viernes, 31 de enero de 2020

Judy - Por Carlos Correa

La figura de Judy Judy Garland genera curiosidad. Tempranamente lanzada a la fama gracias a su brillante rol protagónico en “El mago de Oz” interpretando a la huérfana Dorothy Gale, los últimos meses de su carrera y de su vida son controvertidos. Judy sigue siendo una estrella pero vive ya su ocaso. Los problemas son imparables y pese a sus grandes esfuerzos para sobreponerse, fundamentalmente su temple y actitud, no consigue detener un declive que ya no tiene vuelta atrás.

Renée Zellweger encarna a Judy de una forma incombustible. Tanto internaliza el personaje que podríamos decir que ella es, en esencia, esa Judy que batalla con su vida, con sus problemas psicológicos, con sus adicciones, con sus temores y frustraciones, con su deseo de poder revertir su realidad y entregar a sus dos hijos menores lo que necesitan; una madre presente y preocupada por ellos.

Rupert Goold filma un guion de Tom Edge que coloca sobre la protagonista la responsabilidad y el peso total del relato. Renée Zellweger despliega un esfuerzo encomiable que la lleva a realizar una actuación memorable, que ya ha recibido merecidos premios y reconocimientos, y que sin duda será recordada por estar en un nivel muy alto. Pese a aquello, la cinta carece de un fondo con más sustancia y que entregue una narrativa con mayores elementos que permitan profundizar en la historia. Solo observamos los recuerdos de juventud de Judy mientras filmaba su ópera prima, lo que es muy importante pero insuficiente. Allí vemos cómo la joven Judy -Darci Shaw- bajo la supervisión y abuso de poder de Louis B. Mayer -Richard Cordery- sufre consecuencias producto de severas restricciones. Claro, la relación de ese oscuro pasado tiene consecuencias en el presente pero no logra explicar del todo el por qué Judy ha llegado al estado en el que se encuentra.

En una cinta de esta envergadura, con una actuación principal tan maciza, no es comprensible que para escenas musicales con una banda, no haya siempre músicos profesionales. Las mímicas percibidas en algunos cuadros disminuyen sus bonos de inmediato, tanto como los efectos de doblaje en el canto cuando no logran sincronizarse a pesar de una intencionada edición. La banda sonora, con algunos momentos muy altos, tampoco logra una mayor presencia emotiva pues varias escenas importantes no tienen sonido, solo diálogo, y aquello redunda en un contexto más vacío. Por cierto existe una salvedad y que es la gran escena final. Con una notable construcción emocional y audiovisual, aminora en algo la simpleza previa logrando una mejor sensación final.

Bravo por Renée Zellweger que se consagra con este papel tras haber aceptado un desafío enorme. Solo por ella vale la pena ir a ver la cinta, porque Renée llena la pantalla y logra que su personaje transmita fuerza y emoción. Aunque el desarrollo del metraje quede en deuda y la película no despegue, el magnetismo de Judy lo tendremos presente durante mucho tiempo.

Ficha técnica

Título original: Judy
Año: 2019
Duración: 118 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; BBC Films / Calamity Films / Pathé / 20th Century Fox
Género: Drama | Biográfico. Años 60. Música
Guion: Tom Edge (Obra: Peter Quilter)
Música: Gabriel Yared
Fotografía: Ole Bratt Birkeland
Reparto: Renée Zellweger, Rufus Sewell, Finn Wittrock, Michael Gambon, Jessie Buckley, Bella Ramsey, John Dagleish, Gemma Leah Devereux, Gaia Weiss, Andy Nyman, Fenella Woolgar, Phil Dunster, Julian Ferro, Royce Pierreson, Lucy Russell, Philippe Spall, Kate Margo
Dirección: Rupert Goold

Judy - Por Jackie O.

“En algún lugar sobre el arcoíris… Dorothy brilló”

Ya es muy conocido por todos los temas sobre los niños que nacen con un don y son explotados por familiares o sus agentes. Historias hay por cientos, y son una mina de oro si son llevadas a la pantalla. Y a Hollywood le encanta contar las historias de sus estrellas.

Pero si se trata de Judy Garland, la pantalla tiembla. Es un ícono del cine.

Comenzó a actuar a los 3 años en el teatro familiar, y a los 13 años firmó con MGM. Y para esa exigente vida laboral que le imponían la drogaban con anfetaminas y barbitúricos, que la llevaron a acostumbrarse a ello siendo parte de su día a día.

Renée Zellweger interpreta a esta diva en su último año de vida, en esa decadencia que ya la tenía sucumbida y en la soledad que no soportaba.

Renné desapareció un tiempo de la pantalla y renace con esta interpretación que la deja en lo alto.

Su maquillaje y gestualidad se acercan gratificantemente a Garland. Su interpretación es destacable, pero no así la narrativa completa de la película, Judy Garland se merecía una película más potente. La dirección queda debiendo y su manejo en las cámaras no es del todo adecuado.

La actriz que interpreta a Judy de pequeña, es totalmente creíble y sentí que el dramatismo caló más hondo que en su versión adulta.

Los actores secundarios no lucen su potencial, ya que se centran en Judy en todo momento. Ustedes dirán: “obvio es su vida”, pues no es obvio, hemos visto otras películas que los secundarios no opacan al protagonista, más bien lo potencian. Acá no es el caso.

Explotación infantil, la soledad, el precio de la fama, temas potentes tocados superficialmente en esta película.

La vida de Garland fue intensa. Y el director desaprovechó la historia, por lo que este biopic pasará a la historia como una buena película más (gracias solo, a su actriz principal. Que en realidad es lo único que se puede destacar al 100% de la película: Renné Zellweger).

Dirección, edición, montaje, vestuario, guion, etc. el director no se arriesgó, se quedó en hacer una película solo correcta.

Aún espero la película “visceral” de este talento, en donde la decadencia física y mental la llevó a la muerte a temprana edad.

Ficha técnica

Judy
Director: Rupert Goold
Año 2019. Duración: 1h 58m
Dirección: Rupert Goold
Guion: Tom Edge
Música Gabriel Yared
Vestuario: Jany Temime
Protagonistas: Renée Zellweger, Darci Shaw, Finn Wittrock, Jessie Buckley, Rufus Sewell, Michael Gambon, otros.
BF Distribución.

Gretel y Hansel - Por Jackie O.

“Una fantasía visualmente encantadora”

Buen maquillaje, excelente ambientación en cuanto a fotografía, con unos colores perfectos y la asimetría en los objetos la hacen visualmente encantadora.

Todos conocemos el cuento Hansel y Gretel de los hermanos Grimm, en esta nueva adaptación la historia se central en la hermana mayor Gretel que debe irse de su hogar junto a su hermano mucho menor que ella, ya que la hambruna y enfermedades ha contagiado todo el sector, y su madre los echa del hogar bajo amenaza. De ahí deambulan hasta dar con una casa que parece un tesoro: con toda la comida y bebida que puedas querer, con una viejecita tan amable que es imposible no querer estar con ella. Aunque Gretel tiene algo de desconfianza en un comienzo, termina sucumbiendo en su encanto.

Brujería, bosques encantados, sueños horribles, comerse a los niños… excelente material para una historia. Pero en esta adaptación se centraron más en la ambientación que en la historia propiamente tal. A que me refiero.

La historia se pierde, nunca arranca, cuando crees que algo interesante sucederá no lo hace. Da pistas, se transforma en un rompecabezas que puede ser muy interesante armar. Pero nada.

Entremedio existe otra interesante historia que trata de una hermosa y pequeña niña de rosado, que fue una muy buena idea ponerla, pero aun así no se logra materializar algo realmente bueno.

Con escasos personajes, pero suficientes ya que la interpretación de Sophia Lillis como una preadolescente Gretel, Alice Krige como la “Holda” (bruja) y Jessica De Gouw como la joven Holda son buenas las chicas en sus respectivos roles, pero no se terminan desarrollando del todo.

Sam Leakey como Hansel (su actuación no es tan meritoria, solo aceptable) del cazador y la madre no hablar ya que fue muy breve.

De terror y suspenso no tiene nada, lamentablemente.

Se enfoca solo en lo visual, que es perfecto.

Juega mucho con la atmosfera, buena música ambiental, luciéndose además el departamento de diseño, director de arte, efectos visuales y maquillaje. Ésta muy bien tratada en ello, y eso es lo lamentable, ya que pudo haberse aprovechado todo eso para generar a lo menos alguna tensión en la historia.

Snif!.

Ficha técnica

Gretel y Hansel
Para mayores de 14 años.
1h 27m
Director: Oz Perkins
Protagonistas: Sophia Lillis; Alice Krige; Jessica De Gouw; Charles Babalola; Sam Leakey
Historia de: Hermanos Grimm
Productores: Brian Kavanaugh-Jones, Fred Berger

jueves, 30 de enero de 2020

Judy - Por Juan Pablo Donoso

Los últimos meses de la vida de Judy Garland.

La tragedia de una pobre señora - desbordante de talento y popularidad - pero enajenada de sí misma desde la infancia, y arruinada por los fármacos y el alcohol. Solitaria, llena de deudas, y sólo anhelando vivir junto a sus pequeñas hijas arrebatadas por su penúltimo marido Sid Luft.

Versión fílmica de la obra teatral de Peter Quilter “Al Final del Arcoiris”. Y el “arcoiris” es la metáfora en que convergen tres elementos fundamentales de esta película: a) la canción que lanzó al estrellato a Judy en El Mago de Oz; b) los momentos desquiciados de sus últimas presentaciones en Londres a los 47 años, y, c) la brillante caracterización de Reneé Zellwegger dándole vida a los recuerdos y esperanzas de amor de la ya casi agónica diva.

Un filme escrito y realizado con cariño, pena y admiración. Más que un relato compacto quedó como una selección de momentos cruciales en la vida de Garland: el afán despiadado de Louis B. Meyer por convertir a una sencilla muchachita talentosa en una estrella/monstruo para la MGM; su brillante carrera posterior como actriz y cantante; sus desafortunados matrimonios productos de una adolescencia alienada; la incapacidad neurótica de hallarse a sí misma como persona, esposa y madre y, para colmo suyo, venerada en el mundo entero como una de grandes estrellas musicales del siglo XX.

Nunca pudo, ni supo, escapar del fantasma de la popularidad que terminó devorándola.

Durante su vida tuvo momentos de alegría y satisfacción con gratas películas; también algunas cálidas amistades juveniles (Mickey Rooney) truncadas por intereses publicitarios del Estudio; y momentos de relativo equilibrio matrimonial junto al director Vincent Minelli, del cual nació Liza Minelli - extrañamente ignorada por completo en esta película.

Aquí sólo presenciamos su triste ocaso, su deambular errático buscando afecto en cualquier parte, y escuchamos por última vez sus mejores canciones.

Admirable y exitoso riesgo de Reneé Zellwegger de cantar ella misma aquellos temas musicales. Fue muy merecido su reciente Globo de Oro por esta caracterización tan honesta y profunda.

La incorporación de Jessie Buckley (Wild Rose 2018 y Taboo 2017) como Rosalyn Winter, su dama de compañía en Inglaterra, fue otro de los grandes aciertos. El carisma de esta joven actriz irlandesa nos golpea desde su primera aparición. Con una genial economía de gestos transmite subtextos dramáticos en perfecta sincronía con la interpretación de Zellwegger. Un dúo de dos grandes intérpretes. Y finalmente resaltamos los momentos juveniles de Judy a cargo de Darci Shaw, una inglesita muy joven cuyos grandes ojos negros captaron a la perfección la mirada inocente de Garland.

BRILLANTE ESPECTÁCULO BIOGRÁFICO Y MUSICAL BASADO EN LA DESDICHA DE UNA GRAN ESTRELLA. EXCELENTES ACTUACIONES.

Ficha técnica


Biografía, drama, romance, música 
BF Distribution Inglaterra - 1,58 hrs. 
Fotografía: Ole Bratt Birkeland 
Edición: Melanie Oliver 
Música: Gabriel Yared 
Diseño Prod.: Kave Quinn 
Guion: Tom Edge 
Actores: Renée Zellweger, Jessie Buckley, Finn Wittrock 
Director: Rupert Goold

Salvador Dalí: en busca de la Inmortalidad - Por Juan Pablo Donoso

Un bello y exhaustivo documental biográfico sobre Salvador Dalí y la importancia que en su vida tuvo Gala, como su musa y cónyuge.

El filme fue realizado por la Fundación Gala en homenaje póstumo al famoso pintor, escritor y diseñador catalán - 1904 -1989.

Junto con ser un exuberante creador español, fue también uno de los más impúdicos publicistas de sí mismo y de cada acto que realizó en su vida. Y en ello también fue siempre exitoso.

Como artista, desde comienzos del siglo XX fue uno de los máximos representantes del surrealismo, cubismo y dadaísmo, junto a Buñuel, Picasso, Miró, Tzara, Breton, Man Ray y Max Ernst, entre varios.

La película - gracias al enorme bagaje de fotos, filmaciones y entrevistas nos acerca como pocas al hombre, al pintor y a los espacios concebidos por él desde su hogar infantil en Calaqués hasta su muerte; y al Museo que lleva su nombre incluyendo la imponente Torre Galatea en Figueres.

Junto con presenciar su desarrollo personal vamos también conociendo sus principales pinturas, las explicaciones que él mismo da de casi todas ellas, y como van reflejando su tan paranoica concepción del mundo y la realidad.

“... que no conozca el significado de mi arte, no significa que no lo tenga...

La única diferencia entre un loco y yo, es que yo no estoy loco”.

Extremadamente imaginativo e innovador como artista, nunca ocultó su narcisismo ni megalomanía. Por el contrario, hizo alarde de su afán por ganar dinero y obtenerlo explotando el esnobismo de millonarios de América y Europa. Hasta alteró las letras de su nombre pasando de Salvador Dalí a “ávida dólares”. Así nunca le faltó financiamiento ni menos publicidad.

Este documental, sin duda, habría sido de su gusto. Se interna en los conflictos iniciales con su familia, ilustra el paisaje de su infancia y juventud, nos informa de las personas humildes que influyeron en su inspiración inicial, para luego verlo departir con los grandes innovadores del arte en Europa, incluyendo su amistad con Federico García Lorca. Y más aun exhibiendo la construcción de sus mansiones y castillos.

Pero como médula vital se describe su amor por Gala, aquella mujer rusa que abandonó al poeta francés Paul Eluard para acompañar e inspirar, hasta su muerte, las provocativas extravagancias de Dalí.

Recomendamos a quienes amen la plástica, la historia del arte s.XX, y el triunfo de una psicopatología publicitaria, ver esta película con interés cultural, admiración por un gran talento creativo, y curiosidad por un hombre que tal vez habló en serio o que seguirá burlándose de los seudo-intelectuales por toda la eternidad.

DOCUMENTAL HERMOSO Y EDUCATIVO SOBRE UNO DE LOS MÁS EXCÉNTIRICOS CREADORES DEL SIGLO XX.

Ficha técnica

Documental, biografía España - 1,50 hrs. Cine Hoyts
Guion: Montse Aguer, David Pujol 
Figuras y testimonios: Gala, Amanda Lear, Luis Buñuel, F.García Lorca, Antonio Pitxou 
Director: David Pujol

El Estreno - Por Juan Pablo Donoso

Argumento minimalista, con personajes menores, sobre una situación sentimental con leves consecuencias. Predomina la forma y la edición por sobre el contenido.

Lo mejor es la fotografía en blanco y negro del chileno/peruano Inti Briones (Canción sin Nombre - Premio SIGNIS CHILE 2019). Estupenda iluminación nocturna de calles y oscuros rincones interiores. Bella composición plástica de los espacios y profundidades.

Para financiar este pequeño relato, dirigido por el chileno Alejandro Fernández Almendras (Aquí no ha Pasado Nada 2016 - Matar a un Hombre 2014 - Huacho 2009), confluyeron fondos de Francia, Corea del Sur, Chile y República Checa.

El tratamiento de intimidades vacilantes nos recuerda los principios de la Nouvelle Vague francesa (años 60) y también los candorosos aciertos juveniles de Milos Forman (Los Amores de una Rubita 1965).

En un pueblito checo llamado Kladno, un joven director teatral - Petr - ensaya el montaje de Fedra de Eurípides, adaptado por Unamuno a una época más actual. Intenta una versión estilizada que pone suspicaces a las autoridades edilicias por deslizar posibles ironías políticas. Y con ello peligrar el auspicio de futuros proyectos artísticos.

A la vez, vive una etapa matrimonial incómoda con Katerina, su mujer, quien se empeña en ser profesional en los negocios. Siente que la dedicación de su marido al montaje de la obra teatral, pronta a estrenarse, lo aleja de ella y lo distrae del cuidado de Alexis, el bebito de 8 meses hijo de ambos.

La situación se complica cuando la protagonista de Fedra abandona la compañía faltando poco para el estreno. De manera casi providencial aparece una postulante talentosa - Karolina - que llena la vacante.

La tensión familiar y la gradual seducción de la nueva actriz, darán origen a un desbocado y crudo romance furtivo.

Cuando pareciera que el estreno sería un éxito gracias al talento de la nueva actriz, ésta también deserta del montaje motivada por celos contra la esposa del director. En su lugar pondrán a una reemplazante - talvez culpable del fracaso de la obra.

Nuestro Petr, abatido por el rechazo del público, abandonado por el hastío de su mujer y por la histeria de la amante, queda solo e inerte al cuidado de la guagua.

Pero la conciencia culpable de la diva, y el instinto maternal de la esposa, se encargarán de restituir el equilibrio de la razón. Y todos habrán madurado un poco con la experiencia… ¡se supone!

Se esperaba que los textos de Fedra establecieran un paralelo con las contingencias de los protagonistas. Nada de eso ocurre; ambas acciones avanzan por carriles separados y sólo convergen con el fracaso del espectáculo.

PEQUEÑO INCIDENTE CONYUGAL QUE GRACIAS A UN EXIMIO TRATAMIENTO FOTOGRÁFICO PARECE MÁS TRASCENDENTE DE LO QUE ES.

Ficha técnica


Título Original: Hra 
Drama vocacional y romance - Jirafa 
República Checa, Francia, Chile, Corea del Sur - 1,33 hrs. 
Fotografía: Inti Briones 
Música: Pablo Vergara 
Diseño Prod.: Hynek Drizhal 
Actores: Jíri Madl, Marika Soposká, Elizaveta Maximová 
Editor, Guionista y Director: Alejandro Fernández Almendras

La Hora de tu Muerte - Por Juan Pablo Donoso

Un tema de terror que pudo tener suspenso e inteligencia optó por el facilismo obvio y superficial.

Un grupo de amigos y amigas descubren que en las redes de celular hay un sitio que permite saber cuánto tiempo le queda a cada visitante por morir.

Como creen que es la broma de un chistoso aceptan el desafío. Y en el mismo teléfono comienza la cuenta regresiva para cada cual. Algunos llegarán a viejos mientras a otros sólo les restan horas o minutos.

Y las predicciones comienzan a cumplirse. Nuestra protagonista Quinn, junto a otros condenados, tratan de engañar al vaticinio. Pero éste se cumple inexorablemente.

Un buen guion hubiera dejado el fenómeno en las fronteras de la sugestión y las profecías auto-cumplidas. Podríamos haber empatizado con el miedo de los personajes. El filme habría oscilado entre lo psicológico y lo sobrenatural. Pudo tener riqueza enigmática - y de verdadero pavor - como lo hizo Kubrick con Ojos Bien Cerrados (1999), o La Casa Embrujada (1963) de Robert Wise. En cambio, escogieron el burdo camino de las apariciones monstruosas y los efectos de sobresalto visual y estridencias.

Con ello se hizo evidente el recurso barato y, por más que algunos actores intentan transmitir verdad, la torpe manipulación efectista impide entrar en la atmósfera del drama.

Quedamos relegados a ser sólo espectadores distantes de truculencias forzadas e intentos pedestres de acosos sexuales mal motivados.

Su guionista y director - Justin Dec - nos resulta desconocido y, más lamentable aún, es el desperdicio de una actriz talentosa como Elizabeth Lail (Once Upon a Time 2014 y Unintended 2018).

LAMENTABLE DESPILFARRO DE UNA BUENA IDEA INCIAL DE TERROR.

Ficha técnica

Título Original: Countdown 
Terror, suspenso Diamond Films EE.UU. - 1,30 hrs. 
Fotografía: Maxime Alexandre 
Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans 
Diseño Prod.: Clayton Hartley 
Actores: Elizabeth Lail, Jordan Calloway, Talitha Eliana Bateman 
Guionista y Director: Justin Dec

La Casa - Por Alejandro Caro

Jorge Olguín es un director que se propone desafíos y hace propuestas poco comunes, para el cine chileno, en este caso el terror. Olguin, en otras oportunidades, ya había explorado el horror en sus cintas. Superando bien su apuesta.

El cine de terror no es, mi favorito, pero Olguin logra con su relato, atrapar y provocar escalofríos al espectador, claro que utilizando recursos propios de este género, como la música de suspenso, gritos o apariciones.

“La Casa” está inspirada como indicó su director,- cuando presento su films-, en hechos reales, también, en mitos urbanos y leyendas. En este caso, los fenómenos paranormales- ampliamente documentados y con cobertura en televisión abierta- que han tenido lugar en la Casona Dubois, ubicada en Quinta Normal, y que actualmente es un centro cultural de esa comuna.

El protagonista principal, es el actor Gabriel Cañas, (policía Arriagada) logra convencer con su actuación, lleva el peso del relato, secundado por personajes que aparecen y desaparecen. Mientras recorre la casa, lentamente se va apoderando el miedo y pánico del policía, enfrentándolo con su conciencia y sus miedos desatando…….

La historia transcurre en tiempo real, en plano secuencia, es decir sin cortes, un formato difícil e inédito para nuestro cine. Este lenguaje es para que el espectador viva la experiencia de estar realmente en una casa del terror, sin respiro de alguna manera. Para realizarlo, hay que tener muy claro el guion y la continuidad entre el director y los protagonistas. En este caso, es un acierto del Director.

Finalmente deseo destacar la música del film, que este caso Olguin también tiene a su cargo, es la gran protagonista, junto con la actuación de Gabriel Cañas, me atrevería, a decir, que comparten el protagonismo, muy bien lograda esa mixtura.

Ficha técnica

Título original: La casa
Año: 2019
Duración: 100 minutos
País: Chile
Productora: Olguin Films
Terror, basado en hechos reales, años 80
Guion: Jorge Olguin
Música: Jorge Olguin
Fotografía: Juan Carpintero 
Reparto: Gabriel Cañas, Felipe Silva, Carol Campos, Carlos Cortés, Camila Carreño Arancibia, Camila Palma
Dirección: Jorge Olguin 

lunes, 27 de enero de 2020

Pacto de Fuga - Por Carlos Correa

La factura de “Pacto de Fuga” es notable. No existe detalle dejado al azar y todos sus aspectos de producción están excelentemente desarrollados. La cinta da cuenta de un hecho histórico, la fuga de 49 presos de la Cárcel Pública de Santiago -entre ellos siete condenados a muerte-, ocurrida la madrugada del 20 de enero de 1990, a pocos días de concretarse el retorno a la democracia en Chile. El relato describe la “Operación Éxito”, planeada y ejecutada por 24 presos que construyeron un túnel de más de 80 metros de largo, extrayendo y escondiendo 55 toneladas de tierra en el entretecho del penal, lo que significó más de un año de laboriosa y cuidada construcción.

David Albala dirige una producción que deja huella porque el relato es dinámico y profundamente tenso. Esto es un mérito enorme porque ya conocemos el final, ya sabemos que el plan se concreta, pero no tenemos información sobre los detalles. El guion se hace cargo de nutrir la historia de contexto y conectarnos con sus protagonistas. Benjamín Vicuña interpreta a León Vargas, el ingeniero y líder del plan, un tipo serio y enfocado que no pierde tiempo y tiene su misión absolutamente clara. Rafael Jiménez es interpretado por Roberto Farías, un condenado a muerte que ve que el tiempo se le acaba por lo que la huida es su única opción de seguir con vida. Ambos son los líderes más visibles de un plan incierto y tremendamente arriesgado, y es por ello que la ayuda externa de Paulina -Francisca Gavilán- y de la abogada Fabiola Pizarro -Amparo Noguera-, resulta vital para concretarlo exitosamente.

La música incidental compuesta por Juan Cristóbal Meza es de lo mejor de la cinta. La partitura aporta tensión en muchísimas escenas y además es responsable del ritmo de la mayoría de las secuencias. De la mano de una prolija edición, la fotografía de Jorge González y Kako Correa logra recrear la perspectiva de cada una de las locaciones de la cárcel, las pequeñas celdas, los laberintos y pasillos, el patio, las escaleras y el entretecho, junto al agobiante y asfixiante trabajo llevado a cabo en el túnel.

“Pacto de Fuga” se inscribe sin duda dentro de los mejores thrillers chilenos. Logra transmitir incertidumbre, tensión, compromiso y reacción ante los hechos que observamos en pantalla, independiente de la visión que cada uno pueda tener sobre el contexto histórico o sobre el escape. La solidez de las actuaciones y la maximización de los roles -en especial de Mateo Iribarren y Willy Semler como Fiscal y Alcaide respectivamente-, entregan al relato una fuerza narrativa que logra provocar desde muchos puntos de vista. Los diálogos y los silencios más la comunicación no verbal, aportan muchos elementos para que el metraje avance sin contratiempos, incluso a pesar que sobre el comienzo de su último cuarto se aprecia su extension.

La historia de una fuga llevada a pantalla grande genera siempre atención y curiosidad. Ésta, en particular, genera aun más expectativa porque está inspirada en hechos reales y quienes vivimos esos años recordamos la convulsión social y mediática que el hecho provocó. Es quizá por ello que la motivación es mayor y el riesgo aún más alto, sin embargo la película de David Albala supera con creces lo esperado elaborando una propuesta sólida, bien ejecutada y que ademas entrega importantes elementos para una posterior reflexión.

Ficha técnica

Título original: Pacto de fuga
Año: 2019
Duración: 135 minutos
País: Chile
Productora: Calibre 71 producciones / Storyboard Media
Género: Thriller | Basado en hechos reales. Años 90
Guion: David Albala, Loreto Caro-Valdes, Susana Quiroz-Saavedra, José Córdova-Llanos, Manola Palomera, Raúl Blanchet, Cecilia Ruz
Música: Jonathan Grandcamp, Stuart Menderman, Juan Cristóbal Meza, Anita Tijoux
Fotografía: Jorge González, Kako Correa
Reparto: Benjamín Vicuña, Amparo Noguera, Patricio Contreras, Francisca Gavilán, Eusebio Arenas, Mateo Iribarren, Roberto Farias, Willy Semler, Alberto Ellena, Victor Montero, Diego Ruiz, Vladimir Huaiquiñir
Dirección: David Albala

sábado, 25 de enero de 2020

Pacto de fuga - Por José Blanco Jiménez

Se trata de un hecho histórico: el 29 de enero de 1990, 49 presos lograron escapar de la Cárcel Pública de Santiago de Chile después de haber excavado un túnel subterráneo de más de 80 metros durante 18 meses.

He visto buenas películas de evasiones y no puedo evitar efectuar comparaciones intertextuales.

La mejor, en sentido absoluto, es la francesa El boquete (Le trou, de Jacques Becker, 1959), que seguía el proceso paso a paso enfatizando sobre todo el tema del compañerismo y de la solidaridad. Papillon (la primera, de Franklin J. Schaffner, 1973; no el bodrio de Michael Noer, 2017) se concentra en el mundo mental del personaje y su voluntad de evadir. Lo mismo ocurre con Sueños de libertad (The Shawshank Redemption, de Frank Darabont, 1994), que es un homenaje a la tenacidad y a la conciencia de no dejarse apabullar y de sobreponerse al destino. Recuerdo una frase: “Todo lo que tengo aquí dentro es tiempo”; cuando su amigo le dice que esculpir una por una de las piezas del ajedrez le tomará años. Finalmente, está el espectáculo: El gran escape (The Great Escape, de John Sturges, 1963), que – en casi tres horas y pantalla panorámica – acumula grandes actores y adecuado suspenso.

Justamente, esta película de David Albala se acerca a esta última por su montaje (las tomas bajo tierra, los trucos para no ser descubiertos) y también porque los protagonistas no son reos comunes, sino políticos (o, incluso, de guerra). Otro elemento podría ser el poner como gancho a actores consagrados que atraen público (como Benjamín Vicuña, Roberto Farías y Amparo Noguera), pero resultan neutralizados por personajes magistralmente interpretados por Francisca Gavilán (la esposa atribulada), Mateo Iribarren (el fiscal militar) y Willy Semler (el coronel alcaide).

Un aspecto remarcable del filme es que, contrariamente a otras producciones, no se transforma en un panfleto. El espectador cincuentón puede reconocer lo que fue su entorno en los objetos que acompañan la acción y en las diversas referencias al “mundo libre”.

Un recurso genial está constituido por la exhibición en pantalla chica de Sussi de Gonzalo Justiniano (1988), que – junto con Silvio Caiozzi – iluminó el oscurantismo del momento. Y - ¿por qué no? – la belleza ingenua y procaz de Marcela Osorio, que revuelve las hormonas de los espectadores dentro y fuera de la pantalla. Incluso, me recordó Los viajes de Sullivan (Sullivan’s Travels, de Preston Sturges, 1941) en la secuencia en que el director extraviado y detenido por equivocación se da cuenta de cuál es su camino para la libertad y el error que ha cometido al no considerar el cine como fuente de entretenimiento.

Me interesa el aspecto estético y no el ideológico. Es por ello que me permito solamente señalar que los trabajos de la evasión prosiguen mientras el “No” gana el plebiscito y es elegido Patricio Aylwin. Sin embargo, la operación no se detiene. Tal vez porque podrían ser voladores de luces (como efectivamente lo fueron “en la medida de lo posible”) y – en vez de un improbable indulto – existe la certeza del esfuerzo realizado.

Una película impecable en cuanto a fotografía, música, montaje e interpretaciones. El mismo relato, que podría ser panfletario, escurre con la fluidez y la veracidad que la transforman en una creación de valor universal.

(Pacto de fuga. Chile, 2019)

viernes, 24 de enero de 2020

Bad Boys para siempre - Por Jackie O.

“Hasta el fuego baby”

En 1995 sorprendió a todos esta dupla con mucha acción y sus chistes, para luego esperar ansiosamente en el 2003 la segunda parte, pero que lamentablemente se fue en picada ya que no fue ni la sombra de la primera. Ambas dirigidas por Michael Bay.

Como muchas películas se trata de agotar todo recurso posible con secuelas. Es necesario? No sé.

Pero les señalo antes de comenzar esta reseña que se viene la cuarta entrega de estos policías rebeldes, así por lo menos nos da un claro guiño está producción.

Comencemos.

Los años no pasan en vano, y el teniente Marcus (Martin Lawrence) se convierte en abuelo, y pretende jubilarse. En cuanto el teniente Mike (Will Smith) pasa por una crisis de edad que lo mantiene en las pistas, no soportando la idea de que su gran amigo lo deje.

Mientras están enfrascados ellos en este dilema, siguen su rutinaria vida y entre bromas y bromas van sucediendo desenlaces terribles que tratan de ver cuál es la vinculación, han matado a ciertas autoridades. Pero lo peor y la mayor desgracia: Mike es herido gravemente.

Tras dicho ataque está el joven Armando Armas, un asesino brutal, imparable, audaz y con mucho coraje. Y porque ataca? para vengar a sus padres. Su difundo padre, un delincuente cabecilla de un cartel de droga y su madre Isabel Areta a quien ayuda a escapar de la cárcel.

Los Areta padres, fueron encarcelados hace 25 años y la venganza de Isabel es que su hijo mate uno a uno a los involucrados: juez, peritos, policías… en especial Mike, quien trabajó de infiltrado en ese cartel cuando era un estudiante de la academia policial.

Entre bromas y mucha acción se desarrolla esta entretenida producción, que es la mejor de las 3.

Creo que la ausencia de Michael Bay era necesaria, y entregar los controles a esta dupla de directores.

Entrega simbólica que hace en un cameo.

La historia está bien contada y te mantiene entretenido todo el rato, la elección para personificar a los Areta estuvo muy bien.

La química de Martin y Will es perfecta.

La música es la correcta y las escenas de acción están bien hechas.

Nicky Jam le queda muy bien el papel de delincuente ja! Y Kate del Castillo vinculada a un rol de cartel de drogas, me recordó su complicado enredo con cierto traficante.

Y el equipo de elite policial AMMO no me convenció del todo en actuación y elección de actores/actrices (salvo la capitana Rita quien fue convincente).

La película a pesar de ser predecible entretiene, pero hay excesos de chistes que agotan al punto de que ya te ríes menos a medida que avanza la película.

Ficha técnica

Bad Boys for Life
Dirección: Adil El Arbi y Bilall Fallah
Guion: Chris Bremner
Música: Lorne Balfe
Protagonistas: Will Smith, Martin Lawrence, Kate del Castillo, Jacob Escipión, Paola Nunez, Joe Pantoliano, Alexander Ludwing, Nicky Jam, etc.

El Escándalo - Por Carlos Correa

Basada en hechos reales, esta interesante película del director Jay Roach reconstruye la estrepitosa caída del imperio Fox News, una de las cadenas mediáticas más poderosas de Estados Unidos, producto de las acusaciones de acoso sexual sobre su responsable y fundador. Y lo hace de forma dinámica y audaz, gracias al vertiginoso guion de Charles Randolph que no da tregua a lo largo de sus 108 minutos de duración.

Tres mujeres son sus protagonistas. Megyn Kelly -Charlize Theron-, Gretchen Carlson -Nicole Kidman- y Kayla Pospisil -Margot Robbie-. Solo esta última corresponde a un personaje ficticio, por lo que el realismo de sus papeles se impregna en sus excelentes actuaciones. Un hombre es el foco de la historia, Roger Ailes -John Lithgow-, el poderoso mandamás que construye y desarrolla la cadena usando a las mujeres como objeto de deseo para subir las audiencias además de abusar indignamente de ellas gracias a su manifiesto posición de poder.

Una acusación pública desata la explosión. Gretchen Carlson, luego de ser despedida, asume con valentía la denuncia de lo que era un secreto a voces: los constantes acosos y abusos de Ailes hacia sus subordinadas durante décadas. En un principio, Carlson lucha sola contra el mundo. Parece que nadie la apoya y no se vislumbra que otras voces salgan a respaldar sus dichos. Es angustiante su soledad, eso agiganta su valor, sin embargo y pese a todo, la lucha es absolutamente desigual. Al interior de Fox, las opiniones están divididas y por cierto bajo cuerda. Se sabe, pero no se comenta. Hay temor y sobretodo una sensación de complicidad que les afecta transversalmente. Es allí cuando Megyn Kelly asume su rol y su responsabilidad. Su credibilidad es vital para refrendar la denuncia y con ello marcar el principio del fin de un indigno escándalo.

La cinta es rápida y su guion está lleno de detalles. En ocaciones, y producto de la gran cantidad de elementos, puede incluso confundir o marear, no obstante está bien llevada y se resuelve exitosamente luego de todas su vueltas, nudos y revueltas. La fotografía de Barry Ackroyd permite observar planos cercanos que logran conmover, en especial en las dos escenas más intensas, emocionalmente, desplegadas brillantemente por Margot Robbie.

“Bombshell” es una denuncia amplificada, un relato condensado del horror que los abusos de poder y los acosos sexuales provocan en quienes los sufren y cómo afecta transversalmente a todos quienes son parte de un ambiente tóxico, degradante y humillante. es un retrato crudo y sin filtro de atrocidades que hasta hace poco no se denunciaban y que gracias a la valentía de sus víctimas y a las explícitas denuncias, podemos hoy delatar y condenar sin duda alguna.

Ficha técnica

Título original: Bombshell
Año: 2019
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Lionsgate / Lighthouse Management & Media / Bron Studios
Género: Drama | Biográfico. Basado en hechos reales. Periodismo
Guion: Charles Randolph
Música: Theodore Shapiro
Fotografía: Barry Ackroyd
Reparto: Charlize Theron, Margot Robbie, Nicole Kidman, John Lithgow, Allison Janney, Kate McKinnon, Malcolm McDowell, Mark Duplass, Alice Eve, Connie Britton, Alanna Ubach, Elisabeth Röhm, Madeline Zima, Brigette Lundy-Paine, Liv Hewson, London Fuller, Ashley Greene, Nazanin Boniadi, Stephen Root
Dirección: Jay Roach

jueves, 23 de enero de 2020

El Escándalo - Por Jackie O.

“Y la culpa no era mía, ni donde estaba, ni como vestía”

En julio de 2016 Gretchen Carlson, una excelente y bella periodista fue despedida de Fox News, y porque? Por que aparecían más bellas mujeres como ella buscando empleo y que también poseían un gran talento a explotar, y eran más jóvenes que ella. Y caras frescas, o piernas nuevas, se buscaban sin que cuestionaran las decisiones de los altos mandos del canal.

Te vuelves una molestia y eres reemplazada, pues hay una fila larga de chicas esperando la oportunidad de triunfar.

Este hecho tan mediático, la demanda de Gretchen contra el poderoso Roger Ailes, sucedió un año antes de las demandas por acoso contra Harvey Weinstein, fue el pequeño paso para que muchas mujeres comenzaran a alzar la voz públicamente ante los detestables acosos que sufrían en sus trabajos por conseguir el espacio que deseaban.

¿Pero, hasta dónde eres capaz de llegar por tus objetivos?

Seamos claros, estas 3 mujeres eran ambiciosas de dinero, poder, fama. Y Roger Ailes les dio eso. Aunque eso significara ser acosadas por él: lo aceptaban o sabían cómo disuadirlo, pero aun así se quedaban.

Sí, estamos claros que nadie tiene el derecho de molestar a otros. Tanto hombres, pero más mujeres sufren este vil hecho.

¿Pero soportas, denuncias o te vas?

¿Qué tan necesario es quedarte en ese lugar?

Estas mujeres perfectamente pudieron irse a otro trabajo ya que eran talentosísimas, pero no, era ese lugar en donde querían estar y a toda costa se quedaron. Solo se denunció por que a una la echaron, si no, queda todo en silencio.

Que terrible lo que digo, pero es verdad.

Creo que estoy dando una cachetada a hechos que se dejan suceder por fama, miedo, vergüenza y mucha culpa.

En cuanto a la película, que cuenta a grandes rasgos los hechos, está muy bien protagonizada por un cuarteto de talentos: Charlize Theron, Nicole Kidman, Margot Robbie y teniendo como a este asquerosillo magnate, a un irreconocible John Lithgow.

El trabajo en maquillaje que se hizo con John y Charlize lo encuentro genial. Y bien merecida la nominación al Oscar.

La película tiene mucha visualidad (clave en la película) también buenos diálogos, pero lo más importante es el silencio, los gestos, las miradas y la angustia que llega a sentirse al ver a estas bellas mujeres querer mantenerse en la fama y escalar, teniendo que soportar estos abusos.

¿Es necesario querer tanta fama a costa de denigrarte?

Las actuaciones de Charlize y Nicole, quienes están nominadas al Oscar, están muy bien desarrolladas, la contención de la primera y la fortaleza de la segunda se desarrollan bien. Respecto a Margot, se desenvuelve en un personaje ficticio que cumple ese rol de representar a todas aquellas víctimas de este sujeto. Algunas que de seguro hasta hoy callan, por vergüenza y culpa.

En que puede fallar, se convierte en una película más debido a que le faltó un mayor nivel de movimiento de cámara, sonido y narratividad. A que me refiero, no se profundiza mucho en temas como la victimización, la presión social, la ambición v/s la dignidad de la mujer, la impunidad del acosador, etc.

Esta película nos hace preguntarnos muchas cosas que ya las he tratado en esta reseña. Pero tengamos presente que ya no somos el sexo débil.

No soy machista, feminista ni feminazi. Solo soy mujer con fortalezas y debilidades como tú.

Una película que no quedará para la historia, pero que debe ser vista.

Ficha técnica

Título original: Bombshell
Año: 2019
Duración: 108 min.
Dirección: Jay Roach
Guion: Charles Randolph
Música: Theodore Shapiro
Fotografía: Barry Ackroyd
Montaje: Jon Poll
Protagonistas: Charlize Theron, Maria Nicole Kidman, Margot Robbie, Kate McKinnon, Malcolm McDowell, John Lithgow, otros.

El Escándalo - Por Juan Pablo Donoso

Glamorosa denuncia de acoso sexual basada parcialmente en un hecho verídico.

Tres famosas comentaristas de la TV Fox News deciden hacer público el abuso que el alto ejecutivo de ese canal - Roger Ailes - hizo de ellas aprovechando su condición de mujeres hermosas.

El poder de Ailes provenía de su influencia en el Partido Republicano y de haber lanzado a la fama la cadena Fox News en EE.UU. y en muchos países del mundo. Dirigió las campañas de Nixon, Reagan y George H.W. Bush, y llevó al sitial alcaldicio a Rudy Giuliani. Y fue principal consejero en la candidatura de Donald Trump, supervisando sus debates públicos.

En síntesis, un individuo de tremendo ascendiente publicitario, empresarial y político.

Su talón de Aquiles eran las conductoras de los programas de máxima audiencia. Las escogía, además de su talento, por su belleza y, muy en especial, por cuánto lucían sus piernas en las transmisiones.

Este declive erótico del magnate las encumbró a la fama, y les permitió un fastuoso tren de vida a ellas y a sus familias. Y, forzosamente, también debieron retribuirle con servicios sexuales.

Durante años esto permaneció oculto tras el éxito de la emisora y el poder político. Más, cuando despiden a Gretchen Carlson (Nicole Kidman) de la empresa, comenzó a incitar a otras para que sacaran a luz la corrupción soterrada que ocurría.

Fue así como - convenciendo a poderosos bufetes de abogados - reclutó a varias compañeras entre las que estaban Megyn Kelly (Charlize Theron) y una ficticia Kayla Pospisil (Margot Robbie) tras la cual condensó a muchas otras víctimas.

Los méritos de la película son la exposición de un escándalo mediático que sacudió a la opinión pública, el complejo y arriesgado proceso de denuncia, y el estupendo nivel actoral de sus personajes principales.

Las tres actrices logran un increíble parecido físico con las víctimas reales, y otro tanto hace John Lithgow como el obeso Roger Ailes, su esposa Beth (Connie Britton - Nashville 2012-18) y varios otros ejecutivos de la época.

El director Ray Roach, experto en biografías (Trumbo 2015) logra equilibrar el talento actoral con un relato bastante complicado - casi confuso - por la enorme cantidad de incidentes y personajes reales que van conduciendo a la premisa final.

Si bien esas mujeres fueron objeto del abuso, cabe también considerar que las movía una desbocada ambición de fama, lucimiento y dinero. Premios que obtuvieron de todos modos al hundir en el oprobio al magnate Ailes, ser indemnizadas con millones de dólares y liderar movimientos de dignidad de género.

FASTUOSA Y COMPLEJA PRODUCCIÓN CON EXCELENTES ACTORES Y UN TEMA DE CORRUPCIÓN QUE EXPLOTA CON MUCHA FRECUENCIA.

Ficha técnica

Título Original: Bombshell 
Biografía, drama BFDistribution EE.UU., Canadá - 1,49 hrs. 
Fotografía: Barry Ackroyd 
Edición: Jon Poll 
Música: Theodore Shapiro 
Diseño Prod.: Mark Ricker Guion: Charles Randolph 
Actores: Charlize Theron, Nicole Kidman, Margot Robbie 
Director: Jay Roach

Pacto de Fuga - Por Juan Pablo Donoso

Esmerada y costosa producción nacional en homenaje a los prisioneros - tratados aquí como héroes y mártires - del Frente Patriótico Manuel Rodríguez (FPMR).

Basada en un evento real de 1990 cuando 49 presos políticos escaparon de la cárcel después de haber cavado un túnel durante 18 meses.

Con notable mérito en el Diseño de Arte, minuciosa edición y elaborada música incidental, se nos despliega una vasta pléyade de reconocidos actores chilenos - de ayer y de hoy - entre los que figuran Benjamín Vicuña y Francisca Gavilán (Violeta se fue a los Cielos 2011) por sólo mencionar a algunos.

Muy prolija dirección de fotografía y manejo de cámara.

Intenta ser un relato de tensión y heroísmo. Más, son tantos los personajes, y tantas las historias y antecedentes personales, que la cinta se alarga, y recarga demasiado, en desmedro del indispensable suspenso que debió tener el proceso original de la fuga.

Da más bien para una teleserie en la que, de manera paralela, se va construyendo el túnel y vamos conociendo con más detención los dramas y situaciones personales de los numerosos prisioneros.

La estructura del guion y los diálogos nos proponen simpatizar - e identificarnos - con los extremistas recluidos. Y odiar a los soplones traidores. Más, como están presos por terrorismo, recurren a nuestra compasión aludiendo que - a pesar de recuperar la democracia con el triunfo del NO en el plebiscito - igual los iban a ajusticiar a todos.

Las autoridades y personal de gendarmería lucen redomadamente sádicos, perversos y estúpidos. En cambio, estos reos políticos son empáticamente humanos, y víctimas inocentes de su noble ideología extremista.

La publicitada participación de Patricio Contreras se reduce a dos mínimas escenas en una proyección que dura más de dos horas.

Se nos torna cansadora por falta de concisión en el ascenso progresivo del relato; son demasiado abundantes, largos y complejos los casos personales.

La cantante chilena Ana Tijoux, radicada en Francia, compuso e interpretó la canción principal llamada Libertad. Expresó: “Es bonito interpretar una fuga histórica a través de mi voz”. “Hice la letra inspirada en aquellas heroicas víctimas de la dictadura, y en favor de la democracia”.

Aunque pretende ser humanitaria e ideológicamente altruista, es inevitable que en los momentos de conflicto social que vive Chile hoy, suene más estimulante para los vándalos encapuchados que reflexiva sobre un período histórico de nuestro país.

Su estreno iba a ser en octubre de 2019. Por razones obvias les pareció prudente postergarlo. 

RECONSTITUCIÓN DE UN HECHO REAL QUE, POR MEZCLAR DEMASIADOS FACTORES NARRATIVOS, ABLANDA EL NECESARIO SUSPENSO Y REITERA LAS DENUNCIAS CONTRA LA DICTADURA DE PINOCHET. ¿SERÁ OPORTUNA?

Ficha técnica


Panegírico de acción y suspenso 
Fox Chile - 2,15 hrs. 
Fotografía: Kako Correa, Jorge González 
Edición: David Albala, José Córdova-Llanos 
Música: Jonathan Grandcamp, Stuart Menderman, Juan Cristóbal Meza, Anita Tijoux 
Diseño Prod.: Lionel Medina 
Guion: David Albala, Raúl Blanchet 
Actores: Benjamín Vicuña, Francisca Gavilán, Patricio Contreras, Eusebio Arenas 
Director: David Albala

Jugando con Fuego - Por Juan Pablo Donoso

Sólo si los niños chicos se divierten con esta película, ella salva su objetivo.

Para los adultos desborda ingenuidad, exageración, comicidad fácil y gruesa.

Realizada con buen presupuesto y profesionalismo estándar de filmes estadounidenses, tiene asegurada su exhibición en la TV de horarios familiares y, sin duda, para todo espectador en los vuelos aéreos comerciales.

Tanto las situaciones como sus personajes están calculados para entretener con fórmulas archi-comprobadas que incluyen momentos de ternura, peligros, y payasadas escatológicas.

Una estación de rescate aéreo en una región montañosa salva a 3 hermanitos cuya casa en un bosque se estaba incendiando.

Como los padres de los niños estaban de viaje, los rescatistas deben albergar a los pequeños en su central de comando. Los profesionales son solamente varones, rudos, y preparados para peligrosas emergencias.

Los niños harán de las suyas en la instalación, y los bomberos deberán asumir el rol de padres y madres con la consiguiente torpeza.

El jefe es Jake Carson, interpretado por el campeón de lucha libre John Cena del WWE (World Wrestling Entertainment, Inc.). Un musculoso paladín, tímido con las mujeres y corazón de mantequilla.

Sus subalternos son dos juguetones atletas (Keegan-Michael Key y John Leguizamo) respaldados por un temible gigante barbón y mudo llamado Hacha (Tyler Mane).

Las barrabasadas de los niños - que casi destruyen la instalación - van ablandando a los aguerridos combatientes. Más adelante sabremos que eran huérfanos solitarios y alguien deberá acogerlos para evitar que terminen en un orfelinato. Adivinen quién los adopta.

El rol de John Cena pudo, tiempo atrás, otorgársele a Schwarzenegger debido a la constante exposición de sus músculos toráxicos. Pero Cena, aún con arrestos de galán, da mejor la nota en estos días.

Los niños, una pre-adolescente (Brianna Hildebrand), su maldadoso hermanito de 8 años (Christian Convery) y la pequeñita de 3 años Zoey (Finley Rose Slater), fueron seleccionados para conquistar nuestro cariño y simpatía.

Los padres disfrutarán más viendo reír a sus hijitos durante la exhibición, que hallándole mayor sentido a esta pampirolada tan elemental.

FÓRMULA DE COMEDIA FAMILIAR QUE DE MANERA MUY GRUESA ENTREGA UN MENSAJE OBVIO Y POSITIVO.

Ficha técnica


Título Original: Playing with Fire 
Comedia familiar Paramount, Andes Films EE.UU. - 1,36 hrs. 
Fotografía: Dean Semler 
Edición: Elísabet Ronaldsdóttir 
Música: Nathan Wang 
Diseño Prod.: Brent Thomas 
Guion: Dan Ewen, Matt Lieberman 
Actores: John Cena, Keegan-Michael Key, John Leguizamo 
Director: Andy Fickman

Jexi un celular sin filtro - Por Juan Pablo Donoso

Comedia grotesca - muy yanqui - que pudo aprovechar mejor el tema central.

¿Qué puede suceder cuando amamos a nuestro celular más que todo en el mundo?

La vida de Phil (Adam Levine) es monocorde y su trabajo rutinario. Carece de amigos y novia. Tiene un jefe exigente y siempre sobrexcitado (Michael Peña).

Cuando cambia su celular desbaratado por uno de nueva generación llamado Jexi, descubre que tiene voz fémina, inteligencia superior, enciclopédica y, para colmo, se enamora de su dueño y lo cela constantemente.

Con el inicio de una relación amorosa de Phil con Cate, una adorable muchachita latina (Alexandra Shipp), la pugna por zafarse del dominio tiránico de su celular(a) se hará cada vez más tormentosa.

Este asunto de relaciones amorosas con la tecnología ya fue tratado con más riqueza en las series EPICAC (1992) y Sueños Eléctricos (2017), y notablemente en Ella (2013) de Spike Jonze, con Joaquin Phoenix, Amy Adams y Scarlett Johansson.

Ahora derrocharon una presupuesto de US$ 5.000.000 en una chacota forzada, superficial, con personajes sin desarrollo ni motivación dramática. Para peor, resulta poco recomendable para niños debido a chistes y acciones obscenas - como masturbar al celular(a) para consolarlo(a).

Con un fondo más inteligente, estos mismos actores habrían jugado la sátira con mejor nivel. Hasta la gran comediante de color Wanda Sykes (El Club de la Madres Rebeldes 2016, de los mismos directores) brilla en sus breves apariciones.

Sólo para la TV nocturna o para un largo vuelo en avión.

COMEDIA ROMÁNTICA DE CIENCIA FICCIÓN DESPERDICIADA POR HUMOR FACILISTA.

Ficha técnica

Título Original: Jexi 
Comedia, ciencia ficción EE.UU. - 1,24 hrs. Diamond Films 
Fotografía: Ben Kutchins 
Edición: James Thomas 
Música: Christopher Lennertz, Philip White 
Diseño Prod.: Marcia Hinds 
Actores: Adam Devine, Alexandra Shipp, Rose Byrne 
Guionistas y Directores: Jon Lucas, Scott Moore

Bad Boys para Siempre - Por Juan Pablo Donoso

Mucha acción, humor y suspenso en esta 3ª secuela con los deschavetados policías encarnados por Will Smith y Martin Lawrence. 

Las primeras Dos Policías Rebeldes (1995 y 2003) fueron muy buenas, dirigidas por Michael Bay, pero este tercer capítulo dirigido por la dupla de árabes Adil El Arbi y Bilall Fallah supera las marcas anteriores.

Cuando los inseparables detectives están mayores, y el gordo Burnett (Lawrence) ya es abuelo, surge la posibilidad de acogerse a retiro. Pero la cadena de asesinatos contra quienes condenaron años atrás a una peligrosa criminal mexicana Isabel Aretas (Kate del Castillo) pone a Mike Lowrey (Will Smith) como principal candidato a morir acribillado ya que fue él quien capturó a la feroz delincuente.

Es imperioso atrapar al francotirador anónimo. Detectan que es mexicano, que se llama Armando Armas y que hace estragos en Miami. Los titanes ahora contarán con el respaldo del nuevo escuadrón policial AMMO para dar caza al criminal despiadado.

Bajo el lema que siempre los mantuvo juntos “Cabalgar unidos y morir unidos”, iniciarán una seguidilla de persecuciones en autos, motos, bombazos, explosiones, helicópteros y combates cuerpo a cuerpo.

La gracia especial de este tema, ya bastante conocido, radica en la simpatía de sus principales protagonistas, en lo bien urdida que está la trama (todo tiene su motivación), en los graciosos diálogos y locas circunstancias que van dando origen unas a otras.

Hasta tiene un giro inesperado cerca del final, que pone la nota emotiva… y siempre lógica en la evolución de la epopeya. Y nos deja listos para la 4ª secuela…

Se nos confirma que con un buen guion, diálogos ingeniosos, bastante humor y violencia justiciera, más buenos actores, el elevado presupuesto se justifica plenamente.

Junto a los protagonistas de color Smith y Lawrence destacamos por última vez en este episodio a Joe Pantoliano - como el hiperkinético Capitán Howard - cuyo histrionismo enriquece cada una de sus apariciones. Y admiramos el carisma de la bruja maldita Kate del Castillo quien junto a Jacob Scipio, como su sanguinario hijo, hacen una dupla de diabólica perversión.

3° CAPÍTULO DE UNA SAGA QUE MANTIENE SU FRESCURA ORIGINAL. MUCHA ACCIÓN, HUMOR Y SIMPATÍA. EL VIEJO DUO POLICIAL SIGUE VIGENTE.

Ficha técnica


Título Original: Bad Boys for Life 
Acción, comedia, crimen Andes Films EE.UU., México - 2,03 hrs. 
Fotografía: Robrecht Heyvaert 
Edición: Dan Lebental, Peter McNulty 
Música: Lorne Balfe 
Diseño Prod.: Jon Billington 
Guion: Chris Bremner, Peter Craig 
Actores: Will Smith, Martin Lawrence, Kate del Castillo 
Directores: Adil El Arbi, Bilall Fallah

Jugando con Fuego - Por Alejandro Caro

Este es una film para niños, pero como son adultos los acompañantes, deben tener presente lo siguiente. A la hora de analizar una película es crucial entender, a qué público va dirigida. El análisis debe ser sincero, no se puede pretender una película para niños a la altura de un complejo drama. Si entretener es todo el objetivo que pretende o necesita, se puede decir que Jugando con Fuego lo logra en lo mínimo indispensable.

Jake Carson es superintendente de un escuadrón de brigadistas aéreos, ellos llegan a los incendios en helicóptero, saltan de ellos y todos los aplauden. Se ve a sí mismo como un héroe y su sueño es llegar a Comandante, pero todo se complica cuando rescatan a tres chicos de una cabaña incendiada y, por una tormenta, tienen que cuidarlos hasta que los padres puedan ir a buscarlos. Esta nueva película familiar protagonizada por John Cena es un cúmulo de clichés y situaciones obvias que, solo a veces, consiguen hacer reír.

Carson (Cena) siguió los pasos de su padre y el sueño de él se convirtió en el propio. Vive para su escuadrón y para luchar contra los incendios, pero su mundo se pone de cabeza cuando queda al cuidado de un trío de niños y, al mismo tiempo, recibe la noticia de que está en consideración para su tan ansiado puesto. El escuadrón está compuesto por tres personajes secundarios que completan las casillas de lugares comunes: Torres (John Leguizamo), el chef que se supone que es piloto pero que tiene miedo a volar, Rogers (Keegan-Michael Key), el segundo al mando que vive para cumplir las órdenes del superintendente y que no sabe cómo responderle a una adolescente, y Axe (Tyler Mane), el gigante silencioso que va a todos lados con su hacha y de ahí su apodo. Los tres chicos, Brynn (Brianna Hildebrand), Will (Christian Convery) y Zoey (Finley Rose Slater) alborotarán todo y pondrán a prueba a estos adultos.

Es film que no busca ser bueno, por momentos parece que tampoco busca ser graciosa porque las risas no se dan por los chistes sino por la incomodidad que genera. Llena de clichés, los juegos de palabras básicos, las típicas caídas y todo esto provocado por tres chicos con los que, durante la primera mitad de la película, es imposible sentir empatía por lo molestos que son. Si bien apunta claramente a un público infantil, parece subestimarlos al proponer un humor tan limitado.

Lo que puede destacarse es a John Cena, que sigue consolidándose como actor de comedia, aunque aquí menos aprovechado que en la muy divertida Blockers, en donde el otrora luchador sí se lucía. La niña más pequeña también tiene varios momentos genuinamente graciosos, pero no mucho más.

Playing With Fire es el tipo de película que se ve cuando no hay nada más, que provoca risas vacías y que se olvida al minuto de finalizada. Curiosamente lo más gracioso llega después que termina, con los errores del film mostrados durante los créditos.

Finalmente rescatemos lo siguiente y que da alguna manera está presente y puede ser un tema a conversar con los niños sobre valores como el compañerismo, la solidaridad, la amistad y el afecto sincero. Estos valores sólo afloran, cuando somos capaces de abandonar nuestro ego, como hace el protagonista, Jake Carson (Cena) y reconocer cuáles son los valores que mueven el espíritu humano.

martes, 21 de enero de 2020

Jojo Rabbit - Por Carlos Correa

Basada en el libro “Caging Skies” de Christine Leunens, “Jojo Rabbit” está ambientada a fines de la Segunda Guerra Mundial. Johannes Betzle -Roman Griffin Davis- es un niño alemán de diez años que con entusiasmo ingresa a las Juventudes Hitlerianas. No es lo que esperaba, sin embargo su espíritu pro Nazi sigue intacto gracias a un amigo imaginario que es nada menos que el mismísimo Adolf Hitler, interpretado por el director Taika Waititi. El escenario cambia cuando Jojo descubre que su madre Rosie -Scarlett Johansson-, esconde en el ático a Elsa -Thomasin McKenzie-, una joven judía que escapa de la persecución y barbarie nacionalista del Tercer Reich.

La cinta no abandona el tono ridículo en ningún momento. La caricatura permanente se transforma en el sello del director para contar esta historia desde un punto de vista diferente. Su papel como amigo imaginario del pequeño Jojo es tan absurdo como insufrible, algo que me provoca rechazo cada vez que aparece. Solo la gran actuación de Roman Griffin Davis a la que se suman, en tono menor, los otros personajes que secundan al protagonista, me permite digerir este trago amargo.

Taika Waititi presenta esta historia con una forma irreverente y audaz, porque un tema tan sensible como el que narra no puede ser tomado como un juego. Es cierto que la relación madre-hijo, el drama de la guerra, la persecución a los judíos, el lavado de cerebro y el masivo engaño alemán están presentes en la cinta, sin embargo su aspecto de comedia liviana -como una pseudo comedia negra- no permite siquiera superar esa primera capa. La confección del relato a través de una suma de “gag” tampoco ayuda a salvar una barrera que con el correr de los minutos se hace cada vez más difícil de franquear.

“Jojo Rabbit”, precedida de varias nominaciones a importantes premios, genera expectativas que, en mi caso, se derrumban desde los primeros minutos. Con el correr del metraje se confirman, además, mis peores temores, es decir, las debilidades propias que poseen algunas sátiras que no logran conmover y cuyo desarrollo se torna obvio y evidente.

A pesar de lo descrito, sugiero ver esta película para poder formarse opinión propia. El arte es tan subjetivo que podemos tener legítimas diferencias en torno a su apreciación. Tal vez este sea un buen ejemplo pues ya se observa controversia y opiniones muy opuestas acerca del trabajo de Waititi. Y esto, aunque incómodo, es un mérito en sí mismo, pues genera discusión, debate y opinión sobre temas delicados gracias a una película que en ningún caso deja indiferente.

Ficha técnica

Título original: Jojo Rabbit
Año: 2019
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Alemania; Fox Searchlight / Defender Films / Piki Films / Czech Anglo Productions
Género: Comedia. Drama | II Guerra Mundial. Sátira. Nazismo
Guion: Taika Waititi (Novela: Christine Leunens)
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Mihai Malaimare Jr.
Reparto: Roman Griffin Davis, Scarlett Johansson, Thomasin McKenzie, Taika Waititi, Sam Rockwell, Rebel Wilson, Alfie Allen, Stephen Merchant, Archie Yates
Dirección: Taika Waititi

lunes, 20 de enero de 2020

Los rostros del diablo - Por José Blanco Jiménez

El exorcismo funciona también en Corea del Sur, donde la Iglesia Católica Apostólica Romana está vigente.

En esta película, dirigida por Kim Hong-seon, un sacerdote llamado Joong-soo (el actor Bae Seong-woo) está en crisis, por un rotundo fracaso en un exorcismo, que concluyó con una maldición. Está emparentado con una familia que también tiene problemas, porque – al llegar a una nueva casa – empieza a ser acosada por un espíritu maligno.

Poco a poco, el espectador se acostumbra a diferenciar estos rostros asiáticos que se parecen el uno al otro, pero resulta más difícil identificar sus nombres. El padre es Gang-goo (Seong Dong-il), la madre es Myeong-yoo (Jang Young-nam), las dos hijas son Seon-woo (Kim Hye-joon) y Hyeon-joo (Jo Yi-hyeon), y el hijo pequeño Woo-jong (Kim Kasng-hoon).

Los cinco van a ser poseídos por separado, transformándose en un peligro para los otros cuatro. La víctima sigue teniendo su aspecto humano, pero actúa de manera violenta y engaña fácilmente. En efecto, podemos ver actuar de manera extraña a un progenitor o a un hermano, pero dudamos que pueda hacernos daño.

Por eso la película es agobiante. Además, en una clase para futuros exorcistas, el profesor deja en claro que un demonio se sirve de la ira para atacar. Esto, porque paraliza la razón y lleva a actuar de manera instintiva. Y, después de cometido el mal, sólo sobrevive el demonio.

Con esto basta. El título de la película en coreano se traduce en inglés con el equivalente a nuestra metamorfosis. Pero “rostros del diablo” corresponde exactamente a la idea del acecho permanente del maligno, que cambia de aspecto para atacar. ..

(Byeonshin/ Metamorphosis. Corea del Sur, 2019

domingo, 19 de enero de 2020

A Bigger Splash - Por Jackie O.

"Esperando la historia" 

Este docufilms hecho en 1974, lo llamaron así por la pintura más famosa de la serie de albercas de Hockney.

Hockney también sirvió de inspiración para el artista Billy Pappas en el documental Waiting for Hockney (2008).

De que trata este DocuFilms: El novio de David Hockney, Peter Schlesinger, termina con él su relación amorosa, y el artista queda completamente quebrado emocionalmente. Este docudrama presenta una versión semi ficcionada del contexto que dio origen a una de las obras mas icónicas del siglo XX: A bigger splash.

Al ser David el primer famoso británico en hablar abiertamente de su homosexualidad, convirtió este film en un culto en los círculos gay del underground de Londres en los años 70’.

Para hacer esta cinta, Jack Hazan ganó la confianza de David Hockney para entrar a su círculo íntimo de amigos y al proceso de creación de algunas de sus más icónicas obras de la serie de piscinas. Y poder preparar este trabajo.

David es un personaje muy interesante, que debe tener muchas historias que contar, pero este docufilms hecho en los 70 no conecta con el público, su edición no está bien tratada como para seguir una línea continua en la historia. Salta de un tema a otro, sin terminar de sentir empatía con sus intérpretes. Incluso las actuaciones no fueron del todo buenas. Y no hay buenos diálogos. Y los silencios que existen, y son muchos, aburren.

La figura femenina es mínima en este docufilms, lo que prima son jóvenes y tonificados cuerpos desnudos de hombres que se muestran en todo su esplendor, no siendo vulgar. Pero a lo más puritanos puede chocarles.

Creo que fue desaprovechada la historia.

Rescato los colores fuertes que se marcaba en algunos momentos, y que aprovechaban bien la luz de día en algunas tomas.
También los efectos de sonido eran bien usados, siendo un gran fondo.

Por lo que creo, que voy a esperar una nueva historia de este artista.

La pueden ver EN Dart-festival

Ficha técnica

Director: Jack Hazan
Editor: David Mingay
Música compuesta por: Patrick Gowers
Guion: Jack Hazan, David Mingay

Escapes de Gas - Por Jackie O.

¿Por qué se destruye algo?
¿Para no recordar quien lo hizo?


En 1972 se construyó en un tiempo récord de 275 días, un enorme edificio para la celebración de una Conferencia Internacional de Naciones Unidas. Y fueron 34 artistas quienes realizaron obras que se incluyeron en la construcción de ese edificio, el UNCTAD. 

Luego, el 11 de septiembre de 1973 fue atacado el edificio y pocas obras sobrevivieron. 

El edificio llamado Unctad luego cambió de nombre a "Diego Portales", hasta ser rebautizado como lo que conocemos ahora: GAM.

40 años más tarde de su destrucción, Joaquín Maruenda hijo del fallecido escultor Félix Maruenda, encuentra un registro que lo lleva a indagar en el acontecer de la escultura "Chimeneas" y su posible restauración. Ésta era una gran chimenea minimalista, que servía para liberar los gases del comedor popular del edificio.

Ahí comienza el proceso de indagar sobre todas las esculturas y quienes participaron en ella, con grandes registros fotográficos y videos.-

Olvidando la parte política, el documental está bien tratado en cuanto a mostrar las obras y sus partícipes. Quien, como y cuando es lo que veremos, cada quien tendrá su propia respuesta.

El arte es tan amplio y tiene tantas ramas que puedes disfrutarla en todas las formas.
Acá nos muestran trabajos bellos que lamentablemente se destruyeron, y nos preguntanos, es necesario destruir el arte?

La fotografía es muy interesante, confieso que no sabía sobre esta historia, como se llamaba el edificio en un comienzo, que obras tuvo ni quien participó. Por lo que lo encuentro un gran valor histórico.

La edición fue bien tratada acompañada de un buen fondo de sonido.

Es inevitable que los partícipes de la época no se aboquen solo a hablar de arte, que es lo que nos interesa. Si no que dan sus impresiones políticas.

Un interesante trabajo audiovisual para ver, y que el Festival Dart lo trajo.

Ficha técnica

Escapes de Gas
Documental
Chile
Dirección y producción: Bruno Salas
Guion: Bruno Salas, Diego del Pozo, Ernesto Parada y Valentín Atías
Casa productora: Trampa Films
Producción: Bruno Salas
Dirección de fotografía: Valentín Atías
Montaje: Valentín Atías
Sonido: Ernesto Parada
Música: Marcelo Espíndola

viernes, 17 de enero de 2020

Mujercitas - Por Carlos Correa

Un clásico de la literatura tiene una nueva adaptación a la pantalla grande. Esta vez, la directora y guionista Greta Gerwig -“Lady Bird”-, desarrolla una cinta que recoge el material de la famosa novela de Louisa May Alcott que narra la vida de las cuatro hermanas March, su relación familiar, sus vecinos, sus amores adolescentes, sus conflictos cotidianos, sus sueños e ilusiones y sus decepciones, con el contexto de la Guerra Civil norteamericana como telón de fondo.

La película, desde el punto de vista de su realización, es espléndida. Finos decorados, bellas recreaciones de época, vestuario, iluminación, hermosas locaciones y maravillosos paisajes funcionan como un todo orgánico sin puntos bajos. La cámara de Gerwig brinda comodidad a los personajes, no los atosiga ni presiona, y con ello permite que luzcan con soltura y espontaneidad.

Cada una de las protagonistas, Jo -Saoirse Ronan-, Meg -Emma Watson-, Beth -Eliza Scanlen-, y Amy -Florence Pugh-, tienen personalidades marcadas. Grandes sueños artísticos las mueven, la escritura, la pintura, la actuación, la música, pero también lo cotidiano, su propio desarrollo personal. La relación entre las hermanas no es sencilla y su madre, Marmee -Laura Dern- logra conducirlas con mano tierna y sabia ante las visibles dificultades económicas y la ausencia del padre que combate en la guerra. No tenemos antagonistas ni conflictos externos. El corazón del guión está en estas “Mujercitas”, en sus emociones y en sus relaciones, donde los personajes masculinos son solo referenciales y en algunos casos apenas parte del decorado.

Greta Gerwig decide presentar el relato con saltos temporales. La historia va y vuelve entre presente y pasado, tanto para explicar el contexto como para adicionar un toque de refresco a una narración que si fuera lineal tal vez sería mucho menos dinámica. Esta opción hace confuso el comienzo de la cinta, sumándose a ello las pocas diferencias físicas que presentan las protagonistas a pesar de los varios años transcurridos entre cada espacio de tiempo.

También acierta Greta Gerwig al componer un guion con múltiples subtextos y que en ocasiones se superponen sin priorización ni jerarquía. Esto es algo tan propio del relato que las conversaciones simultáneas entre las hermanas, estas acciones que transcurren en simultáneo, se observan difusas e incluso contradictorias. Esta virtud reconocida, al menos en mi caso, me pone una dificultad adicional.

Sólidas actuaciones y una música maravillosa de Alexandre Desplat le entregan a “Little Women” un toque de belleza estética indiscutida. Sin embargo, a pesar de la gran cantidad de aciertos técnicos y narrativos, no logré conectar con la cinta. Algo me pasó que no pude empatizar con los personajes y aquello me llevó a verla como un espectador distante sin ser parte del relato. Es posible que los saltos temporales o lo confuso del primer tercio me produjeran cierta incomodidad que no logré superar hasta la recta final momento donde la novel directora imprime su mensaje para los tiempos actuales, basado en una historia que definitivamente es atemporal y que vive y revive cada vez que tenemos la oportunidad de acercarnos a ella.

Ficha técnica

Título original: Little Women
Año: 2019
Duración: 135 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Columbia Pictures / Sony Pictures Entertainment (SPE) / New Regency Pictures / Pascal Pictures / Regency Enterprises. Distribuida por Columbia Pictures
Género: Drama. Romance | Vida rural (Norteamérica). Familia. Siglo XIX
Guion: Greta Gerwig (Novela: Louisa May Alcott)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Yorick Le Saux
Reparto: Saoirse Ronan, Timothée Chalamet, Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, Laura Dern, Meryl Streep, James Norton, Louis Garrel, Bob Odenkirk, Chris Cooper, Tracy Letts, Abby Quinn, Sasha Frolova, Jamie Ghazarian, Hadley Robinson, Ken Holmes, David Arthur Sousa, Jayne Houdyshell, Jen Nikolaisen, Domenic Arduino, Tom Kemp, Mikayla S. Campbell, Edward Fletcher, Lilly Englert, Rob Lévesque, Kayla Caulfield, Cassidy Neal, Adam Desautels, Bill Salvatore, Dash Barber, Jason Mulcahy, Tom Stratford, Erin Rose, Lonnie Farmer, Robert Marsella, Bill Mootos, Yefim Somin, Adam Teper, Alexander Davis, Thomas J Berry, Scott Sederquist, Michael Cassata, Dave Maguire, Yair Koas, Brian Tobin
Dirección: Greta Gerwig

jueves, 16 de enero de 2020

Jojo Rabbit- Por Jackie O.

“Bailemos, ya que debemos demostrarle a dios que estamos agradecidos de estar vivos.”

Taika Waititi hace que nos riamos, pero no de los oscuros hechos que se conocen de esa época, sino de la estupidez nazi.

Sinopsis: “Jojo es un tímido niño de 10 años, pero muy fanático y estricto en su pensamiento hitleriano. Quien descubre que su madre oculta a una “monstruo judía” en su casa, y todos sus ideales nazis comienzan a caer de a poco”.

Una película más que una sátira hitleriana, creo que con su humor “crítico” quiere transmitir mensajes de temas tan importantes como la inocencia, los prejuicios, el amor, fraternidad y la bondad.

Primero que todo se lleva los plausos su protagonista, el pequeño JOJO interpretado carismáticamente por Roman Griffin Davis.

Un niño obsesionado con su ídolo Hitler, al punto de tenerlo como amigo imaginario, un niño que solo quiere servir a “la causa” de la forma que sea. Incluso participa activamente en un campamento tipo boy scouts pero más agresivo, llamado Jóvenes Alemanes de las Juventudes Hitlerianas, que lidera un muy divertido Sam Rockwell. Lugar que sirve para manipular a estas almas nobles e inocentes.

No solo reirás en esta película con situaciones jocosas, sino que nos enroscará el tema de los prejuicios.

Veremos cómo la inocencia de un niño y la calidez de su madre, hacen que el drama se presente. Una madre que no le impone nada a su hijo, que lo deja ser, que trata de enseñarle lo bello de la vida, sin dureza sino con amor.

Otro valor a destacar es la amistad que crece entre el fanático hitleriano Jojo con la chica judía. Ahí el pequeño Jojo verá como su fanatismo se pone a prueba, de cómo ella le enseña a ver un mundo desconocido para él. Un mundo que solo está en su cabeza.

El guion adaptado está genial y porque, porque de la novela “El cielo enjaulado”, una novela dramática, Waititi la transforma con sus situaciones cómicas y ridículas (sin dejar de lado momentos dramáticos).

Taika no solo dirige esta película, sino que participa ridiculizando a este Hitler, encarnándolo. Con un guion que no le interesa ser políticamente correcto, reservándose el papel de “raza aria” cuando no tiene el aspecto, agregándole que es de descendencia judía.

De esta forma trata la temática del racismo, un tema muy delicado y lo transforma en una comedia para grandes y chicos.

El vestuario está correcto, acorde a la historia. La puesta en escena está muy bien lograda. Su diseño de producción está bello.

Las actuaciones son muy destacables en su mayoría, por ejemplo Rebel Wilson encontré su personaje desaprovechado.

En que puede fallar, en que sus partes cómicas sean algo irregular que te pueden descolocar, ya que no sea en el momento adecuado para ello.

A pesar de ello, es muy buena película y recomendada.

“Mientras tanto voy a masticar unas uvas”.

Ficha técnica

Dirigido: Taika Waititi
Guión por Taika Waititi
Protagonistas: Roman Griffin Davis, Thomasin McKenzie, Taika Waititi, Rebel Wilson, Stephen Merchant, Alfie Allen, Sam Rockwell, Scarlett Johansson
Musica: Michael Giacchino
Cinematografía: Mihai Mălaimare Jr.

Mujercitas - Por Juan Pablo Donoso

Excelente y hermosa. Lejos de ser feminista, deja un hondo sentimiento de ternura y admiración por las mujeres.

La novela de Luisa May Alcott (1832 - 1888) junto con ser un clásico de la literatura estadounidense, ha sido un éxito rotundo cada vez que lo han llevado al cine. Desde la muda de 1917 hasta hoy se han filmado 7 versiones, sin incluir las más de 10 teleseries; y siempre espléndidas.

La magia de su autora ilumina también cada película. Y todas han recibido un tratamiento narrativo distinto. Más, al parecer, el carisma de sus personajes se encarga de conmovernos de todas maneras.

Su directora y guionista, Greta Gerwig (Lady Bird 2017), debió ser nominada al Oscar por su manejo de actores, su sintaxis audiovisual (perfecta combinación de vistas panorámicas con primero planos) y por abordar una novela tan conocida de manera tan diferente, fresca, entendible, y desbordante de emoción.

La historia se nos cuenta saltando en los tiempos. Así compenetramos las contingencias más íntimas de sus personajes. Las escenas del futuro explican las angustias del pasado. Y las pretéritas hacen más sensibles las posteriores. Lo que pudo ser confuso se torna - gracias al genial tejido del guion - en un fluir similar a la memoria en que las criaturas van cautivándonos cada vez más.

La joven escritora Jo March luchará por ser una buena escritora en pleno siglo 19, volcando en sus obras la condición de su familia: un padre ausente luchando en la Guerra Civil, y una madre generosa, y pobre, a cargo de mantener a sus 4 hijas adolescentes.

Fabulosa recreación de época tanto en exteriores (calles, edificios y paisajes) como en interiores de diversos niveles sociales y económicos. Prolija selección de decorados, utilería, vestuarios y caracterizaciones, en especial de los personajes masculinos (Mr. Laurence - Chris Cooper (Agosto 2013 y Belleza Americana 1999) y Timothee Chalamet como "Laurie" (Beautiful Boy 2018).

Las actrices se ven embebidas en sus personajes. Interactúan con exquisita espontaneidad. Las 2,15 hrs. pasan volando por la belleza y sutil pulso narrativo de cada etapa.

Hay en el personaje de Jo March mucho de autobiográfico. Lo interpreta Saoirse Ronan (Brooklyn 2015) con fluida honestidad. Cada hija, muchacho y adulto fue encarnado por actores tan carismáticos como Emma Watson (Harry Potter), Florence Pugh (Midsommar 2018), e incluyendo entre otros a Meryl Streep como la sarcástica tía decimonónica.

La adaptación capta perfecto el espíritu del libro. Por carecer de sentimentalismo fácil, sin duda, Alcott lo habría ensalzado como fiel a su propósito.


Será difícil que algún espectador abandone la sala sin haberse conmovido con una obra tan noble, bella y talentosa.

UNA VEZ MÁS ESTAS MUJERCITAS CLÁSICAS DESBORDAN TALENTO, BELLEZA Y EMOCIÓN. CANDIDATA A VARIOS OSCARES.

Ficha técnica


Título Original: Little Women 
Drama familiar, romance EE.UU. - 2,15 hrs. Sony - Andes Films 
Fotografía: Yorick Le Saux 
Edición: Nick Houy 
Música: Alexandre Desplat 
Diseño Prod.: Jess Gonchor 
Actores: Saoirse Ronan, Emma Watson, Florence Pugh 
Guionista y Directora: Greta Gerwig

Dolittle - Por Juan Pablo Donoso

Quienes crean que sólo es para niños chicos se llevarán una grata sorpresa.

Es un cuento de hadas muy bien tramado, gracioso y con excelentes efectos especiales.

Una delicia para los que aman y sienten que se comunican con los animales.

El primer Doctor Dolittle fue un clásico de 1965. Dirigida por Richard Fleischer y protagonizada por Rex Harrison con Samantha Egar y otras estrellas de la época.

Las secuelas con Eddie Murphy fueron decayendo hasta parecer que la veta se había secado.

Pero un buen guion, un elevado presupuesto y nuevas estrellas lograron resucitarlo con encanto.

Cuando la Reina Victoria (Jessie Buckley - Judy 2019 - Taboo 2017) se enferma de gravedad, la pequeña Princesa Rose (Carmel Laniado) decide visitar al ermitaño Dr. Dolittle para que consiga un remedio mágico que salve a la soberana.

Junto a un joven amiguito amante de los animales llamado Tommy Stubbins (Harry Collett -Dunkerque - 2015) irrumpirán en la clausurada mansión del veterinario Dolittle para convencerlo de salvar a la reina.

El médico (Robert Downey Jr.) - que vivía rodeado de diversos animales con los cuales conversaba de igual a igual - acepta y emprenden todos juntos la aventura por los mares en busca del Árbol del Edén.

En su travesía llegan a la isla gobernada por el feroz pirata Rassouli (Antonio Banderas) quien, por coincidencia, era el padre de Lily, la esposa fallecida de Dolittle, y por quien el galeno se había marginado del mundo.

Vendrán muchas y graciosas aventuras en que participan todos los animales del grupo, cada cual con su propio talento. Llegarán por fin a la isla mágica del Árbol del Edén, y ya en posesión del fruto volverán a Inglaterra para salvar a la Reina. Aunque en el mismo palacio real hallarán nuevos obstáculos.

Ritmo muy ágil, personajes simpáticos, fabulosos efectos especiales para dar vida y lenguaje a todos esos animales (422 técnicos aprox.) y una sucesión de peripecias con hermosa fotografía y muy grata música incidental.

En la versión de habla inglesa muchos astros y actrices importantes dieron voz a cada animal (Tom Holland, Marion Cotillard, Emma Thompson y Ralph Fiennes, y muchos más).

Y entre los actores secundarios se lucen Michael Sheen como el celoso Dr. Blair, y Jim Broadbent como el flemático Primer Ministro de la Reina, hábilmente dirigidos por Stephen Gaghan (El poder de la ambición 2015 - Syriana 2005).

UNA BRILLANTE COMEDIA DE AVENTURAS, LLENA DE HUMOR Y SIMPATÍA. RECOMENDABLE PARA TODA LA FAMILIA.

Ficha técnica

Aventuras, comedia, familiar Andes Films -Universal EE.UU. - 1,46 hrs. 
Fotografía: Guillermo Navarro 
Edición: Craig Alpert 
Música: Danny Elfman 
Diseño Prod.: Dominic Watkins 
Guionistas: Stephen Gaghan, Dan Gregor 
Actores: Robert Downey Jr., Antonio Banderas, Michael Sheen 
Director: Stephen Gaghan

miércoles, 15 de enero de 2020

War of Art - Por Jackie O.

“Una Guerra cultura, donde quien muere o vive es el ego”

SINOPSIS: Mientras el mundo está al borde de la guerra, un grupo de artistas contemporáneos occidentales están invitados al ojo de la tormenta: Corea del Norte. Este elenco de personajes coloridos invade el país notoriamente clandestino y sombrío, y mientras llegan en busca de un intercambio cultural pacífico, su proyecto bien puede convertirse en una Guerra de Arte.

La palabra guerra suena muy fuerte, pero no se trata de esa guerra con muertos o heridos. Salvo heridas de ego, que sí se verán en este documental.

Tenemos a siete artistas que deciden internarse en la actual Corea del Norte para un intercambio cultural pacífico, pero esta experiencia dará paso a una guerra por el arte entre visitantes y anfitriones.

Es una experiencia que los llena de ilusión, y con mucho entusiasmo estos visitantes exponen su trabajo viéndose algunos frustrados al no ser comprendidos.

Conoceremos a unos extravagantes, bizarros, originales y entusiastas artistas, en sus respectivas áreas de trabajo que mostrarán en este estricto régimen que es Corea del Norte.

¿Pero cómo tomarán los trabajos con sangre de uno de ellos, o la mezcla de sonidos de naturaleza de otro? Choque de culturas, choque de egos.

Tratada de una manera humana, muestra las diferencias de opiniones, sus trabajos y la pasión que los mueve a desarrollarlas. Con las frustraciones y las alegrías propias de un ser humano, y en este caso de “artistas”.

El documental es dinámico, y es otra manera de conocer áreas de trabajo en este amplio mundo de las artes.

War of Art, la puedes ver en sala K este viernes 17, y en Matucana 100 el domingo 19.

Ficha técnica

Dart Festival
2019 ‧ Documental ‧ 1h 42m
Director: Tommy Gulliksen
Cinematografía: Sven Erling Brusletto
Editor: Uwe Klimmeck
Productores: Andreas Gutzeit, Linn Aronsen, Eirin Høgetveit, Benedicte Danielsen
País: Noruega, Alemania