos a la secuela “Rebel Moon parte 2: La guerrera que deja marcas”, donde se nota que esta era una sola película divida en dos partes, y sin embargo tampoco le ayuda.
Con 30 lentos minutos de inicio donde no pasa nada, y al mismo tiempo todo lo que sucede es en cámara lenta, la historia se desordena aún más con escenas que no aportan, con diálogos sacados de un cómic mal escrito y actores que dan lo mejor de sí ante un guion que definitivamente no ayuda.

Si algo bueno tiene Snyder es su elaborada mirada hacia la cinematografía, sabe ser director de fotos, sabe bien los aspectos técnicos. Su problema es que falla a la hora de ser un director de cine, falla escribiendo guiones que no sirven pero que como tiene un grupo de fans bastante ruidosos (casi un culto religioso) en internet, está claro que las películas que saque, van a hacer ruido.

No hay mucho que decir de Rebel Moon Parte 2, salvo que ni las épicas escenas de acción, ni el excesivo uso de slow motion, ni su promesa de que serán seis películas para contar una historia completa ni personajes que son 0 aporte para la trama ni nada que pueda (no) ofrecer esta película puede ayudarle a tener un mejor desempeño.

Y sí, su segunda parte es peor que la primera.

Y si no hablé de ella es porque realmente apenas terminé de verla, prácticamente me olvidé de todo lo visto.

Zack Snyder es un buen director a la hora de adaptar obras (300, Watchmen) pero pésimo a la hora de crear películas originales (Army of the Dead, Rebel Moon 1 y 2, Sucker Punch). El director debería tener un equipo de personas que no sólo le digan “sí” a todas sus ideas, sino que se atrevan a decirle cuando algo no funciona, cuando algo debe cambiar.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Titulo original: Rebel Moon – Part Two: The Scarvinger
Año: 2024
Duración: 115 minutos
Dirección: Zack Snyder
Guion: Zack Snyder, Snay Hatten, Kurt Johnstad / Historia original de Zack Snyder
Reparto: Sofia Boutella, Djimon Hounsou ,Ed Skrein, Michiel Huisman, Doona Bae, Ray Fisher, Staz Nair, Fra Fee ,Elise Duffy, Anthony Hopkins
Fotografía: Zack Snyder
Compañias: Grand Electric y The Stone Quarry
Género: Ciencia Ficción, Acción

Días perfectos: Wim Wenders viaja a Tokio - Por José Luis Nicolás

Hirayama (interpretado por Kōji Yakusho), un japonés de mediana edad (y semblante calmado), trabaja limpiando los baños públicos de Tokio, vive una vida sin sobresaltos y trata de no molestar a nadie. Se traslada (diariamente) por la ciudad en un vehículo de color azul y, mientras transita por las concurridas autopistas niponas, escucha unos cassetes de música anglo que atesora como el bien más preciado. Sus otras aficiones son la fotografía y la lectura.

Así se perfila la historia que el icónico director Win Wenders nos cuenta en la película Perfect Days. Un filme que sigue la vida de una persona común y corriente, y su interacción con los demás: compañeros de trabajo, familiares (una hermana y una sobrina) y algunos amigos.

Wim Wenders, que fue apreciado por la crítica especializada en la década de 1980, gracias a películas como Paris Texas, viaja de su natal Düsseldorf hasta la vanguardista y estructurada Tokio, para contar una historia universal y tan cercana como el prójimo que no vemos, y pasa al lado nuestro cuando vamos camino al trabajo.

Este cineasta alemán moldea la historia a su manera, logrando -en el espectador- que una hora y 20 minutos (de dos horas) de la película pasen con gran velocidad, sin que se generen grandes sobresaltos en el relato. Curiosamente el sopor de esta cinta comienza cuando la trama profundiza en el drama personal del protagonista.

Con todo, Wenders impone su escuela narrando las vivencias de un hombre análogo y sencillo, que intenta no entrar en guerra con la vehemente modernidad. Querido lector: si se anima a ver Días Perfectos, trate de no juzgarla prematuramente, dele su tiempo y tenga paciencia.

Disponible en Mubi.

Ficha técnica

Título original: Perfect Days
Año: 2023
Duración: 124 minutos
País: Japón Japón
Dirección: Wim Wenders
Guión: Takuma Takasaki, Wim Wenders
Reparto: Kôji Yakusho, Arisa Nakano, Tokio Emoto, Yumi Asou
Fotografía: Franz Lustig
Compañías: Coproducción Japón-Alemania; Master Mind Limited, Wim Wenders Productions

Contra Todos - Por Elizabeth Salazar T.

"El Kill Bill masculino"

Para quienes gustan de las películas de acción acá tienen una buena opción, trata de Boy (Bill Skarsgård), un joven que deberá enfrentarse a la desquiciada matriarca de una corrupta dinastía post apocalíptica que lo dejó huérfano, sordo y sin voz. Tras vivir una trágica infancia, un enigmático chamán le convertirá en un instrumento de venganza y lo soltará en su lejana distopía en vísperas de la matanza anual de disidentes. Intentando encontrar su lugar, Boy se unirá a un grupo de resistencia a la vez que mantendrá intensas discusiones con el fantasma de su rebelde hermana pequeña.

El estilo de narración de este filme es distinto, su protagonista es mudo, por lo tanto todo lo que va contando, es a partir de una voz en off que cuenta sus pensamientos. El ritmo es muy dinámico, no hay que ni pestañear, para no perderse detalle. Aunque, de a poco, va armando una historia que logra ser redonda, es decir, donde todo tiene sentido.

Fue inevitable no recordar a “Kill Bill” (2003). Boy se entrena con un maestro oriental, la sed de venganza, las coreografías de sus infatigables peleas, es muy sangrienta, tiene una buena sonora, además de humor negro y un relato ágil.

Su protagonista, Bill Skarsgård, se nota que lo pasó muy bien interpretando este rol. A pesar de que la película tiene situaciones bizarras, también tiene crítica social, cómo los gobernantes se aprovechan del pueblo.

Realmente se pasa un muy buen rato viéndola. Una película entretenida y diferente.

Director: Moritz Mohr
Duración: 112 Minutos
Distribuye: BF Distribution

Desafiantes - Por Carlos Correa Acuña

Dirigida por Luca Guadagnino (“Llámame por tu nombre”), “Challengers” es una película bien construida, porque lo que escenifica sobre el mundo del tenis logra tener credibilidad en variados aspectos y tal vez el más evidente es respecto la recreación de los partidos. A través de interesantes tomas y ángulos interesantes, realmente se mete dentro de la cancha, un efecto que se ve enriquecido por un sonido de gran calidad. Los golpes de las raquetas los sentimos tan cercanos que es como si estuviéramos realmente en el lugar. Un segundo tópico es todo lo que rodea a los campeonatos, y que está representado como el espectáculo que es, pero también al mostrar como contraste una parte de la vida íntima de los participantes del tour, algo que generalmente desconocemos. Un tercer tema, y quizá el más importante, es el que se refiere a las relaciones personales, el descubrimiento de las nuevas promesas, su crecimiento y desarrollo para llegar a ser profesionales, y su posterior vinculación con un medio en el que sobreviven solo algunos, los más fuertes, tanto física como mentalmente.

“Desafiantes” -una traducción literal que no le hace justicia-, es una película que propone una buena inmersión en el competitivo mundo del tenis, y que entrelaza la pasión por el deporte con las complejas relaciones humanas. La historia sigue a Tashi Duncan, interpretada por Zendaya, una talentosa y ex estrella juvenil que ha reorientado su carrera deportiva para convertirse en entrenadora. Con férrea determinación y una estrategia implacable, Tashi se enfrenta al desafío de revivir la competividad de su esposo, Art Donaldson -Mike Faist- un gran campeón que está transitando por una época de declive, con malos resultados y una muy mala racha. Sin embargo, el plan gira inesperadamente cuando Donaldson debe competir en un torneo de menor nivel conocido como “Challenger” -de allí el título original y lo que da el sentido global a la cinta-, contra Patrick Zweig -Josh O'Connor-, el ex mejor amigo y antiguo amor de Tashi.

El momento presente de Art es complicado. Ha perdido sus últimas presentaciones y la falta de confianza producto de aquello lo ha llevado a estar prácticamente en blanco; no sabe qué hacer. Patrick, por su parte, no lo pasa mejor, vive al tres y al cuatro, con deudas y sin dinero, ni siquiera tiene crédito para pagarse un alojamiento decente mientras intenta desesperadamente competir. Son dos vidas diferentes, escenarios distintos, uno al lado del otro, como los dos lados de una cancha de tenis que están separados por una ligera red que por momentos parece invisible.

La película regresa al pasado para ilustrarnos la historia completa, 13 años atrás, cuando estos dos jóvenes talentosos eran dos amigos irreductiblemente inseparables, una amistad a toda prueba que tiene un punto de quiebre cuando ambos se enamoran de Tashi, la estrella femenina del momento. Surge allí una competencia que trasciende el campo de juego y lo deportivo, donde las reglas ya no son las mismas, y comienza a imponerse el deseo y el amor.

A medida que los personajes navegan por sus conflictos pasados y presentes, la tensión se intensifica, llevando a Tashi a cuestionarse el verdadero precio de la victoria. La exploración intensa de la competitividad extrema, tanto dentro como fuera de la cancha, y del triángulo amoroso entre Tashi, su esposo y Patrick, se transforma en el eje central de un metraje que tiene un punto de inflexión cuando conocemos que una lesión ha truncado la carrera de la joven promesa.

Con actuaciones estupendas de Zendaya con su desbordante magnetismo, de Josh O'Connor en altísimo nivel, y de Mike Faist mostrando una íntima contención, “Challengers” abarca muchas temáticas, como por ejemplo el valor de la autoestima, las decisiones vitales y los caminos a seguir en la vida, el capricho diferenciado del amor, el despecho, la competencia, las motivaciones, las cuentas pendientes, la vida familiar, los fantasmas de un pasado no superado, y el desafío que implica poder optar y elegir libremente.

Un partido decisivo -la final de este Challenger previo al US Open-, es el ícono transversal que guía el relato. La tensión se palpa en cada punto, en cada juego y en cada set, momentos que son recorridos a lo largo de toda la cinta y que se van enlazando con diferentes facetas y múltiples recuerdos de los protagonistas, en una interesante construcción no lineal que nos mantiene en vilo, casi siempre, al borde de la cancha.

Si bien la secuencia del incierto final resulta un poquito extensa, alargada con cámaras lentas que pierden efectividad producto del exceso de repetición, la película logra mostrar estas relaciones amor-odio ejemplificadas como imágenes y metáforas de la vida, insertas en una cancha de tenis. Esa delgada línea que divide esos sentimientos opuestos -que tienen en común el desenfreno y la pasión-, perfectamente podría verse representada tanto por la malla divisoria central, como por las líneas que separan el campo en sus seis cuadros.

“Challengers” se constituye como una muy buena propuesta. Gracias a su interesante narrativa, logra unir el mundo del deporte con los sentimientos profundos de sus protagonistas, aspectos que muchas veces no logran ir de la mano.

Ficha técnica

Título original: Challengers
Año: 2024
Duración: 131 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Pascal Pictures. Distribuidora: United Artists Releasing
Género: Drama. Romance | Drama romántico. Tenis
Guion: Justin Kuritzkes
Música: Trent Reznor, Atticus Ross
Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom
Reparto: Zendaya, Josh O'Connor, Mike Faist
Dirección: Luca Guadagnino

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 26 de Abril 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro Contreras y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.

Contra Todos - Por Jackie O.

“Venganza sin límites”

Sinopsis: “Boy” es un joven sordomudo que deberá enfrentarse a la matriarca de la desquiciada familia “Van del Koy” que tiene a toda la población bajo su yugo. Tras vivir una trágica infancia, un enigmático chamán le ha convertido en un instrumento de venganza listo para hacer justicia.

Una película donde vemos el maltrato físico y emocional de un preadolescente. Así es, un chamán en una selva quién sabe dónde, entrena con fiereza a este muchachito quien perdió brutalmente a su familia en manos de los “Van del Koy”, por lo que es entrenado como arma letal para acabar con la cabecilla de dicha familia, Hilda van der Koy.

Careciendo de comida, abrigo y contención, sordo y mudo, además, no conoce nada del mundo exterior, salvo algunas veces que va al pueblo a vender sus verduras.

Ya de adulto, y en una de esas idas al pueblo, ve a parte de esta familia, que prácticamente como mundo post apocalíptico tiene tomado el pueblo con sanguinarias reglas, procediendo a seguirlos para cobrar su venganza, no estando de acuerdo su chamán, pero nada puede hacer al respecto.

La cinta nos muestra feroces peleas muy ágiles, pero muy violentas, con sangre a borbotones y mutilaciones varias. Peleas muy fantasiosas donde al “jovencito” no le pasa nada y al resto sí. Cuenta con un guion bastante absurdo, donde trata de ser gracioso no siéndolo, donde mezcla temas como de “Los Juegos del Hambre" más John Wick”, pero en versión pobre.

Sí debo confesar que en su tramo final hay un giro interesante, que se veía venir por lo menos parte de él, trayéndonos una sorpresa extra. Lamentablemente hay que esperar hasta el final para ver que lo interesante es en su último tramo.

Bill Skarsgård es excelente en películas de acción, buen actor protagonista en esta comedia sangrienta, donde lo muestra como un gran exponente en esta área. Su rol consiste solo en movimientos, ya que la voz es interpretada por H. Jon Benjamín, actor que más se ha especializado prestando su voz en video juegos, la que se ajusta perfecto.

Excelentes coreografías de los actores y sus dobles de acción, con buena puesta en escena.

Los actores secundarios son tan absurdos como el guion, pero cumplen, donde vemos a algunas caras conocidas y lo hace atrayente.

El debut del director, aunque deficiente, hará que por la temática de esta cinta, pueda considerarse con los años de culto, y en un personaje de video juego o vengan secuelas.

Película que toma como tema central la venganza, lo cual como alguien dijo por ahí “mata el alma y la envenena”, y también nos muestra diversas formas de maltrato.

Cinta para amantes de la acción desenfrenadamente sangrienta.

Y atención, contiene una mini mini mini escena post créditos.

Ficha técnica

Boy Kills World
Dirección: Moritz Mohr
Guion: Tyler Burton Smith y Arend Remmers
Música: Ludvig Forssell
Protagonistas: Bill Skarsgård, Jessica Rothe, Michelle Dockery, Brett Gelman, Isaiah Mustafa, Andrew Koji, Famke Janssen, Sharlto Copley, Yayan Ruhian
País: Alemania, EEUU, South Africa
Año: 2023

Género: Acción

Profesión Peligro - Por Carlos Correa Acuña

“The Fall Guy”, adaptación de la serie de televisión de los años 80 del mismo nombre dirigida por David Leitch, presenta a Colt Seavers -Ryan Gosling-, un doble de acción que enfrenta desafíos tanto en el set como fuera de él. Después de un accidente que casi termina con su carrera, Colt debe encontrar a una estrella de cine desaparecida, resolver una conspiración, y reconquistar al amor de su vida, todo esto mientras continúa realizando espectaculares acrobacias.

Desde un inicio, y con un interesante plano secuencia, se vaticina lo que viene: una película bien narrada y bien filmada que resulta cercana y, de verdad, muy simpática. David Leitch filma con agilidad una historia entretenida que se introduce al interior de las escenas, con buenas ubicaciones de cámaras, movimientos en 360 grados, y tomas largas que hacen referencia a muchos elementos del cine que ponen en relieve el papel de los arriesgados dobles de acción.

Ryan Gosling y Emily Blunt se ven radiantes. ¡Qué manera de brillar, y cómo sacan chispas cada vez que sus ojos se encuentran o la cámara se les acerca con primeros planos certeros! El carisma de ambos no lo vamos a descubrir ahora, sin embargo la naturalidad de estas actuaciones entregan valor agregado a una película que fluye de comienzo a fin, y que pareciera no tener puntos bajos. Y ojo con Hannah Waddingham (“Ted Lasso”), realmente hilarante en su rol, con una prestancia única, un papel que muta varias veces durante la escena y que se transforma en el un eje fundamental del relato.

Si bien las temáticas presentes representan una mirada ombliguista de la industria, el fondo retratado no deja de ser interesante. El componente humano destaca por sobre todas las cosas -aún ante el riesgo de ser relegado por el brillo de los fuegos artificiales, en este caso las escenas de acción-, gracias a la importancia que adquieren las decisiones que el protagonista toma luego del accidente que casi le cuesta la vida. Aparece allí el miedo y la depresión, las causas mayores de los problemas que debe enfrentar, y para los que debe buscar algún tipo de escape o solución en la medida que la historia avanza.

Muchas otras aristas asoman en este relato de un poco más de dos horas de duración. A los temas internos de la industria se suma el rol de los productores, y el lugar que, en general, tienen quienes participan en el rodaje de cada cinta. Vemos mucho de lo que ocurre tras las bambalinas, lúdicamente, como un juego, en una “película dentro de la película” que se siente liviana, renovada y muy fresca.

“The Fall Guy” funciona y muy bien. Hace tiempo que no me divertía con una comedia/drama que no solo intenta entretener sino que también quiere plantar temas para conversaciones posteriores. Y esto es un gran mérito, sobre todo hoy en día, donde lo que manda es el corte de boleto y las visualizaciones, dejando a un lado, muchas veces, uno de los aspectos más importantes que tiene asistir a una sala de cine: vivir, presencialmente, una experiencia, única, irrepetible, e irremplazable.

Ficha técnica

Título original: The Fall Guy
Año: 2024
Duración: 125 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: 87North, Management 360, Hyde Park Entertainment, Parkes+MacDonald Image Nation, WWE Studios, Arcana. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Acción. Comedia. Drama | Cine dentro del cine
Guion: Drew Pearce
Fotografía: Jonathan Sela
Reparto: Ryan Gosling, Emily Blunt, Winston Duke, Aaron Taylor-Johnson, Hannah Waddingham, Stephanie Hsu
Dirección: David Leitch

Profesión Peligro - Por Elizabeth Salazar T.

"Un homenaje a los dobles de riesgo"

Creo que el título de esta película es significativo, porque nos muestra a Colt Seavers (Ryan Gosling), un doble de acción que a diario se ve enfrentado a los riesgos de su trabajo. Entre otras cosas, lo hacen volar por los aires, le disparan, choca, es lazando por ventanas y desde grandes alturas, todo esto para nuestro entretenimiento. Tras recuperarse de un accidente, que casi le cuesta la vida y su carrera, este héroe de clase trabajadora, deberá enfrentar una particular misión: debe localizar Howie (Aaron Taylor-Johnson), que es el actor a quien él dobla, y que se encuentra desaparecido. Además, quiere recuperar al amor de su vida, Jody (Emily Blunt), una asistente que aspira en convertirse en directora. ¿Qué podría salir bien?

Este filme, con mucho ironía y humor, nos muestra una historia que de a poco nos va atrapando, y le vamos encontrando un real significado hasta los últimos minutos. No se paren de sus asientos cuando empiecen los créditos, lo que viene después es importante. Una de las cualidades de esta película, es que nos permite ver el lado B de cine, siempre resaltamos a los actores, la fotografía, el sonido, etc, pero ser doble de acción, es una profesión que pasa a ser anónima, aunque aparezca en los créditos, porque son muy pocos los que logran ser famosos y son los que se llevan la peor parte.

Si ya habíamos disfrutado con Ryan Gosling como Ken en “Barbie”, con este rol los cinéfilos lo vamos queriendo más, se nota que lo está pasando muy bien interpretando a Colt, le permite mostrar todo su sentido de humor. Y su compañera para esta misión es Emily Blunt, logran tener muy buena química, es bueno verla haciendo comedia. La villana acá es la productora de cine Hannah Waddingham, que hará lo imposible para lograr sus planes, y Aaron Taylor Johnson es Howie, un actor arrogante y estúpido, algo caricaturesco sus personajes, pero bien, está dentro del estilo que tiene este filme.

Tiene humor, acción y romance, qué mejor para pasar un muy buen rato pero, además, emocionará a los cinéfilos, porque es un bonito homenaje no solo a los dobles de acción, sino a todos los que trabajan detrás de cámara.

Director: David Leitch
Duración: 126 Minutos
Distribuye: Andes Films

Contra Todos - Por Juan Pablo Donoso

Tema central: La Venganza

¿Qué pasaría si estos seres de historietas futuristas y video juegos fueran “verdaderos”?

Su guionista y director alemán, Moritz Mohr, nos presagia combates - sangre - mutilaciones e inclemencia.

Tremenda envergadura audio-visual, donde en los momentos más crueles y sanguinarios escuchamos dulces melodías populares.

Irracionales instintos desatados, con leves toques de sentimientos humanitarios.

Nada ni nadie es lo que parece. Los personajes son ladinos, torvos y multifacéticos.

Criaturas inicuas sin más motivación existencial que hacer daño y aniquilar a la humanidad.

Una corrupta dinastía post apocalíptica deja huérfano, sordo y sin voz a Boy, un niño pequeño. Un misterioso chamán oriental (Rayan Ruhian) lo entrena para convertirlo en un instrumento de muerte.

El heroísmo del “jovencito bueno” (Bill Skarsgård) se justifica como una escapatoria para los resentimientos. Sordo- mudo para ellos, narrador para nosotros, y dialogante con el fantasma de su rebelde hermanita pequeña.

Con semejante paladín luchando solitario “contra todos” los malvados surge un nuevo ídolo de culto. Los medios y redes sociales nos hacen admirar a un guerrero astuto y despiadado. (¡Gran ejemplo para delincuentes de nueva generación!).

¿Inciden de alguna forma los video-juegos bélicos en la psiquis inmadura de niños y jóvenes cuando también tienen algún trauma o resentimiento?

Filmada en África es mezcla de antiguos filmes de artes marciales orientales, con gore italiano y desvaríos esquizofrénicos polacos.

Ignoramos si la calidad del filme, y la tensión que logra en el público es una premonición que nos pone en alerta, o solo una epopeya muy entretenida para ganar millones de dólares dondequiera se exhiba.

ADMIRABLE ACCIÓN Y VIOLENCIA EN UN MUNDO FUTURISTA SIN VALORES. CRIATURAS QUE SOBREVIVEN POR INSTINTO, Y/O APENAS UNA BRISA DE NOSTALGIA.

Ficha técnica  

Título Original: Boy Kills World

2023 Violencia, venganza, acción Alemania, Sudáfrica, Estados Unidos - 1,55 hrs. 

Fotografía: Peter Matjasko 

Edición: Lucian Barnard 

Música: Ludvig Forssell 

Diseño Prod.: Mike Berg 

Guion: Tyler Burton Smith, Moritz Mohr 

Actores: Bill Skarsgård, Jessica Rothe, Michelle Dockery 

Director: Moritz Mohr

Con todos menos contigo - Por Bernardita Santander Navarro

Sinopsis: Bea (interpretada por Sydney Sweeney) y Ben (interpretado por Glen Powell) son dos jóvenes que se conocen en una cafetería. Desde ese momento su atracción es inevitable, pero un hecho inesperado terminará por arruinar lo que sería un posible futuro juntos.

Comedias románticas hay muchas en la historia del cine. Sin embargo, encontrar una buena cinta “anti-romántica” es sin duda todo un desafío. Y eso es algo que a mi parecer se cumple con esta nueva apuesta de Sony.

Si bien la trama de esta película comienza como cualquier historia de amor casual, este relato cinematográfico nos sorprende cuando una serie de eventos desafortunados generan que esta pareja, que parece tan perfecta, tenga muchos obstáculos para seguir juntos. Pues en un posterior viaje a Australia, con familia y amigos en común, ocurrirán todas las aventuras y desencuentros que estos protagonistas tendrán que vivir para hacerles creer a todos que son una pareja feliz.

Si bien el guion es sencillo, quiero destacar las varias ocasiones que me causaron risa y varias sorpresas. Instancias que se agradecen cuando uno está mentalizado en ver una película liviana, con una linda historia romántica, que creo que vale absolutamente la pena ver.

En cuanto a lo cinematográfico, puedo decir que esta cinta está muy bien ambientada, con una tremenda producción, excelente dirección de fotografía y extraordinarias locaciones, especialmente de Australia que es donde sucede gran parte de la trama.

Algunos valores o aspectos importantes que destaco son: la amistad, la familia, el perdón, la inclusión, el amor verdadero, el cuidado de la naturaleza y la empatía. Todos ellos hacen que uno pueda reflexionar sobre la cotidianidad y lo que es realmente importante en la vida.

Recomiendo verla especialmente acompañado (a) con la pareja o con amigos. Idealmente con mayores de 14 años, dado que hay algunas escenas que no son aptas para menores.

Disponible en Prime Video, Apple TV y Max.

Ficha Técnica

Dirección: Will Gluck, Ilana Wolpert (co-escritora)
Guion: Will Gluck (Basado en “Mucho ruido y pocas nueces” de William Shakespeare)
Música: Este Haim, Bag Raiders
Fotografía: Danny Ruhlmann
Montaje: Tia Nolan
Protagonistas: Sydney Sweeney, Glen Powell
País: Australia, Estados Unidos
Año: 2023
Duración: 103 minutos
Género: Comedia romántica
Distribuidor: Sony Pictures Releasing
Idioma(s): Inglés

La boda de mi ex - Por Jackie O.

"Encontrarás al que te entienda"

Frank y Lindsay, tienen un mal comienzo en el aeropuerto, no se agradan, pero lamentablemente toman la misma pequeña avioneta y van al mismo lugar.
Qué mala jugada les da el destino.

Ambos no son personas sociables, en realidad más Frank que Lidsay. Pero fueron invitados a una boda, ahí se dan cuenta que tienen algo en común: no les cae bien ni la novia, ni el novio, ni les gusta la ceremonia, ni ellos mismos, ni los demás. Entonces, ¿por qué están ahí?

Frank es hermano del novio, pero no se llevan bien, solo fue para saber con quien fracasará, y también, ver a sus arruinados padres que tratan de celarse. Lidsay es la ex del novio, sí la ex, fue invitada y aceptó porque para ella es una forma de cerrar una relación que la marcó, a pesar de que terminaron hace seis años, aún lo recuerda.
Ahí, entremedio de todos, el destino los une en todas las actividades ya que el pueblo es chico, y a pesar de no caerse bien, les gusta hablar de los otros de forma negativa, desanimarse entre ellos, son el espejo que no quieren ver, y las personas que nadie quiere cerca. A pesar de que Lidsay tiene chispa su lengua es afilada y Frank es un pesimista.
Lo bueno, es que solo se deberán soportar tres días, luego... luego cada quien su vida ¿o no?

Estamos ante la típica comedia romántica como aquella de los 90' donde es predecible, pero cuenta con un guión simple pero efectivo, y unos protagonistas fantásticos, que verlos juntos hacen una gran dupla. No creo que haya tenido problemas el director, pues Keanu y Winona se mueven como pez en el agua.
Una cinta donde los secundarios están de complemento, porque perfectamente podrían estar solo ellos, es más, me la imaginé como obra de teatro, sería un éxito.

Película para pasar el rato, entretiene, y da esperanzas en el amor: todos tienen a alguien que tiene algo en común a ti, o se entiendan y complementan, aunque sean diferentes, pero está por ahí.

Disponible en Prime Video.

Ficha técnica

Destination Wedding
Dirección y guion: Victor Levin
Música: William Ross
Fotografía: Giorgio Scali
Montaje: Matt Maddox
Protagonistas: Winona Ryder y Keanu Reeves
País: EEUU

Año: 2018
Género: Comedia romántica
Duración: 86 minutos

El Después - Por Carlos Correa Acuña

Disponible en Netflix.

“El después” es un cortometraje británico dirigido por Misan Harriman, un reconocido fotógrafo que hace su debut en el cine con esta obra. En solo 18 minutos, Harriman narra la historia de Dayo -David Oyelowo-, un padre que, producto de un violento ataque, sufre una pérdida irremediable, e intenta sobrevivir al dolor y a la culpa manejando un taxi por las calles de Londres. Un día, cuando recoge a Amanda -Jessica Plummer-, una joven que resulta ser una sobreviviente del mismo ataque, Dayo ya no puede seguir huyendo de su destino. ¿Podrá ser capaz de enfrentarlo y seguir adelante?

Emotiva y conmovedora resulta esta pieza que aborda el tema del trauma y del duelo con impactante realismo y sensibilidad. La atmósfera construida, de íntima cercanía y de gran tensión, permite que empaticemos en todo momento con el protagonista de la historia, quien no necesita hablar para transmitir el enorme sufrimiento y desesperanza que le toca vivir.

Nominado a Mejor cortometraje de ficción, el pilar de esta pieza es el guion escrito por el propio Harriman junto a John Julius Schwabach, un texto que cuestiona el sentido de la vida, el azar y el destino, cuando la esperanza, el perdón y la redención, se ven cada vez más lejos, y sujetos a un incierto azar.

Probablemente lo que sucede con Dayo lo podamos imaginar pero nunca comprender si no nos toca de cerca, o en forma directa. ¿Se podrá seguir viviendo luego de un hecho de esta naturaleza, sumando las condiciones trágicas e intempestivas en que sucede? Esto no quiere decir que hay pérdidas de primer o segundo orden, sino que más bien pone de relieve las circunstancias en que aquello sucede, al agregar factores que hacen aún más difícil procesar el duelo para lograr algún tipo de consuelo.

“The After” toca el corazón en muy pocos minutos. Y lo hace sin anestesia, consciente y directamente. Nunca estamos preparados para algo así, y menos para reconstruir la vida posteriormente. Por eso, no hay mejor título que “el después” para esta pieza, porque es justamente ese “después” lo que ahora está en juego, lo que marca la historia desde ese momento, si es que de verdad existe un “después”.

Ficha técnica

Título original: The After
Año: 2023
Duración: 18 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Neon Films, Yoruba Saxon Productions. Distribuidora: Netflix
Género: Drama | Familia. Cortometraje
Guion: John Julius Schwabach. Historia: Misan Harriman
Música: Francesco Le Metre
Fotografía: Si Bell
Reparto: David Oyelowo, Jessica Kate Plummer, Sule Rimi, Izuka Hoyle, Alan Williams
Dirección: Misan Harriman

A World of Calm - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Un interesante documental de ecología y antropología cultural que, en 10 episodios, nos va mostrando en hermosas imágenes, música y relatos de diferentes momentos. Por ejemplo: los ecosistemas del coral, las migraciones de las aves, las recetas de los tallarines con su comienzo en China, alcanzando diferentes lugares del planeta, o cómo construir una canoa respetando la vida de los árboles, la vida animal del caballo con su fuerza y su espíritu de libertad, y finalmente el agua, como fuente de vida.

Todo lo anterior es relatado por diferentes estrellas de Holywood; si bien la serie está basada en una aplicación llamada Calm, que ayuda a relajarse, ese puede ser origen del viaje, pero también nos llevará a un momento para estar en lugares a los que seguramente no iremos, para también vivirlo como un momento de profunda espiritualidad y contemplar el hábitat que tenemos y protegerlo de todos los desechos que producimos. Como muestra, en nuestro planeta está apareciendo la escasez de agua, ese vital elemento para la existencia de todos los seres vivos, incluido el ser humano. El episodio 10 aborda este tema con su título, "Agua fuente de vida".

Lo interesante es que puedes empezar a ver el que más te interese, no tiene un orden específico, este se lo da el espectador.

Disponible en Max.

Ficha técnica

Título original: A World of Calm
Año: 2020
Duración: 30 minutos, serie de 10 episodios
País: Estados Unidos
Dirección: Ben Devlin, Karen McGann, Daniel M. Smith, Nic Stacey
Guion: Faith Adiele, Phoebe Smith.
Reparto de voces: Mahershala Ali, Priyanka Chopra, Idris Elba, Oscar Isaac, Nicole Kidman, Zöe Kravitz, Lucy Liu, Cillian Murphy, Keanu Reeves, Kate Winslet
Música: Tom Howe
Fotografía: Dan Lior, Roger Munns
Productoras: Calm, Nutopia

Distribuidora: HBO Max
Género: Serie, documental, ecosistema, tradiciones de alimentación

La Princesita: el debut hollywoodense de Alfonso Cuarón - Por José Luis Nicolás

El estallido de la Primera Guerra Mundial separó al capitán Crew de su hija Sarah. El uniformado británico servía en la India cuando la guerra lo alcanzó y lo arrastró hasta una trinchera europea. Sin embargo, antes de cumplir con el infeliz deber de un combate trágico, se encargó de llevar a Sarah a un prestigioso internado de niñas ubicado en Nueva York.

La pequeña, armada de fantasías orientales y un liderazgo magnético (que ejerció creíblemente entre sus compañeras), logró sortear hábilmente la particular disciplina de la señorita Minchin, dueña y directora del establecimiento. Sin embargó, cuando todo parecía ir viento en popa, un desdichado evento cambió su envidiable suerte.

Así nos introduce el director Alfonso Cuarón a La Princesita, película con la que debutó en Hollywood. El realizador emigró desde su natal México al norte (denominación que dan los mexicanos a Estados Unidos) junto a su amigo, el director de fotografía Emmanuel Lubezki, con muchos sueños, poca experiencia, y un talento innato.

Habiendo crecido en un ambiente sin sobresaltos económicos, Cuarón contaba con la experiencia vital que finalmente le permitió adaptar la novela de Frances Hodgson Burnett (es cosa de ver su obra más personal: Roma, del año 2018). También, llevaba en su portafolio el guión escrito para esta película por Richard LaGravenese y Elizabeth Chandler.

Con actores no tan estelares dentro del firmamento fílmico (Liesel Matthews como Sarah, Liam Cunningham en la piel del capitán Crew y Eleonor Bron personificando a la estricta señorita Minchin), el cineasta mexicano hizo de esta cinta un elegante, edificante, realista y amoroso viaje por las inesperadas vivencias de una niña que intenta aferrarse a la convicción más importante que posee en su corta existencia: que todas las niñas y mujeres son princesas.

Pese a sintetizar el final y no darle tanta profundidad, a diferencia del desarrollo de la historia (que cuenta con suficientes elementos para sostener la película completa), Cuarón (que es, aparentemente, hincha del equipo de futbol mexicano Cruz Azul) se anotó su primer triunfo en una liga que lo coronó como campeón (con un Óscar al mejor director por Gravedad), casi veinte años después.

Disponible: para compra o arriendo en Apple TV y Prime Video.

Ficha Técnica

Título original: A Little Princess
Año: 1995
Duración: 97 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Alfonso Cuarón
Guión: Richard LaGravenese, Elizabeth Chandler. Novela: Frances Hodgson Burnett
Reparto: Liesel Matthews, Liam Cunningham, Eleonor Bron, Vanessa Lee Chester
Música: Patrick Doyle
Fotografía: Emmanuel Lubezki
Compañías: Warner Bros., Mark Johnson Productions, Baltimore Pictures

Bebé Reno - Por Jackie O.

"Y todo comenzó por una una taza de té"

Donny se presenta en la estación de policía, su aspecto es demacrado o más bien perdido, pues ha estado seis meses en una pesadilla: es acosado por una mujer que ha hecho de su vida insostenible.

Pero, ¿por qué demoró tanto en denunciarla?

Donny viaja a Londres para ser comediante, es su sueño, hace lo necesario para ello al punto de vivir con su ex suegra para ahorrar, mantienen una gran amistad. Y además, trabaja en un bar para sobrevivir, y es en este lugar donde la pesadilla comenzó.

Hay trabajos como en este bar, donde se debe ser cordial con el cliente para así poder tener más ventas o simplemente te generan empatía determinadas personas, y Donny creyó que siendo amable con Martha, una obesa mujer de mediana edad que se sienta con la mirada perdida sin consumir nada porque señala que el dinero no le alcanza, iba a ser como un día cualquiera, o tal vez creyó estar haciendo una buena obra humanitaria. Bastó su amabilidad y ofrecerle a cuenta de la casa una taza de té, para que a Martha se le encendiera "la luz de la vida", se sintió viva, alguien le prestaba atención, y lo hacía un joven agradable. Desde ese día Martha no faltó ningún día en ir a ver a su nuevo amigo, y Donny se sentía bien con esa mujer que lo alagaba constantemente. Pareciera que ambos se necesitaban.

Pero Martha quería más, en su mente había todo un mundo con Donny, comenzando a perseguirlo, incluso virtualmente. Donny comienza a sentir la incomodidad, pero su personalidad débil no le permite decir basta. Porque además tiene otro problema: la escurridiza fama, aparecen oportunidades, o es lo que cree, donde el mundo del artista, el ser tomado en cuenta, trae consecuencias graves. Donny pasa un infierno, es atormentado emocionalmente y vejado físicamente cuando cree tener una oportunidad que cambiaría su vida profesional, donde su personalidad y esencia es pisoteada, haciendo que dude de sí mismo, de quién es, de lo que quiere, de sus ganas de vivir.

Donny vive dos infiernos, el acoso constante de Martha, quien lo sigue a donde vaya, y como dije, además virtualmente, pero no solo a él, sino a quien lo rodee; y también lidiar con quien hizo que su esencia como ser humano fuera puesta en duda y lo atormentara en la red de las drogas y el sexo.

Una historia real, sí, basada en lo que a nuestro protagonista le sucedió, él escribe el guion y lo actúa, quién más que él puede lidiar con su propia experiencia. La realidad supera la ficción.

Su vida no podía ser peor, una mujer lo acosaba a él, su familia, amigos y pareja, más la tortura personal de la que a duras penas sobrevivía por poder ser parte de la fama. Le llovía sobre mojado, ¿cómo salir de estas situaciones agobiantes?

Una cinta cruda y muy realista. ¿Cuántos hombres son acosados y cuántos se atreven a denunciar? ¿Cuántos necesitan sentirse escuchados, vistos, sentirse con vida? ¿Cuántos se aferran a lo primero que los hace sentir que valen? ¿Cuántos están dispuestos a todo para conseguir, o a lo menos acercarse, a las promesas de fama? ¿Cuántos están dispuestos a alejarse de la toxicidad humana que provocan algunas personas, que los atraen contradictoriamente como un imán? ¿Cuánto tiempo es el prudente para algunos, denunciar una violación o abuso sexual, o maltrato psicológico? ¿Te llegas a dar cuenta de la pérdida de tu identidad?

Muchas preguntas nos deja esta miniserie, muchas angustias nos hace sentir, muchas sensaciones de diversos tipos nos provoca.

Porque es dura, cruel, provocadora, destructiva, insoportable, triste, así y más, es esta serie que nos sumerge en la mente del ser humano, de las enfermedades mentales, y el poco peso que se le da, pues tanto nuestra "antagonista" como el protagonista tienen graves problemas mentales, así como autoestima baja, soledad profunda, traumas no tratados, empatía, indiferencia, dolor, autenticidad, negación, temor, acoso, obsesiones, frustración, secretos, rabia...

El trabajo mantiene buenos planos, ya que juega con la cámara al darnos de primerísimos planos a planos generales que hablan por sí solos.

Las imágenes se mezclan con mensajes de texto con muchas faltas ortográficas, y son los mismos que esta mujer le enviaba a él, los mismos, cientos de ellos sin parar, lo que la hace visualmente aún más atractivo este trabajo.

La música se mezcla de acuerdo a la época y el momento que vive cada personaje.

Un guion envolvente.

Una historia que vale ver, para adultos con criterio formado, que permita una conversación sobre diversas problemáticas actuales.

Y por qué "Bebé Reno" se preguntarán, bueno... la explicación se da en la misma miniserie.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Baby Reindeer
Género Dramay Thriller
Creado por Richard Gadd
Basado en Bebé Reno, de Richard Gadd
Dirigida por Weronika Tofilska y Josephine Bornebusch
País: Reino Unido
Idioma: Inglés

Año: 2024
Episodios: 7  de 28 minutos cada uno aprox.
Protagonistas:
Richard Gadd como Donny Dunn, una versión ficticia de Gadd.
Jessica Gunning como Martha Scott
Nava Mau como Teri
Tom Goodman-Hill como Darrien O'Connor
Hugh Coles como Francis
Michael Wildman como Greggsy

Guerra Civil - Por Carlos Correa Acuña

Estados Unidos se encuentra sumido en una guerra interna. Un grupo de periodistas liderados por la fotógrafa Lee Smith emprenden un viaje peligroso por carretera hacia Washington D.C. con la esperanza de entrevistar al presidente de la nación antes que la Casa Blanca sea asaltada por fuerzas rebeldes. A lo largo del trayecto, encuentran desafíos que reflejan el estado fracturado del país, desde fanáticos armados que disparan a todo, hasta lugares que viven una extraña normalidad. Los más de 1.300 kilómetros recorridos dejan una huella profunda en los protagonistas. Estados Unidos ha cambiado, y nada volverá a ser como antes.

La secuencia de inicio de esta película escrita y dirigida por Alex Garland es impactante. Sin mayores antecedentes, de pronto nos vemos inmersos en el caos absoluto de una guerra sin precedentes. Una vez más, el uso del silencio como elemento dramático resulta sobrecogedor, resaltando un momento angustiante que traspasa la pantalla porque parece que estuviéramos ahí mismo, en pleno centro de la acción.

Lee Smith -Kirsten Dunst-, está atormentada. Su oficio en el periodismo no logra hacer frente a sus recuerdos, horrores y pesadillas. Le acompaña Joel -Wagner Moura-, un periodista de Reuters de Florida, con quien pretende documentar los hechos que remecen a los Estados Unidos. Existe un objetivo, deben realizar un viaje. Se trata de llegar cuanto antes a Washington D.C. porque al gobierno actual le queda poco tiempo. Las fuerzas avanzan y la derrota es inminente a manos de los dos estados que se han rebelado a la autoridad: Texas y California.

Jessie Cullen -Cailee Spaeny-, una joven aspirante a fotógrafa, proveniente de Missouri se suma al grupo, al igual que Sammy -Stephen McKinley Henderson-, un veterano reportero del New York Times y mentor de Lee. Los cuatro emprenden una verdadera odisea en este camino hacia la capital, donde los daños, la destrucción y la desolación campean por doquier, configurando una cuenta regresiva que se mide en kilómetros, días, horas y segundos.

El oficio de periodista gráfico o foto-periodista es rudo y crudo a la vez. La necesidad de retratar, de buscar “la foto”, puede ser una tarea compleja, sobre todo cuando la propia vida corre peligro. Al mismo tiempo, imagino que también, y en muchos momentos -tal vez en los más riesgosos-, la vida entera debe pasar por delante, cubriendo con un manto de dudas e inseguridad cualquier propósito o tarea previamente establecida. Algo de esto le sucede a Lee -muy bien leída en las miradas, gestos y silencios de Kirsten Dunst-, porque en varias oportunidades, y en milésimas de segundo, reflexiona sobre su vida y también sobre lo que ven sus ojos a través de su lente.

En ocasiones, el grupo ve de lejos la guerra, pero saben que puede llegar fácilmente. Al minuto ya está encima, y la decisión de sacar o no sacar una foto podría ser la línea entre la vida y la muerte. ¿Cuál es el rol de buscar estas fotografías, entonces? También encuentran mundos separados en este camino árido y sangriento, unas burbujas que funcionan normalmente, abstraídas de lo que sucede en el resto del territorio. ¿Cómo es eso posible? Estas dicotomías funcionan como metáforas, quizá, tal vez como un oasis en un desierto, o como la paz que se anhela si se está al medio de un escenario dantesco.

Esta cinta muestra más consecuencias que enfrentamientos. Dedica muchas secuencias a la contemplación y a la reflexión, para dejar abiertas interrogantes respecto a las motivaciones y fines últimos de los combates y peleas, una guerra que parece una locura, que no tiene sentido, y que lo único que provoca es miedo y terror.

¿Qué vale más, retratar la historia o lo que realmente está pasando al lado mío? Hay acá un dilema ético - moral. ¿ Se persigue una historia para comunicarla, o se busca la consagración personal con una exclusiva? Tampoco están claras las fuerzas combatientes, solo se suponen, no se justifican pero se entienden. Al parecer corresponde al derrocamiento de un dictador, pero hay pocas luces al respecto, aunque tal vez las suficientes para mirar un poco más allá del metro cuadrado que les rodea.

La secuencia final, el asalto conclusivo de “Civil War” es notable. Explícito y decidor, muestra el acorralamiento que sufre el poder de manos de quien detenta más poder aún, la artillería pesada, las armas inmisericordes, el avance sin transar que tienen las tropas para conseguir eliminar todo aquello que se interpone en su camino. Y en estas circunstancias, ni siquiera la prensa tiene derecho a algún tipo de consideración, porque en medio de un conflicto de estas proporciones, no hay vencedores ni vencidos, es la humanidad entera la que pierde.

Ficha técnica

Título original: Civil War
Año: 2024
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; A24, DNA Films, IPR.VC. Distribuidora: A24
Género: Acción. Drama. Thriller | Distopía. Política. Periodismo
Guion: Alex Garland
Música: Geoff Barrow, Ben Salisbury
Fotografía: Rob Hardy
Reparto: Kirsten Dunst, Wagner Moura, Cailee Spaeny, Stephen McKinley Henderson, Sonoya Mizuno, Nick Offerman y Jesse Plemons
Dirección: Alex Garland

Garra de Hierro - Por Carlos Correa Acuña

The Iron Claw es un drama deportivo biográfico escrito y dirigido por Sean Durkin sobre los Von Erichs, una familia de luchadores profesionales visitados por constantes tragedias. La película muestra las luchas de los hijos del propietario de la compañía de lucha libre, Fritz Von Erich, para lograr el éxito para el que su padre los preparó, desde 1979 hasta principios de la década de 1990.

Inspirada en hechos reales, esta cinta evidencia la personalidad dominante y obsesiva de un progenitor que tiene, entre ceja y ceja, el sueño de obtener el título mundial en el cultivo de una disciplina deportiva seguida por millones de aficionados y que, por su naturaleza, tiene, también, numerosos detractores

Determinado a cumplir su objetivo, que en su momento no pudo conseguir como deportista, Fritz - Holt McCallany- vuelca toda su pasión en la formación y entrenamiento de sus hijos. No pocas veces hemos visto a personas cegadas en busca del triunfo y que por ello caen fácilmente en conductas cercanas al abuso debido al exceso de presión que imponen a sus dirigidos. Lo grave, en este caso, es que es un padre el que ejerce este dominio, y es su querida descendencia quien sufre las consecuencias producto de sus actos.

¿Cómo se rompe este círculo vicioso? ¿Cómo se sale de una relación tóxica, tanto personal como profesional? El daño es enorme, y muchas veces a estas conductas se le baja el perfil disfrazándolas de competencia y exigencia, una falsa noción respecto a la necesidad de ser fuertes y resistirlo todo. Esta es exactamente la dinámica en la que se mueven los Von Erich, donde la figura paterna resulta absolutamente indiscutible e incontrarrestable.

El desarrollo de la película abarca todo este ambiente y entrega luces respecto a las condiciones de vida de quienes practican un deporte rudo, peligroso y tremendamente demandante. Como contraste, la escritura de este drama dibuja con una pluma la escasa sensibilidad llega a florecer en hombres cercenados emocionalmente, exigidos físicamente, y denostados, intelectualmente hablando.

Kevin -Zac Efron-, lleva el peso del relato, es el eje pivote para sus hermanos y también el contrapunto respecto a sus padres. Resistiéndose al destino, Kevin logra elevar la mirada para ver fuera de su propia zona, separar aguas, e intencionar cambios de rumbo y actitud. Pero eso no es suficiente. La corriente es fuerte y cuesta mucho ir en contra. La lucha de Kevin pasa del cuadrilátero a la vida familiar, donde los ideales y las opciones se contraponen en un cruce de realidades difícil de llevar y comprender.

Sin abusar de los combates, algo que se agradece porque además están bien ejecutados, esta cinta es abundante en valores como la resiliencia, la unidad familiar, la integridad, el amor fraterno, el sacrificio y la perseverancia. El problema es que muchos de estos valores chocan entre sí por ser principios fundantes, lo que muchas veces trastoca el camino y complejizan la elección del rumbo a seguir.

Las actuaciones destacan por las coreográficas peleas, pero también por esa contención emocional tan propia de la época. Todos, Jeremy Allen White como Kerry, Harris Dickinson como David, y Stanley Simons como Mike, son aportan su talento en una construcción colectiva que logra traspasar la pantalla no obstante el ritmo lento que se come la sección intermedia del metraje. De la misma forma, los papeles femeninos están resignados a ser solo acompañamiento, un rol sin mucha sustancia que representa perfectamente la postergación de las mujeres en la sociedad, más aún, cuando el foco principal es la fortaleza física y la ebullición permanente de altas dosis de testosterona.

“Garra de Hierro”, permite acercarse a una historia triste desde una perspectiva que al final se transforma en una luz de esperanza. Con elementos clásicos, el relato logra emocionar, más por el fondo que por la forma eso sí, con secuencias bien desarrolladas, personificaciones creíbles, y apropiados escenarios. Si bien no es del todo brillante, el resultado es satisfactorio pues se trata también de conocer algunas de las motivaciones que existen detrás de la lucha libre y qué mejor hacerlo de la mano de una familia que se entregó a ello, literalmente, en cuerpo y alma.

Ficha técnica

Título original: The Iron Claw
Año: 2023
Duración: 130 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; BBC Film, Access Entertainment, House Productions, A24. Distribuidora: A24
Género: Drama | Biográfico. Wrestling/Lucha libre. Años 80
Guion: Sean Durkin
Música: Richard Reed Parry
Fotografía: Mátyás Erdély
Reparto: Zac Efron, Jeremy Allen White, Harris Dickinson, Maura Tierney, Stanley Simons, Holt McCallany, Lily James
Dirección: Sean Durkin

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 19 de Abril 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro Contreras y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.

Forrest Gump: 30 años después - Por José Luis Nicolás

Sentado en un paradero de autobuses, un sujeto de 30 y tantos años de edad, vestido con un pantalón de tela color khaki, camisa de manga corta y calzado con unas zapatillas Nike gastadas, comienza a narrarle la historia de su vida a una desconocida que se acomoda a su lado. Así arranca Forrest Gump, una película dirigida por Robert Zemeckis que se centra en los acontecimientos que ocurren en Estados Unidos durante 30 años (entre las décadas de 1950 y 1980), vistos desde la perspectiva de un adulto joven de bajo coeficiente intelectual.

A Forrest -el inocente protagonista de este relato- le da vida Tom Hanks, un actor moldeado en la comedia, que para el estreno de esta película ya contaba con un premio Óscar por Philadelphia (Jonathan Demme, 1993). Hanks nos deleita con un Forrest que tiene solo una manera de interpretar los juicios de los demás: literalmente.

Al laureado intérprete lo secundan Sally Field en el rol de la madre de Forrest Gump; Robin Wright como la autodestructiva (y eterno amor de Gump) Yenny; Mykelti Williamson como Bubba, el mejor amigo del protagonista; y Gary Sinise, que encarna al atormentado e irónico teniente Dan Taylor.

Robert Zemeckis, director con pasado de guionista (sin ir más lejos coescribió junto a Bob Gale Volver al Futuro de 1985) despliega en el teniente Dan Taylor (gracias a los dotes histriónicos de Gary Sinise) esa cuota de humor negro que tanto lo distinguió en el pasado (anterior a Forrest Gump).

Pieza clave, en esta única e irrepetible joya cinematográfica, es Eric Roth, guionista encargado de adaptar la novela homónima de Winston Groom que inspira este relato. Roth agrega (de su cosecha) la secuencia de la guerra de Vietnam, que pone a Forrest en medio de un conflicto despojado de cualquier atisbo de compasión hacia el prójimo.

A treinta años de su estreno (al cierre de esta edición) Forrest Gump triunfa al paso del tiempo por ser algo más que una película. Esta es la experiencia de personas comunes y corrientes, que armados de legítimas esperanzas, caminan por la historia de un país escrita por los dueños del poder.

Disponible en: Apple TV, Prime Video y Mercado Play

Ficha Técnica

Año: 1994
Duración: 142 minutos
País: Estados Unidos 
Dirección: Robert Zemeckis
Guión: Eric Roth. Novela: Winston Groom
Reparto: Tom Hanks, Sally Field, Robin Wright, Mykelti Williamson y Gary Sinise
Música: Alan Silvestri
Fotografía: Don Burgess
Compañías: Paramount Pictures, Wendy Finerman Productions, The Steve Tisch Company. Distribuidora: Paramount Pictures

Abigail - Por: Elizabeth Salazar T.

"Las apariencias engañan"

La película trata de un grupo de aspirantes a delincuentes que secuestran a una bailarina de 12 años, Abigail (Alisha Weir) hija de una poderosa figura del inframundo, solo deberán vigilarla durante la noche para poder cobrar un rescate de 50 millones de dólares. En una mansión aislada, los captores comienzan a desaparecer, uno por uno, y descubren, para su creciente horror, que la pequeña niña con la que están encerrados no es normal…

Una de las cosas que más me llamó la atención de este filme, es el guion, porque tiene un giro inesperado cuando se devela la verdad sobre su protagonista (si no has visto el tráiler). Como la situación se va dando vuelta y los secuestradores, pasan a ser víctimas.

Es un terror diferente, a ratos hay escenas que se ven muy gore (sangrientas), porque los enfrentanientos entre Abigail y sus secuestradores son violentos. Otra innovación, es la forma en que se mueve la protagonista, nunca deja de ser una bailarina, utiliza sus pasos danza y movimientos, para enfrentarse al grupo con destreza y gracia. La mansión donde se ambienta es llamativa, tiene una bonita estética, además el uso de la música clásica incluye en su banda de sonido “El lago de los cisnes”, por ejemplo, también la hacen distinta.

Tiene un ritmo irregular, al comienzo es un poco lenta y no logramos entender cuál es la situación, pero de a poco se va develando lo que ocurre con cada uno de los personajes, obviamente que los que fueron escogidos para formar este grupo tienen una razón para estar ahí. El elenco incluye a Dan Stevens (recordado por “Downton Abbey”), Melissa Barrera, Angus Cloud, Kevin Durand y Kathryn Newton. La joven protagonista Alisha Weir, realiza una buena interpretación, se nota su talento y que fue bien dirigida. Tiene humor y suspenso, es una propuesta diferente para quienes gustan de los filmes de terror.

Director: Tyler Gillett, Matt Bettinelli-Olpin
Duración: 113 Minutos
Distribuye: Andes Films

Garra de Hierro - Por Jackie O.

"La maldición de los deseos perdidos"

Una cinta que nos transporta al siglo pasado, donde esta familia, comenzando por su padre, se hicieran muy conocidos por el deporte de la lucha libre. Pero en vista que el padre, Friyz Von Erich, no logró en su momento conseguir el "tan" preciado título de campeón mundial, instó (los obligó) a sus hijos a ser deportistas de dicha área con el fin de traer a casa ese cinturón, ese premio. Una frustración que mantenía Friz que no lo dejaba vivir en paz. Su alegría es que tuvo solo hijos varones, su sueño comenzaba a ser realidad, los educó en esa área, y los mantenía activos, vemos como se entrenan y como los hostiga.

El centro de la cinta, está en estos cuatro hijos (eran cinco pero nos cuentan la ausencia del quinto), los que mantenían un vinculo muy estrecho, de apoyo y contención, esto último de acuerdo a sus enseñanzas, es decir la familia mantenía valores cristianos, pero era muy fría entre ellos. Y el respeto al padre era algo indiscutible, por lo que no cuestionaban las desiciones de él, y esto significaba cumplir ese sueño.

Pero los problemas vinieron, desgracias tras desgracias por una "maldición a la familia", era lo que ellos indicaban con el fin de justificar tanta cosa negativa que les iba sucediendo, a pesar de ser cristianos, principalmente la madre, la maldición de algo que no está claro, los mantenía nerviosos. Y las tragedias corroboraban esa inquietud.

Una película que no nos llena solo de momentos de lucha libre, sí vemos preparación, arreglos, lesiones y más; sino que también nos inserta en esta familia que existió y padeció de mucho sufrimiento. Y aunque la historia no nos muestra la vida de ellos en exactitud, igual el director deja volar su imaginación para atrapar al espectador y logra captar la esencia de la cinta, que es, los golpes. Y no me refiero a los golpes en el ring, es su doble lectura de los golpes del corazón y el alma.

Una cinta que nos muestra como estos jovenes no tuvieron la oportunidad de tomar sus propias elecciones en qué hacer con sus vidas, sino que se les impuso dicha disciplina. De cómo unos padres, quienes deben velar por el bienestar de sus hijos, no los protegen como tales. De como la frustración de uno, se traspasa a la generación siguiente sin ánimo de parar, y buscar ayuda.

De cómo las creencias en hechos "espirituales" o con el fin de buscar una explicación a lo inexplicable se basa en situaciones intangibles, como el temor a una "maldición" que es una leyenda de boca en boca, sin sustento real. Y de cómo, ante la adversidad, la familia es algo que se protege con fuerza.

El guion, que nos guía por esa toxicidad masculina, por la soledad y la desesperación, por el triunfo y los retos, igual carece de profundidad. Eso no quita que nos conmueva, y es gracias a las actuaciones de todos, quienes provocan con su cuerpo, pues hacen que ese guion débil cobre fuerza con gestos y miradas. La música muy acorde y vestuario dio de buena forma con la época que se desarrollan los hechos.

Puedo reparar en el peinado y maquillaje, pues creo firmemente que cuando se trata de cintas biográficas, el aspecto físico debe ser muy parecido, así como su voz y gesticulación con el verdadero personaje, quienes no todos cumplieron con ellos.

Una buena película, que nos hará reflexionar sobre muchos aspectos de la vida, como las malas desiciones, los excesos, las frustraciones, la familia y más.

Ficha técnica

The Iron Claw
Guion: Sean Durkin
Música: Richard Parry
Fotografía: Mátyás Erdély
Montaje: Matthew Hannam
País: EEUU, Reino Unido
Año: 2023
Género: Drama, cine biográfico y cine deportivo
Duración: 132 minutos
Zac Efron como Kevin Von Erich
Jeremy Allen White como Kerry Von Erich
Harris Dickinson como David Von Erich
Maura Tierney como Doris Von Erich
Stanley Simons como Mike Von Erich
Holt McCallany como Fritz Von Erich
Lily James como Pam Adkisson

Abigail - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: A una banda de delincuentes se les ha encargado secuestrar a Abigail, una bailarina de doce años hija de una poderosa figura del inframundo. Su misión requiere también vigilarla durante la noche para poder cobrar un rescate de 50 millones de dólares. En una mansión aislada, los captores comienzan a desaparecer, uno por uno, y descubren, para su creciente horror, que la pequeña niña con la que están encerrados no es normal y está mostrando su verdadera naturaleza.

Una introducción con la música característica de “El lago de los cisnes”, muestra danza clásica junto a los créditos iniciales, algo que da poca cuenta de lo que veremos a continuación. Y es interesante, porque uno se pregunta si será solo eso o habrá alguna ramificación posterior, respuesta que se obtiene desde la zona media de un relato que va de más a menos y que posee muchas aristas que en vez de conectarse, se separan irremediablemente.

Vamos viendo. El inicio, diría los primeros veinte minutos, es un buen preludio, porque la trama es clara y los personajes están bien delineados. Hablamos de la banda, del secuestro, se la secuestrada y de los entornos, elementos bien diseñados y mejor ejecutados. El problema parte cuando llegan a la mansión donde deben esperar el rescate. Predecible, cómo no, es allí donde empiezan los comportamientos misteriosos y las secuencias sobrenaturales, momento donde la historia comienza a desdibujarse completa y absolutamente.

Pero ojo, es mi opinión, porque un fan del género tiene todo el derecho a rebatirme, e incluso a demandarme mayor grado de objetividad, porque -reconozco-, la película ofrece efectos “aterradores”, junto a suficientes golpes de cámara para movernos, al menos un poco, de nuestros cómodos asientos. Yo salté un par de veces, y eso es mérito, sin duda, porque uno, aunque sabe lo que viene, igual salta, y dejarse llevar es parte del juego en películas de este tipo.

Mención aparte para las actuaciones. Flojas, en general, nada destaca demasiado en un elenco cuyo desempeño plano se acentúa con el correr de los minutos. A veces uno se pregunta qué hace tal o cual personaje, o qué rol representa, aparte de ser una caricatura poco agraciada, o una representación estereotipada a más no poder. Y no hay respuesta. Un ejemplo es Giancarlo Esposito: ¿alguien me puede explicar a quién representa y cuál es su fondo, si cuando aparece por segunda vez en escena ni nos acordábamos que había aparecido una primera vez y que debía volver a entrar?

En fin, “Abigail”, es solo para amantes de estas películas. Baños de sangre, ríos de peleas y torturas sin mayor sentido inundan la pantalla. Y hay algo más que me inquieta. Alisha Weir es quien personifica a la niña protagonista, tiene actualmente 14 años, y es, obviamente, menor de edad. Pero lo que se ve en pantalla no es para menores, de ninguna forma, lo que se traduce en clara inconsistencia. ¿Qué pasa en estos casos? ¿Es esto prudente? Al menos debemos preguntarnos por estas situaciones, porque una cosa es el misterio o la intriga, y otra muy diferente es cuando se explicitan conductas que claramente son ficciones, pero que al actuarlas deben parecer reales. ¿Será hilar muy fino, o está en juego el correcto tratamiento de las personas, y en especial, los menores? No tengo respuesta, es solo una inquietud que se agudiza, tal, vez, por el magro resultado cinematográfico ofrecido.

Ficha técnica

Título original: Abigail
Año: 2024
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Irlanda; Radio Silence, Project X Entertainment, Wild Atlantic Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Terror. Fantástico | Monstruos. Vampiros. Secuestros / Desapariciones
Guion: Guy Busick, Stephen Shields
Música: Brian Tyler
Fotografía: Aaron Morton
Reparto: Melissa Barrera, Dan Stevens, Kathryn Newton, William Catlett, Kevin Durand, Angus Cloud, Giancarlo Esposito, Alisha Weir
Dirección: Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett

Guerra Civil Por - Juan Pablo Donoso

¿Cómo sería hoy día una Guerra Civil en Estados Unidos?

Este filme se pone en tal situación. Acompañamos a un equipo de periodistas que deberán recorrer miles de kilómetros por tierra, desde Nueva York rumbo a Washington DC, para entrevistar al Presidente… ¡si es que llegan!, y lo encuentran aún con vida.

Más que un conflicto entre individuos es, como sub-género, una película “de carretera”. Importa lo que va sucediendo en el camino, y los imponderables que van surgiendo.

Al recorrer un tramo tan largo de territorio el paisaje humano es variado y, obviamente, peligroso e impredecible.

Esta ficción revela, de manera muy cruda, cómo personas civilizadas durante la paz se transforman, de la noche a la mañana, en bestias asesinas o, peor aún, en criaturas anestesiadas, incapaces de reconocer el infierno que los rodea.

Como aperitivo, el guionista y director Alex Garland ((Ex Machina, Aniquilación, 28 Días Después) abre el relato con cinco minutos iniciales estremecedores. Nos deja preparados para las contingencias que vendrán.

Cada reportero del cuarteto - 2 hombres y 2 mujeres - entrega un ángulo humano diferente de lo que significa cubrir una eventualidad tan potencialmente suicida como esta.

Durante todo el viaje, además de conocer sus motivaciones personales, el relato nos mantiene tensos sin saber qué abominación, o desquicio, nos espera unos kilómetros más adelante.

Aunque ficticia en este caso, es una realidad hoy día en países del Medio Oriente, y lo fue con todo salvajismo en Vietnam.

La brutalidad de cada incidente va impactando a la joven e intrépida Jessie (Cailee Spaeny) a través de quién nosotros, los espectadores, vamos madurando en el verdadero significado de un conflicto bélico interno entre hermanos de un mismo país.

Por fin Kirsten Dunst (Fargo- 2015 /María Antonieta-2008, Vírgenes Suicidas-1999 ) recupera un rol que le demande expresar una gama psicológica que va desde la insensibilidad profesional ante las masacres, pasando por la soledad periodística, hasta dejar que broten en ella los dormidos instintos maternales.

Acertada inclusión de Stephen McKinley Henderson, obeso actor interpretando al anciano redactor Sammy, cuya vida se identifica a plenitud con la vocación noticiosa.

Apoteótica secuencia final cuando llegan a la Casa Blanca.

PARA RECORDARNOS EL HORROR QUE SIGNIFICA UNA GUERRA CIVIL, SIN ROMANTICISMOS CINEMATOGRÁFICOS NI EUFEMISMOS INTELECTUALES. PROVOCATIVA, IRRACIONAL, E IMPACTANTE.

Ficha técnica             

Título Original: Civil War

2024 Acción, tragedia EE.UU., Inglaterra - 1,49 hrs. 

Fotografía: Rob Hardy 

Edición: Jake Roberts 

Música: Geoff Barrow, Ben Salisbury 

Diseño Prod.: Caty Maxey 

Actores: Nick Offerman, Kirsten Dunst, Wagner Moura 

Guionista y Director: Alex Garland

Garra de Hierro - Por Juan Pablo Donoso

Mérito biográfico de conocer a la familia de los Van Erich, campeones de lucha libre estadounidenses en los años 80.

Una familia cristiana, siempre unida, llena de amor y armonía, dedicada por completo a superarse en ese violento deporte/ espectáculo.

Un padre (Holt McCallany), que fue casi campeón mundial de lucha libre, proyecta su frustración en hacer que sus 4 hijos varones lleguen a serlo.

El filme tiene elementos de dulce y de agraz. Muy prolija fotografía, montaje y producción; mas, los actores hacen lo posible por salvar un guion que filtra agua por muchos lados.

Se siente larga y plana. Ello porque carece de un antagonista sólido y equivalente. El único factor que pareciera oponérseles sería una supuesta “maldición” esotérica que les acarrea desgracias personales. Pero como contra ese intangible enemigo nadie puede luchar, el relato es sólo una sucesión de etapas, triunfales y/o dolorosas, en el ascenso hacia la gloria deportiva.

Diálogos obvios, innecesarios y ramplones, para informar de la historia de esa familia.

Hemos conocido, en los años 70, otras admirables películas del mundo interno de lucha libre. En especial una de sólo mujeres, de una crudeza impactante.

Era la vida antes de Internet y las redes sociales. Las hazañas de fuerza, resistencia y atletismo físico tenían que ser presenciadas en persona y vistas con los propios ojos, o en pequeñas pantallas de TV.

Gratificante retorno a la pantalla de Maura Tierney (ER), como la sumisa esposa y madre, luego de su delicada enfermedad. La personalidad de cada uno de los hijos está bien diferenciada. El relato se detiene, preferencialmente, en Kevin (Zac Efron), hermano mayor y único dispuesto a crear una familia propia. Pero, más allá de los matices de interpretación actoral, se apoya en el constante brillo, muy carismático, de sus ojos.

Como en cualquier historia familiar, hay quienes cometen excesos criticables (aquí era el padre). Sin embargo, su motivación fue siempre noble, amorosa y altruista.

Excelente coreografía de los combates para los aficionados a esta rama deportiva (a menudo manipulada de antemano por afanes comerciales). Lo triste es que los luchadores - apasionados por el éxito - nunca logran la fortuna económica que alcanzan sus organizadores.

VÁLIDA COMO BIOGRAFÍA, DÉBIL COMO CONFLICTO DRMÁTICO, EMOTIVA COMO VIVENCIA PERSONAL. GARRA DE HIERRO = UNA ESPECIAL MANERA DE SUJETAR LA CABEZA DEL CONTRINCANTE CONTRA LA LONA.

Ficha técnica

Título Original: The Iron Claw

2023 Biografía, drama famkiliar, deporte EE.UU. - Reino Unido - 2,10 hrs. 

Fotografía: Mátyás Erdély 

Edición: Mateo Hannam 

Música: Richard Reed Parry 

Diseño Prod.: James Precio 

Actores: Zac Efron, Jeremy Allen White, Harris Dickinson 

Guionista y Director: Sean Durkin