jueves, 30 de abril de 2020

Blanca como la Nieve - Por Juan Pablo Donoso

Fallido intento de reactualizar, con actores, el cuento de Blanca Nieves y los 7 Enanitos.

Lo mejor son los paisajes montañosos de Grenoble, en el sudeste de Francia; lo peor es el guion.

La directora Anne Fontaine tuvo aciertos anteriores con Coco antes de Channel (2009), y Los Inocentes (2016). Sus protagonistas suelen ser mujeres - buenas o malas - que se abren camino entre hombres estúpidos o crueles.

Esta Blanca Nieves (Lou de Laage), que aquí se llama Claire, tiene poco de inocencia y mucho de ímpetu sexual.

Desde tiempos inmemoriales se han hecho historietas y animaciones pornográficas en que los 7 enanitos despiertan la libido erótica de la pobre princesita virginal. Ahora es al revés.

Aquí Claire es rescatada en el bosque por un leñador cuando una sicaria fracasa en asesinarla. La llevará desmayada a su refugio cerca del pueblito de La Salette donde le darán alojamiento, ropa y comida.

La muchachita, al recuperarse, retribuirá sin empacho a los varones de esa casa. Y de pasadita complacerá el apetito sexual de varios otros habitantes de la aldea, incluidos el veterinario, un karateca y un librero maduro (Benoît Poelvoorde). El cura del pueblo se salva de milagro.

Y hablando de milagros, todo sucede junto al famoso Santuario de la Virgen que Llora de La Salette. Hasta allá llegará la perversa madrastra para deshacerse personalmente, de una vez por todas, de esta jovencita tan apetecida por todos.

La gran actriz Isabelle Huppert, como la bruja celosa, se ve incómoda en un personaje unidimensional luchando por motivar diálogos vacíos.

Plena de rellenos musicales inútiles. Le sobran mínimos 25 minutos. Todo se siente forzado en este intento de parecer trascendente y amoral. El buen cura atribuye el libertinaje de Claire al aire puro de las montañas (¡!).

La muchacha pareciera ser la única mujer del pueblito, con excepción de una garzona lesbiana amargada que dice una sola frase al pasar.

Carencia total de sutileza. Llena de clichés. Todo suena inverosímil y gratuito. ¿Habrán querido hacer una comedia erótica “sofisticada”?

Los Hnos. Grimm, autores del cuento clásico, habrían llorado de rabia.

ESTRAMBÓTICA, FORZADA Y RIDÍCULA, POR DECIR LO MENOS.

Ficha técnica


Título Original: Blanche comme Niege
BFDistribution Tragicomedia Francia, Bélgica - 1,52 hrs. 
Fotografía: Yves Angelo 
Música: Bruno Coulais 
Diseño Prod. Arnaud de Moleron 
Guionistas: Pascal Bonitzer, Claire Barré
Actores: Lou de Laâge, Isabelle Huppert, Charles Berling
Directora: Anne Fontaine

The Crown - Por Jackie O.

The Crown narra la vida de la Reina Isabel II. Hasta el momento tiene 3 temporadas, esperando la próxima.

Con Claire Foy quien interpreta a la Reina en la parte más temprana de su reinado, y Olivia Colman en su etapa más adulta.

La abdicación de Eduardo VIII, la coronación de Lilibeth, los amores de la princesa Margarita, la relación del príncipe Carlos y Camilla, y una larga lista de situaciones que al público le interesaría saber sobre la realeza británica, se pueden ver en esta serie.

La fascinación de saber sobre la vida de ricos, famosos y/o genios, es algo innato en el ser humano. Más cuando está muy bien narrada, sea esta realidad mezclada con poca o mucha ficción.

Eso le ha dado a esta serie un sinnúmero de premiaciones.

No solo situaciones políticas o sociales veras en esta serie, si no que disputas intimas de la familia, y hechos históricos.

Una historia atrapante, donde el pueblo versus realeza acentúan las diferencias sociales, las estrictas reglas de vida que nos hacen ver que la felicidad personal debe dejarse de lado por el interés de la Corona.

Donde nos hace cuestionar si es necesario un país con reyes. Sus excesivos gastos infundados, su limitado acceso al pueblo, y otras situaciones que los hacen cercanos o lejanos al resto.

Sobre los personajes más relevantes:

Para la interpretación de La reina Isabel II, en las dos primeras temporadas están a cargo de Claire Foy, en donde su calidad interpretativa es asombrosa. Ya en la tercera temporada toma el rol Olivia Colman, quien es una gran actriz, pero aun así la encontré muy mayor para interpretar a una treinteañera reina, por mucho que ella se caracterizaba por verse mayor, ya que su mal asesor de imagen y estilista no colaboraban mucho a su imagen. Creo que se debió esperar para que Olivia tomara el Rol, esperar a cuando ella fuera de cuarenta y tanto.

El duque de Edimburgo, interpretado por Matt Smith las dos primeras temporadas y Tobias Menzies la tercera, el príncipe consorte es un personaje polémico a quien le costó vivir bajo la sombra de su mujer y de quien se especula, ya que al parecer nunca se comprobó, mantuvo múltiples infidelidades.

La princesa Margarita, interpretada por Vanessa Kirby las 2 primeras temporadas y Helena Bonham Carter la tercera, la hermana menor de la reina, siempre fue rebelde, muy moderna y que disfrutaba de las fiestas. En este caso me pasó lo mismo que con la Reina, el cambio de personaje, Helena es una de las grandes artistas de Hollywood pero el cambio brusco siendo solo una treinteañera se notó el aumento de edad. Tal vez quisieron mostrar que con sus excesos al alcohol y trasnoche la hacían verse mayor, tal vez. Independiente de ello, al igual que Olivia, su calidad interpretativa fue de entrega total.

Podríamos mencionar a varios de sus personajes, que en un conjunto forman un gran casting. Con el guion adecuado efectuaron que cada capítulo fuera delicado e intenso.

Su ambientación con elegantes decorados, hacen una gran puesta en escena. Con un vestuario fabuloso lleno de detalles.

Un guion que atrapa al espectador, bien detallado, con protocolos algunos absurdos, con situaciones que tratan de humanizar sus actos, con partes de su historia provenientes de las biografías de la realeza y otras inventadas para poder realzar la estimulación del público.

Con sus distanciamientos emocionales, su contención porque era la costumbre, de esos privilegios no trabajados, y una serie de situaciones históricas, hacen de LA REINA una serie para disfrutar.

Disponible en Netflix

Temporada      Episodios          Lanzamiento

1                      10                       4 de noviembre de 2016

2                       10                      8 de diciembre de 2017

3                       10                     17 de noviembre de 2019

miércoles, 29 de abril de 2020

Blanca como la nieve - Por Jackie O.

“Un cuento lleno de sensualidad”. 

Anne Fontaine nuevamente trabaja en un protagónico con la actriz Lou de Laâge, quien con su belleza y sensualidad innata desata la ira y pasiones en este nuevo films, que nos cuenta desde otra perspectiva el cuento de “Blanca Nieves”.

Claire al ser secuestrada por un desconocido quien intenta matarla, es salvada por su primer “enano”, un granjero que vive con su gemelo, y que al poco tiempo mantienen una aventura con nuestra protagonista. También vive con ellos en ese lugar idílico, un músico.

La vida de esta muchacha comienza a tomar un sentido diferente, en un pueblito alejado de la bulla le resulta agradable y hace que su deseo sexual despierte.

Todos están maravillados con ella: el veterinario, el vendedor de libros y su hijo, no están ajenos a los encantos de esta muchacha. Y el cura que se transforma en su guía espiritual.

Ahí se completa la gama de enanitos en la vida de Blanca Claire.

Pero no nos podemos olvidar de su madrastra, interpretada por la genial Isabelle Hupper quien la representa de una forma algo caricaturesca. Bella y elegante, con gesticulación malvada y cínica.

Las actuaciones de los varones estuvieron dentro del margen de lo adecuado, la fotografía ayudó mucho a la película, pero principalmente el mejor gancho comercial fueron sus féminas y geniales protagonistas.

La trama de esta película se siente discontinua, muchas veces con situaciones sin sentido. Poco estilizada.

Si la idea era mostrar el despertar sexual y la libertad femenina, tema que resulta muy interesante, la forma de cómo se mostró en esta película no fue la mejor.

La libertad femenina vale ver en vista de haber sido reprimida por años, siglos. Pero si se hace de forma adecuada, esto es, con un guion con sentido, una continuidad narrativa perfecta, que acá no se vio.

Además fue innecesariamente larga.

Con manzanas, ardillitas y bosques, si disponen de 2 horas pueden darle oportunidad ya que es interesante ver variantes de un tema, en este caso el cuento de “Blanca Nieves”.

La puedes ver en VTR, y desde el 13 de Mayo en iTunes y Google Play.

Ficha técnica

Blanche comme neige
Año: 2019 
1h 52m.
Director: Anne Fontaine
Reparto: Lou de Laâge, Isabelle Huppert, Charles Berling, Damien Bonnard, Jonathan Cohen, Richard Fréchette, Vincent Macaigne, Pablo Pauly, Benoît Poelvoorde
Guion: Anne Fontaine, Pascal Bonitzer y Claire Barré
Productores: Philippe Carcassonne, Eric Altmayer y Nicolas Altmayer
Música: Bruno Coulais
Fotografía: Yves Angelo

The Coldest Game - Por Carlos Correa

Corren los años sesenta y la Guerra Fría está en pleno apogeo. Un evento marca una situación de emergencia; tropas soviéticas estarían en Cuba preparando una ofensiva importante contra Estados Unidos. Se trata de la llamada “crisis de los misiles cubanos” y es el hecho público y político más relevante. El espionaje entre las dos superpotencias mundiales se supone tan intenso que se infiltra en una partida de ajedrez que enfrenta, en un evento mundial, a un representante de cada país.

Josh Mansky -Bill Pullman-, brillante matemático, profesor y ex jugador de fuste, es reclutado para reemplazar al representante norteamericano fallecido en extrañas circunstancias. El match es en Varsovia, Polonia y ante el mejor jugador ruso del momento. El desafío es crucial, pero no es esta partida de ajedrez lo más importante. El contexto y la información originada en altas esferas es el objetivo final y en ello el juego es una pieza más y va cobrando mayor relevancia en la medida que avanza la historia.

La cinta resulta interesante porque combina conocidos hechos públicos con una ficción que pone de relieve una trama de espionaje internacional donde ambos bandos despliegan sus mejores cartas, su oficio, inteligencia e inventiva para lograr ventaja en un momento decisivo.

Las personas que acompañan a Josh Mansky, Lotte Verbeek como la Agente Stone y James Bloor como el Agente White, entregan algunos rasgos distintivos de las misiones secretas destinadas a intervenir líneas enemigas. La contraparte rusa es representada por el General Krutov -Aleksey Serebryakov- un duro militar que avanza hacia su objetivo sin ningún tipo de consideración. El antagonismo severo no es una guerra de trinchera sino que es una guerra sicológica, estratégica y posicional, un símil militar al partido de ajedrez que capta la atención de la opinión pública.

El trabajo del director Lukasz Kosmicki permite apreciar al carismático Bill Pullman en un personaje que le sienta bien. La representación de esta mente brillante junto a su presente alcohólico y sin rumbo definido está muy bien lograda y es tal vez el aporte mayor de la cinta junto, claro está, al Director del Palacio de Cultura y Ciencia de Varsovia -Robert Więckiewicz- quien junto con Pullman ofrecen las escenas y diálogos más chispeantes y la vez profundos de la película.

Ficha técnica

Título original: The Coldest Game
Año: 2019
Duración: 96 minutos
País: Polonia
Productora: Watchout Productions / TVN / Next Film / ITI Neovision / Big City Outdoor / The Story Lab / Poreczenia Kredytowe / Galeria Olsnienia Go / Polski Instytut Sztuki Filmowej. Distribuida por Film & TV House
Género: Thriller | Ajedrez. Guerra Fría. Política
Guion: Lukasz Kosmicki, Marcel Sawicki
Música: Lukasz Targosz
Fotografía: Pawel Edelman
Reparto: Bill Pullman, Lotte Verbeek, James Bloor, Robert Wieckiewicz, Aleksey Serebryakov, Corey Johnson, Nicholas Farrell, Evgeniy Sidikhin, Cezary Kosinski, Aleksandr Lobanov, Wojciech Mecwaldowski, Magdalena Boczarska, Andy Beckwith, John Benfield, Ludwik Borkowski, Jim Williams, Phillip Goss, Malgorzata Klara, Ksawery Szlenkier, Artur Krajewski, Dominic Knight, Martin Budny, Marek Ciunel, Marcin Sitek, Artem Manuilov, Marcin Stec, Eugeniusz Malinowski, Anna Moskal, Karolina Tomaszewska, Seth Compton, Grzegorz Emanuel, Patrice Nieckowski, Klaudiusz Kaufmann, Sergiej Kriuczkow, Jan Wojtynski
Dirección: Lukasz Kosmicki

El silencio del pantano - Por Carlos Correa

Basada en el libro homónimo de Juanjo Braulio publicada el año 2016, “El silencio del pantano” narra la historia de “Q”, un escritor de cruentos y brutales asesinatos en formato novela negra. El protagonista, nuestro conocido Pedro Alonso -personifica a Berlin en “La casa de papel”-, lleva una vida íntima y solitaria. Su oficio es escribir y con ello describir algunos sórdidos ambientes de su Valencia natal donde las redes de corrupción y de poder político se entrecruzan con el mundo de la droga, los inmigrantes, los barrios marginales y la violencia.

En 87 minutos, el director Marc Vigil elabora un thriller que va de más a menos. Desde las apacibles escenas iniciales, raudamente pasamos al primer caso; un preludio de lo que sucederá con el correr de los minutos. Mientras “Q” firma ejemplares de su último libro, ya está escribiendo otro donde un conocido político y actual catedrático de economía es secuestrado. ¿Realidad o ficción? No lo sabemos, solo nos dejamos llevar por la historia y sus intrincados recovecos.

El trabajo de fotografía de Isaac Vila y la música de Zeltia Montes destacan en el desarrollo del metraje. Los cuidados aspectos de montaje que apreciamos durante el relato soslayan algunas licencias narrativas que son dejadas al descubierto por un guion que se separa en vertientes. Dos de ellas, las principales, son guiadas por los dos antagonistas; “Q” en una de ellas y Falconetti -Nacho Fresneda- por la otra. Cada uno sigue su ruta e inevitablemente sospechamos que se deben cruzar. Es posible que parte de esta decisión de los escritores Sara Antuña y Carlos de Pando provoque que en términos argumentales la cinta decaiga en su tercera parte y que ese declive sea irremontable.

“El silencio del pantano” es mucho más interesante si la analizamos desde la temática que presenta. Incluso, tomando en cuenta la cantidad de cabos sueltos que nos deja, también agrega un toque de incertidumbre y de preguntas que nosotros debemos resolver. Así y todo, el suspenso se mantiene y la tensión se siente hasta el final, en un recorrido que bien podría resumirse en base a una frase conocida: es muy posible que la realidad supere la ficción.

Ficha técnica

Título original: El silencio del pantano
Año: 2019
Duración: 87 minutos
País: España
Productora: Zeta Cinema / Televisión Española (TVE) / Netflix / TV3
Género: Thriller | Drogas
Guion: Sara Antuña, Carlos de Pando (Novela: Juanjo Braulio)
Música: Zeltia Montes
Fotografía: Isaac Vila
Reparto: Pedro Alonso, Nacho Fresneda, José Ángel Egido, Carmina Barrios, Àlex Monner, Maite Sandoval, Javier Godino, Raúl Prieto, Luis Zahera, Zaira Romero
Dirección: Marc Vigil

Manchester junto al mar - Por Carlos Correa

La tenía en carpeta. Cuando fue premiada el año 2016 no se había aun estrenado en Chile por lo que la deuda quedó pendiente. Ahora, cuatro años después y gracias a que está disponible en streaming, puedo apreciar la cinta y comprender por qué fue reconocida y premiada.

El guionista y director Kenneth Lonergan nos relata en esta cinta la vida de Lee Chandler -Casey Affleck en un sólido rol que le hizo merecedor al premio Oscar al Mejor Actor-, un conserje de edificio en Boston que recibe la noticia de la muerte de su hermano Joe. Obligado a regresar a su pueblo natal, Lee se entera que debe hacerse cargo de su su sobrino Patrick -Lucas Hedges-. El chico tiene 16 años y el testamento de Joe es claro y preciso.

Lo que observamos en la personalidad de Lee al comienzo de la cinta es solo una pequeña parte. Ese joven retraído, tímido y sin mayor interés tiene tras ello una razón de ser. Su pasado es trágico y su vida sufrió un vuelco inesperado. Nada de ello es aventurable en el relato y nos llega de golpe, como una ola gigante, como un terremoto grado ocho.

La cinta es melancólica y triste. Es un drama insospechado con una carga emocional que Affleck transmite en forma brillante. No es solo su carisma, o la forma de hacer suyo el personaje, sino todo lo que implica comunicar con la mirada, con gestos y actitudes un sufrimiento interno del que no puede escapar. El ritmo impreso por Lonergan permite que cada escena tenga su propio peso. No hay prisa, el sentimiento aflora con fuerza y la cámara del director está siempre cercana para capturarlo.

Gran mérito en la elaboración del filme lo tiene el guion escrito por el propio director. Su pausa y su carácter descriptivo permiten que el drama emerja con propiedad logrando que las intervenciones de Michelle Williams, personificando a Randi, la ex esposa de Lee, se sientan profundas y llenas de emotividad.

“Manchester by the Sea” es una visita a los lugares más íntimos de una tragedia insoportable y tal vez imposible de llevar. Surge la resiliencia, el cómo enfrentar algo que indudablemente carcome y destruye cualquier posible futuro. Lee lo intuye pero le cuesta trabajo sobreponerse, sus fuerzas casi no se lo permiten. La relación con Patrick y el recuerdo de Joe son importantes razones para continuar, pero hay una aun más fuerte e importante que se constituye en la columna vertebral de su vida.

Ficha técnica


Título original: Manchester by the Sea
Año: 2016
Duración: 135 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Amazon Prime Video / K Period Media / B Story / CMP / Pearl Street Films
Género: Drama | Familia. Cine independiente USA
Música: Lesley Barber
Fotografía: Jody Lee Lipes
Reparto: Casey Affleck, Michelle Williams, Kyle Chandler, Lucas Hedges, Tate Donovan, Erica McDermott, Matthew Broderick, Gretchen Mol, Kara Hayward, Susan Pourfar, Christian J. Mallen, Frankie Imbergamo, Shawn Fitzgibbon, Richard Donelly, Mark Burzenski, Mary Mallen, Stephen Henderson, Ruibo Qian
Guion y Dirección: Kenneth Lonergan

lunes, 27 de abril de 2020

Misión Rescate - Por Jackie O.

"Una extracción emotiva".

Estrenada en Netflix el 24 de abril de 2020.

Trata de un grupo de mercenarios que son contratados para rescatar al hijo de un Capo de la droga en la India. 

Ahí aparece Tyler Rake (Chris Hemsworth) como el cabeza de este grupo de rescate. Ósea, el hace todo el trabajo pesado.

Lamentablemente Tyler pasa por problemas psicológicos, y no puede sacarse a una persona de su cabeza, atormentándolo emocionalmente. 

Pero eso no afecta su destreza, y mostrando toda sus maniobras físicas no le resulta difícil rescatar a este menor, el problema es sacarlo de la ciudad donde están. Encontrándose con niños guerrilleros, policías corruptos, otros mafiosos, etc.

En películas de acción o terror cuando hay niños, eso lo entorpece todo. Ya sabes que mucha gente morirá por culpa de ellos, se meten en líos intencionalmente, puede que nadie sobreviva por su culpa, etc. Son siempre un problema, tal vez por eso los colocan. Y además nacen emotividades para darle toques dramáticos a la historia. 

Y la emotividad en estas "misiones" no es buena. Eso aveces hace que se cometan errores en cuanto a la formación, y en la misión misma.

En esta película en puntual, cuando comienza la acción te atrapa. En momentos es como ver un video juegos. 

Las secuencias de acción están muy bien desarrolladas.

Con tomas en primer plano que la hacen aún más entretenida. 

Mantiene una buena edición, así como el sonido. Y la puesta en escena está muy acorde.

En cuanto al resto de personajes no son relevantes pero no entorpecen la película, pasan a ser todos unos secundarios que ayudan a quien lleva el peso de la trama: Chris.
Osea el resto de personajes son olvidables.

Lamentablemente la emotividad que quisieron poner no tiene los resultados esperados.
Y a eso le agregamos un guión que no dice nada.

Misión rescate o Extracción es un films donde su historia la hemos visto una y otra vez, predecible, que tiene mucha acción, un buen actor protagonista, buena ambientación, y muy entretenida para quienes les gusta la adrenalina.

No se aburrirán.

Ficha técnica

Extraction
Dirigida por Sam Hargrave
Guion de Joe Russo, basada en el cómic Ciudad de Ande Parks, Joe Russo, Anthony Russo, Fernando Leon Gonzalez y Eric Skillman.
Protagonizada por Chris Hemsworth, Rudhraksh Jaiswal, Randeep Hooda, Golshifteh Farahani, Pankaj Tripathi, Priyanshu Painyuli y David Harbour.

viernes, 24 de abril de 2020

Los rostros del diablo - Por Jackie O.

“Exorcismos, siempre sirven para una nueva historia".

Esta película narra la historia de un cura quien tiene un fallido exorcismo, en donde es maldecido él y su familia. Ante lo cual esa familia debe irse de la ciudad.

Por otro lado el cura pretende renunciar a su sacerdocio quedándose momentáneamente en un recinto de la iglesia cultivando hortalizas.

Pero su familia conformada por su hermano, su cuñada y tres sobrinos comenzarán a vivir una pesadilla en su nuevo hogar. Siendo poseídos por un demonio que se puede meter a cualquier miembro de la familia.

Con esta premisa que resulta muy interesante, vemos otra película más de exorcismos. Porque digo otra película más, es porque todas usan los mismos elementos y casi son las mismas historias. Lo que hay que preocuparse no es de eso, si no de que los elementos que se utilizan para hacer un buen films sean bien aprovechados para poder verla.

Qué sucede con esta película, tiene cosas buenas y malas.

Partamos por las buenas: Tiene una fotografía muy buena, ya que nos muestra una escenografía intensa en decorados como en colores. El movimiento de cámaras da justo en los ángulos y objetos necesarios. Un maquillaje que no le teme al exceso, a los coreanos les encanta mostrar mucha sangre y otras cosas.

Las actuaciones en su mayoría son muy creíbles.

Tiene escenas donde te deja al borde del asiento, pero son las mínimas.

El guion interesante.

Lo malo: La mayoría de los efectos utilizados se nota falsedad. Pero aun así no te resulta desagradable, ya que lo interesante es que se atreven.

El único actor que no me produjo credibilidad fue Bae Seong-woo (el cura) para tener un rol relevante en la trama, no lo desarrollo con intensidad.

En cómo está contada la historia, y a pesar de que el guion resulta bueno, hay escenas incongruentes. No entiendes como los actores no efectúan situaciones obvias o como en poco tiempo una persona que se encuentra en un punto X aparece en otro punto (ok atribuyámoslo a la magia del demonio)

Con cosas buenas y malas, la película igual resulta interesante para ver.

Una película que ya se presentó en muchas salas de cine, pero ahora está en la pantalla chica para que la veas en la comodidad de tu hogar por VTR, y desde 06 de mayo en Itunes y Google Play.

Ficha técnica

Los rostros del diablo (Metamorphosis)
Año: 2019 Género: terror
Duración: 113 minutos.
País: Corea Del Sur
Director: Kim Hong-Sun
Productor: Hwang Sang-gil
Guion: Kim Hyang-ji
Elenco: Sung-Woo Bae, Dong-il Sung, Young-nam Jang, otros.

jueves, 23 de abril de 2020

Cata Amarga - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.

Es un placer hallar un tema poco habitual tratado con finura, claridad y eficacia.

Decimos poco habitual porque concierne al estudio de la calidad de los vinos.

Asombra que siendo sus personajes principales casi todos afroamericanos, la historia carezca de violencia física o denuncias contra la discriminación racial. Al contrario, sucede en medio de una familia de clase media normal, llena de cariño y respeto.

En este, su primer largometraje, el joven director de color Prentice Penny demuestra excelente - ¡y muy elegante! - dominio de narrativa cinematográfica. Sabe editar de tal manera que las elipsis resultan naturales, cómodas, y muy efectivas para el discurso audiovisual.
Como autor y guionista supo escoger a los actores adecuados, y hacerlos dialogar con soltura y propiedad de acuerdo al carácter de cada personaje. Ni siquiera sobran los secundarios, también muy precisos en sus breves intervenciones.

El joven Elijah está destinado a heredar el antiguo restaurante de su padre, Louis. Sin ser un negocio fastuoso, ha sabido ganarse con los años una fiel clientela, prestigio, y un buen pasar para toda la familia.

Pero el muchacho siente una fuerte vocación (aptitud e inclinación) por el conocimiento de los vinos de alta calidad. Su máximo anhelo es convertirse en una experto sommelier.

Más, para eso deberá postular, cancelar e ingresar, a la afamada Academia Francesa de Catadores. En París, durante un largo periodo, lo someterán a rigurosos estudios y exámenes. Y sólo unos pocos logran el codiciado título al finalizar el Curso.

La noticia de su propósito le cae como barretazo a su padre. Además del alto costo del viaje y la matrícula, significará abandonar sus labores en la tienda, y asumir otra especialidad.

El desarrollo de la trama nos interioriza en cómo la férrea aspiración de Elijah afecta a cada persona que lo rodea. Hasta genera un dilema de conciencia en él mismo. Son esas reacciones las que bañan de ternura y compasión el grueso del relato.

El cariño, la fe y generosidad de toda su familia, primos incluidos, le permitirán ingresar a la Academia y someterse a sus exigencias.

El actor Mamoudou Athie (El Círculo 2017) nos hace compartir esta odisea como Elijah. Infinita su gama de expresiones manifestadas con perfecta sutileza. Y con igual virtuosismo se despliegan Courtney B. Vance (Vaqueros del Espacio 2000), como su padre, y Niecy Nash (Guess Who 2005) como la madre, a quien sólo habíamos aplaudido en teleseries.

Será ilustrativa para valorar el difícil arte de la cata de licores refinados, y aunque el tema resulte lejano, el tratamiento humanitario de la historia asegura un deleite similar al paladeo de un finísimo vino.

TIERNA, EMOTIVA, Y MUY BIEN NARRADA EN UN TEMA POCO CONOCIDO Y NOVEDOSO.

Ficha técnica


Título Original: Uncorked
2020 Drama familiar, enología EE.UU. - 1,44 hrs. 
Fotografía: Elliot Davis 
Edición: Sandra Montiel 
Diseño Prod.: Kendall Bennett 
Actores: Mamadou Athie, Courtney B. Vance, Niecy Nash, 
Guionista y Director: Prentice Penny

Poco Ortodoxa - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.

Miniserie en 4 episodios que nos atrapa por su tema tan actual y su estupenda realización.

Ya hemos comentado varios filmes anteriores que lamentan la condición de mujeres jóvenes sometidas a los rigores de costumbres ancestrales en los países del Medio Oriente.

Esta vez se trata de Daniela Shapiro (autobiografía de Bárbara Feldman), una adolescente judía de Brooklyn - en pleno siglo XX - que debe someterse a las tradiciones milenarias de su estricta comunidad hasídica.

En su corazón y mente bullen los anhelos de realización personal, como mujer y como artista. Pero la obligan a casarse con un buen muchacho de la colonia, ingenuo y sumiso.

Bajo el precepto de que las mujeres hasídicas son “máquinas para parir hijos”, Daniela siente que fracasa debido a su dificultad para consumar sexualmente su matrimonio. Ante la amenaza de ser repudiada por su esposo, decide escapar de Nueva York rumbo a Berlín.

Hasta allá la rastrearán su marido y un primo con el propósito de retornarla al seno de la comunidad.

En todo momento la joven actriz Shira Haas nos permite sufrir con ella la disyuntiva entre su verdad interior, el amor a sus parientes, y la gigantesca presión de una cultura hebraica ortodoxa llena de reglas y prejuicios.

En Alemania conocerá a personas diferentes. Le confirmarán que tomó la opción correcta al huir de su hogar. Más, para ello debió pasar por una dolorosa metamorfosis psíquica y cultural.

Admirable recreación contemporánea de las costumbres y ritos hasídicos: bodas, vestuarios, comidas y procedimientos sexuales.

El dilema moral de Daniela se apoya en el respeto con que se exponen aquellas costumbres, en el apego que siente por sus familiares y, a la vez, a su desesperado instinto de sobrevivencia por escapar de ese mundo.

La miniserie pudo caer en la caricatura o en el maniqueísmo. Sin embargo, con sensible inteligencia cada personaje - a pesar del aparente surrealismo de sus hábitos - se nos presenta como digno de respeto, cariño y comprensión.

Gracias a la honestidad del relato - y al sufrimiento de su protagonista - se nos permite observar con cierta distancia esa realidad y alegrarnos de la evolución cultural que hemos adquirido.

UN DOLOROSO DRAMA VERDADERO QUE REVINDICA LA DIGNIDAD DE LA MUJER EN EL MUNDO ACTUAL.

Ficha técnica

Título Original: Unorthodox
2020 Drama cultural Alemania - 3,55 hrs. 
Fotografía: Wolfgang Thaler 
Edición: Hansjörg Weißbrich, Gesa Jäger 
Música: Antonio Gambale 
Diseño de Prod.: Silke Fischer 
Guionistas: Deborah Feldman, Daniel Hendler, Alexa Karolinski, Anna Winger.
Actores: Shira Haas, Amit Rahav, Jeff Wilbusch 
Directora: María Shrader

Los Rostros del Diablo - Por Juan Pablo Donoso

El tema está manoseado, más, el tormento de sus víctimas lo enriquece.

Puede verse sólo como uno más de terror, o también aceptar su reto de mayor trascendencia espiritual.

En los últimos años el cine coreano ha demostrado una creciente calidad. Aunque abunda en temáticas de terror, las hay también de valiosos contenidos políticos, religiosos y familiares.

Aquí recurre a los manidos exorcismos, posesiones satánicas, y  sacerdotes llamados a combatirlos. Sin embargo, destacamos su excelente factura. Atrapa nuestro cariño por sus personajes, por su prolijo tratamiento audiovisual, por la inteligente progresión del relato, y su loable nivel de actuaciones.

Comprobamos, una vez más, que una buena realización artística logra sus objetivos de suspenso y terror a pesar de incursionar en temas muy conocidos. Similar hazaña sería posible hasta con el repulsivo asunto de los zombies.

Byeonshin, en coreano, significa “metamorfosis” en español. Y de este fenómeno se valen los autores para inocular el demonio en los miembros de una familia católica sencilla e inocente.

Partiendo de la premisa de que el Demonio es el Rey de la Mentira, los personajes caen en la indefensión cuando el Maligno usurpa la identidad de los seres amados.

Satanás, encarnado en un misterioso vecino, toma el cuerpo y el rostro de cada miembro de la familia sin importar sus edades o sexos. Aprovechará los rincones débiles del alma de cada persona.

Ni siquiera se libra el tío sacerdote católico, experto en exorcismos.

Cada actor y actriz - incluido el niño - interpretan con solidez los momentos de alienación, cuando el espíritu maligno de la casa vecina los posee. Y cada uno despliega su personalidad satánica en perfecta coherencia con su carácter original. Por eso logran engañar con tanta facilidad a sus parientes.

Carece del convencional “final feliz” de los norteamericanos. Por el contrario, expone la autoinmolación como una forma de martirio para salvar el alma de los seres queridos.

El tratamiento del guion previene sobre el constante peligro en que están nuestras almas; y de cómo, casi imperceptiblemente, el demonio se ingenia para tendernos trampas usando nuestros habituales rostros y voces.

Si nos limitamos sólo a las acciones paranormales veremos una eficaz historia de posesiones demoníacas. Más, quien trate de comprender la psicología de los personajes sufrirá con ellos los ataques sibilinos del maligno.

Por algo cuando termina la exhibición nos deja en el subconsciente una semilla emotiva de prevención contra los peligros que corren todas las almas y, en especial, las más desvalidas.

TERROR COREANO CON UN FONDO ESPIRITUAL  MÁS  SUTIL  E  INQUIETANTE.

Ficha técnica

Título Original: Byeonshin                                                                  
Terror, satanismo                                                                                      
Corea del Sur - 1, 43 hrs.                                                                
BFDistribution                                                                                      
Actores: Dong-il Sung, Hye-Jun Kim, Kang-Hoon Kim., Seong-woo Bae, Yi-Hyun Cho, Young-nam Jang                                    
Director: Hong Seon Kim

Historia de un matrimonio - Por Alejandro Caro

Sinopsis

Nicole (Scarlett Johansson) es una actriz que dejó una prometedora carrera en el cine comercial para trabajar en la compañía teatral de su marido Charlie (Adam Driver), un director de teatro en pleno auge del que ahora se está divorciando y un hijo en común, la historia de amor de esta pareja se romperá por completo, Tras una serie de malentendidos, un aparente juego de egos y subidas de tono en su relación, aparece la idea del divorcio, propuesta por la misma Nicole. A partir de este hecho, aprenderán a convivir entre ciudades distintas. Llegando a tener incluso que recurrir a los abogados y tribunales para zanjar una vida en común llena de heridas abiertas. El cineasta Noah Baumbach se encarga de dirigir y escribir el guion de este drama protagonizado por Adam Driver y Scarlett Johansson.


‘Historia de un matrimonio’, es un film que ha recibido numerosos premios y sus seis nominaciones en los Premios Oscar 2020 la avalan. La película dirigida por Noah Bauchman y producida por Netflix, que se estrenó en el pasado Festival de Venecia, presenta un drama matrimonial con excelentes actuaciones de Adam Driver y Scarlett Johansson, además de sus respectivas bien merecidas nominaciones a mejor actor y mejor actriz. Pero no podemos dejar fuera a Laura Dern en el papel de Nora, la abogada que defiende Nicole, cuyo rol, la hizo ganadora de un Oscar, como mejor actriz de reparto.

Aunque ‘Historia de un matrimonio’ es un drama en toda regla, se permite saltar de ese género a la comedia, y hasta al musical, en determinados puntos de la trama. El director del film ha reconocido que el guión guarda ciertas conexiones con su propia historia lo cual le otorga a esta cinta un matiz especial.

Bauchman ya había utilizado el cine para hablar del divorcio, en ‘Una historia de Brooklyn’ aunque centrándose en los efectos que tiene la ruptura matrimonial en los hijos. Pero en ‘Historia de un matrimonio’ la conexión con la vida real es muy más palpable: La lucha por la custodia de su hijo convierte su separación en una situación mucho más traumática de lo que habían imaginado. Donde aparecen cosa muy personales o que nunca se manifestaron y que ahora afloran, pero por descontrol emocional se dicen palabras que nunca se quisieron decir.

Un punto aparte merecen los abogados, que en su lucha sin trinchera tratan de sacar partido a su juego, donde casi no importa la pareja, sino más bien ganar. Nora, interpretada por Laura Dern, cuyo monólogo en la película es uno de los momentos más aplaudidos del film.

Sin duda, ‘Historia de un matrimonio’ es una cinta sobre algo tan humano como el amor, la separación o el divorcio, tendemos a ver desde puntos de vista personales con la consiguiente introspección que eso puede generar. Es un film para ver, pues, nos permite apreciar los muchos errores que cometemos en nuestra comunicación, entendida esta última como, palabras, gestos, silencios, con todos nuestros vínculos relacionales y no solamente de pareja.

Disponible en Netflix

Premios

2019: Premios Oscar: Mejor actriz secundaria (Laura Dern). 6 nominaciones
2019: Globos de Oro: Mejor actriz secundaria (Laura Dern). 6 nominaciones
2019: Premios BAFTA: Mejor actriz secundaria (Laura Dern). 5 nominaciones
2019: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz secundaria (Laura Dern)
2019: National Board of Review (NBR): Top 10 películas del año
2019: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año

Ficha técnica

Título original: Marriage Story
Año 2019
Duración: 136 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Noah Baumbach
Guión: Noah Baumbach
Música: Randy Newman
Fotografía: Robbie Ryan
Reparto: Scarlett Johansson, Adam Driver, Laura Dern, Azhy Robertson, Alan Alda, Julie Hagerty, Merritt Wever, Mary Hollis Inboden, Amir Talai, Ray Liotta, Wallace Shawn, Emily Cass McDonnell, Matthew Maher, Ayden Mayeri, Kyle Bornheimer, Mark O'Brien, Gideon Glick, Brooke Bloom, Matthew Shear, George Todd McLachlan, Annie Hamilton, Juan Alfonso, Justin Claiborne, Mickey Sumner
Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Netflix / Heyday Films. Distribuida por Netflix
Género:  Drama | Drama romántico. Teatro. Familia. Drama judicial

Ray - Por Jackie O.

“Música, fascinación, drama y tragedia”.

Película inspirada en la vida del gran músico Ray Charles, interpretada magistralmente por James Foxx, quien obtuvo merecidos premios por su actuación.

Conocemos su música y es inevitable no tararear o moverse a su ritmo. El que fue capaz de abrir las posibilidades a los tipos de música, creando un estilo que más tarde mezclaría con otras tendencias con diversos elementos del jazz, el country blues y el gospel.

Y si no se conoce, preguntamos de inmediato quien es. Pero desapercibido no pasa. Ese era Ray.

La película pasa por parte de la vida de este artista, principalmente los momentos donde tiene marcados sus altos y bajos.

Charles daba vida y éxito donde fuera, fue así desde un comienzo cuando era desconocido y secundario en bandas, él las hacia crecer y triunfar.

Amó a su madre con gran fuerza, y siempre lo persiguió el fantasma de su pequeño hermano fallecido.

Amó a su esposa, pero no pudo dejar sus dos grandes pasiones que lo arruinaron en su matrimonio y como ser: Sus amantes y la heroína. Fue esclavo de ellos.

A pesar de lo extensa que es la película y no aborda detalladamente otros episodios de su vida, es un buen y gran films que no aburre, que entretiene de principio a fin.

Con una excelente ambientación y musicalización.

Una película que te atrapa, no solo por su música, con unos conciertos bien recreados, sino que además por las actuaciones. Jamie está con un maquillaje que perfectamente puedes confundirlo con el auténtico, su forma de hablar y movimientos acompañan una gran interpretación. Los secundarios, muchos desconocidos, le dan a sus roles luz para iluminar aún más a esta película.

La ambientación que nos transporta al pasado, con sus segregaciones raciales, delirio musical, excesos, con sus éxitos y fracasos está muy bien recreada. También hay pequeños recuerdos de la infancia de Ray, en una época de pobreza, y de cómo su madre creo y lo crió con fortaleza y valores. Un gran montaje.

Como señalé, una vida con grandes triunfos, con muchos excesos, con pobreza económica e interna. Con felicidad, con amor… Fue esclavo de su fracasos, pero muy grande en sus triunfos musicales, dejado un enorme legado.

Una película que todo amante del cine debe ver.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Ray
Duración: 152 minutos
Dirección: Taylor Hackford
Guion: James L. White
Música: Craig Armstrong. Ray Charles (canciones)
Fotografía: Paweł Edelman
Montaje: Paul Hirsch
Protagonistas:
Jamie Foxx como Ray Charles
Sharon Warren como Madre de Ray Charles, Aretha Robinson
Kerry Washington como Della Bea Robinson
Regina King como Margie Hendricks
Harry Lennix como Joe Adams
Clifton Powell como Jeff Brown
Curtis Armstrong como Ahmet Ertegun
Richard Schiff como Jerry Wexler

miércoles, 22 de abril de 2020

Pasión por las letras - Por Jackie O.

“Perkins y Wolfe, el tiempo y el rio”

Película basada en la vida del editor Maxwell Perkins cuando conoció al escritor Thomas Wolfe. 

Quienes son apasionados por la lectura habrán escuchado o leído sobre ellos, quienes no, es el momento de conocer sobre estos personajes que marcaron la historia literaria.

Maxwell Perkins, fue un editor de libros estadounidense, descubrió e hizo conocidos a autores tales como Ernest Hemingway, F. Scott Fitzgerald , Marjorie Kinnan Rawlings y Thomas Wolfe.

Perkins se caracterizó en apoyar, y orientó a todos sus escritores.

En esta historia muestra la pasión que mantenía Wolfe, y su asenso gracias a la metódica orientación y dedicación que le prestó Perkins.

Ambientada a finales de los años 20, en un Nueva York lleno de vida nocturna, donde la lectura y la radio era otra forma de mantener el tiempo ocupado, se traza esta historia. 

Perkins (C.Firth) un hombre que no demostraba mayormente emociones, y que siempre se le veía de traje y sombrero, le llega a sus manos un manuscrito inmenso de un escritor desconocido y rechazado por muchas editoriales. Al comenzar a leer las primeras líneas de este desconocido Thomas Wolfe (J.Law) queda atrapado.

Cuando lo conoce se da cuenta de que es un sujeto apasionado y muy histriónico, que no se avergüenza de su forma de ser, pero además, eso lo hace ser impertinente y sin educación. Casado con una mujer tan intensa y frustrada como él (N.Kidman) al punto de sentir celos de Perkins, y de amenazarlo de muerte, entre otras situaciones melodramáticas que efectúa.

La película al contarnos sobre esta amistad, lo hace acompañado con un hermoso tono grisáceo, con toques de color que la hacen agradable a la vista, dándonos buenas fotografías de ese Nueva York y sus alrededores.

Está bien ambientada, y con un vestuario acorde a la época.

Law, va de lo entretenido a lo irritante en su interpretación, donde muestra a un apasionado y atormentado escritor.

Firth, el inglés contenido y elegante (ya lo hemos visto así en otros roles).

La película cuenta con un excelente elenco para esta historia.

Con sus fallas y aciertos, es muy interesante ver hechos biográficos inspirados en renombrados personajes de la historia. Y esta película hace agradable el momento.

La encuentran en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Genius
Año: 2016 
Duración: 1hr 40 minutos
Director: Michael Grandage
Basada en: Max Perkins: Editor of Genius; de A. Scott Berg.
Protagonistas:
Colin Firth como Maxwell Perkins
Jude Law como Thomas Wolfe
Nicole Kidman como Aline Bernstein
Dominic West como Ernest Hemingway
Guy Pearce como F. Scott Fitzgerald
Laura Linney como Louise Saunders
Vanessa Kirby como Zelda Fitzgerald

lunes, 20 de abril de 2020

A Fall from Grace - Por Carlos Correa

Este thriller despierta más de una sorpresa y también preguntas. Los antecedentes previos se enfocan en la historia de una mujer ya madura, Grace Waters -Crystal Fox-, que comienza a ser seducida por un joven que despierta en ella una nueva ilusión de amor. Es tan idílico, impensable y maravilloso para ser real que a pesar de todas las recomendables precauciones, Grace sucumbe y las consecuencias resultan ser inimaginables.

Al comenzar a verla, la historia tiene otro ángulo. Se trata de una mujer acusada de matar brutalmente a Shannon -Mehcad Brooks-, su marido. El caso es impactante y está en los principales medios de comunicación de un pequeño pueblo de Virginia. La joven abogada Jasmine Bryant -Bresha Webb- es obligada a tomar el caso para pactar con la acusada pues todo se inclina hacia su culpabilidad e incluso ella misma se declara responsable del crimen.

Como vemos, hay dos posibles puntos de partida para el análisis, uno desde la vida de Grace y otro desde el punto de vista jurídico. No sabemos cuál de los dos prima en el guion del director Tyler Perry pues ambos podrían llegar a ser consistentes.

“A Fall from Grace” es inquietante. Grace es culpable por donde se la mire. Las pruebas están todas en su contra, sin embargo hay algo que llama la atención de la joven defensora. Siente que ella es inocente, que se está culpando tal vez por proteger a alguien.

La cinta fluye con algún desorden. Los personajes se configuran razonablemente para que nos formemos una primera visión de cada uno de ellos. Su mejor amiga Sarah -Phylicia Rashad- y su hijo Malcolm -Walter Fauntleroy- se suman a las dudas que nos surgen sobre el actuar de Grace. Por otra parte, Jasmine tiene serias dudas vocacionales. Su jefe la obliga a pactar la culpabilidad de su clienta a pesar de tener una opinión contraria y su marido Jordan -Matthew Law-, un policía activo, trata de apoyarla en momentos donde ella quiere tirar todo por la borda pues está totalmente superada.

La película logra captar la atención y generar tensión en la medida que vemos que nos acercamos a un solo resultado posible. Es allí cuando, Tyler Perry juega sus mejores cartas para mostrarnos que no debemos ser tan confiados como Grace, que no todo lo que vemos es tan claro y que la resolución de esta ficción puede ser diferente.

Ficha técnica

Título original: A Fall from Grace
Año: 2020
Duración: 120 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Distribuida por Netflix / Netflix
Género: Thriller
Guion: Tyler Perry
Música: Jay Weigel
Fotografía: Terrence Laron Burke
Reparto: Crystal R. Fox, Adrian Pasdar, Tyler Perry, Cicely Tyson, Phylicia Rashad, Bresha Webb, Mehcad Brooks, Sandra Ellis Lafferty, Nathan Anderson, Michael Rose, Walter Fauntleroy, James William Ballard, Matthew Law, James Healy Jr., Frances Mitchell, Donovan Christie Jr., Danielle Hoetmer, Christina D. Miller, Michael Ray Davis, Angela Marie Rigsby, Sheri Mann Stewart, Lori Lail Marette, Caroline Carter
Dirección: Tyler Perry

Fractura - Por Carlos Correa

Un viaje por el Día de Acción de Gracias termina mal. En una parada del camino, la familia de Ray Monroe -Sam Worthington- sufre una desgracia. Mientras su esposa Joanne -Lily Rabe- busca un objeto olvidado, Peri -Lucy Capri-, su hija, pierde el equilibrio al borde de una construcción a medio terminar. Ray se lanza pero no puede sostenerla y ambos caen al vacío. Con urgencia concurren a un cercano centro asistencial para atender el brazo roto de Peri, sin embargo extraños sucesos suceden al interior del recinto.

El director Brad Anderson narra una historia que capta nuestra atención con el correr de los minutos. Pronto nos enteramos que en el hospital no hay registros de la hija ni de la esposa de Ray. También, usa serie de personajes nos merecen dudas y reparos; la cajera del lugar donde se detuvieron en la carretera, la recepcionista del servicio de salud, el médico que atiende a Peri y el auxiliar de enfermería que las conduce a un piso inferior a través de un privado ascensor para una tomografía..

El suspenso se mantiene con el correr del metraje. El guion nos tiene alerta pues si bien es cierto que el actuar de Ray es extraño, más intrigante es lo que sucede a su alrededor, sobre todo cuando la policía concurre a revisar el lugar y toma en sus manos la situación.

“Fractura” posee una historia que podemos conocer de antemano. La hemos visto en muchas formas y con múltiples variaciones. No obstante aquello, el ritmo de la cinta imprime urgencia y los giros resultan sorpresivos. Su mayor mérito es la confusión que nos genera y la variedad de hipótesis que nos hacemos en la medida que acompañamos al protagonista en su desesperación. Y por cierto debemos esperar hasta el final para despejar las dudas porque por supuesto, ninguna de nuestras posibles soluciones coincide exactamente con la resolución de la trama.

Ficha técnica

Título original: Fractured
Año: 2019
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Koji Productions / Crow Island Films / Macari/Edelstein / Paul Schiff Productions. Distribuida por Netflix
Género: Intriga | Secuestros / Desapariciones
Guion: Alan B. McElroy
Música: Anton Sanko
Fotografía: Björn Charpentier
Reparto: Sam Worthington, Lily Rabe, Stephen Tobolowsky, Adjoa Andoh, Stephanie Sy, Lucy Capri, Lauren Cochrane, Crystal Magian, Derek James Trapp, Dennis Scullard, Natalie Malaika, Will Woytowich, Erik Athavale, Megan Best, Chris Sigurdson, Ernesto Griffith, Dorothy Carroll, Chad Bruce, Mark Dann, Muriel Hogue, Jim Kirby, Lorrie Papadopoulos
Dirección: Brad Anderson

viernes, 17 de abril de 2020

Amor. Boda. Azar - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Remake de la película francesa “Plan de Table”, del año 2012, “Amor. Boda. Azar” presenta dos versiones de una misma fiesta de matrimonio. Jack -Sam Claflin- es el hermano de Hayley -Eleanor Tomlinson-, la novia. A la boda concurren numerosos invitados aunque la acción se desarrolla entre unos pocos: la ex novia de Jack, Amanda -Freida Pinto- y su novio Chaz -Allan Mustafa-; Bryan -Joel Fry-, un aspirante a actor y “dama de honor”, Dina -Olivia Munn-, una joven que tiene enamorado a Jack desde un casual encuentro tres años atrás y Marc -Jack Farthing- un “no invitado” que guarda un secreto que puede arruinar el matrimonio.

Esta comedia dirigida por Dean Craig tiene dos partes bien diferenciadas. En la primera, los sucesos son lineales y la forma de enfrentarlos incorpora los mejores momentos de la cinta. Acá vemos el plan de Hayley para neutralizar a Marc con unas gotas para dormir, observamos a Jack en su reencuentro con Dina, las ridículas discusiones de Amanda con Chaz y tal vez lo más destacable, lo que le sucede a Bryan entregándole un protagonismo inesperado. En la segunda, la otra versión o lo que responde al “Repeat” del título, carece de la chispa inicial y poco a poco se diluye perdiendo frescura e interés.

La película provoca risas aunque las situaciones sean bastante comunes, y en algunos casos incluso de mal gusto. Las expectativas que genera se cumplen porque las confusiones y los enredos son finalmente los elementos con los que el guion logra su juego. El ritmo es dinámico, sobre todo en la primera hora de metraje, lo que ayuda a que la historia fluya y resulte entretenida.

“Amor. Boda. Azar” es liviana y permite pasar un buen rato. Si nos soltamos y estamos dispuestos, vamos a reír. No esperemos mayor profundidad ni mucha emoción. Solo debemos dejar que la historia transcurra y ojalá nos dejemos sorprender. Más que mal, ver una comedia de este tipo, cuando en el mundo los temas son de la mayor importancia y las consecuencias de vida o muerte, relajarnos con una historia sencilla y con un adecuado nivel de producción puede ser un bálsamo agradable para un tiempo indudablemente complejo.

Ficha técnica

Título original: Love. Wedding. Repeat
Año: 2020
Duración: 100 minutos
País: Reino Unido
Productora: Notorious Pictures / Tempo Productions Limited. Distribuida por Netflix
Género: Romance. Comedia | Comedia romántica. Bodas. Remake
Guion: Dean Craig, Francis Nief, Christelle Raynal
Fotografía: Hubert Taczanowski
Reparto: Sam Claflin, Olivia Munn, Freida Pinto, Eleanor Tomlinson, Aisling Bea, Joel Fry, Jack Farthing, Tim Key, Allan Mustafa, Alexander Forsyth, Stefano Patti
Dirección: Dean Craig

Jesús de Montreal - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en YouTube.

Una bofetada en el rostro al fariseísmo de nuestros tiempos.

Aunque parezca blasfema a primera vista para un cristiano, cala más hondo en las verdades espirituales que la mayoría de las sacras películas comerciales.

Revisa con extraordinaria valentía la verdad histórica de Cristo, y nos confirma la trascendencia de su mensaje divino.

Mezclando sutilmente el drama con el humor, el director canadiense Denys Arcand (La Decadencia del Imperio Americano 1986) denuncia el cinismo de las instituciones religiosas y la cobardía hipócrita de los jerarcas para conservar su hegemonía sobre el pueblo de Dios.


Junto con El que Debe Morir (1957) de Jules Dassin, basada en la novela de Nikos Kazantzakis, nos somete al juego de lo que pasaría si Jesús de Nazaret habitara hoy entre nosotros.

Para ello plantea el caso tan habitual de un prestigioso párroco que contrata actores amigos para que escenifiquen, en Semana Santa, la Pasión de Jesucristo. Como el texto se repite igual cada año les sugiere incluir giros artísticos más modernos para complacer a la feligresía.

Lo que nunca previó fue que el actor principal, Daniel Coulombe (Lothair Bluteau), se tomaría tan en serio la oferta; que se internaría en la verdad histórica para encontrarse con el Jesús de carne y hueso y la brutal realidad de su época.

Cuando él, junto a sus amigos actores y actrices, dedicados a otras tareas para sobrevivir, elaboran un texto lo más apegado a la verdad de esos tiempos, y lo teatralizan con toda la crudeza necesaria, desatan una catarsis eufórica en el público versus la indignación de las autoridades eclesiásticas.

El éxito escandaloso del espectáculo desatará en aquel elegante barrio de Montreal las mismas intrigas, tentaciones, sobornos y amenazas contra Daniel que en los tiempos del rey Herodes.

Así como el demonio se las ingenia para pervertir a los poderosos de cuello romano y/o corbata, el espíritu del Jesús de Galilea se apodera de la mente del actor Daniel, y de sus compañeros, para avanzar hasta muerte por esa Verdad que denuncia y arremete contra los frívolos intereses mundanos.

Los personaje secundarios son frágiles, pecadores y vulnerables, y la convivencia cotidiana con cada uno de ellos aporta los momentos de humor y humanidad en el camino a la tragedia que se avecina.

Con inteligencia y sobriedad evita caer en lo didáctico y en lo trillado del tema. Las contingencias diarias de esos indefensos artistas nos permiten homologar las similitudes de fariseísmo de todos los tiempos. Además, siempre reclamarán la sangre de algún Cordero inocente que, más temprano que tarde, salvará a quienes lo necesiten de corazón.

UNA PELÍCULA FORMIDABLE QUE JAMÁS PASARÁ DE MODA POR LA HUMANIDAD Y ENCANTADORA FRANQUEZA DE SU TESTIMONIO ESPIRITUAL. IMPERDIBLE

Ficha técnica


Título Original: Jesús of Montreal 
Tragicomedia espiritual Canadá, Francia - 2 hrs. 
Fotografía: Francois Aubry, Guy Dufaux 
Edición: Isabelle Dedieu 
Música: Jean-Marie Benoît, François Dompierre, Yves Laferrière 
Diseño Prod.: François Séguin 
Actores: Lothaire Bluteau, Catherine Wilkening, Johanne-Marie Tremblay 
Guionista y Director; Denys Arcand

jueves, 16 de abril de 2020

Milagros del cielo - Por José Blanco Jiménez

Disponible en Claro Video.

La familia Beam, que aparece al final de la cinta, se vio remecida por una extraña enfermedad de Annabel, la hija intermedia de 4 años, que de problemas digestivos pasó a una obstrucción intestinal.

La enfermedad no tenía remedio y, después de una cirugía, la única esperanza era un médico, Samuel Nurko, que tenía su Hospital Pediátrico en Boston y que centraba su investigación en la motilidad gastrointestinal.Christy, su madre, no pudo esperar a que se diera el cupo necesario (éste se producía sólo con la muerte de una o uno de las/los pacientes) y la llevó desde Texas consiguiendo que la atendieran.

¡Atención, lectores! Esta vez contaré la película, porque forma parte de su campaña publicitaria.

Mientras, jugaba con su hermana mayor, Anna cayó dentro de un árbol hueco. Su cuerpecito fue rescatado por los bomberos después de 5 horas y todavía presentaba signos vitales. Desde ese momento, la enfermedad incurable se detuvo y ella empezó a volver a la normalidad.

El mismo Dr. Nurko (que practica, sin nombrarla, la metodología de Patch Adams) declara que – en medicina – ese fenómeno se rotula como “remisión espontánea”.

Para los creyentes, en cambio, es un milagro y dio origen a un libro, que fue récord de ventas y que ahora es película.

Como siempre, me interesan las lecturas paralelas que ésta entrega.

Algunos miembros de la Iglesia protestante sostienen que la niña se enfermó porque ella o sus padres pecaron. Y, después de su curación, afirman que la enfermedad no era tan terrible como la presentaron y que, en realidad, sus padres querían publicidad. Ello es desmentido, en el mismo templo evangélico, por el padre de la compañera de pieza, que murió de cáncer.

Esa actitud negativa es contrastada por aquéllos que hacen posible la situación milagrosa y que pertenecen todos al grupo de los no-caucásicos: el médico es mexicano, la recepcionista y el joven del counter en el aeropuerto tienen aspecto latino, la mesera es de raza negra. La Divina Providencia actúa a través de las personas y todos podemos contribuir a los milagros.

A ello hay que agregar las imágenes que habría vistoAnna durante su letargo mortal (¿murió y volvió a la vida?): los colores se relacionan con la pintura que había admirado en una galería (o el Museo de Bellas Artes de Boston).

(Miracles From Heaven. USA, 2016)

Bombal - Por Jackie O.

“Pasión desbordante”

Maria Luisa Bombal no necesita mucha presentación, pues fue una gran escritora chilena. Y aunque sus obras fueron pocas, dejaron una gran huella en la literatura.

El Director Marcelo Ferrari quiso recrear, más bien tomar ciertas partes de la vida de María Luisa, para este films.

Una película de época, y muestra a una Bombal con aproximadamente 30 años.

Los personajes principales y que más remarcan la historia es el de María Luisa Bombal interpretado por Blanca Lewin, la de su marido interpretado por Alejandro Goic, y el gran amor y pasión de su vida Eulogio, que lo interpreta Marcelo Alonso. El resto de los secundarios le dan vida al entorno de los protagonistas.

La historia mezcla fechas para hacer esta adaptación de su vida en esta película.

María Luisa es muy reconocida pues ya había escrito “La última Niebla”, considerada muy provocadora para la época, y mantiene una relación a escondidas con Eulogio, un hombre separado.

María Luisa está casada con Jorge Larco un conocido homosexual. Es un matrimonio de fachada. Algo decidido de común acuerdo, pues eran muy amigos.

Cuando su amante y el amor de su vida decide dejarla, se provoca el primer tormento para ella, no lo puede aceptar y se desmorona. Lo sigue, quiere saber que hace. Descubriendo que está comprometido con otra. Intenta suicidarse y posteriormente lo ataca a él.

El segundo episodio grave para ella es cuando su joven prima y amiga muere.

Y el último hecho que desata aún más su caída, es cuando su marido y gran amigo la deja.

Mientras le sucedían estos trágicos episodios comenzó a escribir “La amortaja”.

Insisto la película no refleja las épocas exactas de cuando sucedió realmente uno y otro evento, pero sí sucedieron.

Las actuaciones de estos protagonistas es aceptable. Pero quiero destacar a Alejandro Goic, quien hace una representación muy buena.

La ambientación es buena, el vestuario y maquillaje igual.

Aunque le faltó pasión para contar la historia de esta fría y apasionada mujer, dualidad que mantenía en su vida. Es muy interesante conocerla, pues muchos se han quedado en sus famosos textos, sin saber quién se encontraba tras esa pluma y mujer intensa que era ella.

“Bombal”, la encuentran en www.ondamedia.cl y recomiendo que la vean.

Ficha técnica

Drama. Chile. Año 2012
Título original. Bombal, Fuego en la Niebla
Dirección: Marcelo Ferrari
Guion: Paula del Fierro y Ana María del Río
Música: Ángela Acuña, banda sonora y Francisca Valenzuela tema de cierre de la película
Protagonistas: Blanca Lewin, Marcelo Alonso, Alejandro Goic, Montserrat Prats, Ximena Rivas,
Delfina Guzmán y otros.

Uncovered - Por Alejandro Caro

Disponible en Netflix.

Sinopsis

La historia sigue a Aluta (Nqobile Khumalo), una joven ambiciosa y decidida que busca el éxito que solo el mundo corporativo puede brindar.

Teniendo grandes sueños de ser CEO de una empresa minera, su vida da un giro completo de 360 grados. Mientras esquiva a sus perseguidores, busca justicia para ella y su hermana Pumla, quien realiza periodismo de investigación…...con las consecuencias que ella conlleva.


Es bueno ver un cine distinto que no cuenta con lo recursos de grandes producciones o de marketing, o por sus protagonistas, como por la temática que toca, eso hace Uncovered es una película que tiene acción, pero a la vez es inquietante, siniestra, dirigida por el director ganador del Premio SAFTA, Zuko Nodada, y protagonizada por los actores sudafricanos Nqobile, Robert Hobbs y Sthandiwe Kgoroge.

Lleno de giros y vueltas, Uncovered es una película que está en los titulares en más de un sentido.

Lo que hace que esta galardonada película sea realmente especial, se filmó principalmente en Newcastle y hay aproximadamente 80 residentes de Newcastle en la película, que toman los papeles más pequeños y actúan como extras.

Este film sudafricano, nos cuenta una historia, que es también la nuestra en América Latina, donde el extractivismo no considera a las comunidades, ni el medio ambiente en el proceso minero, primando lo económico y político, con todas las consecuencias negativas para las personas y el medio ambiente del lugar. Este film de Zuko Nodada, sabe cómo cautivar y refleja lo que realmente está sucediendo en nuestros países y continente.

Uncovered fue seleccionado como semifinalista durante los London International Motion Picture Awards 2019, y recibió el reconocimiento en el Festival Internacional de Cine de Regina, premios celebrado en Canadá.

Ficha técnica

Título Original : Uncovered
Disponible en NETFLIX
Año 2019
Duración: 137 Minutos
País: Sudáfrica
Dirección: Zuko Nodada
Lenguaje: Zulu, Inglés
Reparto: Ngobile Khumalo, Robert Hobbs, Sthandiwe Kgoroge
Género: Drama, crimen, conspiración, extractivismo, poder

Mi niña - Por Jackie O.

"Dejar el nido" 

Mi niña, es una cinta francesa que nos muestra la historia de una familia joven.

Una Madre separada llamada Héloïse tiene 3 hijos, dos mayores de edad que viven en sus propios hogares, viviendo sólo con su hija menor Jade. 

En donde esta menor que está pronta a cumplir 18 años, se irá a otro continente a estudiar. Y esto hace que la vida de esta madre sea algo terrible.

Está madre ama a sus hijos, pero siempre ha sido su "regalona" la menor, y principalmente algo que es real: está madre no quiere quedarse sola.

El tiempo fílmico corresponde a las últimas semanas antes de la partida de Jade.

A pesar de que Héloïse es joven y la incitan sus hijos y amistades a rehacer su vida, la cual sólo a tenido encuentros casuales, su deseo es que su hija menor no se vaya tan lejos, que se quede en Francia. 

Porque a sus hijos los ha criado como sus amigos, ella es una madre muy moderna. 

Y esta madre es muy permisiva, lo que no es malo. Lo malo es que sus hijos y que ella acepta, se drogan delante de ella, y mantiene relaciones sexuales en el mismo hogar, en conocimiento de la madre, en donde ésta queda atónita cuando su pequeña lo efectúa.

La película cuenta esta historia mediante flashback donde está madre al vivir situaciones en su presente, imagina hechos parecidas de su pasado, cuando sus hijos eran pequeños.

Con un montaje apropiado. Con temas reales y que te hacen pensar, como dejar el nido, la soledad, el crecimiento y el amor familiar. 

Pero con un ritmo lento, haciéndose (no siéndolo) larga la película. 

Los personajes están bien representados en sus roles. La ambientación es adecuada. 

Con sus clichés básicos, hacen aceptable esta comedia dramática para verla.

La pueden ver en VTR.

Y desde el 27 de Mayo en Itunes y Google Play

Ficha técnica

Francia. Año 2019
Duración: 87 Minutos.
Director: Lisa Azuelos
Protagonistas : Sandrine Kiberlain, Thaïs Alessandrin, Patrick Chesnais,otros.
Guion: Lisa Azuelos
Productores: Lisa Azuelos, Jérôme Seydoux, Julien Madon

miércoles, 15 de abril de 2020

Mi niña - Por Carlos Correa

Disponible en VTR.

Jade -Thaïs Alessandrin- es la hija menor de Héloïse -Sandrine Kiberlain-. Con 18 años recién cumplidos se apronta a seguir sus estudios en Canadá. Mientras prepara su examen final del que depende su futuro, la cercana relación con su madre aumenta en estrés en la medida que se acerca el momento de su viaje. Ella es la menor sin embargo es la favorita de su madre. Héloïse no lo esconde ni menos pretende cambiarlo; Jade tiene privilegios y ventajas respecto a sus dos hermanos mayores.

La cineasta Lisa Azuelos construye una historia sobre madre-hija basada en su estrecho contacto. La madre sobreprotectora y la hija mimada se estereotipan al máximo en una narración lineal que con imágenes del pasado, intercala fragmentos que explican la vida de la familia desde el divorcio de sus padres. Y es que los recuerdos son trascendentes para Héloïse. Ella filma todo con su celular para poder recordarlo posteriormente.

El guion original escrito por la misma directora enfatiza los rasgos emocionales de las protagonistas. El seguimiento de sus acciones, de sus diferencias y por supuesto sus complicidades, pone en relieve los lazos profundos que las unen. No resulta fácil para la madre ver crecer a su hija, comprender sus sueños y desafíos, respetar su privacidad. Para la hija tampoco es sencillo asimilar el futuro desapego físico. Sin embargo, la aventura del porvenir es algo que le impulsa vitalmente.

“Mon bébé” denota sensibilidad. La cámara sigue -y persigue- reacciones, las provoca y se nutre de ellas para configurar la narración. La exageración de rasgos sigue la misma línea aunque por momentos se haga demasiado obvia, se abuse un poco e incluso genere distancia.

En sus 85 minutos me pregunto qué quiere decir la directora. Me hago una y otra vez la pregunta y no logro una respuesta que me deje tranquilo. También me asalta la duda sobre el conflicto principal. ¿Es la separación física que se va a concretar en poco tiempo o hay algo más de fondo? ¿Qué sucede con los otros dos hermanos? ¿Tienen algo más que decir al respecto o solo asumen que Jade es la favorita y ya?

Por supuesto las respuestas acuden siempre como hipótesis pues hay mucho fondo que se podría desprender de la forma en la que se aborda la historia. Sin embargo, y ya con un poco de distancia, me asoma una respuesta diferente y que me hace girar la perspectiva. “Mon bébé”, más que analizarla hay que sentirla. El relato cobra así un ángulo distinto para descubrir y apreciar.

Ficha técnica

Título original: Mon bébé
Año: 2019
Duración: 85 minutos
País: Francia
Productora: Love is in the Air / Pathe Films. Distribuida por Pathé
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Familia
Guion: Lisa Azuelos
Fotografía: Antoine Sanier
Reparto: Arnaud Valois, Sandrine Kiberlain, Yvan Attal, Patrick Chesnais, Thaïs Alessandrin, Victor Belmondo, Arthur Benzaquen, Sarah Deffeyes, Marie Bouvet, Chloé Zahar
Dirección: Lisa Azuelos

Obsesión secreta - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Jennifer -Brenda Song- no recuerda nada. Despierta con severas heridas en un hospital. Junto a ella está Russell -Mike Vogel-. Le dice que es su marido, pero ella no lo reconoce. Ha sufrido un accidente que casi le cuesta la vida y la secuela más dolorosa es la pérdida de memoria. Por supuesto, las cosas no son como parecen y las inconsistencias se van sucediendo con rapidez. ¿Nada nuevo bajo el sol, en una historia que tiene múltiples versiones? Algo de aquello hay en “Secret Obsession”.

El director Peter Sullivan toma un guion escrito conjuntamente con Kraig Wenman y da forma a un thriller predecible. ¿Es un defecto que sea así? No necesariamente. Podemos estar de acuerdo en que la cinta no contiene ninguna novedad. También podemos concordar que la trama no es original. Incluso podríamos coincidir en que lo obvio hace perder el interés. Sin embargo, un punto se sobrepone a lo señalado precedentemente; es entretenida.

En ocasiones no necesitamos de un producto elaborado con una racionalidad que nos deje pensativos ni algo que nos remueva emocionalmente. A veces, una cinta bien desarrollada, bien ejecutada y que sigue los parámetros básicos de su género, sin prometer falsas ilusiones pero entregando el piso que le pedimos, satisface las expectativas.

“Secret Obsession” cumple ese mínimo e incluso tal vez un poquito más. El rol del detective Frank Page -Dennis Haysbert-, agrega cercanía, nos invita a ir con él para descubrir el misterio pues en otro relámpago del guion podemos dudar de lo que vemos, de lo que adivinamos y de lo predecible que es el argumento. Cierto, quedan cosas abiertas, personajes que no se terminan de componer ni comprender y otros detalles a la deriva. Yo, al menos, lo excuso, tal vez por un nivel de exigencia menor y porque el resultado son 97 minutos de un suspenso conocido que mantiene la intriga hasta el final.

Ficha técnica 

Título original: Secret Obsession
Año: 2019
Duración: 97 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Hybrid. Distribuida por Netflix
Género: Thriller | Thriller psicológico
Guion: Peter Sullivan, Kraig Wenman
Música: James Dooley
Fotografía: Eitan Almagor
Reparto: Brenda Song, Mike Vogel, Dennis Haysbert, Paul Sloan, Ashley Scott, Daniel Booko, Blair Hickey, Scott Peat, Jim Hanna, Michael Patrick McGill, Alan Pietruszewski, Ciarra Carter, Eric Etebari, Joyce Greenleaf, Kati Salowsky, Jennifer Peo, Bella Stine, Elayn J. Taylor
Dirección: Peter Sullivan

Princesita - Por Jackie O.

“Cuando tu cuerpo no te pertenece… ni tu actos”.

Sectas. Cuántas veces hemos oído hablar de ellas. Cualquier persona con el don de la palabra pueden crearlas, algunXs se hacen llamar papá, pastores, profetas, mesías, o cualquier nombre que se escuche y se sienta como liderazgo sirve. O a veces solo su nombre, cuando ya los tienes dominados.

Esta película está tomada de un hecho verídico, de una secta, de como un sujeto atrapa a un grupo de jóvenes hablándoles de mundos mejores, sanar almas y aislándolos del resto.

En medio del bosque sureño, un sujeto cincuentón convive con su pareja francesa y muchos niños y jóvenes de diferentes edades.

Su voz es pausada, no grita, no amenaza, no golpea. Todos se ven felices.

El elenco principal es integrado por Sara Caballero (Tamara), Marcelo Alonso (Miguel) y María Gracia Omegna (Nadia). El resto de los actores son muy secundarios, poco relevantes y desarrollan sus roles de forma vaga.

Miguel nuestro “sectario” cautiva a su grupo, decide por ellos y los inicia sexualmente.

Aunque no hay nada explicito ya que nuestra protagonista y otros son menores de edad, además da señales que también este adulto podría mantener relaciones homosexuales dentro del grupo.

En esta trama, Miguel le da una prueba de confianza y de pureza a Tamara enviándola al colegio, y se conecte con el mundo exterior sin tentarse con la mundanidad.

Ahí Tamara conoce y le llama la atención un joven, le gusta, y comparte con otros niños de su edad.

Su profesora, Nadia, quien en poco tiempo siente que algo pasa con Tamara decide visitarla a su casa. Conoce a Miguel, quien se siente incómodo ante su visita.

Pero Tamara esta niña de 12 años está muy cautivada con Miguel, y más cuando él la eligió para concebir su hijo (y debe ser varón) a penas menstrué. Le habla de una forma delicada y ella está extasiada.

Hasta que llega su menstruación, y algo sucede con ella, algo que todo cambiará en su vida y la vida de los demás. Algo terrible. 

Las actuaciones de nuestros 3 actores principales están bien desarrolladas en términos generales. Los actores secundarios son casi invisibles, poco relevantes la mayoría.

La fotografía es hermosa y bien enfocada en los sectores versus desarrollo de roles.

El guion es interesante, incluso esa voz en off, donde se escuchas lo que piensa y como narra los momentos esta menor.

La trama, es interesante saber la existencia de situaciones aberrantes como estos abusos.

Lo malo, no se señala el origen de estos jóvenes y menores de edad, ¿de dónde salen? ¿Quiénes son?, que pasa con las autoridades que no supervisan lugares como estos? ya que no estaban escondidos (la profesora no tardó en llegar donde ellos).

Y habría sido interesante saber más sobre la personalidad de Miguel, más sobre sus actos.

Aun así, la película resulta interesante ya que habla del machismo, la posesión, la fragilidad, la inocencia y más.

También nos hace recordar que existen los manipuladores, que hay que estar pendientes de nuestros familiares o amigos que pueden caer ante la maldad de un ser que los use. 

Pueden verla en Ondamedia.cl

Ficha técnica

Año 2017. Chile
Directora: Marialy Rivas
Duración, 1 hora 18 minutos.
Guión: Marialy Rivas y Camila Gutiérrez
Productores: Juan de Dios Larraín y Pablo Larraín
Director de Fotografía: Sergio Armstrong
Directora de Arte: Polin Garbisu
Vestuario: Muriel Parra
Montaje: Felipe Gálvez, Delfina Castagnino, Andrea Chignoli
Música Original: Ignacio Pérez Marín y Domingo García-Huidobro
Diseño de sonido: Martín Grignaschi

lunes, 13 de abril de 2020

Wild Rose - Por Carlos Correa

Disponible en Amazon Prime.

En esta bella película de sueños y esperanzas, Rose-Lynn Harlan -Jessie Buckley-, es una joven inquieta, con una voz privilegiada, gran talento, carisma y un anhelo: triunfar como cantante de música country. En su ciudad, Glasgow, las limitaciones que tiene son frustrantes. Acaba de pasar un año en la cárcel y sus dos hijos pequeños la necesitan más que nunca. Marion -Julie Walters-, su madre, le ha ayudado en este tiempo, sin embargo requiere que Rose-Lynn acepte su realidad, se responsabilice de sí misma y principalmente de sus hijos.

Tom Harper filma con emoción cada escena de esta película. Su protagonista, Jessie Buckley, posee un caudal comunicativo que entrega vigor al metraje. Su personalidad es un volcán y su esencia llena la pantalla, incluso en los momentos más íntimos de la película. Su deseo es algo superior. El sueño de emigrar, de ir por más y de surgir se contrapone a sus deberes de madre. No vive una situación fácil, hay en ello una contradicción vital.

La cinta explora el lado más íntimo de la protagonista. Configura una realidad difícil de evadir. Rose-Lynn trabaja limpiando una casa para poder ganar un sustento mientras su ideal permanece intacto. Tanto es así que la dueña percibe el gran deseo de la joven y le ofrece ayuda. Surge el conflicto central, la opción, el camino a escoger: privilegia sus sueños o se hace cargo de sus hijos y de su realidad.

“Wild Rose” habla de esperanza y anhelos. También habla de familia y responsabilidad. ¿Dónde está la línea? ¿Son compatibles o son opuestos absolutos? El relato avanza mientras nosotros nos involucramos con Rose-Lynn. Vemos el viaje a Londres, a la BBC, como “la gran oportunidad”. Observamos su trayecto y sus acciones con preocupación y cautela. Incluso censuramos gran parte, pero seguimos con ella, compartimos su camino, alentamos su sueño.

La voz de Jessie Buckley es encantadora y percibimos por ello lo trascendente que es cantar para la protagonista. En este viaje también vemos el camino de maduración -duro, a golpes, a veces brutal- que Rose se resiste a enfrentar. Pero en este tránsito obligado, el tiempo y las circunstancias hacen su trabajo, permiten detenerse a observar las raíces y lo esencial de la vida. Descubrirlo no es sencillo para ella y su aprendizaje es tan desgarrador como la emoción de su canto, un canto que surge desde lo más profundo de su alma y que le une intrínsecamente a su familia, a su ciudad y a su vida.

Ficha técnica

Título original: Wild Rose
Año: 2018
Duración: 101 minutos
País: Reino Unido
Productora: BFI Film Fund / Creative Scotland / Fable Pictures / Film4 Productions. Distribuida por Neon
Género: Drama | Música
Guion: Nicole Taylor
Música: Jack C. Arnold
Fotografía: George Steel
Reparto: Jessie Buckley, Julie Walters, Sophie Okonedo, Jamie Sives, Ashley Shelton, James Harkness, Gemma McElhinney, Tracy Wiles, J. Thomas Bailey, Daniel Campbell, James McElvar, Janey Godley, Vanya Eadie, Jeffrey Wilkerson, Aly Bain, Marianne McIvor, Neil MacColl, Phil Cunningham, Stuart Nisbet
Dirección: Tom Harper

El silencio de la ciudad blanca - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Vitoria, Álava (España), corre el año 2016. Dos cadáveres aparecen desnudos en la cripta de la Catedral Vieja. ¿Un ritual? ¿Algo ya conocido? Hace 20 años fue encarcelado un asesino serial que procedía de la misma forma y que aun está en la cárcel. ¿Es entonces un seguidor o el asesino es otro?

El caso lo toma el inspector Unai López de Ayala -Javier Rey- quien con la ayuda de Estíbaliz -Aura Garrido- investigan las pistas que los nuevos crímenes van entregando. La situación es de máxima tensión. Él encerró al culpable hace dos décadas, sin embargo la secuencia de asesinatos ahora continua. Aumenta la incertidumbre. El cuerpo policial a cargo de Alba Díaz de Salvatierra -Belén Rueda- parece tener el rumbo extraviado.

Daniel Calparsoro filma un guion de Roger Danès y Alfred Pérez Fargas sobre la novela homónima de Eva García Sáenz de Urturi. El relato va de más a menos pues un comienzo trepidante va lentamente cediendo con ciertas licencias las que no logran crear un piso sólido. Pero, si la historia es interesante y atrapa en un comienzo, ¿qué genera que decaiga con el correr de los minutos? Acá me permito un adelanto como excepción. La incertidumbre de quién es el asesino se despeja pronto y es reemplazada por conocer el momento en que será descubierto, por lo que esa nueva tensión se mantiene hasta el final. Lo que decae es cierto interés en el relato y debemos averiguar por qué.

Cuando tenemos una historia de este tipo podemos mantener la incógnita como punto de interés máximo. Sin embargo, si no lo hacemos, corremos el riesgo de mover el punto de tensión y no recuperarlo. Algo de esto pasa en “El silencio de la ciudad blanca” y se acentúa pues la opción del guion es privilegiar la trama del misterio. Los personajes no son su foco de atención por lo que no logramos definirlos bien y tampoco logramos hacerlos nuestros. La poca profundidad en su caracterización -más enfocada en su acción que en su razón de ser, en sus características, en su humanidad- no genera cercanía e inconscientemente pasamos por alto detalles que tal vez nos pueden ayudar a conectarnos más con la historia. Ni siquiera las menciones a las redes sociales aportan sustancia, siendo que son actuales, cercanas y generan opinión.

La novela en la que se basa la historia es una trilogía y esta es la primera entrega. Tal vez por ello aun queda material para continuar no usando aun todo lo disponible. El potencial es indudable y quizá debamos esperar la secuela para un repunte en la narración. Calparsoro es hábil con la cámara y la fotografía de Josu Inchaustegui es precisa para un filme de estas características por lo que queda esperar una continuación ya que esta primera parte nos deja con gusto a poco. Más que mal, en ocasiones ir de menos a más es una buena opción que permite gradualidad e interés. Ojalá esta sea una de esas oportunidades.

Ficha técnica

Título original: El silencio de la ciudad blanca
Año: 2019
Duración: 110 minutos
País: España
Productora: Atresmedia Cine / Rodar y Rodar
Género: Thriller. Intriga | Asesinos en serie
Guion: Roger Danès, Alfred Pérez Fargas (Novela: Eva García Sáenz de Urturi)
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Josu Inchaustegui
Reparto: Belén Rueda, Javier Rey, Aura Garrido, Manolo Solo, Àlex Brendemühl, Sergio Donado, Ramón Barea, Itziar Ituño, Pedro Casablanc, Rubén Ochandiano, Richard Sahagún, Ramón Agirre, Josean Bengoetxea, Itziar Aizpuru, Joseba Apaolaza
Dirección: Daniel Calparsoro

Diecisiete - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Héctor -Biel Montoro- lleva un tiempo internado en un centro de menores. Confinado por su timidez y su poca sociabilidad es permanente blanco de burlas. Sus fallidos intentos de escape no han logrado cambiar un escenario que es cada día más insoportable. Pero llega un perro -forma parte de un programa integral de terapia- que provoca en él un cambio radical. Pasa a ser su sentido, su razón de ser, sin embargo, “Oveja” es adoptado. Entonces Héctor intenta fugarse una vez más y esta vez para ir a buscarlo.

“Diecisiete”, del director Daniel Sánchez Arévalo, narra la historia íntima de un joven a quien la vida solo le ha dado golpes. Está en régimen de menores pues su vida no tiene más horizonte que subsistir y los atracos son tal vez la única manera. Ismael -Nacho Sánchez-, su hermano, vive en una autocaravana. Héctor recurre a él cuando logra escapar quien, sin demasiada empatía, acepta ayudarle.

Gracias a un guion original del mismo director, “Diecisiete” explora desde un ángulo diferente la relación de dos hermanos. Ambos son muy distintos, sin embargo el lazo que los une, borroso en un principio, es mucho más fuerte de lo que imaginamos. Héctor tiene una especial preocupación por la “abuela” postrada en cama y con crecientes problemas para respirar a pesar del oxígeno que se le suministra. La aventura de encontrar a “Oveja” obliga a sacarla de la institución donde se encuentra y llevarla junto a ellos en el recorrido.

La cinta tiene un tono sencillo y profundo a la vez. El vigor de Héctor y la calma de Ismael se complementan. Dan cuenta de caras opuestas de una misma moneda que avanzan chocando la mayor de las veces sin un norte claro. Héctor tiene una mente brillante, una memoria privilegiada. La jueza de menores lo conminó a considerar en el código penal todos los delitos cometidos y él se lo aprendió completo. Pero su poca sociabilidad y falta de comunicación no le permite avanzar. Ismael, por su parte, tiene problemas con su novia. ¿Le ha dejado o ha huido? Nada es claro, a pesar de los intentos de su hermano por aclarar el asunto.

“Diecisiete” invita a recorrer un camino con ironía y humor. Una historia en la que podemos entrar si nos dejamos seducir por la personalidad de los hermanos y empatizamos con ellos. La cinta es una apertura a explorar los conflictos internos de sus personajes, su relación y su entorno. Un viaje que revela orfandad, precariedad y falta de oportunidad. También destaca valores, profundiza la hermandad y deja abierta la puerta a una rehabilitación que no necesariamente sigue los caminos formales.

Ficha técnica

Título original: Diecisiete
Año: 2019
Duración: 100 minutos
País: España
Productora: Atípica Films. Distribuida por Netflix
Género: Drama. Comedia | Road Movie. Familia. Adolescencia. Perros/Lobos
Guion: Daniel Sánchez Arévalo
Música: Julio de la Rosa
Fotografía: Sergi Vilanova
Reparto: Biel Montoro, Nacho Sánchez, Lola Cordón, Iñigo Aranburu, Itsaso Arana, Kandido Uranga, Carolina Clemente, Jorge Cabrera, Chani Martín, Mamen Duch
Dirección: Daniel Sánchez Arévalo