21/2/20

La casa - Por José Blanco Jiménez

La casa existe verdaderamente y está ubicada en la comuna de Quinta Normal de la Región Metropolitana de Chile. Se le conoce como la Casona Dubois y constituye una leyenda urbana que incluye brujería, un infanticidio y un suicidio.

Bastan estos hechos para montar una película de terror, pero Jorge Olguín ha querido agregar un elemento más, que – naturalmente – no diré para mantener el suspenso.

Este joven director chileno (1972) es el principal representante del género en nuestro país y ya ha sorprendido al público con obras como Ángel negro (2000), Sangre eterna (2002), Solos(2008), Caleuche: El llamado del Mar (2012) y Gritos del bosque (2014).

Otros han probado y conseguido buenos resultados como Diego González-Durney con El Ejército de los Helechos (2011), Guillermo Amoedo con La maldición (2014) y José Miguel Zúñiga con Contra el Demonio (2018). Todas comentadas por mí y consultables en el Archivo Virtual de www.candilejas.cl.

La acción nuclear se desarrolla en tiempo real. Corre el año 1980 (durante la dictadura cívico-militar) y un suboficial de carabineros (Gabriel Cañas) entra de noche a la casa, por una razón que resulta un poco imprecisa casi hasta el final. La cámara lo sigue de manera incansable mientras a su alrededor se producen fenómenos paranormales.

Es imposible no efectuar un análisis de transtextualidad. Olguín reconoce que sus maestros son Alfred Hitchcock y John Carpenter. Sin embargo, el trabajo de cámara me trae a la memoria Rec (de Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2007) y el ambiente claustrofóbico es el mismo de Enterrado (del gallego Rodrigo Cortés, Buried, 2010), que recuerda claramente a Ryan Reynolds cuando el protagonista se alumbra con el pequeño encendedor.

Para dar mayor credibilidad a los acontecimientos, se muestran algunas grabaciones de la televisión abierta, participa un especialista y se registran fenómenos extraños mientras se graba el making of.

Un párrafo aparte lo merece la música, que apoya con acierto al relato.

(La casa. Chile, 2019)

20/2/20

Una guerra brillante - Por Jackie O.

“Que se haga la luz” 

La guerra de las corrientes (o batalla de las corrientes) fue una serie de eventos de una pugna motivada por la introducción de los sistemas de transmisión de energía eléctrica en los EEUU, librada entre finales de la década de 1880 y el comienzo de la década de 1890. Desencadenando un debate público sobre la seguridad eléctrica, acompañado de campañas de propaganda en los medios de comunicación.

Los sistemas de corriente continua (CC) de la Compañía Edison y de corriente alterna (CA) de la Westinghouse Electric, con sus respectivas ventajas e inconvenientes, se convirtieron en los protagonistas del enfrentamiento entre empresas.

Así como el episodio donde se enfrentó a Westinghouse, Edison y Tesla en una lucha por conseguir las licitaciones e iluminar el territorio de Estados Unidos.

Su director Alfonso Gomez-Rejon tiene más experiencia en series de televisión que en películas, por lo que para ser novato en el cine, y de los conocidos problemas que el Director tuvo que enfrentar para poder lanzar esta película rehaciendo escenas, montando otras, etc. se puede decir que es satisfactorio este trabajo.

(Harvey Weinstein estuvo en la producción al comienzo y hubo que eliminar su huella).

Esta cinta está bien ambientada, donde vemos enfrentarse en una dura disputa a Thomas Alva Edison (interpretado por Benedic Cumberbatch) y George Westinghouse (interpretado por Michael Shannon). Mostrándonos a un Edison egocéntrico, arrogante, padre y esposo algo alejado, y aun Westinghouse a quien no le molestaba mostrar su poder adquisitivo, y ser más humano que su contrincante.

Aparte de los actores nombrados la película cuenta con un destacado elenco, quienes se preocupan de dar todo para que la cinta vaya desarrollando esta problemática de luces.

Se destaca lo extraordinario de su música compuesta por Dustin O'Halloran y Hauschka, quienes nos trasporta a la época y los momentos vividos. Muy acorde.

La fotografía de Chung Chung-Hoon es maravillosa, pasando de la oscuridad a la luz y viceversa, tanto en electricidad como en los pasajes de sus vidas.

El vestuario es acorde a la época y se luce muy bien.

Pero el guion resulta en algunos momentos tedioso, algo desigual en su ritmo narrativo.

Aun así, el tema es muy interesante ya que nos muestra algo más de la historia que debemos saber.

Ficha técnica

Nombre original: The Current War
Duración: 107 minutos
Director: Alfonso Gomez-Rejon
Producción: Timur Bekmambetov y Basil Iwanyk
Guion: Michael Mitnick
Montaje: David Trachtenberg y Justin Krohn
Protagonistas: Benedict Cumberbatch, Michael Shannon, Nicholas Hoult, Katherine Waterston, Tom Holland, Tuppence Middleton, Matthew Macfadyen, Damien Molony, otros.

Prometo volver - Por José Blanco Jiménez

Eva Green, nacida en París en 1980 e hija de Marlène Jobert, es por sobre todo una hermosa mujer. Debutó, con su belleza procaz, en The Dreamers de Bernardo Bertolucci (2003) y después – entre muchas otras películas - ha sido chica Bond en Casino Royale (de Martin Campbell, 2006), ha estado en Sin City: A dame to Kill For (de Frank Miller y Robert Rodriguez, 2014), en Basada en hechos reales (D’après une histoire vraie, de Roman Polanski, 2017) y Dumbo (de Tim Burton, 2019). Además es la Miss Peregrine de una nueva saga.

En esta película, cuyo título original es Proxima (o sea el nombre de la misión), la directora – también francesa – Alice Winocour, se plantea el tema de la separación de los seres queridos por necesidades de la profesión.

Ya se ha visto en otras películas, pero ésta recarga las tintas en la relación entre Sarah, la madre y Stella, la hija (Zélie Boulant). Separada del padre de la niña, deberá ahora alejarse de ella con plena conciencia de que tal vez no regresará. De allí el alcance del título en Latinoamérica (en España prefirieron Próxima) y la promesa que tratará de volver.

Es verdad que al participar en la empresa se incoporará a la Historia. Pero, ¿vale realmente la pena? ¿Cuál ha sido el destino de los astronautas que han vuelto de las misiones? A fin de cuentas, ¿qué es la Historia en los segundos que vivimos de la Eternidad?

Visto desde fuera, anoto sólo algunas de las pruebas de supervivencia a las que será sometida: un viaje de 6 a 7 meses en un ambiente minúsculo, que aumentará un poco su tamaño si es que los viajeros logran llegar a Marte y construir una base, el peligro de una crisis depresiva provocada por el tedio que lleve a la desmotivación, la posibilidad de quedarse allí para siempre. Un detalle: Sarah quiere conservar su ciclo menstrual y por ello en su equipaje se incluyen absorbentes. Es obvio que será su prueba de vida.

El puntito que desaparece en el cielo equivale al casco de la nave que desaparecía en el océano cuando partía una expedición transatlántica. El dolor es el de los que se quedan. Y la esperanza de volver a verse es la misma que tiene el creyente cuando se enfrenta a esa separación que alguna vez habrá que encarar: la muerte.

(Proxima. Francia / Alemania, 2019)

19/2/20

Prometo Volver - Por Carlos Correa

Esta película de Alice Winocour narra la historia de Sarah -Eva Green-, una astronauta francesa que entrena para una importante misión. Se trata de un viaje al espacio como preparación para el exigente objetivo de llegar a Marte. Tanto la fase previa en tierra como el viaje propiamente tal, ocupan extensos períodos de tiempo. Para Sarah la exigencia es enorme, tanto físicamente como emocionalmente. Ella vive sola con su hija Stella, de 7 años e indudablemente las decisiones de Sarah impactan en la vida de ambas y tensionan la relación madre-hija.

El guion de Jean-Stéphane Bron y Alice Winocour describe muy bien los sentimientos que tiene la protagonista. Siente culpa al optar por su trabajo postergando con ello a su hija. También siente el orgullo de ser la única mujer en una tripulación masculina y en un entorno evidentemente machista. Su deseo de estar a la par se enfrenta con la vulnerabilidad de su situación de vida. La responsabilidad de cuidar a su hija pequeña es una carga que no consigue alivio. Incluso el compromiso y ayuda de su ex pareja parece insuficiente a la luz de las altísimas exigencias que tiene Sarah como madre.

“Proxima”, su titulo original, muestra el vínculo familiar de una madre con su hija. La reflexión surge espontáneamente porque es difícil ponerse en el lugar de Sarah. La cinta logra visualizar el conflicto aunque con dificultades pues, a pesar que el dilema está presente, la opción de la protagonista es clara desde un comienzo.

La cinta también funciona un homenaje a muchas mujeres astronautas, describiendo los sacrificios que deben hacer, mostrando los programas de entrenamiento que llevan al límite sus capacidades y sobre todo poniendo en relieve la relación con sus familias y seres queridos. Este último punto es el que la cinta observa con mayor atención pues, independiente de las enormes exigencias físicas que la protagonista debe superar, lo más importante y trascendente sin duda es el vínculo familiar, emocional y afectivo con Stella.

Ficha técnica

Título original: Proxima
Año: 2019
Duración: 107 minutos
País: Francia
Productora: Dharamsala / Pandora Film
Género: Drama. Acción | Aventura espacial. Familia
Guion: Jean-Stéphane Bron, Alice Winocour
Fotografía: Georges Lechaptois
Reparto: Eva Green, Matt Dillon, Lars Eidinger, Sandra Hüller, Jan Oliver Schroeder, Nancy Tate, Marc Fischer, Zélie Boulant, Alexey Fateev, Vitaly Jay, Birger Frehse
Dirección: Alice Winocour

Prometo Volver - Por Alejandro Caro

Prometo volver, es una producción franco-alemán. Drama, protagonizado por Eva Green, en el rol de Sarah, una astronauta y madre que vive sola con su hija (Stella de 7 años), ella lucha con su compromiso de criar a su hija, mientras, se somete a un agotador entrenamiento físico durante un año para hacer un viaje a la Estación Espacial Internacional. Cuando Sarah se une a una tripulación masculina, interpretada por Matt Dillon, Lars Eidinger y Aleksey Fateev, Sarah trata de demostrar su valía frente al machismo, mientras sostiene íntimamente sentimientos de culpa por la separación de su hija, como, por no cumplir sus compromisos maternos.

Este drama dirigido por Alice Winocour, coloca de manera directa y cruda una realidad, propia de nuestros tiempos modernos donde los padres deben optar por sus trabajos, cada vez más exigentes, muchas veces lejos de casa perdiendo por lo tanto, en muchas ocasiones la vida familiar.

Aquí, voy a para frasear al filósofo surcoreano Byung- Chul Han, donde plantea que el trabajo de esta sociedad de consumo nos lleva a auto-exigirnos y auto- explotarnos, más allá de lo que podemos, casi sin cuestionar lo que hacemos.

Interesante film para preguntarnos sobre el sentido que tiene lo hacemos. Si nos hacemos esa interrogante, nos estamos preguntando por lo esencial de nuestra vida. Lo importante, es hacerse la PREGUNTA; y ese será el comienzo para un encuentro, con lo más profundo de nosotros mismos, nuestra espiritualidad.

Este film, nos puede hacer caer en la cuenta, donde tenemos nuestras prioridades y sentidos en nuestra vida.

Ficha técnica

Titulo original: Próxima
Dirección: Alice Winecour
Reparto: Eva Green, Matt Dillon, Lars Eidinger y Aleksey
Fateev
Género: Drama
País: Francia, Alemania
Duración: 107 minutos
Premios: Obtuvo un premio especial del Jurado en el Festival de San Sebastián el año 2019.

18/2/20

Una vida oculta - Por Carlos Correa

Franz Jägerstätter -August Diehl- vive con esposa Franziska -Valerie Pachner- y sus tres hijas en una granja en las montañas de Sankt Radegund, Austria. Su rutina es ardua y la vez encantadora. El cuidado de sus animales, la siembra, la cosecha, los juegos y reuniones en el pueblo, son parte de las actividades de esta abnegada familia campesina. Corre el año 1938 y las tropas de Hitler entran en Austria y todo gira en 180 grados. Se respira el nazismo y el reclutamiento para la confrontación es inminente. Pero Franz se niega a prestar juramento a Hitler. Es un objetor de conciencia que rechaza combatir para la alemania nazi por lo que es encarcelado en Linz y después en Berlín.

El director Terrence Malick filma un guion de su autoría de una manera muy particular. Construye un sensible homenaje a la consecuencia, a los valores y a la familia en base a la firme convicción de su protagonista. El relato es extenso y Malick se toma bastante tiempo para componerlo. Los paisajes son preciosos, la fotografía de Jörg Widmer es de gran belleza y la cámara del director pone acento en ello con lentes de gran ángulo que entregan una perspectiva amplia y magnífica. La banda sonora y las composiciones de James Newton Howard coronan un trabajo estético de primer nivel que resulta fuertemente conmovedor.

La tensión en la historia es un hilo interno que la recorre de forma permanente. Sabemos que esa vida apacible en esos parajes no es para siempre. Percibimos algo de lo que vendrá, lo suponemos, lo imaginamos. Malick se encarga de entregarnos elementos que se reiteran una y otra vez. Por eso es que las secuencias se sienten repetidas y en ocasiones parecen aportar poco al desarrollo del metraje.

El tiempo que el director decide entregar al desarrollo de la historia es extenso, son 180 minutos que se sienten. Pueden parecer excesivos tomando en cuenta que muchas secuencias podrían abreviarse para entregar mayor profundidad a otros personajes y también en beneficio de duración del filme. Malick justifica la extensión por la calidad de la filmación, sin embargo no debemos olvidar que el foco del relato es la vida y el acto objetor de Franz Jägerstätter y no un precioso documental de la vida campesina en la alta montaña.

El testimonio de Jägerstätter es ejemplar y está lleno de una vitalidad interior indescriptible. Estamos hablando de decisiones que tienen un componente moral y ético que es tremendamente complejo y que en este caso no solo lo involucra a él sino que a toda su familia. El inconmensurable amor de su esposa junto con su temple y su enorme fe cristiana, es probablemente lo que permite a Franz mantener su decisión a pesar de todas las salidas y opciones propuestas.

“Una vida oculta” es una historia potente, un drama que exuda humanidad, valentía, fe y esperanza. Malick nos relata valores y nos entrega elementos para la discusión, rodeado de entornos significativos que no nos dejan indiferentes. Solo debemos cuidar tener tiempo para verla sin apuro y permitir sorprendernos a pesar de las reiteraciones. La historia de Franz Jägerstätter, nos permite contemplar un sentido tributo a un hombre que, sin medir consecuencias, se mantuvo siempre firme en sus convicciones.

Ficha técnica

Título original: A Hidden Life
Año: 2019
Duración: 180 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Alemania; Studio Babelsberg / Medienboard Berlin-Brandenburg
Género: Drama | Basado en hechos reales. II Guerra Mundial. Biográfico. Nazismo. Años 30. Años 40
Guion: Terrence Malick
Música: James Newton Howard
Fotografía: Jörg Widmer
Reparto: August Diehl, Matthias Schoenaerts, Valerie Pachner, Michael Nyqvist, Jürgen Prochnow, Bruno Ganz, Martin Wuttke, Karl Markovics, Franz Rogowski, Tobias Moretti, Florian Schwienbacher
Dirección: Terrence Malick

Gretel y Hansel - Por José Blanco Jiménez

Los Hermanos Jacob Ludwig y Wilhelm Karl Grimm, entre los años 1812 y 1822, recogieron una serie de relatos tradicionales de un país en formación, que estaba dividido en centenares de principados y pequeñas naciones. Los unía sólo la lengua y el legado cultural de esas historias, que no se contaban a los niños sino que se compartían junto al fogón en las noches. Y el Romanticismo buscaba una identidad de los pueblos europeos sacudiéndose de encima el peso de la herencia romana.

Muchos de esos cuentos están basados en sucesos reales y es posible que el de Hansel y Gretel se haya generado por un crimen: dos niños asesinaron a una anciana; después se creó la tradición de la bruja y de la casita de chocolate.

Es probable, porque antropológicamente se repiten temores ancestrales del hombre occidental: el miedo a ser abandonados, el abuso por parte de los padres, la iniciación sexual prematura, la necesidad generada por el hambre.

No soy un spoiler, porque el relato es conocido por todos y ha sido llevado a la pantalla con personajes reales, muñecos y dibujos animados. Incluso hay una versión en plan de aventuras. Me refiero a Hansel y Gretel: cazadores de brujas (Hansel & Gretel: Witch Hunters, de Tommy Wirkola, 2013), con Jeremy Renner y Gemma Atherton.

Lo diferente en esta versión es que los niños no son abandonados en el bosque, sino que echados por su madre (el padre no existe), porque no tiene con qué alimentarlos. Gretel busca trabajo y se da cuenta que tendrá que transformase en prostituta. Parte con su hermano (como verdadera protagonista está primero en el título) y llegan a la cabaña de un leñador, que los ayuda. Después irán a la casa de la bruja. Entre paréntesis, la ambientación me recuerda la excelente The Witch(de Robert Eggers, 2015).

El resto es conocido, sólo que aquí se enfrenta el contraste entre los que tienen y los que no tienen (en un momento Gretel señala que el obispo se lleva las cosechas) y se declara que la abundancia nunca es buena y es sospechosa.

Hay que verla para juzgar. Y si el rostro de Gretel les resulta conocido, no duden. ¡Sí! Es ella: Sophia Lillis, que interpreta a la Beverly Mash de It (de Andy Muschietti, 2019).

(Gretel and Hansel. USA, 2020)

Ciudad maldita - Por José Blanco Jiménez

Un título en común para tres cortometrajes que, más que temáticas de horror, tocan situaciones inquietantes. A pesar de que se trata de temáticas muy diferentes, creo haber encontrado un denominador común que justifique su antologización: la gran urbe al estilo occidental deshumaniza.

Una ciudad pletórica de avisos luminosos, tráfico automovilístico y negocios repletos de clientes esconde – como en Parasite (de Bong Joon-ho) - callejones sombríos con viviendas modestas. En una de éstas se ha producido una posesión demoníaca - como la que se presentó en Los rostros del diablo (Byeonshin / Metamorphosis, de Hong-seon Kim, 2019) – y deben practicar un exorcismo un sacerdote católico y un diácono, que es el doceavo del título en castellano.

Tengo entendido que ya existe una versión extensa de esta película y debería ser estrenada a futuro. La dirige Jang Jae-Hyun y es convincente sobre todo en lo que a la acción del demonio se refiere, puesto que éste actúa incrementando los miedos de los exorcistas. Y ésa es la principal razón por qué tantos diáconos han fracasado.

El segundo relato apunta hacia una afición nacida y desarrollada en Occidente: los videojuegos. Lo dirige Cho Seung-Yeon y se intitula Títere. Se centra en los recuerdos de un niño, que vivía en función de ellos y que podía jugar sin dinero, porque le ayudaba un amigo que, por medio de la telequinesis, hacía funcionar las máquinas. Su padre era muy agresivo y le temía. Hasta que un grupo de asesinos vino a buscarlo.

El tercero y último se refiere al bullying escolar, que un grupo de desalmados practican por diversión contra un pobre muchacho huérfano, que fue parido durante las celebraciones del Nuevo Milenio (occidental) en plena calle. Es un M.Boy (como dice el título del director Kim Hyo-Jeong. Vive solo y lo acompaña una mantis religiosa, insecto singular, que – según los entomólogos – mira en vez de ver y la hembra se nutre del macho después del acoplamiento. Así como espera inmóvil y se mimetiza con el entorno, ataca de sorpresa y de forma veloz. El único consuelo del joven es una compañera de curso de la que también se burlan los agresores. Sam Peckinpah propuso alguna vez Perros de paja (Strawdogs, 1971), justificando la Guerra de Vietnam. Aquí la naturaleza se defiende, mientras la violencia se difunde por celular.

(El Doceavo Diácono / Geomeun Sajedeul / The Priests, Corea del Sur, 2015)

14/2/20

El aro - Capítulo final - Por José Blanco Jiménez

En una entrevista, Hideo Nakata (nacido el 19 de julio de 1961) reconoció que hace varios años le ofrecieron dirigir una película basada en una novela escrita por Kôji Suzuki, relacionada con Sadako y él se negó. Al decidirse ahora a hacerlo tuvo que asumir los inconvenientes que ello planteaba: ya no existe el VHS, el teléfono fijo se usa cada vez menos, filmar obscuridad con tecnología digital es cada vez más complicado. Además, ya ha presentado cuatro veces a Sadako que sale del pozo y de la pantalla de televisión. A este punto, no repetirse es difícil: por ello tuvo que cambiar perspectiva y ángulo.

En esta oportunidad, la protagonista es Mayu Akigawa (Elaiza Ikeda), una psicóloga que se encuentra involucrada en una delicada situación, porque desaparece su hermano Kazuma, que trabaja como youtuber. Lo encontrará en un lugar legendario, mientras que una niña amnésica – que dice llamarse precisamente Sadako – ingresa al hospital donde ella trabaja, mientras es vigilada por la policía.

El mismo Nakata aporta algunas claves de lectura de su serie de películas, que inició con Ringu (1998). En primer lugar, el mundo shinto está unido a lo telúrico y aporta el temor a la muerte, que origina la duda y la religión. Después, la imagen del fantasma con largos cabellos negros, que flota vestido blanco, es el de la Yuki-onna (“la mujer de la nieve”), proveniente de la época Edo o Tokugawa (1603-1868) anterior al restablecimiento del período imperial. Además, un cuento tradicional japonés relata que una sirvienta, acusada de romper un plato de gran valor, se suicidó lanzándose a un pozo y desde éste se aparece por las noches en el castillo.

En la primera película, siguiendo la tradición japonesa, Sadako – con su absoluto silencio y aspecto apacible – era una amenaza muy real, que después cambió con los módulos occidentales en The Grudge y el cine de terror coreano. También los japoneses han cambiado y se advierte en el éxito de It o la introducción de la fiesta de Halloween. El horror de esta película consiste en mezclar a un fantasma antiguo con el nuevo mundo del Youtube. O que no quita que el fantasma pueda seguir acosando en el hogar y en el lugar de trabajo.

(Sadako. Japón, 2019)

13/2/20

Venezia - Por Juan Pablo Donoso

Bella forma de narrar una tragedia inevitable.

Sofía y Carlos, pareja argentina, llegan en luna de miel a un hotel de Venecia. Cuando ella sale del baño encuentra a su esposo muerto en la cama por un ataque al corazón. Deberá esperar 48 horas legales antes de regresar a su país con el cadáver. En su desazón, comienza a vagar por Venecia durante el día y toda la noche.

¿Qué siente, y qué puede hacer una mujer recién viuda, sola, en un país del cual desconoce el idioma, esperando que le entreguen el cuerpo de su marido? Mientras la acompañamos, nos transmite – sólo con el rostro – sus emociones, sentimientos e ideas confusas sobre su condición. Paula Lussi acomete el desafío con grata mesura, sin exagerar. Antes sólo había actuado en cortos argentinos. Con este trabajo se revela como nuevo talento cinematográfico.

Estupendo trabajo de todo el equipo: director de fotografía Gustavo Tejeda, y del guionista y director Rodrigo Guerrero. Casi siempre con cámara en mano acompañamos a esta viuda joven, adolorida y desconcertada por las calles, puentes, canales, plazas y callejones de esa legendaria ciudad italiana tan llena de belleza y sorprendentes rincones. Una Venecia nocturna, llena de turistas y transeúntes ajenos al dolor de Sofía, los amaneceres, y la generosidad de personas, en especial mujeres, que cobijan a nuestra víctima como si fuese una antigua familiar. En los cafés y bares tampoco estará libre del asedio de hombres también solitarios en busca de alguna aventura fugaz. El discurso narrativo lleva un ritmo pausado donde las principales sorpresas son los recovecos y paisajes de la ciudad.

Y cuando ya se acerca el momento en que Sofía debe abordar el avión junto al ataúd de su marido, sobreviene un giro inesperado y valiente para culminar este doloroso trayecto emocional.

HERMOSO FILME, REALIZADO CON INTELIGENCIA Y COMPASIÓN. MUY RECOMENDABLE

Ficha técnica


Drama Argentina, Francia, Italia – 1,10 hrs. 
Fotografía: Gustavo Tejeda 
Actores: Paula Lussi, Margheritta Mannino 
Guionista y Director: Rodrigo Guerrero 
Cine-Arte Gaumont – Buenos Aires

Hogar - Por Juan Pablo Donoso

Este relato, tan visceralmente femenino, tiene dos títulos oficiales: Hogar y/o Maternal. Y ambos expresan el tema de la historia.

Ocurre en un Hogar de acogida argentino para madres solteras, regido por una congregación de monjas.

Allí, las jóvenes internas realizan trabajos manuales, y a la vez pueden criar a sus hijos pequeños.

Durante la primera mitad pareciera que nada importante ocurre. Sólo interacciones cotidianas de mujeres que, para obtener los beneficios, deben permanecer internas y obedecer las reglas básicas de convivencia.

Poco antes de jurar sus votos perpetuos, llega desde Italia una joven novicia -Sor Paula - a radicarse y colaborar con los quehaceres de la institución benéfica.

Con el correr de los días se irá familiarizando con las madres y, especialmente, con los niños.

Para Luciana, una de las internas, el encierro resulta insoportable. Aunque tiene una hijita de 5 años llamada Nina, sus instintos de rebeldía y libertinaje la impulsan a escapar varias veces del Hogar. Durante sus ausencias, y rabietas, la pequeña encuentra consuelo en la calidez acogedora de la joven novicia. Se crea entre ambas un poderoso vínculo afectivo.

Cuando llega el momento en que Sor Paula debe oficializar sus votos monacales, surge en ella el dilema entre su vocación religiosa y sus instintos maternales hacia la pequeñita cuya madre pareciera haberla abandonado.

Serán las circunstancias, las leyes y las convenciones sociales las que zanjen el destino de la monja, de la madre díscola, y el futuro de la pequeña Nina.

ESCRITA Y REALIZADA CON EL CORAZÓN, EL ÚTERO, Y UNA EXQUISITA SENSIBILIDAD ARTÍSTICA.

Ficha técnica


Drama, maternidad 
Italia, Argentina – 1, 31 hrs. 
Fotografía: Soledad Rodríguez 
Edición: Ilaria Fraioli, Luca Mattei 
Diseño Prod.: Yamila Fontan 
Actrices: Liiya Liberman, Denise Carrizo, Agustina Malale 
Guionista y Directora: Maura Delpero
Cine-Arte Gaumont, Buenos Aires

Nueva York sin salida - Por Carlos Correa

Medianoche en Manhattan. Un robo sale mal. El enfrentamiento entre los dos jóvenes asaltantes y la policía arroja un saldo de ocho oficiales muertos. El escape es complejo y el operativo que se monta, implacable. El tiempo apremia. En contra de los fugitivos y también en contra de quienes los persiguen.

Andre Davis -Chadwick Boseman- es quien lidera el procedimiento. Davis es hijo de un policía asesinado en acto de servicio por lo que conoce muy bien las reacciones cuando mueren uniformados. Como detective debe sobreponerse y hacer lo posible para atrapar vivos a los responsables. Pero el reloj corre. Se decreta el cierre de los 21 accesos que tiene la isla de Manhattan -“21 Bridges” es el título original de la película- para cercar a los fugitivos. Se conocen detalles del robo, las identidades de los prófugos y también suceden situaciones confunden todo. Andre Davis debe apurarse, el tiempo avanza. Todo es vértigo, adrenalina y suspenso.

Con una trama previsible pero entretenida, el guion de Matthew Carnahan y Adam Mervis funciona bien. Con un tour nocturno por un oscuro Manhattan como telón de fondo, la cinta gira en torno al robo y a la persecución policial sin dejar de lado el aspecto humano del detective y la actitud de los oficiales desplegados por toda la ciudad. Por cierto es un robo de droga y donde la hay, también se encuentra la corrupción, que aparece como un ingrediente adicional y altamente fundamental para el desarrollo de la historia.

Me gustan las películas así. Cuando tienen las dosis justas de acción más una trama entretenida que incluye giros, estas cintas aunque sean “de manual”, funcionan cuando están bien hechas. Y no se pide más. Que cumplan con lo que prometen, que entretengan y que por obvias que sean, dejen algún gusto a sorpresa. Brian Kirk y su equipo lo logran gracias a actuaciones convincentes y a un excelente trabajo de fotografía de Paul Cameron. Si puede verla en el cine, mejor. Si no, podrá ser un buen panorama para una tarde de otoño-invierno frente a la TV.

Ficha técnica

Título original: 21 Bridges
Año: 2019
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Productora: AGBO. Distribuida por Film & TV House / GEM Entertainment / STX Entertainment
Género: Thriller. Drama. Acción | Crimen. Policíaco
Guion: Matthew Carnahan, Adam Mervis
Música: Alex Belcher, Henry Jackman
Fotografía: Paul Cameron
Reparto: Chadwick Boseman, Sienna Miller, Taylor Kitsch, J.K. Simmons, Stephan James, Keith David, Victoria Cartagena, Gary Carr, Shayna Ryan, Toby Hemingway, Dale Pavinski, Louis Cancelmi, Christian Isaiah, Morocco Omari, Katie McClellan, Jamaal Burcher, Adam Desautels, Lucky Harmon, Kevin D. Benton, Suzette Gunn, Wesley Green, Gina Destra, Jamie Neumann
Dirección: Brian Kirk

Sonic - Por Carlos Correa

Lo reconozco. No tenía expectativas para esta película y la verdad es que la cinta resulta simpática y agradable. Basada en el erizo azul de los videojuegos de SEGA, las aventuras de Sonic involucran mucha acción y movimiento. La criatura ha encontrado un lugar en la tierra luego de huir de su mundo al ser perseguido por quienes quieren sus superpoderes. Y el lugar es Green Hills, donde vive el Sheriff Tom Wachowski -James Marsden- junto a su esposa Maddie. Todo se complica cuando “Sonic”, frustrado y solo, provoca un corte de energía global que es investigado por el gobierno. Allí aparece en acción un oscuro personaje, el Dr. Robotnik -Jim Carrey- un ambicioso y mal intencionado científico que descubre a Sonic y quiere atraparlo con dudosos fines.

Me quedo con la simpatía del protagonista animado y su relación con Tom. James Marsden hace un excelente trabajo pues su contraparte es digital. Sus diálogos e interacciones resultan totalmente naturales y los efectos especiales están siempre al servicio del relato. El resto de los personajes son decorativos y caricaturas, que podrían perfectamente no estar lo que no afectaría el resultado de la historia.

Punto aparte para Jim Carrey. Histriónico como siempre y por cierto sobreactuado, su papel se hace pesado y tosco. Es cierto, es el villano, pero no me convence esta vez. Hay escenas que no tienen que ver necesariamente con la trama y que parecen hechas solo para que Carrey juegue, haga morisquetas o baile. Claro, es su salsa y seguramente se siente cómodo, pero no aporta nada al argumento. Solo obtiene algunas pocas sonrisas extra que a mi gusto están de más.

“Sonic the Hedgehog” funciona como extensión del videojuego y es entretenida. Deja abierta la puerta para futuras entregas porque el material y los personajes están. Ojalá, eso si, que los próximos villanos sean más interesantes que el Dr. Robotnik. Seguramente él va a estar, pero idealmente en un plano menor que permita el surgimiento de otros. De esta forma, las nuevas situaciones que se presenten podrán realzar a “Sonic” en sus aventuras y desventuras.

Ficha técnica

Título original: Sonic the Hedgehog
Año: 2020
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Canadá-Japón; Blur Studio / Original Film / Marza Animation Planet / Sony Pictures Animation / Sony
Género: Fantástico. Comedia. Aventuras. Animación | Videojuego
Guion: Patrick Casey, Josh Miller, Oren Uziel (Personajes: Yuji Naka, Naoto Ohshima, Hirokazu Yasuhara. Historia: Van Robichaux, Evan Susser)
Música: Junkie XL
Fotografía: Animation, Stephen F. Windon
Reparto: Animation, James Marsden, Jim Carrey, Neal McDonough, Adam Pally, Leanne Lapp, Shannon Chan-Kent, Debs Howard, Bailey Skodje, Frank C. Turner, Dean Petriw, Tika Sumpter, Natasha Rothwell, Elfina Luk, Emma Oliver, Breanna Watkins, Lee Majdoub, John Specogna, Nicholas Dohy, Melody Nosipho Niemann, Jeanie Cloutier, Jeff Sanca
Dirección: Jeff Fowler

12/2/20

Aves de presa (y la Fantabulosa emancipación de una Harley Quinn) - Por Por José Blanco Jiménez

Es la continuación de Escuadrón suicida (Suicide Squad, de David Ayer, 2016) y está hecha a la medida para Margot Robbie, que es también la productora. La idea es de 2015, Christina Hodson fue contratada para escribir el guión en noviembre de 2016 y la directora Cathy Yan - nacida en China, crecida en Hong Kong y Washington D.C. – firmó para dirigirla en abril de 2018. Todo inusualmente rápido.

Como puede verse, se trata de una obra femenina y feminista, que viene a ser la octava película del Universo Extendido de DC Comics. Además de la ya citada, doy los títulos en castellano de las otras: El hombre de acero (2013), Batman versus Superman (2016), Mujer maravilla (2017), Liga de la Justicia (2017), Aquaman (2018) y Shazam! (2019).

Decididamente histriónica, Harley Quinn ha dejado al Guasón y para ella significa libertad, pero también riesgo, porque ya no cuenta con la protección del supervillano. Es así como debe enfrentarse a Roman Sionis alias Máscara Negra, Black Mask (Ewan MacGregor) y a su ayudante Victor Zsasz (Chris Messina). Aprovecho de inmediato para decir que MacGregor es un buen actor, pero desluce junto a actrices talentosas y pimpantes, como ya me percaté en Agosto(August: Osage County, de John Wells, 2013). En efecto, no me resulta suficientemente “malo”.

La protagonista está acompañada por Huntress, la Cazadora (Mary Elizabeth Winstead), hija del mafioso Franco Bertinelli; Dinah Lance alias Black Canary, Canario Negro (Jurnee Smollett-Bell) y Cassandra Cain, una ladronzuela (Ella Jay Basco) que se traga un valioso diamante. A ellas se une Renée Montoya (Rosie Perez), una detective suspendida por los machistas del Departamento de Policía.

El relato vivaz y entretenido – con enfrentamientos y persecuciones - se desenvuelve con la velocidad del cómic, narrado por la voz en off de Harley. Vuelve atrás, explica el por qué de una situación o de la aparición de un personaje y sigue adelante.

Una película demencial que no puede tomarse en serio. De ser así, podría ser peligroso.

(Birds of Prey (And the Fanulous Emancipation of One Harley Quinn). USA, 2020)

10/2/20

Parásitos - Por Carlos Correa

Esta película del director Bong Joon-ho es una joya. Posee un guion alucinante con un ritmo perfecto. Se suma a ello una fotografía, una edición y variadas perspectivas que están al servicio de un relato que sorprende y que incluye conflicto social, política, y un contexto tremendamente humano.

Los Kim, Ki-taek -Song Kang Ho- su esposa Chung-sook -Chang Hyae Jin- y sus hijos Ki-woo -Choi Woo Shik- y Ki-jung -Park So Dam-, viven en un subterráneo miserable de Seul. En realidad, subsisten apenas, realizan trabajos esporádicos y muy mal remunerados. Ante esta precariedad, la oportunidad que surge para que Ki-woo pueda hacer clases particulares de inglés a una joven colegiala de la clase alta de la ciudad es una ventana inesperada y se transforma en un salvavidas familiar. Poco a poco, con bastante imaginación y también con indudable frescura y afán aprovechador, el clan comienza a formar parte de la vida de los Park, Dong-ik -Lee Sun Kyun-, un gerente de altos ingresos, su esposa Yeon-kyo -Cho Yeo Jeong- y sus dos hijos.

Uno de los detalles que más llama la atención de esta estupenda y elogiada cinta es que sus personajes están perfectamente delineados. Todos, hasta los que tienen una mínima participación como pueden ser los repartidores de pizza o las personas en situación de calle, tienen perfectamente claro su rol en la historia. El grado extremo de miseria y riqueza reflejado por estas dos familias espejo -dos padres y dos hijos cada una- impacta. Es un blanco y negro marcado y agobiante, sin matices. Bong Joon-ho subraya la soledad y marginalidad de ambas familias que se encuentran en extremos opuestos en tanto sus condiciones económicas y que sin embargo comparten características que son totalmente transversales.

El guion es tan asertivo y provocador que, con su estilo en tono comedia negra, profundiza en problemáticas densas y particulares que a la vez son del todo universales. Es muy difícil no conmoverse con el amor filial y con la protección familiar. Asimismo, es complejo ocultar el actuar sinvergüenza que los lleva a relajarse, bajar la guardia y enfrentarse a la amenaza de un porvenir aparentemente exitoso y libre de mayores riesgos que engañosamente están construyendo.

Bong Joon-ho, en un acierto que es una genialidad, establece una línea de flotación física y también imaginaria. Los Kim están bajo esa linea y los Park sobre ella. ¿Pero, es tan así, o puede ser al revés? Las diferencias son notorias y extremas, sin embargo ambas familias tienen mucho más en común de lo que pudiera imaginarse. Sus condiciones son obviamente diferentes en lo material, pero es su vulnerabilidad lo que les hace similares, independiente del lado de la línea en el que se encuentren.

Luego de ganar la Palma de Oro en Cannes y varios otros premios, “Parásitos” se ha convertido en la revelación del año al lograr un hecho inédito hasta ahora: ser la primera película de habla no inglesa en ganar el Óscar a la Mejor Película. Los méritos los tiene y por supuesto de sobra, porque es de esas películas redondas, que marcan, que generan reacciones, que provocan y que por ello se recuerdan. La fuerza del relato, la convicción de sus actuaciones, el poder de su forma y las constantes sorpresas de sus giros, la transforman en una cinta imprescindible. Y ojo, no es fácil de ver. Incluso puede provocar algún rechazo en varias secuencias que son bastante crudas y que están dotadas de un realismo convenientemente acentuado.

“Parásitos” engloba tantos elementos de cine que es muy difícil analizarlos por separado. Aquello es tal vez su gran riqueza. Cumple las expectativas cuando esperamos algo que no sea obvio. También cumple al provocar incomodidad y no dejar que los asientos nos adormezcan. Y principalmente cumple al reflejar, en una cultura y en una historia particular, la mayor universalidad de todas, aquella que da cuenta de las relaciones humanas, sus acciones y reacciones, llevadas a un nivel de máxima tensión, a un punto disruptivo y genuinamente perturbador.

Ficha técnica

Título original: Gisaengchung
Año: 2019
Duración: 132 minutos
País: Corea del Sur
Productora: Barunson / CJ Entertainment / TMS Comics / Tokyo Movie Shinsha (TMS) / CJ E&M Film Financing & Investment Entertainment & Comics
Género: Intriga. Comedia. Drama. Thriller | Comedia negra. Drama social. Familia
Guion: Bong Joon-ho, Jin Won Han
Música: Jaeil Jung
Fotografía: Kyung-Pyo Hong
Reparto: Song Kang-ho, Lee Seon-gyun, Jang Hye-jin, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-sik, Park So-dam, Park Seo-joon, Lee Jeong-eun, Park Keun-rok, Hyun Seung-Min, Andreas Fronk, Park Myeong-hoon, Jung Hyun-jun, Ji-hye Lee, Joo-hyung Lee, Jeong Esuz, Ik-han Jung, Seong-Bong Ahn, Dong-yong Lee, Hyo-shin Pak
Dirección: Bong Joon-ho

Parásitos - Por José Blanco

La lucha de clases ya no existe como una contraposición entre los que tienen los medios de producción y los que no tienen los medios de producción. En el mundo neoliberal, la lucha es entre los que tienen y los que no tienen. Al fin y al cabo, los que no tienen pasan a ser parásitos de los que tienen, porque éstos – a su vez – son parásitos de la sociedad.

La acción de esta película, con rostros asiáticos y escenografía occidental, podría transcurrir perfectamente en Chile, donde la riqueza está igualmente mal distribuida.

Ki-woo vive en un sótano con sus padres Ki-taek y Chung-sook, además de su hermana Ki-jung. La sociedad neoliberal los ha reducido de microempresarios a indigentes y – como no tienen espíritu de delincuentes – deben encontrar alguna forma para subsistir.

La oportunidad se presenta cuando el joven puede hacer clases de inglés a una jovencita en pleno despertar sexual y se da cuenta que, por un medio u otro, puede incorporar a toda su familia para entrar al servicio de un hogar tiene como “jefa” a una joven ingenua, que tiene también un hijo con inquietudes artísticas y traumas fantasmagóricos. En realidad, todo es manejado por una ama de llaves y un chofer: o sea el esquema británico de los superiores mimados por sus inferiores.

No debo contar la película, porque hay que verla. Me basta con decir que, después en un comienzo bastante lento, el relato se acelera dejando a la vista situaciones inesperadas y desesperadas, que llevarán al espectador a pensar acerca de la nueva estructura de la sociedad. Como ya la solidaridad no existe, en este mundo tecnologizado, los unos dependen de los otros en un peligroso equilibrio que puede estallar de un momento a otro.

En cuanto a cine es impecable, sobre todo la fotografía dentro de la mansión, con una escalera que representa el tránsito entre los dos mundos y un ventanal sobre un prado impecable en el que el hijo pequeño puede instalar su carpa de piel roja. Porque mientras la familia de Ki-woo, que solo tiene un tragaluz que da a un callejón donde un borracho viene a orinar, sufre la inundación de las aguas servidas, la familia acomodada puede disfrutar de la belleza de la lluvia.

Una serie de contrastes que recuerdan la realidad de los que viven en función de las necesidades superfluas de los que ni siquiera se percatan de las primeras necesidades de los que los rodea. Y en ello no hay ninguna maldad, pero sí un riesgo.

Bong Joon Ho ha logrado realizar una comedia negra de sabor amargo y con una realidad que, en este momento, es universal.

(Parasite. Corea del Sur, 2019)

7/2/20

Parásitos - Por Jackie O.

Los “home invasions”.

En la historia de los Oscars, está es la octava vez que una película está nominada en las categorías de “mejor película” y “mejor película de habla no inglesa”.

Que tenemos acá:

No hay clase media, es el extremo caricaturizado de pobres y ricos.

Y su director visualmente hace que se note la diferencia social.

Una familia pobre que viven hacinados, trabajan en lo que pueden, no hay dinero para estudios, etc. Y tienen una capacidad intelectual brillante, la cual aprovechan muy bien para sobrevivir. Ya están cansados de vivir de sobras, y si se puede tener algo fácil y rápido hacen lo posible para tomarlo.

Al otro extremo tenemos a la familia rica, de buenas intenciones a su modo, la que vive en su burbuja, el único contacto con el resto de los mortales es a través de sus trabajadores, pero que de igual forma no se involucran mucho. Disfrutan su mundo, su estilo y sus amistades de la misma clase.

Con diferentes anécdotas, la familia pobre se infiltra en la casa de la otra familia, donde cada uno va tejiendo sus engaños y crédulamente caen los pudientes.

Todo es risa y chascarros para ellos y nosotros.

Hasta que todo da un giro, un giro tan bien armado que ni te das cuenta que puede pasar al minuto siguiente.

Más, cuando descubrimos al fantasma que atormenta al hijo menor de los ricos.

¿Esto terminará de esta forma? ¿No, de esta otra? No lo sabes hasta que termina.

Está inteligentemente bien montada, una buena puesta en escena (fíjense en los espacios tras las paredes y ese estante iluminado con la escalera en medio), historias entrelazadas, que no quieres pestañear para no perderte ningún movimiento ni dialogo muy bien construido.

¿Cómo podrán mantener esta farsa?

¿Cómo personas tranquilas que viven el día a día, llegan a explotar?

Es un thriller cargado de emoción. Todos hablan solo del humor negro, pero no es solo eso, nos da mensajes claros de críticas sociales.

Los pobres muy inteligentes, que producto a su pobreza y mala suerte no pueden crecer y por eso se aprovechan del que más tiene sin importar la forma, solo necesitan sobrevivir.

Los ricos son buenas personas, pero son inconscientes ante la necesidad de los otros. Que los recriminan hasta por su olor.

Los invisibles, que viven a costa del otro por no tener una oportunidad.

¿Quién es el real parásito? ¿Todos?

Con un final que crea cierta ilusión (no olvidemos que el protagonista está con daño cerebral). Pero siempre podemos soñar despiertos.

¿Qué malo puede tener esta obra? creo que sus últimos minutos comienza a decaer, ya que hay unos fallos de guion.

Recomiendo mucho la vean, y observen esta propuesta graciosa, conmovedora e hiriente.

Ficha técnica

Parasite
Año: 2019
País: Corea del Sur
Director: Bong Joon-ho
Reparto: Song Kang-ho, Lee Seon-gyun, Jang Hye-jin, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-sik, Park So-dam, ...
Género: Intriga. Comedia. Drama. Thriller | Comedia negra. Drama social. Familia

Aves de Presa (y la Fantabulosa emancipación de Harley Quinn) - Por Jackie O.

“Cuando se juntan mujeres que tienen malas experiencias con hombres: mejor huyan”.-

Fui de las personas que no la disfrutó al 100%, sí abuchéenme.

Pero calma, trataré de explicarme.

Me encantan las películas de superhéroes, comics y todo eso.

Esta película es de aquellas en las que no tienes que pensar en nada, solo mirar y divertirte, por que sí es divertida. Te llenará de colores y acción para dejar pasar todo mal detalle.

Pero no hay duda alguna que Margot fue hecha para ese personaje, cuando la vi en Escuadrón Suicida quedé maravillada con su interpretación.

Esta película muestra que pasó con Harley después de la película Escuadrón Suicida, pero aún algo más terrible: El Guasón la dejó!!!

Ahora está sola con su corazón roto y hay una fila enorme de personas que quieren vengarse, ya que antes era intocable, solo esperan su turno para atacarla por los agravios infringidos.

La película sí funciona en su onda comics, e insisto que la interpretación de Margot la lleva. Sabe cómo dar esa actitud maniaca, depresiva, insoportable, niña/adulta y alocada.

El montaje está bien armado, salta de un espacio a otro sin razón, del presente al pasado en un abrir y cerrar de ojos, funciona.

La mayoría de las escenas de acción bien coreografiadas.

Los decorados extravagantes y muy brillosos se ven muy locos, femeninos y descabelladamente bellos.

La banda sonora acorde a cada escena.

En que falla, en sus chistes no tan chistes (que son la mayoría), la sobreactuación y poco carisma de la mayoría de estas “Avecitas”. Tal vez debieron haber escogido a otras actrices o haberlas dirigido mejor.

Ewan como villano estuvo aceptable.

La película solo cumplió, ya que cuando decaía se lanzaba alguna broma o patada que hacía retomar el ritmo frenético y así olvidar sus fallas, y centrarnos embobados en los fuegos artificiales.

Y qué decir de la pelee final, la que todos esperábamos…. Heeee, esperaré para la próxima.

Aunque se pudo haber aprovechado mejor a estas féminas, las que producto de esos machos malvados que las dañaron de diferentes formas, hicieran que tomaran las riendas de sus vidas y unidas acabar con el mal desde adentro. Se quedó solo en buenas intenciones.

Es una película de corte adolecente que entretiene. Mucho mejor que Escuadrón Suicida, pero a pesar de querer parecerse y algunos compararla con Deadpool, no por favor, éste la sobrepasa con creces.

Se pudo haber aprovechado más y mejor a Harley.

Pero aún tengo esperanzas, será para la próxima.

Para pasar un rato loco, pero no saldrás frenético.

Ficha técnica

Birds of Prey
Año: 2020
País: Estados Unidos
Directora: Cathy Yan
Reparto: Margot Robbie, Ewan McGregor, Jurnee Smollett-Bell, Rosie Pérez, Chris Messina, Mary Elizabeth Winstead, otros
Género: Acción. Aventuras. Cómic. DC Comics

El Aro: Capítulo Final - Por Jackie O.

“Dejen descansar a Sadako”.- 

Cuando el terror norteamericano agotaba ya todos los recursos conocidos, aparece a finales de los 90 el J-Horror. Una propuesta interesante hasta el día de hoy, acaparando la atención el director Hideo Nakata quien dirige la primera de una vasta lista de secuelas, remakes, etc. de la tan famosa “RINGU” y todo lo que se parezca.

En lo personal puedo señalar que las películas japonesas de terror logran generalmente el objetivo de terror psicológico, aunque a veces puedan ser muy sobreactuados lo logran y si no, la propuesta presentada es original y atrevida.

Esta película trata de la joven Mayu, una psicóloga que debe atender a una niña que sufre amnesia, y que a su alrededor suceden cosas muy extrañas por que un ente la posee.

Por otro lado tenemos a Kazuma que es el hermano de Mayu, un youtuber que en búsqueda de fama hace cualquier torpeza para tener popularidad, así que decide buscar historias de terror. Grabando un video aterrador al entrar a un edificio que sufrió un incendio donde murieron varias personas, edificio donde vivía la niña que es atendida por su hermana.

Con estos antecedentes Kazuma desaparece, siguen sucediendo cosas sobrenaturales y Mayu sale a buscar a su hermano.

Sin olvidar que de vez en cuando tenemos las apariciones de Sadako.

Pero qué pasa con este ARO, que se dice capítulo final.

La verdad es que EL ARO, ya está muy desgastado sea versión Japonesa o Norteamericana.

Ya basta, dejen a Sadako (o Samara gringa) descansar. Que su alma atormentada busque paz.

Lo bueno de esta película, sí tiene algo bueno, es que es tan simple que no quiere meterte ese saltito forzado, o para los bilingües jump scare.

Con Hideo a la cabeza creímos que lograría algo excepcional. Pero no. No hay nada nuevo que explotar, lo conocido se torna lamentablemente aburrido.

Ni la música, ni fotografía, ni las actuaciones son destacables.

La historia empieza relativamente bien, pero va decayendo tornándola tediosa.

Los elementos ya están agotados, la capacidad de asombro destruida.

Pero aun así véanla cuando salga en TV. Por un tema de curiosidad.

Esperemos que ahora sí duerma Sadako y Samara.

Pero intuyo que lamentablemente no lo hará.

Ficha técnica

El aro: capítulo final
Año 2019
Director: Hideo Nakata
Productor: Reiko Imayasu
Saga: The Ring
Adaptaciones de: Ringu
Reparto: Elaiza Ikeda, Hiroya Shimizu, Hiroya Shimizu, otros
Terror.- 1h 39m

6/2/20

Un buen día en el vecindario - Por Carlos Correa

La sensación que provoca esta película es bien especial. El retrato de Fred Rogers interpretado con encanto y ternura por Tom Hanks, seduce desde el comienzo porque la figura de este presentador de televisión para niños, creador de “Mister Rogers' Neighborhood” en pantalla desde 1968 al 2001, es a la vez fascinante e intrigante.

La historia se basa en la experiencia personal de Lloyd Vogel -Matthew Rhys-, un crítico periodista quien debe escribir un artículo en “Esquire” sobre este ícono de la televisión norteamericana. Vogel, inspirado en Tom Junod que escribió dicho artículo el año 1998, va cambiando su perspectiva luego de los múltiples encuentros con Roger y su entorno. Escéptico en un comienzo e incrédulo hasta el final, observa que Rogers es alguien demasiado bueno para ser real. Esto, por cierto, le despierta sospechas y además lo hace cuestionar su propia vida y su propio actuar. ¿Es genuino? ¿Es Rogers un Santo, o un héroe?

Tom Hanks dota a su personaje de una amabilidad que cautiva. Claro, su programa es para niños, sin embargo su temática es profunda y transversal. Su foco son las emociones, su manejo, su expresión y la capacidad de reconocerlas y de hablar sobre ellas. Plantea diversas formas positivas de lidiar con los sentimientos, algo que no estamos acostumbrados a hacer. Vogel acaba de ser padre, su esposa debe asumir el cuidado del bebé mientras él viaja para los encuentros y la relación de Lloyd con su familia (su padre y su hermana) es conflictiva y distante.

Esta fábula, además de contener grandes dosis de dulzura, nos deja enseñanzas y también desafíos. “A veces necesitamos pedir ayuda y eso está bien”, señala Rogers, afirmando que “lo que mejor podemos hacer es hacerle saber a la gente que cada uno de ellos es precioso”. Quizá este es el punto más visible de la cinta; la atención genuina y sincera que Fred le presta a Lloyd y a su familia. Si aplicáramos una parte de sus enseñanzas sin duda que nuestro vecindario, es decir nuestra sociedad, nuestra ciudad, nuestro país, sería sin duda, un lugar mucho mejor y mucho más agradable.

Ficha técnica

Título original: A Beautiful Day in the Neighborhood
Año: 2019
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-China; Big Beach. Distribuida por TriStar Pictures
Género: Drama | Biográfico. Amistad. Familia. Televisión
Guion: Micah Fitzerman-Blue, Noah Harpster (Artículo: Tom Junod)
Música: Nate Heller
Fotografía: Jody Lee Lipes
Reparto: Tom Hanks, Matthew Rhys, Chris Cooper, Susan Kelechi Watson, Noah Harpster, Tammy Blanchard, Wendy Makkena, Enrico Colantoni, Sakina Jaffrey, Maddie Corman, Crystal Lonneberg, Maryann Plunkett, Michael Masini
Dirección: Marielle HellerSinopsis

Parásitos - Por Juan Pablo Donoso

Muy bien ganado el Globo de Oro como Mejor Película Extranjera y el Screen Actors Awards (SAG) 2019, más 6 nominaciones al Oscar.

Tragicomedia de suspenso surcoreana que nos atrapa con humor, y miedo, durante dos horas y cuarto.

Después de reír y sufrir con esta loca aventura familiar, se nos despejan en la memoria las metáforas, las ironías, las denuncias sociales, y el absurdo destino de la sociedad contemporánea en su conjunto.

Y ello es posible gracias al acabado retrato de cada personaje, a la absurda naturalidad (¡!) de los diálogos, al manejo del ritmo creciente, a la ambientación y, obviamente, al impecable desempeño actoral.

Los miembros de una familia muy pobre, por medio de falsas recomendaciones, se van empleando en la mansión de otra familia muy acomodada. Lo hacen aprovechándose de la ingenuidad de la dueña de casa y de la inmadurez hormonal de la hija adolescente.

Cuando todo marcha sobre ruedas, ganan salarios y profitan de las comodidades de la residencia, emerge una realidad social aún más miserable escondida en el subterráneo.

A medida que se van revelando las verdades, la película entra en una vorágine de desquicio y horror asesino.

La resolución amarra el comienzo y el final en un bello delirio bucólico, lleno de ilusiones, del muchacho protagónico que narra la historia.

En todos sus filmes el director Bong Joon Ho combina con agudeza la crítica social y política, zambullendo a sus personajes en humor negro. (Okja 2017 - Madre 2009).

UNA OBRA DE ARTE TAN INTELIGENTE QUE LOGRA LA MEZCLA PERFECTA ENTRE LA SÁTIRA, LA CRITICA SOCIAL Y LA FATAL INDEFENCIÓN DE TODOS LOS SERES HUMANOS. EXTRAORDINARIA Y MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica

Título Original: Gisaengchung 
Tragicomedia negra, suspenso Corea del Sur - 2,12 hrs. Warner Bros. Chile 
Fotografía: Kyung-pyo Hong 
Edición: Jinmo Yang 
Música: Jaeil Jung 
Diseño Prod.: Ha-jun Lee 
Guion: Han Jin Won, Bong Joon Ho
Actores: Kang-ho Song, Sun-kyun Lee, Yeo-jeong Jo 
Director: Bong Joon Ho

Un Buen Día en el Vecindario - Por Juan Pablo Donoso

Un bello caso de redención psicológica y espiritual.

Algunos tuvimos la suerte de ver, cuando más jóvenes, uno que otro capítulo del programa “Neighborhood” = Vecindario. Su creador y animador era Fred Rogers, un pastor evangélico y psicólogo infantil.

La serie duró exitosos 30 años. Y Rogers fue amado por niños y adultos de todo EE.UU. Nos recibía cordialmente en su hogar, y luego de ponerse cómodo, nos invitaba a conversar con algunos títeres de guante fabricados por él mismo, y cantar sus canciones.

Al programa asistían a veces niños con problemas de diversos tipos. Al comunicarse con los títeres, estos les hacían preguntas, y según la respuesta, los muñecos les manifestaban amor y los inducían a encontrar ellos mismos sus caminos.

Hubo quienes crecieron viendo el programa. Y los títeres de Rogers contribuyeron a su enriquecimiento como personas capaces de pensar y sentir la vida con valores elevados.

Esta película se centra, primordialmente, en el caso de un tal Lloyd Vogel, quien en realidad se llamaba Tom Junod. Era un prestigioso, y muy temido, periodista de la revista Esquire. Su talento era extraer los aspectos más oscuros y negativos de sus entrevistados.

Cuando en la década de los 50 lo enviaron a hacer una breve reseña del famoso Sr. Rogers, Vogel se propuso desenmascarar a este angelical animador que tanto inspiraba a las masas de televidentes.

Más, al enfrentarlo, y recibir su calidad acogida, sus aguijones empezaron a confundirse para, finalmente, rebelarse ante el carisma del entrevistado.

Mientras más se empecinaba en hallarle falsedades, más se iba debilitando él, bajando la guardia, y obsesionando con su carisma.

Fue Mr. Rogers quien, por medio de gentiles preguntas, llegó a los puntos más dolorosos del alma del periodista. Por medio de la amistad que surgió entre ellos, le ayudó a espantar sus demonios, y a cambiar su actitud ante el mundo, su familia y la humanidad.

Las actuaciones de Tom Hanks, como Rogers, y de Matthew Rhys, como Vogel, revelan profunda compenetración y cariño por sus personajes. Y otro tanto destacamos en Chris Cooper, como el atrabiliario padre anciano de Vogel, y las respectivas esposas.

Ya conocemos la delicadeza de Tom Hanks al abordar personajes poco comunes y vulnerables (Forrest Gump 1994 y Filadelfia 1993). En este caso su caracterización de Rogers fue muy minuciosa; sin embargo, con esa mezcla de suavidad y gentileza del original le resultó imposible, a la vez, proyectar la vitalidad y templanza espiritual del animador.

De todas formas la historia se basa en un hecho real, escrito, dirigido e interpretado con la honestidad suficiente para transmitirnos el mensaje de fondo: cada ser humano - niño o adulto - es ÚNICO, y merece ser visto y escuchado como si fuera la persona más importante del mundo.

UN CASO CONMOVEDOR POR LA PUREZA DE SU MENSAJE Y POR EL RESPETO HACIA LOS SENTIMIENTOS DE TODAS LAS CRIATURAS.

Ficha técnica


Título Original: A Beautiful Day in the Neighborhood 
Biografía, drama familiar China, EE.UU. - 1,49 hrs - Sony 
Fotografía: Jody Lee Lipes 
Edición: Anne McCabe 
Música: Nate Heller 
Diseño Prod.: Jade Healy 
Guion: Micah Fitzerman-Blue, Noah Harpster 
Actores: Tom Hanks, Matthew Rhys, Chris Cooper 
Directora: Marielle Heller

Aves de Presa (y la Fantabulosa emancipación de una Harley Quinn) - Por Juan Pablo Donoso

Quienes gusten de cómics llevados al cine con actores, disfrutarán con esta desquiciada secuela de Escuadrón Suicida 2016.

Este 2° capítulo tiene coherencia propia; sólo da una leve reseña del anterior, pero necesaria para comprender a nuestra villana/heroína Harley Quinn.

Ella pertenece al equipo de campeones y malvados de la antigua editorial DC (Detective Comics) creada en 1934, y que incluye entre muchos a Superman, Batman, Mujer Maravilla, Flash y Shazam, etc.

La motivación de esta comedia es el abandono que el Guasón hizo de su novia Hurley Quinn. Al quedar sola, la excéntrica luchadora se las batirá por sí misma para defenderse de los malvados de Ciudad Gótica.

Pero el villano ahora es Roman Sionis (Ewan McGregor), un sádico ambicioso que junto a su adlater Szasz cometerán las crueldades más grandes para obtener un valioso diamante Bertinelli. Para su desgracia, una ladronzuela china llamada Cassandra se lo tragó.

Nuestra loca Hurley, para evitar que Sionis la mate, deberá atrapar a la chinita y esperar que el diamante vuelva a ver la luz.

Como es una tarea muy difícil se le unen otras “titanas”, cada cual con destreza individual, incluida una sagaz detective expulsada de la Policía (Rosie Pérez) quien se une al equipo de las 4 féminas feroces para cazar pronto a la chinita.

Con un presupuesto de US$ 100.000.000 lograron un argumento admirablemente bien tramado, complejo y sin dejar cabos sueltos.

El dinamismo y los movimientos son congruentes con el estilo lúdico de la historieta clásica. Un vertiginoso conjunto de mujeres resentidas dispuestas a desquitarse del abuso machista de hombres tontos y presumidos.

Cada personaje está diferenciado con claridad y sus acciones bien motivadas según los antecedentes de sus vidas. Y todos aplican la justa síntesis expresiva que requiere el género.

De nuevo se luce Magot Robbie (Las Dos Reinas 2018 - Yo soy Tonya 2017 - Escándalo 2019) con enorme gama de matizaces y descocado histrionismo.

Acertada dirección de Cathy Yan para que el complejo guion de Christina Hodson se mantenga claro e informativo de los antecedentes de todas esas chaladas y amorales heroínas/villanas/heroínas.

Las canciones de la banda sonora y coreografías van en consonancia con la frivolidad, el humor y el ritmo del montaje.

La chispa de este episodio augura nuevas aventuras en la legendaria Ciudad Gótica. La veta sigue fértil.

UNA CHISPEANTE HISTORIETA, BIEN REALIZADA, MUY DINÁMICA, Y CON LA INSOLENCIA ORAL Y GESTUAL DEL BUEN HUMOR FEMINISTA.

Ficha técnica


Título Original: Birds of Prey 
Acción, aventuras, crimen - New Century Films EE.UU. - 1,49 hrs. 
Fotografía: Matthew Libatique 
Edición: Jay Cassidy, Evan Schiff 
Música: Daniel Pemberton 
Diseño Prod.: K.K. Barrett 
Guion: Christina Hodson 
Actores: Margot Robbie, Mary Elizabeth Winstead, Jurnee Smollett-Bell, Ewan McGregor 
Director: Cathy Yan

El Aro: capítulo final - Por Juan Pablo Donoso

Las 9 secuelas de El Aro japonesas son mejores que cualquiera de las réplicas hechas en Occidente.

Dicho esto, igual pensamos que ya es hora de cerrar la serie y dejar que la tenebrosa Sadako se tome un descanso definitivo.

Este último capítulo lo dirigió Hideo Nakata, el mismo de las dos excelentes primeras versiones. Gracias a ello el relato y los actores reflejan una mano experta. Pero ya el argumento se agota.

Durante la primera mitad el manejo del ritmo, los encuadres, el misterio y el suspenso nos hacen creer que vamos por buen camino. Más, a partir de la 2ª parte las circunstancias se ramifican tanto que el clímax se nota forzado. Hasta los personajes pierden interés.

Una bella psicóloga (Ikeda Elaiza) intenta ayudar a una niñita traumatizada y con amnesia total (Himejima Himeka). A su vez, Kazuma el hermano de Mayu, la psicóloga, tiene un espacio muy popular en la red, destinado a mostrar cosas insólitas. Y necesita hallar cada vez más eventos impactantes.

Si bien la pequeña catatónica expresa algún cariño por Mayu, poco a poco va demostrando poderes superiores de destrucción y odio. Será esta la facultad que traerá de vuelta a la espeluznante Sadako, un antiguo fantasma de pelo negro que nunca muestra la cara, que habita en un pozo negro, y que seguirá cobrando venganzas desde las secuelas anteriores.

La mezcla del hermano que desea indagar morbosidades, con el odio criminal reprimido de la pequeña, y las incursiones de la insaciable Sadako, van enredando el discurso terrorífico para culminar en una apoteosis de horror en una cueva maldita.

Si se trata de niñitas con tanta furia y sed de venganza, se nos viene a la memoria aquella CARRIE (1976) de Brian de Palma, donde las fuerzas paranormales de Sissy Spacek desbordaban terror por su posible verosimilitud.

UN TEMA QUE SE AGOTA A PESAR DEL ESFUERZO POR SEGUIR EXPLOTANDO LA VETA.

Ficha técnica


Título Original: Sadako 
Horror
BFDistribution 
Japón - 1,39 hrs. 
Guion: Noriaki Sugihara, Kôji Suzuki (novelista) 
Actores: Himeka Himejima, Elaiza Ikeda, Ren Kiriyama 
Director: Hideo Nakata

Aves de Presa (y la Fantabulosa Emancipación de Una Harley Quinn) - Por Carlos Correa

Esta octava cinta del Universo extendido de DC (DCEU), spin-off de Escuadrón Suicida (2016) y dirigida por Cathy Yan, presenta una nueva aventura cuya protagonista es Harley Quinn, caracterizada por Margot Robbie. Resulta que Harley ha terminado su relación con el Joker y por ello decide comenzar de nuevo. Pero no puede, porque hay muchas cuentas pendientes y varios agravios de por medio que solo se mantenían contenidos gracias a la protección del Guasón. No obstante las serias amenazas y también venganzas en curso, Quinn se entera que la joven Cassandra Cain -Ella Jay Basco- se ha robado un diamante que pertenece al jefe del crimen de Ciudad Gótica, el malvado Black Mask -Ewan McGregor-, por lo que junto a Black Canary -Jurnee Smollett-Bell -, Huntress -Mary Elizabeth Winstead- y a la detective Renée Montoya -Rosie Perez- intentan protegerla

La película tiene una dinámica propia y bastante especial. La narrativa es fiel al estilo cómic con algunas idas y vueltas temporales que resultan muy divertidas. Su tono hilarante es permanente y para ello Robbie se desenvuelve de forma estupenda, sobrellevando el peso del relato durante todo el metraje. Cada personaje tiene su historia, a veces más y a veces menos desarrollada, que une puntos del pasado para entender el lugar que cada uno ocupa en la actualidad.

Lo más interesante de esta extravagante fantasía visual es la forma de encarar el tema de los superhéroes pues se hace desde otra perspectiva. La ausencia del Joker y las alusiones a Batman y a una Ciudad Gótica en ebullición, solo son piezas de contexto. Se trata, ahora, del poder femenino y por ello el título agrega como subtítulo la “Fantabulosa Emancipación de Una Harley Quinn”. Claro, Harley no es superhéroe o supervillana. Es una mujer normal con una gran personalidad -la influencia de Joker se nota-, que también domina el arte del combate y se desenvuelve perfecto en las luchas cuerpo a cuerpo. A esto se suman las habilidades de las otras compañeras de escena que, cada una con su propia especialidad, dan cuenta de diversas características que les permiten enfrentar y sortear las dificultades.

“Aves de Presa” entretiene en su estilo, se mueve dentro de los códigos de sus personajes y despliega muchísima acción, efectos visuales y guiños de todo tipo. Ideal para fans, resulta más difícil para quienes no lo somos porque solo observamos y disfrutamos una capa más externa de la historia, por cierto admirando la versatilidad de Margot Robbie quien no deja de sorprender con sus caracterizaciones.

Ficha técnica

Título original: Birds of Prey (And the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn)
Año: 2020
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Productora: DC Entertainment / Clubhouse Pictures / Kroll & Co. Entertainment / LuckyChap Entertainment. Distribuida por Warner Bros.. Productor: Margot Robbie
Género: Acción. Aventuras | Crimen. Cómic. DC Comics
Guion: Chuck Dixon, Jordan B. Gorfinkel, Christina Hodson (Cómic: Greg Land)
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Matthew Libatique
Reparto: Margot Robbie, Mary Elizabeth Winstead, Ewan McGregor, Jurnee Smollett-Bell, Rosie Pérez, Chris Messina, Derek Wilson, Steven Williams, Ali Wong, Matthew Willig, Charlene Amoia, François Chau, Greice Santo, Eric Michael Cole, Nico Greetham, Judy Kain, Eddie J. Fernandez, Robert Catrini, Dana Lee, Anthony Molinari, Ego Mikitas, Michael Masini, Gerald Downey, David Bianchi, Sara Montez, Mike Ferguson, Lenora May, Dominic Pace, David Anthony Buglione, Jeff Lipary, Joe Bucaro III, Eddie Alfano, Ryan Wicks, Pramod Kumar, Paul Lasa, William Guirola, Bruno Oliver, Karen Teliha, Zack Whyel, Julian Garcia, Nick Phillips, Bojana Novakovic, Jenelle McKee, Luis Richard Gomez, Ryan Watson, David Ury, Shad Gaspard, Adinett Nsabimana, Jason Catron, Jack Dourakos, Diezel Ramos
Dirección: Cathy Yan

4/2/20

Hra (The Play) - Por Carlos Correa

En una pequeña ciudad de la República Checa se desarrolla la historia de “Hra”, el nuevo trabajo del director chileno Alejandro Fernández Almendras. Petr -Jirí Mádl-, es un joven director de teatro que se apresta a estrenar su nueva creación, una adaptación de “Fedra” de Eurípides, basada en una versión de Miguel de Unamuno, con una visión personal sobre la corrupción naciente post caída del muro. A pocas semanas de la primera presentación pierde a sus dos actores principales, el municipio de la ciudad le hostiga exigiendo formalismos y su matrimonio está en crisis.

La cinta, con un marcado tratamiento teatral, se desarrolla en cinco actos más un prólogo y un epílogo. En cada uno de ellos, Fernández Almendras desarrolla las facetas más íntimas de sus personajes. Karolina -Elizaveta Maximová-, la mujer de Petr, es una joven impulsiva y enfocada en su trabajo. El cuidado de su pequeño hijo entorpece sus sueños profesionales y resiente la poca atención que su marido le presta a ambos producto de la absorbente preparación del estreno de la obra. Katerina -Marika Soposká-, llega a escena como la actriz reemplazante para el rol principal y con su magnetismo y soltura lo perturba todo. Petr, abrumado y confundido, se deja llevar y el romance entre ambos surge explosivo y natural.

Alejandro Fernández Almendras filma su propio guion, un drama que tiene varios elementos y puntos de vista para analizar y comprender. La crisis de la mediana edad, problemas matrimoniales, aspiraciones profesionales, problemas económicos y exigencias administrativas se mezclan con sentimientos profundos y cuestionamientos trascendentes que requieren decisiones fundamentales. Se trata de una deconstrucción y una construcción simultánea, un drama ultra existencial que habla de la pérdida de rumbo, la soledad y la búsqueda de caminos. Una pregunta concluye el primer tercio de la narración a propósito de la temática y dificultad de la obra: ¿hay algo más complejo que el amor y la pasión? Aquella frase parece encerrar, en un simple cuestionamiento, una magnitud que abarca la esencia misma de la existencia.

Párrafo aparte para destacar la fotografía en blanco y negro a cargo de Inti Briones. Su trabajo de excelencia dota al relato de una fuerza narrativa que pone énfasis en la profundidad, en los gradientes de la escala de grises, con planos abiertos -especialmente los nocturnos- que evocan importantes divagaciones, junto a otros cerrados que resultan íntimos y conmovedores. Del mismo modo la banda sonora a cargo de Pablo Vergara, entrega una fuerza especial a cada una de las escenas con obras de Shostakovich, Ravel, Schubert, Brahms, Mozart y otras piezas compuestas por el mismo Vergara, donde destacan sus arreglos para Cuarteto de Cuerdas y piano, en especial el de la Tercera Sinfonía de Brahms.

“Hra” -juego en checo- es una película muy interesante y que cautiva durante sus 93 minutos. Alejandro Fernández Almendras logra plasmar con su estilo una cinta rodada en otro idioma, reflejando otra cultura pero manteniendo el foco en la universal humanidad del relato. Tal vez esto es lo más importante para el director de Huacho, Sentados frente al fuego, Matar a un hombre y Aquí no ha pasado nada; se trata de la consolidación de su línea estilística, una característica que florece y provoca con su movimiento y constante reflexión.

Ficha técnica 

Título original: Hra (The Play)
Año: 2018
Duración: 93 minutos
País: Chile
Productora: Coproducción Chile-República Checa-Francia-Corea del Sur; Arizona Productions / Arizona Productions / Film & Roll / Jirafa. Distribuida por Pilot Film [Czech Republic]
Género: Comedia. Drama. Romance
Guion: Alejandro Fernández Almendras
Música: Pablo Vergara
Fotografía: Inti Briones (B&W)
Reparto: Vladimíra Benoni, Sarah Havacova, Sarah Hlavácová, Danica Jurcová, Ondrej Malý, Elizaveta Maximová, Jirí Mádl, Darina Nicová, Marika Soposká, Jirí Strébl, Adam Vacula, Jana Zenáhlíková
Dirección: Alejandro Fernández Almendras

3/2/20

Gretel y Hansel - Por Carlos Correa

Esta adaptación del cuento clásico “Hansel & Gretel” de los hermanos Grimm, dirigida por Oz Perkins, se sitúa en la Baviera del Siglo XIV. Los hermanos Gretel -Sophia Lillis - y Hansel -Sam Leakey-, de 13 y 12 años, están desesperanzados. A la muerte de su padre, hace algunos años, se suma que su madre está casada con un hombre malévolo. Al verse en la absoluta miseria y desamparo, los niños deciden irse de su hogar, dejar el pueblo en busca de una mejor vida y nuevas oportunidades.

En su camino atraviesan un bosque que esconde personas que desean aprovecharse de ambos. Cuando creen haber sorteado los peligros encuentran una casa al interior que es la cabaña de Holda -Alice Krige-, una mujer que los acoge con comida y atención pero, como las apariencias engañan, deben escapar para salvar sus vidas.

La cinta se centra en ambos jóvenes y no es casual la inversión en el clásico título pues el peso de la aventura lo lleva justamente Gretel. El tratamiento del guion de Rob Hayes que realiza Oz Perkins es por momentos confuso. Por una parte, mérito por cierto, se decide por una opción de generación de suspenso que no es la usual. En esta apuesta, algunos recursos quedan sin el desarrollo suficiente para generar la tensión necesaria e incluso tampoco producen temor.

En líneas generales el relato se sostiene gracias a la hermosa fotografía provista por Galo Olivares y a la banda sonora compuesta por Robin Coudert que entrega un contexto misterioso y especial a la historia. Perkins tampoco profundiza en los personajes, los aleja y los observa a la distancia. Sobre el último tercio, aun pudiendo hacer algo más, desdibuja las acciones en busca de efectos, sin empatizar con ellos en la cadencia final.

“Gretel & Hansel” genera más expectativas que las que efectivamente es capaz de cumplir. A pesar de su acotada duración, por momentos se hace pesada, no fluye como se espera y transita hacia soluciones obvias y repetidas. Tal vez es una primera aproximación del director y su equipo en una búsqueda diferente en un género en el que cada vez se hace más complejo crear e innovar. Y está bien, si no se experimenta no se llega a nuevos resultados y tal vez esta película es un paso hacia aquel objetivo. Esperamos que sea así.

Ficha técnica

Título original: Gretel & Hansel
Año: 2020
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Género: Terror. Fantástico | Cuentos
Productora: Automatik Entertainment / Orion Pictures / Bron Studios / Wild Atlantic Pictures / Creative Wealth Media Finance. Distribuida por GEM Entertainment
Guion: Rob Hayes (Cuento: Wilhelm Grimm, Jacob Grimm)
Música: Robin Coudert
Fotografía: Galo Olivares
Reparto: Sophia Lillis, Ian Kenny, Charles Babalola, Alice Krige, Abdul Alshareef, Jessica De Gouw, Samuel Leakey, Loreece Harrison, Beatrix Perkins, Manuel Pombo Angulo
Dirección: Oz Perkins

Judy - Por José Blanco Jiménez

Cuando un médico le pregunta a Judy Garland si ha tomado remedios contra la depresión, responde: “Cuatro maridos”. Tiene 46 años, va a casarse una vez más y morirá pocos meses después de sobredosis de medicamentos.

Esta película, dirigida por Rupert Goold, está basada en la pieza teatral End of the Rainbow de Peter Quilter y relata los últimos meses de su vida, sin dinero, sin contrato millonario y con el riesgo de perder la custodia de sus hijos pequeños. Su exitosa hija Liza Minnelli aparece sólo un momento.

Se puede decir que la niñita Frances Ethel Gumm, nacida en Minnesota el 10 de junio de 1922 y fallecida en Londres el 22 de junio de 1969, vendió su alma a la Metro Goldwyn Mayer y terminó pagándolo caro.

El magnate Louis B. Mayer (Richard Cordery) aparece como un ogro omnipotente delante de una frágil jovencita, que se ha transformado en un artefacto (en sentido real y etimológico) de la empresa cinematográfica. La obligaron a consumir fármacos que le impidieron crecer, le quitaron el apetito para que su figura no cambiara, le quitaron el sueño que podía encontrar sólo con somníferos. Y le generó adicción por el resto de su vida: el show business terminó por devorarla.

La película salta de 1969 a 1939 y viceversa mostrando lo que es una trampa sin salida. Su tournée por la capital inglesa pudo haber sido la salvación, pero su existencia ya estaba arruinada por los estupefacientes, el alcohol y los aires de diva.

Definitivamente, al final del arcoíris no está el secreto de la felicidad y la frase "There's no place like home" (No hay mejor lugar que el hogar) es un símbolo de su principal carencia. No tiene hogar ni una familia. El filme deja en claro que se ha casado tantas veces no por ser una “devoradora de hombres”, sino porque busca protección y compañía. La invitación de los dos admiradores homosexuales a comer un omelette tiene sabor de parábola bíblica.

Interpretación desgarradora de Renée Zellweger, texana de origen escandinavo, que interpreta también las canciones y demuestra que es muchísimo más que Bridget Jones. En esta película ella ES Judy Garland. Y su extraordinaria caracterización ya es parte de la historia del cine. También es creíble, pero eclipsada, la inglesita Darci Shaw en su versión juvenil. Y no merece ser olvidada Jessie Buckley como la manager Rosalynd Wilder, dueña de una impecable expresión facial dentro de su británica compostura.

(Judy. Gran Bretaña, 2019)

31/1/20

Judy - Por Carlos Correa

La figura de Judy Judy Garland genera curiosidad. Tempranamente lanzada a la fama gracias a su brillante rol protagónico en “El mago de Oz” interpretando a la huérfana Dorothy Gale, los últimos meses de su carrera y de su vida son controvertidos. Judy sigue siendo una estrella pero vive ya su ocaso. Los problemas son imparables y pese a sus grandes esfuerzos para sobreponerse, fundamentalmente su temple y actitud, no consigue detener un declive que ya no tiene vuelta atrás.

Renée Zellweger encarna a Judy de una forma incombustible. Tanto internaliza el personaje que podríamos decir que ella es, en esencia, esa Judy que batalla con su vida, con sus problemas psicológicos, con sus adicciones, con sus temores y frustraciones, con su deseo de poder revertir su realidad y entregar a sus dos hijos menores lo que necesitan; una madre presente y preocupada por ellos.

Rupert Goold filma un guion de Tom Edge que coloca sobre la protagonista la responsabilidad y el peso total del relato. Renée Zellweger despliega un esfuerzo encomiable que la lleva a realizar una actuación memorable, que ya ha recibido merecidos premios y reconocimientos, y que sin duda será recordada por estar en un nivel muy alto. Pese a aquello, la cinta carece de un fondo con más sustancia y que entregue una narrativa con mayores elementos que permitan profundizar en la historia. Solo observamos los recuerdos de juventud de Judy mientras filmaba su ópera prima, lo que es muy importante pero insuficiente. Allí vemos cómo la joven Judy -Darci Shaw- bajo la supervisión y abuso de poder de Louis B. Mayer -Richard Cordery- sufre consecuencias producto de severas restricciones. Claro, la relación de ese oscuro pasado tiene consecuencias en el presente pero no logra explicar del todo el por qué Judy ha llegado al estado en el que se encuentra.

En una cinta de esta envergadura, con una actuación principal tan maciza, no es comprensible que para escenas musicales con una banda, no haya siempre músicos profesionales. Las mímicas percibidas en algunos cuadros disminuyen sus bonos de inmediato, tanto como los efectos de doblaje en el canto cuando no logran sincronizarse a pesar de una intencionada edición. La banda sonora, con algunos momentos muy altos, tampoco logra una mayor presencia emotiva pues varias escenas importantes no tienen sonido, solo diálogo, y aquello redunda en un contexto más vacío. Por cierto existe una salvedad y que es la gran escena final. Con una notable construcción emocional y audiovisual, aminora en algo la simpleza previa logrando una mejor sensación final.

Bravo por Renée Zellweger que se consagra con este papel tras haber aceptado un desafío enorme. Solo por ella vale la pena ir a ver la cinta, porque Renée llena la pantalla y logra que su personaje transmita fuerza y emoción. Aunque el desarrollo del metraje quede en deuda y la película no despegue, el magnetismo de Judy lo tendremos presente durante mucho tiempo.

Ficha técnica

Título original: Judy
Año: 2019
Duración: 118 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; BBC Films / Calamity Films / Pathé / 20th Century Fox
Género: Drama | Biográfico. Años 60. Música
Guion: Tom Edge (Obra: Peter Quilter)
Música: Gabriel Yared
Fotografía: Ole Bratt Birkeland
Reparto: Renée Zellweger, Rufus Sewell, Finn Wittrock, Michael Gambon, Jessie Buckley, Bella Ramsey, John Dagleish, Gemma Leah Devereux, Gaia Weiss, Andy Nyman, Fenella Woolgar, Phil Dunster, Julian Ferro, Royce Pierreson, Lucy Russell, Philippe Spall, Kate Margo
Dirección: Rupert Goold

Judy - Por Jackie O.

“En algún lugar sobre el arcoíris… Dorothy brilló”

Ya es muy conocido por todos los temas sobre los niños que nacen con un don y son explotados por familiares o sus agentes. Historias hay por cientos, y son una mina de oro si son llevadas a la pantalla. Y a Hollywood le encanta contar las historias de sus estrellas.

Pero si se trata de Judy Garland, la pantalla tiembla. Es un ícono del cine.

Comenzó a actuar a los 3 años en el teatro familiar, y a los 13 años firmó con MGM. Y para esa exigente vida laboral que le imponían la drogaban con anfetaminas y barbitúricos, que la llevaron a acostumbrarse a ello siendo parte de su día a día.

Renée Zellweger interpreta a esta diva en su último año de vida, en esa decadencia que ya la tenía sucumbida y en la soledad que no soportaba.

Renné desapareció un tiempo de la pantalla y renace con esta interpretación que la deja en lo alto.

Su maquillaje y gestualidad se acercan gratificantemente a Garland. Su interpretación es destacable, pero no así la narrativa completa de la película, Judy Garland se merecía una película más potente. La dirección queda debiendo y su manejo en las cámaras no es del todo adecuado.

La actriz que interpreta a Judy de pequeña, es totalmente creíble y sentí que el dramatismo caló más hondo que en su versión adulta.

Los actores secundarios no lucen su potencial, ya que se centran en Judy en todo momento. Ustedes dirán: “obvio es su vida”, pues no es obvio, hemos visto otras películas que los secundarios no opacan al protagonista, más bien lo potencian. Acá no es el caso.

Explotación infantil, la soledad, el precio de la fama, temas potentes tocados superficialmente en esta película.

La vida de Garland fue intensa. Y el director desaprovechó la historia, por lo que este biopic pasará a la historia como una buena película más (gracias solo, a su actriz principal. Que en realidad es lo único que se puede destacar al 100% de la película: Renné Zellweger).

Dirección, edición, montaje, vestuario, guion, etc. el director no se arriesgó, se quedó en hacer una película solo correcta.

Aún espero la película “visceral” de este talento, en donde la decadencia física y mental la llevó a la muerte a temprana edad.

Ficha técnica

Judy
Director: Rupert Goold
Año 2019. Duración: 1h 58m
Dirección: Rupert Goold
Guion: Tom Edge
Música Gabriel Yared
Vestuario: Jany Temime
Protagonistas: Renée Zellweger, Darci Shaw, Finn Wittrock, Jessie Buckley, Rufus Sewell, Michael Gambon, otros.
BF Distribución.