Free Love - Por Musia Rosa

Esta película está basada en un premiado cortometraje documental del mismo nombre, que relata la historia real de una oficial de policía, quien, ante la posibilidad de su muerte, lucha por dejar los beneficios de su pensión a su pareja sentimental, que es una joven mujer.

Laurel Hester, (Julienne Moore, “Siempre Alice”) oficial de policía del Condado  Ocean de New Jersey  y  Stacie Andree, (Ellen Page, “Juno”) joven mecánica de un taller del mismo lugar, se conocen jugando volley ball y al instante surge una fuerte atracción entre ellas lo que las conducirá a un romance imposible de ocultar.

Las vemos felices, con la ilusión de la casa nueva comprada por Laurel para las dos, pintando las paredes, halajando los interiores y jugando con el perro de ambas. 

La historia se ve hermosa, pero no logra emocionar totalmente ya que no profundiza en los sentimientos de la pareja más allá de ver que lo pasan bien, hasta que sobreviene la enfermedad de Lauren, un cáncer repentino y agresivo, donde apreciamos el deterioro progresivo del mal y también como el romance pierde protagonismo y se desvía hacia el centro medular de la historia: la lucha legal por derechos igualitarios para las parejas homosexuales, movimiento que lidera un judío gay, cuyo primer paso será conseguir lo que Laurel está solicitando, dejarle su pensión a Stacie, lo que constituiría  un triunfo para el movimiento lo que a su vez le permitiría continuar su lucha hacia la unión matrimonial y luego talvez a la adopción de niños para las parejas gay.

Este proceso legal acapara la atención de todos, donde Anthony Desando (Michael Shannon, en convincente actuación), compañero de Laurel en la labor policial, logra protagonismo, al empeñarse en sensibilizar a sus compañeros, buscando apoyo a la causa de su querida amiga, con ahínco y sin temores, para así ayudar a Laurel que está sufriendo tanto y logrando finalmente la verdadera emoción y el sentido solidario que le faltaba a este caso dramático.

“Free Love” es un filme del director Peter Sollett (“Camino a Casa”), cuyo tema central sería la lucha por los derechos de igualdad en las leyes que solicitan los homosexuales y cuya factura fílmica se defiende bien, no así el romance lésbico que promueve la historia, porque a pesar de las buenas actrices que lo protagonizan y la música de Hans Zimmer, no ilumina la historia ni le da solidez al romance, sólo se empeña en fortalecer la causa legal del  mundo gay.

Ficha técnica

Título original: “Freeheld”

País: EE.UU.

Año: 2015

Duración: 103 minutos

Calificación:

Género: Drama

Elenco: Julliane Moore, Ellen Page, Steve Carrell, Michael Shannon

Director: Peter Sollett

Free Love - Por Juan Pablo Donoso

Este caso fue verdadero. Sucedió en EE.UU. hace pocos años. Aunque de menos impacto emocional que sus antecesoras Love Story o Filadelfia, cumple con ajustarse a los hechos.

En el Condado de Ocean en New Jersey hay una brillante mujer policía, de edad madura, pero con inclinación homosexual. Conoce a una muchachita bastante menor con la cual inicia un romance que las unirá en un sincero y perdurable amor. Compran una casa y la condicionan para vivir juntas en ella por el resto de sus vidas.

Su condición de lesbianismo se soslaya con discreción entre sus camaradas debido a su enorme eficiencia profesional. 

El conflicto se desata cuando a Laurel Hester, la policía, le detectan tumores cancerosos en el pulmón y debe iniciar su quimioterapia. La enfermedad es rebelde y se propaga con velocidad. Ante la inminencia de su muerte, Hester desea legar su casa y bienes a favor de Stacie Andrée, su compañera, una sencilla obrera mecánica.

Más, aunque tuvieran un vínculo legal de compañerismo, la sucesión sólo era posible si existía un matrimonio oficial. De lo contrario, sus bienes pasarían al Estado. 

La principal oposición radicó en el Concejo del Condado. Sus regidores, pudiendo dictaminar una excepción  al reglamento, por razones de imagen política, y de prejuicios morales, se niegan tenazmente a conceder la solicitud.

Mientras Laurel Hester se agrava cada vez más, y gracias a la gestión de periodistas y abogados homosexuales, grandes grupos de vecinos se van uniendo a la campaña para presionar al municipio y a sus tenaces miembros.     

Así fue la epopeya de este caso, y de cómo los miembros de una comunidad pudieron, democráticamente, influir en un dilema social tan delicado.

Si bien la cinta emociona en determinados momentos, al parecer el propósito principal de sus realizadores fue dar a conocer esta hazaña, y sus implicancias futuras: el matrimonio igualitario.

Lo que prima en este relato son los méritos del amor sincero entre dos buenas personas, de compasión, de buen criterio ante dilemas jurídicos inevitables, y ni siquiera del matrimonio homosexual ya que Hester sólo pedía “igualdad” de derechos ante la ley. 

Ignoro si las espectadoras lesbianas aprobarán este tratamiento narrativo y hallarán inexactitudes o falsedades en la forma en que se presenta esta realidad.

El filme es ameno, empático, y como siempre Julianne Moore confirma su talento. Impresionan  por su natural carisma la joven actriz Ellen Page (Stacey) y por su calidez el actor Michael Shannon, como el policía compañero de Hester. .  

                   

CASO REAL DE UN  BELLO AMOR QUE DEBE  FRANQUEAR  LAS BARRERAS  DE  LOS  PREJUICIOS  MORALES  Y  DE  LOS HIPÓCRITAS  INTERESES  POLÍTICOS.   AMENA  Y  POCO PRETENCIOSA.  

Ficha técnica

   

Freeheld

Drama de amor y política

EE.UU.

103 minutos

Guión: Ron Nyswaner     

Actores: Julianne Moore, Ellen Page, Steve Carell, Michael Shannon,  Luke Grimes, Josh Charles

Director: Peter Sollett

El Capital Humano - Por Juan Pablo Donoso

Eficaz retrato social y familiar de un grupo de personas víctimas del lado oscuro del capitalismo contemporáneo.

Una noche alguien atropella,  y mata,  a un ciclista en un camino cerca de Milán, y escapa. Se inicia una investigación policial para hallar al culpable. Como el vehículo pertenece a una familia adinerada, vamos conociendo a los integrantes de ese grupo y los vínculos que los relacionan.

El relato se divide en 4 capítulos que llevan el nombre de distintos miembros de esas familias. Y al seguir sus pasos de esa noche – y también de los meses anteriores – nos enteramos de sus angustias, frustraciones, amoríos y, en general, de lo alienados que están por la competencia del estatus que da el dinero y la figuración social.

 Basada en una novela de Amidon, los guionistas y el director nos conducen por los vericuetos de esta madeja manteniendo nuestro interés gracias al diseño de los personajes;  son casi todos dignos de compasión, como prisioneros espirituales de un sistema socio/económico mal administrado y brutal con los anhelos más profundos de sus víctimas. 

De manera satírica se define aquí el “Capital Humano” como aquella estrategia que permite – gracias a la manipulación legal de expertos economistas – salir indemnes de crímenes personales y corrupciones de elegantes apariencias. 

Sólidas actuaciones y efectivo lenguaje audiovisual.

DOLOROSA  PUGNA  ENTRE  EL  DOLOR  EXISTENCIAL  DE  PERSONAS  FRENTE  AL  OROPEL  DE  UN  CAPITALISMO PERVERSAMENTE  CONCEBIDO.

Ficha técnica

Il Capitale Umano

Fotografía: Jerome Almeras (invierno), Simon Beaufils (verano), Música: Carlo Virzí

Drama familiar

Italia y Francia

111 minutos

Guión: Stefen Amidon (novela), Paolo Virzí, Fsco. Bruni, Fsco Piccolo 

Actores: Fabrizio Bentivoglio, Valeria Bruni Tedeschi, Fabrizio Gifuni, Valeria Golino

Director: Paolo Virzí

Fragmentos de Lucía - Por Musia Rosa

Historia de una mujer sola, Lucía (Javiera Días de Valdés), que al regresar a Chile desde Buenos Aires, donde vivió un tormentoso amor, ya no encuentra a su tía que se fue al sur del país y sólo la espera una carta atrasada, de una madre que no conoce, lo que la impulsa a viajar a Valparaíso en su búsqueda.

No hay entorno familiar al que acudir, vivió con padres adoptivos que ya no están, salvo un abuelo (Alejandro Sieveking, “Gatos Viejos”) al que no conoce y decide ubicar para saber de su madre, Laura.

Lucía en Valparaíso encuentra jóvenes como ella, que solidarizan con su caso y la apoyan y acompañan en todo momento, desempeñando las actrices excelentes actuaciones al crear personajes que alivianan el peso del drama. 

La historia se desarrolla en tiempo real y acompasado, aunque con pequeños  cortes que agilizan el ritmo, para seguir interesando al espectador en el relato fílmico, de esta búsqueda dramática de la madre y del viaje al interior de sí misma de la protagonista, para tratar de salir del presente que la  confunde y lograr encontrarle un sentido a su vida.

El director y guionista Jorge Yacoman (“La comodidad en la distancia”) se introduce en la psiquis femenina atormentada, buscando una salida, cuya puerta queda abierta a la esperada reacción  positiva de Lucía y a lo incierto de la vida.

Ficha técnica

Distribuidor: Storyboard Media

País: Chile

Año: 2016

Género: Drama

Calificación: Mayores de 14 años

Actores: Javiera Díaz de Valdés, Alejandro Sieveking, Pablo Schwarz

Director: Jorge Yacoman

Fragmentos de Lucía - Por Carlos Correa

Búsqueda, viaje, movimiento continuo. Conceptos que se funden en uno en esta cinta del director y guionista chileno Jorge Yacoman, su segundo largometraje luego de “La comodidad de la distancia”.

Lucía -Javiera Díaz de Valdés- viaja de Santiago a Valparaíso. La razón no es evidente, algo busca. Más bien busca a alguien; alguien a quien no conoce, su madre. La confusión y los accidentes no tardan en llegar, así como también se hace presente la solidaridad y acogida en una ciudad porteña oscura y tan desgarrada como el alma de Lucía.

Yacoman maneja los tiempos del relato con bastante soltura. Sin prisa, filma primeros planos y seguimientos que entregan suspenso y un “ritmo especial” en palabras del propio director. Por su parte, Javiera Díaz de Valdés crea un personaje íntimo, poco descifrable, confuso y cuyas emociones están reprimidas hacia el exterior y al mismo tiempo que bullen en un plano interior lleno de interrogantes, dudas y contradicciones.

Es interesante descubrir y acompañar la cinta. Muchos detalles previos sobre este camino pueden generar prejuicios por lo que es recomendable no saber mucho de la historia pues el relato se encarga de ir componiéndola lentamente, generando una natural complicidad y cercanía con los desconocidos personajes.

En este drama psicológico, de comienzo a fin los elementos propuestos resultan muy interesantes y están bien retratados. No es fácil explorar la psiquis femenina, y menos retratarla. “Fragmentos de Lucía” es lo que su enunciado explícito señala. Son pequeñas partes de un universo mucho mayor que se avisora impredecible, incontrolable e indescifrable. Un ejercicio valiente y audaz, con actuaciones disímiles que sin embargo colaboran a lograr un resultado emocional que no es neutro. Un resultado que no tiene un final explícito, sino que deja abierta la puerta, permitiendo con ello desarrollar una reflexión posterior que puede ser tanto o más interesante que los fragmentos observados.

Ficha técnica

Distribuidor: Storyboard Media

País: Chile

Año: 2016

Duración: 89 minutos

Género: Drama

Calificación: Mayores de 14 años

Actores: Javiera Díaz de Valdés, Alejandro Sieveking, Pablo Schwarz

Director: Jorge Yacoman

Poveda - Por Carlos Correa

Esta película del director Español Pablo Moreno, relata la vida de Pedro Poveda, un sacerdote que irrumpe en el campo de la educación, impulsando y defendiendo la participación de las mujeres en los procesos formativos. Reconocido como sacerdote, pedagogo, humanista e innovador, Poveda fue canonizado por el Papa Juan Pablo II en el año 2003.

Raúl Escudero interpreta al carismático sacerdote quien comienza su ministerio en las Cuevas de Guadix (Granada). Tras su traslado a Covadonga (Asturias), Poveda impulsa un movimiento de mujeres que se transforma en el origen de la Institución Teresiana, junto a la joven Josefa Segovia -Elena Furiase-, primera mujer licenciada en educación de Jaén.

La cinta tiene un relato biográfico, un metraje clásico que retrata las últimas horas del sacerdote intercalado con los bloques más importantes de su vida, de su ministerio, sus iniciativas y naturalmente todas las objeciones que debió enfrentar para abrir caminos de permanente innovación y transformación.

“Poveda” es una película amable, con un guión sencillo y predecible. El ritmo cadencioso le permite al director imprimir un sello de temple y certeza en los 110 minutos de rodaje, aunque por momentos la tensión decae y el hilo dramático pierde el foco, distraído por detalles que lo apartan del centro de la historia.

Con pocos personajes secundarios desarrollados, la cinta se sostiene en su protagonista y en Pepita, lo que desdibuja el entorno del relato y caricaturiza a quienes le rodean. No obstante, Moreno logra contar la historia de manera limpia y sencilla, sin sobresaltos y también sin conmover demasiado.

Algunos ripios de producción (maquillaje exagerado y música evidente) le restan a la cinta una convicción mayor. La sensación de un plano constante, invariable y persistente, dota a la cinta de un tono similar, impidiendo al espectador incorporarse a la cinta para verla desde afuera, tomando distancia y observando todo como un hecho histórico.

A favor, “Poveda” tiene el valor de mostrar la vida de un Santo que cambió conceptos de educación y pastoral con los más marginados. En contra, una forma ya conocida, un relato más bien plano que deja fuera el involucrarse emocionalmente con los protagonistas.

En síntesis, tenemos una película de valor histórico, muy orientada a “las Teresianas”, y que merece un espacio de difusión por lo trascendente del mensaje de San Pedro Poveda Castroverde.

Ficha técnica

Título oficial: Poveda

Duración: 110 minutos

Género: Drama histórico, Biopic

País: España

Distribuidor: Goya Producciones & Proyectil

Distribución en Chile: Aerópago Comunicaciones

Actores: Raúl Escudero, Elena Furiase
Director: Pablo Moreno

La Reina de las Nieves 2, el espejo encantado - Por Juan Pablo Donoso

Tremenda producción rusa animada en Pixar (dibujos y figuras más corpóreas gracias a la computación). En los créditos finales aparecen más de 300 personas en la realización del filme. Es la continuación de la Reina de las Nieves (2012).

Los trolls, unas criaturas feas y peludas de grandes narices han logrado su libertad al derrotar a la perversa Reina de las Nieves. Uno de ellos, Orm, se ha convertido en héroe, pero es un mentiroso compulsivo. Aspira a casarse con la sobrina del rey, y para ello alardea con portentosas y falsas hazañas. Los héroes humanos del capítulo anterior, Gerda y sus compañeros, vienen en una carabela a rescatarlo a pesar de haber perdido confianza en su honestidad.

Los dibujos de la película son muy hermosos, en especial  los paisajes de fondo. La banda sonora es un potpourrí  de canciones populares ya consagradas. El relato tiene un ritmo frenético. Y todas las peripecias se resuelven en escasos 78 minutos - ¡afortunadamente!

Cabe preguntarse si es soportable para niños, e incluso para adultos. Es tal la combinación de raccontos, fantasías y persecuciones que al cabo de media hora el espectador pedirá secuencias de mayor reposo y ternura. Hay tantos personajes que la trama comienza a sentirse atiborrada y casi confusa. Muchos vienen de la 1ª parte e ignoramos sus antecedentes.

¿Para qué tipo de público se hizo esta carísima película de animación rusa? Inexpugnable para niños, temática algo distante para adolescentes, y extenuante para adultos. Lo sabremos con la respuesta de taquilla, al menos en nuestro país.

Poco importa que la última canción en español la interprete Denise Rozenthal, actriz chilena de fama internacional.

HERMOSA ANIMACIÓN VISUAL RUSA, RITMO ENDEMONIADO, PERSONAJES POCO FAMILIARES, Y ABRUMADORA PARA LA MAYORÍA DE NUESTROS ESPECTADORES.  

Ficha técnica

Snowqueen

BFDistribution 

Rusia

78 minutos                               

Animación, Aventura, Familiar                                                                                                                                                                                          

Guionistas: Roman Nepomnyashchiy, Vladimir Nikolaev     

Voces:  Anna Shurochkina, Ivan Okhlobystin, Anna Khilkevich

Director: Aleksey Tsitsilin  

Al final del túnel - Por Carlos Correa

120 minutos de suspenso bien construidos son el resultado de esta cinta dirigida por Rodrigo Grande. Son pocas las oportunidades de contar con relatos que mantengan la tensión, giren y avancen en diferentes direcciones y que capturen al espectador en una montaña rusa de incertidumbre, angustia y contradicción que no cede hasta el final del metraje.

Joaquín -Leonardo Sbaraglia- está en silla de ruedas. Tiene una casa grande y arrienda una pieza en el nivel superior. No conocemos su historia anterior pero la pesada carga que tiene se nota en cada mirada, gesto y acción. De la nada llega Berta -Clara Lago- con su hija Betty a preguntar por el arriendo y casi sin esperar respuesta decide mudarse de inmediato. Berta es bailarina de striptease, es preciosa y comienza a iluminar la casa y la vida de Joaquín. Lentamente se va configurando una relación especial entre ambos protagonistas. Joaquín ha descubierto que algo pasa en la casa del lado. Ruidos lo han alertado de trabajos secretos, la construcción de un túnel por parte de un grupo de ladrones con el fin de robar un banco cercano a la propiedad.

La historia principal es sencilla, sin embargo su forma, un sólido guión y actuaciones relevantes le entregan profundidad e intriga de alto vuelo. Hay química entre Berta y Joaquín. También ha secretos, un pasado trágico y un presente no menos complejo. Joaquín juega varios papeles y Berta también. No está clara su relación y en qué podría desencadenar.

“Al final del túnel” supera las expectativas. Produce complicidad y a la vez tomar distancia. La angustia del protagonista se traspasa al espectador y todo ello logrado en poco espacio, poca iluminación, casi sin exteriores y con varios pasajes carentes de diálogo; las imágenes hablan por si solas, con mucho guiño a “La ventana indiscreta”, cumbre del maestro del suspenso.

Excelente cinta de Rodrigo Grande. Una producción sólida, un relato convincente y unas actuaciones que se sitúan por sobre la media, dando cuenta de un cine Argentino maduro y siempre en alza.

Ficha técnica

Título original: Al final del túnel

Año: 2016

Duración: 120 minutos

País: Argentina

Guión: Rodrigo Grande

Fotografía: Félix Monti

Reparto: Leonardo Sbaraglia, Pablo Echarri, Clara Lago, Federico Luppi, Javier Godino, Daniel Fanego, Aura Garrido

Director: Rodrigo Grande

Mi gran noche - Por Musia Rosa

La película muestra cómo se arma la gran gala televisiva para celebrar la fiesta de año nuevo, con la anticipación que se requiere para asegurar el éxito de un programa de televisión, que se ha coordinado con anterioridad y donde todo es falso, las risas, los aplausos, las bebidas y licores.   

El resultado que vemos es la gran noche de fin de fiesta del año o fin de mundo, donde todo se desborda, pero sin colapsar, porque Alex de la Iglesia sabe manejar el caos con cordura delirante, donde el hilo conductor no se pierde jamás, sino que va enrielando toda la parafernalia trepidante de la fiesta, la violenta protesta callejera, los controladores de las imágenes al interior del carro de la televisión y los figurantes que deben seguir las instrucciones, pero que se desmadran también ante los imprevistos: una grúa que cae con estrépito, un asesino que persigue su objetivo, dos cantantes rivales que luchan por el primer lugar en el espectáculo; pero el director y guionista del filme, logra seguir en ritmo frenético su plan inicial hasta el minuto 100 que dura el filme.

Personajes básicos pero bien definidos, diferentes y en buena actuación componen el cuadro humano que De la Iglesia nos quiso mostrar, de la realidad socio-política de su país quizás, en su lenguaje fílmico tan especial, donde podemos percibir influencias fellinianas y almodovarianas, con todo el respeto y admiración que ambos genios del cine nos merecen.

La guinda de la torta fílmica es el gran Raphael de España, en fantástica actuación como Alphonso, cantando como un inmortal en medio del delirio y el caos.

Es una película desopilante para disfrutarla de principio a fin, sin pedirle más de lo que nos quiso dar.

Ficha técnica

Mi gran noche

País: España

Año: 2015

Duración: 100 minutos

Calificación: Mayores de 14 años

Género: Comedia

Elenco: Raphael, Mario Casas, Pepón Nieto, Blanca Suárez, Jaime Ordóñez, Carlos Areces, Hugo Silva

Al Final del Túnel - Por Juan Pablo Donoso

Un prolijo relato de suspenso que mantendrá cautivos a sus espectadores.

El joven director argentino Rodrigo Grande se esmeró por crear una atmósfera policial inquietante y a ratos siniestra. Pero es difícil a estas alturas de la historia del cine evitar la influencia de grandes realizadores  previos: Hitchcock (La Ventana Indiscreta), Dassin (Rififí), Tarantino (Los Odiosos Ocho), Brian de Palma  e, incluso en  ciertos  diálogos  vulgares, a Mario Monicelli (Los Desconocidos de Siempre). 

Pero lo valioso es que la historia y sus personajes mantienen el interés presentando algunos giros poco esperados.

Joaquín (Leonardo Sbaraglia) es un ingeniero electrónico parapléjico que vive solo con su perro enfermo en una enorme casa vieja. Llega como arrendataria una bailarina joven y atractiva (Clara Lago) con su pequeña hijita con trauma de mudez. El inválido descubre que un grupo de ladrones cavan un túnel bajo su casa para acceder a la bóveda de un banco vecino.

Espiarlos  con cámaras de vídeo y micrófonos será su obsesión. Al ver la brutalidad de los delincuentes  decide frustrarles  el robo inundándoles  el  túnel.

El primer tercio del filme se siente algo lento y largo por la introducción de los personajes. Hacia la segunda parte va creciendo la acción, las sorpresas y los peligros. Y en la tercera etapa se desata la violencia, la crueldad y la sangre. Como dijimos: Hitcock, Rififí y Tarantino.

Es una película cuidadosamente elaborada por su guionista y director; fotografiada e iluminada con preciosismo por Chango Monti, editada con ritmo y fluidez por Irene Blecua, y muy bien ambientada (en set) por  Eva García-Tapia Pradoux. 

Sbaraglia (Relatos Salvajes), como el parapléjico, tiene la oportunidad de desplegar diversos matices actorales; Pablo Echarri, quien también es productor, construye un despiadado y repugnante asesino; la española Clara Lago (Ocho Apellidos Vascos y Catalanes) administra sensualidad y, finalmente, el consagrado Federico Luppi aporta el aplomo de su oficio como el corrupto cerebro de toda la operación.

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Ficha técnica

Argentina, España

120 minutos

2016

Misterio, suspenso, violencia

Fotografía: Felix “Chango” Monti

Edición: Irene Blecua

Escenografía:  Eva García-Tapia Pradoux

Actores: Leonardo Sbaraglia, Pablo Echarri, Clara Lago, Federico Luppi

Director y Guionista: Rodrigo Grande 

Día de la Madre - Por Juan Pablo Donoso

El tema central es la Madre de Hoy en la sociedad capitalista.

Comedia muy estadounidense en que varias familias se aprontan a celebrar, precisamente, el Día de la Madre. 

 Aunque cada grupo lo hará en sus respectivos hogares, todos están de alguna manera relacionados, ya sea por parentesco, vecindad, por ser amigos, o por simples coincidencias.

Con un extenso reparto de actores consagrados, de diversas edades, y otros nuevos, que incluyen niños y guaguas, van encarando las contingencias hogareñas de nuestros días.

Así hay matrimonios divorciados, padres viudos a cargo de hijas adolescentes, mujeres mediáticas famosas pero vacías de maternidad, abuelos que se oponen a cualquier forma de sincretismo pero que deben rendirse a los hechos consumados, hijos felices y normales de madres lesbianas, y una profusión de personajes secundarios y de graciosos accidentes cotidianos.

El mérito de esta comedia está en su complejo guión, tan hábilmente urdido. Mostrar tantas situaciones distintas pudo ser una madeja caótica y agotadora de seguir; pero sus autores nos llevan por el laberinto sin que perdamos el hilo ni se nos confundan los personajes.

El experto director Garry Marshall (Pretty Lady, Frankie y Johnny) supo mantener la claridad narrativa con fluidez y buen ritmo.

Y a pesar de muchas frases hechas y soluciones previsibles, gracias al humor seguimos el relato con simpatía y liviandad.

Llama la atención la extrema delgadez de Julia Roberts quien, teniendo pocas escenas, transmite con fuerza sus sentimientos. Conviene tener presente a ciertas jóvenes actrices que, sin duda, inician con esta comedia una promisoria carrera actoral (la hija adoptiva, por ejemplo).

SIMPÁTICA  COMEDIA  SOBRE  LA  MATERNIDAD CONTEPORÁNEA.     CONSIGUE  ENTRETENER.    

Ficha técnica

Mother´s Day

2016

Comedia familiar                                                                                                                                                            

EE.UU

118 minutos

BFDistribution

Guionistas:  Tom Hines, Lily Hollander, Anya Kochoff, Matthew Walker

Actores: Julia Roberts, Jennifer Aniston, Kate Hudson, Britt Robertson, Hilary Duff, Héctor Elizondo

Director: Gary Marshall

El Bosque Siniestro - Por Juan Pablo Donoso

Pudo ser una interesante película de tema paranormal. Pero como suele ocurrir con el afán de comercialización, especialmente cuando está Japón de por medio, se arruinan  bellas ideas con sensacionalismo innecesario.

En EE.UU. hay un par de gemelas. Nacieron con una fuerte comunicación extrasensorial. Una de ellas, la más aventurera, viaja a Japón y visita el legendario parque Aokigahara, llamado también el Bosque de los Suicidas, ubicado al pie del monte Fuji.

Al poco tiempo la hermana que permaneció en EE.UU. tiene un fuerte presentimiento: algo malo le sucede a su gemela. Y viaja al oeste de Tokio en busca de Jessica.

Acompañada de un atractivo periodista australiano y un guía nipón se internan en el espeso bosque. Ella, Sara, presiente que su hermana está viva y necesita ayuda. Y ahí comienzan las torpezas, las imprudencias y los terrores gratuitos. 

Si guionistas y director se hubieran mantenido en la línea de las premoniciones, la atmósfera de misterio habría sido poderosa por mezclar de manera lógica la realidad con lo sobrenatural. Pero sucumbieron a los “screamers” (súbitas imágenes horribles y sonidos estridentes) abaratando una idea que prometía interés al comienzo.

La actriz inglesa Natalie Dormer (Game of  Thrones y varias más) en su doble rol de gemela, lleva su personaje con la mejor intención; pero el relato va perdiendo verosimilitud hasta terminar en un franco disparate.     

TRUCULENCIA  FACILISTA  QUE  PUDO  SER  UN INTERESANTE  DRAMA  PARASICOLÓGICO.

Ficha técnica

The Forrest

2016

Terror, misterio, suspenso

EE.UU., Japón

93 minutos

Diamond Films Chile

Guionistas: Nick Antosca, Sarah Cornwell, Ben Ketai

Actores: Natalie Dormer, Taylor Kinney, Eoin Macken, Stephanie Vogt

Director: Jason Zada