26/9/21

Antes que sea tarde - Por Jackie O.

Leonardo Di Caprio, muy conocido por sus películas pero también como muchas personas, ocupa su tiempo en otros quehaceres relevantes, como por ejemplo, ser embajador de la ONU. Y este documental es parte de su experiencia en ello, donde nos recuerda la belleza y la diversidad de nuestro mundo y nos impulsa a hacer lo que sea necesario para salvar el planeta, y a nosotros mismos. 

Durante los dos años que sirvió como mensajero de paz, registró momentos desgarradores y bellos de nuestro planeta. Se reunió con grandes científicos, ambientalistas, mandatarios, tales como Bill Clinton, Barack Obama, John Kerry, Elon Musk, el Papa, y otros, y también con personas que no creen en el cambio climático que vive el planeta. Todos con fuertes antecedentes que avalan sus dichos.

Cuando crees en algo te aferras a ello, sentir algo y no cambiar porque "es tú verdad", así se muestra acá, adeptos y detractores por el tema del calentamiento global, y sobre los desastres que muchas grandes empresas le hacen al planeta (empresas con nombre y apellido se mencionan)

Pero lo peor es que todos ocupamos esos contaminantes, no somos capaces de crear conciencia y cambiar nuestro estilo de vida. ¿Por qué no nos tomamos el tiempo para hacer algo mejor, para vivir mejor?

No debemos cambiar al 100% de inmediato, pero pequeños actos hacen la diferencia. Pequeños actos que nos harán bien, y podemos incentivar a otros.

Que las futuras generaciones no reciban las cenizas de lo que fue este planeta.

El documental aborda muchos aspectos del cambio climático: desde el derretimiento de los glaciares hasta el problema de la deforestación, el cambio en Groenlandia y las consecuencias en muchas especies animales en peligro de extinción. Con imagenes impresionantes, que nos gritan que cuidemos nuestro hogar.

Es nuestra casa, cómo es que la destruimos de a poco, sin tomar conciencia.

Una cinta que da una comprensión del contexto y los problemas de la crisis del calentamiento global, del impacto en el sector agrícola, la pesca, economía y sociedad, en el ser humano.

Un guion profundo, unas imágenes impactantes, una edición correcta, y un buen locutor.

Hoy en día es necesaria la conciencia medioambiental, por lo que le pedimos a los mandatarios de cada país que, en sus discursos y campañas políticas, tengan presente el medio ambiente, pero no solo en discurso, sino que en actos concretos.

Estamos en el "jardín de las delicias", donde tenemos tiempo de cambiar. No pasemos "al infierno".

Disponible en Disney.

Ficha técnica

Título: Before the flood
Género: Documental.
Dirección: Fisher Stevens.
Producción: Leonardo DiCaprio
Productora: National Geographic Channel.
Reparto: Ecologistas, científicos, políticos, presidentes, expertos de la Nasa.
País: EEUU. Año: 2016
Dirección: 95 minutos.

24/9/21

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 24 de septiembre 2021

El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

23/9/21

Viejos - Por Carlos Correa

Disponible en Cines.


Una familia llega de vacaciones a un Resort paradisiaco sin sospechar lo que vendrá a continuación. Guy -Gael García Bernal- y Prisca -Vicky Krieps-, solo quieren tener un espacio de descanso, desconectarse de sus problemas y brindar a sus dos hijos pequeños, Maddox y Trent, una experiencia inolvidable.

La pareja pasa por momentos estresantes por lo que esta escapada la visualizan como una oportunidad ideal. Sin embargo, y a poco andar, nos damos cuenta de que el matrimonio se encuentra en serias dificultades y que la decisión de concurrir a este lujoso hotel es producto de otras razones.

El lugar es hermoso, el entorno es ideal y la hospitalidad de quienes están allí para facilitar sus días destaca por amabilidad, simpatía y disposición. Es por ello que, cuando el gerente les ofrece visitar una playa exclusiva a la que solo algunos de los huéspedes son invitados, la oferta se enmarca perfectamente dentro de un cuadro que resulta imposible de rechazar.

La excursión los sorprende en compañía de otras personas: Charles -Rufus Sewell-, un médico cirujano acompañado por su madre Agnes, su esposa Chrystal -Abbey Lee- y su hija Kara; Jarin -Ken Leung-, un enfermero casado con Patricia -Nikki Amuka-Bird-, de profesión psicóloga; y Mid-Sized Sedan -Aaron Pierre-, un conocido y famoso rapero.

La verdad sea dicha, el lugar es un paraíso en la tierra, o bien, como dicen sus anfitriones, “su propia versión del paraíso”. No obstante tanta maravilla, surge una gran preocupación: en la playa comienzan a suceder varias situaciones extrañas que no tienen explicación razonable. La sorpresa es aún mayor ante descubrimientos que parecen imposibles referidos a una situación que comienza poco a poco a desesperarles: se dan cuenta que el tiempo transcurre muchísimo, pero muchísimo más rápido de lo habitual, envejecen aceleradamente y, además, se ven imposibilitados de abandonar el lugar.

M. Night Shyamalan, con su imaginación y oficio, nos brinda un baño teñido de aspectos que comenzamos a dilucidar lentamente en la medida que avanza el metraje. Basada en la novela gráfica “Sandcastle”, escrita por Pierre Oscar Levy y Frederik Peeters, el director compone un guion que nos sumerge en el misterio de este envejecimiento repentino. La premisa es interesantísima, porque reduce el espacio-tiempo, lo comprime al máximo y además le entrega elementos de suspenso que capturan nuestra atención de manera consistente.

Quienes están en la playa deben resolver la ecuación que se les presenta. Desconocen lo que sucede sin embargo deben intentar despejar los términos correspondientes. ¿Cómo actuamos ante lo desconocido?¿Cómo cambiamos nuestro actuar ante aquello que no logramos entender? Hay acá, una reflexión sobre estar atrapados, con múltiples variables pero una constante que es inexorable: el vertiginoso avance del tiempo. En la playa todo pasa extremadamente rápido, no hay espacio para comprender aquello, no hay forma de detenerse y reflexionar; es una bola de nueve que amenaza con pasarles por encima en fracción de minutos.

Como el núcleo central es el tiempo, Shyamalan retrata con sus personajes lo que podríamos asimilar a la angustia por la falta de tiempo sumada al agobio de un encierro forzado. Claro, la pandemia mundial ha provocado un cambio de paradigma y de percepciones: parece que el tiempo se hubiese detenido, o bien no observamos claramente su avance; o tal vez todo ha sucedido tan rápido en estos últimos casi dos años que nos perdemos totalmente, o quizá es como si se tratara de una dimensión que nunca hubiera existido. Este juego abstracto -qué es real, qué no es real, qué percibo, qué no percibo-, es la esencia de un relato que no da tregua en sus 108 minutos de duración.

Shyamalan nos llena de preguntas sin respuestas a través de los diálogos y las acciones de sus protagonistas. Observamos el vacío, la infinitud, la desesperación y la calma, tanto en forma contradictoria como complementaria. Asimismo, y en una reflexión sobre la vida, se presenta un conflicto humano, moral, ético y científico de insospechadas proporciones.

¿Y si la vida fuera así de corta? ¿Nos reconciliaríamos con el paso del tiempo? ¿Alcanzaríamos la anhelada paz ? La película entrega un sinnúmero de sensaciones y se transforma por ello en una experiencia. Estamos viendo algo diferente y podemos dejarnos envolver para disfrutarlo al máximo. Además, Shyamalan filma todo al detalle, con un estilo particular, con enfoques especiales, vivos colores y una edición que destaca por su natural continuidad. Sumemos a esto que las actuaciones resultan convincentes para terminar de configurar una producción que asoma impetuosa gracias a su buena ambientación y a una banda sonora precisa para generar tensión y reacción.

En pocas palabras, “Old” se inscribe en la lista del director de “Sexto Sentido” y “Fragmentados”, como un relato sólido, tal vez no para todo público, pero que a quienes seguimos a este realizador no nos defrauda en absoluto. 108 minutos que pasan tan rápido como lo que la película recrea, tal vez en una asociación sublineal con su esencia. Una nueva experiencia, otra dimensión del paso del tiempo, tan reflexiva y profunda como el punto al que queramos llegar.

Ficha técnica

Título original: Old
Año: 2021
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Blinding Edge Pictures, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Intriga. Fantástico. Thriller. Drama | Familia. Sobrenatural. Cómic
Guion: M. Night Shyamalan. Novela gráfica: Pierre-Oscar Lévy, Frederick Peeters
Música: Trevor Gureckis
Fotografía: Mike Gioulakis
Reparto: Gael García Bernal, Vicky Krieps, Rufus Sewell, Thomasin McKenzie, Alex Wolff, Nikki Amuka-Bird, Abbey Lee, Ken Leung, Aaron Pierre, Eliza Scanlen, Emun Elliott, Embeth Davidtz, Alexa Swinton
Dirección: M. Night Shyamalan

Terror en Altamar - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cinemark.cl


Terror y misterio en un tema ya tratado en excelentes filmes anteriores como La Cosa (1982) y Alien, el Octavo Pasajero (1979). Sólo que ahora sucede en el mar de Irlanda.

Al parecer, nos advierten de lo peligroso que es alterar el equilibrio ecológico de las desconocidas criaturas que habitan en los océanos.

Casi todo sucede en un pequeño barco pesquero a punto de ser expropiado. Del éxito de esta travesía dependerá que los dueños puedan pagar sus deudas.

Siobhan (Hermione Corfield - Star Wars, 2017) está pronta a doctorarse en biología marina. Sus maestros le exigen realizar la práctica final a bordo de un jabeguero.

Su carácter retraído le hará aún más difícil la convivencia en medio de una tripulación supersticiosa referente a llevar pasajeras colorinas.

A poco navegar, - por zonas donde la pesca está vedada - la quilla del barco comienza a desintegrarse. Una extraña criatura luminosa, similar a un pulpo, está disolviendo la madera. Secreta una sustancia capaz de traspasar incluso el acero. Ya masacró a la dotación de otro barquito que encontraron en su ruta.

Nuestros personajes comenzarán a sentir síntomas de malestar, cefaleas, manchas en los ojos que crecen hasta reventar y dejarlos ciegos para, finalmente, ir muriendo uno por uno.

Mientras avanza el relato - de manera muy lenta y pausada - nos preguntamos cómo terminará, quién se salvará y cómo.

Por más que la bióloga trate - sin éxito - de averiguar las características del monstruo para contrarrestarlo, y devolverlo a su hábitat, la nave está demasiado lejos y sólo queda incendiarla y quedar a la deriva en el mar.

Más que terror, la historia nos hace compadecer a esas pobres personas sometidas impotentes a un destino fatal.

La evolución de los personajes, y sus motivaciones, son esquemáticas y a ratos inexplicable. Teniendo sobre sus hombros el protagonismo, la bióloga Siodhan vive la encrucijada entre proteger las especies animales venenosas, a sus compañeros humanos, o claudicar definitivamente a todas ellas dando así un remache a la fábula.

UN DILEMA DE SOBREVIVENCIA PLANTEADO COMO PELÍCULA DE TERROR VERSUS MORAL ECOLÓGICA. 

Ficha técnica   

Título Original: Sea Fever
2019 Misterio, terror, ecología 
Irlanda, Inglaterra, Suecia, Bélgica, EE.UU. - 1,35 hrs. 
Fotografía: Ruairí O'Brien 
Edición: Barry Moen, Julian Ulrichs 
Música: Christoffer Franzén 
Diseño Prod.: Ray Ball 
Actores: Hermione Corfield, Dag Malmberg, Jack Hickey 
Guionista y Directora: Neasa Hardiman 

20/9/21

Entre Navajas y Secretos - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Cuando el renombrado novelista de misterio Harlan Thrombey (Christopher Plummer) es encontrado muerto en su mansión, justo después de la celebración familiar de su 85 cumpleaños, el inquisitivo y cortés detective Benoit Blanc (Daniel Craig) es misteriosamente reclutado para investigar el asunto. Se moverá entre una red de pistas falsas y mentiras interesadas para tratar de descubrir la verdad tras la muerte del escritor.


Filme que cuenta con un sinnúmero de nominaciones y premios, con un gran reparto, haciendo que la historia se construya de manera natural y en perfecta armonía, donde ninguna estrella opaca a la otra y por supuesto la dirección de Rian Jhonson logra hacer la perfecta conjunción de ellas.

Por otra parte, nos propone algo distinto y a la vez sugerente para el espectador y que podemos encontrar en las novelas policiacas como las de Agatha Christie. Partiendo con la premisa, ¿quién lo ha hecho?, en este caso el crimen se transforma en un rompecabezas, tanto en el relato como tal como para el espectador, colocando un desafío para este último y ver si logra descubrir al criminal antes que lo haga el investigador del filme.

Es un filme bien hecho, en su guion y dirección, entretenido, a veces un poco loco, con un fino humor negro en lenguaje de comedia, pero lo mejor es cómo incorpora al espectador en el misterio del asesinato y la investigación.

Locaciones, escenografía están para que relato fluya acompañado de la música de Nathan Jhonson.

Ha sido tal el éxito que ya se está trabajando en la segunda parte, pero otra plataforma ganó su producción.

Ficha técnica

Título original: Knives Out 
Año: 2019 
Duración: 130 minutos
País: Estados Unidos 
Dirección: Rian Johnson 
Guion: Rian Johnson 
Música: Nathan Johnson 
Fotografia: Steve Yedlin 
Reparto: Daniel Craig, Ana de Armas, Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Toni Collette, Don Johnson, Michael Shannon, Christopher Plummer, Lakeith Stanfield, Katherine Langford, Jaeden Martell, Riki Lindhome, Edi Patterson, Raúl Castillo, Frank Oz, M. Emmet Walsh 
Género: Intriga, crimen, comedia negra. 
Productora: Filmnation Entertainment, Ram Bergman Productions, Media Rights Capital (MRC). Distribuidora: Lionsgate 

Premios 

2019: Premios Oscar: Nominada a mejor guion original 
2019: Globos de Oro: Nom. a mejor film comedia, actor (Craig) y actriz (de Armas) 
2019: Premios BAFTA: Nominada a mejor guion original 
2019: National Board of Review (NBR): Mejor reparto. Top films del año 
2019: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año 
2019: Critics Choice Awards: Nominada a mejor comedia, reparto y guion original 
2019: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor guion y dirección artística 
2019: Círculo de Críticos de San Francisco: Nominada a mejor guion original 
2019: Satellite Awards: Mejor reparto. 4 nominaciones, incluyendo mejor comedia 
2019: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película 
2019: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion original 

Locked Down - Por Carlos Correa

Disponible en HBO Max.


Londres, Marzo de 2020. Una pareja vive el confinamiento producto de la pandemia de COVID-19. Ella, Linda -Anne Hathaway-, es directora ejecutiva de una empresa multinacional y desarrolla teletrabajo. Él, Paxton -Chiwetel Ejiofor-, oficia de conductor de camiones de reparto. Ambos llevan un buen tiempo juntos pero están pasando por malos momentos, agravados por el encierro y las escasas perspectivas con que ven su relación para el futuro.

Sin embargo, surge una luz. Producto del cierre de inventarios en los almacenes Harrods, Linda debe gestionar el envío de un oneroso diamante a Estados Unidos, pieza avaluada en más de 3 millones de dólares. Y como en la tienda existe una réplica, una idea resulta prometedora: enviar la copia al comprador anónimo, conservar el original y después que todo pase, venderlo al mejor postor.

Paxton y Linda deciden aplazar sus decisiones radicales de separación por el atractivo de este inusual atraco, para el que deberán coordinar todos los detalles en forma precisa, en una ciudad prácticamente vacía, con controles de seguridad estrictos aunque siempre con espacios sensibles y vulnerables.

Doug Liman dirige un guion de Steven Knight que sitúa la acción mayormente en locaciones cerradas. Es obvio, remite a la necesidad de evitar al máximo la circulación por la amenaza global del coronavirus. Y dado el contexto, gran parte del metraje juega con las ya conocidas reuniones virtuales, espacios caseros, rutinas aprendidas a la fuerza y muy pocos exteriores, solo los indispensables para dar cuenta de un ambiente que se percibe absolutamente anormal, algo que para todos nosotros es revivir los peores momentos del confinamiento personal y familiar.

La cinta fluye a pesar de sus ripios. El ritmo es cansino y solo por momentos pisa un poquito el acelerador. La filmación se mantiene gracias al ángel y carisma de Anne Hathaway y Chiwetel Ejiofor, y solo ellos, porque resulta muy curioso el poco desarrollo y configuración de los personajes secundarios que les acompañan en esta oportunidad.

La historia, a pesar de su aparente simpleza, tiene otros elementos de los que pudo haber obtenido un mejor partido. Por ejemplo, en los nutridos diálogos de la pareja se dejan entrever temáticas de su vida juntos y también sobre las decisiones acerca del futuro. Por eso resulta confuso que el texto desaproveche la oportunidad de profundizar, máxime si tampoco se enfoca en una acción que, supuestamente, los mantiene reunidos.

También se explora en dilemas morales, en hacer o no lo correcto a pesar de una evidente oportunidad. Acá, quizás, está un poco más extendido su desarrollo, pero aun así no alcanza a situarse como un tema sustantivo y de mayor reflexión. Otros esbozos corresponden a las disquisiciones individuales de Paxton y Linda: qué han hecho con sus vidas, cómo les afecta el pasado y qué quieren construir a futuro, ya sea juntos o cada cual por caminos individuales. Si bien surgen luces, tampoco es algo que el guion logre enrielar ni menos elaborar en forma apropiada.

En resumen, “Locked Down” -muy mal titulada en español como ”El amor en tiempos del Covid”-, algo entretiene y se deja ver, pero deja el sabor agridulce de haber perdido una oportunidad inmejorable, no obstante un elenco poderoso, para elaborar una película más inquietante sobre una realidad que a todos nos ha pasado por encima y que naturalmente tiene de antemano nuestra cercanía y empatía.

Ficha técnica

Título original: Locked Down
Año: 2021
Duración: 118 minutos
País: Reino Unido
Productora: Storyteller Productions. Distribuidora: Warner Bros., HBO Max, HBO
Género: Romance. Comedia | Robos & Atracos. Coronavirus (COVID-19)
Guion: Steven Knight
Música: John Powell
Fotografía: Remi Adefarasin
Reparto: Anne Hathaway, Chiwetel Ejiofor, Ben Stiller, Lucy Boynton, Ben Kingsley, Mindy Kaling, Stephen Merchant, Dulé Hill, Mark Gatiss, Jazmyn Simon, Bobby Schofield
Dirección: Doug Liman

18/9/21

Testigos Silenciosos - Por Jackie O.

"Dispuestos a todo."


Trabajando en la morgue y en nochebuena, un forense y su asistente son repentinamente abordados por intrusos enmascarados que exigen el acceso a un cuerpo.

Nos encontramos con una película asiatica de acción que no aburre, pues te mantiene en constante atención. Su premisa es interesante: unos enmascarados buscan un cuerpo en la morgue pues los involucra en un crimen y no deben dejar huella. En dicha morgue está un viudo forense con su asistente, más el guardia de seguridad, un hombre de avanzada edad. A los pocos minutos de lo que sería una noche más, aparecen tres enmascarados y comienza una caótica noche, pues no tenían presente que nuestros protagonistas harían lo posible por defenderse, y para que se haga justicia.

A medida que avanza la cinta, vamos conocimiendo a los protagonistas y las razones de por qué nuestros antagonistas están interesados en dicho cuerpo. Cada quien tiene su personalidad. Vemos la brutalidad de algunos, la torpeza de otros, así como la astucia de los principales.

Dinámica, predecible, pero sabe mantener el ritmo de la acción con golpes, balazos, y hasta los mismos muertos sirven de apoyo para defenderse. Incluso, mantiene la tensión, lo que no todas las películas últimamente provocan, y eso a asta se le agradece.

Las actuaciones son relativas, el médico forense es muy creíble así como el antagonista mayor. El resto solo cumple. La banda sonora intensa y acorde a cada movimiento que veíamos.

Simple, sin tanto efecto visual excesivo, sabe distraerte en una tarde donde no querrás pensar en nada, solo mirar golpes y algo de sangre.

Disponible en Cinemark.cl y Cining.cl

Ficha técnica

Título original: Chen mo de zheng ren aka (Bodies at Rest)
Año: 2019 
Duración: 90 minutos
País: Hong Kong
Dirección: Renny Harlin
Guion: David Lesser
Música: Lasse Enersen
Fotografía: Perry Ho
Reparto: Nick Cheung, Richie Ren, Yang Zi, Feng Jiayi, Carlos Chan, Ron Ng, Sonija Kwok, Shu-liang Ma, Jin Auyeung, Roger Kwok
Género: Acción, Thriller

16/9/21

J’accuse - Por Carlos Correa

Disponible en Cines.

Un batallón de soldados marcha solemnemente. La extensión parece amplia y la cámara lentamente acompaña sus movimientos. El ambiente es tenso, algo importante sucederá. Se trata de una declaración, la lectura de una sentencia, un antes y un después en la vida del capitán francés Alfred Dreyfus -Louis Garrel-. Para este joven oficial judío el castigo por sus actos de espionaje para favorecer a Alemania consiste en cadena perpetua y relegación a la Isla del Diablo, en la Guyana Francesa. Dreyfus insiste que es un hombre inocente.

Posterior a su nombramiento como jefe de la sección de inteligencia del ejército, el coronel Georges Picquart -Jean Dujardin-, quien fuera parte en el juicio contra Dreyfus, observa nuevos antecedentes que le hacen dudar respecto del verdadero responsable de las filtraciones, debido a que el flujo de secretos aun continúa. Por eso, y ahora desde otra posición, comienza a investigar, y lo que encuentra es una red oscura de encubrimientos, mentiras y corrupción, en un grado difícil de imaginar y comprender.

Basada en la novela "An Oficial and a Spy”, escrita por Robert Harris, la esencia de la cinta es el verdadero caso Dreyfus, que adquiere una connotación especial desde que el escritor Èmile Zola publicara en 1898 en el diario L'Aurore la famosa carta J’accuse…!, dirigida al Presidente de la República, exponiendo inconsistencias y detalles precisos acerca de un hecho que conmocionó fuertemente a la sociedad de la época.

Roman Polanski dirige esta película con indudable maestría. Gracias a un pulso y un ritmo “in crescendo”, la narración compromete en la medida que entramos en su interior. La edición es notable, no hay detalle dejado al azar. Asimismo, la ambientación de cada uno de los lugares, su particular luminosidad y colores empleados, entregan al relato una dimensión que se complementa con encuadres estéticos y una banda sonora que está posicionada en momentos clave.

El guion resulta apasionante. Si bien se cocina a fuego lento y va de menos a más, su forma de construcción permite ir sumando poco a poco los antecedentes que permiten componer el cuadro general. Es hermosa la forma de introducir los recuerdos y también la manera de volver al presente. Son ventanas simbólicas, una transición artística y a la vez sicológica para un protagonista que se cuestiona, reflexiona y decide sus acciones, reflejando una interioridad que se expresa en forma gráfica y convincente.

La personificación de Picquart es excelente, coincidente con el trabajo actoral de un grupo que destaca en todas las secuencias. Resulta creíble que se desafíe la institucionalidad, adquiere peso la importancia de hacer lo correcto, de ir contra la corriente para destapar el oscurantismo de la corrupción. También se evidencian las falsas lealtades y la conveniencia de los actos que colisionan con principios rectores que no debieran ser vulnerados. Punto aparte para el vigor de la defensa que se lleva a cabo, la decidida lucha por demostrar la inocencia de una persona aun sin que existan vínculos de afecto o amistad.

Obviamente, no todo en Picquart es fortaleza, valores y principios. Tiene debilidades, como cualquier ser humano y también es vulnerable, sin embargo su impulso por descubrir la verdad, es lo que prima en su actuar. No es sencillo para él enfrentarse al poder militar y político. Implica un esfuerzo extenuante e incluso peligroso. Además, sus acciones se inscriben dentro de la manera de resolver los problemas de esa época, donde el honor está en juego y los duelos a muerte son habituales.

Una consideración adicional. La carta pública " J’accuse" destapa algo que se transforma en escándalo, da cuenta del poder de la prensa -el llamado cuarto poder-, el que, incluso con su influencia y notoriedad, no logra encausar el orden de las cosas, ni tampoco develar la verdad de los sucesos. Pero aun así hay consecuencias; exponer públicamente es algo que trae cola, puede resultar tan beneficioso como perjudicial y peligroso. Acá lo vemos, con un segundo juicio y una apelación, con el paso de años y años para conseguir que se aclarare todo.

Sin eludir la actual condición legal de Roman Polanski, esta cinta se podría perfectamente relacionar con su propia situación, lo que agrega discusión respeto de esta expresión artística. Y como todo elemento importante, se transforma en parte sustancial del debate, aunque sobrepase este trabajo puntual o se asocie a otras condiciones. No obstante lo anterior, “J’accuse” es interesante por sí misma, independiente su realizador, pero sin duda no es posible separarles del todo.

Como consideración final una ratificación: Polanski filma de una manera excelente, su relato es sólido y sus acentos son ya característicos. Ver su cine siempre es una experiencia y esta película no desentona en lo absoluto. Y por favor no se pierda los créditos finales, momento para el que Alexandre Desplat junto con el director, destinan, tal vez, la mejor partitura de la cinta.

Ficha técnica

Título original: J’accuse
Año: 2019
Duración: 126 minutos
País: Francia
Productora: Coproducción Francia-Italia; Gaumont, Légende Films, Canal+, Eliseo Cinema, France 2 Cinema, France 3 Cinéma, RAI Cinema
Género: Drama. Intriga | Biográfico. Histórico. Siglo XIX. Ejército. Años 1900 (circa)
Guion: Roman Polanski, Robert Harris. Novela: Robert Harris
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Pawel Edelman
Reparto: Jean Dujardin, Louis Garrel, Emmanuelle Seigner, Grégory Gadebois, Hervé Pierre, Wladimir Yordanoff, Didier Sandre, Melvil Poupaud, Mathieu Amalric, Laurent Stocker, Eric Ruf, Vincent Pérez, Michel Vuillermoz, ver 10 más
Dirección: Roman Polanski

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Jueves 16 de septiembre 2021

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

Ainbo: la guerrera del Amazonas - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cines.


Lo mejor de esta epopeya animada es la belleza de sus dibujos, y la perfección técnica de sus detalles.

Lo demás es la compleja aventura de una niñita indígena del Amazonas, llamada Ainbo, que debe ir en busca de un árbol mágico cuya raíz salvará a los habitantes de Candamo, la aldea donde vive su tribu.

Tiempo atrás un demonio llamado Yakuruna les echó una maldición para que los ancianos y peces fallecieran, que los jóvenes se marcharan, y le dejaran la tierra a él para excavarla y llenarse de oro.

El debilitado Jefe de la tribu le transfiere el poder a otra niñita llamada Zumi para que guíe, y cuide, a los sobrevivientes. A su vez, le encargan a la pequeña huerfanita Ainbo que, debido a su destreza con el arco y las flechas, vaya en busca de la raíz mágica que podría salvarlos a todos.

La niña, acompañada de sus amiguitos, un armadillo - Dillo - y un tapir gordo y grande - Vaca - iniciarán una larguísima y arriesgada expedición en busca de la cura milagrosa.

Estos compañeros juguetones serán sus Espíritus Guías, para socorrerla cada vez que esté en peligro.

Con recursos narrativos ya vistos en excelentes animaciones anteriores como Moana y Frozen, esta fábula se nos hace abrumadora por el sobrecargo de peripecias y nuevos personajes que van apareciendo.

A nuestro parecer faltaron canciones y bailes para crear distensión entre una hazaña y la siguiente. Son tantas las etapas del viaje, y algunas dejando cabos sueltos, que más bien parece la síntesis de una larga y amena teleserie infantil. Si cada etapa fuera un capítulo separado, más breve, con los mismos protagonistas, incluyendo cantos y danzas, las unidades podrían desarrollarse mejor, quedando más redondeadas y, lo más importantes, dejarnos con ganas de ver el próximo episodio.

De todos modos la historia general es hermosa y abunda en valores humanitarios. Hay compañerismo, solidaridad, antagonistas satánicos y desalmados, espíritus mágicos que se encarnan para rescatar a los inocentes, y una corriente amorosa que atraviesa toda la fábula.

Es posible que los niños la disfruten más que los adultos ya que retendrán en sus memorias los incidentes en forma dispersa sin saber que el relato - con más selección - pudo tener una coherencia menos episódica.

FÁBULA INFANTIL AMAZÓNICA CON BELLÍSIMAS IMÁGENES ANIMADAS CUYO ARGUMENTO TRATÓ DE ENTREGAR DEMASIADOS VALORES EN UN LAPSO COMPACTO.

Ficha técnica

Animación, aventuras, fantasía ecológica
2021 Perú, Países Bajos -1,24 hrs. 
Edición: Job ter Burg 
Música: Vidjay Beerepoot 
Dirección de Arte: Pierre Salazar 
Guionistas: Brian Cleveland, Jason Cleveland, Larry Wilson, Jose Zelada 
Voces: Bernardo De Paula, Thom Hoffman, Alejandra Gollas 
Directores: Richard Claus, Jose Zelada

13/9/21

Misha y los lobos - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 


Este documental narra la historia que está detrás del libro “Misha: una memoria de los años del Holocausto”. El trabajo se centra en la autora, quien en su escrito da cuenta de una impresionante historia sobre cómo sobrevivió desde los siete años caminando por países ocupados por las fuerzas nazi, en un recorrido de cientos de kilómetros acompañada solo por lobos, buscando a sus padres deportados.

El relato de Misha genera una tremenda oportunidad literaria. Los planes de un libro a gran escala toman forma e incluso se observan perspectivas de llegar a una audiencia aun mayor por el interés de Oprah, sin embargo todo aquello se frustra con una demanda y un millonario juicio que obliga, a quien publicaría el testimonio, el pago de 22.5 millones de dólares, como resultado de una sentencia abrumadora y lapidaria.

Jane Daniel, editora de Mt. Ivy Press, recibe el fuerte golpe y no da crédito a los acontecimientos. Algo no cuadra, esto no puede ser posible. Inicia, entonces, una investigación incierta. Contacta a Evelyne Haendel, genealogista belga y también sobreviviente del Holocausto, para buscar información, datos, fechas, nombres y circunstancias. Lo que parecía una increíble historia de supervivencia, a la luz de los nuevos antecedentes recabados, adquiere una perspectiva diferente, con infinitas aristas y muchísimos más protagonistas.

Este documental, escrito y dirigido por Sam Hobkinson, pasa de ser un testimonio pasivo a componer un verdadero thriller activo. Atrapa, aunque no de entrada, porque vamos por un camino y de improviso giramos hacia otro, nos devolvemos, giramos de nuevo y tomamos un rumbo diferente. Su composición lineal ayuda a presentar los elementos y así acompañar cada vertiente, con entrevistas que crecen en audacia y que sorprenden por sus aportes y giros. El tratamiento, como modelo, es clásico, sin embargo la acertada edición del documental genera inquietud: ansiamos conocer la resolución de sus diferentes ramificaciones.

Adelantar la trama haría un flaco favor. Yo, al menos, lo vi sin ningún antecedente salvo el título, por lo que me fui sorprendiendo de una forma que no me lo esperaba en absoluto. La madeja de la historia se va desenredando gradualmente y emergen temas trascendentes que tienen que ver con la verdad y su precio, el surgimiento de cuestionamientos, la verificación de fuentes, el contraste de opiniones, lo meticuloso que debe ser el trabajo periodístico y la labor fundamental de la validación editorial respecto de cualquier tipo de contenido que se quiera hacer público.

Si usted quiere descubrir por sí mismo el documental, le sugiero leer solo hasta acá, no por riesgo de spoiler, sino por algunas apreciaciones sobre aspectos que se ponen de relieve en este trabajo.

Una mención importante es que, en general, ante una tragedia mayor no parece existir ningún asomo de duda de parte de quienes reciben la información. ¿Cómo cuestionar a una persona que ha sufrido en extremo? Esa actitud, ¿es correcta o incorrecta? El documental no opina, solo expone, porque es un trauma de proporciones, y la confianza ante los hechos descritos no se pone en duda. Sin embargo, cuando se traiciona la credibilidad aparecen los problemas, porque alguien que es víctima puede, irreparablemente, pasar a ser un villano. ¿O puede, también, pertenecer a ambas categorías?

Sam Hobkinson presenta, además, otros puntos de inflexión en su trabajo, sin embargo nos deja a nosotros que hagamos la interpretación. ¿Son verdaderos esos puntos? ¿Están definidos o son difusos? ¿Existen límites, que en este caso, se han cruzado?

Finalmente, algunas preguntas adicionales en esta reflexión. ¿Hay, acá, mala intención? ¿Corresponde a un aprovechamiento? ¿El objetivo es la fama, o el dinero, o ambos? ¿O tan solo nos encontramos con un ser humano sufriente, que posee su propia verdad, que con su imaginación se protege de su vulnerabilidad y construye una historia que tiene características sanadoras y reparadoras? Los elementos están en la mesa para componer nuestro juicio de valor.

Ficha técnica

Título original: Misha and the Wolves
Año: 2021
Duración: 89 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Bélgica; APT Film and Television, Arts Alliance Productions, Bright Yellow Films, Las Belgas, Met Film Production, Take Five
Género: Documental | Holocausto
Guion: Sam Hobkinson
Música: Nick Foster
Fotografía: Will Pugh
Reparto: Documental
Dirección: Sam Hobkinson

Pelotón - Por Jackie O.

"El horror de las guerras". 


Una película bélica que vale verla. Una cinta que está ambientada en la guerra de Vietnam.

Estamos en 1967, donde Charlie Sheen es un joven de buena familia que se alista como voluntario en el ejército y es asignado cerca de la frontera de Camboya. Ahí pasa muchas dificultades, comenzando con su inexperiencia, el abuso de poder, la locura y la irá, sin dejar de lado la amistad.

El director supo plasmar la decadencia del ser humano y otras caras de la guerra, las que se ven reflejadas entre los protagonistas. Tom Berenger es el soldado malo, cruel y sobreviviente, a quien no le importar nada, y Williem Dafoe es el soldado bueno, humano y más correcto. Valores con los que nace cada persona, o que va forjando en su vida.
Así, vamos viendo muchas historias, muchos eventos traumáticos y desiciones duras que tomar.

Acá se grafica la guerra de forma cruel, y destacando que los estadounidense sí cometieron atrocidades en la guerra, en una época política complicada para ellos.

¿Quién es al final el enemigo, el otro país con el que combates, uno mismo, los poderosos que te envían?

La Dirección es magistral, pues guía de forma correcta las actuaciones y nos lleva a esa desastrosa época, con una ambientación bien recreada. Las actuaciones, todas muy buenas, vemos varias conocidas en roles principales y otros bien secundarios. 

Vestuario y maquillaje destacan. Qué decir del guión, es una historia bien contada.
Sobre la música, aunque nos encontramos con el "Adagio para cuerdas" de Samuel Barber, "White Rabbit" de Jefferson Airplane, y otros, está muy acorde a la trama, en este ambiente hostil.

Como dato les cuento que esta es la primera de la trilogía de películas que Oliver Stone dirigió sobre la Guerra de Vietnam, siendo las otras dos, Nacido el 4 de julio (1989) y El cielo y la tierra (1993).
Y ganó 4 Óscar y 1 Globo de Oro.

Disponible en YouTube o la puedes arrendar en Google Play. 

Ficha técnica

Nombre original. Platoon
Dirección y guion: Oliver Stone
País: EE.UU.
Año: 1986
Género: Drama. Bélico
Duración: 120 minutos
Música: Georges Delerue
Sonido: John K. Wilkinson. Richard D. Rogers. Charles Grenzbach y Simon Kaye
Maquillaje: Gordon J. Smith
Fotografía: Robert Richardson
Montaje: Claire Simpson
Vestuario: Wynn Arenas
Efectos especiales: Yves De Bono
Protagonistas: Willem Dafoe, Charlie Sheen, Tom Berenger, Forest Whitaker, Kevin Dillon, Keith David, Johnny Depp, otros.

Capitana Marvel - Por Jackie O.

"Superheroínas en acción".


Una película que fue muy taquillera el 2019, pero no fue lo que esperaba en ese momento, ¿Por qué?

La historia de Danvers, les puedo decir que apareció por primera vez como oficial de la Fuerza Aérea de los EEUU y colega del superhéroe Kree, Mar-Vell en el comics Marvel Super-Heroes # 13 (marzo de 1968), donde una pelea entre Mar-Vell y el comandante Yon-Rogg terminó con la explosión de un arma Kree, que afectó a Carol. La radiación modificó su estructura genética y la convirtió en un híbrido humano-kree de enormes poderes, transformándose en Ms. Marvel que se puede ver en "Ms. Marvel #1" en enero de 1977. ( Pero en el año 1970, apareció en otro comics honónimo).

En cuanto a la película, tenemos a una chica en otro planeta, con poderes, que trata de controlarlos con ayuda de un mentor. ¿Y qué sabemos de ella? Poco, solo que tiene vagos recuerdos (pesadillas) de lo que le pasó en algún momento de su vida y trata de indagar en ello. Por supuesto, al final de la trama se sabrá. Pero aun así no existe una historia de ella: no se muestra el mundo en que vive, cómo es su día a día en ese planeta, cómo ha lidiado con su poder… nada.

Para Carol Danvers/Vers (nuestra Capitana B. Larson) todo es confuso, no logra recordar bien su pasado. La vemos con súper poderes desde el comienzo, los cuales fueron adquiridos de una forma determinada (teseracto), reitero, no se ve un proceso desde que los obtuvo hasta cuando la vemos en acción. Espero que eso en el futuro lo desarrollen mejor (Capitana Marvel 2, se dice que viene a finales del 2022), ya que esta trama es algo plana al comienzo, porque no se construye bien un relato

Cuando llega el momento en que esta chica se enfrenta a los “enemigos”, o eso se cree, los llamados Skrull, unos seres que pueden cambiar de aspecto, es en una pelea que los lleva a la Tierra. A una Tierra desconocida por Carol y estos Skrull, en una época con toda la onda de los años 90, muy bien adaptada.

Entre tanto alboroto, Carol/Vers conoce a Nick Fury (S.L. Jackson), y aquí es donde comienza lo bueno de la película. El ritmo cambia y se hace interesante. Además, vemos al agente Coulson como un novato agente, ambos muy jóvenes con Fury. La química entre Nick y la Capitana es muy buena (es en los únicos instantes en que se le ve a ella con carisma y naturalidad).

Cuando Carol/Vers logra recordar y saber de su pasado, lo hace con la ayuda de su gran amiga, y la hija de esta (ojo con esta niña, no es casualidad que esté). ¿Recuerdan cómo se llama?:

Mónica ¿Eso les dice algo?... ¡Pero como! ¡Vamos, recuerden!

Es Photon o Spectrum y nos puede sorprender en el futuro, aunque acá cuentan diferente la relación que existe entre ellas.

Después de haber dado unas pinceladas por aquí y allá de la historia, les diré lo bueno y malo estéticamente según yo:

LO BUENO: - El gato, ustedes creyeron que lo había olvidado, pues no. Él y Samuel te causaran más de una sonrisa. - Los efectos que hacen ver más joven a Fury y al agente Coulson. - La ambientación noventera. - Las coreográficas peleas, se ven buenos efectos visuales. – El vestuario de todos, en especial de Brie (menos cuando cambia de color, eso fue tan rebuscado). – La música. – La primera escena post créditos (la segunda no vale quedarse, si quieren se las cuento yo). - Samuel L.  Jackson, se maneja muy bien en el rol. - Y por supuesto el homenaje a Stan Lee y su cameo.

LO MALO: - Brie Larson, no tiene carisma para el personaje por lo que es reemplazable (espero se reivindique ya que la encuentro una gran actriz. Así que le daré otra oportunidad: Quiero verla más empoderada y con naturalidad en su rol). - Los antagonistas no fueron muy convincentes. Ahí falló el o los villanos. Ni Ronan molestó. – El guion malo, no tiene un relato bien contado, y con chistes, en su mayoría, fomes. – Mala dirección de estos novatos Directores. – Forzada, para el contexto en que fue contada la historia lo de sus súper extra macro poderes de Capitana (Sé que es poderosa, pero como fue contada la historia no fue una buena trama) – Horror la forma en que Nick perdió el ojo. Mala idea a quien se le ocurrió, no entiendo por qué no siguieron la línea del comics en esta parte.

¿DUDA EXISTENCIAL? ¿El agente Coulson será un Skrull? o Fury?

Disponible en Disney+.

Ficha técnica

Dirección: Anna Boden y Ryan Fleck
Guion: Anna Boden, Ryan Fleck, Geneva Robertson-Dworet y Jac Schaeffer
Historia: Nicole Perlman, Anna Waterhouse y Joe Schrapnel
Basada en Carol Danvers de Roy Thomas y Gene Colan
Música: Pinar Toprak
Fotografía: Ben Davis
Montaje: Elliot Graham y Debbie Berman
Vestuario: Sanja Milkovic Hays
Protagonistas: Brie Larson, Samuel L. Jackson, Ben Mendelsohn, Djimon Hounsou, Lee Pace, Lashana Lynch, otros.

12/9/21

El hombre del futuro - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Relata la historia de Michelsen, (José Soza) un solitario camionero que ha tenido que jubilar a la fuerza y emprende un último viaje por el extremo sur de Chile. Su objetivo es reencontrase con su hija Elena (Antonia Giesen) a la que no ve hace más de 15 años y redimir los errores del pasado. Un viaje de reencuentro enmarcada en la naturaleza salvaje de la región de Aysén.


Es el primer largometraje de Felipe Ríos, teniendo buena acogida en festivales y también en plataformas de streaming.

Este es un filme íntimo en su relato y construcción; conecta con las emociones tanto del protagonista como con el espectador, colocando sobre la mesa dos elementos clave en la relación de un padre con su hija como son el reencuentro y la posibilidad del perdón. La alternativa de esto último es algo perentorio para Michelsen pero, como siempre, la posibilidad del perdón está dada por la compasión de quien se lo puede otorgar, Elena.

La ambientación muy bien lograda, donde esos camiones que recorren esa agreste ruta le otorgan una naturalidad al relato. Además, acompañado por los hermosos parajes de la región de Aysén, a la vez, crudo por su frio y lluvia, le entrega una atmósfera y carácter a los personajes propios de esa región de Chile.

Es un relato de pocas palabras, silencios y primeros planos; las actuaciones hacen lo suyo, construyendo una historia sin sentimentalismos, por lo tanto, muy real.

Historia de emociones contenidas. Al parecer en ese sur chileno solo la naturaleza expresa lo que desea en el tiempo que quiere.

Buen filme chileno para ver en familia y puede que permita expresar algunas emociones no expresadas a aquellos que queremos.

Disponible en OndaMedia.cl

Ficha técnica

Título original: El hombre del futuro 
Año: 2019 
Duración: 92 minutos
País: Chile 
Dirección: Felipe Ríos Fuentes 
Guion: Felipe Ríos Fuentes 
Fotografía: Eduardo Bunster 
Reparto: Jose Soza, Antonia Giesen, Roberto Farias, María Alché, Giannina Fruttero, Amparo Noguera 
Género: Drama
Productora: Quijote Films y Sagrado Films. Co-producción con Unión de los Ríos de Argentina

Testimonio - Por Jackie O.

"Almas que fueron olvidadas".


Un documental que, en solo pocos minutos, te muestra una realidad olvidada, desconocida o simplemente ignorada.

Hecho a fines de los 60 -durante el Gobierno de Eduardo Frei Montalva, padre del después Presidente de Chile Eduardo Frei Ruiz-Tagle-, se filmó este documental donde nos muestran cómo era en ese entonces el Servicio de Psiquiatría del Hospital General de Iquique, un lugar olvidado. Encontramos a 29 hombres y 23 mujeres pacientes que comparten un baño, viven en piezas en condiciones deplorables, cuentan con un auxiliar de enfermería, un empleado que tiene turno cada 24 horas y un médico psiquiatra, pero solo vemos a un hombre darles de comer. Ver a los pacientes es peor en ese momento, comen en cualquier lugar, el suelo, de pie, donde sea. Sus condiciones higiénicas son horribles, y las mujeres,  aunque se ven más ordenaditas, están igual de perdidas.

No vemos a nadie más, no hay entrevistas a los encargados, solo es una cámara "intrusa" que recorre ese pequeño espacio olvidado por Dios... por todos.
No sabemos quiénes son esos seres, si fueron horribles personas que dañaron a su familia o a otros, si fueron buenos y simplemente por su enfermedad sus familias los dejaron. No sabemos nada de ellos.
Pero no pueden estar en esas condiciones.
Es diferente, creo yo, a los internos de recintos penales los que cometieron actos ruines, pero no me remitiré a eso ahora.

La salud mental es algo dejado de lado como varias enfermedades en toda la historia, nunca se abarcan las condiciones de una manera global, siempre de a poco.
Pero, en tiempos de pandemia, afloró el tema, ya que aumentaron los casos de enfermedades mentales. No como las que vemos en este documental, tal vez, pero no deja de ser preocupante.

¿Qué pasó con estas personas? Nadie sabe. Solo fueron parte de un documental experimental del momento, que mostró algo sin ser preparado, algo inhumano, algo triste.

Grabado en un precioso blanco y negro que capta la luz, la simetría perfectamente de algo tan triste, y una música como si fuera una película de terror (pero no está tan lejos de eso). Con una voz en off, que nos relata en algunos momentos este escenario, que cumple tanto como el mismo silencio, que nos bofetea para reaccionar.

Este corto lo había visto hace unos años y me volvió a estremecer, tanto como esa primera vez.
Los invito a que lo vean, porque no nos deja indeferentes.
Nos da un remezón como sociedad, como seres humanos.
Muchas veces no podemos tener las condiciones para tener un familiar con alguna enfermedad, pero no nos olvidemos de su existencia. No hagamos como que ya desaparecieron.

"Con más o menos modestia queríamos aportar a este cambio. La denuncia de situaciones absurdas, de injusticia y de las contradicciones propias del sistema era un camino para crear conciencia de esta necesidad de cambio" . (Entrevista a Pedro Chaskel, Fondo Cineteca Universidad de Chile).

Se conserva en la Cineteca de la Universidad de Chile.

Velo en este enlace.

Ficha técnica

Año: 1969 PAíS: Chile
Duración : 8m
Formato: 16 mm
Idioma: Español
Pedro Chaskel (Dirección, montaje y guion)
Edición: Dalila Muñoz Lira, Catalina Araya
Hector Ríos (Dirección de Fotografía)
Zoltan Kodaly y Leó Schidlowsky (Música)
Héctor Noguera (Narración)

10/9/21

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 10 de septiembre 2021

El periodista José Luis Nicolás conversa con Jackie O. y Alejandro Caro en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

El diseñador alemán Karl Lagerfeld - Por Jackie O.

“El Káiser de la moda” 


DW nos trae este documental del famoso diseñador de moda, que nos dejó en febrero del 2019 producto de un cáncer. Documental hecho con antecedentes de primera fuente, o sea, él es el entrevistado directo. Además, con fotos y videos de archivo, vamos conociendo parte de su vida privada y su pasión por la moda.

Nacido en Hamburgo, desde niño estuvo inserto en el arte, pues su madre era músico y su padre un prestigioso empresario, comenzando a dibujar bocetos y caricaturas en el colegio. Se entrevistan a dos compañeras de curso que recuerdan eso, que él no prestaba atención a los profesores, ya que siempre estaba dibujando, y que, además, vestía diferente a todos, pantalón corto y corbata.

Pareciera que fuera frío y que nada le importara por su forma de hablar, pero él es directo y no anda con rodeos, contesta las preguntas sin evadir y se le acompaña a sus actividades, ya que no es una entrevista sentados en grandes sillones o alguna oficina; no, él está en constante movimiento. Señala que las 24 horas del día son pocas, por lo mismo no hace citas y llega tarde a todos los lugares, ya que no pone tiempo a lo que hace, se demora lo que debe demorarse.

Es minucioso en lo que hace y está presente en todo, buen fotógrafo y también director, ya que dirigió a Geraldine Chaplin en la interpretación que tuvo de Coco Chanel.

Sobre las preguntas típicas y que a todos les interesa saber, y que le han preguntado miles de veces, las responde sin problemas. Comenzó muy joven con el éxito en la moda. En 1950, al ver un desfile de Dior, tomó la decisión de mudarse a Paris para dedicarse a la moda. Además, caracterizado por un buen gusto para vestir a la mujer.

Se manifiesta moralista, por lo mismo nunca estuvo involucrado con drogas, alcohol o vida bohemia como el resto de los artistas, le gustaba su soledad y estar con su gata " Choupette". El por qué usa lentes oscuros siempre: son ópticos y le gustan oscuros ya que la gente miope tiene una mirada triste y vaga, y no le gusta proyectar eso ni ninguna gestualidad que los ojos provocan. Sobre parejas, no se le ha conocido nadie, pero siempre se le ligó íntimamente con el modelo y socialité Jacques de Bascher, pero él niega dicha relación. Señala que lo quiso como un hijo pues era mucho menor que él. (Bascher sí mantuvo una relación con el diseñador Yves Saint Laurent) Y agrega: “si hubiese sido mi pareja, yo estaría muerto pues él tenía sida”, pero fue quien le acompañó en sus últimos días.

Se le consulta también por su cambio de imagen. Indica que en el año 2002 tomó la medida de bajar de peso, pues estaba con sobrepeso, bajando más de 30 kilos en un año, pero subió al poco tiempo un poco pues no le parecía bien como se veía. Es más, escribió junto a su nutricionista la dieta que siguió, siendo éxito de ventas. Y aprovechó de cambiar su look, que es el que conocemos hoy en día.

Además, no ha estado exento de polémicas por sus comentarios que son punzantes. Por ejemplo, dentro de sus comentarios más fuertes fue la crítica del sobrepeso de la cantante Adele; otro, el que le respondió a alguien que le dijo sobre su elección de modelos delgadas, señalando: “quien critica a las modelos delgadas, y que son feas, son aquellas señoras que está viendo la TV comiendo un saco de papas fritas”. Otras frases de él más o menos son: “la vanidad es lo más saludable de la vida”, “no tengo una personalidad, tengo tres”, “los tatuajes son horribles…” etc. Pero a él no le interesa lo que piense el resto de él, él manifiesta lo que siente.

Poco sociable, apasionado por su trabajo, comprometido con su presente y pensando en el futuro (señala que no le gusta que hagan exposiciones con lo que hizo, el pasado es pasado), elegante, directo, creativo, así fue Karl Otto y su legado sigue presente.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Duración 42 minutos
Año: 2014
Reportaje de Gero Von Boehm.
Cámara: Sven Jakob-Engelmann y Till Vielrose
Edición: Tim Augurzke y Feliz Von Boehm.

Testigos Silenciosos - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cinemark.cl


Mucha acción, suspenso y giros insospechados. Es lo único que debemos pedirle a esta película china: que nos entretenga con buen ritmo, producción costosa y dirección experta.

Todo sucede en una morgue. En la noche de Navidad. El médico forense (Nick Cheung ) y su ayudante (Zi Yang, en su primer rol como actriz adulta) terminan de analizar el último caso del día. Antes de volver cada uno a su casa, celebran Nochebuena comiéndose una pizza.

Pero un grupo de 3 maleantes - ex policías - ingresan enmascarados al edificio para que el médico le haga la autopsia al cadáver de una amante del Jefe de la mafia local.

Es necesario extraerle la bala con que uno de los bandidos la mató por accidente. Sin ese proyectil nunca se sabrá quién disparó. Y el Jefe ignorará contra quién vengarse.

El asalto nocturno, supuestamente fácil y breve, se va complicando hasta transformarse en una hecatombe de masacres, combates, peligros y sorpresas.

Toda la aventura sucede dentro de la misma morgue esa noche, salvo algunos “raccontos” en exteriores para conocer las motivaciones previas del médico y de los bandidos.

La película mantiene nuestra atención de principio a fin porque en todo momento están sucediendo incidentes. Los diálogos son los indispensables para que la acción y la violencia continúen.

Poco importan los recursos inverosímiles y el “final feliz” con tal que los héroes se salven y los malulos reciban su castigo.

Los méritos están en el dinamismo del argumento, en la dirección del finlandés Renny Harling, experto en filmes de acción, en la cuidada tramoya con variados escenarios internos, y en la entusiasta participación de sus actores quienes, a pesar de recibir golpe tras golpe, son capaces de levantarse y seguir luchando.

Una dantesca pesadilla sólo para recuperar una balita delatora.

FILME HECHO PARA ENTRENER SIN NECESIDAD DE PEDIRLE MAYOR LÓGICA A LA TRAMA. AMENO, RÁPIDO Y EFICAZ EN SU GÉNERO. 

Ficha técnica                

Título Original: Chen mo de zheng ren
2019 Acción, crimen, suspenso China, Hong Kong - 1,34 hrs. 
Fotografía: Anthony Pun 
Edición: Ka-Fai Cheung 
Música: Anthony Chue 
Diseño Prod.: Ying-Wah Cheung 
Guion: David Lesser 
Actores: Nick Cheung, Richie Jen, Zi Yang 
Director: Renny Harlin

9/9/21

Venganza Implacable - Por Carlos Correa

Disponible en Cines. 


Tom Carter, -Liam Neeson- es un escrupuloso ladrón que ya ha robado 12 bancos en 7 estados, tiene más de 9 millones de dólares en efectivo y nadie sabe quién es. La vida le sonríe en ese aspecto pero cuando busca una bodega para guardar su tesoro se encuentra con algo inesperado. Conoce a Annie Sumpter -Kate Walsh-, una estudiante de posgrado en psicología, encargada del lugar, con escasa suerte en el amor. Sin más, pasa un año y el compromiso entre ambos aumenta de grado por lo que Tom, sin consultarlo con su prometida, decide entregarse al FBI para obtener un acuerdo que implique pasar menos tiempo en la cárcel purgando sus delitos.

Su ofrecimiento no inicia bien. La policía no le cree -varios han llamado haciéndose pasar por el reconocido ladrón-, sin embargo, luego de varios intentos y casi a punto de claudicar, Tom logra que una pareja de agentes le visite. Son jóvenes y también incrédulos, sin embargo aceptan ir en busca del dinero como prueba de su culpabilidad. Cuando dan con el botín, todo cambia. La ambición de uno de ellos es desmedida, los planes se trastocan y ahora Tom y Annie corren peligro. Ante este grado de complicación, no hay más asunto que luchar y defender la vida para aclarar los hechos, limpiar su nombre y cumplir con el enunciado propósito.

Podríamos decir que “Honest Thief”, su título original, es una película que está realizada con apego absoluto a todos los moldes de su género y creo que no nos equivocamos con dicha sentencia. Naturalmente, esto no es ni bueno ni malo; es solo un hecho de la causa. El tema es que, a pesar de lo clásica que resulta su construcción, la cinta funciona y funciona bien.

No debe ser sencillo para Liam Neeson renunciar a los papeles de acción que le han dado tanto resultado en los últimos años. Pero claro, el paso del tiempo es tan implacable como el título otorgado en español a muchos de sus trabajos. ¿Por qué tan implacable todo? Qué lata, ojalá hubiera mejores títulos en beneficio de la sustancia y no solo del marketing. En fin.

Volviendo a la cinta, tener a Neeson en el protagónico entrega ventajas, las que en este caso junto a Kate Walsh, se potencian con una química sencilla, amable e incluso creíble. Gracias a esta particularidad, la película no solo discurre sobre la acción, sobre el escape o la cacería, sino que también agrega un telón de fondo que, si bien no es explorado con profundidad, se advierte interesante como núcleo motriz. Pero por sobre todo, observamos esa necesidad de redención que entrega una segunda oportunidad, claro que en este caso, las buenas intenciones deben esperar, porque la fuerza de la realidad que Tom enfrenta es avasalladora, aunque hay un contrapunto. El guion del mismo director junto a Steve Allrich, amarra algunos puntos transversales con las caracterizaciones de los policías de mayor rango, y aunque en segundo plano, están siempre presentes. Se crea un contrapeso pero no es suficiente. La balanza se encuentra desequilibrada y la película cede ante el peso de los acontecimientos.

¿Por qué nos identificamos con este ladrón? No queremos que lo encuentren, que lo apresen, es decir, queremos que pueda conseguir su objetivo, que rescate a su chica y que lleve a cabo su plan mayor. ¿Será porque los policías son aún más deshonestos? ¿O nos despierta comprensión un sujeto que ha robado bancos y acumulado un botín nada despreciable? Hipótesis, muchas, pero sí que empatizamos, no queda duda.

“Honest Thief” entretiene. Eso basta para darle una oportunidad, porque no decepciona como otras películas de su género. Sí, es un cine que algunos denominan como clase b, pero que no por ello carece de interés o de atención. ¿Pantalla grande o chica? Siempre será mejor en una sala de cine, y con este trabajo podemos aprovechar la oportunidad de verla en formato presencial. Son 99 minutos de acción, romance, arrepentimiento, búsqueda de la verdad y principalmente de amor. Y un amor que obliga a renunciar a todo, sin ambages y sin condiciones; sin letra chica, para recomenzar desde cero.

Ficha técnica

Título original: Honest Thief
Año: 2020
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Dreadnought Films, Ingenious Media, Zero Gravity Management (Distribuidora: VVS Films)
Género: Acción. Drama | Crimen
Guion: Steve Allrich, Mark Williams
Música: Mark Isham
Fotografía: Shelly Johnson
Reparto: Liam Neeson, Robert Patrick, Jai Courtney, Kate Walsh, Jeffrey Donovan, Anthony Ramos, Jamie Ghazarian, Janelle Feigley, Devon Diep, Arthur Hiou, Adrian M. Mompoint, Birol Tarkan Yildiz, Kayla Caulfield, Jose Guns Alves, Marcela Jaramillo, Lewis D. Wheeler, Michael Malvesti, Patty O'Neil, Osmani Rodriguez, Ineke Garbacz, Guy Cooper, Adam Teper, David Palandjian, Tazzie, Rickland Powell
Dirección: Mark Williams

7/9/21

De Repente, el Paraíso - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cine UC.


Parodia irreverente, poética y sutil.

Una vez más, el director palestino Elia Sulieman, se pone a sí mismo como protagonista, y diciendo solo una palabra - “Nazaret”- en toda la película, se limita a observar el mundo desquiciado que lo rodea.

Este subgénero cinematográfico ha tenido pocos, pero notables realizadores. Su máximo exponente fue Jacques Tati (Las Vacaciones de Mr Hulot (1953), Mi Tío (1958), Playtime (1967) y Trafic (1971). Otro tanto hicieron Chaplin y Jerry Lewis, en algunas ocasiones, siendo los mejores discípulos de Tati otro par de franceses: Pierre Etaix - con El Suspirante (1962) - y la descocada sátira Silencio Gaviotas, de Robert Dhery (1974).

¿En qué consiste este difícil y minucioso tratamiento? En que el mismo autor se instala en el centro de una sociedad y, con nulo o mínimos diálogos, con sólo observar, deja que las personas se comporten de las maneras más absurdas y estúpidas sin darse cuenta. Peor aún, creyéndose inteligentes y vanidosamente civilizados.

Aquí, el silencioso Sulieman, comienza en su hogar de Palestina interactuando con su vecino que le roba naranjas y le poda el árbol, o con un anciano del barrio capaz de narrarle las más insólitas experiencias convencido de que son verdaderas.

Luego, para promover una de sus películas, viaja a París y más tarde a Nueva York, pasando por Canadá. Y en cada calle, plaza, tren subterráneo, café o taxi - atestados o vacíos - será testigo mudo de objetos y comportamientos que desafían los más elementales principios de la lógica.

Para que una denuncia como esta resulte cómica, inteligente, e incluso poética, el autor y todo el equipo fílmico, deben escoger cada detalle con exquisito cuidado, para que lo absurdo parezca natural, evitando lo obvio y chabacano. Por ello son pocas estas obras que demoran tanto en filmarse.

Cuando quedan bien hechas, como en este caso, cada escena habla por sí misma, sugiriendo metáforas y símbolos sin esfuerzo, logrando belleza fotográfica y musical al mismo tiempo.

El resultado es una denuncia graciosa pero de la cual nos reímos con cierto temor, ya que se nos aparece como un espejo distorsionado, pero real, de lo ridículo que es el mundo que habitamos y del que, algunas veces, lo somos nosotros también.

La irreverente fatuidad religiosa con que se inicia esta película nos da la pauta de la fauna grotesca que vendrá: militarismo prepotente, etnias exiliadas y diversidades de género, desfilan revueltas y ufanas por las calles. El silencio de Sulieman realza la elocuencia de las imágenes.

Fue autor de “Diario de un Principiante”, uno de los cuentos de “7 Días en La Habana” (2012), prohibida en Cuba por las mismas razones ya mencionadas.

SÁTIRA INTELIGENTE, FINA Y MORDAZ. HIPNÓTICO RITMO Y SENTIDO DE HUMOR.

Ficha técnica

Título Original: It Must Be Heaven
2019 
Sátira Francia, Qatar, Alemania. Canadá, Turquía y Paletina Ocupada
Duración: 1,42 hrs. 
Fotografía: Sofian El Fani 
Edición: Véronique Lange 
Diseño Prod.:Caroline Alder, June Suleiman 
Actores: Elia Suleiman, Tarik Kopty, Kareem Ghneim 
Guionista y Director: Elia Suleiman

La verdad - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Catherine Deneuve es Fabienne una de las grandes estrellas del cine francés, una actriz que reina entre los hombres que la aman y admiran, pero en su mundo interior tiene grandes conflictos por resolver. 

Lumir (Juliete Binoche), viaja con su marido (Ethan Hawke) e hija a París, cuando se publican las memorias de su madre. El encuentro no tardará en convertirse en enfrentamiento: se revelarán verdades, se ajustarán cuentas, se hablará de amor y de resentimiento. 

El director y guionista japonés Hirokazu Koreeda, premiado varias veces por Signis, como por ejemplo: Ganador del premio OCIC por Maboroshi 1995, Festival Internacional de Cine de Venecia; 2008, premio mención especial por Still Walking y premio Signis 2011 por Kiseki en dos ocasiones, Festival Internacional de Cine de San Sebastián. 

Podemos decir que es un cercano al espíritu Signis, por ser un cine que invita a la reflexión, abordando asuntos de familia, de memoria y muerte en sus temáticas. Koreeda dice de su cine: “no me interesa crear héroes, súper héroes, o antihéroes, simplemente quiero ver a la gente tal como es”.

Deneuve y Binoche, con excelentes actuaciones, dan vida a esta relación de madre e hija, pero con absoluta crudeza, como si la vida de una de ellas es el set y todo su quehacer diario es el escenario, donde todos los que la rodean son solo actores secundarios.

El guion se sostiene, aunque le faltó profundidad, por sobre todo en su hipótesis: “La verdad” ¿Qué impide a Fabienne enfrentar su “verdad”? ¿Al menos con su familia?, elaborando una realidad que el en fondo, es un espejismo.

Estéticamente bello y delicado filme, para disfrutar de un momento de reencuentro con el cine de autor transcultural de Koreeda.

Ficha técnica

Título original: La vérité (The Truth) 
Año: 2019 
Duración: 106 minutos
País: Francia 
Dirección: Hirokazu Koreeda 
Guion: Hirokazu Koreeda, Léa Le Dimna 
Música: Alexei Aigui 
Fotografia: Eric Gautier 
Reparto: Catherine Deneuve, Juliette Binoche, Ethan Hawke, Clémentine Grenier, Manon Clavel, Alain Libolt, Christian Crahay, Roger Van Hool, Ludivine Sagnier, Laurent Capelluto. 
Productora: Coproducción Francia-Japón; 3B Productions, Bun-Buku, MI Movies, France 3 Cinéma, Garidi Films 
Género: Drama | Familia. Cine dentro del cine. 
Disponible en: Google Play 
Premios: 2019: Festival de Venecia: Sección oficial (película inaugural) 

Godzilla vs. Kong - Por Jackie O.

"Grandes monstruos que ya deben descansar".


Godzilla y Kong se enfrentan en una batalla inolvidable. Los titanes se embarcan en una misión en tierras inexploradas, mientras una conspiración humana amenaza con eliminarlos.

Eso a grandes rasgos es esta historia, ya que el guion es muy genérico.

En esta nueva historia que junta a tan grandes moustros, nos atrae, nos llama la atención, porque ellos son íconos y queremos verlos en pantalla.

Estamos en un momento en que los monstruos vagan por la tierra, uno en el mar y otro encerrado. Y mientras la humanidad lucha por su presente y futuro, Godzilla y King Kong, las dos fuerzas más poderosas de la naturaleza, chocan en una gran batalla. Algunos se embarcan en una peligrosa misión en un territorio inexplorado, donde descubren pistas sobre los orígenes de los titanes y, por otro lado, hay una especie de complot que amenaza con eliminar a estas criaturas.

Vamos viendo cual es la razón para que este choque suceda, y que es por circunstancias causadas por los mismos humanos, es decir, nunca fue Godzilla o Kong la razón por la que este golpe sucediera ni que se odiaran mutuamente.

Tenemos diferentes historias y momentos que se entrelazan entre sí, pero la poca profundidad del guion y la edición mal efectuada hace que la película tenga muchas caídas estéticas.

En el mismo tenor, los efectos visuales y gráficos son imponentes, pero muchos CGI notorios.

Los personajes humanos tienen papeles que van de los negligentes, más o menos, y relevantes para la trama. Me pareció agradable y acertado ver la relación de la pequeña Jia con Kong. Sobre los adolecentes Millie y Julian, mal actuados, sus roles estaban demás.

Tampoco existe la tensión que se requieren, y los efectos de sonido dentro de lo adecuado.

Una película que entretiene si no quieres centrarte en nada específico, que vale verla por estos míticos monstruitos tan queridos, y por sus exagerados efectos visuales, donde esto último sirve para esconder un guion deficiente.

Unos monstruos geniales con una gran historia, que creo deben descansar un poco, para que no los sigan sobreexplotando de forma deficiente.

Disponible en HBO y Google Play.

Ficha técnica

Dirección: Adam Wingard
Guion: Terry Rossio
Basada en Godzilla de Toho, King Kong de Edgar Wallace y Merian C. Cooper
Música: Thomas Holkenborg1​
Fotografía: Ben Seresin
Montaje: Josh Schaeffer
País: Estados Unidos y Australia
Año: 2021 
Duración: 113 min.
Género: Ciencia ficción, Acción, Suspenso, Monstruos
Reparto: Alexander Skarsgård, Rebecca Hall , Kyle Chandler , Kaylee Hottle, Millie Bobby Brown, Julian Dennison

6/9/21

Los Sueños de Akira Kurosawa - Por Jackie O.

"Estamos a tiempo". 


Película dividida en ocho partes, que muestran sueños que alguna vez tuvo Kurosawa en su vida. Y al estar dividida la puedes ver sin problemas de forma parcializada, pero te inmiscuyes tanto que los ves todos de inmediato.

1. El primer cuento lo llama, "La luz del sol a través de la lluvia", y dice relación a una vieja leyenda en Japón, donde un pequeño desobedece a su madre al entorpecer la naturaleza, y esta lo castiga, debiendo este niño remediar su acto. La curiosidad de un niño es reprendida.

2. El segundo es "El Huerto de durazneros y La Fiesta de La Muñeca". Un pequeño se encuentra con las muñecas de su hermana que tienen forma humana, y estos lo culpan porque los árboles están totalmente cortados. Pero al ver que no fue él, lo perdonan y desaparecen, comenzado a premiarlo con el florecer de uno de estos árboles. Vemos el cuidado de la naturaleza, ante el comienzo de una destrucción.

3. "La ventisca o Los alpinistas": Unos montañistas están perdidos en medio de una tormenta y se desmayan por el frío, apareciendo una imagen que podría ser un ángel de ayuda, transformándose en la lucha por la vida y la muerte. La supervivencia y el compañerismo.

4. "El Túnel": Un soldado camina a su hogar después de la guerra, y al cruzar un túnel tiene la visión de su cuadrilla, fantasmas que le hacen ver el valor de una guerra sin sentido, y principalmente su cobardía. Muy intenso.

5. "Cuervos": este es el único cuento que lo protagoniza una persona no asiática, y me refiero a Martin Scorsese que hace de Van Gogh, donde un joven artista hace volar su imaginación hacia sus pintura, para ver la magia, locura y poesía que pueda hacer entender tanta intensidad, con una gran pieza de Chopin acompañándola.
Puede que este cuento descoloque, ya que es muy diferente al resto, pero recordemos que es parte de sus sueños, donde más de una vez dijo tener un agrado o admiración hacia el occidente.

6. "El monte Fuji": Una luminosa explosión del volcán, que se mezcla con la oscuridad de su toxicidad por las platas nucleares, donde los tóxicos están en el aire y no hay esperanza para la humanidad. Otra vez, la mano del hombre, más que de la naturaleza, exterminan a la población.

7. "El Monstruo llorón": Otra pesadilla de Akira contra la destrucción del hombre hacia su mismo hogar, con plantas nucleares, guerras, y un sin fin de toxicidad. Un mundo post apocalíptico. Tanto la flora como ellos han mutados, ahora la raza humana son criaturas monstruosas. Ambición y destrucción.

8. "La aldea de los molinos": Un término con una luz esperanzadora, ya que en algún rincón del mundo debiera existir esa tierra y gente que vive, cuida y ama la naturaleza. Que todo se puede hacer sin la tecnología o instrumentos avanzados.
Que no es necesario el combustible, luz, menos Internet. Se puede vivir largamente, en un ambiente sano y lleno de vitalidad. Sin la sociedad de consumo. Vivir y morir bien.

Una reflexión ante varias pesadilla autodestructivas, y sueños de esperanza. Con alegrías, frustraciones, miedos, rabias, admiración, esperanza, culpas, muerte, arte, infancia... Son sus sueños, son los sueños de todos.

Gran edición, buen guión que nos hace entender situaciones, buena fotografía y puesta en escena, una banda sonora acorde y bien actuada. 

Un colorido brillante donde, incluso, lo sombrío es impresionante. Más que mal, hay un gran equipo atrás de este trabajo.
Historias que pueden ser interpretadas de diferentes formas, tal vez yo hice una descripción diferente a la tuya pero de eso se trata, de que creo, tienen el mismo fin, un fin reflexivo.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

夢 (Yume)
Dirección y guion: Akira Kurosawa
País, Japón y EEUU
Estados Unidos
Año, 1990
Género, Drama y Fantasía
Duración, 119 minutos
Producción: Steven Spielberg, Hisao Kurosawa,
Allan H. Liebert, otros.
Música. Shinichirô Ikebe
Fotografía, Takao Saito y Masaharu Ueda
Montaje, Tome Minami
Vestuario, Emi Wada.

Lazos de Familia - Por Carlos Correa

Disponible en Cinemark.cl


Esta cinta escrita por Paul Laverty y dirigida por Ken Loach presenta la vida de la familia Turner. Ricky -Kris Hitchen-, y su mujer Abby -Debbie Honeywood-, han sido golpeados por la crisis financiera del año 2008 e intentan solventar una gran cantidad de deudas. Junto a sus hijos Sub -Rhys Stone- y Liza -Katie Proctor -, componen un hogar que tiene escasas oportunidades para salir adelante.

No obstante las mencionadas dificultades, a Ricky -que no tiene formación profesional ni estudios-, se le presenta una oportunidad para trabajar como repartidor autónomo en una franquicia manejada por un tipo inescrupuloso llamado Maloney -Ross Brewster-. Es la opción que tanto esperada, tal vez una luz de esperanza que le permita, por fin, progresar y surgir. Para iniciarse en el trabajo, Ricky requiere tener una camioneta propia por lo que debe convencer a Abbie de vender el automóvil que ella usa para trasladarse y cuidar a sus pacientes domiciliarios, lo que significará un importante sacrificio y esfuerzo que esperan compensar a futuro.

El nuevo trabajo es tan agobiante como extenuante. Maloney es duro, no tiene sentimientos y trata a sus colaboradores sin contemplación alguna. Si hay demoras en la entrega, multas; si llega tarde, multas; si tiene problemas urgentes y no puede trabajar, debe encontrar un reemplazo y también recibe una multa. Estrés al máximo, cansancio intolerable. Abby, por su parte, se frustra con sus pacientes. Tiene un horario exigente y sin el transporte que le ayudaba a enfrentar mejor las cosas es todo más difícil. ¿Qué le depara el destino a esta familia?

“Sorry We Missed You” -su título original- posee un sentido de urgencia que compromete al espectador. Pocas películas logran generar este sentimiento que se observa cuando la inquietud crece y queremos defender a los protagonistas, ayudarlos, interceder por ellos, tratar de evitarles sufrimientos y más problemas.

Las actuaciones son naturales y espontáneas. Por momentos parecen registros documentales, tomas íntimas que no se ven como ensayadas, algo que le agrega sentido de realidad al metraje. La opresión laboral que se muestra es francamente agobiante. Y sin anestesia. La familia intenta seguir unida pero la tensión aflora en cada grieta que sus relaciones dejan entrever. Seb, el hijo adolescente, resiente la ausencia de sus padres, se rebela en la escuela y se mete en una espiral problemas que crece día a día. Liza, la menor, observa un poquito más de lejos, anhela que todo vuelva a ser como antes, que regrese la calma y tranquilidad, y sobre todo aspira a ver a sus padres más relajados. Pero no hay descanso, no hay tregua; la rutina apremia, se pierden las perspectivas.

Naturalmente, la familia es el apoyo primario, pero acá vemos que falla la contención, el acompañamiento, la guía y también la enseñanza. Sin duda quieren recuperar lo que eran pero no tienen claro el cómo. La búsqueda es afanosa, sin embargo chocan de frente con la aplastante realidad.

El amor profundo que se tienen no pareciera suficiente para enmendar el rumbo de las cosas. Ricky y Abby hacen todo por sus hijos, pero a la vez, y sin quererlo, los dañan. Hay afecto, hay unión, pero la impotencia ante este yugo permanente no les permite discernir qué camino emprender.

Estamos ante una vida que extravía su sentido, donde aspectos fundamentales pierden relevancia y la rutina absorbente del día a día se impone como un mazazo. ¿Cuál debiera ser el rumbo? ¿Existe acaso algún horizonte? Se trata, entonces, de tomar decisiones y de actuar. Esto es algo ineludible y urgente para descubrir si hay esperanza. ¿Existirá?

Ficha técnica

Título original: Sorry We Missed You
Año: 2019
Duración: 101 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Francia-Bélgica; Sixteen Films, BBC Films, BFI Film Fund, Les Films du Fleuve, Why Not Productions, Wild Bunch. Distribuidora: Front Row Filmed Entertainment
Género: Drama | Drama social. Familia
Guion: Paul Laverty
Música: George Fenton
Fotografía: Robbie Ryan
Reparto: Kris Hitchen, Debbie Honeywood, Rhys Stone, Katie Proctor, Nikki Marshall, Harriet Ghost, Linda E Greenwood, Alfie Dobson, Mark Birch, Ross Brewster, Julian Ions, Charlie Richmond, Brad Hopper
Dirección: Ken Loach

Podría Destruirte - Por Jackie O.

"Una millennial harta". 

Estamos ante una miniserie que nos lleva al tema de los abusos sexuales y sus consecuencias.

Para comenzar, te cuento que la protagonista Michaela Coel escribió este trabajo porque la serie es ella, ya que nos describe algo que le pasó realmente.

Cuenta la historia de Arabella, una tuitera que se hizo muy famosa por representar por ese medio los problemas de la generación, donde su fama la llevó a escribir su primer libro y se transformó en un éxito. Por ello, la editorial le pide un segundo trabajo, pero Arabella se encuentra en un punto muerto para construir la narrativa de su segundo trabajo, más cuando le sucede un hecho brutalmente repudiable.

Un día determinado, y en circunstancias que iremos viendo en el transcurso de los capítulos, Arabella sufre una violación, y ve como toda su vida se transforma en un viaje para asimilar todo eso. Además, lo interesante de esta miniserie es que nos demuestra que los abusos pueden venir de muchas maneras y son todos horribles. Nos plantea cómo cambia todo tu mundo tras sufrir una violación, pero acá, y es la diferencia a otros trabajos cinematográficos, no lo hace de una manera autocompasiva, es más bien todo lo contrario, se busca alguna forma salir y reconstruirse, se da a conocer el hecho sin miedo, y nos interpela como sociedad.

A lo largo de la miniserie, vemos a Arabella intentando descubrir qué pasó esa noche y buscando formas de seguir adelante. Es una cinta que nos habla sobre procesos y pasos que son esenciales para la recuperación del trauma, los diferentes tipos de abusos sexuales. También nos inserta en el contexto del abuso de drogas y la soledad en medio de lazos sociales superficiales, donde el ser humano se puede encontrar perdido y vulnerable. Con esto, se produce el movimiento de devaluación de sí misma. Nos enfoca en la posición de la mujer, el gay o cualquier ser humano en la sociedad; la amistad, la familia, la sexualidad, los prejuicios, el racismo, la irresponsabilidad, la empatía y la apatía. Los cambios generacionales, la adicción a las redes sociales y las drogas, son algunos de los muchos temas que acá podrás ver pero, principalmente, "el consentimiento" en el sexo.

Una historia que, sin contarnos nada demasiado original, es fresca y provocadora.

El desarrollo de la relación de Arabella con el trauma vivido se transforma en un viaje con una mirada a su yo interno, al que el personaje negó tanto reconocer, donde el autocuidado es beneficioso, y por ejemplo , el uso continuo de las redes sociales puede ser desmotivador. Te hace escalar llevándote al éxito pero también al fracaso de inmediato, provocando depresiones y otros estados, lo que también nos lleva a otro punto: tus redes de protección.

La historia mantiene un guion original que, en algunos momentos, puede decaer pero es lo mínimo, ya que nos mantiene interesados por el tema con un ligero humor negro. Las actuaciones son muy creíbles, ya que a veces no sabes qué pensar de ellos pues son tóxicos y son irresponsables, que a veces te molesta, pero no dejas de empatizar con ellos, incluso te puede hacer cuestionar tu posición ante recriminaciones que puedes haber hecho por esos principios morales que tenemos inculcados. Nos acerca al tema, nos hace plantear las situaciones que se pueden vivir.

La edición está muy bien lograda con el uso de flashbacks, ya que su creadora quiere que seas parte del momento, que sientas la confusión y angustia de ella. Mantiene una acertada fotografía de las situaciones vividas y que provocan, con buenos encuadres de cámara en primeros y primerísimos planos.

Luego de todo ese viaje, la protagonista deja para el último momento la redacción del borrador de su próximo libro, cuando ya su vida está algo más clara, cuando su mente la siente más lúcida, y ayudada por una de las personas que no quería cerca.

Podría destruirte, ¿quién le pregunta a quién?

La víctima mirándose al espejo, ante el atacante, a otros atacantes como sus cercanos por no entender, las instituciones, antes las redes sociales, o lo podemos interpretar de otra forma.

¿Qué haríamos si nos encontráramos con nuestro atacante? ¿Lo destruiríamos? ¿O nos enfocamos en sanamos nosotros y no nos autodestruimos?

Miniserie para mayores de edad, por contener imágenes de drogadicción y sexo.

Cinta que ya ganó 5 Bafta, como mejor actriz y miniserie entre otros, así como otros premios y nominaciones.

Actualmente recibió 9 nominaciones a Emmys, incluyendo las principales categorías de Mejor Miniserie y Mejor Actriz en miniserie drama.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Título original: I May Destroy You 
Género: Comedia dramática
Creado por: Michaela Coel
Protagonistas: Michaela Coel, Weruche Opia, Paapa Essiedu, otros.
País de origen: Reino Unido
Año: 2020. 
12 episodios de 30 min. aprox.

3/9/21

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 3 de septiembre 2021

El periodista José Luis Nicolás conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección "Avant Premiere" con SIGNIS Chile.

2/9/21

La Francisca, una juventud chilena - Por Jackie O.

"Sueños y marginalidad". 


Francisca es una joven de 19 años que vive en el norte de Chile, específicamente en Tocopilla. Junto a sus padres, un matrimonio que solo sobrevive con el arduo trabajo de su madre costurera y un padre alcohólico y amargado que mantiene una pequeña bencinera afuera de su casa que, a veces, atiende Francisca. Y un hermano pequeño de más o menos 10 años, a quien se le diagnosticó autismo, pero ni los mismos padres lo tienen claro.

La película nos muestra un sector marginal de Chile, donde la gente sobrevive en trabajos de pesca, o lo que sea, pero los carretes no faltan (bailes o juntas con alcohol/droga).
Francisca es una chica tranquila, tiene a una gran amiga que es más desinhibida. Y esta última se irá a Santiago, que es un lugar idílico para estas chicas. Es la escapatoria de ese lugar sin futuro. Pero se irá sola, Francisca debe seguir ahí, y tomar la decisión de qué hacer con su vida. 
Por otro lado, su hermanito es ayudado por un profesor que aparece en la trama y que conversa con Francisca quien es la que más está a cargo de él, sobre darle clases particulares. Incluso, luego habla con los padres, quienes ven algo bueno para el pequeño. Pero esta parte de la trama queda a medias, poco argumentada.

Francisca no expresa mucho, quiere ser querida, pero más que eso, quiere salir de ahí. Iquique, Santiago, cualquier gran ciudad. Pero no quiere dejar a su hermanito, pues él es muy apegado a ella y se siente amarrada. Lo ama.
Los padres son personajes poco comprometidos en la trama.
Así es que seguimos la vida aburrida de esta niña, en este pueblo donde nadie prospera.

En pocos minutos nos cuentan una historia, o varias, que no quedan del todos claras, sino que deja que el espectador arme su propias conclusiones. El director no define mucho, ¿lo hace intencional o por la poca expertis? , no sé.

Al final, su hermanito es quien hace que Francisca decida su futuro. Pero no nos deja en claro la ejecución de los sucesos. Pero imaginémoslo.

Rodada en el norte, con paisajes que muestran la marginalidad de un lugar seco como sus habitantes, pero con el mar que representa esa luz de esperanza y vía de escape, entregados con planos amplios.

Francisca, una historia simple, básica, bien actuada. Pero a pesar de tener muchos temas que no se profundizan en todo, se deja ver.
Y se agradece mucho que el exceso de garabatos, que le encantan a las cintas chilenas, acá no estuviera.

Ficha técnica

Estreno: 2 de septiembre
Entradas: en Puntoticket
Largometraje de ficción / 80 min. Chile
Guion y dirección: Rodrigo Litorriaga
Elenco: Javiera Gallardo (Francisca), Aatos Flores (Diego),Francisco Ossa (Fernando), Roberto Flores, Varinia Carito Vila
Fotografía: Jean-Marc Ferrière
Sonidista: Ophélie Boully