31/8/21

El caballo de Turín - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Libremente inspirada en un evento en la plaza Alberto de Turín en enero de 1889, Nietzsche se lanzó llorando al cuello de un caballo agotado y maltratado por su cochero y, después, se desmayó, marcando el fin de la carrera del filósofo. Desde entonces, dejó de escribir y se hundió en la locura y ostracismo. En una atmósfera de final de los tiempos, muestra la vida del cochero, su hija y el viejo caballo, todos a su manera, haciendo al parecer un recorrido sin fin.


Es el último filme realizado por Belá Tarr, nos lleva al límite, donde él nos quiere, frente a la pantalla, pero a la vez dentro de ella.

Lo primero, hay que predisponerse al visionado de esta obra, pues tiene un largo metraje, con muy pocos diálogos y construido sobre la base de muy pocos planos, en tonos de blancos y negros. Con ritmo persistente, casi brutal, que te lleva hasta el límite de la paciencia, obligándote a tomar una posición íntima en la cual situarte y poder seguir disfrutando o sufriendo.

Las imágenes son tan duras, desgarradoras, y a la vez actuales, aunque el filme se sitúa en un mundo rural de una desgraciada pobreza, rutina, soledad, prescindiendo incluso de la palabra, donde parece que no alcanza para mantener la existencia.

Por otro lado, un conjunto de rutinas o repeticiones puede colocar sentido a nuestra existencia, como una obligación a movilizarse, como un acto casi involuntario. ¿Cuánto de lo que hacemos lo hacemos por obligación o voluntariamente?

El caballo también parece rebelarse de este hastío, no quiere hacer el mismo recorrido, ni vale la pena comer, en un acto; basta de esta cotidiana y “maldita “repetición.

Hoy, en algunos lugares del mundo, se sigue viviendo lo mismo o puede ser que nosotros mismos lo vivamos, no siendo necesariamente económico o social, sino de nuestra alma.

El filme tiene un fuerte componente metafórico: el viento, el agua, la tierra, el fuego, elementos dadores de vida para los protagonistas, pero también de devastación; la ventana que permite mirar lo que sucede fuera y en cada uno de los personajes, así como los espectadores. Aquí Belá Tarr logra su objetivo de, al menos, incomodarte.

Cada uno de nosotros tendrá una experiencia estética distinta y nuestra psiquis partirá de esa experiencia y el ánimo responderá para vivir el filme. De alguna manera corroe el alma, para purificarla con la esperanza, requiriendo para eso nuestra honestidad.

Excelente filme que puede mostrarnos donde estamos situados en esta vida y plantearnos: ¿para qué la existencia?

Ficha técnica

Título original: A Torinói ló (The Turin Horse) 
Año: 2011 
Duración: 146 minutos
País: Hungría 
Dirección: Béla Tarr, Ágnes Hranitzky 
Guion: Béla Tarr, László Krasznahorkai 
Música: Mihály Víg
Fotografía: Fred Kelemen (B&N) 
Reparto: János Derzsi, Erika Bók, Mihály Kormos 
Productora: Coproducción Hungría-Francia-Alemania-Suiza; TT Filmmûhely, Movie Partners In Motion Film, Eurimages, Medienboard Berlin-Brandenburg, Motion Picture Public Foundation of Hungary, Vega Film, Zero Fiction Film 
Género: Drama, siglo XIX, pobreza 

Disponible en Youtube

Premios 
2011: Festival de Berlín: Gran Premio del Jurado, Premio Int. de la Crítica FIPRESCI 
2011: Premios del Cine Europeo: 3 nominaciones: mejor director, fotografía y música 
2011: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa 
2013: Premios Guldbagge: Nominada a Mejor película extranjera

Nuestro Padrino - Por Jackie O.

"Si traiciono a la Cosa Nostra, que mi carne arda como esta imagen sagrada".


Sinopsis: Documental sobre Tommaso Buscetta, uno de los mafiosos más importantes de Italia que se puso en contra de la Cosa Nostra. Buscetta ayudó a condenar a 400 mafiosos y se convirtió en uno de los hombres más buscados por la mafia, hasta el punto de que 11 miembros de su familia fueron asesinados.

(La Cosa Nostra es una expresión utilizada para indicar una organización criminal del tipo mafia-terrorista presente en Italia, especialmente en Sicilia y en muchas partes del mundo)


Un trabajo que nos cuenta cómo un sujeto que a los 12 años ingresó a la mafia se transformó en alguien importante.

Conocemos parte de la vida de Tomasso Buscetta, un jefe de la mafia de la Cosa Nostra que viola la Omerta, el código de conducta de la mafia, convirtiéndose en el hombre más buscado de la mafia en el mundo.

Todo esto lo vamos conociendo en base a entrevistas a una de sus esposas e hijos. También veremos fotografías y videos de archivos, algunos de corte familiar y otros de muertes.

Buscetta, al testificar contra la mafia en su oportunidad, no solo se condenó él, sino que a toda su familia, sea cercana o lejana. Un documental que describe lo que una familia vive cuando "se traiciona", lo que tiene que pasar no solo él sino junto a su familia, para garantizar su seguridad, llevando una vida en secreto durante décadas.

Mientras fue detenido, encubierto y testificando, perdió a 11 miembros de su familia y algunos amigos que fueron asesinados por la mafia, ya que estos no perdonan. Tanto es así, que algunos de sus parientes cercanos deberán seguir viviendo en el anonimato por mucho más.

Alguien una vez escribió: "Fue el testigo más importante, protegido y en peligro de extinción en la historia criminal de Estados Unidos" .

Buen documental de la historia de Buscetta, con acceso exclusivo a su familia, la cual está rompiendo su silencio después de 30 años en la clandestinidad. Buenas fotos y videos de archivos. Todo esto hace más cercana su historia.

Disponible en Netflix hasta el 10 de Septiembre de 2021

Ficha técnica

Título original: Our Godfather
Año: 2019
Duración: 93 minutos
País: Reino Unido
Dirección y guion: Mark Franchetti, Andrew Meier
Música: Simon Elms y Colin Smith
Fotografía: Lars Skree
Género: Documental, Mafia

30/8/21

Otra ronda - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 


Tener un porcentaje de alcohol en sangre de 0.05 compensaría un déficit de nacimiento y nos haría más creativos y relajados. Esta teoría, adjudicada al psiquiatra Finn Skårderud -no comprobada y rechazada por el mismo Skårderud-, es la base de la historia que presenta esta cinta danesa dirigida por Thomas Vinterberg, ganadora del Premio Óscar 2021 a Mejor Película Internacional.

Cuatro amigos, cuatro profesores de un colegio en Copenhague, Martin -Mads Mikkelsen-, Tommy -Thomas Bo Larsen-, Peter -Lars Ranthe -, y Nikolaj -Magnus Millang-, tienen vidas aburridas y se encuentran decepcionados. Sus motivaciones han desaparecido bruscamente y enfrentan crisis de diversa naturaleza: familiares, laborales, íntimas, sociales, y también producto de su edad. Llevan años así, pero el cumpleaños número 40 de Nikolaj les lleva a tomar conciencia de lo que enfrentan como asimismo de las pocas opciones de salida que poseen.

Entonces surge algo revelador y la teoría pasa a ser una práctica. Como grupo se proponen llevar a cabo el experimento: tomar alcohol para equilibrarse, observar las reacciones y documentar el proceso como si de un ensayo psicológico se tratara. El comienzo resulta alentador, porque con una ingesta moderada aunque permanente, parece que sus vidas recobran ese impulso perdido pues observan notorios progresos. En las clases con sus desmotivados alumnos, en sus casas con sus familias y en sus relaciones más cercanas, parece que todo mejora en proporción y los resultados se ven prometedores. A raíz de las pruebas, deciden aumentar la dosis y ver qué sucede, excediendo incluso los límites auto fijados, lo que desencadena una serie de hechos no previstos con infortunadas consecuencias.

Inspirada en una obra de teatro que Thomas Vinterberg había escrito mientras trabajaba en Burgtheater (Viena), “Druk” originalmente se definía como “una celebración del alcohol basada en la tesis de que la historia mundial habría sido diferente sin el alcohol”. Sin embargo, la trágica muerte de Ida, su hija, cambiaría el propósito: “No debería tratarse solo de beber. Se trataría de despertar a la vida”. Con estos antecedentes, a primera vista pareciera una apología del alcohol, sin embargo sus múltiples capas van bastante más allá. Veamos.

La cinta resulta espléndida desde variados puntos de vista y vale la pena mencionarlos. El primero, y que sin duda es el más visible, comprende las excelentes actuaciones protagónicas del grupo de amigos sobresaliendo el papel que consigue Mads Mikkelsen con su excepcional interpretación. En segundo término, la forma de capturar la escena que desarrolla el director Thomas Vinterberg resulta sorprendente. Sus planos y encuadres son particulares, están ejecutados con extrema dificultad en muchos casos, en espacios muy reducidos, entregando primeros planos que ofrecen una perspectiva íntima que sensibiliza y conmueve. Los rostros son captados muy en detalle, ofrecen pequeños movimientos en la cara, sutilezas en ojos y labios, miradas profundas y penetrantes, llenas de múltiples emociones en cada una de las escenas y secuencias.

El arte de la dirección que entrega Vinterberg, y las notables configuraciones de todos sus personajes, dotan al metraje de un sentido de realidad único, donde los protagonistas no parecen actores sino sujetos de la vida real captados en la intimidad de su actuar cotidiano. Por ello resulta excepcional el rol de Mikkelsen, porque lo que expresa es natural, profundo, sin estridencia, con una carga emocional que impacta con el solo hecho de observarlo en escena. Pocas veces resulta tan vital una actuación que, además, se encuentra al servicio de la historia y en perfecta concordancia con quienes le acompañan y apoyan.

Las capas más profundas de la cinta están más ligadas al aspecto interno de la personalidad de cada uno de los cuatro amigos. Sin tener que declarar todo en forma explícita, cada personaje expresa características esenciales y podemos perfectamente saber qué le sucede íntimamente, sus conflictos, sus sueños, sus aspiraciones, sus desesperanzas y desalientos. La película habla de la tolerancia a la frustración y a la forma de abordarla y/o enfrentarla. ¿El alcohol es una excusa, o una solución plausible? ¿O bien se transforma en un escape para evadir la realidad, borrar lo que les sucede, una manera de embriagar los problemas?

Otra capa es la relacionada con el así llamado “despertar”. Hay algo en el alcohol que tiene un efecto deshinibidor, que permite que algunas personas puedan superar ciertas barreras, especialmente de personalidad y en encuentros sociales. La cinta lo presenta tal cual, pero no esconde que se trata de una droga que además afecta variadas funciones básicas y motrices, y que incluso provoca muchos más problemas que beneficios. Así y todo el experimento pareciera funcionar, pareciera ir bien, pero el problema es cuando se rompe ese teórico equilibrio, lo que indudablemente genera que la balanza se incline hacia los efectos negativos que, en muchos casos, no tienen vuelta atrás.

Desde un punto medular, la película resulta desoladora. La angustia interior de los protagonistas y en especial la que muestra Martin es agobiante. ¿Medicamentos o tratamientos? Tal vez, con un diagnóstico oportuno y certero, pero ante tales carencias, el uso de una droga -en este caso el alcohol- podría a simple vista parecer la solución ideal para superar cualquier obstáculo y recuperar aquella añorada normalidad. No obstante, pensar así puede ser solo un espejismo, recubierto de tantas bondades que no permite visualizar el fondo del problema, al punto de encapsularlo para evitar enfrentarlo de una forma correcta.

Me gustó mucho esta película. Podría seguir analizando lo que me produjo y las muchas aristas que se revelan en ella, pero es mejor dejar espacio para que cada uno la descubra. Cintas como esta se expanden en nuestro interior, nos tocan según nuestras propias historias y además se completan de acuerdo a nuestras experiencias y vivencias. “Druk” es un brillante ejemplo, con actuaciones de primer nivel y una cinematografía envolvente que nos impide permanecer indiferentes. Una película imprescindible. ¡Muy buena!

Ficha técnica

Título original: Druk
Año: 2020
Duración: 116 minutos
País: Dinamarca
Productora: Coproducción Dinamarca-Suecia-Países Bajos (Holanda); Zentropa Productions, Topkapi Films, Film I Väst, Zentropa International Sweden, Det Danske Filminstitut, Eurimages, Svenska Filminstitutet, Netherlands Film Production Incentive
Género: Drama | Alcoholismo. Amistad. Colegios & Universidad
Guion: Tobias Lindholm, Thomas Vinterberg
Fotografía: Sturla Brandth Grøvlen
Reparto: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang, Lars Ranthe, Susse Wold, Maria Bonnevie, Dorte Højsted, Helene Reingaard Neumann, Martin Greis, Magnus Sjørup, Mercedes Claro Schelin, Frederik Winther Rasmussen, Silas Cornelius Van, Albert Rudbeck Lindhardt, Aksel Vedsegaard, Aya Grann
Dirección: Thomas Vinterberg

Cobra Kai - Por Jackie O.

"Encera, mano derecha. Pule, mano izquierda. Inhala por la nariz, exhala por la boca. Encera, pule". 


Karate Kid es un clásico del cine, una película de los ochenta que tuvo sus continuaciones o remakes, no tan exitosos.

Al enterarse el mundo cinéfilo que habría una serie, no se sabía qué esperar, ya que los fallidos intentos de sus otras pelí­culas no fueron algo bueno. Pero, ¿con qué nos encontramos?

Ralph Macchio y William Zabka vuelven, esos adolescentes y enemigos de combate de hace 34 años. Esta serie sigue la vida de estos dos hombres, que enfrentan sus demonios del pasado y resuelven las frustraciones del presente de la única manera en que saben hacerlo: a través del karate.

La primera temporada fue interesante pues me encontré con jóvenes promesas de la actuación llevando la temática conocida: el joven al cual molestan (Miguel) y que se enamora de la chica del matón (Amanda), necesita y recibe, luego de varias solicitudes insistentes, de su vecino amargado y de mala racha, Johnny Lawrence, la ayuda y confianza en sí mismo. Por otro, lado tenemos a Daniel LaRusso, un exitoso vendedor de autos, con una vida soñada, el que después de diversas peripecias conoce a un joven solitario y de malos hábitos llamado Robby Keene, y comienza a entrenarlo.

Johnny, al ver los buenos resultados con su alumno y que podrí­a tener más, abre su "dojo" al cual nombra como Cobra Kai, ese antiguo nombre, de ese antiguo lugar, donde fue transformado.

Cuando Johnny y Daniel se enteran de la relación de sus alumnos, se genera un caos, compitiendo en un torneo, como era de esperar. 

Cuando termina esta temporada, me generó una sensación negativa, pues me encantaba el entrenamiento, la disciplina que tiene todo deporte, y las buenas enseñanzas que puedes adquirir. Pero cuando se transforma en un cambio psicológico negativo, fue lo fatal del final. Jóvenes que terminan llenos de odio, porque no fueron bien guiados.

¿Dónde estan los padres cuando ven que sus hijos están con comportamientos extraños, en este caso agresivos y muy violentos?

En la segunda temporada nos encontramos con ese final terrible que tuvimos en la primera temporada que no solo fue el cambio de estos adolescentes, sino que aparece una figura fatal. El peor antagonista de la serie.

Así pasamos segunda y tercera temporada con altos y bajos, peleas van y peleas vienen, con personajes nuevos que se van sumando, y donde la mayorí­a de los jovenes aportan un aire fresco que nos mantiene atentos.

La participación de Ralph Macchio y William Zabka, es lo principal y esencial en esta serie, y lo hacen muy bien, los humaniza, donde se dan cuenta de que ninguno es malo o bueno, y que tienen mucho en común.

Las tragedias en estas tres temporadas no están exentas de asombrarnos, de empatizar con los integrantes de esta trama, con su dosis justa de nostalgia. Sí, tiene algunas tramas algo flojas, pero son las mínimas.

Recomendada, y no necesariamente debe gustarte el karate, pues trata muchos temas interesantes como: el abuso psicológico a los jóvenes que te sigue hasta adulto y cómo debes o puedes afrontarlo, el rencor, la superación y no superación, el abandono de los padres con sus hijos principalmente, las oportunidades, el amor, el desamor, la maldad, el honor, la unión, el deporte que hace bien, y el perdón.

Muy acertado que hayan mantenido a los personajes principales de los ochenta. Ambos tienen mucha química, donde los momentos de ira, dramatismo y de humor, sí­, esto último es muy recurrente, son acertadísimos. Buenas coreografías en su mayoría y gran banda sonora.

La cuarta temporada se dice que se estrenará en diciembre de 2021. Y fue renovada para una quinta temporada, y confieso que no sé en que podrán seguir alargando esta serie. Me asusta un poco que decaiga en esa quinta temporada que se viene. Es más, la segunda y tercera temporada, se pudo haber fusionado, y poner fin en esta temporada. Esperemos ver que pasa, y que siga manteniendo nuestra atención.

Actualmente cuenta con 4 nominaciones a los premios Emmy 2021: "Mejor Serie de Comedia", "Mejor Interpretación de Acrobacias", "Mejor Edición de Sonido" y "Mejor Mezcla de Sonido".

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Género: Acción, Artes marciales, Comedia dramática.
Creado por: Jon Hurwitz, Hayden Schlossberg y Josh Heald.
Protagonistas: Ralph Macchio, William Zabka, Courtney Henggeler, Xolo Maridueña, Tanner Buchanan, Mary Mouser, Martin Kove
Temporadas: 3 Episodios: 30
Cada capí­tulo de 25 min. aprox.
E.E.U.U.

29/8/21

Lazos de Familia - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cinemark.cl


Drama inglés de una familia obrera, narrado con oficio e intimidad.

Las temáticas familiares y proletarias son recurrentes en los filmes de Ken Loach. Ya nos impactó con su Yo, Daniel Blake, en 2016. Ahora, con este filme supera su poder de empatía.

Nos introduce en el hogar de Ricky, su esposa Abby, y sus dos hijos, Seb adolescente díscolo y rebelde, y la pequeña Lizzy de 11 años quien, llena de candor, sólo puede observar la angustia de su familia.

Ricky, tratando de mejorar la situación económica, se matricula con su furgón en una empresa de repartos a domicilio. Abby, también tratando de contribuir a las finanzas, atiende y asea a gente anciana y senil.

El Jefe de Ricky se enorgullece del alto nivel de calidad de su empresa. Para mantener el prestigio presiona a sus choferes a trabajar 14 horas diarias, sin aceptar disculpas por muy apremiantes que ellas sean.

Con tal intensidad de trabajo, y fatiga, esos padres tienen poco tiempo para atender a las necesidades cotidianas de sus hijos. El adolescente prefiere graffitear con amigos y faltar al colegio. La chiquita debe asumir labores de dueña de casa mientras su madre está ausente.

Si bien hay cariño, la presión por subsistir y pagar deudas les va horadando el equilibrio emocional a todos. Llegará un momento de crisis que pondrá en peligro incluso la estructura de ese hogar.

Sin duda, hay una denuncia social contra un aberrante capitalismo que, bajo la apariencia de libertad de mercado, puede ser tan nefasto para la salud mental de los pueblos como la opresión del autoritarismo estatal marxista.

Sin ser panfletarios, los realizadores Loach y Laverty dejan clara su postura exponiendo el dolor inevitable de sus sencillos e indefensos personajes.

La narrativa es lineal, fácil de seguir, y sus actores son tan naturales que parecen estar improvisando. Nos evocan el neorrealismo italiano del siglo pasado. Así es la autenticidad de sus intérpretes, tanto profesionales como de ocasión.

Es un clamor para los que nunca son escuchados. Un testimonio de poca esperanza para surgir. El único consuelo es mantenerse unidos como familia y cuidar sus lazos de amor. Cosas tan básicas que, como en este relato, también se ven amenazadas.

Final abierto y nihilista.

EMPÁTICO DRAMA DE UNA FAMILIA OBRERA, VÍCTIMA DE UN SISTEMA SOCIO-ECONÓMICO APLASTANTE. MUY BUENA REALIZACIÓN.

Ficha técnica

Título Original: Sorry We Missed You
2019 Drama laboral y familiar Inglaterra, Francia, Bélgica - 1,41 hrs. 
Fotografía: Robbie Ryan 
Edición: Jonathan Morris 
Música: George Fenton Diseño Prod.: Fergus Clegg Guionista: Paul Laverty Actores: Kris Hitchen, Debbie Honeywood, Rys Stone 
Director: Ken Loach

Hamilton - Por Jackie O.

"Una historia que se debe contar". 

Alexander Hamilton tal vez para nosotros sea un nombre muy lejano, pero no para los norteamericanos. Brevemente y a grandes rasgos, algo de historia: Alexander nació en Isla Nieves, actual San Cristóbal y Nieves del Caribe, un 11.01.1757, un huérfano criado por un primo, fue creciendo con grandes aspiraciones llegando a EEUU a buscar fama y fortuna. Y con nada en sus bolsillos, solo una admirable inteligencia, le fueron patrocinados sus estudios lo que le abrió muchas puertas, hasta que se transformó en un economista, estadista, político, escritor, abogado, y el primer secretario del Tesoro de los Estados Unidos, en el gobierno de George Washington. Fue uno de los padres fundadores de los EEUU, así como un influyente intérprete y promotor de la Constitución. 

Pero, ¿a qué se debe tanta fama de este nombre en la actualidad? 

"Hamilton" una pelí­cula musical estadounidense que consiste en una grabación en vivo del musical de Broadway del 2015, inspirado en la biografía del año 2004, "Alexander Hamilton" de Ron Chernow. El estreno de Hamilton era el 15 de octubre de 2021; sin embargo, debido a la pandemia de COVID-19, la pelí­cula se estrenó en formato digital en Disney+, el 3 de julio de 2020. 

Ahora revisemos su estética: Nos encontraremos con agradable música, los protagonistas nos muestran su calidad vocal impresionante, donde la respiración es crucial, ya que acá no estamos ante un "¡corten!" cada 5 minutos; esto es dinámico. El baile, toda su coreografía, cuenta con destacados bailarines, su gran diseño de producción es notable, ya que es solo un espacio, donde el escenario se mueve vertiginosamente, para cambiar lugar, años y situaciones. 
El vestuario, peluquería y maquillajes, bellísimos. Sus "tonadas", guion, van entrelazando los hechos que pudieron haber tenido lugar en esa época -finales de 1700 y comienzos del 1800-, la que fue conocida como "Revolución y la nueva nación". Diálogos con diferentes ritmos musicales, va del románticismo hasta vernos moviendo nuestra cabeza ante una disputa en rap. Combinan canto, diálogos bien definidos, y algún movimiento (se deja presente que los protagonistas no efectúan bailes tan coreográficos), pero aún así deben efectuar algún desplazamiento. Todas esas técnicas son difíciles, ya que la precisión, coordinación y respiración es fundamental. Las interpretaciones son muy cercanas, el dramatismo impuesto e incluso los toques de humor, hacen inmiscuirnos aún más en la trama, con un público muy colaborativo. 

Hamilton, interpretado por Lin-Manuel Miranda (Mary Poppins-Returns), lo efectúa con mucha fuerza. Phillipa Soo (Moana) como Eliza, la esposa, interpretada con gran sensibilidad, y nos dio a conocer otra mujer que hizo grandes actos en su viudez. Jonathan Groff (Glee, Frozeen 1 y 2), como el Rey Jorge III, con mucha gracia; notable. Leslie Odom Jr. (One Night in Miami), como un carismático antagonista, y todo el resto, componen una gran trama musical. 

Reconozco que las películas musicales no son mis favoritas pues me provoca cierta incomodidad escuchar conversar a los partícipes para luego interrumpirlo en un canto. Acá es diferente, es netamente un musical, solo hay un par de conversaciones que pueden dar la impresión de que no cantan, y son solo unos segundos, pero si ponemos atención tiene un leve toque musical que no lo pierde.

Este musical se divide en dos partes de una hora aproximadamente. Entre medio hay una pausa que es para darle al elenco un breve descanso, situación que solo se ve para nosotros como un minuto, por lo que son temáticas diferentes a una película musical propiatamente tal. Es una interesante propuesta para ver por su prolija presentanción, y escuchar-leer- sus dialogos que son muy interesantes. 

Mantiene varias nominaciones a los Emmy, encontrándose dos nominados a mejor actor principal, tres a actor de reparto y dos nominaciones a mejor actriz de reparto. A eso le agregamos mejor Dirección, Sonido, Dirección Técnica, y más. 

Fue nominado a los Globos de Oro, y se hizo acreedor del premio Critics' Choice Award en la categoría Mejor Película hecha para televisión el 2021, más otros premios. 

Disponible en Disney +.

Ficha técnica 

Dirección: Thomas Kail 
Basada en Alexander Hamilton de Ron Chernow 
Año: 2020
Duración 2 h. 30 aprox.
Música: Lin-Manuel Miranda 
Fotografía Declan Quinn 
Protagonistas: Lin-Manuel Miranda, Daveed Diggs, Renee Elise Goldsberry, Leslie Odom Jr., Phillipa Soo, Christopher Jackson, Jonathan Groff, Jasmine Cephas Jones, otros.

27/8/21

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 27 de agosto 2021

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Carlos Correa en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

Espiral: El juego del miedo continúa - Por Jackie O.

“El juego de nunca acabar, pero ya quieres que acabe”.


Cuando uno escucha, o por lo menos yo, JIGSAW, a mi mente se viene principalmente la voz de John Kramer (Tobin Bell) quien le dio la vida a este personaje. Así es, para quienes creen que están ante algo nuevo, les digo que no.

Brevemente su historia: esta película viene ya de una saga. La primera película “Saw” fue estrenada en 2004; “Saw II” (2005), “Saw III” (2006), “Saw IV” (2007), “Saw V” (2008), “Saw VI” (2009) y “Saw VII” 3D (2010), “Jigsaw” (2017) y ahora “Spiral” (2021); cada una se ha estrenado en vísperas de Halloween (con excepción de la última). 

John Kramer, más conocido como Jigsaw o Puzzle, tiene dentro de sus principales características los "juegos" que utiliza para justificar sus acciones, que, por un hecho puntual en su vida, ataca a determinadas personas, y las obliga a ponerse a prueba, y a tomar la "oportunidad" de salvarse y redimirse flagelándose o mutilándose… en fin, son películas ultra sangrientas y por ende muy violentas, pero tienen un sentido. 

Pero qué nos traen ahora, ya que los seguidores de SAW saben la dinámica de la saga. En esta película tenemos al agente Banks (Chris Rock), a quien le imponen un nuevo compañero, para que investigue una serie de asesinatos a policías usando el método de “John Kramer”, y eso los tiene descolocados.

La película cumple en su inicio con su estilo en escenas retorcidas e impactantes, que harán que cubras tus ojos en algún momento, por lo que en maquillaje estuvo muy bien. Pero a medida que avanza la trama, va decayendo.

En cuanto a las actuaciones, Chris Rock como el protagonista, lo encontré muy deficiente en su rol. De tanto actuar en comedias o dar su voz en películas animadas, es difícil tomarlo en serio en otro género, más cuando él mismo no se toma en serio la trama. No convenció para nada su actuación. Ni siquiera el antagonista, que se notaba muy lejos de su rol. La capitana muy poco creíble; los otros policías de adorno, en fin… lo único que salvó el momento, fueron los escasos minutos de participación de Samuel L. Jackson.

No existe tensión en su desarrollo, no hay suspenso cuando en esta temática sí debe estar. Incluso esa sensación claustrofóbica que había, acá se pierde.

Además, haber cambiado al perturbador “Billy” por el cerdo, mal.

Sí te genera asquerosidad por un par de escenas muy gráficas, y eso es parte de la saga y que todo fan principalmente espera, pero igual faltó el desarrollo en sí.

Película para personas que le gusta ver salpicar sangre y desconozcan esta saga. Y para quienes les gusta la violencia en general. Es solo para pasar el rato.

Disponible en Cine On Line www.cinemark.cl 

Ficha técnica

@bfdistribution
Dirección: Darren Lynn Bousman
Guion: Josh Stolberg y Peter Goldfinger
Historia: Chris Rock
Basada en Saw (franquicia)
País: EEUU 
Año: 2021
Género: Terror, Gore, Thriller, Suspenso
Duración: 93 minutos
Reparto:
Chris Rock, Zeke Banks.
Samuel L. Jackson, Marcus Banks.
Max Minghella, Detective William Schenk/Emmerson.​
Marisol Nichols ,Capitana Angie Garza2
Dan Petronijevic, Detective Marv "Boz" Bozwick
Richard Zappieri, Detective Fitch
Patrick McManus, "Pete" Dunleavy

Free Guy - Por Carlos Correa

Disponible en Cines.


La trama es más o menos esta: Guy -Ryan Reynolds-, se desempeña como cajero de un banco, es un hombre sencillo, ameno, y no tiene grandes preocupaciones. Su rutina es la misma todo el tiempo. En realidad, Guy vive los mismos días todos los días y básicamente no tiene problemas con ello, sin embargo, cuando por primera vez ve pasar por la calle a Molotov Girl, quien tararea una canción que le hace estar seguro que corresponde a la chica de sus sueños, desde ese momento, Guy se inquieta, prueba otras rutinas, hace cambios a su vida y empieza a descubrir que Free City no es la ciudad que él pensaba y que su rol en ella es muy diferente al que creía tener. 

Con guion de Matt Lieberman y Zak Penn, “Free Guy” presenta un desarrollo en varias dimensiones. Conocemos de antemano que el protagonista forma parte de un videojuego. También sabemos que Guy es un NPC, es decir un personaje “no jugable” dentro del mencionado escenario virtual. Aun así, faltan elementos, por lo que el viaje que emprenderemos nos permitirá descubrir otros planos donde se desarrollarán las acciones. 

A modo de compartir algunos detalles adicionales, es importante mencionar que Free City es un juego virtual desarrollado por “Soonami Games”, empresa informática liderada por Antwan -Taika Waititi-, quien no ha sido honesto por apropiarse de un código original escrito por Walter "Keys" McKey -Joe Keery- y Millie Rusk -Jodie Comer-, dos jóvenes programadores que continuan buscando evidencia para demostrar el robo. Walter aun trabaja en la empresa y Millie usa su avatar de Molotov Girl para recorrer el interior del juego. 

Con estos dos planos diferenciados, el real y el virtual, emergen otros más producto del cruce de espacios y tiempos, y son los que aportan originalidad a la historia. Guy tiene un amigo del alma, Buddy -Lil Rel Howery-, que es su cable a tierra o tal vez un ancla a la realidad cotidiana de Free City, pero Guy no se siente para nada atado. Es más, se atreve a cambiar rutinas cuando descubre unos lentes especiales y se propone como objetivo principal acercarse a su chica soñada. Por otro lado, Millie pasea con su avatar para descubrir las pistas ocultas del código fuente, ignorando a este NPC, a pesar de encontrarse varias veces con él al interior del juego. ¿Qué los podría unir? ¿Qué haría que un personaje virtual provocara cambios en uno real? 0, ¿qué haría que un personaje virtual cobrara vida propia y quisiera ir más allá de su rol? 

“Free Guy” es entretenida. Es un producto fresco y agradable, con un diseño moderno y con una filmación que cubre muy bien los elementos del videojuego y también de la realidad que observamos detrás. La dirección de Shawn Levy es dinámica, las tomas son fluidas y los complementos resultan apropiados para sumergirnos en una irrealidad que por momentos parece el reflejo de algo conocido. La superposición de escenarios y los guiños funcionan bien. Las sátiras y sarcasmos también aciertan. Son todos elementos que desnudan situaciones que pueden resultar evidentes, pero que se esconden y camuflan cuando se confunde la realidad con la ficción. 

Esta cinta no solo entrega un grato entretenimiento sino que además encierra valores universales. El amor, el cariño, la amistad, la solidaridad, el apoyo del grupo, la búsqueda de la verdad y el reconocimiento de los derechos individuales están presentes, como asimismo la caricatura de un villano sin escrúpulos a quien solo le sirve el poder y el dinero. Además, la película marca un punto respecto a la problemática actual del derecho de autor en el mundo virtual. Aunque todas sean exageraciones en tono de comedia y ciertamente con el fin de entretener, resulta gratificante observar un título así, con mucha acción y aventuras, efectivo, bien desarrollado, y con un claro mensaje positivo. 

Ficha técnica 

Título original: Free Guy 
Año: 2021 
Duración: 115 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Berlanti Productions, 20th Century Studios, 21 Laps Entertainment, Lit Entertainment Group, Maximum Effort. Distribuidora: 20th Century Studios 
Género: Fantástico. Comedia. Acción. Aventuras | Videojuego 
Guion: Matt Lieberman, Zak Penn 
Música: Christophe Beck 
Fotografía: George Richmond 
Reparto: Ryan Reynolds, Jodie Comer, Joe Keery, Lil Rel Howery, Taika Waititi, Utkarsh Ambudkar, Britne Oldford, Camille Kostek, Jamaal Burcher, Bob Gilliam, Matty Cardarople, Owen Burke, Leah Procito 
Dirección: Shawn Levy

26/8/21

Reminiscencia - Por Carlos Correa

Disponible en Cines.

¿El pasado nos acecha o nosotros acechamos el pasado? Esta pregunta ronda permanentemente la trama de esta película escrita y dirigida por Lisa Joy y que narra la historia de Nick Bannister -Hugh Jackman-, un investigador que permite a las personas explorar el interior de sus recuerdos. A través de una máquina especial, el tanque, y con la colaboración de su socia Emily "Watts" Sanders -Thandiwe Newton-, quienes acuden en busca de su ayuda pueden revivir su pasado y buscar detalles específicos como si los estuvieran presenciando por primera vez.

La vida en Miami ha cambiado por completo. Las mareas han subido y la ciudad permanece prácticamente inundada, lo que sumado a las altas temperaturas durante el día, provoca que la vida ordinaria se desarrolle por las noches. La rutina, eso sí, se mantiene, y el negocio de Nick parece tener continuidad asegurada pues también colabora con la policía en el esclarecimiento de complejos casos criminales.

Todo cambia un día que aparece una nueva cliente, sin cita alguna, buscando algo tan especifico como el recordar dónde ha dejado sus llaves. Se trata de Mae -Rebecca Ferguson-, quien de inmediato provoca que Nick se fije en ella con especial atención. Ambos se sienten atraídos y comienzan una relación amorosa que termina abruptamente cuando, sin razón aparente, Mae desaparece sin dejar rastro.

Con una premisa más que interesante, esta cinta se desarrolla en el mundo de los recuerdos, lo que naturalmente provoca saltos temporales que descolocan. El guion juega con ese elemento para confundirnos y por momentos no sabemos si es presente o pasado lo que estamos presenciando. Otra arista que emerge con cierta claridad es la reiteración que el pasado ha sido una mejor época. Es más, se menciona que producto de la situación actual, las personas buscan refugio en sus recuerdos, en lo que vivieron, en lo que perdieron, en lo que añoran, algo asimilable a una nueva y profunda adicción.

La película se centra en Nick y en su obsesión por resolver el misterio de la desaparición de Mae. Pero eso no es todo, porque en el camino descubre una conspiración criminal, trapos sucios familiares, junto a varios problemas no resueltos, lo que provoca un sinnúmero de situaciones peligrosas con enfrentamientos cuerpo a cuerpo en los que Bannister pone a prueba su capacidad tanto física como mental.

“Reminiscencia” está bien compuesta y bien filmada. Aunque en ocasiones alarga algunas escenas y repite en exceso algunos conceptos, la cinta fluye hacia sus puntos de inflexión y no pierde el grado de tensión necesario para mantener el interés. Las piezas son lo cuadran al final, cuando las historias encuentran su curso, cuando algunos misterios se develan y el puzzle ya resuelto luce en esplendor. En ese momento surge tal vez una hipótesis más compleja y una pregunta acuciante: ¿Preferimos vivir en un pasado confortable, seguro y cuasi perfecto o nos arriesgamos a ir por un futuro por descubrir, desconocido y lleno de incertidumbre? La película solo expone el tema, nosotros debemos elaborar la respuesta.

Ficha técnica

Título original: Reminiscence
Año: 2021
Duración: 116 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Filmnation Entertainment, Kilter Films, Michael De Luca Productions. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Ciencia ficción. Thriller. Romance
Guion: Lisa Joy
Música: Ramin Djawadi
Fotografía: Paul Cameron
Reparto: Hugh Jackman, Rebecca Ferguson, Thandie Newton, Daniel Wu, Angela Sarafyan, Marina de Tavira, Cliff Curtis, Natalie Martinez, Teri Wyble, Sam Medina, Sue-Lynn Ansari, Mojean Aria, Demi Castro
Dirección: Lisa Joy

El Árbol de Peras Silvestres - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en ArcadiaFilms.cl

Una valiosa película turca. Cine-arte de buen nivel. Ideal para Festivales. Sin embargo, será decepcionante para los amantes de filmes de acción, humor o romance. Los motivos son:
Dura más de 3 horas. 2) Es muy lenta, y, 3) Tiene largos y sesudos diálogos sobre literatura, religión y conflictos familiares.

Quien se interese por abordarla hallará un guion inteligente, bellísimos paisajes, sinceras actuaciones, y un intercambio de ideas profundas que oscilan desde las tradiciones islámicas, pasando por dilemas literarios, conflictos familiares y fatalismo existencial.

Al igual que en las últimas películas de Jean-Luc Godard, este director turco - Nuri Bilge Ceylan - utiliza el cine como un medio para debatir sus visiones filosóficas, estéticas y sociales prescindiendo del éxito de taquilla que pudiera tener su obra. Y lo hace con buen oficio.

Sian es un muchacho provinciano que vuelve al hogar de sus padres después de egresar de sus estudios universitarios en la Universidad de Canakkale. Su máximo anhelo es publicar una novela.

En su terruño rebrotarán viejas reyertas de adolescencia, se reencontrará con una posible novia de antaño pronta a casarse sin amor con un lugareño - (hermosa y sutil escena con Hazar Ergüçlü) - el cuadro familiar con un padre jugador y endeudado, una madre resignada y una hermanita todavía escolar.

Nada cambia en las costumbres rurales. Y ello irrita a Sian llenándolo de impotencia. Al principio nadie quiere publicar su novela semi-biográfica: “es demasiado personal y poco turística” (¡!).Terminará editándola por su cuenta aunque nadie la compre.

En este afán estarán aquellos largos diálogos con potenciales financistas y amigos.

Los momentos más cálidos serán aquellos con su madre y, muy en especial con su padre (excelente Murat Cemcir). A lo largo del filme se irá consolidando una reconciliación entre ellos que parte con rencor y culmina con perdón y sacrificio.

Subyace la denuncia - y aceptación - de que por muchas ínfulas e ilusiones que traigan los jóvenes, tarde o temprano el peso de la tradición los doblega a seguir buscando “agua fresca” en pozos de tierras áridas.

PARA DISFRUTARLA CON PACIENCIA, MENTE ABIERTA Y BUENA VOLUNTAD. 

Ficha técnica  

Título Original: Ahlat Agaci
2018 Drama familiar y existencial Turquía - 3,08 hrs. 
Fotografía: Gökhan Tiryaki 
Diseño Prod.: Meral Aktan 
Guionistas: Akin Aksu, Ebru Ceylan, Nuri Bilge Ceylan 
Actores: Dogu Demirkol, Murat Cemcir, Hazar Ergüçlü, Bennu Yildirimlar 
Guionistas: Akin Aksu, Ebru Ceylan, Nuri Bilge Ceylan 
Edición y Director: Nuri Bilge Ceylan

25/8/21

Sweet Girl - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Un marido (Jason Momoa) destrozado jura asesinar a los responsables de la muerte de su mujer por no obtener un fármaco para el cáncer, a la vez que protege a la única familia que le queda, su hija (Isabela Merced).


Todo comienza bien pero es un filme que termina muy mal, con un guion archí conocido y nada nuevo. Seguramente habrá seguidores de este género de puñetazos con final de carreras casi sin razón: les gustará.

Fuera de lo anterior y después de no ofrecer nada, hay un atisbo que podría haber ayudado al relato, como son las inescrupulosas ganancias de las farmacéuticas, algo tan actual en pandemia, donde estas han aumentado sus utilidades en forma exorbitante. Esto la habría salvado, pero no profundiza, quedándose en la venganza personal que al final no conduce a nada que no sean persecuciones y golpes.

La actuación de Jason Momoa no logra salvar el relato, hasta él se ve tosco y poco convincente en su representación, sin contar que no es él quien logra el objetivo de castigar a los culpables. Por otra parte, Isabela Merced, esta actriz y cantante de origen peruano, está bien en su actuación, tiene un futuro prometedor en la pantalla grande.

Dicho lo anterior, no es más de que un filme que le falta establecer un ritmo que nunca logra, transformándose en algo tedioso. Por momentos parece de esas películas de bajo presupuesto y de tercera categoría.

¿Será para ser top en la plataforma que la produce, tal como promociona en su página web?

Si no quiere pensar en nada y perder el tiempo, véala.

Disponible en Netflix 

Ficha técnica

Título original: Sweet Girl 
Año: 2021 
Duración: 96 minutos
País: Estados Unidos 
Dirección: Brian Andrew Mendoza 
Guion: Philip Eisner, Gregg Hurwitz, Will Staples 
Música: Steven Pricarry Ackroyd 
Reparto: Jason Momoa, Isabela Merced, Manuel García-Rulfo, Adria Arjona, Raza Jaffrey, Justin Bartha, Lex Scott Davis, Michael Raymond-James, Dominic Fumusa, Nelson Franklin, Reggie Lee, Brian Howe, Dale Pavinski. 
Género: Acción, familia, venganza. 
Productora: ASAP Entertainment, Pride of Gypsies, On The Roam. 
Distribuidora: Netflix

24/8/21

Un Hombre Enamorado - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.


Melodrama romántico taiwanés. Difícil intento de un delincuente por rehabilitarse gracias al amor.

Si bien es un filme unitario, por su desarrollo y evolución de personajes, pareciera concebido, inicialmente, como una larga teleserie. De hecho, sus dos protagonistas - Roy Chiu y Wei-Ning Hsu - se han consagrado en muchas series previas de televisión.

Cheng (Roy Chiu) lidera una banda de jóvenes matones dedicados a extorsionar bajo amenaza a los pequeños comerciantes de su barrio. Es la oveja negra de su familia.

Wu (Wei-Ning Hsu) es una muchacha que trabaja como cajera en una tienda, y cuyo padre está agónico en un hospital. Es hija única y con su sueldo apenas puede financiar la enfermedad.

Cuando el díscolo y violento Cheng la conoce, se enamora e insiste en cortejarla sin descanso. Como ella lo evade, él costea los gastos clínicos y así logra atraer su atención, su gratitud, hasta llegar a conquistarla.

La pureza de Wu, y la sinceridad de su cariño, despiertan en Cheng el deseo de reformarse, abandonar su libertinaje, y emprender junto a ella una vida de trabajo decente.

Pero sus vínculos con el pasado delictual son demasiado difíciles de romper. Ello unido a un aneurisma cerebral producto de los golpes recibidos en sus años de matonaje.

Aunque el amor entre ellos es hermoso, las vindicaciones del pasado lo harán insostenible. En su afán de redención caerá preso 2 veces y su salud será cada vez más débil.

Como en toda tragedia romántica volverán a unirse, pero será la muerte quien los separe. Sin embargo, el destino premiará - de manera póstuma - la nobleza de ese amor y la renovación virtuosa de la imagen de ese joven delincuente que tanto luchó por salvarse.

El ambiente, las circunstancias familiares, y las historias paralelas de tantos personajes secundarios, darían cancha para una teleserie de muchos y emotivos capítulos.

UNA CLÁSICA TRAGEDIA DE AMOR IMPOSIBLE, BIEN CONTADA, E INTERPRETADA POR ACTORES CARISMÁTICOS. 

Ficha técnica  

Título Original: Dang Nan Ren Lian Ai Shi
2021 Drama, romance Taiwan - 1,55 hrs. 
Edición: Chun-Hung 
Guion: Chih-Chung Chien,Lyra Fu, Kab-yeol Yu (novela) 
Actores: Roy Chiu, Wei-Ning Hsu, Hsin-Ling Chung 
Directora: Chen-Hao Yin

22/8/21

El tranquilo Oso Teddy (SanficEduca. Sanfic17) - Por Jackie O.

"La importancia de las buenas amistades".


Teddy es un oso pequeño que solo quiere jugar y no le importan mucho las reglas del bosque. Un dia, cuando ayuda a una abeja, va a ganar una amistad que le va a cambiar la vida.

Nuestro Teddy no es muy tranquilo que digamos, es como todo niño, inquieto, alegre y aveces despreocupado.
Los otros animales del bosque no lo comprenden y muchos se burlan de él, pero también están los buenos.
Un día conoce a una abejita, quien no olvidará el acto noble que Teddy hace por ella.

Así pasa el tiempo y llega el crudo invierno, quedando Teddy solo en el bosque, y aunque hay una pequeña ayuda de otro animalito, sus pares lo dejan solo. Pero la abejita no olvidó ese acto bueno hacia ella, y lo ayuda.

Así pasan los años y se colaboran mutuamente, pues se estableció una bella amistad hasta el último día de sus vidas.

Los dibujos del bosque parecen oleos que se mezclan con la simpleza de los animales, insectos y aves del bosque, que visualmente se ve muy novedoso.

Un cortometraje que habla del compañerismo, también del abandono de tus pares, y que puedes encontrar la verdadera amistad en alguien diferente a ti.

Ficha técnica

Director y editor: Tomislav Gregl
Guionista: Ivo Balenovi
Director de Fotografía: Tomislav Gregl
País: Croacia
Cortometraje animado - familiar
Año: 2017
8 minutos

Stardust (Función Especial. Sanfic17) - Por Jackie O.

"¿Dónde está el Duque?" 


No estamos ante una película biográfica, ni siquiera creas que escucharás alguno de sus temas. Es algo muy ficcionado, de alguien que no conozco.

Dicen que es un biopic sobre los orígenes del icónico David Bowie, centrado en la primera gira que el cantante hizo por los EEUU. en 1971. Veamos.

A David le costó llegar a la cima, eso le pasa a muchos artistas. Pero esta cinta es solo lo que el director imaginó que pudo haber sucedido ese tiempo, tal vez, incluso creando un personaje que para mí es inexistente. Nunca vi a David Bowie en la pantalla. Solo vi a un sujeto sin pasión, que solo quería ser famoso, pero no aportaba nada al respecto. Un drogadicto que era tímido y que no sabía hilar una oración cuando lo entrevistaban o, por lo menos, decir algo coherente.

Una historia contada sin pasión, sin acercarnos a una leyenda, a un icono de la música. Una dirección conformista en lo simple, pareciera que, incluso, es sin conocimiento de quién estamos hablando.
En cuanto al maquillaje estuvo bueno, en peluquería muchos mantuvieron pelucas notorias y mal. El vestuario, acorde a la época. Buena ambientación.
Las actuaciones: Johnny Flynn a quién vimos muy hace poco en "Emma" y "The Dig", también es músico, por lo que lo escuchamos cantar en algunos momentos. Su interpretación se ajustó, tal vez, a lo que el director le pidió: interpretar a alguien sin pasión. Jena Malone, como la primera esposa de David, es fuego, es calidad interpretativa, aunque a la mismísima Angie Bowie no le haya gustado.

Al final de la película podremos disfrutar unos minutos del verdadero David, donde en forma inmediata sientes que no viste lo que debías. David era fuerza, su voz era transportadora.

Película que quedará dentro de una cinta más, para pasar el rato si quieres, incluso se podría decir que interesante por hablar de una leyenda, pero que no representan al artista que evoca.

Película que no fue autorizada por su familia, por lo que no escucharás canciones, como ya te señalé, de David, salvo al final.

Ficha técnica

2020 ‧ Drama/Música ‧ 1h 49m
Dirección. Gabriel Range
Producción. Paul Van Carter, Jena Malone y Matt Code
Música. Anne Nikitin
Fotografía. Nicholas D. Knowland
Reino Unido - Canadá
Protagonizada por Johnny Flynn, Jena Malone y Marc Maron en los roles principales.

Teo (Competencia Cortos Talento Nacional. Sanfic17) - Por Jackie O.

"La familia perfecta". 

Sinopsis: Una pareja acude a diseñar a su primer hijo a una clínica de edición genética, con la esperanza de que el niño consiga la vida exitosa y feliz que ellos no han podido tener.


En un presente, o futuro no tan lejano, pedir un hijo no será complicado si hay dinero suficiente para hacerlo a nuestra imagen y semejanza.
Y es lo que hace esta pareja; ella no quiere embarazarse y él acepta eso porque quieren la perfección que ellos no son, por lo que van a una clínica para hacer su hijo a pedido.
Pero no es tan a "la carta" este niño, sino que tendrá mucho porcentaje de cada padre. Y al revisar el porcentaje de genética que tendrá este niño, ahí comienza el problema. Recién se percatan de sus defectos como adultos. Y de su distancia como pareja.

¿Qué tan importante es conocerse como pareja?
¿Qué tan importante es amarse para tener una familia?
¿Qué tan importante es querer un hijo? 
 
Y acá me detengo. Hay personas que tienen problemas reproductivos, pero mucho amor, haciendo lo posible por quedar embarazados o, en otra instancia, adoptar.
Y están los sanos, sin problemas reproductivos, como esta pareja, que no quieren un hijo propiamente tal. Solo quieren una imagen para presumir a otros, un ser para seguir un legado imaginario. Alguien que sea mejor que ellos, de lo mediocres que son.

¿Qué significa ser familia?
¿Tienes miedo de lo que traen tus óvulos y espermas?
¿Amas a tu pareja, para dialogar y entenderse?

Ficha técnica


Teo (2021)
Cortometraje
18 minutos
Directores y guionistas: Eduardo Bunster y Belén Abarza
Elenco:
Elisa … Manuela Oyarzún
Manuel … Francisco Pérez-Bannen
Eugenio … Alonso Torres
Teo … Manuel Espinoza Carrasco

21/8/21

El Dragón y la Música (SanficEduca. Sanfic17) - Por Jackie O.

"Las notas correctas hacen de un mundo mejor". 

Un reino oprimido es liderado por un rey que solo le gustan las marchas militares, el que se libera gracias al poder de la música. 

Una pequeña que le encanta tocar flauta dentro del reino, sus melodí­as son cautivadoras y delicadas, y un dragón que le encanta escucharla. Pero el rey no soporta esa música y obliga a la niña a tocar marchas militares, cosa que la pequeña de malas ganas hace. Pero cuando el rey se va, ella cambia a esas hermosas melodías. Por otro lado, nuestro amigo el dragón no soporta las marchas, lo hacen sentir muy mal. 

Ante la insolencia de esta niña con el rey, de tocar música que a él no le gusta, la expulsa del reino. Así es que en soledad y con miedo en el bosque, se encuentra con nuestro amigo el dragón, y ambos, sin estar ella exenta de miedo, descubren una pasión en común. Aunque el rey los descubre y apresa, recibe su lección con un final feliz. 

Un corto mudo bien hecho, sus dibujos pueden parecer simples pero no, los colores pastel están bien dosificados. Con un guion simple pero efectivo sobre la tiraní­a y no entender, o escuchar, lo que el resto de la ciudadaní­a quiere cuando se trata de cosas bellas y delicadas. Un rey que debió aprender y escuchar.   

Ficha técnica

Guionista y directora: Musica: Thierry Epiney 
País: Suiza 
Duración: 7 minutos
Año: 2015
Cortometraje - Corto animado

Antonia: una Sinfonía - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.


“De Dirigent”, título original de esta película, narra la historia de Antonia Brico -Christanne de Bruijn-, una joven inmigrante nacida en Países Bajos que, en Estados Unidos a comienzos del Siglo XX, sueña con convertirse en directora de orquesta. 

La vida de Antonia es especial. Enamorada desde pequeña de la música, sus aspiraciones se ven limitadas solo por el hecho de ser mujer, al encontrarse con un entorno eminentemente masculino y absolutamente machista. No obstante aquellas grandes dificultades, la negativa de muchas personas y la ayuda de algunas otras, Antonia regresa a Europa para pedirle clases al reconocido director alemán Karl Muck -Richard Sammely-, para prepararse en un campo complejo, muy competitivo, lleno de envidias, de recelos y de infaltables zancadillas.

La película contiene muchas escenas musicales pero su línea principal se dedica a la descripción de la personalidad de Antonia. Es innegable que las piezas que acompañan el relato son particulares y también dicen mucho del proceso interno que vive la protagonista. Por ejemplo, el inicio con la Cuarta Sinfonía de Mahler, que Antonia conoce de memoria, interpretada en la década de 1920, configura un hecho significativo. Asimismo, la recién escrita “Rhapsody in Blue” de George Gershwin, impregna de un matiz de audacia y modernidad a la cinta al retratar el escenario musical de la época.

Es interesante observar que las Orquestas y Bandas que observamos sean reales. El cuidado de la escena, en dicho sentido, es prolijo, y en general las actuaciones de los protagonistas músicos, se condicen con las partituras que interpretan. Este tratamiento, que muchas veces se olvida o pasa a un segundo plano, es muy bien atendido por parte del diseño de producción y merece un reconocimiento especial.

Pero no solo de música o de sueños se trata esta cinta. Vemos también la difícil vida de Antonia con sus padres, sus ingentes esfuerzos por salir adelante, los incontables problemas con su profesor de piano, Mark Goldsmith -Seumas F. Sargent-, éticamente reprobable y moralmente indecente, su amistad musical con Robin -Scott Turner Schofield-, y su amor apasionado, y no exento de giros tortuosos, con Frank Thomsen -Benjamin Wainwright-.

Esta cinta se interna en los rasgos de una personalidad vital con una gran fuerza interior. El marcado tesón, insistencia y convicción que vemos en Antonia quedan de manifiesto en cada una de sus acciones y decisiones. Ella debe tomar un camino, hacer una elección, y no lo duda un segundo; es capaz de postergar su vida personal por la búsqueda y desarrollo de su carrera profesional.

Volviendo a la música, lo que Antonia dirige por primera vez frente a una orquesta es la Sinfonía “Del Nuevo Mundo”, de Antonin Dvorak, otro mensaje sobre el destino con el que sueña la protagonista. Amsterdam, en 1927 y posteriormente Berlín, resultan pasos decisivos en la preparación de Antonia, al conseguir notables éxitos antes de regresar a los Estados Unidos. De hecho, su debut -muy exitoso- con la Orquesta Filarmónica de Berlín a los 28 años constituye un hito destacado y meritorio.

La Sinfonía “Inconclusa”, de Franz Schubert, es otro mensaje musical respecto de la historia personal de la protagonista. ¿Prima la historia de amor con Frank, o su impulso profesional, o su ideal, o simplemente su destino? Tal vez la respuesta la tiene el “Salut d'Amour", Op. 12 de Edward Elgar, la pieza final que presenta esta película. La emoción va más allá de la razón, porque a pesar de algunos desarrollos temáticos extensos que abarcan muchos temas sin detenerse a profundizar ninguno, junto a ciertas lagunas narrativas, “Antonia, una Sinfonía” dirigida por Maria Peters -quien también firma el guion-, ofrece una historia real, una biografía diferente, un retrato repleto de arte, de música, de sentimientos y de sueños, que revive a Antonia Brico a través de un sentido homenaje que se visibiliza como testimonio y se transforma en un ejemplo a seguir.

Ficha técnica

Título original: De Dirigent
Año: 2018
Duración: 137 minutos
País: Países Bajos
Productora: Shooting Star Filmcompany BV, Umami Media
Género: Drama | Música
Guion: Maria Peters
Música: Quinten Schram, Bob Zimmerman
Fotografía: Rolf Dekens
Reparto: Christanne de Bruijn, Benjamin Wainwright, Scott Turner Schofield, Seumas F. Sargent, Annet Malherbe, Raymond Thiry, Gijs Scholten van Aschat, Richard Sammel, Sian Thomas, Tim Ahern, Sara Visser, James Sobol Kelly, Anja Antonowicz
Dirección: Maria Peters

Como Yo Quiera (Competencia Internacional. Sanfic17) - Por Jackie O.

"¡Ya basta!" 


Un accesorio, un objeto, un útero y a veces nada. Eso es la mujer para muchos hombres, y no solo ayer, también lo vemos hoy.

"La mujer salió de la costilla de Adán, porque fue la voluntad de Dios". Eso se lo escucharemos a hombres en este documental, es una especie de favor que Dios nos habría dado de nacer para ellos, en donde la función es obedecer y servirlos.
También seremos testigos de como sujetos asquerosos acosan.

Los derechos de las mujeres difieren en todo el mundo pero, al parecer, cuanto más religioso es el país, menos protecciones y libertades se otorgan a las mujeres.

Estamos en el Cairo, es 25 de enero de 2013, es el segundo aniversario de la Revolución bajo el entonces presidente M. Morsi, y Egipto está en crisis. Una enorme cantidad de agresiones sexuales contra mujeres se toman la plaza Tahrir. 
Y al saber de la violación pública de su mejor amiga y más de 50 mujeres más esa noche, la directora palestina Samaher Alqadi comienza a usar su cámara como un arma, un arma con este tipo de "terrorismo" el terrorismo sexual. 

La directora documenta el caos existente, de las manifestaciones organizadas en respuesta a las agresiones sexuales que tuvieron lugar en la Plaza Tahrir, pero también nos cuenta su propia odisea personal; está embarazada (de su marido, no fue agredida) pero le vienen enormes dudas y cuestionamientos porque tendrá una hija: ¿Quiero que viva lo mismo que todas las mujeres de su pueblo? ¿Cómo debo criarla? Muchas preguntas salen de su cabeza. Se cuestiona su rol como mujer, madre e hija, dentro de su familia y dentro de la sociedad musulmana.

El documental tiene una mezcla de técnicas, relatos en primera persona donde mujeres cuentan la historia de otras mujeres ya que no tenemos relatos directos de mujeres vejadas, y es entendible por vergüenza, dolor y temor. También -y comienza- con la directora, en una conversación imaginaria con su madre muerta.
Mezcla de videos caseros, imágenes de noticias, recreaciones y un estilo de realización de autorretratos íntimos a diferentes mujeres y hombres, donde captura brutalmente el impacto de la masculinidad tóxica y la misoginia existente.
Hay cámara estática y mucha en mano. Los colores van desde el blanco y negro, ocres y color.

Gran documental, potente, ruidoso, donde se clama ayuda, donde se necesita colaboración urgente.
Otro siglo y pareciera que el mundo sigue igual; avancemos en un bien común, y en el respeto al ser humano.

Ficha técnica

Título original: As I Want
País: Egipto, Palestina, Noruega, Francia, Alemania
Año: 2021
Género: Documental
Dirección y guión: Samaher Alqadi
Duración: 80 minutos
Fotografía: Samaher Alqadi, Karim El Hakim
Montaje: Gladys Joujou

Duro de Cuidar 2 - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cines.


El éxito de Duro de Cuidar (2017) los animó a filmar esta 2ª parte (2021). La falta de un argumento más prolijo perjudicó el resultado.

Aunque sea una comedia, la falta de una médula dramática más depurada y coherente atiborró esta secuela con exceso de persecuciones, matanzas y lenguaje coprolálico innecesario.

Con mejor presupuesto pudieron incorporar actores caros, trasladarnos a muchos países, y recurrir a más efectos especiales. De manera remota evocar las hazañas de James Bond. Pero quedó recargada por exceso de personajes que dispersan el conflicto, y secuencias de acción que pudieron concentrarse para obtener mayor suspenso.

Otro factor decisivo fue el tratamiento del humor. Los diálogos y giros cómicos - algunos bastante efectivos - se sienten sobrepuestos a la violencia del relato. Se nota un constante esfuerzo por recordarnos que es una caricatura cuando las imágenes están demostrando otra cosa.

El desafío de una buena sátira es lograr el equilibrio entre la sorna ingeniosa y la realidad del conflicto. Cosa que Woody Allen maneja con maestría. Como el humor está mal calibrado - y apela a la vulgaridad - los eventos se van acumulando gratuitos y perdiendo interés.

Hasta actores tan efectivos como Samuel L. Jackson, Antonio Banderas y Gary Oldman se ven forzados a parodiar en un guion poco sustentable. Y peor aún es cómo Selma Hayek debe motivar su personaje en base a sólo decir groserías.

En su afán de mantener nuestro interés introducen giros caprichosos. Incluso en medio de los créditos finales agregan una secuencia supuestamente chistosa.

SUPERPRODUCCIÓN DE INTRIGA INTERNACIONAL CUYO BURDO GUION PERJUDICA LO QUE PUDO SER UNA SÁTIRA GRACIOSA Y MORDAZ.

Ficha técnica


Título Original: Hitman's Wife's Bodyguard
Año: 2021 
Acción, comedia, crimen, suspenso EE.UU. - Inglaterra - 1,40 hrs 
Fotografía: Terry Stacey 
Edición: Michael J. Duthie, Jack Hutchings 
Música: Atli Örvarsson 
Diseño Prod.: Russell De Rozario 
Guionistas: Phillip Murphy, Brandon Murphy, Tom O¨Connor (creador de los personajes) 
Actores: Ryan Reynolds, Samuel L. Jackson, Selma Hayek 
Director: Patrick Hughes

20/8/21

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 20 de agosto 2021

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Alejandro Caro en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

19/8/21

Un Rescate de Huevitos - Por Jackie O.

"Entretención familiar." 


Huevocartoon nuevamente nos da un grato momento con historias de huevos y esta es su quinta película, donde al menos hemos visto alguna de ellas, o sus Sketches. ¿Cierto?
¡ Qué!, ¿no viste nada antes? Ve de inmediato a YouTube y busca alguna de sus películas o disfruta de sus Sketches: "Poeta Huevos", "Huevos Rancheros", "Huevo Filósofo", entre varios más. Y ya sabrás de que hablo.

En esta película volvemos a encontrar a varios amiguitos conocidos como Tocino, Toto, Confi, Coco, Torti, los Tlacuaches y otros, y bueno, también personajes nuevos para entretenernos.

Esta nueva aventura trata que nuestro gallito Toto y su señora la gallinita Di, tienen sus primeros huevitos y la emoción es máxima en la granja, pero también las preocupaciones de Toto como padre primeriso.
Pero una película no puede estar exenta de antagonistas, en este caso una banda de humanos ladrones de huevos liderados por la Duquesa, pero que no roban cualquier huevo, solo especiales y diferentes, y los hijos de Toto son de un color amarillo oro, que los hace especiales y codiciados por esta banda.

Y sucede lo inevitable: los huevitos dorados son robados y llevados a otro continente, por lo que Toto y Di, más algunos de sus amigos, irán al rescate. 

Al llegar a África, todos en el avión de los bandidos ya que alcanzaron a subirse, nuestros amiguitos se ven enfrentados a diversas aventuras, conociendo a otros animales que aportan a la historia de forma muy simpática. Y entre todos tendrán que salvar a los pequeñitos huevos, que serán subastados junto a otros huevos especiales en una mansión llena humanos.
El rescate no está exento de divertidas situaciones donde la unión y la valentía son los protagonistas.

Y aunque no es la mejor de todas las que ya se han estrenado de la Huevotton, es entretenida, llena de aventuras, mucho color, simpatía y te asegura un agradable momento familiar.

Y no olviden la pequeña escena post crédito.

Disponible en Cinemark online 

Ficha técnica

Dirección: Gabriel Riva Palacio Alatriste y Rodolfo Riva Palacio Alatriste
País: México
Año: 2021
Género: Comedia, dibujos animados
Guion: Rodolfo Riva Palacio Alatriste
Música: Zacarías M. de la Riva

Un Rescate de Huevitos - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cinemark.cl


Uno de los mejores largometrajes animados de los últimos tiempos. Entretiene, enternece y hace reír.

Mexicana. Guion convencional pero efectivo. El tratamiento VFX (efectos especiales) alcanza niveles de óptima tecnología. Personajes encantadores en una aventura que pudo ser compleja y que resultó clara y amena. Bellas y gratas canciones.

En la granja de una Abuelita todos los animales son amigos y se avienen entre sí. Los protagonistas son Toto, el gallo madrugador, y su tierna esposa gallina. Hay gran alegría cuando les nacen dos huevitos dorados, uno es macho y la otra hembra. Son tan hermosos que la Abuelita compite con ellos en la Feria y obtiene el Primer Premio.

La felicidad de la granja se rompe cuando aparece una malula Duquesa rusa, en un tráiler con orugas de tanque, que recorre el mundo coleccionando huevos exóticos para subastarlos en una exclusiva Convención de millonarios en un palacio de África.

Junto a sus fornidos secuaces se roban los huevitos de oro y emprenden vuelo desde México a la Convención.

Papá Toto y mamá gallina, desesperados, piden ayuda a los demás animales del cortijo. Y bajo la conducción subterránea de un Topo cegatón, parten todos al rescate de sus hijitos dorados.

Una vez en la selva deben asistir a un evento zoológico masivo llamado El Congo también tiene Talento. Luego de participar a la fuerza en él, guiados por el temeroso Rey León, las emprenden hacia el palacio de la Convención. Es un batallón con la más variada fauna - que incluye desde monos locos hasta hipopótamos - donde cada uno ejercerá su especial talento (a la manera del tradicional cuento Los 5 Músicos de Bremen).

Luego de innumerables peligros y percances intentarán volver a México, llevando - como último conflicto - de polizona en el avión a la malvada Duquesa.

La película entretendrá a grandes y chicos. Si bien a ratos asoma el humor escatológico, y algo picaresco, nada impide que los niños también la disfruten.

Lo interesante del argumento es que en la aventura participan - junto a los hermanitos dorados - muchos otros huevos, provenientes de diferentes reptiles que hallaron en el camino. Y lo que está en juego es que por ser todos frágiles, podrían quebrarse con tantas peripecias.

AMENA, GRACIOSA, TIERNA Y AMIGABLE. UNA REVELACIÓN DEL CINE ANIMADO MEXICANO. MUY GRATIFICANTE.

Ficha técnica

Animación aventuras
2021 México - 1,28 hrs. 
VFX: Alberto Juárez Melchor 
Edición: Daniela “Güera” Rodríguez 
Música: Zacarías de la Riva 
Diseño de Producción: Jean Fraise 
Guionistas: Eduardo M. Clorio, Iñaki Otero, Rodolfo Riva Palacio Alatriste 
Voces: Maite Perroni, Bruno Bichir, Jesús Ochoa 
Producida y Dirigida por Gabriel Riva Palacio Alatriste, Rodolfo Riva Palacio Alatriste

Un lugar llamado Dignidad (Competencia Internacional. Sanfic17) - Por Jackie O.

"Pius y Dios, iguales para algunos".


Sinopsis: Pablo es un niño de 12 años, que recibe una beca para asistir a la escuela misteriosa y aislada establecida por alemanes en Chile llamada Colonia Dignidad. Rápidamente se convierte en el favorito del líder de la colonia, el tío Paul. Con el tiempo, Pablo es testigo de las cosas más extrañas que suceden ahí: abusos, desaparecidos, criaturas parecidas a demonios que se utilizan para asustar a los niños. Pero en este mundo perverso, se está gestando una revolución y puede ser su única forma de salir.

Para los chilenos "Colonia Dignidad" (actualmente Villa Baviera, en Parral) no es tema ajeno, ya que hechos crudos sucedieron en dicho lugar. Un sector de colonos alemanes, fundado en Chile en 1961 y creado por el exmiembro de las Juventudes Hitlerianas Paul Schäfer, donde varios Gobiernos que tuvo Chile lo dejaron actuar, sin poner tanta atención de la realidad que ahí pasaba.

Esta película nos muestra esa parte dolorosa que eran los abusos sexuales a menores de edad, y daños emocionales a todos, sin importar edad y género.

La trama la podría dividir en tres partes. La primera que es "el ingreso" de este menor en este mundo que le dibujan a él y a su madre de algo bello y muy adecuado para su formación. Pablo, un chilenito muy simpático, que en un comienzo su actuación es algo deficiente pero a medida que avanza la trama mejora sustancialmente, nos muestra cómo es su entusiasta estadía en dicho lugar, de cómo hace su primer amigo y de no entender muchas cosas de suceden ahí, o que no conozcan hechos o cosas que existen, como por ejemplo un semáforo. Pero con su curiosidad y además de haber estado "afuera" necesita saber y conocer algunas cosas que le llaman la atención de dicho sitio, ya que muchos, grandes y chicos, no han salido de ese sector y viven en la completa ignorancia en todos los aspectos (véase la situación que vive una pareja al interior).

La segunda parte podría llamarla "Descubrimiento", donde Pablo ya detecta el tema del abuso, su actitud cambia, está más alerta y triste. También vemos el desarrollo que el PIUS, (Paul Schäfer) interpretado por Hanns Zischler, mantiene sobre el resto, donde existe ese temor extremo y reverencial hacia él, que lo asimilan a Dios, cuando se escuha en más de una oportunidad: "no debemos hablar, no debemos, mantengamos secretos, Dios y el Pius todo lo saben", así como algunas actividades que se realizan para atemorizar.

Y la parte final, el "Desenlace". Vemos como Pablo ya tiene más que claro que debe salir de ahí, viéndose enfrentado a muchos problemas, pero no está dispuesto a quedarse. Debe planear qué hace con su vida en un lugar donde los sistemas de seguridad son inviolables.

En cuanto a su estética, el desarrollo, así como varias actuaciones, es débil. La historia en sí es muy interesante, ya que nos recuerda de esos horrores que se desarrollaban al interior del lugar, el maltrato y delitos que existieron, y que existen personas tan crueles como Paul Schäfer, por lo que el guion debió haber sido más contundente.

Estuvo bien mostrar poca violencia, ya que no es necesario hacerlo cuando la dirección sabe cómo sutilmente hacer que nuestra imaginación vuele. El diseño arte, bueno.

Ficha técnica

Drama • 1h 30m
Países: Chile, Francia, Alemania, Argentina, Colombia
Idioma: Español/ Alemán
Director y guionista: Matías Rojas Valencia
Director de Fotografía: Benjamín Echazarreta
Directora de Arte: Laura Caligiuri
Musica: Eryck Abecassis
Elenco: Salvador Insunza, Amalia Kassai, Hanns Zischler, otros.

Invisibles (Visiones del mundo. Sanfic17) - Por Jackie O.

"Historias que existen, situaciones que dan para pensar". 


La película narra la historia de tres amigas de mediana edad, que se juntan todos los jueves en un parque para caminar y hablar de sus vidas. Conforme avanzan los días, estas mujeres comparten sus frustraciones y se dan cuenta de que el paso de los años ha hecho que todas ellas se sientan desplazadas, invisibles ante otros.

La trama ofrece visiones distintas sobre temas vitales como son la pérdida de la juventud y el atractivo físico, el miedo al abandono, la situaciones laborales o el desamor, pero todas ellas comparten una cosa en común, y es que son visiones femeninas.

La forma de contarnos esta historia es atractiva en su desarrollo, ya que el espacio físico es un parque, que es el lugar de encuentro de estas mujeres. 

Poner atención a lo que hablan. Puede que los temas sean cercanos a uno o que le hemos escuchado a otras mujeres, o incluso sentir el temor de que no nos pase a nosotras las situaciones vividas por ellas. Pero son historias honestas, reales, mostradas con unas actualizaciones muy buenas, ya que se comprometen en su rol y son creíbles. Te involucran, te emocionas e incluso te molestas.

Una historia de mujeres para mujeres, donde debemos apoyarnos; pero muy interesante para hombres, en cuanto a los hechos que las mujeres vivimos en algún momento de nuestras vidas, que merecen su atención y también apoyo.

Actuaciones, edición y guión para destacar. 

Ficha técnica

Dirección. Gracia Querejeta
Guion Antonio Santos Mercero y Gracia Querejeta
Música Federico Jusid
Fotografía Juan Carlos Gómez
País España. Año 2020
Género Drama
Duración 81 min.
Protagonistas Emma Suárez. Elsa
Adriana Ozores. Julia
Nathalie Poza. Amelia

18/8/21

La Niña Silenciosa - Por Alejandro Caro

Sinopsis:The Silent Child' cuenta la historia de Libby, (Maisie Sly) una niña de seis años que vive en el más absoluto de los silencios. Sorda de nacimiento, la pequeña protagonista permanece ajena al mundo que le rodea porque no puede comunicarse con nadie. Hasta que conoce a Joanne (Rachel Shenton) una trabajadora social, que le abre la puerta a un mundo lleno de posibilidades para expresarse, el de la lengua de signos. Un aprendizaje que la escuela convencional a la que asiste no le proporciona, impidiendo la comunicación con sus compañeros, su familia y el resto del mundo.


Historia basada en la vida personal de la guionista Rachel Shenton, a raíz que su padre pierde la audición producto de una quimioterapia para el tratamiento del cáncer. Dos años después de su muerte, ella se interesa por este mundo de las personas sordas.

Cortometraje ganador de más de 25 premios, entre ellos un Óscar y varias nominaciones, ha visibilizado el mundo del silencio de muchos niños y adultos con esta discapacidad, sin poder integrarse a la vida familiar y comunitaria

Drama bien logrado, donde la protagonista representa de manera magnífica el drama de no poder comunicarse con el mundo -Sly efectivamente tiene la discapacidad auditiva-. Los demás miembros del reparto realizan su rol siguiendo las rutinas diarias de una familia: trabajo y estudio, de la cual no participa Libby, sin contar que hay un pasado familiar que está detrás de la pequeña.

La ambientación rural le da al relato una mayor fuerza para colocar el énfasis en el aislamiento de Libby, tanto con su familia como con su entorno. Joanne, la trabajadora social, actriz con una experiencia real, le permite mostrar la sensibilidad y conexión en el mundo de silencio de Libby.

Shenton se propuso como desafío que esta problemática no se quedara sólo en el filme, sino que además se legislara al respecto,  programándose exhibiciones en el Parlamento Británico, como una manera de generar cambios que ayuden a los niños sordos en su diario vivir e integrarlos verdaderamente.

Lo anterior es la punta del iceberg para varias formas de discapacidades que no son asumidas, tanto por los gobiernos como por las comunidades, e incluirlas en todos los quehaceres propios del desarrollo personal y humano de todo individuo.

Es para ver y reflexionar, qué hacemos cada uno de nosotros para incluir aquellas personas distintas pero iguales a todos. Me agradó este corto, pues no cae en el panfleto de un problema.


Ficha técnica

Título original: The Silent Child 
Año: 2017 
Duración: 20 minutos
País: Reino Unido 
Dirección: Chris Overton 
Guion: Rachel Shenton 
Fotografía: Ali Farahani 
Reparto: Rachel Shenton, Maisie Sly, Rachel Fielding, Anna Barry, Philip York, Annie Cusselle, Sam Rees 
Productora: Slick Films, Slick Showreels 
Género: Drama, cortometraje, discapacidad auditiva, Infancia

La cara fea de la belleza - Por Jackie O.

"La necesidad de subsistir". 


Las micas son minerales pertenecientes a un grupo numeroso de silicatos de alúmina, hierro, calcio, magnesio y minerales alcalinos caracterizados por su fácil exfoliación en delgadas láminas flexibles, elásticas y muy brillantes.

En el año 2005, India tenía los mayores depósitos de mica en el mundo. China era el mayor productor con casi un tercio de participación global, seguida de cerca por EEUU, Corea del sur y Canadá, de acuerdo con la British Geological Survey. (BGS, un organismo financiado en parte con fondos públicos que tiene como objetivo promover el conocimiento geocientífico de la masa terrestre del Reino Unido, y su plataforma continental mediante la topografía, el seguimiento y la investigación sistemática).

Luego de dichos datos, este documental nos muestra otro uso de la mica, que es en los cosméticos; sí, el que usamos diariamente, por el cual se han presentado demandas por su extracción ilegal, donde se explotan yacimientos en la India, en los sectores más pobres, bajo condiciones muy miserables. Pero nadie lo denuncia o no se siguen las demandas, porque gran parte de la población basa su subsistencia exclusivamente en su extracción, aunque ello sea en condiciones deplorables, como lo vemos en este documental, con accidentes que los lastiman fisicamente ya que no usan ninguna protección en las minas o fuera de ellas, y el polvo que este producto emana es aspirado, provocando múltiples enfermedades graves.

La India produce el 60%, más o menos, de la mica mundial, la mayor parte procedente de Jharkhand, pero, desde que en 1980 una ley destinada a proteger los bosques obligó a la mayoría de las minas a abandonar gradualmente sus actividades, la industria ha pasado a la clandestinidad. Actualmente existen mineros a pequeña escala, sin tierras, y analfabetos, que están a merced de inescrupulosos.
Mientras algunos arriesgan a diario su vida trabajando en minas precarias, de las cuales un 90 % son ilegales, algunas familias se hacen ricas gracias a la exportación de este material.

Se entrevista a familias que trabajan en ello, y corroboran que es su estilo de vida y de trabajo, por su situación de pobreza, y que es de poca preocupación por parte de las autoridades. Los pobladores lo hacen con el fin de ganar un poco de dinero y alimentar a un número grande de familias, ya que el control de natalidad está descontrolado, por la falta de educación y preocupación hacia la gente.
La extracción en las minas es hecha por todos los miembros de la familia, inclusive niños de cualquier edad, lo cual es ilegal en el mundo, pero no se regula al 100%.

Hace unos años, las mayores empresas de cosméticos del mundo anunciaron que habían dejado de comprar mica obtenida de manera ilegal, o que fuera fruto de la mano de obra infantil.
¿Habrán cumplido?

Un documental que nos hace ver otra cara de lo que consumimos sin pensar de dónde viene, quién lo hace, quiénes participan, o si está regulado.
Algo bello, que no se obtiene tan fácil.

Ficha técnica

Disponible en YouTube
Documental de RT (Russia Today)
25 minutos
Año: 2006

16/8/21

La Sorpresa (Competencia Cortometraje Talento Nacional. Sanfic17) - Por Jackie O.

Sinopsis: Dos hermanas que están en un cumpleaños familiar, se ven enfrentadas cuando una de ellas decide invitar a su padre.

En una agradable fiesta de cumpleaños, Colomba celebra sus 8 años. Antonia, su madre, está muy agradecida de su hermana Angélica quien organizó la fiesta en su casa y, además, regalonea a la pequeña. Entre risas de los niños y adultos quienes pasan un buen rato, Angélica recibe la llamada de su padre quien está confirmando su concurrencia a dicha fiesta.
Y ahí se desata el problema entre estas hermanas. Antonia no soporta su presencia.

Todas las familias tienes sus problemas, sus secretos. Muchos de ellos terribles, que se ocultan por apariencia, y peor aún, cuando no les creen a los niños de actos viles que ocurren dentro del hogar; los ignoran porque son niños. 

Un cortometraje que nos habla de un delito, que nos deja el mensaje que hay que escuchar a las personas afectadas, no importa la edad y género, porque hay que frenarlo de forma inmediata denunciándolo, y llevarlos con un profesional para poder detectar emocionalmente el hecho, prestar la ayuda debida. 

Conversemos y escuchemos, y por sobre todo OBSERVEMOS a los niños sobre comportamientos extraños, cambios repentinos de ánimo y cualquier cosa que denote algo diferente en sus actos, lo que aplica también para los adultos.

Un tema delicado presentado en este cortometraje, con un guión claro y con buenas actuaciones. 

Ficha técnica

País: CHILE
Duración: 11 minutos
Directoras y guionistas: Antonieta Díaz y Emilia Rodríguez-Cano
Fotografía: Emilia Martin ARTE Paola Meza y Antonia Santibañez. 
Montaje: Antonieta Díaz
Elenco: Catalina González, María Olga Matte e Isabella Báez.