Bagman - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Durante siglos, los padres han advertido a sus hijos sobre el temible Hombre del Saco, un ser maligno que rapta a niños inocentes y los aparta para siempre de sus familias. Patrick (Sam Claflin) escapó de sus garras por los pelos en su infancia, pero el trauma que le generó aquel encuentro le ha perseguido desde entonces. Tras mudarse a su antigua casa familiar con su esposa e hijo, Patrick descubrirá que la tenebrosa criatura continúa allí, acechando sus pesadillas y amenazando con arrebatarle aquello que más quiere en el mundo.

Buena música en la introducción. Interesante, con cambios modales que generan una atmósfera propicia para un inicio clásico, con un incidente que involucra a un padre y a su hijo. Por lo demás, nada nuevo, porque las luces parpadean, luego se apagan. Después silencio y sonidos extraños. ¿Lo hemos visto? Claro que sí, pero aún así no podemos dejar de prestar atención.

Vamos a la historia. Los problemas económicos de Patrick son un verdadero yugo que se cierne sobre su humanidad. Ha debido mudarse a la antigua casa familiar, dejar proyectos de lado, y, ademas, trabajar con su hermano en el negocio de la madera, todo ello para procurar lo mejor para su esposa y a su hijo. Pero Patrick no puede olvidar. Los recuerdos le acechan. Algo lo amarra que no le permite avanzar. Vuelve el pasado, y no le pierde pisada.

La presencia maligna recién se concreta alrededor del minuto cuarenta, cuando ya hemos hecho un camino importante en el desarrollo del relato. Ya vimos a su hijo que intentando tocar una flauta, muy inquieto, y que desespera a su madre que se distrae un segundo mientras el pequeño se pierde al interior del bosque. También hemos observado incidentes nocturnos, llenos de misterio; posibles intrusos dentro de la propiedad, y que la policía no sabe distinguir si son invenciones o parte de la realidad.

“Bagman”, dirigida por Colm McCarthy, no se hace pesada, lo que es un hecho a destacar. No abusa de los efectos, tampoco de la tenebrosidad del horror mostrando escenas escabrosas llenas de sangre u otros condimentos que salpiquen la pantalla. Sí, desarrolla símbolos, como ese objeto de madera que mantiene una importancia radical para el pasado de Patrick. Sin sorprender, esta película no solo se deja ver, sino que ofrece una perspectiva diferente sobre el famoso mito del hombre del saco. ¿Qué tal si no se lleva a los niños malos sino que a los buenos?

Ficha técnica

Título original: Bagman
Año: 2024
Duración: 92 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Temple Hill Entertainment. Distribuidora: Lionsgate, Leonine Distribution
Género: Terror
Guion: John Hulme
Música: Tim Williams
Fotografía: Nick Matthews
Reparto: Sam Claflin, Antonia Thomas, Will Davis, Adelle Leonce, William Hope, Steven Cree
Dirección: Colm McCarthy

Mufasa: el Rey León - Por Juan Pablo Donoso

Supera la versión de 2019. Es precuela y secuela de aquella.

Predomina la precuela narrándonos la vida del abuelo Mufasa, de sus aliados, sus enemigos, y del origen de Scar (Cicatriz).

Es un león que nació sin una gota de nobleza en su sangre, y que llegó a ser el Rey de su basto reino animal. De cómo cambió la vida para siempre y de cómo un huerfanito pudo ser monarca. Valores que merecen atención y respeto.

Alude a temas familiares, de coraje, y responsabilidades de ser un buen líder.

Una superproducción bellamente elaborada, con un complejo argumento, e imágenes impresionantes que satisfarán a los seguidores de la saga.

Un largo y tortuoso viaje, de Mufasa, solitario y perdido, con Scar (Taka) desde que eran cachorros, siguiendo el ciclo natural de la vida y la muerte.

Maravillosas locaciones computarizadas de Sudáfrica, reproducen con realismo casi todas las escenas de fauna y flora, de los panoramas y de sus personajes.

La animación logra un realismo impresionante. Fotogramas refinados con esmero para lucir cada objeto y habitante de las llanuras. Sin embargo, lamentamos que las canciones del compositor estadounidense, Lin-Manuel Miranda, siendo hermosas, quedaran esta vez por debajo de la magnificencia de las imágenes.

Se alcanza a vislumbrar un eco de los animadores japoneses de la serie televisiva Kimba, el Leon Blanco. Allí el villano era un perverso felino llamado Claw (Garra) con una cicatriz sobre el ojo izquierdo. Sus secuaces eran 2 siniestras hienas manchadas. Aquí son tres y secundan a Scar.

Cabe mencionar que si bien acá los malos son leones blancos, a ratos lucen incluso más bellos que nuestros héroes y sus amigos.

Es notorio cómo cierran cada secuencia de acción con el rostro deslumbrado, en primerísimo plano, de alguno de nuestros protagonistas.

En medio de todo el alarde de virtuosismo narrativo y tecnológico, nos preguntamos si la longitud de la cinta - dos horas - y el exceso de peripecias violentas - serán resistidas por niños muy pequeños. Tal vez hora y media habría sido más llevadera.

La cantante Blue Ivy Carter de 12 años, como "Kiara", es en la vida real la hija de Beyoncé.

El filme fue dedicado con cariño a la memoria del actor James Earl Jones quien puso la voz a Mufasa desde 1994 hasta 2019. Dejó este mundo a los 93 años en septiembre de 2024.

UNA EMOTIVA EPOPEYA - MAGISTRALMENTE REALIZADA - QUE AHONDA EN EL ORIGEN DE ESTOS ICÓNICOS PERSONAJES DE LA INDUSTRIA DE DISNEY. OJALÁ VERLA EN IMAX.

Ficha técnica

Título Original: Mufasa: King Lion

2014 Animación, aventuras animales EE.UU.-2 hrs. 

Fotografía: James Laxton 

Edición: Joi McMillon 

Música: Dave Metzger, LIN-Manuel Miranda 

Diseño Prod.: Mark Friedberg 

Guionistas: Jeff Nathanson, Linda Woolverton, Irene Mecchi, Jonathan Roberts 

Voces (inglés): Aaron Pierre, Kelvin Harrison Jr., Tiffany Boone 

Director: Barry Jenkins

Nos vemos la próxima Navidad - Por Jackie O.

"A veces no hay que buscar tanto"

El vuelo de Layla a Nueva York se retrasa para pasar la Navidad con su cariñoso novio Tanner, por lo que debe quedarse en la sala de espera de primera clase. Allí conoce brevemente a Teddy, quien le da un consejo gourmet, y luego a James. Con este último, Layla se queda conversando y le cuenta que con su novio tienen entrada para un concierto de "Pentatonix", y le hace escuchar a James dicho grupo. Enganchado, él le propone que se vean en el siguiente concierto de Nochebuena del año que sigue si ambos están solteros, dejando al destino su curso si se vuelven a encontrar. Ella lo ve imposible, su noviazgo va viento en popa.

Pasan los meses y la vida de Layla va muy bien en trabajo y amor, hasta que un día llega temprano a casa, algo inusual en ella, y encuentra a su novio con otra mujer; horror de horrores, el amor llega a su fin y Layla está devastada.

 
Y así llega fin de año otra vez, la mejor amiga de Layla le dice que debe encontrar un nuevo romance y le recuerda lo que James le dijo hace un año, el guapo extraño, de verse en el concierto de Pentatonix. Así comienzan a aparecer ciertas situaciones que Layla le cuenta a su mejor amiga, y que cree son señales, que el destino le dice que debe juntarse con James, que él es su nuevo amor, pero no sabe nada, y comienza con su búsqueda, y también de las preciadas entradas; lo último es lo peor: ya no quedan, es un grupo muy famoso. Pero su mejor amiga le da un dato genial. Hay una agencia que se encarga de buscar lo imposible. Así es que Layla va con la misión: en menos de cuatro días debe tener las entradas. En la agencia le asignar a un agente, que resulta ser Teddy, el del aeropuerto. Pero ninguno se acuerda dónde se han visto antes, así pasan horas y días juntos buscando las entradas, y el agente debe hacerlo solo, pero Layla ha insistido en quedarse con él en todo momento, está tan desesperada y angustiada por esas entradas que no dejará a Teddy en ningún momento solo y lo ayudará en lo que sea para conseguirlas.

Así deambulan por la ciudad con diferentes contactos que van manteniendo, las horas avanzan y no hay entradas, pero sí hay mucha anécdotas y conversación entre ambos, se van conociendo en cada hora que pasa. Teddy escribe docenas de mensajes al manager de Pentatonix, pero nada, y este manager le cuenta al grupo sobre esta desesperada búsqueda. Teddy les dice, además, de ese posible encuentro amoroso que podría crearse entre Layla y James, y el grupo de músicos se interesa en el caso amoroso.
Con este dato, Pentatonix comienza a ayudar a Teddy, pero de una forma diferente a la que se cree.

La historia es predecible pero entretenida. Habla del amor y la amistad.
Los actores principales y secundarios son buenos en sus roles y las situaciones que van teniendo en el camino se sienten nada rebuscadas, y son agradables, lo que hace de esta película liviana para pasar un buen rato.

La curiosidad es Pentatonix, un grupo real de mucho éxito, y aunque le pusieron empeño en la actuación, no son buenos. ¡Ja! Pero sí grandes cantantes.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Meet Me Next Christmas
Director: Rusty Cundieff
Escritor: Camilla Rubis y Molly Haldeman
Protagonista: Christina Milian, Devale Ellis, Kofi Siriboe, Tymika Tafari
2024. 106 minutos

Intuición Criminal - Por Jackie O.

"Comprometida"

La inspectora Angelika Schnell es la jefa de la brigada de homicidios en Viena. Está divorciada y tiene dos hijos preadolescentes. Schnell es muy empática, aunque extremadamente egocéntrica y algo caótica en el día a día.

 
Cuando tiene un caso, en sus sueños (despierta) ve a menudo a víctimas de asesinato actuando en diferentes lugares que tienen que ver con el crimen. A medida que avanzan las estaciones, las ensoñaciones se expanden hasta convertirse en sentimientos personales y, a veces, Angelika se proyecta en el lugar de la víctima.

Su ex marido es el patólogo forense, Dr. Stefan Schnell, con quien tiene que lidiar siempre cuando sucede un crimen, y aunque se ve que la interacción es correcta por los hijos, en él se siente que aún hay sentimientos por ella, pero Angelika quiere rehacer su vida, conociendo a su nuevo vecino con el cual tiene cierto interés.
Así, la vida de esta inspectora avanza entre crímenes y sus asuntos personales: la buena convivencia que tiene con su equipo de trabajo, y la no muy buena con su suegra, un personaje que nunca vemos, pero que se menciona mucho.

Como señalé, en cada caso la Inspectora se deja llevar por su instinto. Su imaginación la lleva a proyectarse en el lugar de la víctima, a veces, teniendo con ese instinto buenos resultados. Lo malo es que en el momento menos pensado su intuición falla gravemente, hecho que vemos al finalizar la primera temporada, donde un giro inesperado nos sorprende.

Esta primera temporada, que es solo lo que aplica a este artículo, nos muestra la dinámica de la vida personal de Angelika, de su pasión al trabajo, de convertirse en obsesión, de la protección a sus hijos, y de la búsqueda del amor. De cómo un trabajo en que se arriesga la vida, se debe actuar fríamente y con calidez a la vez.
Cada historia es un crimen diferente, con buen maquillaje y montaje.
El guion es simple, donde los casos son crímenes sin tanto misterio, pero se deja ver, para así tomar la decisión de seguir o no con las temporadas siguientes.

La serie de televisión cuenta actualmente con ocho temporadas y 78 episodios en total, además de cuatro largometrajes, que abarcan del 2009 al 2024.

La primera temporada del año 2009, tiene 10 capítulos, y la pueden ver gratis en Pluto TV.

Ficha técnica

Título original: Schnell ermittelt ( Fast Forward )
Austria
Creada por Eva Spreitzhofer
Idioma original: Austríaco, alemán
Género: Crimen , drama.
Reparto:
Ursula Strauss: Angelika Schnell
Andreas Lust: Dr. Stefan Schnell
Wolf Bachofner: Harald Franitschek
Katharina Straßer: Maja Landauer

Como ser Millonario Antes que Muera la Abuela - Por Juan Pablo Donoso

Aunque sucede en Tailandia hoy día, es un drama familiar inherente a la raza humana desde tiempos inmemoriales.

¿Cómo afrontan los hijos adultos, y nietos, la cercana muerte de una abuela anciana, cuando es poseedora de ciertas propiedades, sencillas, pero que vendrían bien a todos cuando partiera?

Si bien hay variados personajes, toda una parentela de clase media, los protagonistas son - M - un nieto joven, flojo y codicioso y - Amah - la sabia octogenaria, víctima de una enfermedad terminal.

El objetivo del muchacho es obvio: demostrar, de pronto, gran interés en acompañarla y velar por ella. Y el de la anciana, rebelarse ante los solícitos cuidados de un post-adolescente que, sabiéndola solitaria, casi nunca antes la visitaba.

Médula dramática: la gradual maduración emotiva del joven al convivir con ella y asistir a su fallecimiento.

Sencillo milagro filial que transforma un corazón codicioso en alguien capaz de vislumbrar horizontes de nobleza.

Carece de conflicto directo. Es solo un lento fluir de pequeñeces cotidianas que van tejiendo un paño de verdades afectivas que conducen a la madurez.

Hay que sumergirse en el ritmo oriental del relato, en su sencillez cotidiana casi pedestre, en sus ritos religiosos, para dejar que la sabiduría y el amor florezcan aún en los corazones más duros y egoístas.

La escena del traslado del ataúd en un vehículo abierto quedó tan lograda, que conmueve hasta al más resistente de los espectadores.

Notables actuaciones, sin estridencias, de Putthipong Assaratanakul, como el nieto, y de Usha Seamkhum, la anciana.

Hasta hay un sorprendente giro final que revela la misteriosa intuición femenina de la abuela, incluso después de fallecer.

UN LENTO, SIMPLE Y CONMOVEDOR DESPERTAR AMOROSO ENTRE UN NIETO Y SU ABUELA MORIBUNDA. PARA VERLA CON CALMA Y SIN EXIGENCIAS.

Ficha técnica

Título original: Lahn mah

2024 - Tragicomedia familiar Tailandia - 2,15 hrs. 

Fotografía: Boonyanuch Kraithong 

Edición: Thammarat Sumethsupachok 

Música: Jaithep Raroengjai 

Diseño Prod.: Patchara Lertkai 

Guion: Pat Boonnitipat, Thodsapon Thiptinnakorn 

Actores: Putthipong Assaratanakul, Usha Seamkhum, Sanya Kunakorn 

Director: Pat Boonnitipat

El hombre que inventó la Navidad - Por Carlos Correa Acuña

Ver esta película en el Tiempo de Navidad es la mejor opción. Uno porque remite a un cuento que marca un antes y un después; y dos, porque siempre es importante poner en relieve valores fundamentales que en esos días se hacen más presentes que nunca.

Charles Dickens, luego del éxito de “Oliver Twist” parece tenerlo todo. Viaja a Norteamérica como estrella y es recibido con bombos y platillos. Es el comienzo de un nuevo camino, un ciclo sólido y pavimentado, pero bien sabemos que no todo lo que brilla es oro. Repetir la misma fórmula no necesariamente asegura obtener los mismos resultados, y esto es justamente lo que sucede con nuestro protagonista.

Tres fracasos al hilo, como podría ser para un entrenador una racha de derrotas sin mediar explicación, ponen en entredicho la capacidad del autor. ¿Naufragio literario? ¿Ausencia de novedad? ¿De conexión con los lectores? Dickens no lo sabe, ni siquiera lo intuye, pero lo que sí sabe es que debe corregir el rumbo, variar las herramientas y moderar las expectativas.

Decidido a encontrar la luz al final del túnel, encuentra una oportunidad única. En solo seis semanas debe escribir un cuento vibrante, con ilustraciones, que logre cambiar el curso de los hechos. La fecha tope es Navidad, y corre el año 1843. Las cartas están sobre la mesa y el paso del tiempo resulta inexorable.

Pensar acerca del proceso creativo por el que transita un escritor puede ser todo un misterio, en especial cuando acecha el temido bloqueo. Y de esto trata este filme, del que resulta más atractiva su premisa que su desarrollo propiamente tal.

Conocer detalles o pormenores, ya sean reales o ficticios, de un autor de renombre llama la atención, por eso la entrada es interesante. Sin embargo, a poco andar, la fibra se deshace y la cinta cae en un sopor del que no logra desprenderse sino hasta los últimos minutos. Dan Stevens, el actor que da vida a Dickens, es entusiasta y comprometido, pero cuesta creer que encarne a un escritor. Más bien transmite todo lo contrario, está más cerca de ser un vendedor o un empresario que no logra congeniar el trabajo con la familia, y que además arrastra innumerables traumas desde su pequeña infancia. Esto último lo hace bien, pero de literato, poco y nada. Jonathan Pryce, que interpreta a su padre, corre en su auxilio. Su sola presencia llena la pantalla y aporta un contrapunto más que interesante para llenar muchos vacíos que el joven Stevens deja al descubierto.

Tiene que aparecer Christopher Plummer para que la película dé un giro en 180 grados. El fantasma de Scrooge es realmente el centro del relato, y, además, quien conduce la historia a través de las otras apariciones que completan la historia al interior de la mente creativa del autor. Es mágico ver a Plummer. Su carisma, sus gestos y sus miradas transmiten la esencia del personaje, y también dan cuenta de la transformación que sufre el protagonista principal de “A Christmas Carol”

Dirigida por Bharat Nalluri, esta película probablemente no pasará a la historia, sin embargo vale la pena verla por los valores que encierra y que, básicamente, se nutren de la obra original de Dickens. Puede ser, incluso, un punto de partida para acercarse a la obra del creador, en caso que no se conozca, pero no mucho más. Si bien es cierto que este cuento de Navidad que habla de la mutación interna de un hombre al conectar su pasado, con su presente y su futuro, puede haber cambiado de alguna manera la forma de la celebración de estas fechas, no podemos dejar de observar que el real sentido de este tiempo es la espera del nacimiento de Jesús. Nada de ello encontraremos en esta historia, sin embargo, la bondad, el amor, y la preocupación por el prójimo son valores transversales además de coincidentes con el milagro ocurrido en el pesebre de Belén.

Denle una oportunidad y véanla sin mayores expectativas. Aunque no se sorprendan ni les resulte una cinta encantadora, bueno es sumar y rescatar siempre lo positivo.

Ficha técnica

Título original: The Man Who Invented Christmas
Año: 2017
Duración: 104 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Irlanda-Canadá; Parallel Films, Rhombus Media
Género: Drama | Biográfico. Navidad
Guion: Susan Coyne. Novela: Les Standiford. Biografía sobre: Charles Dickens
Música: Mychael Danna
Fotografía: Ben Smithard
Reparto: Dan Stevens, Christopher Plummer, Jonathan Pryce
Dirección: Bharat Nalluri

Jurado #2 - Por Jackie O.

"Verdad y justicia"

Sinopsis: En Savannah, Georgia, el periodista y alcohólico en recuperación Justin Kemp es convocado para formar parte del jurado en un caso relacionado con la muerte de Kendall Carter, quien un año antes, tuvo una pelea con su novio James Sythe en un bar local y luego fue encontrada muerta debajo de un puente. Sythe está acusado de su asesinato.

La esposa de Justin está pronta a dar a luz, y es un embarazo de riesgo, y cuando Justin es convocado a ser jurado junto a otras tantas personas, se somete a las diversas preguntas de la Fiscal y el Defensor en audiencia convocada para ello ante la jueza. La idea es dejar a gente idónea para tamaña responsabilidad. Es la etapa de descarte que hacen para elegir a los 12 jurados que determinarán la inocencia o culpabilidad de Sythe. Justin solicita ser excluido por estar al cuidado de su mujer, pero le dicen que el juicio será breve siendo él el jurado número 2 del caso.

Comienza el juicio, la Fiscal es determinante en culpar a Sythe. Tiene, según ella, antecedentes suficientes, pero además, está preocupada de otro asunto más relevante. El defensor hace lo que puede por su cliente, llegan los testigos y se revisa la prueba en general, el jurado observa y escucha detenidamente. Y a medida que se va hablando del caso, el joven Justin comienza a tener dudas, siendo nosotros testigos de ello. Y el juicio se alarga, la discusión del jurado comienza a tener matices, cada jurado, por muy mínima sea su participación, tiene una personalidad interesante. Pero, por supuesto, algunos resaltan más que otros, como el detective retirado que comienza a efectuar su indagación, o el afrodescendiente que odia el pasado de Sythe y no escuchas razones.

Clint Eastwood, a sus 94 años, ha sido capaz de rodar su película número 42, con altos y bajos en su carrera, y nos trae esta cinta que está dentro de lo mejor del año cinematográfico. Maneja la duda, la tensión, la desesperación, la incomodidad de cada personaje muy bien. Explora los dilemas éticos y morales, cuestionando el significado de qué es hacer lo correcto en una situación compleja.

La película invita a asumir el rol de jurado moral, hace analizar si se puede o no dejar pasar una omisión,  nos muestra los fallos en el sistema judicial cuando la falta de recursos hace cometer errores de investigación al no ser metódicos en algunos casos, de evaluar bien los antecedentes, de cómo el silencio es un castigador mental.

A través de una narrativa reflexiva, que mezcla la ambigüedad moral con el suspenso, Eastwood deja al espectador con preguntas sobre la justicia, la culpa y la responsabilidad personal.

Disponible en Max.

Ficha técnica

Juror #2
Dirección: Clint Eastwood
Guion: Jonathan Abrams
Música: Mark Mancina
Montaje: Joel Cox
Protagonistas: Nicholas Hoult, Toni Collette, J. K. Simmons, Kiefer Sutherland, Zoey Deutch, Gabriel Basso, Leslie Bibb
2024. 114 minutos.

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 27 de Diciembre 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Carlos Correa Acuña en el último "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile. ¡Hasta la próxima!

En busca de la esmeralda perdida (1984) - Por José Luis Nicolás

Joan Wilder es escritora de aventuras. En sus textos las protagonistas son mujeres valientes que salen de apuros gracias a galanes que no dudan en enfrentar a enemigos despiadados. Hasta su departamento de soltera llega un sobre que contiene un mapa que indica el lugar exacto donde está escondido un valioso tesoro. El documento fue enviado por su cuñado antes de fallecer en trágicas circunstancias. En los mismos días en que recibe el paquete, y a través de una llamada telefónica, Joan se entera que su hermana y flamante viuda fue secuestrada en Colombia. Los captores están dispuestos a liberarla a cambio del mapa.

La novelista está en apuros. Decide viajar al desconocido país sudamericano para arreglar el entuerto. Pero el valioso papel que posee es codiciado por más gente de lo que ella cree. Cuando la misión de rescate está a punto de fracasar, aparece Jack Colton: un comerciante avícola, malhumorado y, en apariencias, bien intencionado.

Esta es En busca de la esmeralda perdida, una película dirigida por Robert Zemeckis. Para su estreno, en 1984, ya existía Indiana Jones en el inconsciente colectivo. Había que alterar la fórmula. Entonces la producción decidió resaltar la figura de la heroína y quien encajó perfecto en el perfil fue Kathleen Turner. Una actriz experta en interpretar a “mujeres fatales” que demostró su enorme talento encarnando a la protagonista absoluta de este largometraje.

Michael Douglas a la sazón tenía 40 años de edad. No era un muchacho. Aunque poseía un Óscar como productor -a la Mejor Película- de Atrapado sin salida, frente a las cámaras era todavía un desconocido. El único papel de relevancia que tenía en su registro fue el secundario que encarnó en el Síndrome de China. Aquí produjo (su especialidad) y se puso en la piel de Jack Colton.

Completó el reparto Danny DeVito. Él junto a Turner y Douglas formaron una sociedad actoral que volvió a repetirse en otras películas: La joya del Nilo (perteneciente a la saga de En busca de la esmeralda perdida) y La guerra de los Roses.

Robert Zemeckis filmó una aventura ambientada en Colombia, cuando el narcotráfico, las guerrillas y los grupos paramilitares eran parte del paisaje. En una zona donde el mal campeaba (o así lo contaban los diarios), la aventura de una heroína improbable toma otra tonalidad. En busca de la esmeralda perdida es una cinta graciosa, política y sobre el empoderamiento femenino.

Ficha Técnica

Título original: Romancing the Stone
Año: 1984
Duración: 105 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Robert Zemeckis
Guión: Diane Thomas
Reparto: Michael Douglas, Kathleen Turner, Danny De Vito
Música: Alan Silvestri
Fotografía: Dean Cundey
Compañías: 20th Century Fox

Bagman: Espíritu del Mal - Por Jackie O.

"Viene por ti"

La historia nos lleva a esa antiquísima leyenda "del viejo del saco".

Este personaje es caracterizado como un asustador de niños, y se utiliza como argumento para amedrentar a los niños y obligarlos a que regresen a casa a una hora temprana, o para inducir a que los niños obedezcan a todo lo que ordenen sus padres y sus mayores, y se comporten de buena manera y de una manera correcta. Es similar a la historia del "coco" y al "sacamantecas".
Es un ser maligno que rapta a niños inocentes y los aparta para siempre de sus familias.

Esta cinta nos presenta la historia de un matrimonio con un infante que vive con algunos apremios económicos debido a la mala racha económica que están pasando. Eso hace que Patrick, con su esposa Karina e hijo pequeño Jake, deban vivir en la antigua casa familiar y trabajar en algo diferente a su profesión, siendo él un trabajador más en la empresa de la familia para poder sobrevivir. Pero hay algo que lo tiene inquieto desde siempre: un trauma del pasado.

 
Mediante analepsias, vemos que cuando Patrick era pequeño, junto a su hermano, fueron a un lugar prohibido por los mayores, en especial por su padre, quien le contaba la espeluznante historia de Bagman. Cuando fue al lugar prohibido sintió una presencia, pero para él fue algo mucho más que una sola sensación, creándole un trauma de por vida.
En la actualidad volvió con mas intensidad la maligna presencia, y hay momentos en que cree estar alucinando, sensación que ha crecido desde que llegó a vivir a la casa familiar, cerca de aquel lugar tenebroso para él.

La película avanza lento. Maneja bien los momentos de tensión, pero llegan desde la segunda mitad más o menos, lo que puede generar cierta incomodidad para algunos que prefieren los sustos rápidos, o bien cansar por la falta de cuidadosa edición.

 
Sam Claflin realiza un excelente trabajo pasando por diferentes etapas: la de padre protector, esposo amoroso, hombre angustiado, y sujeto atormentado.
Lo interesante del guion es cómo maneja la duda. ¿Estamos ante un hombre loco que provoca daño, o una leyenda que volvió a la vida y debe afrontarla?

Los efectos visuales son buenos, salvo detalles que se hicieron mediante CGI que no eran necesarios; con efectos prácticos o naturales habrían funcionado mejor. Las actuaciones de los secundarios son variables, alguna buenas y otras que no aportan mucho.

Una cinta que no solo habla una leyenda que se teje en muchos países, sino que de hacer lo necesario para salvar y cuidar a quienes amas, de los traumas no solucionados, la unión familiar, afrontar los miedos,
y principalmente el sacrificio.

Ficha técnica

Director: Colm McCarthy
Género: Horror, Thriller
93 minutos. 2024.
Reparto: Sam Claflin, Antonia Thomas, Sharon D Clarke, Steven Cree, William Hope, Adelle Leonce, Peter McDonald, Henry Pettigrew y Caréll Vincent Rhoden.

Jurado #2 - Por Carlos Correa Acuña

Clint Eastwood está de regreso, aunque ciertamente nunca se ha ido. Luego de un periplo por películas que no le dieron mayores reconocimientos, e incluso fueron exiguas en taquilla, este notable director a sus 94 años nos entrega un drama de aquellos, donde todos los elementos se alinean perfectamente para dar curso a una obra que va más allá de ser solo un intrincado thriller judicial.

Justin Kemp -Nicholas Hoult-, joven hogareño muy apegado a su familia, es convocado para formar parte del jurado en un juicio por asesinato. La historia transcurre en Savannah, Georgia, al sur de Estados Unidos, y los antecedentes parecen estar bastante claros: hace un año, una mujer fue encontrada muerta en un canal al costado de un puente. De inmediato, la principal sospecha recae en su pareja, pues todos los vieron discutir acaloradamente a la salida de un bar ubicado muy cerca del lugar de los hechos. Tan transparente es la situación, que la fiscal Faith Killebrew -Toni Colette-, asume que este caso es su principal carta para ganar su próxima elección, a pesar de los denodados esfuerzos del abogado defensor, Eric Resnick -Chris Messina-, por demostrar la inocencia de su representado.

Kemp alega no poder asumir su responsabilidad en tribunales porque debe acompañar a su mujer que está a punto de dar a luz. Por supuesto, la solicitud es denegada, pues el juicio será corto y el trabajo no le demandará más tiempo que su habitual horario laboral. Se transforma así en el Jurado número dos mientras comienza la etapa de apertura del caso donde se presenta todo lo sucedido con lujo de detalles. En ese preciso momento, y a muy poco de iniciada la película, ya tenemos un primer giro; la fatídica noche del asesinato oculta antecedentes, la relación de los hechos es incompleta, y Justin Kemp está mucho más vinculado de lo que podría imaginar.

Clint Eastwood maneja el guion escrito por Jonathan Abrams como si fuera un juego de salón. O nos maneja a nosotros, mejor dicho, porque nos lleva de aquí para allá, nos da vuelta, nos remueve, y además se lo agradecemos profusamente. Y es que él sabe mejor que nadie que los compromisos y las emociones están relacionadas con los tiempos empleados y con los descubrimientos que hagamos en esos lapsos. Esto es tan notable, que aún conociendo desde el inicio la mayoría de los elementos involucrados, la película ofrece un suspenso que crece minuto tras minuto y que hace inevitable que necesitemos conocer el desenlace lo antes posible.

Una de las claves de esta película es su composición en múltiples capas. Una de ellas es la que involucra a los personajes, muy diversa por lo demás, porque abarca desde los roles protagónicos hasta algunos secundarios que apenas están unos minutos en pantalla, como el Pastor, representado por Kiefer Sutherland, quien en poquísimo tiempo logra delinear perfectamente su participación en el filme. ¡Qué decir de la configuración de los doce jurados! Cada uno es un mundo en sí mismo, en especial Harold Chicowski -J. K. Simmons-, un miembro del jurado que comienza a atar algunos cabos sueltos que hacen trastabillar las avanzadas deliberaciones. La fiscal y el defensor juegan una liga aparte porque entre ellos vemos otros recovecos de la historia, como la dimensión política, los vicios del sistema judicial, algunas acciones decididamente populistas, y la anhelada búsqueda de verdad y justicia.

El mayor conflicto del filme se inscribe en su capa más profunda y es el que directamente nos interpela. El dilema del protagonista cobra niveles insospechados a medida que va descubriendo su participación en los hechos y se da cuenta que en sus manos se encuentra la opción de influir en el jurado para que pueda condenar o liberar al acusado. Esta espada, o mejor dicho esta roca de una tonelada sobre los hombros del protagonista, es de lo mejor logrado por Eastwood, porque a esa altura probablemente ya tenemos un veredicto y nos preguntamos qué haríamos nosotros en una situación así.

“Juror #2” es de las mejores películas del año, sobre todo para mí, que disfruto con las historias que muestran por dentro el fragor de los tribunales. Lograr que nos comprometamos con cada uno de los personajes que se presentan, y, por sobre todo, con la situación que atribula al protagonista, nos transporta a otro estado de conciencia al fundirnos con la esencia del relato. Esa conexión indescriptible es la que proporciona la magia del cine de un maestro consumado como Clint Eastwood. Si este fuera su último trabajo, la vara vuelve a quedar en lo alto, aunque no me sorprendería que en un tiempo más este realizador nos regale una sorpresa, siempre fiel a un estilo cuestionador que remece lo más íntimo de nuestros sentimientos.

Ficha técnica

Título original: Juror #2
Año: 2024
Duración: 117 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Warner Bros., Malpaso Productions, Lightnin' Production Rentals. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Thriller. Drama. Intriga | Drama judicial / Abogados/as
Guion: Jonathan Abrams
Música: Mark Mancina
Fotografía: Yves Bélanger
Reparto: Nicholas Hoult, Toni Collette, J. K. Simmons, Chris Messina, Zoey Deutch, Cedric Yarbrough, and Kiefer Sutherland.
Dirección: Clint Eastwood

Bagman - Por Elizabeth Salazar T.

"El espíritu del mal"

¿Recuerdan cuando éramos niños y nos amenazaban que si no nos portábamos bien vendría el viejo del saco o el robachicos? En este mítico personaje se basa este filme. Patrick (Sam Claflin), va a vivir a la casa de su infancia junto a su familia, en el lugar siente una amenaza de su infancia que regresa para atormentarlo a él y también a su familia. A pesar de que lucha para poder ahuyentar a la siniestra presencia y proteger a su mujer Karina (Antonia Thomas) y su pequeño hijo, nada es útil para alejar al siniestro personaje.

Patrick está viviendo esos momentos donde nada sale bien. Al retornar a la casa de su niñez todo parece ir peor. Él se enoja y realiza una acción que empeorará todo. De a poco, se irá dando cuenta que lo que está sucediendo podría tener relación con el personaje que lo amenazaba en su infancia. Él enfrenta sus temores, pero ahora va tras su hijo. Además, la relación de pareja también se ve afectada por las distintas acciones que este realiza y que resultan ser inentendibles para Karina.

El pánico, el caos y la exaltación se apoderarán de la pareja, mientras su hijo parece estar tranquilo frente a esta inesperada visita.

Es una película que logra intrigar al espectador, con una historia en apariencia muy sencilla, pero que es un thriller sicológico.

Director: Colm McCarthy
Duración: 93 Minutos 
Distribuye: BF Distribution

Equipaje de Mano - Por Carlos Correa Acuña

Primera advertencia: esta no es una película de Navidad. Segunda advertencia: tampoco es de las películas románticas de estas fechas y que proliferan por doquier. ¿Qué es entonces? Veamos.

La historia abre con dos escenarios. Una joven pareja que descubre que esperan un bebé, y un misterioso y sombrío encuentro entre dos personas con resultados fatales. Rápidamente pasamos a un tercer plató, el Aeropuerto Internacional de Los Ángeles y un ajetreado 24 de diciembre, el día con más viajeros estresados, las mayores aglomeraciones y, probablemente, la jornada con más dificultades e imprevistos del año.

Y allí está la joven pareja, Ethan Kopek -Taron Egerton-, y Nora Parisi -Sofia Carson-, él agente de la Administración de Seguridad en el Transporte, y ella, supervisora de una aerolínea norteamericana. El día promete lo que supone, es decir estrés sobre estrés, pero bien sabemos que las cosas se van a complicar mucho más. Un enigmático personaje toma contacto con Ethan para que le ayude -previo chantaje, por supuesto-, a llevar a cabo un plan que parece imposible: dejar pasar un equipaje de mano negro con un contenido que, a todas luces, indica ser letal. No adelantaré mucho más. Uno, porque no hay mucho más que decir sobre la historia; y dos, porque los demás antecedentes es mejor descubrirlos en la medida que avancen las secuencias.

Jaume Collet-Serra, un excelente director de acción, maneja con oficio un relato firmado por T.J. Fixman y Michael Green. El ritmo es siempre creciente. Collet-Serra se da maña para filmar al interior de los pequeños recovecos de un aeropuerto gigante, y además sacar la acción hacia una autopista, y al aire, sin perder el cable hacia lo que él considera central.

Jason Bateman le da un toque especial a este villano viajero que amenaza con poner todo patas para arriba. Y el complemento con el novel Egerton funciona muy bien para los efectos prácticos, es decir, ponerlo en aprietos en la relación con su jefe y también causarle dificultades con su novia embarazada.

“Carry-On” se deja ver, es liviana, y por cierto, no se toma nada en serio. Todo lo que presenta corresponde a esbozos de algo que podría ser mayor. Un ataque terrorista en ciernes, una policía implacable, Elena Cole -Danielle Deadwyler-, que busca desentrañar la verdad de los acontecimientos, un cúmulo de frustraciones personales, y más de alguna caricatura, son algunos de los temas que la cinta va desarrollando en un poco menos de dos horas que muy pronto caen y se olvidan. Pero hay algo curioso. No parece que hubiéramos perdido el tiempo. Todo lo contrario, deja una sensación grata tras disfrutar de una película entretenida, que fluye más que correctamente, y que es ideal para una descansada tarde de domingo en casa.

Ficha técnica

Título original: Carry-On
Año: 2024
Duración: 119 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Amblin Partners, Dylan Clark Productions, Cobalt Blue 1802. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller. Acción. Drama | Aviones. Navidad
Guion: T.J. Fixman, Michael Green
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Lyle Vincent
Reparto: Taron Egerton, Sofia Carson, Danielle Deadwyler, Jason Bateman
Dirección: Jaume Collet-Serra

Cascanueces - Por Jackie O.

"Familia inesperada"

Sinopsis: Michael Maxwell se ve obligado a dejar su trabajo en Chicago tras la muerte de su hermana Janet y su marido. En la zona rural de Ohio, termina teniendo que cuidar de sus sobrinos Justice de 12, Junior de 10, los gemelos Samuel y Simon Kicklighter de 8 años, mientras la trabajadora social Gretchen Rice busca un hogar de acogida que los acoja.

Michael no es cercano a su hermana, él hizo su vida en la gran ciudad en el área inmobiliaria. Pero ante la muerte repentina de su hermana y marido, lo obligan a realizar todos los trámites legales que corresponde por ser el único pariente de los fallecidos.

 
Al llegar al campo, se encuentra con cuatro sobrinos, y solo sabía de dos. Llega con rapidez para firmar los papeles para retirarse y dejarlos con su familia adoptiva. Pero no hay nada listo, la casa es un desastre y los menores son rebeldes, realizan diversas travesuras, sin modales, estudian en casa, y no hay Internet.

Michael debe pasar un fin de semana con ellos, el que comienza a alargarse por semanas. Comparten los quehaceres del campo, limpiar el desastre de hogar que tenían, y estudiar con ellos en casa. Pero él solo está preocupado de presentar un proyecto en pocos días, y convencer a la trabajadora social que se apure en buscar una familia para sus sobrinos, ya que quiere escapar rápido de ese lugar.

La cinta ocurre cerca de Navidad. La madre fallecida era bailarina de ballet y tenía un taller de danza, quedando pendiente un musical que Junior escribió a su estilo para que su madre lo realizara: El Cascanueces, o como lo titularon "El bigote del Cascanueces ".

Por supuesto, aparecen familias adoptivas que no los quieren a todos, y hay que luchar para que se mantengan unidos. O también aquellas personas que hace negocios con la adopción de niños sin entregarles cariño. Eso hace que Michael ya no piense solo en él, sino que comienza a aflorar un sentimiento ajeno a él: preocuparse por otros.

En el transcurso de la trama van desatándose una serie de situaciones que tratan de ser divertidas (que no son), y otras dramáticas (nada de emotivas), las típicas situaciones que hemos visto en diversas películas, pero la forma en que se presenta en esta cinta es lenta, se siente forzado todo, y sin química entre los niños y Michael.
Lamentablemente los menores no actúan bien como para sentir algún tipo de empatía por ellos.

Como dato, los cuatro hermanos de la cinta son en la vida real hermanos, y todos hacen su debut cinematográfico. Y la cinta fue dedicada a una perrita.

Una película que habla de las familias destruidas y aquellas que se vuelven a armar. Y una crítica al sistema de adopciones.

Disponible en Disney.

Ficha técnica

Título original: Nutcrackers.
Director: David Gordon Green
Guion: Leland Douglas
Protagonista: Ben Stiller, Linda Cardellini, Homer Janson, Ulysses Janson, Atlas Janson, Arlo Janson
2024. 104 minutos.

Los Afectos - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Santiago de Chile, 2018. En medio de un clima de manifestaciones estudiantiles, Benjamín (35), inspector de colegio, ve cómo su hija Karina (16) sufre un brutal ataque por parte de la fuerza policial a las afueras del liceo. En este drama musical, Benjamín debe lidiar con su desconsuelo y sus afectos, mientras las protestas continúan escalando.

Drama psicosocial cuyo relato comienza con los sucesos del movimiento estudiantil y la aparición de los llamados overoles blancos. Va mostrando una realidad que ocurre en un liceo, pero a la vez sucede lo mismo en diferentes colegios municipales de Santiago.

Por otra parte, se plantea a nivel gubernamental una legislación denominada “aula segura”, que posee una marca más punitiva que resolutiva del problema de fondo.

Lo interesante del filme, si bien plantea los conflictos sociales en este caso de Chile, es que estos mismos tienen una gran incidencia en los miembros de la comunidad donde ocurren, y para resolverlos debemos colocarnos en el lugar del otro para, de esa manera, lograr salir adelante por el bien de aquellos a los que se ama. En otras palabras, lo social traspasa la vida de cada uno de los personajes, con sus alegrías pero también con sus amarguras. Aquí, la pérdida es el punto de partida para conocer realmente al ser que creímos saber quién era.

Tiene una buena ambientación creando una estética muy verosímil y con algunas actuaciones convincentes, como por ejemplo el protagonista principal que lo hizo merecedor de premio en el Sanfic 2024. Hace del relato algo conmovedor pero también añade tintes de humor.

Finalmente, si bien toca una realidad sociopolítica, el fondo está en lo humano y en su expresión de los afectos, lo cual hará más o menos fácil o difícil el tránsito por la vida diaria con los demás.

Ficha técnica

País: Chile

Año: 2024

Duración: 81 minutos.

Dirección: Aníbal Jofré y Diego Ayala Riquelme

Guion: Aníbal Jofré y Diego Ayala Riquelme

Reparto: Gastón Salgado, Gianluca Abarza, Catalina Ríos, Sara Hebe, María Paz Grandjean, Claudia Cabezas, Gonzalo Robles, Rodrigo Pérez

Montaje: Camila Mercadal

Dirección de fotografía: Paolo Tamburini

Dirección de arte: Carla Molina

Producción: Francisca Mery, Valentina Roblero

Sonido: Camila Pruzzo, Carlos Pérez

Música: Gianluca Abarza, Daniel Comparini, Sara Hebe

Productora: Orioncine.

Pam & Tommy - Por Jackie O.

"La vida privada que se hace pública"

Miniserie que se basa en el matrimonio entre Pamela Anderson y Tommy Lee, y principalmente sobre su video sexual no autorizado que fue grabado en privado durante su luna de miel.

En el mundo del espectaculo, Pamela y Tommy son muy conocidos. Su mediática vida juntos o separados siempre dio que hablar, por lo que hacer una película de ellos, y en especial sobre un hecho puntual que les pasó, cómo les sucedió, o bajo qué circunstancias lo vivieron, independiente de las entrevistas dadas donde se especuló mucho, es que ahora se aprovechó para contarla al estilo ficcionado de la producción para saciar la curiosidad del espectador.

Es la década de los 90 y la vida de Pam es un éxito. Saliendo recién de una abrumadora relación, vive su soltería con amigas en una discoteque, lugar donde también está Mötley Crüe. Tommy queda encantado de Pamela, una rubia sexy y exuberante mujer; no tuvo límites para conquistarla. Y llevado por una intensa pasión le coquetea toda la noche sin despegarse de ella, incluso siguiéndola a otro país donde ella va a trabajar. Para ella es exitante, peligroso y encantador este sujeto, pasando un gran fin de semana, casándose. Así es, solo les bastaron tres días para decidir casarse.
Y sin conocerse, emprenden una vida juntos, llena de pasión, y enamoramiento mayúsculo. Hasta que un día, en sus vacaciones, se graban intimando. Ya lo habían hecho antes, por lo que en la intimidad de su matrimonio desatan su pasión, guardando el video en la caja fuerte, junto al resto de las joyas más preciadas para ellos.

Pero esta historia no trata solo de ellos, se trata también de Rand, un sujeto que se dedica a la carpintería, y es parte de los trabajadores que están en la mansión de Pam y Tommy, realizando costosos trabajos y complicados trabajos que no son pagados. El mal trato de parte de Tommy hacia los trabajadores, su locura y obsesiones, hacen que los eche sin pagarles un peso, lo que desata la ira contenida que comenzó poco a poco a salir de Rand, un hombre trabajador que buscaba el amor y una vida tranquila.

La historia es contada con analepsias en las que vamos conociendo, por momentos, cómo era la vida de este trío de protagonistas, donde la ira y las malas decisiones hacen que se desate la ruina de los tres.
No solo la exhibición de este vídeo, que creen es una mina de oro venderlo, sino que la desesperación, la soledad, el bullying, la ira, los fracasos, y una serie de situaciones hostiles que comienzan a vivir.
Y como es vulnerable la vida de una mujer ante un mundo machista, la explotación sexual de la mujer era normalizado, donde en cualquier época se sufre discriminación y abuso.

La historia de una pareja que quería vivir la vida con pasión y formar una familia, pero producto de la venganza no encontró la paz suficiente.

Las actuaciones como Pam y Tommy son geniales. A cada gesticulación, cada diálogo que manejan, se agrega un trabajo de peinado y maquillaje perfecto, que nos hace ver a los reales personajes.
El resto de las actuaciones son muy buenas, sumando la cuota de curiosidad, empatía o molestia a cada personaje. Y la banda sonora nos trae lo mejor de los 90.

Buena miniserie de drama con bastantes toques de comedia, que no caricaturiza el tema de la vulnerabilidad de la intimidad, aunque hay una escena subida de tono de mucha comedia que puede caer, para algunos, en la vulgaridad, resulta ser una locura divertida.

Disponible en Disney.

Ficha técnica

Género. Drama biográfico
Escrita por Robert D. Siegel
Dirigida por Craig Gillespie
Protagonistas: Lily James, Sebastian Stan, Seth Rogen, Nick Offerman, Taylor Schilling
8 episodios. Año 2022.

Cuando Harry conoció a Sally (1989) - Por José Luis Nicolás

Sally lleva a Harry, el novio de su mejor amiga, de Chicago a Nueva York en su vehículo. En la gran manzana ambos estudiarán las carreras universitarias que eligieron. En el camino hablarán de diversos temas, siendo uno el más importante: la amistad entre hombres y mujeres. Volverán a encontrarse en un aeropuerto cinco años después y, un lustro más tarde, en una librería. En esa tercera interacción dejarán de ser dos extraños unidos por la casualidad.

Y así profundizamos en Cuando Harry conoció a Sally una película dirigida por Rob Reiner y escrita por Nora Ephron. Reiner pasaba por un momento sentimentalmente complicado: se estaba divorciando de la también realizadora Penny Marshall. Sin ánimo de teñir a su obra de pesada melancolía es que llamó a Ephron para suavizarla y darle un acertado toque femenino.

En el camino, Rob Reiner sanó su corazón iniciando una relación sentimental con la fotógrafa Michelle Singer. Este luminoso hito lo obligó a modificar el final. A esas alturas la producción iba viento en popa.

Este giro de timón no fue un problema. El equipo de Castle Rock Entertainment creía tanto en lo que estaba haciendo que nada podía tensionarlos. Toda la fe del staff técnico se sustentaba en los protagonistas: Meg Ryan en la piel de Sally y Billy Crystal en la personificación de Harry.

Meg Ryan estudió periodismo pero no duró mucho como reportera. El azar la llevó a formar parte del reparto de una cinta dirigida por George Cukor (Ricas y Famosas de 1981) y luego interpretó un breve y triste rol en Top Gun de 1986. En la película de la dupla Ephron-Reiner le ganó la pulseada a Elizabeth Perkins y Sally Ringwald.

Billy Crystal, formado en la escuela de Saturday Night Live, también tuvo una dura competencia. Para quedarse con el papel de Harry dejó en el camino a Michael Keaton y Tom Hanks, que eran las primeras opciones. Y nadie en la plana mayor de la cinta se arrepintió de haberlo elegido.

Ryan, Crystal, Ephron y Reiner colaboraron para que Cuando Harry conoció a Sally se transformara en la película que logró entrar a las razones más profundas que sustentan la amistad entre hombres y mujeres. La relación de Sally y Harry no era perfecta, y tampoco imposible. Lo único imposible es ser frío frente a una historia como esta: única en su tipo.

Disponible en Prime Video.

Ficha Técnica

Título original: When Harry Met Sally
Año: 1989
Duración: 96 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Rob Reiner
Guión: Nora Ephron
Reparto: Billy Crystal, Meg Ryan, Carrie Fisher, Bruno Kirby
Música:Marc Shaiman
Fotografía: Barry Sonnenfeld
Compañías: Castle Rock Entertainment, Nelson Entertainment

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 20 de Diciembre 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro Contreras y Carlos Correa Acuña en el Programa Semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.

Mufasa: el rey león - Por Elizabeth Salazar T.

"Estar perdido es aprender el camino"

Cuando se estrenó “El rey león” en 1994, fue un suceso, el mundo cayó rendido ante el encanto de Simba. La segunda entrega con el mismo nombre, en 2019, realizada con live action no obtuvo el éxito de su antecesora. Esta vez, Disney estrena una nueva historia que nos muestra a Rafiki. El sabio chamán es el encargado de contar la leyenda de Mufasa a la joven cachorra de león Kiara, hija de Simba y Nala, con Timón y Pumbaa, que realizan sus características bromas. La narración tiene algunos flashbacks, que nos muestran a Mufasa como un cachorro huérfano, perdido. Todo cambia cuando conoce al joven y simpático Taka; el joven león es el heredero de un linaje real. Aunque la relación se pondrá a prueba cuando traten de eludir a un enemigo amenazante y mortal.

La pequeña Kiara escucha con atención las dificultades que enfrentó Mufasa para encontrar su lugar en el círculo de la vida; el que todos tenemos, le indica Rafiki. Taka y Mufasa, ambos, se quieren como si fueran hermanos; ambos crecen juntos como si lo fueran. En cambio, Obasi, que es el padre de Taka, ve a Mufasa como a un forastero y se lo hace saber cada vez que puede.

Las tomas de este filme son hermosas. Incluso a ratos se ve como si fuera un reportaje de National Geographic, los paisajes se ven bellísimos. Es un musical, y por supuesto que las canciones aportan mucho a la trama, son alegres y entretenidas.

Además, en este filme se sumaron nuevos personajes. El más divertido es un toco piquirrojo llamado Zazú, que pone la cuota de humor. Sarabi es una valiente leona, Kiros es león el antagonista de la historia, es el malvado líder de una manada y desea quedarse con el trono

Las voces en inglés están dobladas por destacados actores. Mad Mikkelson es Kiros, Tiffany Boone como Sarabi, Zazú es Preston Nyman, Timón es Bylly Eichner, y Pumba es Seth Rogen, entre otros.

Una película bella visualmente, y que deja reflexiones acerca de la amistad, la lealtad, el poder y la familia.

Director: Barry Jenkins
Duración: 138 Minutos
Distribuye: Cinecolor Films

Cómo ser millonario antes que muera la abuela - Por Carlos Correa Acuña

Sinopsis: Cuando “M”, un joven holgazán descubre que su abuela sufre una enfermedad terminal, decide dejar a un lado su precaria carrera como streamer para cuidar de ella. Eso sí... Con la mirada puesta en su patrimonio. Pero ganarse a la abuela no es fácil. Resulta ser una mujer de armas tomar, exigente, rigurosa y muy difícil de complacer. Y, por si fuera poco, "M" no parece ser el único sucesor bienintencionado. ¡Tendrá que sacar a relucir sus mejores virtudes si quiere proclamarse el beneficiario de la herencia! No obstante, a medida que pasan los días, "M" comenzará a ver más allá de su propio interés y empezará a valorar la oportunidad de reconectar con su abuela en sus últimos momentos.

Un extraño título en español precede a esta película tailandesa. Es que es imposible no dejarse llevar, o desarrollar prejuicios frente a un título tan explícito. Se pierde la magia y la oportunidad de descubrir la historia, porque esperamos lo que, de alguna forma, el título ya nos ha adelantado. Pero bueno, saltemos este punto, y como dicen los españoles, vamos al lío.

El director Pat Boonnitipat filma un guion escrito en conjunto con Thodsapon Thiptinnakorn. El argumento habla de vejez, de soledad, de enfermedad, de vulnerabilidad y de desprotección, y, asimismo, plantea directamente la cruda realidad de los fríos vínculos emocionales al interior de una familia extendida.

Quizá el tema de fondo se refiere a las relaciones por interés o conveniencia. La abuela, de avanzada edad, no es una persona fácil -¿quién lo es?-, y ninguno de sus tres hijos tiene cercanía con ella. Son tres personas diferentes, con tres situaciones de vida, y también, lógicamente, tres estereotipos; el hijo acomodado, la hija trabajadora y el hijo holgazán… Por ello, tal vez aparece, o más bien surge, la figura de este nieto, que no es que haga mucho por la vida pero al menos se mueve un poquito para tratar de conseguir algo.

El entorno en el que se desarrolla “Lahn mah”, cuya transcripción literal sería “Oh no”, tiene situaciones particulares. Hay pobreza, qué duda cabe, pero también hay condiciones de vida que no se ven tan extremas hasta que se declara el mayor nudo argumental de la obra: el cáncer terminal de Mengju -Usha Seamkhum-. Ella tiene 79 años, y el tratamiento, invasivo y complicado, no le asegura nada.

La figura de “M” -Putthipong Assaratanakul-, agrega una nota de humanidad a la vida de Mengju, quien se debate entre una rutina que combina el hospital y su casa. Y claro, abuela y nieto comienzan a compartir, a conocerse de una manera diferente, pues ambos -antes solitarios- comprenderán que desde ese momento son compañeros de viaje; un camino de reconocimiento, de cercanía, y por qué no decirlo, de un amor entrañable.

“Lahn mah” es un filme pausado, reflejo de una cultura oriental que tal vez no resulta tan distinta a los cánones occidentales que conocemos de sobra. Uno de sus mayores logros es que responde a una propuesta de aprendizaje, de desarrollo emocional, que a primera vista puede sentirse lenta, pero que, con el paso del tiempo, decanta para transformarse en una cinta, aunque triste, muy esperanzadora, llena de símbolos, y que requiere una cuota de aceptación de parte nuestra para interpretar correctamente sus mensajes y así acariciar los múltiples valores positivos que contiene dentro.

Ficha técnica

Título original: Lahn mah
Año: 2024
Duración: 126 minutos
País: Tailandia
Compañías: GDH 559
Género: Drama | Vejez / Madurez. Familia
Guion: Thodsapon Thiptinnakorn, Pat Boonnitipat
Música: Jaithep Raroengjai
Fotografía: Boonyanuch Kraithong
Reparto: Putthipong Assaratanakul, Usha Seamkhum, Sanya Kunakorn, Sarinrat Thomas, Pongsatorn Jongwilak, Himawari Tajiri, Tontawan Tantivejakul, Duangporn Oapirat
Dirección: Pat Boonnitipat

Queer - Por Jackie O.

"Deseo y aceptación "

Estamos ante un drama erótico romántico, dirigido y producido por Luca Guadagnino, a partir de un guion de Justin Kuritzkes, basado en la novela de 1985 de William S. Burroughs. Ambientada en la Ciudad de México, en 1950, la película sigue a un exiliado estadounidense (William) que se enamora de un hombre más joven (Eugene).

Una cinta sobre la comunidad LGTBQ+, que para quienes no acepten esta "comunidad" es mejor que se abstengan de verla. Pero, antes de cerrase a esa posibilidad, tengan presente que su guión, perfectamente lo pueden protagonizar heterosexuales, ya que los temas tratados en esta cinta conciernen a muchos, ya que la soledad y/o, la insatisfacción, afecta a todo el mundo en algún momento de la vida.
Y no hablo de insatisfacción sexual, porque la película tiene un comienzo muy erótico que se prolonga por bastante rato, sino que es una insatisfacción de todo, que nada te llena, que nada te deja conforme, y buscas vías de escape para sentir algo, para creerte satisfecho o, incluso, aceptado.

Estamos en un pueblito de México donde en 1950 todo es aceptado. Ahí, nadie vive con miedo, y la homosexualidad y otros excesos son aceptados. Se vive tranquilo, y de William no se sabe mucho. Por lo que vamos viendo, se aprecia que es una persona con buenos recursos económicos, que vive en un hotel nada lujoso, porque el lugar carece de ello, pero gasta mucho en alcohol, cigarros y compañía masculina de jóvenes y bellos que buscan aventurarse. Hasta que un día ve a Eugene, y queda totalmente flechado, sin que Eugene haga algo para provocarlo. Solo está muy animado con una amiga, pero William queda prendado y cada vez que se topan trata de alguna forma de acercarse, hasta que lo logra y se vuelven amantes. Pero una relación algo tóxica. William, mayor e inseguro, sumido en el alcohol y las drogas, trata de tener solo para él a Eugene y le propone un viaje al sur, hacia la Amazonía, para buscar el yagé, una droga experimental con el fin de buscar la telepatía y otras sensaciones, una búsqueda incansable que vive día a día Williams de algo que necesita sentir, saber y conocer. Y se va con Eugene. Un viaje caótico, pues estamos en los años 50, donde las enfermedades y la ausencia de tecnología hacen que sea largo y aburrido. También las discusiones se hacen presentes; este viaje será el detonante para ambos.

En medio de la selva, junto a una doctora que se sumergió en esa vida sin preocupaciones, experimentan todos con el yagé, y así William poder encontrar algo... o encontrarse.

El guion es bueno, nos hace sentir la triste vida de quienes se sienten vacíos, con desesperanza y disconformismo. Ahogan sus sentimientos en el trago más fuerte que encuentran, o en el fondo de una jeringa. Cuesta encontrar a alguien que pueda sostenerte y entenderte.

Las actuaciones buenas, pero es genial ver Daniel Craig, el hombre más sexy, el mujeriego más rudo, el hombre más varonil de la historia del cine actual, en un rol donde explora la faceta femenina sin perder su masculinidad. Su entrega al desear tanto a los hombres, como lo vimos desear a mujeres, es profesional. Perdido, apasionado, curioso, desorientado, solo.
El resto de los partícipes entregan una gran cuota de realismo a sus roles y hacen un buen complemento.
La banda sonora es muy buena al mezclar temas antiguos con actuales.

Los efectos visuales, sí, esos que nos entrega la alucinación de las drogas, o de esa cuota de sueños, están muy bien realizados, jugando con las luces y sombras, destellos y penumbras. El movimiento de cámaras nos da unos ángulos geniales, con cuerpos perfectamente tonificados, perdidos y entrelazados en las sábanas como en la oscuridad de la selva. Primeros y primerísimo planos que dejan volar nuestra imaginación, hasta, a veces, ponernos incómodos.

Aunque no es el mejor trabajo de este director, es una buena película para ver con criterio formado, y analizar su fondo con respeto.

Ficha técnica

Director: Luca Guadagnino
Guion: Justin Kuritzkes
Música: Trent Reznor y Atticus Ross
Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom
Protagonistas: Daniel Craig, Drew Starkey, Lesley Manville, Jason Schwartzman, Henry Zaga
2024. 135 minutos.

El tren de los niños - Por Carlos Correa Acuña

Dirigida por Cristina Comencini, esta película es una adaptación de la novela homónima de Viola Ardone basada en la historia real del proyecto “Trenes de la felicidad”, surgido en Italia post Segunda Guerra Mundial.

La pobreza, la miseria y la hambruna en el sur de la península campeaban por aquellos años. La situación, al empeorar cada día, requería una acción concreta. Y la anhelada esperanza proviene del “norte”. Familias con mayor poder económico se unen para colaborar en una iniciativa única liderada por el Partido Comunista Italiano.

Fruto de esta generosidad, los favorecidos en primera instancia son decenas de niños que buscan una nueva oportunidad con sus familias de acogida. Uno de ellos, Amerigo Speranza -Christian Cervone-, de siete años, abandona su natal Nápoles y a su madre Antonietta -Serena Rossi-, para aventurarse y descubrir un nuevo mundo. Recibido por Derna -Barbara Ronchi-, Amerigo comienza a vivir lo que significa el verdadero calor de hogar, y al mismo tiempo comprender cómo las notas de su violín resultan ser un bálsamo para su vida.

Con una hermosa fotografía a cargo de Italo Petriccione, “Il treno dei bambini” no sale de los moldes clásicos al momento de narrar la historia. La película comienza con un solista a punto de dar un Concierto. Se trata del prestigioso violinista Amerigo Speranza -Stefano Accorsi-, quien recibe una llamada, antes de entrar a escena, en que le informan sobre la muerte de su madre. Este comienzo que ya hemos visto en “Cinema Paradiso”, o “Los Coristas”, que se vienen de inmediato a la memoria, sigue siendo una apertura práctica para situarnos en el actual escenario para luego devolvernos en el tiempo.

La música es efectiva y simple. En manos del compositor Nicola Piovani, los suaves trazos melódicos cobran vigor en la medida que se repiten, mientras que el “tritono” si bemol - mi natural, es el punto de ruptura de una melodía característica. Estos elementos básicos puestos al servicio de la historia, se complementan con actuaciones honestas, desprovistas de parafernalia, con una prestancia y frescura mayormente entregada por los más pequeños.

“El tren de los niños” resulta emotiva. Poco a poco toma su forma gracias a un viaje necesario que recorre un pasado complejo provocado por las secuelas de la guerra. Observar resiliencia ante tanta adversidad siempre es una potente lección, una esperanza (maravillosa coincidencia con el apellido del protagonista) que surge desde el interior del alma humana gracias a la solidaridad de cientos de personas que no se dejaron llevar por sus divisiones, sino que trabajaron unidos y en comunidad tras un bien mayor.

Ficha técnica

Título original: Il treno dei bambini
Año: 2024
Duración: 106 minutos
País: Italia
Compañías: Palomar. Distribuidora: Netflix
Género: Drama | Años 40. Infancia. Pobreza
Guion: Furio Andreotti, Giulia Calenda, Camille Dugay Comencini, Cristina Comencini. Novela: Viola Ardone
Fotografía: Italo Petriccione
Música: Nicola Piovani
Reparto: Barbara Ronchi, Serena Rossi, Christian Cervone, Stefano Accorsi, Francesco Di Leva, Antonia Truppo
Dirección: Cristina Comencini

Milagro en la calle 34 (1994) - Por José Luis Nicolás

La temporada navideña es vital para las jugueterías de Nueva York. Se disputan el público, la cantidad de ventas e incluso al mejor imitador de Santa Claus: un señor llamado Kris Kringle. Pero ¿este anciano que llegó a alterar la temporada de fiestas de fin de año en la gran manzana, es sólo un imitador del barbudo que reparte regalos alrededor del mundo?

De esto va Milagro en la calle 34, un remake de 1994 inspirado en otra cinta de 1947, que a su vez se basó en una historia de Valentine Davies. El productor de la versión noventera fue John Hughes: alguien con experiencia en largometrajes navideños. Mi pobre angelito (1 y 2), Mejor solo que mal acompañado y Vacaciones de Navidad se cuentan entre su repertorio.

Aquí apostó por hacer una película, por sobre todo, familiar. El personaje de Dorie Walker, la escéptica ejecutiva de la tienda que contrata a “Santa”, fue interpretada por Elizabeth Perkins; y en el set conoció a su futuro esposo, el director de fotografía Julio Macat. Mara Wilson, que había formado parte del reparto de Papa por siempre (junto a Hughes en la producción), dio vida a Susan, la hija de Dorie.

Hasta Nueva York era un lugar conocido para John Hughes: lo había mostrado con lujo de detalles en Mi pobre angelito 2. Pero de qué servía tanta atmósfera conmovedora sin un Santa Claus lo suficientemente creíble.

La misión de encarnar al Viejito Pascuero fue asumida por Richard Attenborough, un artista legendario (y británico), que para 1994 venía de vuelta. No tenía que demostrarle nada a nadie, ni siquiera a John Hughes. Además, sabía lo que significaba producir y dirigir una película, y ganar premios Oscars por desempeñar esas funciones (Gandhi de 1982 es un claro ejemplo de ello).

La fama de Attenborough no logró hacer de esta película un clásico navideño indiscutido. Milagro en la calle 34 es un filme de una hora y 54 minutos de duración que se vuelve lento y un tanto insoportable a ratos. De todas maneras, clasifica como finalista en la categoría “recomendado para Navidad” gracias a las opciones de “pausa” y “detener” que están en la plataforma de streaming que lo incluye en su catálogo.

Disponible en Disney Plus.

Ficha técnica

Título original: Miracle on 34th Street
Año: 1994
Duración: 114 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Les Mayfield
Guión: John Hughes, George Seaton. Remake: Valentine Davies, George Seaton
Reparto: Mara Wilson, Elizabeth Perkins, Dylan McDermott, Richard Attenborough
Música: Bruce Broughton
Fotografía: Julio Macat
Compañías: 20th Century Fox, Hughes Entertainment

Nuestro Secretito - Por Jackie O.

"Tu pasado te persigue"

Solo Lindsay Lohan puede hace que una película de guion flojo, muy cursi, predecible, de actuaciones nada memorables y definitivamente olvidable, en una cinta que te den ganas de verla, disfrutarla, sonreír y pasar un buen rato.

Así es, y es el carisma de esta actriz experta en el oficio de la comedia, que sabe como enganchar al público.

La cinta trata de dos personas que viven en un pequeño pueblo, que desde niños se conocieron y pasaron cada momento juntos, hasta que al llegar a la adolescencia se enamoraron. Y aquí sería la parte en que se podría decir "y vivieron juntos para siempre" pero no. Entraron enamorados a la universidad, se titularon, sus familias los adoraban, todo perfecto. Pero la madre de Avery muere. Eso desata una depresión en ella, porque no solo era su madre, era también su mejor amiga, y la guinda de la torta, es que a ella le ofrecen un trabajo en Londres y lo acepta. Su novio, Logan, no lo puede aceptar, ambos se aman y se generan las esperadas discusiones. Hasta que llega la "gran" discusión y ella se va; nunca más vuelven a hablar.

Así pasan 10 años, hasta que una casualidad los junta.

Ambos no saben que sus respectivas parejas son hermanos, Cameron y Cassie Morgan, y en Navidad son invitados por la familia Morgan a pasar ese fin de semana con ellos.
Logan es muy bien recibido por la matriarca, pero Avery no. Hasta que llega el minuto en que Logan y Avery se ven y quedan perplejos, pero hacen como que no se conocen, y en secreto hablan de que nadie debe enterarse que fueron novios, para no generar conflictos con sus nuevas parejas.
Pero son descubiertos por el Morgan más joven, y los comienza a chantajear. Así van sucediendo escenas divertidas en las que Logan y Avery deben lidiar, de alguna forma, con diferentes situaciones, ya que ambos, al conocerse tan bien, saben como zafarse de cada lío que se les presenta.

Hasta que llega el día en que ya no pueden seguir ocultando este secreto y deben darlo a conocer, ya que no tienen más excusas que entregar, y principalmente porque el estrés los mata.

La historia no solo es de situaciones divertidas que se les presentan a estos personajes, sino que también los secundarios tienen historias que se entrelazan.
Además de lidiar con un luto que ha sido difícil de superar, donde los lazos familiares están muy presentes.
Por supuesto, el tema principal es el secreto. ¿Cuándo se transforma un secretito que no daña a nadie, a uno que daña tanto al que lo oculta como a otros?

Y por supuesto el amor, aquel amor con quien no solo tu corazón late con fuerza, sino quien, además te conoce a la perfección.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Our Little Secret

2024. 100 minutos
Guion: Hailey DeDominicis
Música: Emily Bear
Protagonistas: Lindsay Lohan, Ian Harding, Kristin Chenoweth, Jon Rudnitsky

Dirección: Stephen Herek

Los Afectos - Por Carlos Correa Acuña

Un liceo de la capital, Santiago de Chile. Corre el año 2018; los estudiantes están furiosos, los profesores, superados. Hace años han comenzado las llamadas revueltas estudiantiles. Los enfrentamientos cada vez son más violentos entre la fuerza pública y los denominados “overoles blancos”. Vuelan las bombas molotov y las granadas lacrimógenas. No parece haber tregua; menos una solución.

Estas son las condiciones en las que se desenvuelve “Los Afectos”, película dirigida por Diego Ayala y Aníbal Jofré, y que muestra a Benjamín -Gastón Salgado-, como el inspector a cargo de decenas de alumnos inquietos y alertas, tanto por lo que viven en sus aulas como también por los acontecimientos políticos y sociales de un país en plena transformación.

Benjamín arrastra dolores. Separado hace un tiempo indeterminado, observa lejos a su hija Karina, también alumna del liceo, quien vive con su madre y Paulina, su pareja. La relación padre hija es distante. Solo cruzan algunas palabras. Karina es mayoritariamente fría, y aunque comparten algunos espacios en el liceo, no son suficientes para estrechar un lazo que parece estar roto hace mucho tiempo. Iván, el mejor amigo de la joven, puede ser un eje conductor; sin embargo, la relación de Benjamín con el muchacho tampoco supera demasiado las formalidades alumno - profesor.

Una protesta llevada a cabo en las afueras del liceo termina con un brutal ataque policial a Karina, con graves consecuencias. Es un punto de inflexión para Benjamín, y también para Iván, quienes golpeados por la crudeza de los acontecimientos, deambulan perdidos en busca de explicaciones y consuelo.

Este drama, con algunas líneas musicales, se desenvuelve entre el dolor y la desesperanza. Sus historias representan momentos importantes del desarrollo de las protestas sociales en Chile, en las que la participación estudiantil resulta clave para su posterior escalamiento. En este caso particular, observamos lo que sucede al interior de un establecimiento educacional, con sus propias dinámicas estamentarias, y también, como botón de muestra, lo que podrían ser aspectos la vida íntima de las personas involucradas.

Gastón Salgado es más convincente en su rol de padre que de inspector. Su desconcierto es enorme porque no conoce a su hija y ella no lo conoce a él. La relación que tienen no es difícil; más bien es inexistente. La cinta no profundiza las razones del quiebre con su pareja, pero a juzgar por los hechos, hay una distancia insalvable, con mucho rencor y resentimiento. Salgado aporta solidez a un elenco que se comporta más bien débil, en general. Gianluca Abarza se transforma en una inesperada contraparte y es justamente quien le secunda mejor, sobre todo al llevar a escena los instantes musicales que entrega el filme.

“Los Afectos” está bien filmada. Los cineastas despuntan buenas ideas y por momentos se lucen en algunas tomas gracias a una fotografía captada de excelente forma. Lamentablemente, no resulta suficiente, porque no es solo el material fílmico el que está en juego. Cuando los diálogos y algunas interacciones resultan forzadas, la tensión se cae por carecer de verosimilitud. Este es un vacío que se siente en varias secciones de la película, y tal vez es lo que no le permite levantar un mayor vuelo.

Cuando el mensaje es claro y preciso, como en esta obra, es necesario que la forma también lo acompañe. La empatía, el ponerse en el lugar del otro, el comprender las diferencias aunque no exista punto de encuentro, son temas muy importantes que merecen un mejor tratamiento actoral para traspasarse de mejor forma a la audiencia.

Aún tomando en cuenta lo antes señalado, esta película cumple perfectamente con el propósito explícito señalado por Diego Ayala, uno de sus realizadores: “Los Afectos muestra lo que pasa cuando un conflicto social atraviesa la vida familiar de dos personajes que chocan porque tienen visiones de mundo disímiles, pero que basados en su afecto y amor mutuo están dispuestos a encontrar puntos de vista que los pongan en los zapatos del otro”.

Ficha técnica

Título original: Los afectos
Año: 2024
Duración: 90 minutos
País: Chile
Género: Drama
Reparto: Gastón Salgado, Gianluca Abarza, Catalina Ríos, Sara Hebe, María Paz Grandjean, Claudia Cabezas, Gonzalo Robles, Rodrigo Pérez
Dirección: Diego Ayala, Aníbal Jofré

Queer - Por Juan Pablo Donoso

El tema de fondo es la SOLEDAD de la mayoría de los homosexuales masculinos, y de su agotadora búsqueda de recursos para mitigarla.

“Queer” en inglés significa extraño u homosexual. Ambos términos aplican para este filme.

Trágico destino de la homosexualidad masculina. Cuyo final culmina, casi siempre, sumergiéndolos en el más estéril desamparo.

Desgarrador retrato de un intelectual talentoso perdido en si mismo, sin hallar la salida para su espíritu ni su psiquis.

Es una dolencia de AMOR TRISTE.

Por ello logran a menudo ser eximios en sus labores ya que constituyen un escape para el tormento recóndito de sus inclinaciones.

A menudo se refugian en el tabaco, el alcohol y/o drogas que les permitan empañar su propio espejo.

Estarán casi siempre expuestos a la traición cuando creen haber hallado al compañero definitivo. La inestabilidad emotiva, sustentada en la necesidad sexual, los hace, a menudo, promiscuos, sarcásticos y mordaces; incluso crueles contra los que son similares a ellos.

Se refugian buscando quimeras que casi nunca alcanzan, como en este caso, internándose en la selva peligrosa tras una droga indígena, que los habilitaría para lograr una telepatía redentora.

Un vacío existencial. ¿Qué desean realmente? ¡Ojalá pudieran expresarlo con palabras!

El mismo Luca Guadagnino es uno de los mejores directores homosexuales del siglo 21. Cada una de sus obras es como un grito pidiendo socorro al hacer explícito el drama de quienes son como él. Su notable LLÁMAME POR TU NOMBRE (2017) pintaba el feliz nacimiento del “amor gay”. QUEER es un descarnado retrato de su “decadencia”. Un intento artístico de hallar consuelo para su propio destino final.

La poca expresividad del actor Daniel Craig le permite ocultarse tras una máscara de superioridad y desprecio hacia otros. Sabia elección del director para expresar ese camuflaje. Irradia tristeza y patetismo.

Irreconocible caracterización de la habitualmente flemática actriz inglesa Lesley Manville, ahora como bruja selvática, proveedora de la anhelada “ayahuasca” (yagé).

El relato despierta compasión y es apasionante de seguir; excelente dirección artística y bella composición fotográfica. Ritmo sereno y constante, narrado más con lenguaje visual que con palabras. Las escenas de sexo serán, tal vez, algo crudas para algunos espectadores.

Pudo llamarse Muerte en México como resonancia lejana de la obra maestra de Luchino Visconti, MUERTE EN VENECIA (1971), quien también lloraba por la misma herida.

Nos permite pispar desde afuera el complejo mundo de la homosexualidad masculina.

DESTINO DE SOLEDAD Y DESOLACIÓN. ANSIAS DE HALLAR ALGO SUPERIOR QUE DÉ MÁS VALOR Y SENTIDO A LA VIDA. UN SINCERO LAMENTO.

Ficha técnica

Drama, biografía. romance, LGBTQ+ Italia, EE.UU. - 2,15 hrs. 

Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom 

Edición: Jessica Ronane 

Música: Trent Reznor, Atticus Ross 

Diseño Prod.: Stefano Baisi 

Guion: William S. Burroughs, Justin Kuritzkes 

Actores. Daniel Craig, Drew Starkey, Leslie Manville 

Director: Luca Guadagnino

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el Cine, Viernes 13 de Diciembre 2024

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Pablo Croquevielle en el Programa Semanal "Avant Premiere" en Radio María. Cine con SIGNIS Chile.

Aquella Navidad - Por Jackie O.

"En el lugar que amas"

En el pueblito pequeño llamado Wellington del Mar, sucede un hecho inesperado justo la víspera navideña: una gran tormenta deja varado a un grupo de padres que habían coordinado con mucha anticipación un día para ellos, un día de relajo sin niños, los que están al cuidado de la hija mayor de uno de ellos, Bernadette, adolescente que debe lidiar con estos pequeños que se percatan que sus padres se están demorando, y que ya es de noche. Noche de Navidad.

 
Por otro lado está Danny, un preadolescente que aún intenta adaptarse a su nuevo hogar y a su nuevo colegio, cuya madre trabaja muchas horas en el hospital local, y con un padre ausente. ¿Será esta Navidad diferente para él? Claro que lo será, pero muy diferente. Danny es muy tímido y desarrolló sentimientos por una de sus compañeras de colegio, la también tímida Sam Beccles, quien tiene una hermana gemela y muy traviesa, e incorregible: Charlie.

Y en noche de Navidad, Santa Claus, sí el mismo, debe pasar rápidamente por todas las casas, y esta vez no le dejará regalos a los niños que se han portado mal. A él le duele esa decisión pero cree que es necesario. Así es que pasa por todos los rincones, y por supuesto Danny recibe un regalo especial, y la joven Bernadette, quien se tuvo que quedar con los pequeños, tiene regalos de acuerdo a los acontecimientos que viven. Y las gemelas ... ahí Santa Claus tiene un dilema, y deja solo un regalo, que tendrá un final insospechado.

La cinta nos cuenta la vida de diferentes personas, no solo los niños mencionados, sino que de sus padres, algunos que trabajan todo el día sin prestarle la atención debida a sus hijos. Muchas veces no es intencional, o la vida de aquella profesora que todos temen por ser estricta, pero lo que no saben es que ella es la más bondadosa. Y lo mejor de todo, es que a ella no le gusta hacer alarde de eso, porque muchas veces hay personas que ayudan publicándolo en todas partes y que todos se enteren, y esa ayuda no sale del corazón. Mejor el silencio de Miss Trapper. También está el farolero Bill y su solitaria vida, y así suman y siguen historias, tal vez como la tuya o la de algún conocido.

Primera película como director, pero no ajeno al mundo de la animación, pues para Simon Otto sus inicios fueron en Disney, para luego, y por más de 20 años, ser parte del equipo de animación de personajes trabajando en proyectos 2D y CG para el estudio Dreamworks. Pero ya como independiente se lanzó con su primera dirección, aparte de realizar otros diversos proyectos.
Tenemos una buena animación y diálogos para entretener.
No puedo dejar de mencionar que el cantautor inglés Ed Sheeran escribió una canción para la película, titulada "Under the Tree".

¿En qué puede fallar para algunos? En lo "progre" que comienza, que puede molestar a los más cristianos, pero es un guiño a los nuevos tiempos, de cómo adaptarnos, y la tolerancia. Pero principalmente para conversarlo con los niños.

Aquella Navidad sigue una serie de historias entrelazadas sobre el amor y la soledad, la familia y los amigos.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

That Christmas.
Dirigido por Simón Otto
Guion de Richard Curtis y Pedro Souter
Basado en "La media vacía", "Día de nieve" y "Esa Navidad" de Richard Curtis y Rebecca Cobb
Música John Powell
90 minutos. 2024
Santa Claus: Brian Cox / José Luis Orozco
Sra. Trapper: Fiona Shaw / Cony Madera
Sra. Williams: Jodie Whittaker / Andrea Orozco
Bill: Bill Nighy / Alejandro Villeli
Danny Williams: Jack Wisniewski / Leonardo Novoa