El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.
La misión global de SIGNIS es colaborar con profesionales de los medios de comunicación y ayudar a transformar la cultura a través de valores artísticos, promoviendo la dignidad humana, la justicia y la reconciliación. La directiva en Chile está formada por Juan Pablo Donoso, Presidente, Elizabeth Salazar T., Vicepresidenta, y Jackie P. Olivo, Secretaria. Son miembros, Bernardita Santander Navarro, Pablo Crocquevielle, José Luis Nicolás, Alejandro Caro Contreras y Carlos Correa Acuña.
viernes, 29 de abril de 2022
El Hombre del Norte - Por Carlos Correa
Años después, convertido en un príncipe y guerrero vikingo, Amleth -Alexander Skarsgård-, logra embarcarse rumbo a Islandia fingiendo ser un esclavo con el fin de acercarse a la granja de Fjölnir y llevar a cabo su venganza. En el lugar recibe la ayuda de una esclava eslava llamada Olga -Anya Taylor-Joy-, quien además dice ser hechicera. Es cosa de tiempo poder concretar sus planes. Solo debe elegir el momento preciso y el lugar adecuado, y aunque las dificultades aumentan con el paso de los días, todo pareciera alinearse a su favor. ¿Conseguirá el joven Amleth su objetivo?
Dirigida por Robert Eggers, “The Northman” es árida, escabrosa, turbia, oscura e intensa. Muchos adjetivos para una cinematografía ejecutada en grande y muy bien coreografiada. Los escenarios propuestos por el director son muy cuidadosos, en especial aquellos que se nutren de una iluminación tenue que permite agregar ambientes precisos a la historia. La filmación resulta muy real, con escenas crudísimas, excelente ritmo, un muy buen elenco y una brillante representación de la época gracias a vistosos maquillajes y vestuarios. ¡Técnicamente, impecable!
¿Pero, qué me pasó con esta película? No conecté, me resultó incómoda y finalmente no la disfruté. Llevo días tratando de dilucidar el por qué. ¿Será la temática de vikingos o esa mezcla de ritos mágicos y metafóricos de las costumbres que quiere retratar? ¿O será la violencia, muchas veces sin filtro, que desnuda las barbaridades humanas que se ejecutan para conseguir poder o venganza? ?¿O será la construcción de la narración, lo absurdo de algunos de los cruentos eventos, lo que no me permite percibir el fondo de la historia? Aun no lo sé, pero algo hay que no me permite ingresar y aquello, sin duda, me frustra.
No obstante, y a pesar de las múltiples aristas consignadas en el párrafo anterior, reconozco y aprecio estar frente a la realización de una obra magna. Corresponde a un diseño de producción ambicioso que obtiene un resultado majestuoso, especialmente en su forma, gracias a una impecable factura.
Tal vez “El hombre del Norte” es una película específica y menos transversal, orientada a un nicho de público seguidor de estas historias y más compenetrado con los hechizos, mitos y leyendas. Indudablemente constituye una experiencia audiovisual impactante, para apreciar en pantalla grande y sonido envolvente, por lo que recomiendo no dejar pasar la ocasión de verla en cines. Y justamente en lo subjetivo de esta apreciación tal vez nos podremos encontrar. En la evaluación de las sensaciones y lo que esta experiencia pueda provocar en cada uno de nosotros. Claramente no lo vamos a percibir igual y por ello, entre muchas otras razones, el arte es tan maravilloso.
Ficha técnica
Título original: The Northman
Año: 2022
Duración: 136 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Regency Television, Focus Features. Distribuidora: Focus Features
Género: Aventuras. Acción. Drama | Vikingos. Siglo X. Venganza. Cine épico
Guion: Robert Eggers, Sjón Sigurdsson
Música: Robin Carolan, Sebastian Gainsborough
Fotografía: Jarin Blaschke
Reparto: Alexander Skarsgård, Nicole Kidman, Anya Taylor-Joy, Claes Bang, Ethan Hawke, Willem Dafoe, Gustav Lindh, Oscar Novak, Björk, Ralph Ineson, Kate Dickie, Murray McArthur, Ian Gerard Whyte
Dirección: Robert Eggers
The Witcher - Por Jackie O.
Sinopsis: The Witcher es una serie de televisión de drama y fantasía oscura.
Ubicada en un mundo medieval en una masa de tierra conocida como "el Continente", The Witcher explora la leyenda de Geralt de Rivia y la princesa Ciri, que están unidos el uno al otro por el destino.
La primera temporada se basó en "El último deseo y La espada del destino", que son una colección de historias cortas que preceden a la saga principal de The Witcher. Explora eventos que dieron forma a los tres personajes principales en distintas líneas de tiempo (Geralt de Rivia, la princesa Cirilla de Cintra y Yennefer de Vengerberg), antes de que finalmente se fusionen en una sola.
Ambientada en un impresionante mundo de fantasía, en su primera temporada vemos que la historia gira en torno a tres figuras: Geralt de Rivia, mientras intenta en vano alejarse de la política del "continente"; Yennefer de Vengerberg, una campesina jorobada con mandíbula retorcida, que se convierte en una poderosa y bella hechicera; y Cirilla, una joven princesa con un importante destino.
La segunda temporada es una narrativa más lineal.
En cuanto a la violencia, prima bastante, como en la primera temporada. Respecto a los momentos eróticos, sí los tiene pero pocos, nada de que espantarse.
Lo interesante fue ver a Geralt, quien originalmente se consideraba sin emociones y no creía en el destino, al cual vemos que tiene una transformación con su rol paternal. En cuanto a Ciri y bajo la guía de Geralt, comienza a encontrar su lugar en este mundo y entender su potencial.
Otra historia paralela interesante en esta temporada es que Yennefer quien, con la bruja Fringilla y la líder élfica, Enid an Gleanna que se la conoce como Francesca Findabair, están atrapadas en la ilusión de la "Madre Inmortal", Voleth Meir.
Al no haber leído las novelas o cuentos, y tampoco conocer el video juego, no puedo detenerme a describir su similitud o lejanía a lo que vemos en pantalla.
Pero de lo que ví, puedo señalar que Henry Cavill disfruta su rol, a pesar de que sus lentes ópticos amarillos se ven tan falsos que no se acoplan a la personalidad. Las peleas se ven bastante bien, pues las sienten ellos reales.
Freya Allan, como la princesa Cirilla, nos presenta bien el personaje y la evolución que transforma de niña delicada a una luchadora. Anya como Yennefer y sus ojos violeta, deja de lado a la típica protagonista sexy, transformándola en una mujer interesante, guapa y entregada al rol.
Sobre los efectos visuales, son variados, algunos monstruos muy realistas, con detalles muy impresionantes, hasta otros que parecen sacados de una película de bajo presupuesto, donde incluso las orejas élficas algunas se veían sobrepuestas; mal.
Sobre el guion salta de pasado, presente y pasado de nuevo, donde hay que estar atentos, incluso cambiando de territorio que nos puede confundir a quienes no somos seguidores de la trama, incluso muchos nombres pueden marearnos si no estamos atentos.
También nos presenta la maldad del ser humano, sea mutante o no, donde el poder es algo esencial al punto de atacar a quien sea.
Vestuario y maquillaje más bueno que malo, algunos pequeños reparos de mi parte en ambos aspectos, en cuanto a realismo y prestancia.
Pero después de todo lo dicho, la serie funciona bastante bien para quienes nos gustan las cintas de fantasía y mucho efecto visual, y logramos entrar en el juego de la historia.
Se dice que fue la tercera serie más vista en su primera temporada, en EEUU.
Y se viene la tercera temporada.
Disponible en Netflix.
Ficha técnica
Título original: The Witcher
Género Fantasía oscura, Drama
Creado por Lauren Schmidt Hissrich
Basado en Saga de Geralt de Rivia, de Andrzej Sapkowski
2 temporadas, 8 capítulos cada uno.
Protagonistas:
Henry Cavill, Freya Allan, Eamon Farren, Anya Chalotra. Joey Batey, MyAnna Buring, Mahesh Jadu, Mimi Ndiweni, Anna Shaffer
Año: 2019 y 2021
jueves, 28 de abril de 2022
Desesperada - Por Carlos Correa
Esta cinta dirigida por Phillip Noyce es concisa. Luego de una breve introducción que presenta a los personajes, da paso a la acción que básicamente recae solo en su protagonista hasta el desenlace. Para Naomi Watts es un gran peso tener que sostener el relato en solitario y debemos señalar que sale airosa del desafío.
Aunque es algo extenso el tiempo que ella está sola en pantalla, observamos que la actriz es capaz de transmitir sus emociones con calculada precisión: incomodidad, angustia y desesperación, se combinan con dosis de valentía, resistencia física y fortaleza anímica. Watts también consigue demostrar que su representada es una mujer capaz de buscar caminos, intentar opciones e idear soluciones. Amy no se rinde, lucha por superar los obstáculos que se le presentan.
En esta película, cuyo hilo central ya hemos visto en varias ocasiones, explota muy bien los recursos mínimos a los que apela. Tiene una bellísima fotografía que propone un contraste entre el exuberante paisaje exterior versus el horror interno que carcome a la protagonista. Además, y no es menor, su título original es “La hora desesperada”, justamente porque tenemos la sensación de estar viendo todo en tiempo real, con sentido de urgencia, en una situación límite de vida o muerte.
La temática abordada es muy actual aunque en el tratamiento del guion pueda resultar algo evidente. Todas las pistas y luces apuntan hacia un punto específico y por eso la tensión crece, sin embargo aquello nos aventura tanto hacia una conclusión obvia como hacia una posible vuelta de tuerca. Esa es la apuesta y a lo que juega esta película que, con una duración justa, nos sumerge casi sin darnos cuenta en lo esencial que vive su protagonista: desesperación a nivel máximo.
Ficha técnica
Título original: The Desperate Hour
Año: 2021
Duración: 84 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Canadá; Boies Schiller Film Group, JamTart Productions, Limelight, Stratagem Pictures, Untapped
Género: Thriller
Guion: Chris Sparling
Música: Fil Eisler
Fotografía: John Brawley
Reparto: Naomi Watts, Sierra Maltby, Colton Gobbo, Debra Wilson, Woodrow Schrieber, David Reale
Dirección: Phillip Noyce
“Downton Abbey: una nueva era” - Por Elizabeth Salazar T.
Esta es una película destinada a los fanáticos de la serie, que no tiene mayores aspiraciones que entretener al espectador, manteniendo, eso sí, el estilo de “Downton Abbey”, es decir, que tiene diálogos ingeniosos, un estilo de humor muy británico, un bonito vestuario y una trama que es muy simple. Lo principal es disfrutar de los personajes que a esta altura son tan entrañables para todos los que seguimos la serie.
La química entre el elenco es buenísima, lo cual es una gracia, porque tras haber terminado la serie el 2015, la dinámica entre ellos funciona muy bien. Quiero destacar en especial a la gran Maggie Smith con su personaje de Violet. Ella, de cierto modo, ha sido el corazón de Dowton Abbey, es cosa de verla aparecer, para saber que dirá algo que sacará una sonrisa, con un humor muy agudo, que a ella le resulta muy gracioso.
Al final, lo bonito del filme es que enfatiza la importancia que tiene la familia, porque si bien es cierto que los Crawley son una familia, su personal también de cierta forma lo es, se han apoyado en las buenas y en las malas, han madurado juntos y aunque han tenido diferencias, al final se aprendieron a querer y apoyar. A pesar de ser muy cómica, la película también tiene momentos emotivos, particularmente el final tiene escenas muy bonitas. Sin duda, los fanáticos de la serie agradecerán la posibilidad de ver por un rato más a sus personajes favoritos, tal vez por última vez…
Ficha técnica
Director: Simon Curtis
Duración: 125 Minutos
Distribuye: Andes Film
Downton Abbey; una Nueva Era - Por Juan Pablo Donoso
Quienes disfrutaron con la serie de TV - (2010-2015) y luego con la película de 2019, apreciarán aún más este nuevo episodio de 2022.
Y los que recién se incorporen a la saga, querrán conocer los orígenes. Porque, además de admirar la exquisita ambientación y el ingenio de los diálogos, notarán que detrás de cada uno de sus personajes hay una larga y fascinante historia anterior.
En el filme de 2019 los aristocráticos miembros de esta familia inglesa, y su servidumbre, debieron reacomodar sus cuitas internas, y económicas, ante la noticia de que recibirían al Rey y la Reina de Gran Bretaña como huéspedes de su mansión.
Ahora, aún más apremiados de dinero para mantener su estatus, se ven obligados a facilitar el palacio para la filmación de una película muda (1930) cuya superproducción incluye albergar por un tiempo estrellas famosas, al director y personal técnico con toda su maquinaria.
Una vez más los dueños de casa, y sus empleados, deberán acatar las incomodidades del proceso, convivir con personas tan distintas a ellos, y exponerse a nuevas relaciones con los allegados. Será la modernidad quien los invada y altere sus costumbres.
Surgirán varias historias menores simultáneas, y un importante relato paralelo vivido en Francia que se enlaza con el tema central revelando una brecha secreta e inconcebible hasta ahora.
El resto de la trama será tragicómico y ameno para los espectadores. Aquí nos limitaremos a resaltar sus méritos y rasgos esenciales.
Guion inteligente y agudo de su único autor, Julian Fellowes. Dirección clara y fluida de Simon Curtis, para un elenco brillante de actores antiguos que dominan al dedillo sus personajes, incorporando a nuevos intérpretes que mantienen el nivel de calidad.
Una producción técnica - escenarios y vestuarios - cuidada hasta los más mínimos detalles como sólo los ingleses saben hacerlo.
Y, como siempre, entre tan selecto equipo de actores, resalta Maggie Smith, como Violet Crawley, Condesa de Grantham, la anciana matriarca de toda esa estirpe en peligro de extinción. Junto a la ironía cáustica de sus comentarios, su talento actoral deslumbra en algunas escenas proyectando subtextos magistrales.
El filme será un reencuentro con nuestros entrañables personajes enfrentando la inevitable circunstancia de los tiempos. Volveremos a constatar cómo hay unos que nacen para servir y otros para mandar, cosa que asumen y los enorgullece; la pugna entre los códigos morales versus le represión de los instintos .Y, finalmente, así como era de refinada la ambientación y el lenguaje, lo era también la hipocresía en que moraba la mayoría de la aristocracia de esa época.
UN DELEITE DE VER, ESCUCHAR Y SENTIR. SECUELA QUE MANTIENE SU ESPLENDOR ORIGINAL.
Ficha técnica
Título Original: Downton Abbey, la New Era
Título Original: Downton Abbey, la New Era
2022 Drama, familia, romance Inglaterra, EE.UU. - 2,05 hrs.
Fotografía: Andrew Dunn
Edición: Adam Recht
Música: John Lunn
Diseño Prod.: Donal Woods Guion: Julian Fellowes
Actores: Maggie Smith, Elizabeth McGovern, Jim Carter
Director: Simon Curtis
Dheepan - Por Juan Pablo Donoso
Una historia desgarradora de emigrantes asiáticos en la Francia de hoy.
Aunque obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2015, como Mejor Filme Extranjero, nunca llegó a nuestros cines comerciales.
Un hombre huye de la guerra civil en Sri Lanka y, para conseguir que Francia le conceda el derecho de asilo, hace pasar por su familia a una mujer solitaria y a una niña huérfana que huyen también del país.
Sin conocer el idioma, y luego de casi mendigar por las calles, logra que lo contraten como conserje en el condominio de un suburbio de provincia.
Habría sido la solución para integrarse, de manera honesta, al nuevo país. Sin embargo, aquella comunidad estaba dominada por mafias delictuales de traficantes de armas y drogas.
Así, escapando de una guerra fraticida en Asia se ven obligados a sobrevivir en medio de otro campo de batalla entre bandas rivales urbanas.
El ritmo es lento al comienzo, tal como fue la gradual adaptación de esta seudo-familia a una cultura con diferencias marcadas desde lo religioso hasta los hábitos alimentarios.
La tensión interna del hogar junto a los conflictos policiales del entorno conduce la trama hacia un clímax inevitablemente sangriento.
Aunque la feliz resolución es algo dulzona, se justifica como esperanza para los miles de emigrantes que huyen de sus avernos locales, y que sólo desean vivir tranquilos en una nueva sociedad.
Los tres actores protagónicos definen muy bien sus personajes - cada uno con sus traumas de guerra - exponiendo virtudes y defectos con realismo verosímil.
Las etapas del guion están bien escalonadas, permitiéndonos compartir la intimidad con esas personas - incluidos los delincuentes -y comprender las tristes motivaciones de sus conductas.
La mano del director Jacques Audiard (hijo del insigne dramaturgo Michel Audiard) supo ocultar su impronta dejando que los actores reaccionaran ante cada circunstancia con espontaneidad.
Tal vez por ello, más que por la trama, la película consigue que los espectadores se identifiquen afectivamente con la desazón de sus personajes.
Nos demuestra que para sobrevivir, más allá de los bienes materiales, se requiere aprender unos de otros, dialogar, y abrir espacio para el humor, la bondad y el cariño.
SOBRIO RELATO DE SENCILLAS CRIATURAS QUE ESCAPARON DE UN INFIERNO BÉLICO PARA CAER EN OTRO URBANO TAL VEZ PEOR.
Ficha técnica
Drama social, inmigración
2015 Francia -1,55 hrs.
Fotografía: Éponine Momenceau
Edición: Juliette Welfling
Música: Nicolas Jaar
Diseño Prod.: Michel Barthélémy
Guion: Jacques Audiard, Thomas Bidegain, Noé Debré
Actores: Jesuthasan Antonythasan, Kalieaswari Srinivasan, Claudine Vinasithamby
Director: Jacques Audiard
miércoles, 27 de abril de 2022
RED - Por Jackie O.
Ambientada en el año 2002, Mei Lee es una niña de 13 años que siempre ha vivido presionada por su madre para hacer todo lo que ella considera correcto, siendo muy estricta, algo que no la deja ser ella misma.
Mei tiene 3 amigas con las cuales disfruta cada minuto que puede, con cosas que solo las niñas se preocupan a esa edad, como conversaciones sobre chicos, compras, ir al concierto de su banda favorita, etc. Pero su madre no está muy a gusto con sus amigas, y menos con la idea que vaya a un concierto. Su padre, en términos generales, se mantiene prácticamente al margen en decisiones. Y por esa presión y/o por emociones fuertes que comienza a experimentar en esta edad, y sin saber por qué, se convierte en un panda rojo.
La vida de Mei se ve que transcurre casi normal, está muy emocionada por su cumpleaños, ya que siente que pasa de la niñez a la adolescencia y se siente “grande”, es lo máximo. Es una buena alumna, hija y amiga. Trabaja con sus padres como guía de turismo en un pequeño templo asiático que habla de sus raíces, en Toronto. Cumple con todo lo que su madre quiere.
¿Pero, Mei es feliz?
La directora ya nos ha sorprendido anteriormente con sus trabajos, así es que nuevamente nos trae una cinta animada familiar y divertida, que inteligentemente nos deja una moraleja sobre la importancia de nuestras emociones e impulsos, los cuales se pueden controlar sin dejar de ser nosotros mismos.
Todos tuvimos esa edad, sentimos creer que lo sabíamos todo y queríamos que nos dejaran tranquilos. Pero cambia cuando el ser humano se convierte en padres/tutores/cuidadores, principalmente quienes se dedican a la crianza (en términos generales rol que pasa a la mujer), se vuelve preocupante por querer hacer lo mejor. ¿Pero lo mejor para quién?
Mei entre hacer lo que se quiere, o puede, principalmente disfrutar con las amigas, no descuida los quehaceres del hogar y el colegio, lo que la hace una niña estresada, corre para todos lados hasta que un día ya no puede más y por una situación puntual, explota, convirtiéndose en un gigante panda rojo.
Ante el miedo y la desesperación de no saber qué hacer, es descubierta por sus padres, quienes se impresionan, pero no por lo que se convirtió, sino que, porque no le tocaba aún. Sí, es algo que a todas las mujeres de la familia les pasa y Mei no lo sabía.
De ahí vienen un sinnúmero de peripecias para subsistir con esta apariencia, la relación con sus amigas, sus tías, y en especial nos encontramos con los “4*Town”, una banda juvenil, que es una excelente representación a todos los grupos musicales “boy band”.
Estéticamente puedo decir que la paleta de colores y la calidad de visual en general que trae Pixar es hermosa, añadiendo esos toques de animé que le quedan perfectos. Está llena de brillos y adornos que nos muestran a unos personajes carismáticos, que cuentan con una gran gama de expresiones desde referencias pop hasta caras Kawaii.
Sí, no puedo dejar de mencionar, y tal vez estoy viendo muy por debajo del agua, un despliegue de manera muy sutil, sobre la exploración de la sexualidad y varias de las referencias de los movimientos feministas actuales (muchos colores verde y morado repetidos en vestuarios, adornos, escenarios, que dentro del feminismo tienen connotaciones fuertes). Lo otro que se destaca mucho son las referencias de "mi panda, mi decisión" (mi cuerpo, mi decisión); una apología a la rebeldía más que a la independencia de la protagonista.
Una cinta donde veremos diversos temas, como la amistad y la importancia de tener vínculos sanos con nuestros pares y entender que cuando alguna situación o emoción nos supera, podemos apoyarnos en nuestros seres queridos.
Además, los conflictos que uno tiene con los padres para ir buscando su propia identidad y manera de pensar, pues siempre habrá dificultades con los padres, pero de alguna forma ambas partes debemos comprender las posiciones. No digo que no se deba hacer casos a los padres, no; sí entenderlos. Y que los padres no deben ser manipuladores con los hijos, al punto de quitarles sus vidas sociales, ya que a veces se puede dañar imponiendo o revelándose drásticamente, pues eso podría despertar ese enorme monstruo que está guardado al interior del ser humano.
Disponible en Disney +.
Ficha técnica
Título original: Turning Red
Dirección: Domee Shi
Guion: Julie Cho y Domee Shi
Música: Ludwig Göransson, Billie Eilish y Finneas O'Connell (letra)
Sonido: Ren Klyce
Fotografía: Mayhar Abousaeedi y Jonathan Pytko
Género: Aventuras, comedia, animación, fantasía y familiar
Duración: 1, 40 m. año: 2022
Personajes
Meilin "Mei" Lee (Rosalie Chiang - Estefanía Piedra)
Ming Lee (Sandra Oh - Itatí Cantoral)
Miriam Wexler (Ava Morse - Regina Tiscareño)
Abby Park (Hyein Park - Zöe Ivanna Mora)
Priya Dewan (Maitreyi Ramakrishnan - Alicia Vélez)
Abuela de Mei (Wai Ching Ho - Magda Giner)
Título original: Turning Red
Dirección: Domee Shi
Guion: Julie Cho y Domee Shi
Música: Ludwig Göransson, Billie Eilish y Finneas O'Connell (letra)
Sonido: Ren Klyce
Fotografía: Mayhar Abousaeedi y Jonathan Pytko
Género: Aventuras, comedia, animación, fantasía y familiar
Duración: 1, 40 m. año: 2022
Personajes
Meilin "Mei" Lee (Rosalie Chiang - Estefanía Piedra)
Ming Lee (Sandra Oh - Itatí Cantoral)
Miriam Wexler (Ava Morse - Regina Tiscareño)
Abby Park (Hyein Park - Zöe Ivanna Mora)
Priya Dewan (Maitreyi Ramakrishnan - Alicia Vélez)
Abuela de Mei (Wai Ching Ho - Magda Giner)
martes, 26 de abril de 2022
La eternidad y un día - Por Alejandro Caro
Un filme profundo y una invitación existencial a comprometerse con la vida de los demás y expresarles el afecto y compasión pues eso dará profundo sentido a la existencia humana.
Se entrecruzan dos vidas, una que comienza y otra que está en sus últimas horas de ocaso. Lo dramático de lo anterior son las enseñanzas que puede entregar la vida de aquel infante a un maduro escritor que, durante su vida, dejó todo inconcluso y descubrió tardíamente, a través de unas cartas el amor que le escribió su esposa Anna (Isabelle Renauld), cuánto ella lo amó y que él nunca correspondió ese afecto. La nostalgia de lo que pudo ser y no fue, pues el tiempo pasado ya no volverá, hace ver que solo queda el presente; del futuro no sabemos, pero nunca es tarde, debemos estar abiertos y acercarnos aquellos que nos rodean.
Es un filme íntimo, poético y dramático de ver; cómo se nos escapa la vida de las manos para darnos cuenta que dejamos las personas importantes sin expresarles nuestro amor como se lo merecen. ¿Valdrán solo las disculpas?
Finalmente, debemos decir que la versión en YouTube, no es la mejor en su calidad de imagen, pero bien vale verla.
Disponible en YouTube.
Ficha técnica
Título original: Mia aioniotita kai mia mera (Eternity and a Day)
Año: 1998
Duración: 130 minutos
País: Grecia
Dirección: Theo Angelopoulos
Guion: Theo Angelopoulos, Tonino Guerra, Petros Markaris, Giorgio Silvagni
Música: Eleni Karaindrou
Fotografía: Giorgos Arvanitis, Andreas Sinanos
Reparto: Bruno Ganz, Isabelle Renauld, Fabrizio Bentivoglio, Achilleas Skevis, Alexandra Ladikou, Despina Bebedeli, Nikos Kouros, Iris Atziantoniou, Eleni Gerasimidou.
Género: Drama existencial.
Productora: Coproducción Grecia-Francia-Italia; Paradis Films, Intermedias, La Sept Cinéma
Premios: 1998 Cannes: Palma de Oro, Premio del Jurado Ecuménico
viernes, 22 de abril de 2022
"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 22 de abril 2022
El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Alejandro Caro en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.
Cantos de Represión - Por Carlos Correa
Este documental escrito y dirigido por Marianne Hougen-Moraga y Estephan Wagner se basa en una premisa diferente a lo que hemos visto anteriormente en reportajes y series. Su punto de partida es la situación actual de la ahora llamada Villa Baviera y de quienes habitan este idílico paraje, una comunidad de unas 120 personas que se sustentan gracias al turismo que les visita para disfrutar del bello entorno y, por supuesto, de la tradicional comida y cerveza alemana.
La cámara contempla paisajes y también rostros. Rostros curtidos, ajados, heridos. Muchos de ellos son sobrevivientes de los peores años la secta, instalada en el lugar por un grupo de colonos el año 1961 con el supuesto fin de ayudar a los pobres. Otros son descendientes, y aún quedan algunos fundadores, ya ancianos y enfermos, esperando tal vez su tránsito definitivo.
Posterior a la captura de Schäfer, el año 2007, varios habitantes huyeron del lugar en busca de nuevos horizontes. Quienes se quedaron debieron intentar mantenerse y sobrevivir, dejar atrás un pasado cuyo peso es casi insostenible, para encontrar esperanza y sanación.
La historia es tremenda y la conocemos de primera fuente a través de los ojos de los entrevistados. A veces más que las palabras son sus miradas las que denotan el sufrimiento extremo que han vivido. Inconcebible, denigrante. ¿De dónde sacan el valor para seguir en pie? ¿Cómo logran convivir golpeadores con golpeados, abusadores con abusados?
La tensión interior aumenta con el correr de los minutos. No sabemos hacia dónde nos lleva ni cuál será su resolución. La dicotomía entre los bellos paisajes y la abyecta inhumanidad vivida se hace cada vez más patente. Me da pudor observar cuando algunas personas mencionan que quieren superar el pasado, que no quieren volver a abrir las heridas, pero que siempre les vuelven a preguntar sobre lo mismo, porque es lo que también este trabajo documental efectúa.
Sin duda no es un tema fácil para nadie, ni para los espectadores ni menos para los protagonistas de una historia que les toca en lo más íntimo y les avergüenza. Pero no a todos. Hay opiniones, las menos, diferentes. Valientes quizá, perdidas tal vez, o probablemente confusas. Corresponden a una clara negación o bien a una férrea defensa de un validado actuar determinista. Y es que el ideal de la fundación de Colonia Dignidad choca de bruces con la brutalidad de las acciones llevadas a cabo puertas adentro. Absolutamente incomprensible, inimaginable, deleznable.
Méritos tiene en abundancia este documental. Sin juzgar, presenta una linea editorial clara y precisa. Deja que los protagonistas sean quienes exponen el relato para que luego las piezas se acomoden en este puzzle intrincado y complejo.
“Cantos de Represión” se escucha fuerte, con luces y sombras, con contradicciones y contrapuntos, con figuras antiguas y con las nuevas generaciones. Es un testimonio vivo y presente, un retrato de la historia, un relato necesario que deja una reflexión acuciante: ¿es posible el perdón genuino y la superación de una historia, o son hechos que, por su trascendencia, no se podrán superar jamás?
Ficha técnica
Título original: Songs of Repression
Año: 2020
Duración: 90 minutos
País: Dinamarca
Productora: Final Cut for Real, Cactus World Films
Género: Documental | Sectas
Guion: Marianne Hougen-Moraga, Estephan Wagner
Reparto: Documental
Dirección: Marianne Hougen-Moraga, Estephan Wagner
El Hombre del Norte - Por Jackie O.
Sinopsis: La historia sigue a Amleth en una Islandia del siglo X. Él es un príncipe nórdico que busca venganza por la muerte de su padre.
Comencemos con algo de historia: Amleth es una figura de una leyenda medieval escandinava atribuible a Saxo Grammaticus, de ahí toma su base el director para traernos esta historia, historia que no es nueva, pues Shakespeare se basó en ella para su gran "Hamlet". Pero, además, en 1994 el director Gabriel Axe, llevó a la pantalla esta misma leyenda en el "Príncipe de Jutlandia", protagonizada por Christian Bale.
Robert Eggers, se ha transformado en el director más taquillero de este momento, menor de 40 años, y con tan solo tres películas, películas que han dejado huella en la audiencia. Él tiene su estilo, pero también cuenta con un gran equipo, ya que ha trabajado con el mismo encargado de montaje, de fotografía y vestuario. Solo en esta oportunidad cambió al encargado de la música, y uno que otro actor/actriz repite. Al parecer le ha dado resultado su grupo.
Qué trato de decir con estos datos. Que es importante revisar los créditos, es bueno saber quién hace lo que vemos, ya que, además, son las conexiones para “los sellos" del director, quien tienen una base que no solo es su estilo personal, sino que, a veces, influye con quién trabaja, ya que ellos también tienen su sello.
¿Qué nos cuenta esta cinta?
El príncipe Amleth está a punto de convertirse en un hombre cuando su padre es brutalmente asesinado por su tío, quien secuestra a su madre, y de paso ordena matarlo. Este muchachito tiene que huir, pero todos lo creen muerto.
Dos décadas después, Amleth es un guerrero vikingo que decide ir en una misión para salvar a su madre, matar a su tío y vengar a su padre, para lo cual se alía con una esclava.
Amleth es una bestia atrapada en un ciclo de vida violenta, está impulsado por la rabia, y no le importa tener que matar a quien se le cruce en su camino. Amleth siente que está fusionado con un lobo, donde también podemos ver un umbral entre la vida y la muerte. Su hacha se funde con la luna y se va difuminando la línea entre lo físico y lo mítico, lo terrenal y lo cósmico. Eso nos muestra Eggers, metáforas, donde a veces podemos confundir si lo que vemos es real o un sueño.
Va construyendo una épica narrativa, pero tambalea y se hunde, pues en momentos se torna inestable al saltar entre lo onírico y lo terriblemente amargo de la realidad donde se desenvuelven los personajes.
Algo sobresaliente son las actuaciones de todos los personajes. Cada uno te mantiene atento a su propia historia, principalmente Alexander y su transformación (además, ver o escuchar a un Skarsgård para mí es un agrado). Nicole Kidman, como su madre, le impregna potencia al relato; Anya Taylor-Joy como la cómplice parece sacada de cuento, donde en sueños enigmáticos nos cautiva; y el resto en general, grandes actores y actrices ponen su cuota de dramatismo e intensidad.
Lo que creo, y en realidad para mí fue deficiente, es su edición, la cual la vuelve larga y tediosa en algunos momentos. Esto, por ser repetitiva en ciertas materias y pareciera que no avanza, aun cuando hay giros en la trama.
La fotografía nos entrega momentos de frialdad mística impecables, muchas tomas son bellísimas, la banda sonora acompaña bien. A eso le agregamos un buen maquillaje y vestuario, y además existe una buena puesta en escena.
Disponible en Cines.
Ficha técnica
Título original: The Northman.
Dirección: Robert Eggers
Guion: Robert Eggers y Sigurjón Birgir Sigurðsson
Música: Vessel
Fotografía: Jarin Blaschke
Montaje: Louise Ford
Diseño de Vestuario: Linda muir
País: Reino Unido - EEUU
Año: 2022
Género: Cine histórico, cine épico y suspenso
Duración: 136 minutos
Reparto:
Alexander Skarsgård - Amleth
Nicole Kidman - la reina Gudrun
Claes Bang - Fjölnir
Anya Taylor-Joy - Olga
Ethan Hawke - el rey Horvendill
Murray McArthur - Hakon
Ian Gerard Whyte - Thórvaldr
Ingvar Eggert Sigurðsson - el brujo
Björk como la bruja eslava
Título original: The Northman.
Dirección: Robert Eggers
Guion: Robert Eggers y Sigurjón Birgir Sigurðsson
Música: Vessel
Fotografía: Jarin Blaschke
Montaje: Louise Ford
Diseño de Vestuario: Linda muir
País: Reino Unido - EEUU
Año: 2022
Género: Cine histórico, cine épico y suspenso
Duración: 136 minutos
Reparto:
Alexander Skarsgård - Amleth
Nicole Kidman - la reina Gudrun
Claes Bang - Fjölnir
Anya Taylor-Joy - Olga
Ethan Hawke - el rey Horvendill
Murray McArthur - Hakon
Ian Gerard Whyte - Thórvaldr
Ingvar Eggert Sigurðsson - el brujo
Björk como la bruja eslava
El Tonto - Por Juan Pablo Donoso
Cruda y directa denuncia rusa contra la corrupción burocrática y podredumbre del sistema político.
En un edificio marginal peligran casi 1000 personas. ¿Dónde reubicarlas?
El tema es la cobardía de las autoridades edilicias. Velan sólo por su bienestar personal ignorando el dolor y peligro que corren miles de familias pobres de sus comunas.
Las autoridades son disolutas, callan, y se cubren las espaldas unos con otros.
Falta mucho dinero para reubicar a toda esa gente porque los jerarcas se lo han robado todo.
Para Mina Galaganova, la alcaldesa, es muy difícil el cargo debido a que debe coimear a los jefes superiores. Admirable la actriz Natalya Surkova en ese rol. “El país entero vive de los sobornos”. Todos tienen las manos sucias. Incluso ella. Si denuncia, su puesto y su vida corren peligro. Son todos venales.
Dima Nikitin es un fontanero honesto que decide enfrentarse al enviciado sistema local para salvar la vida de los 800 habitantes de un antiguo edificio que está a punto de colapsar.
En el transcurso de sólo una noche se la juega en solitario por la causa, a expensas de la vida de su familia e, incluso, bajo la incomprensión de las personas a quienes trata de proteger.
En ruso “durak” significa “tonto”. Con su impulso humanitario, ¿es Dima un tonto o un héroe? En ese mundo, hoy en día, es una pregunta muy difícil de contestar.
En este filme le sociedad rusa está colapsada, y permeada, con cinismo en todas sus capas sociales. Si bien aquí apunta contra el gobierno de Putin, también lo está cualquier otra donde la corrupción es tan profunda que a sus habitantes sólo les queda conformarse.
Una obra de tremenda actualidad. Con tratamiento de cámara realista y semi-testimonial. Diálogos y actuaciones cálidas y sinceras. Sus míseros personajes - a todo nivel - despiertan en nosotros más compasión que rabia por su impotencia.
Sin afán proselitista, el flujo natural de los acontecimientos deja en evidencia el profundo desprecio estatal por los seres humanos.
VALIENTE PELICULA RUSA QUE DENUNCIA LA CORRUPCIÓN DE LAS AUTORIADES BUROCRÁTICAS A TODO NIVEL. DIRECTA, SENSIBLE, Y MUY SUGERENTE.
Ficha técnica
Título Original: Дурак - Durak -2014
Crimen, drama, suspenso Rusia - 1,56 hrs.
Fotografía: Kirill Klepalov
Ambientación: Stanislav Novak
Actores: Artyom Bystrov, Natalya Surkova, Yuriy Tsuriloción
Editor, Músico, Guionista y Director: Yurily Bykov
jueves, 21 de abril de 2022
El Estado Imaginario - Por Carlos Correa
Matías Said -Francisco Sobrado- regresa a la ciudad donde nació, Estocolmo, Suecia. Los motivos de su viaje no quedan demasiado claros. Busca a unos “primos”, unos familiares lejanos tal vez, que llevan muchos años viviendo en la ciudad. Poco a poco vemos que Matías, quien vivió desde los ocho años en Chile, tiene un pasado que le atormenta. Un hecho doloroso ha impactado a su familia y decide tomar cartas en el asunto. Es una deuda pendiente. Se propone conseguir un objetivo radical, cueste lo que cueste.
Esta película dirigida por Alan Fischer, hablada en sueco, español, kurdo, árabe y farsi, constituye un gran desafío de construcción en la identidad de sus personajes. Centrada en Matías -e inspirada en hechos reales-, aborda varios temas en paralelo que logra unir bajo un formato de thriller que plantea incógnitas y genera suspenso gracias a la configuración de un guion sobrio.
Las actuaciones, en general, resultan un poco encuadradas, tal vez incluso forzadas. Hay algo que no fluye con naturalidad. Puede ser el efecto que se quiere conseguir, pero las luces en ese sentido son contradictorias. Se nota el deseo de transmitir más emoción, sin embargo lo que se expresa queda en tono menor. La cinta se percibe larga, en especial por la lentitud de su exposición central, aunque repunta en sus treinta minutos finales, cuando logra enfocar los momentos de mayor tensión y conflicto.
“El Estado Imaginario” sí resulta interesante desde la configuración de su relato. El uso de cruces temporales y la decisión de develar la historia por partes funciona adecuadamente. Hay que tener paciencia para armar las piezas de este puzzle que tiene muchos cabos sueltos y que muestra el contexto y realidades de dos países muy diferentes entre sí. El contrapunto respecto a la imaginación, por un lado, y la construcción de ambientes por otro, también despierta inquietud, aunque lo evidente se transforme en certeza y no se profundice en las motivaciones personales, las grupales, las de una comunidad en particular o de una sociedad en general.
Me llama la atención la desconexión de la acción con la música que la acompaña durante muchos pasajes. No genera unidad, parecen dos lenguajes diferentes, cada uno por su lado, sin un fin común. Eso descoloca, y si es un efecto buscado, está bien, sin embargo no parece ser ese uno de sus objetivos.
Con una temática muy actual, presenciamos una buena idea que quizás pudo ser mejor ejecutada. El resultado es una propuesta más interesante que inquietante, que desconcierta más que atrapa al espectador. Aun así, la experiencia puede resultar vital dependiendo del punto de vista -o de vida- que tengamos para abordarla. Y, además, es cine de autor, subjetivo y opinable, lo que indudablemente genera válidas visiones diferentes.
Ficha técnica
El Estado Imaginario
País: Chile – Suecia
Género: Drama / Suspenso
Duración: 100 min.
Productoras: Ant Fire Productions – Yagán Films – D21
Año: 2020
Idiomas: Sueco – Español – Árabe
Subtítulos: Español – Inglés
Director: Alan Fischer
Elenco: Francisco Sobrado, Susana Hidalgo, Isa Aouifia, Siham Shurafa, Sandra Redlaff, Pedram Shahlai.
“La Ciudad Perdida” - Por Elizabeth Salazar T.
Si hay algo que Sandra Bullock sabe hacer muy bien son las comedias, resulta muy graciosa a momentos. De hecho, el atuendo que usa cuando es raptada es rentado, por lo que ella trata de cuidarlo, para esto es muy ingeniosa y divertida. Creo que es una comediante nata, sus gestos, su lenguaje corporal lo utiliza muy bien para hacer reír. Channing Tatum tampoco se queda atrás, tiene escenas que enternecen, porque su personaje es torpe, pero tiene un gran corazón y sabe más de lo que parece. Como dice el dicho, no hay que juzgar el libro por la portada. Quien se roba la película, a pesar que sólo aparece unos breves minutos, es sin duda Brad Pitt, riéndose de él mismo, porque interpreta a un tipo muy sexy, que además es valiente, inteligente. La verdad es completísimo, puede enamorar fácilmente a cualquiera. El actor tiene un gran sentido de humor y sus dotes para la comedia son innegables. Recordemos su paso por la serie Friends, un gran capítulo.
Este filme es liviano y entretenido, pero igual toca temas importantes como redescubrirse tras una crisis y los prejuicios que hay en torno al estereotipo físico, en este caso en un hombre. A veces hay que dar una oportunidad para conocer a las personas, lo que nos permite ver más allá.
Esta película tiene un toque de nostalgia de esas comedias de romance y aventura de antaño, como “Dos bribones tras la esmeralda perdida” o “La momia”. Lo único que busca “La ciudad perdida” es hacernos pasar un buen rato y sin duda lo logra. Livianita, para disfrutar.
Ficha técnica
Director: Aaron Nee y Adam Nee
Duración: 120 Minutos
Se estrena en cine el 21 de abril de 2022
El Hombre del Norte - Por Juan Pablo Donoso
Peripecia llena de mitos, costumbres y magia religiosa de los antiguos pueblos vikingos.
En esta leyenda nórdica medieval se inspiró Shakespeare para escribir su clásico HAMLET. Sólo que aquí el tema y los eventos son más sangrientos y viscerales.
Cuando el niño príncipe Amleth presenció cómo su tío Fjölnir (Claes Bang) ordenó asesinar a su padre, el rey Aurvandil (Ethan Hawke), para desposar a su madre, la reina Gudrun (Nicole Kidman), y apoderarse del trono, juró vengarse al crecer aunque le costara la vida.
Para evitar ser también asesinado escapó hacia las gélidas tierras del norte, Islandia. Allá, con habitantes aún más primitivos creció y se convirtió en un feroz guerrero.
Haciéndose pasar por esclavo cautivo volvió a su patria para acercarse al rey usurpador del trono paterno y reencontrarse con su madre.
De ahí en adelante, y con la ayuda de otra joven esclava (Anya Taylor-Joy ) inició la sangrienta escalada de venganza hasta lograr su propósito.
Admirable ambientación, vestuarios y maquillajes nos transportan a esa época. Recreación de escenarios interiores húmedos y sombríos, exteriores llenos de barro y paisajes desolados de las tierras del Atlántico norte. Fantástica iluminación - días nublados - sólo luz de fogatas y antorchas nocturnas.
Diálogos concisos, y a la vez aclaradores de la densa epopeya.
La atmósfera mórbida de estas leyendas inspiró en Shakespeare tragedias tan encarnizadas como Macbeth y Tito Andrónico; y la patología mental de sus protagonistas iluminó la senda del psicoanálisis para Freud.
Las criaturas en esta obra navegan a horcajadas entre sentimientos humanitarios e impulsos salvajes sedientos de sangre. Y todo bajo el amparo cultural de ritos mágicos, hechicerías y fantasmas infernales.
El feliz resultado se debe a la conjunción del director Robert Eggers - El Faro (2019) y La Bruja (2015) - y al coguionista Sjon Sigurdsson ,académico, poeta y novelista islandés -Bailando en la Oscuridad (2000) - Lamb 2021 - recién premiada en Cannes. Ahora prepara un nuevo Hamlet bajo la dirección de Ali Abbasi (Border 2018).
Junto a la bellísima fotografía de Jarin Blaschke, se nos despliega una pléyade de buenos actores a cuya cabeza está el sueco Alexander Skarsgård (Big Little Lies - La Leyenda de Tarzán) encarnando al príncipe Amleth cuando adulto, e incluyendo a Willem Dafoe y Bjork entre varios otros connotados secundarios.
LEYENDA DE VENGANZA LOGRADA EN TODAS SUS FACETAS. CUNA DE MUCHOS CLÁSICOS. FEROZ Y POÉTICA. ADMIRABLE.
Ficha técnica
The Northman
The Northman
2022 Acción, drama, fantasía, historia EE.UU. - 2,16 hrs.
Fotografía: Jarin Blaschke
Edición: Louise Ford
Música: Robin Carolan, Sebastian Gainsborough
Diseño Prod.: Craig Lathrop
Guion: Robert Eggers, Sjón
Actores: Alexander Skarsgård , Nicole Kidman , Willem Dafoe, Ethan Hawke
Director: Robert Eggers
Desesperada - Por Jackie O.
Sinopsis: "Amy Carr recibe una llamada con noticias terribles, las autoridades persiguen a un tirador activo y es posible que su hijo adolescente, esté metido en el embrollo. En lo más profundo de una red de caminos forestales que rodean su casa, a kilómetros de la ciudad y casi abrumada por el pánico, Amy se niega a sucumbir a la desesperación. Con su móvil como único medio de intervención, recurrirá a todos los recursos que se le ocurran para ir con su hijo".
Estamos ante una película que nos cuenta una historia en tiempo real, una idea simple tal vez, pero es suficiente para involucrarnos.
Amy (Naomi Watt) es viuda y se cumple un año de ese incidente, tiene dos hijos, la pequeña Emily y el adolecente Noah. Este último no ha sobrellevado bien la muerte de su padre, la depresión lo ha consumido, y Amy trata de ayudar sin saber qué más hacer.
Un día, pero no cualquiera sino que cerca del aniversario de la muerte de su esposo, Amy decide no ir a trabajar y tomarse el día para ella, su familia, y por sobretodo despejarse. Sale a correr en el bosque que está cerca de su casa pero no sin antes ir donde su hijo para que pueda levantarse e ir al colegio. Pero es infructuoso, él se queda acostado.
¿Qué se hace en una situación así, de duelo, donde todos están sufriendo? ¿Dar espacio, seguir conversando, seguir yendo donde especialistas, seguir medicándose?...
Mientras está corriendo por el bosque no deja de recibir llamadas y prefiere desconectar el teléfono, no es buen momento para hablar, necesita estar tranquila. Hasta que una alarma se activa en su celular: hay una situación de extrema gravedad en el colegio de sus hijos.
Estando lejos del hogar llama a todos los contactos posibles para que le den información, pero nadie está muy claro, busca información en la web y es catastrófico: un tiroteo en el colegio donde hay heridos y un muerto.
El teléfono se convierte en su única herramienta. Está lejos y su mente se desordena, se desorienta, se desespera, pero de alguna forma debe contenerse.
Su hija está bien, pero su hijo... no sabe de él, el tiroteo es en su colegio y él está ahí. La policía la llama y comienza a hacerle preguntas.
Ella sabe que su hijo no está bien emocionalmente, así como ella. Están en un proceso de duelo difícil.
Se comienza a desesperar.
Esta historia sobre tiroteos es algo que se ha hecho habitual en los colegios, o incluso en otros lugares actualmente, donde nadie está seguro. Donde las emociones nos engañan, y cuando algo gatilla, la mente puede tomar pésimas decisiones.
Pero acá estamos ante la perspectiva de una madre, una madre preocupada por su hijo. De no saber nada de él.
Estéticamente me resultó interesante. Una idea que tal vez algunos no la consideren novedosa, pero yo sí, pues la visión de un tercero que no se encuentra en el lugar de los hechos la hace aún más angustiante. Y si a eso le agregamos que estamos ante una gran actriz, una actriz convincente, eso es genial. Naomi se involucra en su rol, esa madre que se desespera pero que también saca fuerzas de flaqueza, que hará todo por estar con sus hijos.
En cuanto a su guion, es simple, puede tener baches, pero analicemos la situación; es una ficción, claro que sí, pero la hacen realista no solo en tiempo real sino que, además, en su desorientación. Ella está lejos de su casa, pero tal vez no tanto, se nubla, se angustia, es una tensión constante y el camino se hace más largo de lo que es. Además, comete errores, se involucra más de lo debido, donde tal vez, entorpece la situación. Y desde lejos, es desesperante.
Además mantiene una buena fotografía y buenos primeros planos.
La película es Noami, y es encantador ver algo de poco presupuesto, con pocos actores y escenarios, en un trabajo que nos involucra como espectador.
Duelo, soledad, tristeza, angustia, desestabilidad emocional, amor filial, temas complejos y profundos.
Disponible en Cines.
Ficha técnica
Título original: The Desperate Hour.
Dirección: Phillip Noyce
Guion: Chris Sparling
Música: Fil Eisler
Fotografía: John Brawley
Año: 2021
País: EEUU.
Duración: 84 minutos
Género: Thriller, drama
Reparto: Naomi Watts, Sierra Maltby, Colton Gobbo, Debra Wilson, Woodrow Schrieber, David Reale.
Duración: 84 minutos
Género: Thriller, drama
Reparto: Naomi Watts, Sierra Maltby, Colton Gobbo, Debra Wilson, Woodrow Schrieber, David Reale.
El Estado Imaginario - Por Juan Pablo Donoso
Co-producción chileno-sueca. Hablada en 5 idiomas: sueco, español, kurdo, árabe y persa.
Intriga, supuestamente psicológica, al parecer inspirada en hechos verdaderos, lidiando con grupos terroristas islámicos.
Como el conflicto central es simple y breve, fue necesario narrar la historia con una elaborada ornaméntica visual para darle peso y prominencia.
Así alteran el discurso lineal salpicando cada secuencia del presente con “raccontos” para ir armando - y justificar - el puzzle que se nos resuelve al final.
Matías Said, hijo de exiliados, se crió en Suecia cuando niño. A los 8 años volvió a Chile, y cuando creció trabajaba como profesor de sueco para estudiantes nacionales.
Tenía un matrimonio feliz y un hijo pequeño. Su esposa trabajaba en el Centro Cultural Sefaradí Chileno. Un atentado terrorista al edificio de la institución terminó con la vida de la madre y el niño.
Matías, desolado, decidió volver a Estocolmo tras la pista del líder de los terroristas para hacer justicia.
Una vez allá - y bajo una falsa identidad - comienza a establecer contactos con supuestos parientes para irse internando en el corazón de otra mafia terrorista muy peligrosa, y así dar con un tal Nazrollah, ministro iraní, y acabar con él.
En el proceso, van apareciendo personajes amistosos, otros agresivos, y algunas mujeres involucradas gracias a las cuales va logrando su objetivo.
Llegaremos al momento del clímax donde la historia toma un giro de violencia inesperada aunque poco impactante debido a la poca prominencia del antagonista. Para terminar con un convencional “happy end” que deja en evidencia la debilidad de la tragedia central.
Meritorias son algunas bellas tomas de calles y plazas de Estocolmo captadas con drones juguetones, un montaje deliberadamente salpicado para mantenernos descifrando el enredo, muchas tomas cerradas sobre los ojos del protagonista para expresar sospechas, y la participación principal de Francisco Sobrado, rumano e hijo de padres chilenos, con una destacada carrera como actor de teatro y cine en otros países.
De pasadita aprovechan de darle un cameo a nuestra actriz nacional Shlomit Baytelman como funcionaria del Centro Sefaradí, y de algún otro chileno poco conocido de refilón.
INTRIGA Y SUSPENSO OBTENIDOS MÁS POR LA EDICIÓN QUE POR EL ARGUMENTO. PERSONAJES ISLÁMICOS Y JUDÍOS COMBATIENDO JUNTOS CONTRA LOS ATENTADOS CRIMINALES FUNDAMENTALISTAS DEL TERROR.
Ficha técnica
Intriga, suspenso, terrorismo Chile, Suecia - 1,45 hrs.
Intriga, suspenso, terrorismo Chile, Suecia - 1,45 hrs.
Fotografía: Andrés Garcés, Henrik Jensen
Música: Santiago Farah, Miguel Miranda, Miranda and Tobar
Diseño Prod.: Emelie Ekenborn
Guion: Daniel Castro, Alan Fischer, Fady Hadid
Actores: Francisco Sobrado, Siram Shurafa, Susana Hidalgo, Isa Aouifia
Director: Alan Fischer
La Ciudad Perdida - Por Juan Pablo Donoso
Con la presencia de actores caros y famosos consiguen atraer públicos variados y recuperar lo antes posible el presupuesto invertido en salarios y producción.
Como un lejano remedo de Los Cazadores del Arca Perdida (1981) combinan aventuras con humor grotesco luciendo a sus estrellas principales: Sandra Bullock (también productora de la película), Daniel Radcliffe (legendario protagonista de Harry Potter), Channing Tatum (musculoso galán cuya carrera va en ascenso), Da´vine Joy Randolph (carismática y obesa comediante negra), Oscar Núñez (cubano -La Oficina y Guardianes de la Bahía 2017) y como guinda de la torta incluyeron al astro Brad Pitt para que animara breves escenas del comienzo y el final.
Un magnate villano (Radcliffe) secuestra a una exitosa viuda autora de novelas románticas (Bullock) para que descifre un mapa que esconde un tesoro ancestral en una perdida isla del Atlántico. En su rescate irán un torpe y vanidoso galán (Tatum), y la energética agente publicitaria (Randolph).
Los chascos de la primera mitad del filme son mejores que en la segunda parte. Algunos diálogos en inglés son más hilarantes y picarescos que los púdicos subtítulos en español.
Fuera del ritmo, los chascarros y efectos especiales, la trama se mantiene rigurosamente dentro de los marcos románticos y grotescos de una gesta comercial y taquillera.
CARICATURA DE PREVIAS AVENTURAS ROMÁNTICAS E INVEROSÍMILES. NI LOS REALIZADORES NI LOS INTÉRPRETES PRETENDEN MÁS QUE ENTRETENER Y COBRAR BUENOS SUELDOS.
Ficha técnica
Título Original: The Lost City
Título Original: The Lost City
2022 - Comedia, acción, aventuras EE.UU. - 1,52 hrs.
Fotografía: Jonathan Sela
Edición: Craig Alpert
Música: Pinar Toprak
Diseño Prod.: Jim Bissell
Guion: Oren Uziel, Dana Fox, Adam Nee
Actores: Sandra Bullock, Channing Tatum, Daniel Ratcliffe
Directores: Aaron Nee,Adam Nee
La Ciudad Perdida - Por Jackie O.
Sinopsis: La autora de novelas románticas Loretta Sage -donde su heroes en las páginas es Dash, representado por el modelo de portada Alan- está de gira promocionando su nuevo libro. Pero es secuestrada por Fairfax, un excéntrico multimillonario, que quiere que ella lo lleve al tesoro de la ciudad perdida.
Quizás se nos ha pasado por la mente la película "Tras la esmeralda perdida" de 1984, donde nos deleitamos con esa novelista, un rapto, aventuras, desafíos y buscar tesoros con un galán-héroe, u otra película símil.
Pero esto no es lo mismo, aunque tengan muchos elementos en común. Porque elementos en común tienen todas las películas, el tema es cómo se desarrolla eso.
Loretta (Sandra Bullock) es una exitosa escritora (tipo Danielle Steel) pero está pasando por un momento de cansancio, estrés, de aburrimiento de lo que hace, y si a eso le sumamos la muerte de su esposo, hace que quiera estar más sola que acompañada. Pero su editora le exige un nuevo libro, y Loretta cumple, no de muy buena forma. Además, debe hacer a la fuerza una gira promocional con, ni más ni menos, su modelo de portada, el sexy Alan ( Channing Tatum). Ella está incomómoda con todo, la gira, la ropa que debe usar, fingir química con su modelo, todo.
Hasta que, terminando su primera actividad, es raptada por un millonario que leyó su libro, encontrando que en sus capítulos menciona algo que estaba buscando: un tesoro. Pero Loretta puso unos datos arqueológicos sin saber si eran finedignos o no, el relato es ficción y eso le sirvió para el material. Pero parece que algo de verdad tenían esos datos, que los sacó de las cosas de su marido, un arqueólogo.
Al ser secuestrada y sacada del país, Alan buscará a un temerario rescatista para que lo ayude a salvarla.
Aquí comienza la aventura en en una isla remota que nadie visualizó en su vida, donde Alan hará lo imposible por salvarla, y Loretta por encontrar el tesoro; sí, le dieron ganas de buscarlo.
Una película llena de aventura, donde buscar tesoros es un tema muy atrayente, con mucha comedia en su fondo, pues sus protagonistas saben aportar bastante bien en esa dinámica, sin olvidar que mantienen buena química.
Romance, siempre tenemos un amor secreto y/o idealizado, y acá esa cuota resultó creíble.
Y toda historia debe tener a un villano o antagonista, en este caso Fairfax (Daniel Radcliffe), quien da la impresión que su búsqueda es más para acallar y pisotear a su hermano mayor, al que le tiene mucha envidia porque lo menciona constantemente; no sobresale, solo cumple y no molesta.
En las escenas de acción, muchos efectos visuales eran notorios y las coreografías no muy bien efectuadas, pero no se veía mal. Curioso, pero es así. Y creo que se debe a que la película, como comedia propiamente tal, con situaciones graciosas hasta posar en lo ridículo, hacen que sirva para esos errores visuales.
Sobre su guion, es muy simple y flaquea muy seguido, lo cual es rescatado con algún chistecito bien colocado para así distraernos.
El colorido y luminosidad de este trabajo es atrayente.
Y no crean que me olvidé de Brad Pitt, estuvo genial, y faltó más. En realidad, el elenco en general, se nota que lo disfrutaron y que hubo una buena conexión entre todos.
Una película simple, ágil, fresca para relajarse.
Película de esas necesarias a veces, en donde te sientas sin pensar en nada y solo te dejas llevar, nada más. Dejemos el intelectualismo (o creernos tal) de lado por un momento.
Disponible en Cines.
Ficha técnica
Título original: The Lost City.
Dirección: Aaron Nee y Adam Nee
Guion: Oren Uziel, Dana Fox, Adam Nee y Aaron Nee
Historia: Seth Gordon
Música: Pinar Toprak
Fotografía: Jonathan Sela
Montaje: Craig Alpert
Protagonistas: Sandra Bullock, Channing Tatum, Daniel Radcliffe, Da'Vine Joy Randolph, Brad Pitt, otros.
Género: Aventuras, acción y comedia
Duración: 120 minutos
EEUU - 2022
El Sol del Membrillo - Por Juan Pablo Donoso
Un documental, premiado en Cannes, que requiere paciencia para verlo, curiosidad, y conocer lo que duele la verdadera creatividad.
“La luz mágica que buscaba no la encontré en la noche, en el crepúsculo, ni en la aurora”. Palabras de Antonio López García, pintor español contemporáneo, cuando quiso captar la magia del sol en las hojas de un membrillo… y le fue imposible.
En inglés la llamaron Sueño de Luz. Y ese título también le hace justicia.
Durante más de 2 horas - que jamás aburren - somos testigos, y compañeros, del proceso febril de un artista que lucha por alcanzar un ideal, una quimera, que siempre se le escapa de las manos.
Al igual que Antonio López, el director vasco de la película - Enrique Erice - opta por la creación lenta y contemplativa más que por la urgencia de obtener resultados. A lo largo de 20 años sólo ha filmado 3 largometrajes, y todos desbordantes de belleza, paz y sabiduría.
Nos deja en claro que así como el VAN GOGH de Alain Resnais (1948) y el CARAVAGGIO de Derek Jarman (1986), el objeto vivo que desean captar (en sus cuadros) es tanto o más poderoso que el mismo pintor que lo persigue... aún a costa de su propio tormento.
El sueño de López era atrapar con sus pinceles ese breve momento en que un rayo de sol otoñal toca fugazmente las hojitas de un membrillo - creando un orgasmo de belleza - para luego desaparecer dejando en el aire sólo el eco refractario de una cópula sublime.
Todo sucede en la vieja casona madrileña donde también tienen taller otros artistas y artesanos. Incluso una cuadrilla de albañiles pakistaníes que refaccionan las habitaciones abandonadas.
Escuchamos conversaciones nostálgicas de nuestro pintor con antiguos compañeros de la academia mientras en el patio sigue esperando que el espíritu furtivo del árbol se le manifieste en el momento preciso de luz fecunda.
Su esposa - María Moreno - pintora también pero más concreta y templada, lo acompaña, comprende y estimula.
Cuando llegó el invierno y le fue imposible lograr la luz que deseaba, guardó la obra estéril y recomenzó la búsqueda ahora sólo por medio de un dibujo, conformándose con un cuadro abstracto sólo un poco más cercano a su ideal.
DOCUMENTO LLENO DE CALIDEZ, Y VOCACIÓN INCANSABLE. HOMENAJE A LA NATURALEZA Y AL INTENTO DEL HOMBRE POR DIALOGAR CON ELLA.
Ficha técnica
Documental, biografía, pintura -1992 España - 2, 13 hrs.
Fotografía: Javier Aguirresarobe, Ángel Luis Fernández
Edición: Juan Ignacio San Mateo
Música: Pascual Gaigne
Guion: Víctor Erice, Antonio López García
Con: María Moreno, Enrique Gran, María López
Director: Víctor Erice
miércoles, 20 de abril de 2022
Tren nocturno a Lisboa - Por Alejandro Caro
Filme basado en la novela homónima del filósofo suizo Peter Bieri, más conocido como Pascal Mercier, nos hace recorrer con un buen hilo narrativo, y pausadamente a veces casi con demasiada lentitud, la búsqueda de los orígenes de los protagonistas de aquel libro. Es un recorrido existencial, por supuesto, desde aquella filosofía, planteándonos preguntas fundamentales de manera de tomar partido y decisiones en busca del sentido en el paso por nuestra existencia, por lo tanto, es una búsqueda espiritual.
Lo anterior plantea a cada uno de los personajes las interrogantes, en primer lugar en su lucha contra la dictadura de Oliveira, así como lo más profundamente humano como son las expresiones de los afectos con los demás, muchas veces frustrantes, conduciendo al vacío existencial del sentido último.
Lo interesante es que el encuentro de aquel libro logra transformar la vida de aquel amante de la literatura dejando abierta su respuesta a la invitación en aquella estación de tren….
Puede que haga lo mismo con nosotros, provocando una búsqueda interior y si no es así, también está bien, puede que no sea nuestro momento para la respuesta.
Disponible en Amazon Prime ("Night Train to Lisbon").
Puede que haga lo mismo con nosotros, provocando una búsqueda interior y si no es así, también está bien, puede que no sea nuestro momento para la respuesta.
Disponible en Amazon Prime ("Night Train to Lisbon").
Ficha técnica
Título original: Night Train to Lisbon (Tren nocturno a Lisboa)
Año: 2013
Duración: 110 minutos
País: Suiza
Dirección: Bille August
Guion: Ulrich Herrmann, Greg Latter. Novela: Pascal Mercier
Música: Annette Focks
Fotografía: Filip Zumbrunn
Reparto: Jeremy Irons, Jack Huston, Christopher Lee, Mélanie Laurent, Charlotte Rampling, Lena Olin, Tom Courtenay, Bruno Ganz, August Diehl, Martina Gedeck, Beatriz Batarda, Burghart Klaußner, Nicolau Breyner, Filipe Vargas, Adriano Luz.
Género: Intriga. Thriller. Romance, Dictadura, Literatura.
Productora:Coproducción Suiza-Alemania-Portugal; Studio Hamburg Produktion für Film & Fernsehen.
Premios: 2013: Festival de Berlín: Sección oficial largometrajes (fuera de concurso)
martes, 19 de abril de 2022
Ron da error - Por Carlos Correa
Un nuevo robot tecnológico está causando furor entre los estudiantes. Se trata del intrépido y completísimo B-bot, una creación informática que ayuda a sus dueños a generar amistades gracias a un complejo algoritmo. Todos los alumnos de la secundaria en Nonsuch, California, tienen el suyo, menos Barney Pudowski. Él dice que no lo quiere, que no lo necesita, sin embargo su abuela Donka y su padre Graham se dan cuenta que Barney es solitario, que no tiene amigos y que una ayuda de este tipo no le vendría nada mal, aunque son reacios a dar el paso de comprarlo por falta de dinero. Cuando, para su cumpleaños, deciden hacer el esfuerzo de regalarle uno, van a la tienda de los de los creadores, la firma Bubble, pero encuentran el lugar cerrado. La urgencia es evidente, ese ese el día y no otro, por lo que recurren a un repartidor que les vende una unidad.
Barney recibe su tesoro con una alegría inmensa. No lo puede creer, es su sueño hecho realidad. Debe activar al pequeño B-bot pero parece que algo no anda bien, los comandos no responden y las directivas quedan a medias o simplemente no cargan. Como el robot pide conexión a la red de la empresa, Barney va a la tienda para pedir su reparación pero aquello solo marca el comienzo de una infinidad de problemas.
Dirigida por Sarah Smith y Jean-Philippe Vine, “Ron's Gone Wrong” es una animada fábula sobre muchos temas actuales que está narrada desde la mirada de un niño que debe lidiar con su pequeño robot. La película se conduce por diferentes senderos y explora las relaciones adolescentes, la soledad, el bullying, la dependencia tecnológica, el compañerismo y la amistad.
Colorida y entretenida, esta cinta nos coloca en diversos escenarios: observamos al padre y a la abuela de Barney, sus motivaciones y reacciones; vemos a los compañeros de clase del joven, que pueden ser muy crueles cuando discriminan por algún motivo; el tema económico está retratado por la ambición comercial del jefe de la empresa Bubble, quien solo quiere ganancias y no es capaz de visualizar los daños que puede generar un gadget como el que venden; y la tecnología, que naturalmente es central pero también una excusa, porque permite exponernos al mundo de las redes sociales, la adicción que producen y las consecuencias que aquello conlleva.
Una de las moralejas de esta película es la que se obtiene dada la condición defectuosa del B-bot. Diseñado para hacer amigos y ayudar a Barney, termina siendo una versión más a escala humana al invertirse los papeles. Es él quien debe aprender de su dueño porque lo obliga a esmerarse en construir una relación sin renunciar a la primera dificultad o problema. Los aprendizajes mutuos se potencian, y la verdadera amistad surge gracias justamente a los errores y a la capacidad de trabajarlos y superarlos.
“Ron da error” resulta encantadora, liviana y entretenida. Con mucho fondo para reflexionar y conversar, es una película ideal para compartir en familia, con los más pequeños, para saber qué les surge al verla y tal vez así desarrollar los temas que más les llamen la atención y les interesen. Historias de este tipo son un real aporte educativo, tanto por lo que presentan argumentalmente como por lo que dejan expuesto para ser descubierto. Muy buena película, recomendada!
Ficha técnica
Título original: Ron's Gone Wrong
Año: 2021
Duración: 106 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Locksmith Animation, 20th Century Fox Animation, TSG Entertainment. Distribuidora: 20th Century Studios
Género: Animación. Comedia. Ciencia ficción | Robots. Familia. Adolescencia. Amistad. Cine familiar
Guion: Sarah Smith, Peter Baynham
Música: Henry Jackman
Fotografía: Animación, David Peers, Hailey White
Reparto: Animación
Dirección: Sarah Smith, Jean-Philippe Vine
Barney recibe su tesoro con una alegría inmensa. No lo puede creer, es su sueño hecho realidad. Debe activar al pequeño B-bot pero parece que algo no anda bien, los comandos no responden y las directivas quedan a medias o simplemente no cargan. Como el robot pide conexión a la red de la empresa, Barney va a la tienda para pedir su reparación pero aquello solo marca el comienzo de una infinidad de problemas.
Dirigida por Sarah Smith y Jean-Philippe Vine, “Ron's Gone Wrong” es una animada fábula sobre muchos temas actuales que está narrada desde la mirada de un niño que debe lidiar con su pequeño robot. La película se conduce por diferentes senderos y explora las relaciones adolescentes, la soledad, el bullying, la dependencia tecnológica, el compañerismo y la amistad.
Colorida y entretenida, esta cinta nos coloca en diversos escenarios: observamos al padre y a la abuela de Barney, sus motivaciones y reacciones; vemos a los compañeros de clase del joven, que pueden ser muy crueles cuando discriminan por algún motivo; el tema económico está retratado por la ambición comercial del jefe de la empresa Bubble, quien solo quiere ganancias y no es capaz de visualizar los daños que puede generar un gadget como el que venden; y la tecnología, que naturalmente es central pero también una excusa, porque permite exponernos al mundo de las redes sociales, la adicción que producen y las consecuencias que aquello conlleva.
Una de las moralejas de esta película es la que se obtiene dada la condición defectuosa del B-bot. Diseñado para hacer amigos y ayudar a Barney, termina siendo una versión más a escala humana al invertirse los papeles. Es él quien debe aprender de su dueño porque lo obliga a esmerarse en construir una relación sin renunciar a la primera dificultad o problema. Los aprendizajes mutuos se potencian, y la verdadera amistad surge gracias justamente a los errores y a la capacidad de trabajarlos y superarlos.
“Ron da error” resulta encantadora, liviana y entretenida. Con mucho fondo para reflexionar y conversar, es una película ideal para compartir en familia, con los más pequeños, para saber qué les surge al verla y tal vez así desarrollar los temas que más les llamen la atención y les interesen. Historias de este tipo son un real aporte educativo, tanto por lo que presentan argumentalmente como por lo que dejan expuesto para ser descubierto. Muy buena película, recomendada!
Ficha técnica
Título original: Ron's Gone Wrong
Año: 2021
Duración: 106 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Locksmith Animation, 20th Century Fox Animation, TSG Entertainment. Distribuidora: 20th Century Studios
Género: Animación. Comedia. Ciencia ficción | Robots. Familia. Adolescencia. Amistad. Cine familiar
Guion: Sarah Smith, Peter Baynham
Música: Henry Jackman
Fotografía: Animación, David Peers, Hailey White
Reparto: Animación
Dirección: Sarah Smith, Jean-Philippe Vine
Hawkeye - Por Jackie O.
La película comienza recordándonos aquella batalla en Nueva York de "Los Vengadores: Endgame" y grupos alienígenas, donde nuestra pequeña protagonista, Kate Bishop, divisa a quien se transformaría en su héroe: Un hombre que solo con su arco y flechas peleaba contra estas grandes figuras del mal. Y ver esta batalla desde otro ángulo, fue muy interesante.
Pasan los años y Kate es ya una veinteañera y estudiante universitaria que destaca en el deporte, pero que cada cierto tiempo se mete en problemas, los cuales su madre le recrimina haciéndole ver que no debe aprovechar su situación económica para irresponsabilidades. Pero todo cambia cuando se entera que su madre se casará con Jack Duquesne (Swordsman), y no le gusta, encuentra que es turbio y que algo oculta, comenzando a vigilarlo.
Una noche en una fiesta y producto de una subasta clandestina que se transforma en un crimen, Kate roba el traje de Ronin y pelea con una banda de crimen organizado, y solo de suerte sale ilesa. Así como un perrito tuerto que rescata.
Todo esto nuestro Clint Barton lo ve en televisión, principalmente divisa su traje, ese traje que usó en tiempos difíciles, y se propone buscarlo conociendo a esta chica Kate.
Ahí comienza la aventura de estos dos personajes, encuentros que a Kate la dejan boquiabierta, ya que es su héroe. Pero él solo quiere el traje y que ella se aleje de los problemas. Pero no resulta, y los problemas comienzan a seguirlos a ambos. En especial una banda de criminales liderados por Maya (Echo), que busca incansablemente a Ronin, porque ella vio como mató a su padre. Transformándose en una buena enemiga para Barton.
Todos estos hechos transcurren unos días antes de navidad, donde vemos a este maduro Clint que tiene constantes llamadas con su mujer Laura, personaje que vimos en Avenger en alguna oportunidad, pero ahora mantiene mayor protagonismo, lo cual queda dicho en el capítulo final.
En esta miniserie, vamos viendo como Kate y Clint de a poco van conociéndose, y a pesar de que Clint no quiere acercarse mucho a Kate por su seguridad, no pueden evitar terminar siendo amigos, donde Clint la educa en responsabilidad y madurez. Pero Kate también ayuda a Barton a confiar nuevamente en una compañera, pues Clint recuerda cada vez que puede y de forma muy melancólica a su gran amiga Natasha. Ambos personajes tienen un crecimiento bien desarrollado en la trama.
Entre peleas con un grupo de criminales y muertes entremedio, aparecen dos figuras en la parte final de esta miniserie: uno de ellos es Yelena, hermana de Natasha Romanov, a quien ya habíamos conocido anteriormente en la película "Viuda Negra" y en “Halcón y el Soldado del Invierno”. Esta vez ha sido contratada por “alguien” para matar a Barton, y una viuda cumple su trabajo, más cuando ella lo culpa por la muerte de su hermana. Su rol fue más de corte liviano, es decir, no nos encontramos con la ruda e implacable viuda, sino que mantiene un tono de comedia que la hace muy simpática y no entorpece con la dinámica, pero insisto, eso hace que no se le tome en serio su rol de viuda temeraria.
También aparece KingPin, uno de los villanos más villanos de Marvel, nuevamente interpretado por Vincent D'Onofrio (serie Daredevil) quien lo hace de buena forma, pero se habría agradecido más de su presencia.
Una miniserie livianita, ágil, de la cual no tienes que estar pensando tanto como en Loki o WandaVision; tiene buenos giros en la trama, muy buenas escenas coreográficas, con plano secuencias de persecución de buen nivel, buenos movimientos de cámara y maquillaje.
El humor infaltable en Marvel, acá está en su medida justa.
Un gusto haber visto como Clint Barton usa un traje muy similar al comics, pues siempre se espera que los comic reinen en este tipo de películas /series, ya que ahí es su base y nunca olvidar eso, por muy adaptación que sea lo que vemos.
Muy rescatable para mí es que le dieron un homenaje a un héroe poco valorado en Marvel, siendo muy importante. Jeremy Renner nos presenta a un Barton más maduro, padre, esposo y comprensivo, sin olvidar su audacia. Muy bien interpretado. Además mantiene buena química con Hailee Steinfeld.
La dinámica de la serie y algo que podría decir que fue lo negativo, es que terminó muy rápido y poco épico, ya que hubo mucha historia que contar y alargaban escenas, además de varias subtramas. Eso implicó que el final fuera muy rápido y quedáramos con gusto a poco, un capítulo más y se hubieran desarrollado algunos temas mejor. Pero aún así vale verla.
Y como les he dicho en más de una oportunidad, y no me cansaré de repetir, Marvel tiene para hacer películas y miniseries por miles y del personaje que quiera. Esta vez será el turno de Echo, quien no tiene fecha de estreno aún. Esperamos y sería lo más seguro, es que nos volvamos a encontrar con KingPin, quien es un súper personaje y no me extrañaría que sacara su propia miniserie, porque él sí que tiene fechorías que contar.
Para finalizar, les cuento que no hay escena post crédito como todo lo Marvel.
Ya ok, en realidad sí, pero es tan mala que mejor no la vean y se las cuento acá, es ese musical con el cual se comenzó sin aportar nada.
Disponible en Disney+.
Ficha técnica
Creado por Jonathan Igla. Basado en Hawkeye de Stan Lee y Don Heck
Año: 2021 Duración: 45 min. 6 capítulos
País: EEUU
Guion: Jonathan Igla, Tanner Bean, Katrina Mathewson, Elisa Lomnitz Climent.
Música: Christophe Beck, Michael Paraskevas
Fotografía: Eric Steelberg, Jim Whitaker
Reparto: Jeremy Renner, Hailee Steinfeld, Vera Farmiga, Tony Dalton, Florence Pugh, Fra Fee, Alaqua Cox, Zahn McClarnon, Brian d'Arcy James, Linda Cardellini, Ava Russo, Piotr Adamczyk, Cade Woodward, otros.
Género Acción, crimen, superhéroes, miniserie, navidad, comedia, ciencia ficción, Marvel
Pasan los años y Kate es ya una veinteañera y estudiante universitaria que destaca en el deporte, pero que cada cierto tiempo se mete en problemas, los cuales su madre le recrimina haciéndole ver que no debe aprovechar su situación económica para irresponsabilidades. Pero todo cambia cuando se entera que su madre se casará con Jack Duquesne (Swordsman), y no le gusta, encuentra que es turbio y que algo oculta, comenzando a vigilarlo.
Una noche en una fiesta y producto de una subasta clandestina que se transforma en un crimen, Kate roba el traje de Ronin y pelea con una banda de crimen organizado, y solo de suerte sale ilesa. Así como un perrito tuerto que rescata.
Todo esto nuestro Clint Barton lo ve en televisión, principalmente divisa su traje, ese traje que usó en tiempos difíciles, y se propone buscarlo conociendo a esta chica Kate.
Ahí comienza la aventura de estos dos personajes, encuentros que a Kate la dejan boquiabierta, ya que es su héroe. Pero él solo quiere el traje y que ella se aleje de los problemas. Pero no resulta, y los problemas comienzan a seguirlos a ambos. En especial una banda de criminales liderados por Maya (Echo), que busca incansablemente a Ronin, porque ella vio como mató a su padre. Transformándose en una buena enemiga para Barton.
Todos estos hechos transcurren unos días antes de navidad, donde vemos a este maduro Clint que tiene constantes llamadas con su mujer Laura, personaje que vimos en Avenger en alguna oportunidad, pero ahora mantiene mayor protagonismo, lo cual queda dicho en el capítulo final.
En esta miniserie, vamos viendo como Kate y Clint de a poco van conociéndose, y a pesar de que Clint no quiere acercarse mucho a Kate por su seguridad, no pueden evitar terminar siendo amigos, donde Clint la educa en responsabilidad y madurez. Pero Kate también ayuda a Barton a confiar nuevamente en una compañera, pues Clint recuerda cada vez que puede y de forma muy melancólica a su gran amiga Natasha. Ambos personajes tienen un crecimiento bien desarrollado en la trama.
Entre peleas con un grupo de criminales y muertes entremedio, aparecen dos figuras en la parte final de esta miniserie: uno de ellos es Yelena, hermana de Natasha Romanov, a quien ya habíamos conocido anteriormente en la película "Viuda Negra" y en “Halcón y el Soldado del Invierno”. Esta vez ha sido contratada por “alguien” para matar a Barton, y una viuda cumple su trabajo, más cuando ella lo culpa por la muerte de su hermana. Su rol fue más de corte liviano, es decir, no nos encontramos con la ruda e implacable viuda, sino que mantiene un tono de comedia que la hace muy simpática y no entorpece con la dinámica, pero insisto, eso hace que no se le tome en serio su rol de viuda temeraria.
También aparece KingPin, uno de los villanos más villanos de Marvel, nuevamente interpretado por Vincent D'Onofrio (serie Daredevil) quien lo hace de buena forma, pero se habría agradecido más de su presencia.
Una miniserie livianita, ágil, de la cual no tienes que estar pensando tanto como en Loki o WandaVision; tiene buenos giros en la trama, muy buenas escenas coreográficas, con plano secuencias de persecución de buen nivel, buenos movimientos de cámara y maquillaje.
El humor infaltable en Marvel, acá está en su medida justa.
Un gusto haber visto como Clint Barton usa un traje muy similar al comics, pues siempre se espera que los comic reinen en este tipo de películas /series, ya que ahí es su base y nunca olvidar eso, por muy adaptación que sea lo que vemos.
Muy rescatable para mí es que le dieron un homenaje a un héroe poco valorado en Marvel, siendo muy importante. Jeremy Renner nos presenta a un Barton más maduro, padre, esposo y comprensivo, sin olvidar su audacia. Muy bien interpretado. Además mantiene buena química con Hailee Steinfeld.
La dinámica de la serie y algo que podría decir que fue lo negativo, es que terminó muy rápido y poco épico, ya que hubo mucha historia que contar y alargaban escenas, además de varias subtramas. Eso implicó que el final fuera muy rápido y quedáramos con gusto a poco, un capítulo más y se hubieran desarrollado algunos temas mejor. Pero aún así vale verla.
Y como les he dicho en más de una oportunidad, y no me cansaré de repetir, Marvel tiene para hacer películas y miniseries por miles y del personaje que quiera. Esta vez será el turno de Echo, quien no tiene fecha de estreno aún. Esperamos y sería lo más seguro, es que nos volvamos a encontrar con KingPin, quien es un súper personaje y no me extrañaría que sacara su propia miniserie, porque él sí que tiene fechorías que contar.
Para finalizar, les cuento que no hay escena post crédito como todo lo Marvel.
Ya ok, en realidad sí, pero es tan mala que mejor no la vean y se las cuento acá, es ese musical con el cual se comenzó sin aportar nada.
Disponible en Disney+.
Ficha técnica
Creado por Jonathan Igla. Basado en Hawkeye de Stan Lee y Don Heck
Año: 2021 Duración: 45 min. 6 capítulos
País: EEUU
Guion: Jonathan Igla, Tanner Bean, Katrina Mathewson, Elisa Lomnitz Climent.
Música: Christophe Beck, Michael Paraskevas
Fotografía: Eric Steelberg, Jim Whitaker
Reparto: Jeremy Renner, Hailee Steinfeld, Vera Farmiga, Tony Dalton, Florence Pugh, Fra Fee, Alaqua Cox, Zahn McClarnon, Brian d'Arcy James, Linda Cardellini, Ava Russo, Piotr Adamczyk, Cade Woodward, otros.
Género Acción, crimen, superhéroes, miniserie, navidad, comedia, ciencia ficción, Marvel
sábado, 16 de abril de 2022
Sonic 2 - Por Carlos Correa
Ahora, Sonic está decidido a ser un héroe. Vigila la ciudad, trata de poner orden, pero no le resulta demasiado. Los efectos colaterales de su accionar son catastróficos y la frustración surge de inmediato en el protagonista. Paciencia le aconsejan sus padres adoptivos, sin embargo no es un valor cultivado por nuestro amiguito. Una boda en Hawái a la que deben asistir Tom y Maddie, deja a Sonic el camino despejado para hacer de las suyas durante la ausencia de los mayores, pero el inesperado regreso del malvado Robotnik le sorprende totalmente desprotegido.
Robotnik -Jim Carrey-, ha logrado escapar del planeta de los Hongos y con la ayuda de Knuckles the Echidna, quiere cobrar venganza. Por su parte, este nuevo personaje rojo busca reivindicar el legado de su extinta tribu y encontrar una antigua reliquia llamada la Esmeralda Maestra, que entrega poderes incontestables y absolutos a quien la posea. Ambos personajes son una amenaza seria para Sonic, quien recibe la inesperada ayuda de Miles "Tails" Prower, un zorro de dos colas que es su fiel admirador y lo idolatra. Juntos deberán adelantarse y ser los primeros en encontrar la Esmeralda para detener la ambición de Robotnik. ¿Lograrán su objetivo?
“Sonic 2” nos ofrece una buena continuación de la historia que vimos en la primera parte. Sonic es simpático, se presenta como un niño inquieto, alerta y despierto que siempre está en movimiento y no parece detenerse en ningún momento. Por su parte, Jim Carrey -una caricatura humana y por eso tal vez el mejor actor para el personaje y si no, al menos para su voz-, es el personaje humano mejor logrado de la película. Se desenvuelve a sus anchas, aun más suelto que en la entrega anterior, y esta vez más contenido y menos exagerado, algo que le da un mayor compromiso con su papel.
En relación al relato, el uso de historias paralelas ayuda bastante a la continuidad. Ya no es lineal, en secuencia. Hay varios escenarios simultáneos que tienen partes de la trama. Estos espacios entregan pausa a las vertiginosas aventuras, y también permiten que descansemos de algunos moldes que, por repetidos, pueden ser cansadores. Es cierto que algunas de las subtramas no son del todo interesantes, pero al menos desvían la atención, ponen otros focos y divierten, que finalmente es lo importante.
De lo mejor logrado de esta cinta es la relación de las caricaturas con los humanos. Son efectos especiales muy buenos, parece que interactúan, que están en el mismo lugar, que son filmados como un todo presente. Se trata de una construcción que realmente se consigue en toda su dimensión, pues son infinitos los detalles que se deben cuidar para conseguir este resultado.
“Sonic the Hedgehog 2” es diversa y predecible, y debe ser así. Está orientada al público infantil -y por supuesto a los seguidores del video juego-, pero los guiños adultos son bastante más que un añadido políticamente correcto. En resumen, se trata de una aventura entretenida, un poco larga tal vez, pero que hace que por dos horas nos olvidemos del mundo que nos rodea.
Ficha técnica
Título original: Sonic the Hedgehog 2
Año: 2022
Duración: 122 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Original Film, Paramount Pictures, Sega Sammy Group. Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Aventuras. Acción. Comedia | Secuela. Videojuego
Grupos: Sonic el erizo | SEGA
Guion: Patrick Casey, Worm Miller, John Whittington. Historia: Patrick Casey, Worm Miller
Música: Junkie XL
Fotografía: Brandon Trost
Reparto: James Marsden, Jim Carrey, Tika Sumpter, Idris Elba, Natasha Rothwell, Shemar Moore, Adam Pally, Lee Majdoub. Voz: Ben Schwartz
Dirección: Jeff Fowler