domingo, 30 de mayo de 2021

Caos, el Inicio - Por Juan Pablo Donoso

Es increíble que hayan invertido más de US$125 millones en este engendro sin remedio. 

La primera versión de 2017 fue tan abucheada por el público que debieron rehacer varias secuencias en 2019. Ahora nos presentan la nueva edición de 2021.

El resultado es lamentable. Su director, Doug Liman, tenía prestigio por filmes anteriores como Al Filo del Mañana (2014) y Poder que Mata (2010) junto a otras 22 películas de acción y aventuras. Sus actores principales traen cierto currículum: Tom Hollander (Spiderman y Capitán América) y la joven Daisy Ridley (Star Wars y Asesinato en el Expreso Oriente), junto a secundarios también dignos de respeto profesional.

¿Qué sucedió aquí? A nuestro parecer el culpable fue el novelista Patrick Ness, autor de la novela El Cuchillo en la Mano (The Knife of Never letting Go). Por muy exitosa que fuera su obra literaria insistió en colaborar con Christopher Ford en la factura del guion. Y, como suele suceder, quiso meter “todos los huevos en un mismo canasto”, a expensas de la más elemental narrativa dramática.

¿El resultado? Una epopeya agotadora y recargada en que se mezclan elementos tan disímiles como: viajes interplanetarios, alienígenas “humanos” que habitan otro planeta igual al nuestro, con montañas ,bosques, ríos y cascadas; burdos montañeses que oscilan entre bandoleros de Mad Max y vaqueros de westerns italianos; monstruos de una laguna negra; predicador religioso demoníaco que maldice a todos; poderes extrasensoriales que permiten escuchar los pensamientos sólo masculinos; heroína que puede desmaterializarse cuando está en peligro… pero que se aporrea, cuelga sobre precipicios o casi se ahoga en un arroyo; persecuciones a caballo y motocicletas disparando viejos fusiles, un perrito regalón, una aldea matriarcal, y una nave madre espacial que llegará en el momento preciso a rescatar a la joven pareja de tímidos enamorados cuyos diálogos chorrean cursilería.

Ni siquiera supieron cómo terminarla amenazándonos con hacer una 2ª parte (¡!).

La combinación de estos ingredientes, y otros más, en una batidora de superproducción técnica nos deja la desazón de haber presenciado un gran ridículo ajeno con pretensiones de trascendencia intelectual futurista.

“El Ruido son los pensamientos sin filtro de los hombres, y sin un filtro, el hombre no es más que caos” (¿?).

CAÓTICA SUPERPRODUCCIÓN DE AVENTURAS ATIBORRADA DE SÍMBOLOS PARANORMALES QUE NUNCA LLEGÓ A PUERTO. 

Ficha técnica    

Título Original: Chaos Walking
2021 Acción, aventuras, fantasía EE.UU., Canadá, Hong Kong, Luxemburgo - 1,49 hrs. 
Fotografía: Ben Seresin 
Edición: Doc Crotzer 
Música: Marco Beltrami, Brandon Roberts 
Diseño Prod.: Dan Weil Guion: Patrick Ness, Christopher Ford 
Actores: Tom Holland, Daisy Ridley, Demián Bichir 
Director: Doug Liman

sábado, 29 de mayo de 2021

Caos, el Inicio - Por Jackie O.

“Sí que hay un caos…” 


Estamos ante una película de acción distópica que se basa en un libro, más bien una trilogía de ciencia ficción, adaptando su primer libro con una mezcla del tercero. 

En términos generales, trata de Todd, un jovencito que vive en el nuevo mundo lejos de la tierra, por allá en el año 2257 d.c.

Ha crecido creyendo que unos nativos que también viven en ese mundo -estos alienígenas-, son los responsables de liberar un germen que asesinó a todas las mujeres y contagió con el "ruido" al resto de sobrevivientes. Este “ruidos”, como ellos le llaman, trata que todos se escuchen los pensamientos, por ende, no hay secretos ni privacidad.

Pero todo cambia cuando una nave espacial se estrella en su sector, quedando una única sobreviviente, mujer, lo que hace que se genere un caos, donde el Alcalde y el Predicador del lugar tienen oscuras intenciones hacia ella.

Esto hará que nuestro joven Todd hulla con esta chica llamada Viola para salvarle la vida, acompañado de su valiente perrito, donde serán perseguidos por los colonos.

Esta película tiene una premisa muy interesante, el problema fue traspasarlo a la pantalla.

Tiene un serio problema de narrativa con varias subtramas que no llegan a conectarse con lo principal. El guion tiene problemas para definirse realmente. ¿Será porque los variados guionistas no se pusieron de acuerdo? quien sabe. Nos sumergen en este mundo en el que no se aclaran muchas cosas. En resumen, un guion que se estanca y nunca arranca.

Ni en su argumento, o al menos visualmente, logra captar la atención, pues incluso teniendo un gran elenco, no fueron bien dirigidos, desperdiciados.

Todd y Viola no tienen química, y los supuestos antagonistas no se sienten como alguna amenaza, por más que los persiguen, y además, no hay un desarrollo de los personajes en la trama.

Tiene poca emoción y las escenas de acción se vuelven en momentos algo tediosas de ver, así como escuchar sus pensamientos a cada rato.

Algo bueno, sí, es el elenco que, aunque fue desperdiciado, igual te agrada verlos de cierto modo; la banda sonora y algunas tomas amplias interesantes. Pero lo mejor: el perrito, que tiene una escena que te partirá el corazón.

El director deja abierta la posibilidad de una secuela, que si pretenden seguirla, deberán trabajar mucho.

Disponible online y en salas de cine que estén en la fase que lo permita.

Ficha técnica

Título original: Chaos Walking
Dirección: Doug Liman
Guion: Charlie Kaufman, Jamie Linden, Patrick Ness, Lindsey Beer, Gary Spinelli y John Lee Hancock.
Basada en The Knife of Never Letting Go, de Patrick Ness
País: EEUU Estreno 18-03- 2021
Género: Ciencia ficción y Aventura
Duración: 109 minutos
Reparto:
Tom Holland como Todd Hewitt
Daisy Ridley como Viola Eade
Mads Mikkelsen como David Prentiss. El Alcalde
Kurt Sutter como Cillian Boyd.
Nick Jonas como David "Davy" Prentiss Jr.​
David Oyelowo como Aaron.​ El Predicador.
Cynthia Erivo como Hildy

viernes, 28 de mayo de 2021

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 28 de mayo 2021

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Alejandro Caro en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

Monstruo - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.


La película comienza con el ingreso de dos encapuchados a una tienda. Son filmados por la cámara de seguridad en un nervioso y borroso blanco y negro. El diálogo es mínimo pero el forcejeo intenso; suena un disparo, la pantalla se va a negro. Violento inicio para una historia que se precipita y que es mucho más que la palabra con la que se titula: “Monstruo”

En los minutos siguientes vemos a Steve Harmon -Kelvin Harrison Jr.- ingresando a la cárcel. Su voz en off guía el relato, sumamos antecedentes sin comprender aun la relación de los hechos. Lo que sí sabemos es que este joven afroamericano es acusado de asesinato y la cinta se basa en el juicio que debe acreditar su participación. Steve Harmon es sindicado como culpable desde el minuto uno por lo que este joven debe demostrar su inocencia.

Parece el mundo al revés pero es así. En el caso de Steve es aun más dramático, porque el fiscal, sin ni un asomo de duda o prudencia, lo tilda de monstruo delante del jurado. Su abogada, una defensora de oficio y sobrecargada de casos, parece no atender detalles, pero está allí, al lado de su defendido. Parece rutina, un caso más, mientras la madeja se desenvuelve lenta y progresivamente. ¿Tal vez exista una duda razonable?

La cinta avanza con imágenes de Steve en su casa, con sus padres, el Sr. y la Sra. Harmon -Jeffrey Wright y Jennifer Hudson, respectivamente-, y su hermano menor. Visualizamos una vida tranquila, sin sobresaltos, pero en un vecindario difícil, en Harlem, Nueva York. Las escenas recorren los estudios de Steve en una escuela secundaria reconocida y su afición por registrar fotografías y videos de todo lo que ve y hace. Es más, participa de un taller de cine con el profesor Leroy Sawicki -Tim Blake Nelson-, quien en sus clases enfatiza la necesidad de encontrar historias, de contar esas historias, de mirar con un punto de vista personal y entregar así un aporte distintivo.

La película transcurre entre el juicio, los interrogatorios y los recuerdos. Cada acción suma nuevos antecedentes al discurso. Descubrimos conexiones, motivaciones y también apremios. Vemos pequeños avances, algunos momentos de felicidad y otros de confusión. No es fácil el barrio, existe presión social, aunque Steve parece resistirla con entereza y dignidad.

Esta cinta, basada en la novela de Walter Dean Myers, intenta explorar demasiadas de las capas de su intrincada trama y en algunas de ellas no lo consigue. Dirigida por Anthony Mandler y estrenada en el Festival de Cine de Sundance en 2018-, el metraje sí se logra internar en el acto de justicia primario, es decir, la decisión sobre la culpabilidad o inocencia de un acusado. El tema acá es que pocos tienen dudas, por eso el drama se torna aun más profundo. La película, siguiendo esa línea, se transforma en una denuncia social, un grito desesperado contra el sistema, contra los prejuicios y contra la arbitrariedad.

No obstante la consistencia de su exposición, la cinta pronto inserta el componente del relato cinematográfico. Parece que nos propondrá cine dentro del cine, pero pronto abandona esa dirección. Sin embargo, para su argumentación conclusiva, es justamente este elemento el que resulta fundamental para entender, o al menos reflexionar, sobre la construcción global. Si nuestro protagonista parece culpable a los ojos de todos, tal vez su mejor defensa vendría ser lo inverso, es decir, elaborar un relato que refrende su inocencia a los ojos del jurado. En eso se sumerge la película y justamente es aquello lo que nos logra comprometer. ¿Cuál será el veredicto del jurado? ¿Culpable o inocente? ¿Un joven normal o un verdadero monstruo? La invitación, entonces, es a navegar en aguas turbulentas, visualizar detalles, acompañar los alegatos y observar cuidadosamente su desenlace.

Ficha técnica


Título original: Monster
Año: 2018
Duración: 98 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Tonik Productions, Charlevoix Entertainment, Bron Studios, Get Lifted Film Company.
Distribuidora: Netflix
Género: Drama | Adolescencia. Drama judicial / Abogados/as. Crimen. Cine independiente USA
Guion: Radha Blank, Colen C. Wiley, Janece Shaffer. Novela: Walter Dean Myers
Música: Harvey Mason Jr.
Fotografía: Dave Devlin
Reparto: Kelvin Harrison Jr., Jeffrey Wright, Jennifer Hudson, ASAP Rocky, Jennifer Ehle, Tim Blake Nelson, Mikey Madison, Jonny Coyne, John David Washington, Lovie Simone, Paul Ben-Victor, Jharrel Jerome, Dorian Missick
Dirección: Anthony Mandler

jueves, 27 de mayo de 2021

Hikikomori, Jóvenes Invisibles - Por Jackie O.

Sinopsis: Uno de cada diez jóvenes japoneses sufre esta extraña enfermedad. 
Los hikikomori, son adolescentes y adultos jóvenes que se ven abrumados por la sociedad japonesa, y se sienten incapaces de cumplir los roles sociales que se esperan de ellos, reaccionando con un aislamiento social.


Interesante documental que nos muestra esta extraña y nueva, para mí, enfermedad psicológica. Jóvenes que se aislan en sus habitaciones, no quieren trabajar ni estudiar. No tienen horario para dormir o comer. Se sienten frustrados y acumulan irritación, porque temen que la gente no los acepte. Y llega un momento en que deben toman medicamentos para relajarse, y otros que no saben para qué son.

Lo importante y que podemos rescatar de esto es que nos muestra otra realidad social, donde el problema de estos jóvenes puede incluir muchas fobias, problemas de ansiedad, agorafobia, trastorno de personalidad por timidez extrema, y también radica en terceros, ya sea por la exigencia de sus padres en el cumplimiento de metas o un maltrato, el acoso escolar o alguna mala experiencia laboral.
Son personas que necesitan mucha ayuda.

Lamentablemente no profundizaron en la enfermedad en sí, aunque hayan hablado con un médico, no se siguió bien los detalles, tratamientos, y algo más intrusivo para conocer más. Fue un documental muy por encima de una situación delicada que es la salud mental.

Lo otro curioso es que, sí bien es conocida en ese país está enfermedad, existe poco interés en los médicos (aunque hay un centro pequeño de tratamiento) y principalmente de los padres con sus hijos, pues si pensamos en que alguien se encierra en su habitación y no salen en dos días, más o menos, te están golpeando la puerta preocupados o molestos, insistirían en que salieras, y buscarían una real ayuda profesional. Pero para estos padres es más importante el que dirán.

También llama la atención, que recalcan mucho que es una enfermedad exclusiva de su país. Ahí también faltó más investigación, fue tocado el tema muy por encima, pero aún así, es interesante conocer este fenómeno.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Título original: Japan: The Missing Million
Dirección: Antion Somov
Guion: Antión Vorobér
Año: 2005
País: Reino Unido
Duración: 43 minutos
Documental de RT
Género: documental de Enfermedad y Mediometraje.

miércoles, 26 de mayo de 2021

Detrás del lado brillante de la moda - Por Jackie O.

"El lado oscuro del lujo".


En los escaparates de lujosas boutiques los finos bolsos y chaquetas hechos a mano de Gucci, Prada o en Max Mara, nos recuerdan que hay un mundo inalcanzable para la mayoría. Marcas de lujo obtienen con productos de cuero más del 70 por ciento de su facturación, y otros con pieles. Pero casi nadie sabe cómo es la realidad en la producción.

El cuero trae beneficios. La mayoría del cuero se curte en Italia. Y la mayor cantidad de buenas pieles en China.
Los periodistas, con cámara oculta, muestran las condiciones en las granjas chinas de pieles, y cómo se trata a inmigrantes en curtiembres italianas.

Entrevistando al Director de Exportaciones de Curtiembres Zabri, quien los invita a su centro de operaciones, vemos cueros bellísimos, ya terminados en color y textura, es decir Zabri es el último paso. ¿Pero, cómo se procesa? Esa es la tarea de los subcontratistas, quienes mantienen a muchos inmigrantes trabajando con ellos, con escaso sueldo, y sin los elementos de protección para trabajar, además del daño ecológico que provocan. ¿Quién regula eso?
Se habla con representantes de salud, pero todo se va en buenas intenciones.
Existe un informe llamado "La dura historia del cuero", con datos amplios de abusos y contaminación, pero ha sido cuestionado.

Sobre las pieles, qué belleza, todas queremos una. Pero mejor, elegir aquellas sintéticas.
Conocemos una pequeña ciudad de China donde realizan tres veces al mes un mercado de pieles y encuentras miles de pieles a bajos precios, tentando al público.

Se matan 70 millones de animales por su piel, solo en China.
Y aunque existen ONG que luchan incansablemente por erradicar esto, es infructuoso, ya que en ese país no hay leyes que regulen el maltrato animal.

A escondidas y bajo engaño, se va a una granja de conejos donde se ven las condiciones en que viven, con enfermedades incluso, para terminar en imágenes crudas sobre su sacrificio para obtener esa piel tan deseada.

Interesante documental que nos muestra algo que sabemos pero no está de más repasar, y comenzar a cambiar nuestros hábitos de consumo, ya que existe un precio de "el lado oscuro del lujo" .

Disponible en YouTube

Ficha técnica

Título original: Luxury. Behing The Mirror.
Documental DW
42 minutos
Reportaje de Zoé de Bussierre
Año 2018

martes, 25 de mayo de 2021

Tu hijo - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.


Cirujano reputado, el doctor Jaime Jiménez -José Coronado-, lleva una vida rutinaria. Se le ve manejando desde su casa al Hospital escuchando noticias en la radio, también prepararse cuidadosamente para una riesgosa operación y llegando tarde a su hogar. En los pocos momentos de tiempo libre, sale a trotar junto a su hijo Marcos -Pol Monen-, una actividad que revitaliza su vida, no tanto por el ejercicio físico sino por el lazo emocional y cercano con el joven. Jaime tiene también una hija, Sara -Asia Ortega-, pero es más distante, reservada, tal vez tímida; el padre parece no tomarla mucho en cuenta, no sabe mucho de ella, de lo que siente, de lo que piensa o sobre sus intereses. La familia la completa su esposa Carmen -Ana Wagener-, de la que poco y nada conocemos.

El punto de inflexión llega pronto. El Dr. Jiménez es sorprendido por el ingreso de Marcos al hospital en estado gravísimo. No le dejan acercarse, ni menos intervenir en la cirugía. El daño es severo, están tratando de salvarle la vida. Le han dado una paliza formidable a la salida de un club nocturno, al punto que no reacciona. Tiene funciones vitales comprometidas.

Jaime, desolado, no sabe qué hacer. Pocos días atrás había salvado de la muerte a un menor y resuena en él una conversación con el padre del niño. “¿Usted tiene hijos?”, le interpelaba, “entonces sabe que es imposible no hacer nada.”

Por supuesto, el caso de Marcos lo toma la policía pero no avanza prácticamente nada. Burocracias y procedimientos, cámaras de seguridad que entregan datos y muestran a los amigos del joven, declaraciones que van y que vienen, relatos confusos, diferentes versiones, incluso retractos. Jaime no está tranquilo, necesita algo más, y va por aquello. Se sumerge en el mundo nocturno que rodea el lugar de los hechos, averigua datos, se acerca a los responsables. En ese momento decide iniciar por su cuenta la búsqueda de justicia.

El escenario que plantea el guion escrito por Miguel Ángel Vivas y Alberto Marini es desgarrador. El golpe que implica para Jiménez el compromiso vital de su hijo tiene consecuencias imprevisibles. Hasta ahí, un tercio del metraje, el director Miguel Ángel Vivas solo nos ha mostrado algunas secuencias, algunos hechos, aunque con ciertos planos cercanos y extensas escenas, adelanta parte de lo que vendrá a continuación y que constituirá lo fundamental de la historia.

El Dr. Jiménez sufre profundamente y dentro de su desesperación elige entre caminos posibles. El tema es que nada le resulta suficiente para llegar a la verdad de lo sucedido. Uno de los agresores filmó la paliza, ¿cómo llega a él? Inicia una persecución ciega, sin medir lo que significa, tampoco teniendo certezas. Es como una intuición, más bien un impulso, algo irrefrenable, irresistible.

La interpretación de José Coronado no solo es creíble sino también da cuenta de su gran solidez. Conocemos a este actor español por varios trabajos y acá observamos un paso más. Su personaje comienza una mutación, experimenta una transformación vital, íntima, descrita por sus movimientos, miradas y gestos mínimos que hacen visible lo que su alma experimenta. Señalar que gran parte del peso del relato está en sus hombros es bastante evidente, sin embargo, su adecuada construcción del rol permite que lo que gira a su alrededor tenga el espacio justo y el tono preciso.

“Tu hijo” se sumerge en el oscuro fondo de la búsqueda de justicia que deriva de pronto en un camino de venganza. Volvemos a lo primigenio y básico del debate, sobre si el fin justifica los medios o el consabido ojo por ojo… El trasfondo del metraje es la cuestión social y esto se presenta tremendamente crudo, sin adornos ni dobleces. Si la autoridad no hace nada, las víctimas buscan compensación por su cuenta, con decisiones moralmente dudosas y comportamientos poco éticos. Aún teniendo claros estos conceptos, algo en el protagonista captura nuestra empatía y nos hace dudar y nos conflictúa. Aquello es bien interesante en esta película porque nos interpela directamente.

En un thriller como pocos, Miguel Ángel Vivas juega con nosotros, dosifica información y nos incorpora lentamente al ruedo. Largos pasajes, muchos sin sonido, sin música, son compuestos para generar tensión, pero una tensión que no es simple o básica sino que aporta elementos de horror y también de terror. Y estas sensaciones no son externas, provienen del interior, de la mente, de los sentimientos, de lo que despierta la frenética lucha entre lo que es correcto y lo que Jiménez siente que debe hacer. La confrontación es enorme, la salida muy delgada. Y el guion no defrauda, porque ante descubrimientos que provocan giros, el relato despega y se fortalece con mayores grados de incertidumbre.

Ficha técnica

Título original: Tu hijo
Año: 2018
Duración: 103 minutos
País: España
Productora: Coproducción España-Francia; Apache Films, Las Películas Del Apache, La Claqueta PC, Ran Entertainment
Género: Thriller. Drama | Venganza
Guion: Miguel Ángel Vivas, Alberto Marini
Fotografía: Pedro J. Márquez
Reparto: José Coronado, Pol Monen, Asia Ortega Leiva, Ana Wagener, Luis Bermejo, Ramiro Alonso, Sergio Castellanos, Ester Expósito, Paqui Montoya, Vicente Romero, Sauce Ena
Dirección: Miguel Ángel Vivas

Nacido en Gaza - Por Jackie O.

"Por un mundo en Paz". 


Este documental rodado durante el ataque israelí contra la franja de Gaza entre julio y agosto de 2014, sigue a un grupo de niños que cuentan cómo es su vida diaria entre las bombas, y cómo luchan para superar el horror de la guerra y darle algo de normalidad a sus vidas.

¿Cuál es la justificación de iniciar una guerra?
¿Es un conflicto de los altos mandos que involucra a gente común y corriente al sufrimiento?

El acierto periodístico en este documental es que sus protagonistas son niños, quienes relatan su día a día contado con una madurez increíble, que nos hace cuestionarnos como seres humanos; nos quejamos constantemente de muchas cosas y se nos olvida agradecer otras.

Documental hecho en el 2014, ¿Pero, ha cambiado algo?
La guerra sigue en cualquier lugar del mundo.
¿La paz es algo tan difícil de alcanzar?

Con tomas crudas y sensibles, sin caer en el morbo, pero necesarias para entender cómo es o fue la vida de estos pequeños, quienes maduraron forzadamente en un mundo de grandes y de crueldad.
No saber si al dormir despertarás porque puede que una bomba caiga en tu casa, o caminar sin pisar algún explosivo que no ha detonador que te haga desaparecer. Tener una comida al día, porque los caminos están cortados, pensar en mejor suicidarte que vivir... Y así, suman y siguen las penurias.

Con una mirada de desesperanza y desesperación ante la falta de ayuda, pero con un clamor de humildad, y contradictoriamente, ilusiones futuras nos llaman.

La fotografía es notable y, junto a unos excelentes planos, ayuda a empatizar y hacernos entender qué debemos mejorar como seres humanos.

Nosotros no estamos en guerra, pero debemos combatir ahora con un virus. Nos quejamos del encierro y de cómo, efectivamente, ha afectado psicológicamente y al bolsillo, pero dormimos bajo techo y comemos.

¿Quién tiene la razón en las guerras? No sé, uno, los dos bandos... quién sabe. Sólo hay vidas de inocentes en juego.

Un documental que nos lleva a pensar en que debemos ser humildes, y acentuar el compañerismo y colaboración con el otro.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Dirección. Hernán Zin
Año. 2014
Duración. 78 min.
Guion. Hernán Zin
Fotografía. Hernán Zin
Género. Documental. Conflicto árabe-israelí. Guerra

Nacido en Gaza - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Documental de Hernán Zin, periodista argentino, rodado durante el ataque israelí contra la franja de Gaza entre julio y agosto de 2014. La película sigue a diez niños palestinos que cuentan cómo es su vida diaria entre las bombas y cómo luchan para superar el horror de la guerra y darle un toque de normalidad a sus vidas. Ellos son los portavoces de los 507 niños muertos y los más de 3.000 heridos que dejó la ofensiva israelí.


Dura realidad que incomoda, vista desde una perspectiva infantil y relatada por ellos, que desde su nacimiento ya se encuentran en mundo sin razón, sin horizonte, donde la fragilidad que la vida se te escape es la realidad de cada día y no hay escapatoria.

Pueden darse muchas justificaciones para la confrontación, pero no hay racionalidad que lo explique. Como bien dice el director, "quería mostrar un visión de la guerra más profunda, con la heridas físicas, psicológicas, la pérdida del amigo, de la familia, de tu casa; todo esto es una herida que se queda adentro... Quise que el espectador se metiera en el niño, en la víctima.”

Este es un documental comprometido con lo social y lo humano de manera íntima; lo muestra descarnadamente, sin complejos, documentado por los protagonistas. Aquí los protagonistas no son quienes llevan las armas de exterminio, sino quienes sufren las consecuencias. Como siempre sucede, los que hacen la guerra seguramente están en lugar seguro, ganando dinero producto de la venta de armas y quizás qué más. Es una invitación a la reflexión, a tomar una posición concreta.

El documental está bien organizado, la cámara recorre diferentes lugares, por momentos se hace protagonista para acercar la realidad, teniendo en cuenta que ésta es siempre más dura y cruel. La fotografía nítida permite recoger esa estética paradójica fea de la guerra pero hermosa de lo humano, aunque por momentos sangrienta. La música coloca, por supuesto, la pausas y tensión que el documental necesita.

El documental fue filmado el 2014 y hoy en 2021 hemos vuelto a la muerte de seres humanos producto de causas ideológicas, étnicas, dogmáticas y prejuicios, que impiden sentarse en frente de “tu legitimo otro”. Sin ese reconocimiento la paz será difícil de alcanzar, como decía Humberto Maturana.

Esto último lo deseo destacar, porque puede ser que en muchos de nuestros actos relacionales no estamos reconociendo a los demás como nuestros legítimos otros, impidiendo que seamos más humanos, dialogando y conversando para evitar consecuencias, no como una guerra pero sí división y desunión.

Ficha técnica

Título original: Nacido en Gaza 
Año: 2014 
Duración: 78 minutos
País: España 
Dirección: Hernán Zin 
Guion: Hernán Zin 
Fotografía: Hernán Zin 
Reparto: Niños 
Género: Documental, guerra, Conflicto árabe-israelí 
Productora: Contramedia Films, La Claqueta PC. Productor: Jon Sistiaga 

Disponible en: Netflix 

Premios 

2014: Premios Goya: Nominada a Mejor documental 
2015: Premios Platino: Nominado a Mejor documental 
2015: Premios Forqué: Mejor documental 

lunes, 24 de mayo de 2021

Monstruo - Por Juan Pablo Donoso

Película ambigua en que predominan el tratamiento estético, y el talento de algunos actores, por encima del propósito del relato.

Narrada en primera persona, es el caso de un muchacho negro, Steve Harmon, inculpado injustamente de participar en el asalto a una tienda y asesinar a su dueño. “Los monstruos no lloran ni gritan, y a mí me tratan como a uno”.

Y en verdad el personaje llora mucho al permanecer largo tiempo encarcelado, para luego sufrir un tortuoso proceso en la Corte.

Al margen de compadecer al joven Harmon (bien encarnado por Kevin Harrison Jr.) y la impotencia de su familia, el guion expone diversos problemas sociales contemporáneos sin penetrar en ninguno. Por ello resulta difícil hallar la premisa dramatúrgica del caso.

El muchacho es inteligente, aplicado, tiene talento artístico, una grata pololita, y su familia está bien constituida. En su barrio de Harlem hay bandas de adolescentes negros, matones, de los cuales él rehúye. Prefiere dedicarse a filmar y fotografiar el mundo que lo rodea. Su profesor (Tim Blake Nelson) lo tiene en alta estima.

Como algunos vecinos lo vieron cerca de la tienda poco antes del asalto, lo inculparon como cómplice.

Mientras el Fiscal (Paul Ben-Victor - Daredevil) se empeña en acusarlo por el solo hecho de ser sospechoso (negro=monstruo), y su maternal abogada blanca Jennifer Ehle (La Noche Más Oscura) brega por defenderlo, se plantean dilemas como la relatividad de la culpa (escenas de Rashomon), debates escolares sobre la estructura de la tragedia clásica, la desazón de sus padres (excelentes Jeffrey Wright y Jennifer Hudson -Grizabella en Cats), alternando tiempos pasados y presentes, con trozos intercalados de sus trabajos audiovisuales.

Al parecer, los guionistas se engolosinaron enunciando distintos temas de interés social y artístico, descuidando la premisa que amarraría todos esos elementos en torno a la injusta acusación contra un promisorio muchachito negro.

Actores y realizadores pusieron su talento al servicio de un guion que olvidó establecer un lazo antagónico concreto.

A tal punto que siendo Steve víctima de una casualidad, igual termina sintiéndose cómplice - indirecto - por la muerte del comerciante. ¿Quién, entonces, protagoniza la historia?

TEMA SENSIBLE EN LO HUMANITARIO Y EFICAZ EN LA FORMA, QUEDA TRUNCO EN SU PREMISA. 

Ficha técnica

Título Original: Monster
2018 Crimen, drama, justicia EE.UU. - 1,38 hrs. 
Fotografía: David Devlin 
Edición: Joe Klotz 
Diseño Prod.: Jeremy Reed 
Guión: Colen C. Wiley y Janece Shaffer, Walter Dean Myers (libro) 
Actores: Kelvin Harrison Jr., Jennifer Ehle, Jeffrey Wright 
Director: Anthony Mandler

Colette, liberación y deseo - Por Jackie O.

"La mano que tiene la pluma escribe la historia”.


Colette es una película biográfica, basada en la vida de la novelista francesa Sidonie-Gabrielle Colette.

Una escritora renombrada a comienzos del siglo 20, de una familia modesta, quien conoce a un escritor mayor que ella pero de mucho éxito, y se casan.

Él, al descubrir que su joven esposa tiene una habilidad para escribir, la usa de escritora fantasma, así como a otros desde hace un tiempo; pero su nombre “Willy” vendía más que los de estos incautos escritores. (Me recordó a “La esposa”) 

Así, pasando el tiempo entre deudas y fama, alcohol e infidelidades de su esposo, Colette trata de buscar su destino tomando las riendas de su vida y experimentando el sexo al descubrir su bisexualidad, comenzando a tener aventuras a conocimiento de su esposo, quien, siendo un machista, debe aceptar para no perder la “mina de oro” que le ha significado Colette como escritora.

La ambientación de esta película está muy bien lograda, con detalles de un amueblado delicado, vestuario hermoso y colorido atractivo.

El director nos muestra una película con un estilo elegante, con movimientos de cámara de diferentes ángulos, donde juega de forma interesante con los reflejos en los espejos.

La evolución de niña provinciana y sumisa, a una revelación como escritora, Keira Knightle supo cómo dar con el toque, pues la interpreta con delicadeza, aunque le faltó más la osadía.

Se hace presente que no fue rodada en Francia, de donde es originaria Colette. Si se hubiera filmado en Francia y en idioma original, habría sido casi perfecta.

Disponible en Amazon Prime.

Ficha técnica

Título original: Colette 
Dirección: Wash Westmoreland
Guion: Wash Westmoreland, Rebecca Lenkiewicz Y Richard Glatzer
Música: Thomas Adès
Fotografía: Giles Nuttgens
Montaje: Lucia Zucchetti
Protagonistas: Keira Knightley, Dominic West, Fiona Shaw, Denise Gough, Robert Pugh, otros.
País: EEUU, Reino Unido y Hungría
Año: 2018 
Duración: 111 minutos
Género: Drama, cine biográfico y cine LGBT
Idioma: Inglés

The Walking Dead - Por Jackie O.

“El virus los convirtió en zombies, que a nosotros no nos convierta en monstruos”.


Una serie de TV de horror post-apocalíptico, basada en la serie de cómics de Kirkman, Moore y Adlard.

Un drama crudo y a la vez cautivador. Una historia que describe las vidas de un grupo de sobrevivientes que está siempre en movimiento en busca de un hogar seguro, en un mundo transformado.
Durante 10 temporadas, nos han mostrado una historia dura, entretenida, con altos y bajos, una historia que nos mantenía atentos.

Como sabemos, en películas de zombies, un virus ataca y todos se convierten en zombies al ser mordidos, muertos vivientes con un caminar lento acá (a diferencia de los asiáticos, que tiene una rapidez y contorsión fascinante). Y aparece nuestro protagonista Rick, un policía que deberá lidiar con este nuevo mundo que se cae a pedazos.

En el transcurso de las temporadas vamos conociendo a las principales caras:
Rick, que lidia con la desaparición de su familia, y los conflictos que de apoco tendrá con su mejor amigo Shane. La transformación de Carol de frágil a audaz. La frialdad de Daryl, a quien le cuesta mucho confiar, más con su hermano Merle, con quien hay que estar atento. O Michonne, solitaria y tenaz, conoce Andrea, quien le muestra que hay gente buena. Glenn creció en seguridad, y con el amor de Maggi su vida fue diferente. Así, con el correr de los años se sumaban al grupo: Rosita, Abraham, Eugene, Tara, Jesús, El Rey, y más, quienes se transformaron, pues las circunstancias así lo hicieron. Algunos pasaron a la crueldad profunda del ser humano y descubren que el miedo abrumador puede ser más mortal que los zombis. Pero también se aprendió la unión y bondad ante tanto sufrimiento, pero esa misma bondad los hacía bajar la guardia y que otros abusaran de ellos.

En diferentes circunstancias sufrimos con la pérdida de... bueno, ya saben quiénes. Fueron momentos difíciles para el espectador.

Los antagonistas no solo eran los muertos a quienes más temerle, eran los vivos, a quienes la maldad del mundo apocalíptico los transformó en seres horrendos, pues estaban dispuestos a lo que sea por sobrevivir; para muchos esa era su esencia.
Así conocimos a varios grupos y personajes antagonistas, pero siempre quedarán en nuestra memoria: El Gobernador, la susurradora Alfa y el más carismático de todos, Neegan. Personajes malvados, que en algún momento descubrimos que en el fondo de sus corazones, aún quedaba cierta humanidad.

Sí, hubo, como en toda serie, ciertos capítulos flojos, pero no dejaba que siguiéramos viendo.

Una trama simple, con subtramas bien entrelazadas.
Una buena adaptación de los cómics, con una excelente puesta en escena. Maquillaje grandioso, donde humanos se prestaban para poner en su piel a seres a la vista asquerosillos, otros creados mecánicamente, e imágenes computarizadas.
Buen vestuario, que en algunos se transformó en su sello: estilo western de Rick, esa chaqueta de Daryl con sus alitas, o el estilo Neegan que ya es objeto de cosplay.

Ahora, a esperar la temporada 11 que, producto de esta pandemia, se atrasó -pandemia con la cual no nos convertimos en zombies, pero si algunos en monstruos, no nos hizo estar en una guerra mundial, pero sí nos hizo a algunos más bondadosos con quienes lo necesitan, y a otros más egoístas pensando en su persona y olvidándose del otro-;  dicen llegará en agosto 2021 y, siguiendo el cómic, nos presentará a nuevos antagonistas, The Commonwealth, y se acercaría al final del cómic.

¿Serán tan villanos? Lo veremos luego.

Pandemia, virus... No dejemos que nos conviertan en monstruos, tampoco bajar la guardia con aquellos seres que aún no creen en lo bueno, para que no te contagien con su virus de envidia, estupidez, arrogancia, y otras maldades.

Una serie para adultos por sus imágenes.

Disponible en Netflix. 

Ficha Técnica

Primera emisión: 31.10.2010
Duración: 41 a 67 minutos
Temporadas: 10. 
Nº de episodios hasta ahora: 153

jueves, 20 de mayo de 2021

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Jueves 20 de mayo 2021

El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

Sospecha Mortal - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 


La composición de un thriller es lo que marca su forma y posterior desarrollo. Hay, entre muchos otros, un menú de elementos, una historia central, un par de tramas secundarias y la selección de personajes. Nada asegura que la fórmula funcione pero si las piezas se combinan apropiadamente las posibilidades de éxito son mayores. ¿Sucede esto en “Sospecha Mortal”? Veamos.

Pete Koslow -Joel Kinnaman-, es un exconvicto rehabilitado que colabora con el FBI para infiltrarse en la red polaca de tráfico de drogas en Nueva York. Su objetivo es claro y él asume perfectamente su papel. No es un rol principal, es parte de una cadena intrincada de mandos que saben muy bien cómo hacer las cosas. Bueno, en realidad saben muy bien cubrirse las espaldas mediante deslealtades y argucias que a cualquiera dejan fuera de juego.

Wilcox -Rosamund Pike-, es el nexo directo con Pete, quien se comunica con él y le entrega detalladas instrucciones. La nueva misión es clara. El informante debe conducir a los agentes al gran jefe de la organización, interceptando un millonario intercambio, pero es película y naturalmente las cosas no salen como estaban previstas.

El asunto se complica, ya que producto de una mala decisión y de una riña, muere un policía de la ciudad. El hecho marca un antes y un después, porque el protagonista es abandonado a su suerte por el FBI, se involucra la NYPD y el jefe mafioso condiciona la vida de los seres queridos de Pete a un plan para hacerse del control del tráfico de drogas carcelario. Significa que Koslow deberá volver a su reclusión, en Bale Hill, para operar bajo cuerda mientras su familia corre peligro, los federales intentan un contraataque y el agente Grens -Common-, de la policía de Nueva York, les pisa los talones a todos.

La película, dirigida por Andrea Di Stefano y basada en la novela “Tres Segundos” de Börge Hellström y Anders Roslund, comienza con una larga exposición. Es necesario entregar detalles, entender las posiciones y ubicar a los principales protagonistas. Más argumento, menos acción. La idea es complicar un poco las cosas, para que nos preguntemos quién es quién y cuál es el papel de cada uno. Y resulta, porque claramente esas son las preguntas que nos hacemos.

En la medianía, la cinta comienza a tomar más ritmo, sobre todo luego del reingreso de Koslow a prisión. Para él, su situación se hace cada vez más difícil y pronto se encuentra entre la espada y la pared. De su astucia dependerá su supervivencia, pero aun así no habrá nada seguro. Todo dependerá del camino que elija y que además las condiciones le acompañen.

“The Informer”, mal titulada en español como “Sospecha Mortal”, salva sus propios obstáculos. No solo funciona, sino que engancha bastante cuando logramos sumergirnos en su trama. Kinnaman hace un buen papel, sin brillar, pero convincente. Pike, algo más distante que en otras ocasiones, apoya adecuadamente. Quienes más destacan son los secundarios de Common y Clive Owen, que interpreta al jefe del operativo del FBI. Ana de Armas, por su parte, aporta muy poco como la esposa de Pete, pero no es tanto por su actuación, sino más bien producto de la configuración requerida para crear su personaje.

En resumen, la película es entretenida y posee todos los elementos de su género. Responde bien en su desarrollo, va de menos a más y resuelve las cosas adecuadamente. Pequeños giros, normales y nada estrambóticos, aportan algún grado de frescura y novedad, pero no interfieren mayormente en la cadencia conclusiva. No obstante cerrar bien, la puerta queda abierta para algo más. Veremos si la acción continúa, si hay material y posibilidades de extensión. Tal vez sí, o tal vez no. El tiempo lo dirá.

Ficha técnica

Título original: The Informer
Año: 2019
Duración: 108 minutos
País: Reino Unido
Productora: The Fyzz Facility, Thunder Road Pictures, Maddem Films Limited. Distribuidora: Aviron Pictures
Género: Thriller | Crimen. Drama carcelario
Guion: Matt Cook. Novela: Börge Hellström, Anders Roslund
Música: Will Blair, Brooke Blair
Fotografía: Daniel Katz
Reparto: Joel Kinnaman, Rosamund Pike, Clive Owen, Common, Ana de Armas, Nasir Jama, Emanuel Coelho, Edwin De La Renta, John D. Hickman, Joanna Kaczynska, Tommy McInnis
Dirección: Andrea Di Stefano

miércoles, 19 de mayo de 2021

Las Analfabetas - Por Jackie O.

“El deseo de querer enseñar, y las ganas de aprender”. 

Sinopsis: Ximena mantiene su analfabetismo en secreto hasta que Jackeline, una joven maestra desempleada, la convence de tomar clases de lectura. 


Las Analfabetas es una película chilena, su guion está escrito por el mismo director y Pablo Paredes, autor también de la aclamada obra teatral en que se basa esta película.

Ximena es una mujer de cincuenta y tantos años que vive sola, se le ve constantemente jardineando o caminando por las calles mirando los letreros y pidiendo a otros que se los lean; ella es analfabeta y se avergüenza de ello, inventa que no puede ver bien para que otros le puedan leer. Solo una amiga sabe que es analfabeta y le lee los diarios, pero por alguna razón ya no le ha vuelto a leer; esto último no se ve.

Pero sí podemos dilucidar que esta amiga es una buena persona, ya que le pide a su hija, que es profesora, que vaya a verla y le lea los diarios por un pago.

Así llega Jackeline a casa de Ximena, y al indicarle que ella le leerá los diarios, Ximena acepta pero de mala gana, pues su trato no es de una mujer amable, es dura. Jackeline es profesora desempleada, y desea enseñarle a leer a esta mujer que se niega firmemente. Pero un día, esta joven descubre una carta del padre de Ximena y la convence en que ella puede leerla. Ximena acepta.

Entre discusiones fuertes y trato despectivo de Ximena, se comienza a entrelazar una amistad entre estas mujeres, donde ambas aprenden una de la otra. 

Una película que cuenta con pocas tomas de exteriores, ya que mantiene el estilo original, teatral, que es la de mantener pocos espacios y ciertos monólogos, como cuando habla de una carta al viejo pascuero, la cual sentí que fue muy de teatro y sin emoción.

También mantiene un estilo muy minimalista para presentarnos esta obra, que es bueno, pero con un irregular montaje, un guion y dirección que faltó más traspasarlo de lo que era teatro a la TV.

Una historia que nos muestra que el ser humano guarda sus secretos por vergüenza, para no querer ser tratados despectivamente.

Nos muestra también la soledad, las penas y frustraciones que se tienen.

No solo es no saber leer, es saber vivir y poder aceptar al otro, donde si nos atrevemos, podemos todos aprender.

Una película que mantiene varios premios, y está disponible en www.ondamedia.cl

Ficha técnica

Dirección: Moisés Sepúlveda
Guion: Moisés Sepúlveda y Pablo Paredes
Música: Cristóbal Carvajal
Fotografía: Arnaldo Rodríguez
Reparto: Paulina García y Valentina Muh
País: Chile 
Año: 2013
Género: Drama 
Duración: 73 minutos

Las Cosas Simples - Por Jackie O.

“Todo ser humano, necesita ayuda alguna vez” 


Sinopsis: Penélope es una funcionaria del Registro Civil que vive con su madre enferma de alzhéimer. Un día conoce a Ulises, un viejo indigente sin memoria ni registros, al que convence de que es su padre y que debe volver a casa para cuidar de su esposa.

Una mujer de clase media vive con su madre que tiene Alzheimer, son solas. Eso hace que Penélope salga siempre preocupada a trabajar, dejándola encerrada. No tiene vida, todo gira en torno a su madre, está cansada, se ve en su rostro y actitud.

Un día se percata que anda un hombre deambulando en el sector donde ella trabaja, está medio perdido, desorientado por las calles. Lo tratan de ayudar, pero es imposible saber de dónde viene o dónde va. Penélope solo escucha y observa. Piensa algo.

Ella ve en este hombre una salida a su problema de vida. Ya no quiere cuidar a su madre, quiere tener vida. Pero no podemos dejar de mencionar que ella ama a su madre, sin embargo necesita ayuda, aunque nunca se ve que la pida.

Convence a este hombre que es su padre y debe ir a casa a cuidar a su mujer; él cree y la acompaña. Ella se siente aliviada, hasta que aparece la familia de Ulises buscándolo. Ahí comienza a desatarse un tema moral y ético en Penélope.

¿Piensa en ella, en su salud mental, la felicidad que su madre ha despertado, y se queda en silencio? ¿O da aviso, de que ella tiene a Ulises en su casa?

El corto muestra una realidad mundial: Soledad, vejez, enfermedad, frustraciones.

Muchas familias tienen que lidiar con un miembro con problemas, sin tener ayuda. Sus vidas se ven frustradas, no pueden aspirar a rehacerse como personas, son ignorados como sociedad ¿O sí pueden, pero no recurren donde debe, no se informan?

La duración de esta cinta, resultó ideal para contarnos esta problemática.

Anita Reeves ejecuta una buena actuación de mujer perdida, como Carlos Montero.

Catalina Saavedra nos trae a esta mujer amargada y triste, rol que otra vez vemos en ella. Una actriz galardonada por sus actuaciones, pero casi siempre son los mismos roles. ¿Podrá personificar a otra persona alguna vez, no siempre a la mujer frustrada, triste y amargada?

Disponible en www.ondamedia.cl

Ficha técnica

Director y guion: Álvaro Anguita
Año: 2015 
Duración: 26 minutos 
Cortometraje de ficción / 16 mm / Color
Elenco: Catalina Saavedra (Penépole), Ana Reeves (la madre) y Carlos Montero (Ulises).
Dirección de fotografía: Tomás Alzamora Muñoz
Montaje: Diego Méndez
Dirección de arte: Michelle Mege García
Música: Martín Schlotfeldt

martes, 18 de mayo de 2021

La colina de Watership - Por Alejandro Caro

Sinopsis: En algún lugar de Inglaterra un grupo de conejos con rasgos humanos, posen su cultura, idioma, incluso sus mitos, pero su hábitat está amenazado y emprenden un peligroso viaje en busca de un nuevo hogar.


Basada en la novela de Richard Adams del año 1972. El autor dota a estos animales de personalidad y sentimientos. En cuatro episodios desarrolla el viaje, la incursión, la huida, y finalmente el asedio.

El director Martin Rosen, en 1978 realizó una primera y buena adaptación cinematográfica, pero desde una mirada adulta de la historia, bastante cruda y violenta.

Tiene un guion sin sobresaltos, con un buen ritmo, aunque su trama por momentos se torna dramática y cruel. Estos nos son los tiernos conejos de Disney, por más que tengan nombres simpáticos. Estos poseen conflictos y oscuros impulsos, propios de la conducta humana, en los personajes hay traiciones, pugnas de poder con otros animales y trampas mortales que cobran la vida de algunos de ellos.

La banda sonora es un buen hilo conductor de la trama y sobresalen las voces de los animales, dando su propio carácter a cada uno de los personajes.

La animación deja bastante que desear en su kinésica y estética: – ¿eran aprendices? o ¿faltó presupuesto?. Para los tiempos que corren y sobre todo para dos gigantes de la producción cinematográfica, como son la BBC y Netflix, se esperaría más para una buena obra literaria en la que está basado el relato.

La historia es la potente, donde surgen la amistad, el sacrificio, la vida y por supuesto la muerte.

El relato da breves tips del comportamiento humano y su relación con el medioambiente. Por otra parte, es una crítica oscura de las relaciones de poder, la dureza de la vida y por supuesto el camino inexorable hacia el fin de la existencia.

Es una serie para adolescentes y no para niños que les gustan de los animales.

Ficha técnica

Título original: Watership Down 
Año: 2018 
Duración: 200 min. 4 episodios de 50 min. Aprox. 
País: Irlanda 
Dirección: Peter Dodd, Noam Murro 
Guion: Tom Bidwell. Novela: Richard Adams 
Fotografía: Animación 
Reparto: Animación 
Género: Serie de TV. Remake. Animales, Animación para adultos. 
Productora: Coproducción Irlanda-Reino Unido-Estados Unidos; Biscuit Filmworks, Brown Bag Films, ITV Studios Global Entertainment 

Premios: 2018: Premios Annie: Nominada a mejores efectos animados (TV)

lunes, 17 de mayo de 2021

La Familia Mitchell vs. Las Máquinas - Por Jackie O.

“¿Qué pasaría si se apaga el Wifi?” 


En algún lugar de Michigan vive La familia Mitchell, una familia común y corriente.

Ellos son auténticos, y eso hace que no le teman al ridículo y ser muy expresivos en el momento menos pensado. Padres e hijos conviven cada quien con su personalidad definida que hace que la relación sea algo complicada a veces.

Todos son tecnófilos menos el padre; pero a él no le interesa.

La película comienza con la esperada partida de la hija adolecente a la Universidad, ella está ansiosa porque se va a estudiar cine a California. Pero los problemas en casa no acaban, y para tratar de mejorar las relaciones, el padre decide que su hija no se vaya sola en avión, sino que irán juntos a dejarla en auto, considerando que un largo viaje familiar será lo mejor para todos.

Pero no funciona, hay desacuerdos, poca comunicación, etc.

Al mismo instante, pero en otro lugar de la ciudad, un gran informático llamado Mark Bowman, está por mostrar algo nuevo y revolucionario de su marca PAL, pero todo sale mal y comienza una rebelión de dichas máquinas. Esto es, a cazar humanos.

Ahí los Mitchell, percatándose repentinamente de dicha situación, deben protegerse, y aprender a trabajar en equipo, de unirse como familia para defenderse, y obvio, salvar el mundo.

En todas estas peripecias que deben abordar los Mitchell, vemos que los cuatro personajes principales son muy amenos, y los secundarios increíblemente también, incluso la villana.

El colorido de las imágenes llama la atención y la mezcla de animación bien lograda la hace original. Habría sido muy interesante verla en el cine.

El montaje estuvo bien efectuado, hace que se ajuste bien la historia cuando se cambia de escenario, y en las temáticas: de humor a drama, y luego saltamos a algo medio absurdo.

La evolución de la familia se va viendo a medida que avanza la trama.

Muy buena banda sonora.

Hace muchas referencias a películas y personajes conocidos, que la hacen entretenida.

Su guion es simple, a veces mucho, pero hace bastante críticas en temas de la dependencia a la tecnología, al monopolio de las industrias, énfasis a los lazos familiares, principalmente la relación padre e hija.

En cuanto a humor, es pobre, solo un par de gags y ya.

Error que el director haya hecho la voz del hermano menor, no se escucha como niño. Mejor la voz hispana.

Larga innecesariamente, le quitaría 15 minutos.

La familia te recordará algo a “los Simpson” al comienzo, y “Los Increíbles” al final.

Una película donde encontramos las temáticas de Road Movie, los comics, y las apocalípticas. Y bueno, muestra el amor por el cine.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

The Mitchells vs. The Machines
Dirección: Michael Rianda
Guion: Michael Rianda y Jeff Rowe
Música: Mark Mothersbaugh
País: EEUU 
Año: 2021
Género: Animación, Ciencia ficción, Comedia y Aventura
Duración: 1 h. 54 min.
Productora: Columbia Pictures, SONY Pictures Animation y Lord Miller Productions.
Reparto:
Abbi Jacobson: Katie Mitchell
Danny McBride: Rick Mitchell
Maya Rudolph: Linda Mitchell
Michael Rianda: Aaron Mitchell
Eric Andre: Mark Bowman
Olivia Colman: PAL
Blake Griffin: un elegante robot de PAL Labs.

Raya y el Último Dragón - Por Carlos Correa

Disponible en Disney+


Hace mucho, mucho tiempo, humanos y dragones vivían en plena armonía. Era el mundo ideal, la paz se respiraba en todas partes y la fructífera convivencia estaba rodeada de ambientes positivos. Un verdadero paraíso. Pero el mal, siempre al acecho, se coló inesperadamente. La maravillosa tierra de Kumandra fue devastada por los Druun, unos malignos espíritus que petrificaron a las personas y también a los dragones. Ante tal aciaga desgracia, Sisu, el último dragón, concentró toda su energía y su magia en una gema que desterró a los Druun, revivió a los seres humanos, pero revivió a los dragones.

Desde esa catástrofe, la gente se dividió en tribus que defendieron sus dominios a lo largo de este río gigante con forma de dragón. La lucha de poder entre los territorios de Colmillo, Garra, Cola, Lomo y Corazón (se llaman igual que las partes del dragón) fue tan intensa que la gema tuvo que ser custodiada celosamente en la Tierra de Corazón para protegerla de los ataques. Ni pensar en que pudiera caer en manos malignas, ser robada o usada para otros fines.

La película comienza con Raya puesta a prueba por su padre, el Jefe Benja, guerrero y protector de la gema. El sueño de este hombre es la reunificación de Kumandra, algo que ve con buenos ojos con disposición y buena voluntad. Además, ha entrenado a su hija para ser guardiana de la gema, confía en ella, deposita el futuro en las acciones de su pequeño retoño.

Pero el mal regresa y se inmiscuye por la primera vulnerabilidad que encuentra a mano. Al convocar una reunión de jerarcas de las tribus para avanzar en la unión de los pueblos, una joven princesa Namaari, de la Tierra Fang, se hace amiga de Raya, logra llegar hasta la gema, y permite un asalto armado que termina con la fragmentación en cinco partes del tesoro guardado. Cada pueblo se queda con una, pero los Druun han regresado; avanzan, destruyen y petrifican todo a su paso. Las divisiones crecen, las dudas y desconfianzas aumentan; nadie confía en nadie.

Raya no puede olvidar lo acontecido. Han pasado seis años desde la división de la gema y durante este tiempo no ha descansado en su búsqueda de encontrar una esperanza, una solución, algo que revierta lo sucedido. Si al menos pudiera encontrar al último dragón, que, según la historia, se esconde al final del río. Acompañada de su fiel Tuk Tuk, recorre raudamente los confines de la tierra agotando posibilidades, aferrada a la ilusión de salvar a su padre, a su pueblo, restaurar la paz y volver a unir a las fragmentadas tierras.

Esta nueva película de Disney es muy bonita. Y no es solo por su notable confección técnica y artística, sino porque va un poco más allá, explorando personajes y temáticas que resultan tremendamente actuales.

Desde el punto de vista formal, la cinta tiene un diseño que sorprende desde un comienzo. La calidad de la animación no es sorpresa, sin embargo la cantidad de detalles presentes merecen reconocimiento. Colores brillantes, una edición vertiginosa y activos movimientos de cámara, entregan al relato características vibrantes. Las aventuras se potencian con efectos visuales, las coreografías poseen gracia y estilo, es divertida y emotiva en sus diálogos y cada uno de los personajes tiene un adecuado espacio de desarrollo. Naturalmente brilla Sisu, la dragoncita de agua, que se roba la pantalla desde aparece en escena, grácil y sencilla, llena de ternura, inocencia y buenas intenciones.

En cuanto a su fondo, la cinta es preciosa en afirmar el valor de la confianza como pilar fundamental. Si bien vemos que es justamente su vulneración lo que genera el caos y el regreso del mal, la película nunca pierde su horizonte y enfatiza que solo recuperando esa confianza perdida será posible erradicar el espíritu destructivo. El filme también explora otros valores, como la osadía, la valentía, la fidelidad, la amistad, el acompañamiento, la lealtad y el sueño de un mundo mejor, entre otros. La bondad se abre paso en la mayoría de las secuencias, mientras el engaño, la mentira y la soberbia son castigadas cada vez que se asoman en la historia.

Mención especial para la partitura de James Newton Howard. Es realmente una joya. Al observar -y sentir- la sincronía con la imagen, y al darnos cuenta de la capacidad que tiene de generar emociones -intriga, nerviosismo, calma, ensoñación-, descubrimos que la música se transforma en otro personaje. Los sonidos adquieren personalidad, nos hacen transitar entre estados anímicos y además realzan una composición gráfica que se despliega, brillante, como un arcoíris multimedia que nos toca el corazón.

“Raya y el Último Dragón”, que además incorpora rasgos asiáticos en sus personajes, no solo es vertiginosamente entretenida, sino que además obliga a reflexionar sobre su médula central. El empoderamiento de la joven Raya para lograr su objetivo, el trabajo en equipo que debe ejecutar, la incansable voluntad de completar su misión, la fortaleza que adquiere producto de cada batalla que debe enfrentar, y principalmente la enseñanza de “dar el primer paso”, son algunos de los temas principales de esta excelente animación. Prolijo trabajo de los directores Don Hall y Carlos López Estrada, y de los co-directores Paul Briggs y John Ripa; nos hacen soñar que un mundo mejor es posible si nos unimos para conseguirlo. Y esto, que puede parecer una utopía, es justamente lo que necesitamos hoy en día. ¿Qué esperamos? ¡Pasemos del sueño a la acción, demos el primer paso!

Ficha técnica

Título original: Raya and the Last Dragon
Año: 2021
Duración: 114 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Walt Disney Animation Studios. Distribuidora: Walt Disney Pictures, Disney+
Género: Animación. Fantástico. Aventuras | Dragones
Guion: Qui Nguyen, Adele Lim. Historia: Paul Briggs, Don Hall
Música: James Newton Howard
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Don Hall, Carlos López Estrada, Paul Briggs, John Ripa

Las Pruebas de Ted Haggard - Por Jackie O.

"Quién esté libre de pecado, que lance la primera piedra". 


Este documental sigue al deshonrado pastor Ted Haggard.
Este sería un seguimiento de la película del año 2007, de Pelosi, "Friends of God" (sobre evangélicos en los EEUU) .

Ted Haggard no sólo era líder de la Iglesia de la Nueva Vida, sino también presidente de la Asociación Nacional de Evangélicos de EEUU, que tiene unos 30 millones de fieles. Son muchas almas buscando consuelo, y muchas billeteras.

¿Qué es ser un buen cristiano?

TED predicaba en su iglesia como lo hacen muchos pastores, curas, maestros, etc. Como quieran llamarlos, según la religión que profeses.

Estas mismas personas tienen, por lo general, una buena vida, su trabajo solo es la iglesia, viven en casas y/o tienen autos que su iglesia o congregación les paga, hacen viajes pagados con el dinero de los fieles para estudiar o, según ellos, seguir predicando y enseñando la palabra.

Predican señalando lo que está bien y mal, según su interpretación.
Hasta que se descubre que no son "tan puros y correctos", y son iguales o peores a los que criticaban.
Esto le pasó a Ted, este Pastor que nunca salió del closet, hasta que un prostituto lo delató, y es más, dijo que le compró drogas. Ted lo negó, pero ante tanta presión mediática, tuvo que confesarlo.

Los mandamases de su iglesia no sólo lo exiliaron de dicha institución, sino que también del condado, como si fueran gobernadores o presidentes. Y además le exigieron que participara en sesiones de "terapia de restauración espiritual" efectuadas por la asociación de pastores, que tiene como fin orientarlo holísticamente hacia la salud y la naturaleza humana, y recuperar la santidad de ser cristiano, ya que, según estos cristianos, él tenía una enfermedad.

Estuvo 18 meses exiliado junto a su mujer y sus hijos (solo muestran 2), donde se percató en estos meses que, a sus 50 años, nunca había trabajado en su vida, ni tampoco estudió una carrera. O sea la Iglesia era su vida, lo mantenía.
Le costó encontrar trabajo. Vivió en diferentes casas de gente amiga y arrendaba lugares muy pequeños. Pero se ve que es una familia unida.

Se le ve leyendo la Biblia, y además, en todo momento está feliz. Demasiado, al punto de no verse auténtico.
Más que mal, una cámara está acompañándolo.

Pasado el tiempo de este exilio, su Asamblea levantó la restricción de volver al condado, pero siguió la de no entrar a la iglesia. Y cuando terminó las semanas de "sesiones espirituales", donde supuestamente le sacarían "ese mal" de ser Gay, lo manifestaron en público: "ya está sano", declararon.

Esta Iglesia muestra lo ignorante que es ante este tema, la diferencia que hacen con las personas, ¿eso es ser cristiano?.
Las religiones dan instrucciones como un manual, dirigen y exigen, en vez de educar y orientar.

Pero, que pasó con Ted, bueno, no se "sanó", ya que tiempo después un joven denunció un encuentro sexual con el Pastor.

Un documental que busca levantar la imagen de un caído, una persona que desea mantenerse vigente como sea, porque vende algo, y no sabe hacer otra cosa.

Por eso, creo, debemos tener cuidado cuando criticamos mucho, podemos caer.
Porque somos humanos complejos y débiles. Y siempre nos equivocamos.

Y la iglesia, una institución de poder, debe ayudar. No entorpecer ni aprovecharse del creyente.

Ficha técnica

Disponible en HBOgo.
Título original, The Trials of Ted Haggard
Año, 2008 ‧ Documental ‧ 41 min.
Directora, Alexandra Pelosi

domingo, 16 de mayo de 2021

El Baile de los 41 - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.


Muy hermosa recreación mexicana de un incidente verdadero, en que se mezcló la política, el amor, la homosexualidad y la hipocresía de una época.

Amada, una hija mestiza del Presidente Porfirio Díaz, contrae matrimonio con Ignacio de la Torre, próspero empresario, diputado y candidato a Gobernador del Estado de México.

Era conveniente su inclusión en la familia de un mandatario que permaneció en el cargo por más de 30 años, ostentando un enorme poder cívico y militar.

Mas, desde el comienzo de la película se nos informa que este yerno es irremediablemente homosexual.

La insatisfacción casi histérica de su esposa, unida al apremio inútil con que les exigían tener descendencia, hizo que Amada descubriera el affaire íntimo de su marido con Evaristo Rivas, un joven abogado.

Desesperada, recurre a su padre. El Pdte. ordena a la policía vigilar de cerca los pasos de su yerno.

Con ello se descubrirá la existencia de un muy exclusivo Club de caballeros, todos homosexuales, entre los que habían parlamentarios, ministros y prominentes figuras de la alta sociedad mexicana. Lo denominaban el Club de los 42, luego de la incorporación del abogado Rivas.

Durante una apoteótica fiesta del Club, celebrada un 14 de noviembre de 1901, en que la mayoría de los miembros bailaban travestidos y maquillados como mujeres, fueron todos arrestados esa noche, exhibidos al día siguiente en la Plaza Principal para escarnio público, despojados de sus bienes y relegados a regiones remotas del país.

Por intercesión de su esposa, Ignacio de la Torre fue el único rescatado de aquella humillante redada. Así, ese Club pudo seguirse denominando oficialmente como “de los 41”. Y quedó aquel impotente cónyuge sometido, por razones políticas y de protocolo, a los designios de su mujer y carcelera emocional.

El mayor mérito de este filme estriba en su factura. Magnífica recreación de época - fines del siglo 19 - de calles, carruajes, vestuarios, utilerías y ambientación de interiores. Iluminación nocturna con luz de velas para evocar las texturas y sombras elegantes del periodo. Y una cámara que sigue a los personajes en todo momento haciéndonos cómplices de sus vivencias.

Siempre manteniendo el rigor estético, nos permite presenciar escenas de cruda sodomía, tanto en las bacanales del Club como en los momentos de intimidad de la pareja protagónica.

Aunque al final se altera un poco la realidad de los hechos, la película cumple con creces sus objetivos: denunciar el machismo hipócrita de una sociedad, compadecer el anatema que acarrea un amor prohibido, y presenciar cómo el poder de un Gobierno consigue que las cosas queden social y políticamente “resueltas”.

EXCELENTE REALIZACIÓN ESTÉTICA DE UN OPROBIOSO INCIDENTE POLÍTICO Y SOCIAL. ALGUNAS ESCENAS HOMOSEXUALES PUEDEN SER CHOCANTES PARA CIERTOS ESPECTADORES. 

Ficha técnica

Biografía, drama, historia
2020 México, Brasil - 1,33 hrs. 
Fotografía: Carolina Costa 
Edición: Soledad Salfate 
Música: Carlo Ayhllon, Andrea Balency 
Diseño Prod.: Daniela Schneider 
Guion: Monika Revilla Actores: Alfonso Herrera, Emiliano Zurita, Mabel Cadena 
Director: David Pablos

viernes, 14 de mayo de 2021

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 14 de mayo 2021

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

La Última Nota - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 


Sir Henry Cole -Patrick Stewart-, ha regresado a los escenarios luego de años de silencio. Prodigio del piano y poseedor de una exuberante interpretación, sus recitales convocan multitudes que le siguen e idolatran. Pero solo una parte de Henry está de regreso. Hay otra, íntima y profunda, que se encuentra desprendida de su cuerpo. Puede ser su alma, el recuerdo de su gran pérdida, o también el extravío del sentido de la vida, o del arte que ejecuta, o del por qué y el para qué lo lleva a cabo.

Paul -Giancarlo Esposito-, su agente, es un motor incansable. Gran amigo y siempre cercano, lo contiene en la medida que puede, sin embargo Henry se ve perdido, dubitativo, temeroso. ¿Pánico escénico? Puede ser, pero solo en parte. ¿Memoria, lapsus, temor a la mente en blanco? También en parte. Pero hay algo más, mucho más intenso, imperceptible, subterráneo. Un hilo fino y delgado de intenso dolor y sinsentido que tiende a paralizarlo, inmovilizarlo.

Luego de un vibrante concierto, el pianista ofrece una ronda de preguntas a periodistas acreditados. Allí conoce a Helen Morrison -Katie Holmes-, una joven reportera de The New Yorker quien le solicita una entrevista exclusiva pues se encuentra escribiendo una crónica sobre él. Pero Cole es solitario y rehuye la exposición, por lo que se niega. Un encuentro posterior en el Steinway Hall los reúne nuevamente, y a raíz de una imaginativa improvisación, acuerdan juntarse y la postergada entrevista se lleva a cabo en los días siguientes.

Las preguntas sobre la vida y la trascendencia, sobre el arte, la interpretación y también acerca de los recuerdos, se toman sus reuniones. Surge amistad, cercanía, acompañamiento y admiración mutua. Henry parece despertar de un letargo; Helen se percibe cómoda y animada. En el escenario, Henry sufre un percance pero logra continuar gracias a la oportuna intervención de la joven. Acto seguido, en una de las escenas más conmovedoras de la cinta, vemos cómo el maestro acoge a un joven estudiante de piano que lo visita en su camarín luego del concierto.

Esta película escrita por Louis Godbout y dirigida por Claude Lalonde es fundamentalmente reflexiva. El guion es pausado, no tiene apuro, confía en que cada escena y cada secuencia transcurra con mínimos avances, donde parece que no pasa nada. Pero esto es aparente, porque lo que sucede es que se despierta gradualmente nuestro compromiso emocional con el protagonista, un proceso invisible e imperceptible, delicado y finamente estructurado.

Es muy curioso que se filme una película de estas características, sobre todo en los tiempos que corren. Como músico, reconozco que me toca profundamente. Tiene un sinfín de detalles que son parte de mi mundo. Comenzar con el tercer movimiento de la Sonata “Appassionata” de Beethoven, luego seguir en pantalla la partitura de la Fantasía de Schumann, y así, una pieza tras otra, tiene un encanto especial. Posee una banda sonora que uno quisiera independizar de la acción que transcurre en la pantalla. Si a lo anterior le sumamos un ejemplo poco presente en muchas películas y que se refiere a la ejecución, sorprende el gran trabajo respecto a las manos del actor sobre el piano. Hay efectos de edición espléndidos y un coaching excelente, que, sumado al trabajo de Allan Sutton como doble de Patrick Stewart sentado al piano, entrega una confección precisa. Es notable la sincronía y el toque de realidad que se imprime en cada secuencia, lo que sin duda es un aporte técnico fundamental, en extremo cuidadoso y perfectamente logrado.

Los diálogos de este filme son profundos y trascendentes, tanto como sus silencios. Aquella lentitud en el proceso de construcción puede exasperar a algunos, pero entrega al relato una gran consistencia. Me llegó bien adentro, sin duda, no obstante que en el último tercio tiende a caer en una inercia desde la que se resiste a salir para concluir con un predecible final. Mención especial a la fotografía y a la asociación paisaje-música; surte el efecto de un bálsamo, seduce, aquieta, abre el corazón.

“Coda”, su título original, es una película sensible y que tal vez no esté dirigida a todo público. La veo más desarrollada para intérpretes y amantes de la música. Si bien tiene elementos ya vistos y ciertos lugares comunes, se atreve a sumergirse en la intimidad de un artista en el ocaso de su carrera y de su vida. “Coda” es muy apropiado como título -es una singular particularidad en la música que implica un material extra al final, es decir, literalmente una cola-. pues la analogía con la vida resulta muy acertada y se retrata perfectamente en el metraje.

Podría extenderme mucho más, describir las piezas que se suceden o desglosar aún más sus múltiples detalles, pero no es el caso. La cinta se inclina hacia el proceso musical, sin embargo intenta equilibrar. Me gustaría saber cómo le llega a otras personas, más alejadas o con menos afinidad por la así llamada música clásica.

Para concluir, dos menciones importantes. Todas las interpretaciones de la cinta están a cargo del pianista ucraniano Serhiy Salov, quien también aparece al final de la película. Y lo segundo, la recordada frase de Nietzsche, “La vida sin música sería un error". Tener a la vista esta sentencia me emociona profundamente y no puedo estar más de acuerdo. La cinta la utiliza y explora otro detalle muy profundo, pero comentarlo daría curso a un texto adicional que no cabe en estas limitadas líneas.

Banda sonora disponible en YouTube

Ficha técnica

Título original: Coda
Año: 2019
Duración: 96 minutos
País: Canadá
Productora: 1976 Productions, Clinamen Films.
Distribuidora: Gravitas Ventures
Género: Drama | Música
Guion: Louis Godbout
Fotografía: Guy Dufaux
Reparto: Patrick Stewart, Katie Holmes, Giancarlo Esposito, Abdul Ayoola, Letitia Brookes, Don Anderson, Drew Davis, Nicholas Haze, Beat Marti, Silvana Sanchez, Patrick Ryan, Paul Van Dyck, Catherine St-Laurent
Dirección: Claude Lalonde

ReMastered: El doble asesinato de Sam Cooke - Por Jackie O.

"Entre la música y el escándalo". 


El 11 de diciembre de 1964, Cooke fue asesinado a tiros por Bertha Franklin, la gerente del Hacienda Motel en Los Ángeles, California. 

"ReMastered: The Two Killings of Sam Cooke" explora el misterio detrás del asesinato a través de entrevistas con familiares, amigos, periodistas y académicos, así como imágenes de archivo.

Un chico negro con una voz previlegiada, cantaba en la iglesia hasta que armó su grupo de canto, y luego se lanzó como solista alcanzando la fama muy pronto por su singular voz y sus grandes composiciones.

Este documental mezcla su vida personal y musical, explora las circunstancias que rodearon el asesinato del cantante de soul y su creciente participación en el movimiento de derechos civiles, antes de que lo mataran.

Todos quienes son parte de este documental hablan muy bien del joven Cook, quien le agregó una E final para que sonara más refinado. Se sacó la gomina que usaban los negros para mostrar cabellos lisos, como los blancos, y así encajar y ser aceptados, en una época donde las diferencias entre blancos y negros eran muy marcadas. Surgió económicamente, convirtiéndose en un empresario que comenzó a molestar a otros del rubro. Fue muy amigo de Muhammad Alí, también tuvo cercanía con Malcolm X y su movimiento, y tenía una buena relación con Martin Luther King.

Vemos imágenes de noticias violentas, como tomas de un miembro del KKK sosteniendo una soga, los restos de una sinagoga bombardeada, y el cuerpo de Emmet Till, un afroamericano de 14 años, que fue brutalmente golpeado a muerte por blancos. 

Nos cuentan los entrevistados cómo los músicos en la década del 50 fueron estafados por promotores sin escrúpulos, quienes muchas veces les pagaban con cocaína.

El documental nos da una mirada a su música que ha sido olvidada, en términos generales, por el mundo. A su vida empresarial sin temor a molestar a poderosos, en cómo ayudaba a sus pares, y su calidez con todos. 

Eso hace que todos nieguen de una posible agresividad hacia una mujer que lo acusó de atacarla. No aceptan esa acusación que provocó su muerte, sino que lo atribuyen a una conspiración en su contra, donde el estado y el FBI, estaban involucrados. 

¿Pero, por qué no puede ser que él a quien vieron salir de un bar con una mujer que no era su esposa para ir a un motel, haya sido agresivo con ella, y esta mujer pidió ayuda? No, por que dicen que él no era agresivo, y además esa noche desapareció su dinero.

Nadie sabe lo que pasó en realidad, él no está. Pero ellas sí y dieron su versión.

Todo sobre el asesinato de Cooke quedó en misteriosas circunstancias.

Este hecho no sólo lo mató como ser humano, si no que mató su legado.

Disponible en Netflix. 

Ficha técnica

ReMastered: The Two Killings of Sam Cooke.
Dirigido por Kelly Duane
Escrito por Jeff Zimbalist y Michael Zimbalist
Fecha de lanzamiento: 08.02.2019
Duración: 74 minutos 
País: EEUU.

jueves, 13 de mayo de 2021

La Despedida - Por Carlos Correa

Disponible en Cinemark.cl 


Lily -Susan Sarandon-, convoca a su familia. Quiere despedirse de sus cercanos porque ha tomado la decisión de terminar el sufrimiento que le provoca padecer esclerosis lateral amiotrófica (ELA). La eutanasia -en un estado en el que no se permite este procedimiento-, contará con el apoyo de Paul -Sam Neill-, su marido, quien además es médico.

Llega la hija mayor, Jennifer -Kate Winslet-, con su marido y con su hijo. También concurre la menor, Anna -Mia Wasikowska-, con su pareja, además de Liz -Lindsay Duncan-, una amiga cercana que genera algunos reparos. No es un grupo numeroso, la casa es grande y acogedora. Está al lado del mar, en un entorno hermoso y cristalino. Los anfitriones se encargan de acogerles con generosidad, con amplitud y amabilidad. El motivo de la reunión es trascendente, los invitados lo conocen previamente, pero aun así se percibe temor al tratar el tema.

La reacción que cada miembro de la familia tiene ante esta situación es diferente. Va desde la negación al cuestionamiento, desde el entendimiento a la compasión, desde el rechazo a una débil aceptación. Los diálogos son cuidados, se cruzan con miradas veladas y aperturas que se dan solo en privado. Se percibe una contención en lo explícito, la precaución de no invadir, de no contrariar. Pero la situación es tremendamente delicada. Es imposible no tocar fibras íntimas, pasar a llevar opiniones, discutir, desenterrar conflictos, exponer vulnerabilidades, dejarse llevar por la intensa emocionalidad que reviste la decisión que Lily ha tomado.

Basada en un guion de Christian Torpe y remake de “Stille hjerte”, película danesa del 2014, “Blackbird”, su título original en inglés, representa un tema actual y urgente. Estamos en presencia de un caso particular, donde la creciente incapacidad producto del inevitable avance de la enfermedad y los dolores cada vez más agudos, impulsan una decisión radical, tal vez la más radical de todas. Podría, perfectamente, ser un suicidio, pero en este caso la voluntad es tener una muerte asistida, y además transparente, comunicada previamente a los cercanos, en un momento en el que no se percibe incapacidad mental sino una indescriptible angustia por una situación irreversible, que tarde o temprano llegará a su fin.

No son pocas las películas que tratan este tema, con diversas formas y desde diferentes ángulos. Aun así, no deja de conmover, porque cada caso es especial y único. En el desarrollo de esta cinta, llama la atención la entereza y convicción de la protagonista. No existe asomo de duda, menos de alguna posible vacilación. Todo es tan claro, que incluso Lily se da maña para bromear. Y no es que no lo tome en serio, sabe lo difícil que es para quienes se quedan, cuánto les afecta y lo que significa para cada persona. Pero es su voluntad. La decisión está tomada.

La ausencia de primeros planos provoca que estemos distantes de cada escena. Cuando los hay, o se filman de costado o bien hay más de un rostro en el encuadre. Creo que eso nos aleja, no vemos el brillo de los ojos, el detalle de cada mirada, la textura de la piel, el aura personal. Estamos lejos. Los planos son, en general, medios y amplios. El director Roger Michell nos sitúa como observadores, no nos permite ingresar a las escenas, impone obstáculos a la empatía que podríamos desarrollar. Está bien, son decisiones, en este caso sus decisiones; debido a aquello no estamos junto a los protagonistas, estamos afuera, y nos separa un abismo.

Es cierto que la tentación de caer en el melodrama no es menor, y es algo que esta cinta evita muy bien. Sin embargo, estimo, se inclina hacia el otro extremo y nos impide conectar de mejor forma con el drama que observamos. Es más, la secuencia más importante, la que tiene más fuerza emocional, queda trunca, nos desplaza, nos recuerda que solo somos espectadores pasivos.

Reconozco que tenía más expectativas con esta película y francamente me decepcionó. Esperaba un mejor desarrollo, una convicción más profunda, una fuerza íntima que apelara a la emoción más que a la razón. Incluso al ver el elenco, considero que no está aprovechado al máximo de su potencial. Si bien son actuaciones más que correctas, algo las frena, las contiene y las inmoviliza.

“La Despedida”, aun considerando todo lo anterior, creo que debemos verla. Y la recomendación es indudablemente por su trascendente temática y por el desarrollo abordado en esta oportunidad. Independiente de lo más o menos logrado de esta puesta en escena, lo más importante es la colisión de valores que representa: el valor de la vida y el respeto a la libertad individual, ¡qué conflicto más impactante! Argumentos en favor de uno y de otro, principios fundamentales, consideraciones éticas, morales y sociales. Complejo es una palabra demasiado sencilla para describir todo lo que una decisión así involucra. El mérito de esta cinta es poner nuevamente el tema en una representación artística, al alcance de muchas personas, para provocar discusión y reflexión. Ojalá sea con altura de miras, respetuosa y también, naturalmente, informada.

Ficha técnica

Título original: Blackbird
Año: 2019
Duración: 97 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Millennium Films, Eclectic Pictures, Busted Shark Productions, SF Studios. Distribuidora: GEM Entertainment
Género: Drama | Familia. Enfermedad. Remake
Guion: Christian Torpe
Música: Peter Gregson
Fotografía: Mike Eley
Reparto: Susan Sarandon, Kate Winslet, Mia Wasikowska, Sam Neill, Rainn Wilson, Lindsay Duncan, Bex Taylor-Klaus, Anson Boon
Dirección: Roger Michell

miércoles, 12 de mayo de 2021

Amor, Bodas y Otros Desastres - Por Carlos Correa

Disponible en Cinemark.cl


En la primera secuencia de esta película se ve a un hombre nervioso, asustado, histérico, mientras que la joven que le acompaña parece dueña absoluta de la situación. Van en un avión, con cascos, mucho ruido, y cuando la altitud es apropiada se acerca el momento crucial y deben saltar. Vamos, un poco a la fuerza… caen rápidamente, vuelan, el aire opone poca resistencia al vertiginoso descenso, y uno de los dos paracaídas no se abre; el salto al vacío se complica. Caen literalmente encima de una idílica boda al borde de un lago y dejan un singular desastre.

La descripción anterior entrega a la protagonista, Jessie -Maggie Grace-, su apodo de “rompebodas”, pues claro, los videos de la escena se han viralizado como la espuma en el mar. Gran problema para la joven, porque justamente acaba de ser contratada para planificar el matrimonio del candidato a alcalde de la ciudad, desafío que se hace aun más exigente y complicado al tener que convencer al refinado Lawrence Phillips -Jeremy Irons-, un reputado experto en banquetes y ceremonias, que trabaje con ella en la producción de aquel magno evento.

El cuadro principal se completa con una pareja que participa en un concurso de TV -el hombre es hermano del candidato y la mujer tiene algunos enredos pendientes-, a quienes se suma el Capitán Ritchie, un guía turístico local que busca a una mujer que le dejó embelesado, Mack -Diego Boneta-, un músico que tiene una banda de música, y Sara -Diane Keaton-, una mujer no vidente que traba amistad con Lawrence luego de una cita a ciegas.

Esta cinta, dirigida por Dennis Dugan y escrita por el mismo director junto a Eileen Conn y Larry Miller, resulta tan liviana como una pluma. Su simplicidad es extrema, e incluso se pierde en la banalidad de situaciones que son dibujadas con un manual de estereotipos. Acusa, entre otros aspectos, debilidades de narración, escenas inconexas y errores de edición, algo extraño para los días actuales.

Llama aún más la atención la presencia en el reparto de los consagrados Diane Keaton y Jeremy Irons. Curioso, por decir lo menos, sin embargo su presencia sin duda llama a las audiencias, entrega valor, y seguramente aporta una cuota importante al marketing de la distribución.

Aún tomando en cuenta las consideraciones anteriores, la película sobrevive y resulta agradable. Primero, porque sabemos de antemano que será algo gracioso, sin ninguna exigencia mayor, solo para distraernos y pensar en otra cosa. Segundo, porque no todas las películas deben ser profundas y vitales; también las hay simples y sin gran contenido, y mientras estas últimas no traten de ser consideradas como las primeras, todo bien, nobleza obliga. Y en tercer término, porque al ver “Amor, Bodas y Otros Desastres” podemos, sin culpa, conversar entremedio, disfrutar un postre, tomar un café, reírnos y pasar un rato agradable en familia.

Ficha técnica

Título original: Love, Weddings & Other Disasters
Año: 2020
Duración: 90 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Align, Construction Film, Convergent Media, Fortitude International
Distribuidora: GEM Entertainment, Saban Films
Género: Comedia. Romance | Comedia romántica
Guion: Eileen Conn, Dennis Dugan, Larry Miller
Música: Dennis Dugan, Noah Needleman, Keaton Simons
Fotografía: Nick Matthews
Reparto: Diane Keaton, Jeremy Irons, Maggie Grace, Andrew Bachelor, Diego Boneta, Dennis Dugan, Todd Stashwick, Jesse McCartney, Chandra West, Richard Kline, Veronica Ferres, Caroline Portu, Elle King
Dirección: Dennis Dugan

La Despedida - Por Jackie O.

“Decisiones difíciles, tema de discusión necesario”. 


"Blackbird" es una película dramática, una nueva versión de la película danesa Silent Heart de 2014, y se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2019.

El guion de Christian Torpe se basa en la eutanasia, presentándonos este drama familiar sobre tres generaciones que se unen durante un fin de semana para despedirse de su esposa, madre, suegra, abuela y amiga.

Con un gran reparto nos traen un tema delicado, profundo, sincero, y de conversación necesaria.

¿Nos detenemos a pensar qué pasa cuando una persona tiene una enfermedad terminal, y sufre graves dolores, o comienza a perder la movilidad, o debe comer por medio de tubos, sabiendo que va a morir pronto? ¿Pensamos en ellos, o en lo que nosotros queremos?

Sí, es difícil dejar ir a un ser querido, ¿es egoísmo el retenerlos mientras ellos sufren?

¿Ellos quieren pasar por ese proceso de invalidez y/o sentirse humillados por verse en un estado deplorable?

Eso le pasa a Lily, ella tiene una enfermedad terminal y su motricidad comienza a perderse. Pronto deberá comer por medio de tubos, no se moverá, y morirá de todas formas, no tiene cura su enfermedad. Y ella no quiere llegar a ese estado, no lo acepta.

¿Pero, qué hacer? Los médicos no le dan otra salida que aceptar esa realidad. Vive en un estado donde la eutanasia no es permitida, y no quiere salir de ahí, pues ahí están sus raíces. Así es que le pide a su esposo, que es médico, que la ayude.

Lily reúne a su familia y mejor amiga, a un fin de semana para vivirlo “a concho”. Todos saben la decisión que tomó Lily y concurren.

En ese fin de semana se realizan actividades, y una celebración de navidad muy emotiva. Entre tragos, drogas y conversaciones varias, van saliendo rencillas viejas, secretos, y se muestran los sentimiento a flor de piel que hacen que todo vaya tomando diversas formas.

La eutanasia, una dura decisión. No es admitida en todos los países, en algunos aceptan la voluntad del paciente terminal, en otros prefieren decidir por ellos. La familia y doctores deciden qué es mejor para quien padece la enfermedad.

¿En algún momento les consultan lo que siente el paciente, y lo toman en cuenta? ¿O existe siempre la esperanza de que saldrán las cosas bien?

La película cumple con la emotividad y con poner en discusión el tema. Mantiene, además, un gran elenco, que interpreta los sentimentalismos necesarios para provocarte. La ambientación es acorde a la melancolía y tema tratado, presentada en una locación tranquila y bella.

Esta película está disponible online en cinemark.cl y cinehoyt.cl

Dato extra
La Cámara de Diputados de Chile aprobó el 20.04.2021, el proyecto de ley que regula la “muerte digna” a través de cuidados paliativos o eutanasia para mayores de 18 años, que ahora pasará a discutirse en el Senado para convertirse en una próxima ley.

El proyecto de muerte digna y cuidados paliativos regula "la asistencia médica para morir" en casos de personas que padezcan enfermedades "incurables, irreversibles y progresivas", sin posibilidad de respuesta a los tratamientos curativos, y con un pronóstico de vida reservado.

Ficha técnica

Título original: Blackbird
Dirección: Roger Michell
Guion: Christian Torpe
Basada en Silent Heart
Música: Peter Gregson
Fotografía: Mike Eley
Montaje: Kristina Hetherington
Reparto:
Susan Sarandon , Kate Winslet, Mia Wasikowska, Sam Neill, Rainn Wilson, Bex Taylor-Klaus , Lindsay Duncan, Anson Boon