26/2/21

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 26 de febrero 2021

Carlos Correa Acuña conversa con Jackie O. y Alejandro Caro en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección Cine con SIGNIS Chile.

El Agente Topo - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.


Hermosa y sensible de comienzo a fin.

La documentalista chilena Maite Alberdi ha demostrado su talento durante los últimos años con filmes tan excelsos como LA ONCE (2014) (Premio del Círculo de Críticos de Artes de Chile), YO NO SOY DE AQUÍ (2016), LOS NIÑOS (2016), DIOS (2019), y ahora nos impacta con EL AGENTE TOPO (2020).

Una agencia contrata a un octogenario para internarse en un Hogar de Ancianos, evaluar su funcionamiento y, en especial, informar sobre la condición de una paciente determinada.

El elegido es un viudo reciente llamado Sergio Chamy. La misión de espionaje le servirá de terapia para sobrellevar su duelo. Entregará sus informes diarios por escrito y telefónicamente manteniendo la mayor discreción y disimulo.

Por sus ojos y oídos desfilarán, en su mayoría ancianas, con diversos grados de salud y lucidez.

Día a día aquellas personas recluidas en el Hogar San Francisco, de El Monte, se nos harán tan familiares y queridas a nosotros como al furtivo investigador.

Si bien son tratadas con cuidado, medicinas y ejercicios, se desplegará ante nuestra vista un panorama general de abandono afectivo y soledad.

Hermosas imágenes de detalles del Hogar - en especial de sus jardines - sirven de transición entre las secuencias que van separando el paso de los días.

De las menos interesantes es Sonia Pérez, la abuelita motivo de la pesquisa, ya que es lacónica, silenciosa, y le molesta que la toquen.

Sin embargo, la galería de ancianas se extenderá con una gama de temperamentos, recuerdos, anhelos, e incluso aspiraciones románticas. Serán ellas quienes desplieguen el universo de criaturas frágiles y adorables.

El “topo” se irá independizando de la frialdad de su misión inquisidora para descubrir un mundo maravillosamente rico, condenado al encierro en espera de la muerte.

Una de aquellas señoras era capaz de crear poemas sublimes y recitarlos de memoria a quienes se lo pidieran. Una gran poetisa nacional ignorada para siempre entre aquellas paredes. La misma de quien, al fallecer, conocimos completa una oda póstuma que horadó el corazón de quienes la escucharon.

Los documentales de Maité Alberdi escogen temas poco habituales y personajes vulnerables, a menudo esquivados por nuestro entorno.

Con paciencia y virtuosismo oriental nos entrega el mensaje de fondo matizado con imágenes de igual fineza: una estatua de la Virgen María con los ojos sombreados (¿?); y en medio del jardín, mecidas por el viento, un mar de sábanas recién lavadas, secándose al sol.

Sergio fue como un “ángel consolador” en ese Hogar. Y a nosotros nos sensibilizó de manera noble e inteligente con respecto a la vejez. Llega directamente al corazón.

Bravo, nuevamente, Maite Alberdi y su equipo. ¡Un orgullo para el cine chileno!

UN PRODIGIO DE REALIZACIÓN, SUTILEZA Y SENSIBILIDAD. 

Ficha técnica

Documental
2020 Chile, Holanda, España, Alemania, EE.UU.
1, 29 hrs. 
Fotografía: Pablo Valdés 
Edición: Carolina Syraquian 
Música: Vincent van Warmerdam 
Prod. Ejecutiva: Marissa Ericson 
Guionista y Directora: Maite Alberdi 

Nominada al Oscar 2020

25/2/21

La Innegable Verdad - Por Jackie O.

“Drama intenso”.

Sinopsis: Cuenta las difíciles vidas de los hermanos gemelos Dominick y Thomas Birdsey, mientras descubre la verdad sobre su propia historia familiar. Una historia de maldad, penas, sacrificio, perdón y mucho más.


Una miniserie dura, intensa, real y emotiva. No podría describirla de otra forma.

Una miniserie que nos desgarra, de esas que no quieres ver pero es inevitable, que nos muestra lo dura que es la vida para muchas personas, que nos invita a reflexionar y a ser más empáticos.

La cinta nos va mostrando, mediante imágenes del pasado y presente, las historias de estos hermanos para entender cómo se forjaron sus personalidades, su dura niñez y adolescencia, la influencia de sus padres en este proceso y el compromiso de Dominic con su hermano Thomas, el que sufre de esquizofrenia paranoide, y sus esfuerzos por sacarlo del centro donde está internado.

La serie es triste, un drama intenso donde las tragedias que azotan a Dominic no cesan y su deterioro físico y emocional nos provoca, y en ningún momento nos deja de impresionar. La actuación de Mark es desbordante, de entrega total, en un gran doble rol.

Tiene unos montajes impresionantes. Mark Ruffalo, primero rodó las escenas de Dominick y luego subió los suficientes kilos para las escenas de Thomas. Impresionante, también, es la participación de Philip Ettinger, quien hace el papel de Dominick y Thomas en su versión adolescente. Mark deja la vara muy alta, pero Philip supo estar a la altura en todo momento. 

Los secundarios, todos, aportan bastante para hilar la historia, creíbles en sus roles. El maquillaje, vestuario y banda sonora, completan esta obra.

Este drama familiar aborda muchos temas como el duelo, el abuso, las culpas, el sacrificio y el perdón. También se centra en el tema de la salud mental, nos muestra el deterioro de un paciente con esquizofrenia paranoide y, en este caso, el desgaste de su hermano que también está lidiando al mismo tiempo con sus propios problemas, su historia familiar y personal.

Una Miniserie intensa, pero imperdible.

Disponible en HBO.

Ficha técnica

Título original: I Know This Much Is True.
Miniserie: 6 capítulos. 1 hora aprox. c/u
Primer y ultimo episodio: 10.05.2020/ 14.06.2020
Basado en: I Know This Much Is True, de Wally Lamb.
Dirección: Derek Cianfrance
Guion: Derek Cianfrance y Anya Epstein.
Fotografía: Jody Lee Lipes
Reparto:
Mark Ruffalo: Dominick y Thomas Birdsey
Melissa Leo: Ma
John Procaccino: Ray Birdsey
Rob Huebel: Leo Blood
Michael Greyeyes: Ralph Drinkwater
Gabe Fazio: Shawn Tudesco
Juliette Lewis: Nedra Frank
Kathryn Hahn: Dessa Constantine
Rosie O'Donnell: Lisa Sheffer
Imogen Poots: Joy Hanks
Archie Panjabi: Dra. Patel
Bruce Greenwood: Dr. Hume

24/2/21

Unidos - Por Jackie O.

“No busques lo que ya tienes con creces”.


Sinopsis: Dos hermanos elfos adolescentes, Ian y Barley, hacen un viaje en busca de un poco de magia para pasar un último día con su padre fallecido, pero cuando su madre se entera de que no están, se une a la legendaria mantícora para traerlos de regreso.

Es un mundo donde viven hadas, sirenas, elfos, y toda clase de criaturas mágicas, y que va cambiando a medida que la tecnología va avanzando. Ahí viven Ian y Barley, hermanos adolecentes junto a su viuda madre. Su padre falleció cuando Ian era un bebé, así que no lo conoció; Barl era un pequeño, así que algunos recuerdos mantiene.

Ian es introvertido pero vive casi obsesionado con el recuerdo de su padre, de ese padre que no conoció y que solo escucha lindas historias de su madre. En cambio, Barley es lo opuesto, totalmente extrovertido y le encantan las leyendas de su antigua cultura mágica.

Así transcurren sus días, hasta que Ian cumple años y su madre les da a ambos un regalo que su padre les dejó antes de morir. ¿Y qué es? Un mapa con la leyenda de una gema y un bastón.

Ian no sabe qué hacer, pero Barley está emocionadísimo. Descubren, ambos, que Ian tiene ciertos poderes que pueden traer a su padre de vuelta por 24 horas, y lo intentan. Pero les falla algo, ya que solo aparece la mitad de su padre. Pero con ese mapa tienen la oportunidad de traerlo por completo.

Así que se embarcan en una aventura.

Ian solo quiere conocer a su padre y hacer diferentes cosas con él, y Barley solo quiere que su hermano sea feliz.

Su madre, al enterarse para dónde van sus hijos, va en su búsqueda junto a una gran leyenda.

Son solo 24 horas lo que tienen estos hermanos para encontrar la gema, y la madre de encontrarlos. Horas donde las aventuras no fallan, y el encuentro con otras criaturas ameniza aún más la historia.

Una historia con buen diseño técnico, buena banda sonora, con mucha magia, aventura y diversión, en la cual todos sus personajes, desde el principal al secundario, están muy bien construidos.

Donde su guion es sencillo, profundo y emotivo, que nos deja hermosos mensajes de cariño entre hermanos, de la familia en general y de confianza.

Disponible en Disney +

Ficha técnica

Título original: Onward
Dirección: Dan Scanlon
Guion: Dan Scanlon, Jason Headley y Keith Bunin
Música: Mychael Danna y Jeff Danna
País: EEUU Año: 2020
Género: Fantasía y Animación
Duración: 103 minutos
Reparto:
Tom Holland: Ian Lightfoot, elfo adolescente.
Chris Pratt: Barley Lightfoot, hermano mayor.
Julia Louis-Dreyfus: Laurel Lightfoot, la madre viuda.
Octavia Spencer: Corey, una mantícora.
Mel Rodriguez: Colt Bronco, centauro policía y novio de Laurel.

Tenet - Por Carlos Correa

Disponible en salas de cine.


Por fin volver a una sala de cine y además con esta película. ¡Un lujo! 

El director Christopher Nolan nos vuelve a desafiar con un relato original del que es guionista y director. En su esperada y postergada “Tenet”, Nolan narra una historia compleja que adquiere ribetes fantásticos gracias al empleo conceptual del tiempo, algo que ya se ha transformado en su sello.

El Protagonista de “Tenet” -John David Washington-, un agente de la CIA, encuentra un reto mayúsculo. Luego de una misión SWAT encubierta en el Teatro de la Ópera de Kiev (Ucrania), y tras ser capturado, decide tomar una píldora de cianuro para acabar con su vida. Sin embargo, despierta más tarde, sus compañeros están muertos y descubre que toda la operación ha sido una prueba de lealtad. Sin más información, es conducido a una organización -Tenet- que estudia la “entropía inversa”. En el lugar conoce a Laura -Clémence Poésy-, una científica que analiza balas que se mueven hacia atrás y se entera de la existencia de una cápsula del tiempo, que no va hacia el futuro, sino hacia el pasado. 

Entonces, el Protagonista junto a Neil -Robert Pattinson-, acuden a Priya Singh -Dimple Kapadia-, traficante de armas en India, para hallar al verdadero responsable de una operación a gran escala, el ruso Andrei Sator -Kenneth Branagh-, quien también es el nexo con el futuro. Asimismo, visita a Kat -Elizabeth Debicki-, la ex esposa de Sator, quien está siendo chantajeada para mantenerla alejada de su hijo. ¿Y todo esto para qué? Para evitar que el ruso consiga la última pieza de un complicado algoritmo con el que obtendría el poder de destruir toda la humanidad.

¿Suena complicado? Y es solo el comienzo, para entregar un barniz de lo que la cinta desarrolla a continuación. Más detalles argumentales, creo, estarían de más. Con lo descrito anteriormente tenemos a los principales protagonistas y el objetivo central. Ahora, solo resta observar 150 minutos intensos, frenéticos y diferentes.

Esta cinta de Christopher Nolan puede ser analizada por capas, por temas, por momentos, por su globalizad y también por pequeños detalles. La construcción es precisa y parte de su encanto es la complejidad del guion junto a la abundante información que no dejamos de recibir durante toda la cinta. Debemos estar atentos, sí, pero más que nada abiertos a una experiencia que no es anticipable, no es evidente, no es predecible y tampoco adivinable.

Creo que lo que mejor describe esta cinta es la palabra “experiencia”. Escribo estas líneas días después de haberla visto en pantalla grande y vienen a mi secuencias, detalles y también una nube conceptual muy difícil de describir. Claro, podría relatar cada escena con sus cuadros, separar cada una de sus partes, analizar los nexos, explicitar las relaciones entre las acciones y los protagonistas, hacer un resumen de las partes principales del argumento, etc… O sea, podría contar la película entera, pero, así y todo, no sería capaz de volcar en palabras la sensación que tuve al presenciarla. Porque puedo relatar los hechos, pero no la sensación de estar ahí, frente a la pantalla, expuesto a la experiencia, formando parte, inmerso en su interior. Eso es lo que provoca esta cinta: nos captura, nos envuelve, nos sacude, nos da vuelta, nos exprime al máximo y luego nos deja, ahí, a la deriva.

Una particularidad de este director es su originalidad. Esta vez, el mayor logro está en su forma y en el arte conceptual más que en su argumento central. ¿Por qué? La historia -el esqueleto, la columna- es simple; un agente que se enfrenta a un villano para evitar una hecatombe de proporciones. La magia, entonces, emerge de todo lo que envuelve este hilo central y allí, Nolan es un maestro. Si consideramos que el tema del tiempo es ya una “marca registrada”, el giro que el director realiza con “Tenet” contiene un nivel de abstracción altísimo. Particularmente me encanta este desafío, porque hay momentos en la cinta que creo comprender cabalmente lo que veo y otros en los que todo se me nubla y definitivamente no entiendo nada. Esa mezcla entre la claridad y la oscuridad, con procesos mentales, racionales y profundamente complejos, me detonan algo que podría ser contradictorio, me provocan emociones. Y por eso creo que la clave reside en vivir la cinta como una experiencia, dejarse llevar, conducir, sin oponer resistencia, porque eso es lo que nos llevará a momentos analíticos y a otros que serán solo sentimiento.

“Tenet” puede tener muchas lecturas, análisis, opiniones y también, por supuesto, divergencias. Es la parte que más me motiva de este tipo de cintas, aquellas que no son explícitas, aquellas que generan controversia, argumentos encontrados, diversos puntos de vista, apreciaciones subjetivas e incluso ataques y defensas apasionadas. No es un cine que deje indiferente, es un cine que ofrece perspectiva, que abre debates y que obliga a generar opinión.

Reconozco que me gusta mucho y además admiro la pluma y ejecución que veo en cada proyecto de Christopher Nolan. “Tenet”, por cierto, no escapa a ello y posiblemente va un paso más allá. Qué decir de la banda sonora compuesta por Ludwig Göransson, ¡brillante! Efectos visuales asombrosos, producción a gran escala, escenarios increíbles y un desafío que me resulta tan impresionante como incomprensible, como cuando vemos en simultáneo los equipos de asalto “normales” e “invertidos” al mismo tiempo, en la misma secuencia, en el mismo lugar, tiempo y espacio. Alucinante, no solo como concepción sino también por la puesto en escena y su resultado final, es decir, los ensayos, la filmación, los efectos visuales y la edición.

Considero que el regreso del cine presencial merecía una cinta de esta categoría. Me siento afortunado de la oportunidad y feliz por lo que significa. Nada se asemeja a ver una película -cualquier película- en una sala de cine. Es otra cosa, otra sensación, otra experiencia. Y si además es un trabajo de Christopher Nolan, doble fortuna. Desde sus anuncios estaba esperando “Tenet”, postergada una y otra vez y tampoco disponible en streaming. Ahora comprendo que la espera valió la pena. ¡Como para verla nuevamente!

Ficha técnica

Título original: Tenet
Año: 2020
Duración: 150 minutos
País: Reino Unido
Productora: Co-production Reino Unido-Estados Unidos; Syncopy Production, Warner Bros. (Distribuidora: Warner Bros.)
Género: Thriller. Acción. Ciencia ficción | Espionaje. Viajes en el tiempo
Guion: Christopher Nolan
Música: Ludwig Göransson
Fotografía: Hoyte van Hoytema
Reparto: John David Washington, Robert Pattinson, Elizabeth Debicki, Kenneth Branagh, Dimple Kapadia, Aaron Taylor-Johnson, Michael Caine, Clémence Poésy, Martin Donovan, Himesh Patel, Andrew Howard, Yuri Kolokolnikov, Fiona Dourif, Jonathan Camp, Wes Chatham, Marcel Sabat, Anthony Molinari, Rich Ceraulo, Katie McCabe, Mark Krenik, Denzil Smith, Bern Collaco, Laurie Shepherd
Dirección: Christopher Nolan

El Joven Doctor: Un Amor Imposible - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cinehoyts.cl


Historia de amor juvenil, y denuncia contra el racismo. Tierna, inocente y estimulante.

Un ejemplo de superación personal contra las adversidades.

Con un poco más de humor pudo ser de aquellas películas familiares de la empresa Disney. Más, la crudeza de los contrastes le aportaron otro cariz.

Sucede en Hawái en la década de los años 20. Los propietarios occidentales contrataban a miles de japoneses inmigrantes para trabajar, por sueldos infames, en los cafetales.

Llega un médico soltero a la isla (Matt Dillon) para concretar un negocio. Cuando el proyecto fracasa debe permanecer allí por un mes hasta que un barco lo lleve de vuelta a su patria. En ese periodo constatará la miseria e insalubridad en que viven aquellas familias niponas. Decide quedarse.

Desde entonces, y por 10 años, será el único médico de los japoneses pobres y explotados.

Adoptará a Jo, un niño huérfano bastardo, despreciado por todos por ser hijo de una madre nativa con un japonés.

Con los años el niño, ahora adolescente, aprenderá mucho de medicina acompañando a su tutor. Revelará inteligencia y enorme destreza para correr por los bosques y montañas.

Casualmente conocerá a Grace (Olivia Ritchie), la hija del soberbio terrateniente Danielson (Nick Boraine). Surgirá una bella, pero secreta, atracción afectiva entre ellos. Romance imposible por discriminación social y de raza.

El padre, amenazado de ruina, ofrecerá la mano de su hija a un acaudalado médico de la ciudad - Dr. Reyes (Jim Caviezel) - adulto, y tan alcohólico como inepto galeno.

Los prejuicios y la soberbia serán un flagelo contra Doc, el médico de los pobres, y contra Jo (Ryan Potter), su hijo adoptivo. Una suerte de Romeo y Julieta en el Hawái de esos tiempos.

¿Qué le da su encanto a esta sencilla historia de amor? Los bellísimos paisajes de bosques, montañas, cascadas, volcanes y ríos; un guion claro, convencionalmente estructurado; actores antiguos y nuevos de buen nivel; giros melodramáticos bien dosificados para mantener la sobriedad del relato; final feliz gracias al suspenso de una típica competencia entre rivales.

Los espectadores quedarán satisfechos al comprobar que los buenos son muy buenos, los malos son egoístas y perversos, y los japoneses de la plantación serán testigos como el Coro clásico de las tragedias griegas.

El joven actor Ryan Potter, como Jo (el Joven Doctor del título), revela frescura y carisma. Y resulta alentador comprobar que Jim Caviezel - como el despreciable Dr. Reyes - es de los pocos actores que han podido superar el encasillamiento que los consagró: recordemos que fue Jesús de Nazaret en LA PASIÓN DE CRISTO de Mel Gibson. Aquí lo vemos en una veta grotesca y de mínima moralidad. Y gracias a su emblemática sonrisa sale airoso con su estúpido personaje.

RELATO CONVENCIONAL, AMENO Y EJEMPLARIZADOR, PARA TODA LA FAMILIA.

Ficha técnica

Títutlo Original: Running for Grace 2018 
Familiar, romance EE.UU. - 1,50 hrs. 
Fotografía: Akis Konstantakopoulos 
Edición: Kyle Gilbertson 
Música: Elia Cmiral 
Diseño Prod.: Alessandro Marvelli 
Guion: David L. Cunningham, Christian Parkes 
Actores: Matt Dillon, Jim Caviezel, Ryan Potter, Olivia Ritchie 
Director: David L. Cunningham

23/2/21

Music - Por Carlos Correa

Disponible online en Cinemark.cl


Music Gamble -Maddie Ziegler- tiene una severa condición autista. Vive con su abuela, tiene marcadas rutinas y la comunicación con el mundo exterior se le hace difícil. A pesar de ello, Music se refugia en su inmenso mundo interior, pero todo cambia cuando fallece la abuela. La única pariente es su media hermana Kazu -Kate Hudson-, quien se recupera de sus adicciones y como la condición de Music le impide vivir sola, “Zu” debe hacerse cargo y aceptar ser su tutora.

A partir de ese momento, la vida de ambas hermanas se modifica sustancialmente. Para Zu, la responsabilidad asignada la complica. Ella es libre, no quiere amarras y además no tiene dinero. Por su parte, Music parece no darse cuenta, sin embargo observamos su increíble imaginación al desplegar la forma que tiene de ver y sentir todo lo que le rodea.

Hay otros personajes que rodean la historia. Un vecino, Ebo Odom -Leslie Odom Jr.-, ex boxeador que hace clases a niños, quien acude para colaborar ante las crisis de Music. Felix Chang -Beto Calvillo-, un joven aprendiz de Ebo, que siempre vigila los pasos de Music, velando secretamente por ella. George -Héctor Elizondo-, el conserje del lugar, que también ayuda a Zu cuidando a Music, a pesar del abuso de su tiempo y de su buena voluntad por parte de la joven. Los cruces entre ellos se intercalan en la narración y, por momentos, el protagonismo se lo roba la dupla Zu-Ebo, dejando un poco de lado el tema de fondo.

El guion escrito por Dallas Clayton y Sia nos sitúa al medio de un conflicto de valores. Podríamos separarlo en al menos tres secciones: la necesidad de dinero, por lo que Zu trafica drogas para conseguirlo; la vinculación afectiva familiar que recorre el camino de las dos hermanas que no tenían relación pero que, producto de los hechos, se ven obligadas a cruzar sus vidas; y las decisiones que debe tomar la protagonista respecto si sigue adelante su ruta en solitario, o bien intenta acompañar a Music y atender sus necesidades, carencias y desafíos.

La cantautora australiana Sia es quien dirige esta cinta en su debut cinematográfico. No exento de polémica, este trabajo involucra también la composición de diez canciones originales que llevan un sello distintivo y aportan a la banda sonora compuesta por Craig Deleon. Estas canciones, al ser usadas en vistosas y coloridas coreografías, en especial en las secciones que reflejan la mente de Music, adquieren vida propia y se desdoblan de lo que sucede en el relato. Los textos son atinentes, sin embargo, el despliegue aparece un poco desconectado, lo que da cuenta de esta particular separación.

La cinta pone en su centro el trastorno autista como condición, aquello que le rodea e incluso su manejo en ocasiones particulares. Esto último es lo que ha generado polémica pues en algunas escenas parece forzado y tal vez asumiendo ciertos prejuicios. Sia lo ha reconocido, pero los reclamos por la forma de presentarlo no han cesado.

Independiente de las críticas al respecto, la película consigue hilvanar una historia familiar, de vida, de conocimiento propio, de autoestima, de esfuerzo y coraje, que solo cierra al final del metraje. Es improbable definir todo eso a poco andar o en la medianía del filme. Debemos dejar que fluya, que se despliegue y tal vez madure con el correr de los minutos. Observamos, así, la transformación personal, que es justamente lo más sustantivo del trabajo presentado.

La filmación recorre irregulares períodos y procesos. Muy elocuente y vistosa en lo musical, pierde tensión en los diálogos capturados con primeros planos. Ese ida y vuelta, o tal vez subida y bajada, no tiene un suficiente contrapeso para mantener un hilo conductor que nos lleve un poco más de la mano y nos permita entrar en la historia de manera más profunda. Hay claves sí; momentos que logran empatía y causan emoción, pero son los menos y ya casi cuando no queda nada.

“Music” resulta algo débil debido a su construcción, sin embargo emerge gracias a la potencia del tema que expone y al trabajo actoral que lo sustenta. No es sencillo de apreciar, eso sí, porque su ritmo es lento y claramente no responde, tal vez, a lo que esperaríamos. No obstante aquello, se sobrepone sin alcanzar mucho vuelo, solo el justo y necesario para transmitir la historia, para incorporar elementos artísticos de otros géneros y para volcar la mirada hacia una condición que muchas veces no queremos comprender o tratamos de ocultar.

Ficha técnica

Título original: Music
Año: 2021
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Productora: HanWay Films, Landay Entertainment, Crush Pictures (Distribuidora: IMAX)
Género: Musical. Drama | Autismo
Guion: Dallas Clayton, Sia
Música: Craig Deleon
Fotografía: Sebastian Winterø
Reparto: Kate Hudson, Maddie Ziegler, Leslie Odom Jr., Hector Elizondo, Mary Kay Place, Tig Notaro, Brandon Soo Hoo, Alexandria Lee, Parvesh Cheena, Chris Silcox, Angelina Capozzoli, Alyson Van, Julia Stanford, Sarah Zinsser, Celeste Den, Braden Marcott, Christina Veronica, Eric Davis, Massiel Hernandez, River Sadlon, Bill Prudich, Abhimanyu Katyal, Venessa Verdugo, Nancy Dobbs Owen, Kaylie O'Meara, Maria Ochoa, Diane Kelber, Diana Diaz, Marlene Hoffman, Jacob Taylor, Elisabeth Jee, Nev Smith, Raphael Bey-Morgan, Ramiah Bey-Morgan, Beverly Wilkerson, Gina Weber
Dirección: Sia

Lupin - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Nueva versión del clásico francés de Arsene Lupin con Assane Diop (Omar Sy) como el ladrón de guante blanco, aficionado a sus aventuras y que para él, es más que un libro, es su herencia, su método, su camino, ese es Assane, quien busca vengar la muerte de su padre.


Esta serie francesa está inspirada en la historia publicada y creada hace más de 100 años por Maurice Leblanc y que ha tenido adaptaciones para el cine, tv, teatro y cómics. La serie es una inspiración libre. Según cuenta la leyenda, Leblanc habría construido la historia a partir de las hazañas de un anarquista llamado Marius Jacob, quien formó una banda llamada “Los trabajadores de la noche”. Éstos robaban, sin usar la violencia, por lo tanto eran “ladrones amables” y sólo atracaban personas pudientes, donando una parte del botín.

Pero, ¿cuál es el atractivo que tiene este elegante, seductor a veces infantil Lupin? Nadie conoce su identidad y es difícil de atrapar, esa es la gracia.

El guion tiene algunos baches y giros forzados que hace perder credibilidad al relato, pero la historia es entretenida, por momentos te lleva y te sorprende con una hermosa fotografía y flashbacks que te mantienen interesado en lo viene.

La interpretación de Omar Sy, sobresaliente, entretenido, ocupa toda la pantalla y se apodera del personaje, dándole sus toques de ironía y humor como buen comediante que es.

Deseo destacar la actuación de Anne Benoit como Fabianne Beriot, la periodista que se inmiscuye en las tramas de los poderosos y que le cuesta la vida. Ese no es un dato menor para el periodismo actual, que promueve una mayor trasparencia en la sociedad; muchos han muerto por esa causa.

Un punto aparte es la participación de la cineasta Marcela Said, esta chilena- francesa, que ha saltado de los documentales y algunos largometrajes en Chile, después a Narcos en México y ahora a Lupin, en Francia, dirigiendo dos episodios.

Al final, la historia queda abierta, esperando la segunda temporada. Mientras tanto, habrá que buscar y leer los libros de astuto Lupin.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Arsène Lupin (TV Series) 
Año: 2021 
Duración: 5 episodios de 46 min. Aprox. 
País: Francia 
Dirección: George Kay (Creador), François Uzan (Creador), Marcela Said, Louis Leterrier, Ludovic Bernard 
Guion: George Kay, François Uzan, Florent Meyer, Tigran Rosine, Marie Roussin (Novela: Maurice Leblanc) 
Música: Mathieu Lamboley 
Fotografía: Christophe Nuyens, Martial Schmeltz 
Reparto: Omar Sy, Ludivine Sagnier, Nicole García, Hervé Pierre, Vincent Londez, Antoine Gouy, Soufiane Guerrab, Clotilde Hesme, Etan Simon, Shirine Boutella, Johann Dionnet, Vincent Garanger, Mamadou Haidara, Fargass Assandé. 
Productora: Gaumont Télévision, Netflix (Distribuidora: Netflix ) 
Género: Serie TV, Intriga, astucia,robos, racismo, engaño.

Más allá de la Luna - por Jackie O.

¿Cómo sobreponerse ante la pérdida de un ser querido?"


Fei-Fei es una niña que, ante la muerte de su madre, aún recuerda esos bellos cuentos que le narraba sobre la diosa de la Luna, quien tenía un gran amor del cual la separaron, pero no renunció en sus esfuerzos de volver a tenerlo a su lado. 

Fueron bellas historias, que se transformaron en parte de su vida.

Pero llega el día en que su padre volverá a casarse, y Fei-Fei no está de acuerdo, por lo que quiere convencer a su padre de que el amor verdadero es único, y solo uno. 

Así, idea un plan para ir en búsqueda de esa diosa china, Chang’e, en un viaje lunar. Ella es la única que la puede ayudar.

Una historia de fantasía y leyendas, donde todo es posible.

Y sí, llega a la Luna ayudada de un cohete casero y por unos leones milenarios de la cultura china que aparecen repentinamente y la llevan frente a la diosa, encontrando esta niña a una superficial, fría, triste y muy musical mujer que maneja muchos estilos vocales, pasando de la balada a K-Pop. Esa es la diosa Luna, algo distinto a lo que imaginaba.

Fei-Fei siente que su padre reemplazó a su madre y por sobretodo que la olvidó, eso hace que su pena, rabia y angustia crezcan. Fei-Fei es quien debe sobreponerse a la pérdida, dejar ir, pero debe entender que no significa olvidar. Lo mismo le pasa a la diosa de la Luna, ella hace lo imposible por volver a reencontrarse con su amor, y cada fracaso la hace un ser más triste y aleja a todos.

¿Podrán sobreponerse, ambas mujeres, ante una pérdida tan importante? 

Sí, lo harán, pues la película es predecible. Pero lo cautivador es cómo lo hacen. Tiene un guión muy simple, que sube y baja en calidad pero no interfiere en la atención. Además mantiene buenos personajes.

No soy para nada fans de las películas musicales, pero las letras de las canciones para contar la historia, compuestas por Christopher Curtis, nominado al Outer Critics Circle por Chaplin de Broadway, y Marjorie Duffield, con partituras de Steven Price, compositor de bandas sonoras como Baby Driver, acompañan los actos de forma emotiva y también alegre.

No puedo dejar de mencionar el agrado que me produce ver películas de buena calidad visual, y ésta se ve grandiosa en su estilo 3D, con dibujos casi humanizados en técnica.

Película hecha para niños, que también cautiva a los adultos, donde nos recuerda que amar es un sentimiento que queda para siempre, pero hay que soltar, dejar ir de a poco, para poder seguir avanzando. Y vivir el presente con mucho amor.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Año: 2020
1h 35minutos
Animación, Aventura, Comedia, Familia
Dirigida por Glen Keane y John Kahrs.
País: EE.UU. Y China

22/2/21

Viaje al Cuarto de una Madre - Por Carlos Correa

Disponible en Cinemark.cl 


Película contemplativa, íntima, mínima.

Leonor -Anna Castillo-, vive con su madre Estrella -Lola Dueñas-, en un pueblo de Sevilla, España. Se acompañan mutuamente, disfrutan de la televisión y de sus pequeñas rutinas. Leonor es joven, trabaja planchando en una fábrica en la que su madre fue costurera. Y reconocida costurera, pues todos allí le recuerdan. Pero ese trabajo no es para Leonor. Ella quiere estudiar turismo, quiere aprender inglés.

Una amiga, de visita para las fiestas de fin de año, le da la idea de ir Londres. Puede conseguir un trabajo de cuidadora y así aprender el idioma. Solo debe pagar el viaje. Pero Leonor teme dejar a su madre, siente que no puede dar el paso. Estrella tampoco quiere que su hija parta, siente que se le rompe el alma. Cuando llega el momento, y ambas enfrentan la decisión, el ciclo de la vida avanza y esta relación madre-hija fluye por otros caminos, otras vertientes y otros cauces. Tanto Estrella como Leonor van transformándose, sin embargo, su lazo filial, pilar emocional de sus vidas, se torna inquebrantable a pesar de no vivir juntas.

Con una aparente sencillez, donde en la superficie pasa poco y nada, Celia Rico Clavellino en su debut como directora, construye una historia que logra conmover gracias a la conexión emocional que genera. Situaciones tan normales, ver una serie, una simple comida, dormitar juntas en el sillón o una ducha, se transforman en sustancia cuando la cámara de Rico nos pone frente a dos mujeres que no requieren hablar para comunicarse. Asimismo, el guion no necesita explicación para que empaticemos con ambas protagonistas.

El ritmo es cadencioso, el metraje es lento y el pulso de la filmación no demuestra apuro alguno. El trabajo de Celia Rico Clavellino está más cerca de una meditación filmada que de una acción expresa o emocionalidades exuberantes. La tensión va por dentro, es un hilo delgado, débil y frágil, que solo podremos descubrir en la medida en que se desnuden los sentimientos profundos que Leonor y Estrella traen consigo.

“Viaje al cuarto de una madre” es una bella película, minimalista, sensible, hecha con cariño y dedicación. Su recorrido es, tal vez, simple, pero no por ello menos intenso. Mucho de la historia personal de la directora está representado en los personajes y en el propio texto. Rico señala, “vivo en Barcelona y mis padres en Sevilla, por lo que nuestra relación está basada en el teléfono. A menudo no tengo el tiempo suficiente para hablar con ellos y pasan los días y no les devuelvo las llamadas. Pero cuando los necesito siempre están ahí. Con el tiempo me doy cuenta de que no voy a volver a vivir con ellos y me cuestiono si soy capaz de corresponder a ese amor incondicional. Eso me llevó a escribir esa historia. Un verdadero gesto de amor es saber dejar ir a las personas que quieres.”

Premiada el año 2018 en el Festival de San Sebastián con el Premio de la juventud, la cinta también ha destacado por el trabajo actoral de sus protagonistas. Tanto Anna Castillo como Lola Dueñas se internan en sus personajes. La comunicación no verbal que se produce es muy fuerte, una vinculación difícil de conseguir y que las dos actrices configuran de una manera natural y potente. Exteriorizar su transformación interior es otro mérito de ambas, porque estamos frente a una historia llena de recuerdos, pérdidas, aflicciones y un temor al futuro que traspasa la pantalla. La honestidad de los sentimientos y la captura de lo esencial, hace que este trabajo de Celia Rico Clavellino quede en la retina, con un sabor suave, delicado y especial.

Ficha técnica

Título original: Viaje al cuarto de una madre
Año: 2018
Duración: 91 minutos
País: España
Productora: Co-production España-Francia; Amorós Producciones, Arcadia Motion Pictures, Canal Sur Televisión, Noodles Production, Pecado Films, Sisifo Films AIE, Televisión Española (TVE)
Género: Drama | Familia
Guion: Celia Rico
Música: Paco Ortega
Fotografía: Santiago Racaj
Reparto: Lola Dueñas, Anna Castillo, Pedro Casablanc, Noemí Hopper, Marisol Membrillo, Susana Abaitua, Ana Mena, Silvia Casanova, Adelfa Calvo, Maika Barroso
Dirección: Celia Rico

100% Lobo - Por Jackie O.

“Un verdadero lobo no tiene los colmillos más afilados…” 

Sinopsis: Freddy Lupin pertenece a una orgullosa familia de hombres lobos. 

Confiado de que pronto se convertirá en uno de los lobos más temidos, se queda sorprendido cuando descubre que no es todo lo feroz que esperaba.


Una película animada que cumple con la premisa de entretener, principalmente a los más pequeños del hogar. Y aunque es una historia muy simple, es dinámica, colorida, con personajes simpáticos y con un par de enseñanzas.

La familia Lupin es de un gran linaje de “humanos lobos”, viven en una hermosa mansión en medio de la urbe, ocultos de los humanos para que no sepan de su secreto ya que los humanos destruyen todo lo desconocido, en especial lo que no entienden, según palabras del padre de Freddy.

Freddy aún no está en edad para transformarse en hombre lobo, pero igual sale a escondidas en la noche con el fin de participar en las actividades que hacen los adultos, para lo cual usa el anillo lunar.

Pero una noche, su padre sufre un terrible accidente por salvar la vida de un humano, el heladero.

Freddy no solo sufre la pérdida de su padre, sino que se culpa de ello, ya que si él no hubiera salido de casa esa noche, su padre no se habría involucrado en la confusión que hubo con el heladero.

Al pasar los años y precisamente cuando Fredy cumple el año adecuado para transformarse, todos se reúnen para tan magno evento, pero ¡oh! No se trasforma en ese feroz de garras grandes y colmillos afilados que deseó, sino que en un hermoso poodle.

Decepcionado, él y su clan, debe demostrarles a todos que puede transformarse en un líder y, principalmente, recuperar el anillo perdido.

Esta aventura que emprende Freddy para demostrarle más al resto que a él mismo que puede ser un líder de manada, lo hace enfrentarse a diversas situaciones y principalmente conocer a unos perros formidables, que en la práctica son enemigos de los lobos.

En el transcurso de la historia vemos como en la familia se encuentra a gente muy buena, pero también quienes te quieren hacer daño y que en extraños encuentras el compañerismo.

Que las apariencias engañan, ya que no necesitas tener una apariencia imponente para hacer grandes hazañas. Que las personas se transforman de acuerdo a los hechos vividos, que es lo que le pasó al heladero, hasta que descubren la verdad.

En cuanto a su técnica, tiene un guion fluido y ameno, con colores brillantes que captan la atención inmediatamente, un diseño que no tiene nada que envidiarles a las grandes productoras, y con personajes divertidos. 

Una cinta que nos hace recordar que no importa como es tu apariencia, lo que vale es lo que tienes en tu corazón. 

Como dato: está basada en la novela del mismo nombre de la autora Jayne Lyons (2000).​ Y la popularidad del filme llevó a la realización de una serie de televisión titulada "100% Wolf: Legend of the Moonstone", estrenada por la cadena ABC3 en diciembre de 2020.

Disponible en cine Cinemark y Hoyts. 

Ficha técnica


Título original: 100% Wolf
Año: 2020 
Duración: 85 minutos
Estreno en Chile: 18.02.2021
Director: Alexs Stadermann
Guion: Fin Edquist
País: Australia 
Género: Animación
Música: Ash Gibson Greig
Fotografía: Animación y Heidy Villafan

21/2/21

El Joven Doctor - Por Jackie O.

“Entre la montaña y el océano”. 


Sinopsis: La película está ambientada en el “Cinturón de Café de Kona de Hawai” durante la década del 20. Donde los trabajadores inmigrantes japoneses y la clase alta blanca, viven en una sociedad rígidamente clasista. Jo, un huérfano de linaje mestizo y se ve condenado al ostracismo por ambos grupos hasta que aparece “Doc”, un blanco que llega del continente y es contratado como médico para los trabajadores de la plantación, propiedad del Sr. Danielson. 

Jo ayuda al Doc a administrar la medicina y como traductor, enamorándose de la hija del Sr. Danielson.


Historia romántica, predecible y con muchos clichés para ver.

¿Y eso es bueno o malo?, veamos.

Un niño mestizo pobre y una niña blanca adinerada. ¿Qué pueden tener en común? Pues haber perdido ambos a su madre producto de la peste. Pero ella se queda con su padre y abuela; el pequeño está solo y deambulando para sobrevivir, hasta que un día llega el DOC y lo salva de un sujeto abusivo.

Al pasar los días el Doc, quien solo pensaba quedarse un mes en el lugar, ve que necesita ayuda para darse a entender con los lugareños y ganar su confianza, así que recluta a este pequeño quien se convierte en su asistente. Asistente que, desde pequeño -y que solo bastó una mirada- se enamora de GRACE Danielson. Ambos solo se ven a la distancia mientras transcurren los años, ella no mantiene contacto con nadie, solo está en su hogar y es sumisa a las decisiones de su familia. Su única compañía es su institutriz, una buena mujer que, además, es su tutora legal debido a la mala situación económica de su padre. Hasta que llega el charlatán del doctor Reyes. 

Es una historia de romance imposible, platónico, sin fogosidad y se agradece, pues la naturalidad de la inocencia de estos jóvenes es cautivadora. A eso lo acompañan imágenes bellas, música acorde, buena ambientación y un muy gran elenco.

¿En qué puede fallar? En que el guion tiene ciertas dificultades, en especial al final, queriendo incorporar todos los elementos de forma rápida pues se dio muchas pausas a lo largo de la trama.

Una cinta tierna, con una ambientación bella, la química de los chicos es enternecedora porque son jóvenes que siguen siendo unos niños. Los antagonistas cumplen con reflejar sus amoralidades y, por ende, el sentimiento de rechazo hacia ellos.

Pero lo que queremos ver, es cuanto Jo correrá por Grace.

Disponible por Cining, en cine HOYTS (on line)

Ficha técnica 

Título original: Running for Grace
Dirigido por David L. Cunningham
Escrito por David L. Cunningham y Christian Parkes 
Año: 2018 
País: EEUU
Duración 110 minutos
Reparto:
Ryan Potter como Jo
Matt Dillon como "Doc"
Jim Caviezel como Doctor Reyes
Olivia Ritchie como Grace Danielson
Nick Boraine como el Sr.Danielson
Rumi Oyama como Miss Hanabusa
Juliet Mills como la abuela de Grace
Cole Takiue como Young Jo.

20/2/21

Sueños S.A. - Por Jackie O.

“Saber convivir”. 

Sinopsis: Minna es una preadolecente que hace mal uso de su habilidad, que es crear y controlar los sueños de otras personas, y lo hace para enseñarle a su molesta hermanastra una lección. 


Minna vive feliz con su padre y su hermosa mascota hasta que la novia de su padre se va a vivir con ellos junto con su hija Jenny, quien tiene casi la misma edad de Minna. Y eso transforma la vida de esta niña en un caos.

Comparten la misma habitación y ambas no congenian en nada, Minna es muy tranquila y simple, en cambio Jenny muy sociable, tecnológica y a la moda. Hasta que una noche, Minna descubre el mundo de los sueños.

¿Cómo es eso?

Tiene la capacidad de vivir sus sueños como reales, y lo novedoso es que descubre que los puede manipular, porque se da cuenta de que hay un mundo tipo “fábrica” donde muchos constructores trabajan para crear cada sueño y ella empieza a conocer sus trucos.

Pero por diversas situaciones, que iremos viendo en la cinta, quiere que Jenny salga de su hogar, así que comienza a manipular sus sueños junto a su amigo GAFF, un constructor de sueños, pero eso conllevará a consecuencias terribles.

Una película muy familiar que aborda diversos temas muy actuales: un padre soltero que se ha vuelto a enamorar, una mujer con una muy mala separación a cuestas y que quiere construir un nuevo hogar, una adolescente que siente miedo y rabia creyendo que perderá a su padre y espacio. También habla sobre el abandono, la tolerancia, la confianza, de dar y darse oportunidades.

La apariencia de los dibujos está muy bien tratada, los movimientos, los detalles y colores son buenos, y la música aporta a que sea agradable ver.

El guion decae un poco, la historia es buena, pero se da muchas vueltas para poder dejarnos algún mensaje.

De igual forma es una película familiar, que dará para conversar algún tema entre todos al finalizar.

Disponible a través de Cining, la sala de cine online de Cinemark y Hoyts.

Ficha técnica

Título original: Dreambuilders 
Género: Infantil/Aventura 
Duración:1hora 21minutos
Fecha de estreno: 01.02. 2020 (Dinamarca) 
Director: Kim Hagen 
Productora: First Lady Film 
Música compuesta por: Kristian Eidnes Andersen

Harmonium - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Centroartealameda.tv


Tragedia japonesa familiar.

Drama íntimo, sobrio y contenido. A pesar de bullir a fuego lento, como típico filme oriental, mantiene el interés desde el comienzo.

Un forastero, Yasaka (Tadanobu Asano), se aparece en el hogar de Toshio (Kanji Furutachi). Solicita trabajar como ayudante en el taller metal mecánico del dueño de casa. Como se conocían de antes, lo acepta y, más aún, le da alojamiento.

El agradecido pensionista retribuye incluso enseñándole a la pequeña hijita de la familia, Hotaru, a mejorar con sus clases de armonio. También, y en forma gradual, va congeniando con Avié (Mariko Tsutsui), la esposa de su patrón.

La película se divide en 2 partes, separadas por un largo apagón de 8 años. En la primera, sólo vemos crecer una mutua atracción entre el afuerino y la esposa de Toshio. Lo que podría vaticinar un típico drama de adulterio, Pero, de pronto, y de manera inesperada, Yasaka agrede brutalmente a la pequeña Hotaru, y escapa para siempre.

En la 2ª parte, presenciamos las secuelas que el atentado dejó en cada uno de los miembros de esa familia. La hija, ahora adolescente, parapléjica y trastornada. La madre, sintiéndose culpable, se lava de forma obsesiva las manos (como Lady Macbeth) y alucina viendo el espectro de Yasaka; y Tashio, se obstina en pagar detectives privados para encontrar al canalla que destruyó la paz de su hogar.

Con la llegada casual de un muchacho, que postula a ser un nuevo ayudante, se comienzan a develar antiguos secretos delictuales que, en el pasado, habrían relacionado a Tashio con Yasaka, e indirectamente con Takashi, el joven operario (Taiga Nakano).

La fotografía evita los claroscuros, pero el pulso, los silencios y la música incidental van urdiendo una atmósfera inquietante. Es evidente cómo las relaciones cambian bajo el estrés.

Quien se tome la molestia de hilar más fino, hallará en el comportamiento de cada personaje un símbolo de lo que ha sido la historia de Japón antes y después de la 2ª Guerra Mundial.

Casi todo el desarrollo es previsible, menos la última secuencia. Allí nos espera un final abierto que, por lo súbito, invita a buscarle significados más hondos a toda la obra.

Los temas en juego son: la venganza, la culpa, y el castigo ineludible.

Y como corolario, se confirma la antigua sentencia de las tragedias griegas:

“EL PECADO DE LOS PADRES LO PAGAN LOS HIJOS”.

SOBRIA, METICULOSA REALIZACIÓN, RICA EN SUGERENCIAS TRASCENDENTES. LACERANTE Y GENTIL.

Ficha técnica


Título Original: Fuchi ni Tatsu 
2016 Tragedia familiar Japón, Francia - 2 hrs. 
Fotografía: Ken'ichi Negishi
Edición: Kôji Fukada, Julia Gregory 
Música: Hiroyuki Onogawa 
Diseño Prod.: Laurent Harjani, Antoine Jouve 
Actores: Tadanobu Asano, Mariko Tsutsui, Taiga Nakano 
Guionista y Director: Kôji Fukada 

Premio del Jurado Cannes 2016

19/2/21

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 19 de febrero 2021

El periodista Jose Luis Nicolas conversa con Jackie O. y Alejandro Caro en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección Cine con SIGNIS Chile.

Music - Por Jackie O.

“No puedes amar, si no te amas a ti mismo”. 


Esta película ha tenido mucha controversia por el papel que hace Maddie Ziegler como niña autista, cuando es el director (a) quien decide escoger a quien quiera en los roles de sus películas. El grave problema se generó con la respuesta poco apropiada que dio Sia al respecto.

Dejando eso de lado y abocándonos a la película propiamente tal, puedo decir que es una buena película, original, aunque no nueva en su formato.

¿De qué trata? Pues, la historia es simple. Una menor de edad, con cierto grado de autismo, vive con su abuela, hasta que un día ella muere. Ahí debe su hermana mayor llamada ZU hacerse cargo de forma obligatoria de su media hermana Music. Pero ZU no quiere, ella es libre, menos cuando es inestable por su drogadicción.

Lo bueno, es que Music cuenta con vecinos muy amables que la quieren demasiado y la ayudan en lo que más pueden.

Pero Zu, debe luchar con sus propios problemas para así poder lidiar con el cuidado de su hermana, o derechamente dejarla en un hogar para que la cuiden.

La estética de la cinta es bella, colores, vestuario, más el maquillaje y peinados, hacen que cada “sueño” que Music proyecta en su mente lo veamos nosotros en bellas coreografías, con pegajosas canciones de letras muy básica y simples, hasta repetitivas, pero son palabras que expresan el momento que se está viviendo.

Tenemos una película sencilla, sensible, con mensajes positivos de autoayuda, crecimiento, compañerismo y amor. 

Algunos dicen que carece de originalidad, pero ¿qué trama nueva y original han visto hoy en día? Lo que hay que hacer es que lo poco novedoso que vemos diariamente sea bien ejecutado, que de alguna forma nos “llegue” realmente. Que podamos emocionarnos de alguna forma, y esta película provoca emoción.

Las actuaciones de Kate y Maddie son buenas. Así como la puesta en escena.

Personajes secundarios, algunos fueron algo innecesarios en la trama.

El guion simple, pero efectivo.

La letra de las canciones muy simples y básicas como señalé. SIA debió haberse tomado un poco más de tiempo en escribirlas, pero aun así cumplen en términos generales su cometido.

Creo que el hecho de involucrar en la cinta a todo tipo de géneros, historias dramáticas y razas, más que apoyo de un propósito artístico, es algo “políticamente correcto” para no ser cuestionados.

Una película que, dejando de lado su polémica y discutir en otra instancia sobre ello, vale verla.

Disponible en sala virtual de www.cinemark.cl y www.cinehoys.cl

Ficha técnica

Dirección y música: Sia
Fotografía: Sebastian Winterø
País: EEUU 
Año: 2021
Duración: 1 hora y 47 minutos
Reparto:
Kate Hudson como Zu.
Maddie Ziegler como Music.
Leslie Odom Jr. como Ebo.
Héctor Elizondo como George.
Mary Kay Place como Millie.
Beto Calvillo como Felix Chang.

El Futuro - Por Jackie O.

“Que el pasado sea experiencia para el presente, y nos encamine al futuro”. 


Película rodada en Roma, Colonia y Santiago de Chile, es una adaptación de “Una novelita lumpen”, que trata sobre dos hermanos adolescentes que a raíz de la muerte de sus padres en un accidente automovilístico, se adentran poco a poco en un mundo de crimen y prostitución de la mano de dos delincuentes que dicen ser sus amigos.

El encuentro con una estrella del cine en pleno declive cambiará para siempre sus vidas.

Una película en la que pareciera que no hay conflicto, que no hay acción, da la impresión de que todo transcurriera lentamente, pero sin percatarse, la muerte ataca en vida a estos dos adolescentes que se encuentran solos y deben velar por ese futuro tan incierto que se avecina. Y en esa soledad, ambos viven su mundo aparte.

El muchacho deja de ir al colegio sin avisarle a su hermana y comienza a trabajar en un gimnasio donde conoce a dos sujetos que son personal trainer, quienes, ganándose la confianza de este muchacho, lo convencen de quedarse en su casa.

Bianca, por su parte, deja de ir al colegio para trabajar y tener dinero para sobrevivir, hasta que estos delincuentes le proponen un negocio que cambiará el futuro de los cuatro.

Todos los personajes están en conflicto interno de manera silenciosa. Personajes envueltos en sus propios problemas, sólo viven el presente sin pensar mucho en lo que hacen. Los cuatro son personas apáticas, creyendo que tendrán un gran futuro.

Pero la participación en esta cinta de este veterano y gran actor, como un ciego millonario, quien en su soledad paga por compañía, sin saber lo que hay detrás de los planes de estos jóvenes. Solo se deja llevar.

Del sexo pasamos a la confianza, a la amistad y en un posible amor.

Pero estos jóvenes también están ciegos, ciegos de lo que hacen, ciegos de ambición.

En cuanto a la parte técnica, el juego de luces está muy bien trabajado, las pausas en el relato son atractivas, las escenas de sexo no son grotescas pero carecen de sensualidad, y el relato no profundiza en su totalidad la historia.

Y aunque pudo haber sido mejor, es una interesante propuesta para ver.

Disponible en www.ondamedia.cl

Ficha técnica

Título original: Il futuro (The Future)
Basada en "Una novelita lumpen" de Roberto Bolaño.
Dirigido Por: Alicia Scherson
Año: 2013 
Duración: 99 minutos
País: Italia, Chile, Alemania, España.
Música: Eduardo Henríquez y Caroline Chaspoul
Fotografía: Ricardo de Angelis
Elenco: Manuela Martelli, Rutger Hauer,
Luigi Ciardo, Nicolas Vaporidis, Alessandro Giallocosta, otros.

Los juguetes que nos hicieron (Parte 1) - Por Jackie O.

“El maravilloso mundo de la infancia, de la nostalgia, de la actual alegría” 


Fabuloso documental dividido en 3 temporadas, pero en este post hablaré de la primera donde nuestros corazones se regocijarán ante esta aventura. De primera fuente podremos saber cómo y quién está detrás de grandiosas creaciones. Veremos fotos de archivos, primeros bosquejos, y nos deleitaremoos con sus historias. Contado de una manera ágil y divertida.

¿Y sobre qué?

Star Wars: Tal vez sea la más exitosa de las películas de sci-fi de la historia del cine, convirtiéndose en uno de los negocios más lucrativos en torno a la industria del juguete. Rechazado en primera instancia por industrias que no quisieron hacer sus juguetes, eso los llevó a negociar con Kenner Products, quien acordó “los derechos exclusivos intergalácticos de por vida” de la línea de juguetes. Tuvo sus altos y bajos, pero son los reyes del universo, con muchos millones a cuestsa.

Barbie: En una industria del juguete dominada por lo masculino, en donde para las niñas solo existían dibujos de cartón y de labores domésticas, algo que no le pareció bien a la cofundadora de Mattel, Ruth Handler, decidió abrir nuevos caminos a fines de los años 50 cuando tomó un concepto basado en una muñeca alemana, y la presentó como Barbie.

Tuvo varios problemas con los padres de sus prominentes compradoras (niñas), y con la ayuda de expertos psicoanalistas de mercadeo lanzó a Barbie de una forma que se ganó la simpatía de los padres y las niñas. Desde ese entonces Barbie ha tenido aprox. 180 carreras, y ha sido vestida por los mejores diseñadores, transformándose con el tiempo en la muñeca más vendida.

He-Man: En vista de que aún Star Wars era casi dueño del mercado de juguetes, los diseñadores de Mattel a finales de los 70 se inspiraron en las obras de arte de Frank Frazetta, así como en su imaginación creativa y un estudio de mercado con niños, lanzaron “Masters”, figuras de acción donde sus grandes cabecillas eran He-Man y Esqueletor. Una línea de juguetes que dominó las ventas en millones de dólares en 1986, antes de su desaparición en 1987 como resultado de la caída de las ventas. Desde ahí vinieron diversas formas de renacimiento de este universo, encontrando que a las niñas les gustaban también estas figuras, por lo que incorporaron a Xe-Ra.

Con los años los coleccionistas han hecho que vuelvan a brillar, y nuevamente “tenga el poder”.

GI Joe: Para Hasbro en su momento su mejor juguete era el “Sr. Cara de Papa”, y a pesar de que tenían a este super héroe al cual no le iba muy bien, en 1964 crean una nueva figura de GI Jo y fue la primera figura de acción en la historia de los juguetes. Pero una crisis del petróleo y la disminución de las ventas llevaron a la desaparición de la línea en 1978. Buscando revivirlo, Hasbro se inspiró en la Guerra Fría para crear la línea “GI Joe: A Real American Hero” en 1982, ganando millones ese año y convirtiéndose en uno de los juguetes más influyentes.

Se hicieron aprox. 250 figuras de GI Joe, aunque los vehículos lideraban las ventas, tuvieron su época de oro.

Bueno, las historias son más detalladas en este documental solo hice un pequeño resumen de lo que pueden encontrar en cada uno. Y al verlos te entretendrás con sus anécdotas y también penas, con sus grandes personajes, recuerdos, y la pasión que los llevó a sumergirse a este mundo.

Agradable, cautivador, buenos registros, buen montaje, hace que los disfrutes.

Y debido a que cada capítulo es un juguete, puedes seleccionar a tu gusto el orden para verlos.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: The Toys That Made Us
4 capítulos, aprox. 1 Hr. c/u
Estreno: Diciembre 2017

16/2/21

Los Secretos que guardamos - Por Alejandro Caro

Sinopsis: En los Estados Unidos post Segunda Guerra Mundial, Maja (Noomi Rapace) intenta reconstruir su vida en los suburbios con su esposo Lewis (Chris Messina), y secuestra a su vecino Steinman (Joel Kinnaman) en busca de venganza por los atroces crímenes de guerra, que cree que cometió contra ella.


El director israelí Yuval Adler, construye una historia dramática de dos vidas que después de una década y media vuelven a entrecruzarse y traer de vuelta un pasado doloroso, el cual no pueden dejar atrás a pesar del tiempo transcurrido.

En Maja aflora nuevamente el sufrimiento, el dolor, la culpa y la rabia lo que la llevará a intentar a buscar la verdad para asumir su pasado, sin importar el precio.

La historia, como tal, es oscura, con personajes que buscan ocultar su pasado que, cuando aflora, trae consecuencias para todos los que les rodean y estos, al verse involucrados, sus acciones también los perseguirán como fantasmas al tratar de ocultarlos.

Rapace, como siempre, salva de alguna manera este film con su actuación, pero tiene un pecado capital el director Yuval Adler: es tan parecida o ¿remake? de “La Muerte y la Doncella” de Roman Polanski de año 1994, basada en una novela del chileno Ariel Dorfman, ambientada en la dictadura de Pinochet, con los mismos personajes buscando venganza. La única diferencia estaría en que en este film de Yuval, hay un atisbo de perdón de la víctima para el victimario, pero nada más. No logra superar a Polanski, al no proponer nada nuevo.

Tiene una buena ambientación de época y una fotografía que, de alguna manera, ayuda a que el espectador se sienta interesado.

Puede servir para matar el tiempo si no hay nada mejor que hacer. 

Disponible en Amazon Prime.

Ficha técnica

Título original: The Secrets We Keep 
Año: 2020 
Duración: 98 minutos
País: Estados Unidos 
Dirección: Yuval Adler 
Guion: Yuval Adler, Ryan Covington 
Música: John Paesano 
Fotografía: KoljaBrandt 
Reparto: Joel Kinnaman, NoomiRapace, AmySeimetz, Chris Messina, Lucy Faust, KadrolshaOnaCarole, Victoria Hill, David Maldonado, Jeff Pope, Ritchie Montgomery, Ed Amatrudo, MiluetteNalin, Frank Monteleone, Michael Biss, Angela Abadie 
Productora: AGC Studios, Di BonaventuraPictures, Echo Lake Productions, Fibonacci Films, Kirkhaus Films (Distribuidora: Bleecker Street, Kinepolis Film Distribution (KFD), Tohokushinsha Film Corporation (TFC), UGC Distribution, United King Films, Amazon Studios) 
Género: Drama. Thriller, Secuestros, Desapariciones, Venganza. 

Viaje al cuarto de una madre - Por Jackie O.

“Una mirada sencilla en el interior de dos mujeres”. 


Tenemos la relación de una madre y su hija, quienes perdieron no hace mucho al marido y padre, respectivamente. No hablan de ello, pero sí la directora nos muestra detalles que hacen recordar su ausencia.

Estrella, la madre, se refugia en su pequeña casa y trabajo, pero principalmente en su hija. Con miedo a redescubrir un mundo afuera. Y la hija, Leonor, quiere emprender nuevos rumbos.

Una película con un guion no novedoso, recayendo el peso de la trama en estas dos grandes actrices, pues la película apostó al minimalismo.

Nos encontramos con estas mujeres que viven solas y son protectoras la una de la otra, al punto de que miden sus actos y dichos con el fin de no dañarse, lo que implica mucho cariño en ambas, pero también dependencia.

Cuando Leonor le comenta a su madre que quiere dejar el hogar, en donde Estrella no quiere que se vaya, algo que hemos visto en otras películas, esperamos algún hecho que provoque la tensión necesaria y cómo van a desarrollar esa decisión sin dañarse.

Tensión que no ocurre en ningún momento.

Y a pesar de no contar con momentos de presión o que nos hagan reformularnos la vida, ambas actrices se la juegan al todo para conmovernos con sus frustraciones, miedos, ausencias, apegos, en donde la tecnología también juega un papel fundamental cuando de separaciones se trata hoy en día.

Sí existe una buena puesta en escena. Tratamos con una película simple y lenta, que no tiene nada nuevo que no hayamos visto antes, y a pesar de sus fallas argumentales, podemos apreciar cómo estas dos grandes actrices nos muestran el camino que recorren con sus costumbres, esos gestos que nos hace ver la separación en los aspectos del duelo y dejar el nido.

Filme que está hecho para un público específico, pero que deja la puerta abierta para invitar a todos a involucrarse en las decisiones de estas mujeres.

Disponible en www.cinemark.cl

Ficha técnica 

Directora y guionista: Celia Rico 
Duración: 91 minutos
País: España 
Música: Paco Ortega
Año: 2018 
Fotografía: Santiago Racaj 
Reparto: Lola Dueñas, Anna Castillo, Pedro Casablanc, Noemí Hopper, Marisol Membrillo, otros. 
Distribuye: ArcadiaFilms

15/2/21

Una noche en Miami - Por Carlos Correa

Disponible en Amazon Prime.


El encuentro ocurrió. Fue la noche del 25 de febrero de 1964 cuando el boxeador Cassius Clay, de solo 22 años, se proclamó campeón de mundo de los pesos pesados al derrotar a Sonny Liston. La reunión, horas después de la pelea, se desarrolló en una habitación del Hampton House Hotel de Overtown, Florida. Nadie sabe que sucedió en ese encuentro que juntó al novel boxeador, a la estrella de soul Sam Cooke, al jugador de fútbol americano Jim Brown y al activista Malcolm X. Cuatro amigos, los cuatro afroamericanos, en un momento crucial de sus carreras y de sus vidas.

Como se desconocen los detalles -solo sabemos que la mañana siguiente, en una improvisada conferencia de prensa, Cassius Clay ingresa a la Nación del Islam y se rebautiza como Muhammad Ali-, el guionista y dramaturgo Kemp Powers imagina y ficciona la acción convirtiéndola en una obra teatral estrenada el año 2013. Y es el mismo Powers quien elabora el guion de esta cinta debut de la directora Regina King, trabajo que aborda temas que, a casi 60 años de distancia, aún se perciben tremendamente actuales.

La cinta no oculta su inherente teatralidad. Un comienzo que nos muestra el ambiente social de la época y además presenta a sus cuatro protagonistas en cada uno de sus ámbitos, da paso a la jornada que ocupa mayoritariamente el relato. Cassius Clay -Eli Goree- pelea por el título y en el público de encuentran sus amigos, Malcolm X -Kingsley Ben-Adir-, y Sam Cooke -Leslie Odom Jr.- en las primeras filas, mientras Jim Brown -Aldis Hodge-, comenta el combate al lado del ring. Luego de la fervorosa -e inesperada- victoria, Malcolm X les invita a su Hotel. Clay, Cooke y Brown aspiran a una noche de juerga, festejos y liberación, pero pronto se dan cuenta que su anfitrión tiene otros planes para la velada.

La sustancia de la cinta son los estupendos diálogos que presenciamos por más de una hora, y que se desarrollan al interior de la habitación. Los textos son deliciosos, llenos de profundidad, idealismo y convicción. Malcom X sabe inspirar a un confundido Clay, sabe confrontar a un exitoso Cooke y anima a reflexionar a un dubitativo Brown, quien se debate entre el deporte y la naciente actuación.

Naturalmente surgen conflictos. Malcom X esboza su inminente salida de la Nación y provoca el enojo de Clay, quien se siente manipulado por este defensor de los derechos civiles y la población negra de Estados Unidos. Tampoco está cómodo Sam Cooke, puesto que Malcom pone en duda su éxito musical acusando una cierta condescendencia del cantante hacia las audiencias blancas. Quien permanece un tanto al margen es Jim Brown, tal vez el más introvertido de los cuatro, quien se esfuerza en acercar posiciones.

La lucha por los derechos y contra el racismo emerge con una actualidad increíble. Las conversaciones, en ese sentido, son magníficas; discursos declamados con interpretaciones que configuran una dramaturgia que conmueve. Interesante resulta lo diferentes que son sus vidas; personalidades tan distintas, objetivos tan diversos, y que sin embargo, encuentran puntos de referencia vitales en su amistad, acompañamiento y acción.

Ciertamente el movimiento en esta cinta está reducida al mínimo. Las decisiones del guion y de la directora apuntan a relevar los textos por sobre cualquier otro elemento. Filmar dentro de una habitación impone desafíos que son sorteados de forma impecable por una cámara aguda acompañada de una edición que permite cambiar perspectivas sin perder el hilo conductor. Ángulos y cuadros captan las emociones de los protagonistas. La casi nula presencia femenina corresponde también a otra época, a otro tiempo. Este pedacito de la historia es sobre la vida de cuatro hombres, cuatro amigos, cuatro compañeros de ruta, cuatro afroamericanos en busca del cambio social.

Destaca, por cierto, el nivel de las actuaciones, creíbles, sólidas, efusivas. Sobre todo, brilla Leslie Odom Jr., porque además de actuar muy bien, aporta su voz e histrionismo en cada una de sus vibrantes interpretaciones musicales. Regina King obtiene el máximo del grupo de actores, lo que por cierto se revela en el transcurso de un metraje que fácilmente podría resultar monótono y que sin embargo encuentra luces propias en cada una de las intervenciones de los protagonistas.

Vemos en esta cinta la valoración expresa que realiza Malcom X de sus compañeros. Señala que tienen “armas” poderosas para influir y cambiar el mundo, que “pueden mover montañas sin mover un solo dedo”, les dice. El canto, el boxeo, el deporte y la actuación, son importantes puntos de entrada para posicionar convicciones. ¿Existe un espíritu utilitario en aquella sentencia? El activismo que Malcom X desarrolla necesita permear capas sociales y llegar a más personas, pero ¿es válido usar a esas personas en particular y sus respectivas plataformas?

La película no responde inquietudes pero entrega luces. Sobre todo cuando Sam Cooke y Cassius Clay salen del complejo de habitaciones y van a comprar algunas cosas. Allí, casi al pasar, surge una clave; “no se trata de derechos civiles, se trata de darle a la gente negra lo que quieren: poder… poder negro”. “Ser lo que quieren ser sin dar cuenta a nadie”. En otras palabras, luchar por sus vidas, en igualdad de condiciones, sin discriminación ni opresión. Es decir, luchar por su propia libertad.

Ficha técnica

Título original: One Night in Miami...
Año: 2020
Duración: 110 minutos
País: Estados Unidos
Productora: ABKCO Films, Snoot Entertainment (Distribuidora: Amazon Studios)
Género: Drama | Años 60. Racismo. Drama sureño
Guion: Kemp Powers (Obra: Kemp Powers)
Música: Terence Blanchard
Fotografía: Tami Reiker
Reparto: Kingsley Ben-Adir, Eli Goree, Leslie Odom Jr., Aldis Hodge, Lance Reddick, Christian Magby, Nicolette Robinson, Joaquina Kalukango, Michael Imperioli, Larry Gilliard Jr., Derek Roberts, Beau Bridges, Jerome A. Wilson, Aaron D. Alexander, Hunter Burke, Robert Stevens Wayne, Randall Newsome, Matt Fowler, Alan Wells, Dustin Lewis, Jeremy Anderson
Dirección: Regina King

Music - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cinemark.cl


Fascinante conjunción de factores patéticos, tragicómicos, y musicales.

Artífice de este prodigio es la popular cantautora australiana Sia. Aquí demuestra que más allá de sus millonarios éxitos melódicos, puede también entregar un relato profundamente humano, poético y conmovedor. Y utiliza la música como amalgama vital de su mensaje.

En torno a Música, adolescente aquejada de un grave autismo (Maddie Ziegler), la realizadora teje una trenza de personajes sumergidos en abismos de soledad y degradación sin remedio.

Hay un constante paralelo entre los hermosos sueños musicales de la muchachita, la drogadicción de su hermanastra Zu que debe cuidarla (Kate Hudson); Ebo, un vecino africano decepcionado del amor (Leslie Odom Jr.), un conserje viejo y solitario (Héctor Elizondo), y Félix, un muchacho oligofrénico maltratado por sus padres orientales (Beto Calvillo).

A medida que evolucionan los avatares de estos personajes, la joven Música permanece absorta, sin salida, en su hermético mundo interior. Sin embargo, a todos les toca, en algún momento, tener que calmarla o protegerla de sus inevitables peligros.

El toque magistral de los autores es permitirnos, desde el comienzo, acceder a los sueños feéricos de Música. Bailes y canciones, de colores y vestuarios irreales, donde ella, sin autismo, es la diva principal. Y de cómo, gradualmente, en medio de aquella fantasía sin límites ni lógica, comienzan a integrarse también aquellos seres desventurados que la acompañan en la realidad exterior.

Se cumple el diagnóstico de Ebo: “ella ve el mundo de una forma totalmente distinta pero, a la vez, nos conoce mejor que nosotros mismos”.

Y somos testigos del milagro que esa criaturita opera en las desdichas de quienes la rodean, sólo gracias a la alegría con que los va incorporando a sus sueños, y desde ahí les abre nuevos horizontes de luz y esperanza. Es como un ángel guardián que habita entre ellos.

En un inesperado epílogo se nos dice: “son mágicos porque son distintos, y distintos por ser mágicos”.

Desde la percepción interior de una autista, Sia recurre a dos de sus temas favoritos: hallar la propia voz de cada uno, y el significado de crear una familia. 

Las canciones y bailes (coreógrafo Ryan Heffington) demuestran el poder sanador de una autista sobre personas buenas, pero enfermas del alma.

Destacamos el desempeño de Maddie Ziegler (de sólo 14 años) como Música, y el desplante agresivo de Kate Hudson como Zu, su fatalizada hermanastra mayor.

ADMIRABLE, EMOTIVA Y NOVEDOSA. MUY BUENA. 

Ficha técnica

Tragicomedia, musical - 2021 EE.UU. -1,47 hrs. 
Fotografía: Sebastian Winterø 
Edición: Matt Chesse, Curtiss Clayton, Dana Congdon 
Música: Craig DeLeon 
Diseño Prod.: Tracy Dishman, Leigh Poindexter 
Guion: Dallas Clayton, Sia Actores: Kate Hudson, Maddie Ziegler, Leslie Odom Jr. 
Dirección: Sia

14/2/21

El Milagro del Amor - Por Jackie O.

La investigación de un sentimiento. 


¿Existe la hormona del amor? ¿El amor de un padre y una madre es incondicional? ¿Se puede morir de amor? ¿Qué pasa en nuestras mentes y corazones cuando amamos?… intimidad, pérdida, lujuria, matrimonio, qué es el amor, qué le hace a una persona, y si es realmente bueno para nosotros. Esta y otras preguntas nos trata de explicar este documental, que en poco tiempo nos va involucrando en nuestros corazones y mentes.

Existen muchos tipos de amor, pero el más importante es el amor propio y de ahí en adelante puedes entregar todo el amor a otros, a tus hijos, otros familiares, pareja, etc.

En este documental muestra a diversos profesionales, y se trata de descubrir temas como si el amor de los padres es incondicional, la depresión post parto, qué pasa cuando nos enamoramos y los cuidados que debemos tener ante la pérdida.

Así como contarnos de horribles experimentos que se hicieron y de seguro se siguen realizando, como en la década del 50 donde experimentaban con monos quitándoles el afecto maternal para ver como reaccionaban.

Pero también de otros experimentos, mucho más alejados de la crueldad, para poder entender qué es la hormonal de la oxitocina, la cual fue descubierta en 1906.

La necesidad de estar en pareja es algo natural en el ser humano, y las nuevas formas de contacto de este nuevo siglo, como las plataformas on line, nos hacen tener algún tipo de acercamiento, de preocupación, de constante comunicación con otro. Pero insisto, el amor propio debe primar ante todo.

El amor es un hermoso sentimiento que también es muy frágil y hay que cuidarlo. Ya que el amor es más que un sentir.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Título original: Wunder Liebe: Die Erforschung eines Gefühls
Directora y guionista: Judith König
Año: 2018
45 min. Documental
Parte del reparto:
Anna-Lena Zietlow Psicóloga - Hospital Universitario de Heidelberg
Valery Grinevich neurobiólogo - Centro Alemán de Investigación del Cáncer DKFZ
Lucy Brown Neurobiólogo - Albert Einstein College - Nueva York
Thomas Junker Biólogo autoevolutivo - Universidad de Tübingen
Ilona Croy Psicoterapeuta - Hospital Universitario de Dresde
Hugo Schmale Psicólogo - Universidad de Hamburgo
Melanie Büttner Autoterapeuta sexual - Klinikum rechts der Isar - Múnich
Christian Templin Cardiólogo - ETH Zurich
Tillmann Kruger Autoterapeuta sexual - Escuela de Medicina de Hannover
Brian Earp Bioeticista - Universidad de Yale
Otros.

12/2/21

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 12 de febrero 2021

El periodista Jose Luis Nicolas conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa Acuña en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección Cine con SIGNIS Chile.

Tigre Blanco - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 


Balram Halwai -Adarsh Gourav-, un joven proveniente de Laxmangarh, una de las aldeas más pobres de India, tiene un sueño. Tras abandonar la escuela por falta de recursos económicos, se traslada a Delhi donde aprende a conducir y trabajar como chofer para el hijo del terrateniente opresor de su pueblo, Ashok -Rajkummar Rao-, y su mujer Pinky -Priyanka Chopra Jonas-, quienes acaban de regresar de Estados Unidos.

La vida de Balram no ha sido fácil. Su habilidad, reconocida desde pequeño, le permite ser astuto y ambicioso. Siente el llamado de las cosas y también es capaz de proyectar su futuro. Al elegir a su “amo”, sabe que es una apuesta y que de ganar, aquello le permitiría ascender. Por lo mismo, no duda en chantajear al chofer principal para conseguir su puesto, aunque guarda celoso respeto por sus nuevos patrones.

Balram tiene interiorizado que debe ser un sirviente. Se lo han inculcado desde pequeño pero su alma se rebela ante esa realidad, porque hacia afuera, parece aceptarlo e incluso desearlo por sobre cualquier otra opción. En verdad es amable, pero de vuelta, el trato que recibe es denigrante. Comúnmente le pegan, lo desplazan o lo ignoran, acrecentando en él un resentimiento interno que se acumula grano a grano.

Basada en el Best Seller del New York Times, escrito el año 2008 por Aravind Adiga y adaptada para el cine por el mismo director Ramin Bahrani, la historia es relatada por Balram en primera persona. Mucho texto en “off” entrega detalles sociales y también sobre lo que el joven elucubra sobre su condición. El ritmo es ágil y la acertada edición permite que saltemos de una situación a otra sin mediar pausas ni demasiadas consideraciones.

Cuando la trama comienza a densificarse, la película expone sus mejores momentos. Alude a las condiciones de pobreza y marginación de la mayoría de la población y la falta de oportunidades para superar aquello. También pone de relieve la corrupción de los ricos, el abuso de poder y el ambiente corrosivo en el que se desenvuelven quienes toman decisiones políticas públicas. La vida de un pobre vale poco o nada. El poder es lo importante, el estatus y la condición es lo que domina. El resto es servidumbre y está atrapada en un gallinero del que no pueden ni siquiera intentar escapar.

“Tigre Blanco” avanza implacable hacia un desenlace inesperado. Un accidente fatal deja al descubierto los valores reales que suscriben los patrones de Balram: su obligada confesión da cuenta que es alguien desechable, útil, siquiera servil. Este hecho, si bien no condiciona el metraje, abre los ojos del muchacho para cambiar su eje moral y por ello sus futuras acciones.

La cinta no abunda en detalles pero logra configurar el ambiente tóxico e inhumano que presenciamos. Basta visualizar la diferencia de las habitaciones de la gran familia en comparación con el “rincón” donde duerme el protagonista. Las diferencias son ostentosas, intimidantes, horrorosas. La sumisión de la pobreza es inconcebible y Balram Halwai lo tiene más que claro; debe sobreponerse, salir de allí y alcanzar la cima. ¿A cómo dé lugar? Tal cual, de cualquier forma. Todo es válido.

El trabajo del director Ramin Bahrani es fluido y muy concreto. Apoyado por una partitura producida por Danny Bensi y Saunder Jurrians, la cámara recorre diversos lugares y se inmiscuye en los recovecos de relaciones desiguales. Con certeza retrata a sus protagonistas sin entrar en detalles inoficiosos. Solo lo justo y necesario para dar el toque exacto y luego cambiar de escenario o circunstancia. Para Bahrani todo es un ir y venir, tan líquido como la sociedad que presenta en pantalla, donde el margen interpretativo es lo suficientemente ancho para abarcar una realidad muy difícil de comprender. La película gira en torno a las intenciones personales y profundos valores. Comprende una mutación esencial en el protagonista y también denota una crítica social importante.

Se dice que solo un Tigre Blanco nace por cada generación. Esta es la metáfora usada en esta oportunidad, donde la historia de un joven vulnerable y pobre alcanza un éxito imposible. Lo que queda en el camino son sus argumentos y sus acciones, ya que por supuesto el fin no justifica los medios. ¿Reprochable? Absolutamente, pero tanto como la inmundicia impía de quienes abusan para lograr puestos de poder y ganancias absolutas desechando a los demás. Por eso, dice Balram, que existen solo dos castas: “hombres con panzas grandes y hombres con panzas pequeñas.” Y es aún más claro con la declaración final: “soy solo alguien que ha despertado mientras el resto sigue dormido”.

Ficha técnica


Título original: The White Tiger
Año: 2021
Duración: 131 minutos
País: India
Productora: Co-production India-Estados Unidos; Netflix, Lava Media, Noruz Films (Distribuidora: Netflix)
Género: Drama | Pobreza
Guion: Ramin Bahrani (Libro: Aravind Adiga)
Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans
Fotografía: Paolo Carnera
Reparto: Adarsh Gourav, Priyanka Chopra, Rajkummar Rao, Perrie Kapernaros, Abhishek Khandekar, Nalneesh Neel, Aaron Wan, Vedant Sinha, Solanki Diwakar, Ram Naresh Diwakar, Mahesh Pillai, Harshit Mahawar
Dirección: Ramin Bahrani

Viaje al Cuarto de una Madre - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Cinemark.cl


Película muy difícil de comentar, y peor aún, de evaluar.

Sin duda la guionista/directora española Celia Rico Clavellino nos quiso comunicar algo importante para ella. Tiene dos buenas actrices que parecen comprometidas con sus personajes. Y también hay un tratamiento de cámara (encuadres e iluminación) de buen nivel profesional.

Pero en lo demás nos deja desconcertados. Increíblemente minimalista. Escenas largas en que ocurre muy poco, casi nada. Lentísima. Al borde del aburrimiento. ¿Para decirnos QUÉ, o emocionarnos CÓMO?

Hemos conocido joyas minimalistas, relatos muy lentos, historias en que “aparentemente” nada ocurre, pero que por evanescencia nos intrigan y conmueven.

Aquí, nada de eso sucede. Esperamos hasta el final alguna sorpresa, algún giro imprevisible. Nada.

Estrella (Lola Dueñas) es una costurera jubilada y viuda. Vive con su hija Leonor (pos-adolescente) (Ana Castillo) que trabaja en la misma fábrica de ropa en que laboró su madre.

Se quieren mucho y se avienen bien.

Un día la hija decide buscar otras actividades. Estudiar idiomas, por ejemplo. La madre la apoya. Leonor prefiere irse a Londres para aprender mejor el idioma. Aunque algo triste, la madre también la apoya y le paga el viaje.

Al poco tiempo Leonor regresa a España, nostálgica, y desencantada con su experiencia en Inglaterra. La madre la recibe feliz. Al parecer, todo volverá a ser como antes. Y aunque se aman entrañablemente, Leonor igual abandonará el departamento para irse a vivir a otra parte. Y eso es todo.

Mientras la niña estuvo en el extranjero, sólo vimos lo que hacía la madre confinada en la casa, sus conversaciones telefónicas, las comidas, y cómo pasaban los días durante más de una hora de película.

Nunca hubo nada importante en juego. Cuando temíamos que algo especial pudiera pasar - de cualquier índole - se desinflaba de inmediato.

Suponemos que la realizadora intentó demostrar que, por mucho amor filial que haya, tarde o temprano, los hijos abandonan el hogar. ¡Qué novedad!

Y para eso debimos soportar eternas secuencias cotidianas, la mayoría prescindibles, de dos mujeres de clase media como hay miles en el mundo.

ESPERAMOS QUE ALGUIEN DESCUBRA EL SECRETO ENCANTO DE ESTE FILME. PARA NOSOTROS FUE IMPOSIBLE. 

Ficha técnica      

Drama 2018 España y Francia- 1,30 hrs. 
Fotografía: Santiago Racaj 
Edición: Fernando Franco 
Música: Paco Ortega 
Actores: Lola Dueñas, Anna Castillo, Noemí Hopper 
Guionista y Directora: Celia Rico Clavellino 
Premios San Sebastián y Bellondon - 2018

11/2/21

Madriguera - Por Jackie O.

“Trabajo en equipo”.


Un inteligente corto animado, entretenido y tierno. Una narrativa muy simple y ahí está su fuerza, mostrándonos escenarios y personajes cautivadores.

Tenemos a una conejita que, con plano en mano, se embarca en construir su hogar, y aunque no tiene experticia en lo que está haciendo, va cavando y cavando haciendo agujeros que terminan en los hogares de muchos “lugareños”, en donde lo único que revela nuestra amiguita son fallas en su trabajo. Termina cavando más y más, totalmente angustiada, encontrándose con serios problemas, provocando un accidente que no puede manejar sola, y debe recurrir a lo que no quería: pedir ayuda y demostrar que no tiene experiencia en dicho trabajo.

Con la ayuda de los otros animales del lugar, la coneja llega sana y salva al suelo, y mejor aún, se transforman en sus amigos y la ayudan a construir una casa maravillosa.

Todos en algún momento hemos actuado como esta coneja, y hacemos cosas sin pedir colaboración creyendo que estamos actuando bien, hasta que nos metemos en algún lío solo por no preguntar o pedir la ayuda necesaria. Debemos a veces dejar de lado la vergüenza, el miedo y el orgullo.

Y también hemos estado en el lugar de los otros animalitos, donde podemos ayudar al otro y prestar ese auxilio a quien lo necesita. Debemos tender nuestras manos para ayudar al prójimo, no debemos ser egoístas. Más si tenemos los conocimientos para que el trabajo quede mejor.

Agregamos a esta linda moraleja una banda sonora realmente agradable y el diseño de los dibujos enternecedores. Parecen simples, pero su técnica y estética en sí, en 2D, nos recuerda a las ilustraciones de libros infantiles clásicos.

Disponible en Disney+

Ficha técnica

Título original: Burrow
Año: 2020 
Duración: 6 minutos
País: EEUU
Dirección: Madeline Sharafian
Productora: Pixar Animation Studios
Género: Animación. Comedia. Animales. Cortometraje.