4/12/20

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 4 de Diciembre 2020

El periodista Jose Luis Nicolas conversa con Alejandro Caro y Carlos Correa en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección Cine con SIGNIS Chile.

Incierta Gloria - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.


1937, España, plena Guerra Civil. Al Frente de Aragón llega Lluís -Marcel Borràs-, un joven oficial republicano destinado al entrenamiento de soldados en un puesto de combate que se encuentra inactivo. Cuando conoce a “La Carlana” -Núria Prims-, se siente atraído por esta mujer, ya viuda, que tiene una particular historia en el pueblo y cuyos detalles Lluís desconoce completamente.

En el Frente de Aragón se encuentra también Juli Soleràs -Oriol Pla-, el mejor amigo de Lluís. Su lazo de amistad es sólido y prácticamente se sienten hermanos de la vida. Juli ha zafado a tiempo de la magnética Carlana, pero Lluís, como buen recién llegado, cede con ella, consiguiendo un certificado falso que la convierte en la gran Señora del lugar. La escena se completa en Barcelona, donde viven Trini, la mujer de Lluís y su pequeño hijo.

La película presenta situaciones de vida muy distintas. Un padre de familia deja todo atrás para cumplir su misión. Otro joven es idealista pero está confundido. Por su parte, la enigmática Carlana, está pendiente del poder y de defender su condición; una “viuda negra” o “araña”, manipuladora y sin escrúpulos. Un triángulo complejo, que por momentos se transforma en dos triángulos paralelos, cuyo límite no es sencillos de dimensionar. La historia entreteje tramas y subtramas, algunas profundas y otras que se aprecian como extraídas de otros géneros. El origen de la cinta es la novela de Joan Sales escrita en 1956, transformada en guion por Coral Cruz y el mismo director, Agustí Villaronga.

La guerra, el conflicto entre los bandos y la situación que se vive en el Frente de Aragón es solo un trasfondo. No es lo principal, porque los ejércitos se ven difusos, cuesta visualizar dónde está el verdadero antagonismo, aunque la frase de la Carlana es también una sentencia: “Señor, te damos gracias por permitir que la amistad y las alianzas aun sean posibles en medio de esta guerra tan cruel y por dejarnos vivir entre tanta muerte”. Vemos las crisis personales provocadas por diferentes acciones. De ese modo, el relato consiste en la exploración del comportamientos de sus protagonistas, el descubrimiento de sus afectos, las renuncias que están -o no- dispuestos a realizar y la permanente lucha entre lo ideal y la realidad.

Surgen cuestionamientos. ¿Qué se hace ante una situación de vida o muerte? ¿Mantenerse firme? ¿Dejar de lado los valores? ¿Cuáles son las principales motivaciones en este actuar? La cinta también explora diferencias sociales, muestra las relaciones entre patrones y servidumbre. La élite por un lado, el pueblo por otro. Hay secretos, historias y también pasiones, que son totalmente transversales. “Incerta glòria” deja al descubierto dudas éticas y morales en todas las situaciones que retrata y no escatima en mostrar los peores demonios que habitan las oscuridades de cada uno de los individuos.

Agustí Villaronga filma con un alto nivel estético. Las tomas son amplias en exteriores, cercanas y con poca luz en interiores. El director elabora un relato que bien puede suceder en cualquier escenario dado que su centro de gravedad son los actos de sus personajes. En ese sentido, la Guerra Civil aporta poco a la sustancia narrativa y se diluye con el correr de los minutos. Es cierto, es solo el escenario, el marco de fondo, pero se le entrega un papel que dista de la tensión inherente a un conflicto que trasciende a los involucrados.

“Incierta Gloria” se inscribe dentro del cine de autor. La mano de su realizador se percibe con cada toma, con cada secuencia y sobre todo con las actuaciones de sus protagonistas. En mi opinión, algunas partes resultan menos convincentes, tal vez por la dificultad de retratar la novela o bien por decisiones respecto al metraje. Sin embargo, y aun así, apreciamos una obra que, superando algunas capas, es capaz de producir intriga y mantenernos inquietos en sus casi dos horas de duración.

Ficha técnica

Título original: Incerta glòria
Año: 2017
Duración: 115 minutos
País: España
Productora: Massa d'Or Produccions
Género: Drama | Guerra Civil Española. Años 30
Guion: Agustí Villaronga, Coral Cruz (Novela: Joan Sales 1956)
Música: Marcús Jgr
Fotografía: Josep M. Civit
Reparto: Marcel Borrás, Nuria Prims, Oriol Pla, Bruna Cusí, Luisa Gavasa, Terele Pávez, Juan Diego, Fernando Esteso, Bruno Bergonzini, Mario Alberto Díez, David Bages, Jorge Usón, Roger Casamajor, Rubén Jiménez Sanz
Dirección: Agustí Villaronga

Hillbilly, una Elegía Rural - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.


Un drama familiar verdadero, conmovedor y ejemplar. Inteligente como relato y con espléndidas actuaciones.

Autobiografía de J.D. Vance, un humilde muchacho campesino que llegó a recibirse de abogado gracias a su perseverancia, y superando obstáculos que parecían insalvables.

Provenía de una antigua casta estadounidense llamada “hillbillys”. Término peyorativo para los habitantes de ciertas áreas remotas, rurales o montañosas.

Se supone que, a pesar de los progresos tecnológicos, seguirán, en su mayoría, siendo rústicos y primitivos.

Su gran baluarte es el valor que le otorgan a la Familia. Aunque sus miembros caigan en inevitables aberraciones, éste es el vínculo más sagrado que los mantiene unidos y solidarios.

Con un estupendo juego de “raccontos” conocemos la historia de J.D. desde niño, adolescente, ex marine, estudiante universitario, y adulto que debe enfrentarse al feroz dilema de realizarse como hombre libre o caer en el pantano de un linaje decadente y sin destino.

Será testigo de cómo su madre, Bev, teniendo capacidades para surgir cae en la drogadicción, acumulando maridos y amantes, sin alcanzar jamás la madurez estabilizadora.

Tampoco los demás miembros familiares son capaces de abrirse a mejores horizontes.

Gracias al fabuloso personaje de la Abuela - igualmente víctima del miasma, pero llena de sabiduría - J.D. logra salir a flote en medio de rémoras que muy pocos habrían logrado superar.

Aunque la historia es triste, la calidad de las actuaciones es tan eximia que nos envuelve en una visión diáfana y compasiva del drama y de sus personajes.

Amy Adams (La Llegada 2016 y Escándalo Americano 2013) como Bev, la madre drogadicta, deslumbra como pocas veces en un rol lleno de desafíos. Y la ya consagrada Glenn Close (La Esposa 2017 - Atracción Fatal 1987) - casi siempre brillante en roles glamorosos - nos impacta aquí con la caracterización insólita de una abuela vieja, fea, rústica y zaparrastrosa, pero cargada con atávica sabiduría ancestral. Con tan pocas palabras transmite lo inefable.

Cada personaje fue bien elegido: con sólo mirarlos se deduce su carácter e historia de vida. En lo más hondo todos quisieran huir de las angustias del pasado familiar, pero les resulta imposible.

El doloroso triunfo del joven J.D. y la repercusión en la vida de sus parientes consolida la palabra “elegía” del título: canto fúnebre para una casta que agoniza.

UNA OBRA ADAPTADA, DIRIGIDA E INTERPRETADA CON LA INTELIGENCIA Y EL CORAZÓN DE SUS ARTISTAS. EXCELENTE.

Ficha técnica

Titulo Original: Hillbilly Elegy
2020 Drama existencial EE.UU. - 1,56 hrs. 
Fotografía: Maryse Alberti 
Edición: James Wilcox 
Música: David Fleming, Hans Zimmer 
Diseño Prod.: Molly Hughes 
Guion: Vanessa Taylor, J.D. Vance 
Actores: Amy Adams, Glenn Close, Gabriel Basso 
Director: Ron Howard

Lázaro Feliz - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en Netflix.


Cuento alegórico que ganó el Premio Cannes Mejor Guion 2018 por la candidez de su relato, y por la ambigua interpretación de sus símbolos.

Con aparente simplicidad y hermosura visual, nos entrega tal acervo de metáforas que, de haberlas jerarquizado, habría aportado una premisa más sólida y profunda.

La mezcla de crudo neo-realismo italiano (Risi,Visconti y Rossellini) con elementos de inocencia y magia (De Sica y Fellini), y por su falta de unidad lógica nos deja en tierra de nadie. Si consigue conmover al público es por la ingenuidad seráfica de su protagonista Lázaro (Adriano Tardiolo) “Es un ángel entre nosotros”. (Desde el Jardín - 1979 - Kosinski, Hal Ashby).

¿Y cómo lanza la joven directora y guionista Alice Rohrwacher una denuncia humanitaria con esos ingredientes? Pues recurriendo al viejo truco de Washington Irving (1783-1859) con su leyenda folclórica de Rip Van Winkle: haciéndolo dormirse en el pasado, despertar en el presente, y enfrentarse a lo más abyecto de la sociedad. Como la misión le resulta imposible, la autora echa mano al poema Los Motivos del Lobo, de Rubén Darío, y, evocando las raíces primitivas del hombre, se refugia en El Lobo Estepario de Hermann Hesse: la nula identificación con la sociedad burguesa contemporánea.

Siempre será efectivo contrastar una criatura absolutamente ingenua y pura con personas vulgares, astutas, explotadoras y perversas. El resultado será - inevitablemente - la redención idealizada de los malos (Milagro en Milán 1951 -De Sica) o el martirio del inocente (El que Debe Morir - 1957 - J. Dassin. o La Pasión de Cristo - 2004 - M. Gibson).

Sin embargo, si obviamos los eclecticismos literarios, la película nos resultará grata por sus atmósferas populares, sus personajes tan esquemáticos, la belleza de sus paisajes, y una brisa poética, entre torpe y bonachona, que los envuelve a todos.

Ignoramos si Lázaro, un campesino adolescente, es retardado mental o un santo en vida. Sin reflexionar, ayuda y obedece a todos, en todo momento. Cuando sube a un cerro buscando a su medio hermano aristocrático y presumido, se desbarranca y queda inconsciente. Un lobo que merodeaba se arrepiente de comérselo porque huele a “bondad”. Lo dan por perdido y muerto. Treinta años después despierta del coma y va en busca de sus conocidos en medio de un mundo completamente transformado. Por su impúdico candor será agredido como peligroso, y su alma se identificará con un lobo que huye perseguido a internarse para siempre en las montañas.

QUE CADA ESPECTADOR ENTIENDA LO QUE PUEDA, Y SE DEJE LLEVAR POR SUS EMOCIONES. ¡FELICIDADES Y BUENA SUERTE! 

Ficha técnica

Título Original: Lazzaro Felice
2018 Drama, alegoría Italia, Suiza, Francia, Alemania - 2, 08 hrs. 
Fotografía: Hélène Louvart 
Edición: Nelly Quettier 
Diseño Prod.: Emita Frigato 
Actores: Adriano Tardiolo, Alba Rohrwacher, Luca Chikovani 
Guionista y Directora: Alice Rohrwacher

2/12/20

Medianoche en el Magnolia - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.

Dos jóvenes conductores radiales, Maggie Quinn -Natalie Hall- y Jack Russo -Evan Williams-, tienen gran éxito con su programa matutino en una radio local de Chicago. Ellos se conocen desde pequeños, son mejores amigos y sus familias se encuentran unidas desde toda la vida.

Tanto es la repercusión del programa que surge como oportunidad única la posibilidad de emitirlo con alcance nacional. Como uno de los principales puntos que abordan cada día son los consejos a personas sobre relaciones personales, Maggie y Jack ejemplifican todo con sus propias vidas. Y los consejos los aplican también ellos mismos. Por ejemplo, acaba de pasar Nochebuena y aún ninguno de los dos ha presentado su pareja a la familia.

La audiencia nacional es un éxito y por supuesto se requiere más. Surge entonces la idea de celebrar el Año Nuevo en directo, oportunidad en que, ahora sí, presentarán a sus novios en el magno evento, que será, ni más ni menos, en el “Magnolia”, el restaurant familiar. Pero esto es película y por supuesto todo falla, por lo que la joven pareja debe improvisar un plan: fingir que en realidad ellos dos son pareja para hacerlo público con el “beso de medianoche”.

La cinta es livianísima y sin una pizca de pretensión. El guion es ágil y por supuesto carece de propuestas más arriesgadas cuando atisba temas un poquito más densos. No importa. Es bueno distraerse y una cinta de este tipo consigue el objetivo, aunque esté llena de muletillas, frases olvidables, numerosos vacíos e inconsistencias.

Lo que funciona, y bastante bien, es la química entre Natalie Hall y Evan Williams. Desde el comienzo se nota su complicidad, su comodidad y simpatía. Logran que los veamos con una sonrisa y que no cuestionemos sus actuaciones. Esa libertad de cuerpo es la que permite que la cinta fluya a pesar de algunos secundarios que, la verdad, no aportan mucho, en especial Hunder, el novio de Maggie.

“Midnight at the Magnolia” es un “placer culpable” en medio de dramas y otras cintas con notable peso dramático. Es un descanso, necesario al fin y al cabo, mirar algo diferente y recordar que el cine permite variedad de opciones para que podamos elegir según gustos, estados de ánimo y disposición. ¿Y si en una de esas descubrimos que el amor está más cerca de lo que pensamos? Tal vez podamos darle una oportunidad.

Ficha técnica

Título original: Midnight at the Magnolia
Año: 2020
Duración: 87 minutos
País: Canadá
Productora: Neshama Entertainment. Distribuida por MarVista Entertainment, Netflix
Género: Drama. Romance | Radio
Guion: Carley Smale
Música: Adam Damelin
Fotografía: Jonathan Kischel
Reparto: Natalie Hall, Evan Williams, Alison Brooks, Olivier Renaud, Susan Hamann, Victoria Maria, Michael Gordin Shore, Hannah Gordon, Sean Williams
Dirección: Max McGuire

Incierta Gloria - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Año 1937, en el Frente de Aragón, en plena Guerra Civil Española. Lluís ((Marcel Borras), un joven oficial republicano, destinado a un puesto temporalmente inactivo en un páramo desierto, conoce a una enigmática viuda la Carlana (Nuria Prims) de la que se enamora; pero Lluís tiene de pareja a Trini (Bruna Cusi) y son padres de un niño, por otra parte Juli,(Oriol Pla) amigo del primero está enamorado de Trini. Los dos hombres se encuentran en el frente, mientras la mujer permanece en Barcelona.


“Incerta Glòria”, está basada en la novela homónima de Joan Sales, quien participó en esa guerra, por lo tanto, sus personajes seguramente están construidos como protagonistas en primera persona.

Agustí Villaronga, es un prolífico actor, guionista y director de cine mallorquín, diríamos hoy, ya de culto. El 2020 está rodando “El ventre del mar”, abordando el tema de la sobrevivencia y atrocidad humana, de una novela del italiano Alexandro Baricco. Sugiero dar un mirada a su literatura.

La historia de “Incierta Gloria” usa como telón de fondo la Guerra Civil Española para traernos personajes que van recorriendo lo más profundo de su lado oscuro, a veces lados miserables del espíritu humano. Con un entorno rural que ayuda a provocar el surgimiento de esa oscuridad, eso no quiere decir que en el mundo urbano no suceda lo mismo, pero la guerra también ayuda a explorar ese lado oscuro de la naturaleza humana.

Los personajes de esta obra son muy verosímiles en sus roles, profundos, inquietantes, provocando más de alguna sorpresa al espectador. Cada uno de ellos tiene sus propios conflictos relacionales que, para bien o para mal, se tocan entre ellos, a veces en un camino sin salida. Por momentos es dura y cruel. El director los exige al máximo, por ejemplo la Carlana, quien es denominada como una araña o una viuda negra que te puede atrapar y destruir. Su actuación es muy convincente, dejando al descubierto que no tiene escrúpulos para utilizar a los demás y alcanzar sus objetivos de poder económico y social en la comunidad.

Como muchas cosas en la vida, la incierta gloria es un momento fugaz, cuan estrella que muere, rodeada de una profunda oscuridad.

Obra, muy bien lograda en los aspectos técnicos. Excelente cine. 

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Incerta glòria 
Año: 2017 
Duración: 115 min. 
País: España 
Dirección: Agustí Villaronga 
Guion: Agustí Villaronga, Coral Cruz (Novela: Joan Sales) 
Música: Marcús Jgr 
Fotografía: Josep M. Civit 
Reparto: Marcel Borrás, Nuria Prims, Oriol Pla, Bruna Cusí, Luisa Gavasa, Terele Pávez. 
Género: Drama | Guerra Civil Española. Años 30. 
Productora: Massa d'Or Produccions. 

Premios 
2017: Premios Goya: Nominada a Mejor guión adaptado 
2017: Premios Feroz: Nominada a Mejor actriz (Prims) y Mejor actor sec. (Pla) 
2017: Premios Gaudí: 8 premios, inc. Mejor actriz (Prims) y actor sec.

Shrek, Ogrorisa la Navidad - Por Jackie O.

“Una navidad en el pantano”.

Sinopsis: Justo cuando Shrek pensaba que por fin podría sentarse y relajarse en su ciénaga para disfrutar de su recién ampliada familia... llega la Navidad. Y todo el mundo está feliz, excepto Shrek. En estas fechas, el ogro no es precisamente la viva imagen de la alegría. ¿Qué pasará?


En 22 minutos aproximadamente podrás disfrutar de este simpático Ogro que supo hace unos años ganarse el cariño de todos. 

Burro le recuerda que se acerca navidad insistentemente, al estilo Burro, y Shrek quiere que esas fiestas pasen sin pena ni gloria, pero Fiona se crío como humana prácticamente y adora navidad, en especial porque ese año nacieron sus retoños y quiere darle esa alegría.

¿Qué hará Shrek quien nunca ha celebrado navidad?

Bueno, busca ayuda o trata. Y se empeña por hacer algo especial sin saber qué hace.

Quiere estar con su familia esa noche, pero lo interrumpen. Llegan a visitarlo sus amigos de forma inesperada: Jenji, Pinocho, Lobo, los cerditos, las ratas y demás. Vienen con toda la alegría del mundo a celebrar, haciendo sus travesuras.

Pero Shrek quiere que se vayan, diciéndoles que quiere estar con su familia y no ellos, desatándose una serie de situaciones graciosas, pero también con una lección aprendida de forma dura, donde nuestro amigo verde deberá, a la mala, aprender el significado de familia.

La película está hecha muy luminosa para que llame la atención visualmente a los niños y a los no tanto,  y nos podamos entretener. Un guion inteligente que de manera ágil nos da una lección bonita. Con la música apropiada nos da un buen momento y con una duración más que suficiente. 

Shrek aprendió que familia es más allá de los lazos sanguíneos, es la que vas construyendo también con el tiempo.

Muchas familias a veces no son unidas, y tienes amigos que están mucho más cerca y te brindan amor.

Y los más afortunados cuentan con el apoyo y unión de su familia consanguínea y también amigos, esos que van naciendo con el tiempo.

Unas fechas donde el amor y la felicidad está en el aire, y hay que vivirlas juntos a nuestros seres queridos, y si están lejos no olvidarlos. Y también brindar cariño a quienes se encuentren solos.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Otros títulos: Shrek the Halls (Shrek Ogrorisa la Navidad, y Shreketefeliz Navidad)
Fecha de estreno: noviembre de 2007 (Estados Unidos)
Director: Gary Trousdale
Música compuesta por: Harry Gregson-Williams
Precuela: Shrek tercero
Género Fantasía, cine navideño, película basada en un cuento de hadas y comedia.
Duración: 27 minutos
Producido por DreamWorks Animation.
Reparto:
Shrek, Mike Myers (Alfonso Obregón)
Burro, Eddie Murphy (Eugenio Derbez)
Princesa, Fiona Cameron Diaz (Dulce Guerrero)
Gato con Botas, Antonio Banderas
Jengi, Conrad Vernon (Jesús Barrero)
Empleada de librería Marissa Jaret Winokur (Karla Falcón)

1/12/20

El Grinch - Por Jackie O.

“Siempre hay uno cerca”. 


Quién no ha escuchado sobre este personaje, incluso ya es un apodo muy recurrente para personas que no disfrutan estas fiestas navideñas.

Personaje que nació del libro infantil “¡Cómo el Grinch robó la Navidad!” (How the Grinch Stole Christmas!) Escrito por el Dr. Seuss en versos con rima e ilustraciones del mismo autor, y publicado en 1957. El libro critica la visión de la Navidad como algo comercial y satiriza a aquellos que obtienen beneficios explotando la época navideña.

Ha habido muchas adaptaciones: animadas, en 3D, títeres, etc. Pero esta película, si no la viste, te invito a hacerlo porque es entretenida y bien hecha a mi parecer.

¿Quién es el Grinch? es un ser que odia la navidad, ermitaño, huraño, su corazón es dos tallas menos y demasiado odioso, que vive solo con su perro en las altas montañas lejos de “Villaquien”. Pero al escuchar a los “Quienes” que disfrutan estas fiestas al máximo, él no lo soporta y va a hacer algo para acabar con su alegría, ideando un plan para acabar con eso tan repulsivo para él que es la felicidad. Pero no contaba con que la pequeña “Cindy Lou Quién” entraría en su vida, lo que provoca muchas situaciones que descolocan a nuestro peludo amigo.

A Jim Carrey, por su histrionismo, le queda muy bien el rol, al punto que improvisó en algunas escenas que le encantaron al director.

A pesar de que la crítica especializada en su momento no le gustó mucho esta película, es una de las más taquilleras de la historia navideña y necesaria para navidad, de esas que no aburre. La historia es contada con gracia y ternura. La química entre el Grinch y la pequeña Cindy es muy fluida y natural.

La fotografía luminosa y opulenta, ideal para expresar lo que se quiere contar. La historia de cómo el Grinch es como es, pasa a ser muy original. Y los CGI están bien logrados.

Esta película tiene varias curiosidades dentro de las cuales, y que le valió el Oscar a mejor maquillaje, muy válido, es que Jim tenía que someterse a 3 horas aprox. en maquillarse y 1 hora para quitárselo. Sin dejar de mencionar que el maquillaje de todos resalta, y antes de ésta, El Mago de Oz había sido la película con mayor cantidad de personajes maquillados.

Para crear Villaquien se usaron 52 mil luces, 8 mil adornos y 2 mil bastones aprox., además se usaron dobles del Cirque du Solei.

La película tiene mucho de inventado que no figura en el libro, es más, el corto original solo dura 12 minutos. Y el Grinch no es originalmente verde, es blanco y negro con toques rojos y rosas, pero en la adaptación animada de 1966 de Chuck Jones, le dio el color verde porque se dice que era el color que tenía unos autos que a él le gustaba.

Otras curiosidades, es que el Director dirigió la película un día entero vestido y maquillado del Grinch para entender como efectuar los trabajos y dirigir a Jim.

El perro Max, en realidad es una perra llamada Kely encontrada en un refugio de animales.

Bueno, hay muchas otras curiosidades de esta película que harían muuuuy extenso este post.

Pero la moraleja que debemos tener clara y poder enseñarles a los niños principalmente, y que entrega el cuento y esta película, es que la Navidad es mucho más que regalos, adornos y banquetes. Es unión, alegría y poder compartir con otros. Los regalos son bonitos, pero es un detalle.

Una película especial para levantar el ánimo, y que yo no me aburro de verla.

Disfrutemos estas fiestas con alegría y amor. Porque yo me siento Cindy Lou.

Disponible en Netflix y YouTube

Ficha técnica

Dirección: Ron Howard
Guion: Jeffrey Price y Peter S. Seaman
Basada en ¡Cómo el Grinch robó la Navidad! de Dr. Seuss
País: EEUU 
Año: 2000 
Duración: 105 minutos 
Género: Comedia y Fantasía
Música: James Horner
Fotografía: Donald Peterman
Montaje: Dan Hanley y Mike Hill
Reparto:
Narrador: Anthony Hopkins (le tomó solo un día hacer toda la narración)
Jim Carrey - El Grinch
Josh Ryan Evans - El Grinch niño
Taylor Momsen - Cindy Lou Quién
Jeffrey Tambor - alcalde Augustus May Quién
Christine Baranski - Martha May Quiénvier
Bill Irwin - Lou Lou Quién
Molly Shannon - Betty Lou Quién

Operación Feliz Navidad - Por Jackie O.

“Una simple comedia romántica, para levantar el espíritu navideño”. 


Sinopsis: Mientras ERICA una asistente del Congreso recopila pruebas que respalden el cierre de una base aérea estadounidense, se enamora del capitán Andrew Jantz, KLAUS, quien sabe que si ella triunfa, la base se cierra.

Este filme es una comedia sencilla, predecible y empalagosa, donde tenemos a un hombre bueno y desinteresado, con la mujer fría y calculadora, como protagonistas. Así que si quieres ver algo más elaborado cambia de canal.

Es simple y relajada porque no tienes que pensar nada, solo entretenerte.

De qué trata: Existe una base militar estadounidense en una isla cercana, quien como militares de la fuerza aérea están pendiente ante cualquier conflicto y que se requiera su presencia, pero mientras tanto mantienen la base ayudando a la comunidad, así como a otras islas del sector.

Pero existe una congresista que quiera cerrar dicha base ya que señala que malgasta recursos económicos para el país, por lo que manda a su asistente a efectuar un reporte que señale las falencias del lugar con el fin de cerrar la base.

Así que Erika, con sus tacos y moño ejecutivo llega a dicha isla, donde el encargado de mostrarle el lugar y el trabajo es KLAUS, el apodo de un capitán del lugar.

Ojo que no hablamos de aborígenes que viven en esta isla que desconocen el mundo, solo es gente simple sin grandes comodidades.

Al conocer el trabajo que realizan, y al no encontrar ninguna deficiencia, la actitud de Erika cambia, y de tacones pasa a zapatillas, y de moño, a su cabellera al viento. Este grupo de personas proporciona ayuda a la gente, en especial en navidad. Haciendo lo posible para que diversas islas disfruten esa fecha.

Estamos casi en navidad, y ambos están lejos de sus familias por diversos motivos. Y la cercanía entre ellos es evidente.

Cuando Erika se encuentra con la Congresistas quien está dispuesta a cerrar la base, ésta le recuerda todo su discurso cuando se estaba postulando a su cargo público, con el fin de sensibilizarla.

La película contó con un bajo presupuesto, pero eso no es excusa para haber trabajado mejor el guión, donde los diálogos debieron haber sido más memorables.

Los personajes son muy simples, donde faltó darle profundidad y conflictos para que a nosotros no se nos haga tan simple prever lo que va a pasar.

Pero sí cuenta con una buena dirección y fotografía, que logra resaltar la hermosa isla de Guam.

Como dato curioso, es que la base y la operación “Christmas Drop” existen, y se lleva a cabo en la Micronesia desde 1952 hasta la actualidad, por la Fuerza Aérea de los Estados Unidos.

Y al finalizar la película muestra fotografías reales de las actividades que han realizado desde ese entonces. 

Por qué verla: Porque es una historia muy simple que muestra buenas acciones en el ser humano.

Nos recuerda que muchas personas pasan estas fiestas sin sus familias.

Los exóticos y deslumbrantes paisajes de la isla de Guam.

Los protagonistas tienen buena química, resultan convincentes.

Por qué tal vez no verla: Es una película olvidable, y el guion es flojo, cuya originalidad brilla por su ausencia.

Hay opiniones divididas en cuanto a mostrar este trabajo, en el sentido de que algunos dicen que ponen a los EEUU como héroes al hacer esta acción, una especie de propaganda. Y otros, que es bueno resaltar las buenas acciones, vengan de donde vengan.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: Operation Christmas Drop
Año: 2020 
Duración: 95 minutos
País: EEUU
Dirección: Martin Wood
Guion: Gregg Rossen y Brian Sawyer
Género: Romance. Comedia. Navidad
Reparto:
Kat Graham como Erika
Alexander Ludwig como Klaus.
Virginia Madsen, Aaron Douglas, Trezzo Mahoro, Xavier de Guzman, Jeff Joseph.

30/11/20

Pájaros de Verano - Por Carlos Correa

En Cine Arte Normandie.

Esta película, ambientada entre las décadas de 1960 y 1980, narra la historia de una familia Wayúu en el desierto de Guajira, Colombia. Rapayet -José Acosta-, pide la mano de la joven Zaida -Natalia Reyes-. La matriarca del clan de los Pushaina, Úrsula -Carmiña Martínez-, exige una dote prácticamente impagable; treinta cabras, veinte reses, dos mulas y cinco collares. Rapayet, contra todo pronóstico, logra conseguir el pago gracias al incipiente y lucrativo negocio que inicia con su primo Moisés -John Narváez-; la venta de marihuana a los Estados Unidos. 

Una vez producida la unión de las familias, el negocio prospera. Contactos con otro clan permiten ampliar el horizonte, crecen los embarques y los cargamentos. Pero esta bonanza acarrea consecuencias. La riqueza y el poder traen conflictos. La competencia por el control del tráfico se agudiza y los pasos en falso se pagan con la vida. La familia no está en paz, el peligro acecha y esta modernidad rivaliza con sus ancestrales tradiciones.

Ciro Guerra y Cristina Gallego dirigen un guion escrito por Maria Camila Arias y Jacques Toulemonde que se cocina a fuego lento, sin prisa pero sin pausa. El inicio es difícil. Es necesario dar contexto a la forma de vida y a las costumbres nativas. Sin embargo, a los 45 minutos todo cambia gracias a un golpe que nos saca de la ensoñación. Desde ese momento, la escritura es intrigante, va de menos a más, crece la tensión, comprendemos la dirección del relato.

La configuración de la narrativa es poética, con imágenes y entornos que forman dibujos que nos llevan poco a poco hacia la contemplación. Hablada mayoritariamente en lengua Wayúu, cada capítulo de la cinta -sus cinco Cantos-, resuena con su propia e incesante voz.

El foco en las tradiciones y los valores se contrapone con el cambio de condiciones materiales producto de los mayores recursos económicos. La importancia de la tierra, sus raíces, sus creencias, y la lucha por el bienestar de la familia, hacen que los clanes disputen su prevalencia en la zona. La ambición por nuevos negocios y la prosperidad que brinda el dinero no son suficientes para una disputa de poder que no da tregua y que se ve incrementada al estar en juego el honor. Una afrenta tiene el deber de ser vengada, a como de lugar, incluso tomando la ofrenda de la vida.

“Pájaros de verano” es una cinta reflexiva, profunda, en especial por la intervención de la que da cuenta. Refleja un cambio cultural, una colisión entre las tradiciones y los cambios que acarrea la modernidad. Queda como anécdota el “anticomunismo” de los compradores extranjeros y el “capitalismo” de los nuevos empresarios, pero sin duda, es un tema de fondo.

Basada en una historia real -no sabemos cuánto es verdad y cuánto es ficción-, la cinta se interna en la humanidad de las familias protagonistas, sus sueños, sus ambiciones y también sus temores. Deja muy claro los efectos de una guerra motivada por el odio. La venganza se transforma en sinónimo de devastación. La metafórica presencia de las bandadas de pájaros, mira desde lejos y revela lo más profundo del sentido de pertenencia, las raíces y la cultura de este pueblo. La vida ya no es la misma, los valores se ven trastocados y en estos nuevos tiempos, es la supervivencia lo principal.

Ficha técnica

Título original: Pájaros de verano
Año: 2018
Duración: 125 minutos
País: Colombia
Productora: Coproducción Colombia-Dinamarca-México; Ciudad Lunar Producciones, Blond Indian Films, Pimienta Films, Snowglobe Films, Films Boutique, Ibermedia
Género: Drama | Drogas. Mafia. Familia. Años 60. Años 70
Guion: Maria Camila Arias, Jacques Toulemonde
Música: Leonardo Heiblum
Fotografía: David Gallego
Reparto: Carmiña Martínez, José Acosta, Natalia Reyes, Jhon Narváez, Greider Meza, José Vicente Cote, Juan Bautista Martínez
Dirección: Ciro Guerra, Cristina Gallego

El silencio - Por Jackie O.

“No hacer ruido es la salvación”.

Sinopsis: Un equipo de investigación de cuevas descubre una especie desconocida de criatura alada en una mina. Las criaturas matan violentamente a los investigadores, y salen volando de la mina provocando el caos en la ciudad. Y al mínimo ruido, matan. 


Esta es una película de terror basada en la novela del mismo nombre escrita por Tim Lebbon, y relata el ataque de unas extrañas criaturas aladas que cazan mediante el sonido.

Bueno, la premisa debe recordarles una película que se estrenó en el cine y que está próxima a estrenarse su segunda parte. Pero dicha película no está basada en el libro, por lo que tiene otra forma de contarnos la historia.

Pero volvamos a “The silence”, la película no es mala pero llegó tarde y eso hace que comiencen esas comparaciones inevitables con aquella película que cautivó a muchos.

Tenemos acá a una ciudad que al verse envuelta en esta “plaga” de bichos que matan a quien se cruce y haga ruido es estresante, así que esta familia hace lo posible por sobrevivir.

El libro debe ser muy entretenido, pero esta película tiene muchas situaciones incoherentes ya que los hechos que vemos suceden en unos pocos días y ya hay sectas raras, cambios de domicilios inadecuados o formas que se pueden combatir a las criaturas que no usan, por decir algunas. Actúan como si hubieran pasado años, y fueron solo días. Ahí falló su director y guionista con no plantearnos algo que indicara que pasaba el tiempo e incluso los años para los sobrevivientes.

Las actuaciones de esta familia protagonista son buenas y creíbles, en especial el padre que debe llevar el peso de proteger al resto, y su hija quien tiene problemas de audición y eso hace que los momentos que vive sean interesantes. Los secundarios están entre aceptables y más menos. Pero sirven para contar la historia.

Los CGI y efectos de sonido están bien logrados.

Aun así, sabe mantener la tensión y captar la atención del público porque no te aburres. Se deja ver a pesar de todo.

The Silence tiene potencial para ser algo más. Da para una segunda parte o una secuela en forma, tal vez, de serie que nos pueda narra los hechos que tienen lugar después de la película sobre cómo los supervivientes de este apocalipsis se han adaptado para permanecer en completo silencio.

Puede que una serie sea más prometedora si se trabaja concienzudamente.

Ya tenemos películas con no hacer ruido y sin mirar, que viene después? ¿Olores?

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: The Silence
Dirección: John R. Leonetti
Guion: Carey Wayne Van Dyke y Shane Van Dyke
Música: Tomandandy
País: Alemania y EEUU 
Año: 2019
Género: Terror y Género
Terror. Ciencia ficción. Monstruos. Futuro postapocalíptico. Supervivencia.
Basada en una novela.
Duración: 90 minutos 
Idioma: Inglés
Reparto:
Stanley Tucci como Hugh Andrews.
Kiernan Shipka como Ally Andrews.
Miranda Otto como Kelly Andrews.
Kate Trotter como Lynn.
John Corbett como Glenn.
Kyle Harrison Breitkopf como Jude Andrews.
Dempsey Bryk como Rob.
Billy MacLellan como El Reverendo.

Jefa por accidente - Por Jackie O.

“No dudemos de nuestro talentos”. 

Sinopsis: Una funcionaria de una gran cadena de autoservicios no es tomada en cuenta para un mejor puesto y decide cambiar su vida radicalmente. Demostrando así que la inteligencia en terrero es tan valiosa como un título universitario. 


Maya es una cuarentona sexy, inteligente, muy carismática y emprendedora, con un novio que la ama y grandes amigas, pero en su trabajo, al cual le ha dedicado 15 años, no la valoran, no le dan un puesto que aspiraba por no tener un título universitario. Así que su ahijado, hijo de su mejor amiga y ella, le crean un currículo falso sin contarle a Maya, y debido a eso es contactada por una gran empresa, es allí en donde no sabe si comenzar esta gran aventura de ser una mujer exitosa.

Pero lo hace, logra ese buen empleo en esta gran empresa de cosméticos después de aplicar inteligentemente en la entrevista sus conocimientos sobre estrategia de ventas, y aun cuando su currículum era falso, logra demostrar sus habilidades y talentos.

Está feliz porque es valorada profesionalmente, pero está inquieta porque sabe que mintió con sus estudios, y todos se fijan en esos detalles: donde estudiaste, conociste a tal persona, perteneciste a x club, etc. todo asociado a universidades.

Esta es una película básica, simple y divertida, que nos muestra la realidad de lo que ocurre hoy en algunas empresas que miran la cantidad de títulos pero ignoran el talento y la pasión.

Una película que sin duda no solo nos enseña a confiar en nosotros mismos y en nuestras capacidades, sino también cuán importante es ser honestos en todos los aspectos de nuestra vida.

Además habla de los reencuentros, la familia y las segundas oportunidades.

Guion nada de original y lleno de clichés, pero las actuaciones son buenas que la hacen muy amena.

Banda sonora adecuada, y el vestuario de oficina es bello.

Lo menos bueno fue el romance que forzadamente se incluyó, y que no le sacaron un buen provecho.

Una película que es ideal para ver en este tiempo donde los ánimos están bajos, y necesitamos algo de positivismo que nos anime.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Título original: Second Act
Dirección Peter Segal
Guion: Justin Zackham y Elaine Goldsmith-Thomas
Música: Michael Andrews
Fotografía: Ueli Steiger
Montaje: Jason Gourson
País: EEUU 
Año: 2018
Género: Comedia, romance y drama
Duración: 103 minutos 
Idioma: Inglés
Reparto:
Jennifer Lopez como Maya.
Vanessa Hudgens como Zoe.
Leah Remini como Joan.
Annaleigh Ashford como Hildy.
Freddie Stroma como Ron.
Dan Bucatinsky como Arthur.
Milo Ventimiglia como Trey.

29/11/20

Pájaros de Verano - Por Juan Pablo Donoso

Tragedia antropológica del ocaso de una cultura ancestral colombiana. 

Magistralmente escrita y realizada. Uno de sus directores - Ciro Guerra - ya nos impactó en 2015 con otra obra maestra, El Abrazo de la Serpiente (SIGNIS 23/9/16), y antes con Los Viajes del Viento - 2009. Su sensibilidad por los pueblos originarios latinoamericanos se transforma en denuncia y poesía cinematográfica.

Narra hechos reales en la región norteña de La Guajira, década 60 y 80. Las tribus indígenas “wayúu” vivían en paz cultivando la tierra y apacentando su ganado. Durante siglos se rigieron por códigos tan sólidos como: “Si hay familia hay Prestigio, si hay prestigio hay Honor, si hay honor hay Palabra, si hay palabra hay Paz”.

El joven Rapayet quiso desposar a la bella Zaida. Pero, por tradición, sólo le otorgaban su mano a cambio de una convenida dote. Como el muchacho aún era pobre debía trabajar más tiempo para conseguirla.

Un primo suyo, Moisés, le sugirió vender hojas de marihuana a unos estadounidenses del Cuerpo de Paz que estaban de paso en aquel territorio. Gracias al dinero obtenido, pudo aportar los bienes agrícolas requeridos para cumplir con la dote, y casarse con Zaida. Pronto se corrió la voz de este negocio.

La posibilidad de ganar dinero fácil vendiendo plantas locales a traficantes de droga extranjeros, les abrió el apetito por elevar su nivel de vida, y entrar así en una espiral de ambición inagotable.

Las hermosas costumbres rituales, con danzas, vestuarios y mitos, comenzaron a deslavarse ante la prosperidad material que deslumbraba a los más jóvenes, e iba desplazando a los ancianos hacia rincones de meras leyendas arcaicas y creencias.

La codicia fue desatando rivalidades entre familias, atropello a las tradiciones, alcoholismo, asesinatos y venganzas. Como en una tragedia griega, esas familias cayeron en el infierno del “ojo por ojo, diente por diente” de nunca acabar.

Dividida en 5 capítulos progresivos de corrupción, se van desintegrando en pocos años esos valores morales que durante siglos sustentaron a los habitantes de aquella inocente sociedad campesina.

Casi todos los actores son auténticos “wayúu”, y hablan en su dialecto. Sobria y sencilla, con un ascetismo natural, minuciosidad en los detalles que incluyen una variedad simbólica de pájaros.

Excelentes José Acosta y Carmiña Martínez, como Rapayet y la matriarca Úrsula. La fotografía es exuberante, y el tema es eterno.

El trasfondo espiritual emerge como “realismo mágico” llevado al cine.

Aclamada en el Festival de Cannes 2018.

“Después de todo este desastre los sueños ya nada dicen y el viento borró las huellas de estas tríbus ancestrales” (anciano narrador).

ELEGÍA PARA UNA CULTURA ANCESTRAL DESTRUIDA POR LA DROGA. UNA GRAN PELÍCULA COLOMBIANA. 

Ficha técnica  

Crimen, drama, folclore
2019 Colombia, Dinamarca, México, Alemania, Suiza, Francia - 2,05 hrs 
Fotografía: David Gallego 
Edición: Miguel Schverdfinger 
Música: Leonardo Heiblum 
Diseño Prod.: Álvaro Vásquez 
Guion: María Camila Arias, Jacques Toulemonde Vidal
Actores: Carmiña Martínez, José Acosta, Natalia Reyes 
Directores: Cristina Gallego, Ciro Guerra

Stico - Por Juan Pablo Donoso

Disponible en YouTube.


Una sátira encantadora sobre los conceptos de dignidad y libertad individual en nuestros días.

Tal vez algo discursiva para estos tiempos, pero superada por el ingenio de los diálogos y la simpatía de sus personajes.

Parte con la hipótesis de un hecho insólito: que un hombre se ofrezca voluntariamente para ser esclavo de otro.

Leopoldo Contreras (Fernando Fernán Gómez), distinguido Profesor Emérito de Derecho Romano, tiene serios problemas económicos. Deberá vender su biblioteca e incluso su departamento.

Acude donde Bárcena, un próspero ex alumno suyo (Agustín González), para que lo acoja en su mansión como esclavo a cambio sólo de techo y comida.

Después de arduas discusiones y negativas, el Profesor lo convence con sólidos argumentos legales - jamás derogados en España - de que la medida es justa y legítima.

De muy malas ganas Bárcena acepta y lo incorpora al hogar. Su presencia y servicios, provocarán las más diversas y disparatadas reacciones en todos los habitantes de la familia. El hecho trascenderá también a otros círculos sociales generando escándalo y acusaciones sin respaldo legal.

Los graciosos retruécanos nos hacen suponer qué haríamos hoy en semejante circunstancia. Aunque suene a cuento de hadas, son tantos los incidentes que terminamos involucrándonos en la trama.

Además de amena, refleja las repercusiones en la alta burguesía española justo después de las Transición política.

De su guionista y director, Jaime de Armiñán, ya conocíamos otras sátiras, siempre provocativas como El Palomo Cojo- 1995, Mi Querida Señorita - 1972, y Mi General - 1987, junto a otras. Esta vez F.F. Gómez colaboró con el guion, y ello se trasluce en el placer que tuvieron filmando esta película.

Cabe recordar que en todos sus filmes Fernando Fernán Gómez opta por personajes vulnerables, rebeldes, y que siempre inspiran empatía.

Bajo el lema final de NO HAY LIBERTAD NI PARA DEJAR DE SER LIBRE se permiten ironizar sobre el real significado de albedrío, de la sabiduría del diario vivir y las dificultades para armonizar al individuo con la sociedad.

SÁTIRA GRACIOSA, BIEN REALIZADA, SIMPÁTICA Y SUGERENTE. RECOMENDABLE. 

Ficha técnica

Tragicomedia, sátira
1985 - España -1,45 hrs. 
Fotografía: Teo Escamilla 
Edición: José Luis Matesanz 
Música: Alejandro Masso 
Diseño Prod.: Enrique Bellot 
Guionistas: Jaime de Armiñan y Fernando Fernán Gómez 
Actores: Fernando Fernán Gómez, Agustín González, Carmen Elías 
Director: Jaime de Armiñán

27/11/20

"Avant Premiere" en Radio María - SIGNIS en el cine Viernes 27 de Noviembre 2020

El periodista Favián Pravia conversa con Jackie O. y Carlos Correa en el Programa semanal "En Marcha" en Radio María, sección Cine con SIGNIS Chile.

El Agente Topo - Por Carlos Correa

La misión es ultra secreta. Se trata de descubrir si una residente del hogar de ancianos “San Francisco” en la comuna de El Monte, la señora Sonia Pérez, es víctima de malos tratos o recibe efectivamente la atención que le corresponde. Su hija, muy preocupada -y también muy ocupada al parecer-, contrata a la agencia de Rómulo Aitken para llevar a cabo una investigación que requiere un “especialista”. Surge, entonces, la idea de un infiltrado, un “agente”, un “topo”, que pueda internarse en el hogar y comprobar, desde adentro, la verdad de las cosas. 

La idea de poner un aviso en el diario buscando “un adulto mayor hombre, de 80 a 90 años, buena salud, autovalente, discreto, con manejo de la tecnología y disponibilidad para vivir fuera de su casa por tres meses”, da resultado. Los postulantes, con las más variadas características, son numerosos, sin embargo Sergio Chamy se destaca entre ellos. De 83 años, viudo hace muy poco, contextura delgada, animoso, con hijos y nietos, resulta elegido para llevar a cabo el mentado y osado plan.

Maite Alberdi nos regala un trabajo profundamente humano, realizado con cariño, preocupación y esmero. La historia atrapa desde su título, porque se trata de un tema actual al que que la directora añade elementos de thriller que generan expectativa y curiosidad. ¡Y vaya resultado!

Las imágenes hablan por si solas. La cámara de Alberdi es una ventana al interior del hogar. Desde la llegada de Sergio, el registro de lo cotidiano, las conversaciones, miradas y gestos, son captados por su lente con precisión única. La directora filma los detalles con gran calidad. Sus encuadres entregan diferentes perspectivas y no hay una toma similar a otra. El trabajo de sonido es excepcional, escuchamos perfecto cada uno de los diálogos entre los presentes. No es sencillo conseguir naturalidad cuando las personas filmadas se enfrentan a un equipo de rodaje. Maite Alberdi, al igual que en “La Once” y en “Los Niños”, lo consigue y lo hace parecer en extremo natural. Esa es la espontaneidad que brota de la pantalla y nos aborda, porque somos nosotros los que estamos ahí, mirando, escudriñando, sintiendo. La realización de Alberdi es prístina, se transforma en un imán que nos atrae cada vez más en la medida que avanzan los minutos. ¡Entrañable!

La cinta deja al descubierto lo que es importante a la edad de los protagonistas. El cariño, el cuidado, la compañía, la contención y la salud, son trascendentes cuando asoma la vulnerabilidad, la desprotección, la despreocupación, la tristeza, el abandono y el olvido. ¡Qué bien retrata esta cinta cada uno de los aspectos mencionados! ¡Nos remece, nos conmueve!

Aun más interesante resulta ser el viaje de su protagonista, nuestro infiltrado Sergio, “el agente topo”. Sin duda la investigación le llama la atención desde un comienzo y, aunque no es ducho en lo tecnológico, acepta el desafío con bastante buen humor y sobre todo deseos de superar las pruebas. Su carácter es fuerte, se nota desde su primera entrevista para el trabajo, aunque lo disimula bien. La misión lo rejuvenece porque Sergio está de duelo. Han pasado solo tres meses desde el fallecimiento de su mujer, pero no se bajonea, al contrario, parece buscar en qué distraerse y este encargo le viene como anillo al dedo.

Sergio tiene herramientas emocionales para enfrentar a su misión. Lo observamos en su trato, en lo generoso de su amistad, en lo acogedor que es y en el vínculo que logra crear con sus pares. Mientras avanza en su investigación debe enviar informes y eso es como escribir un diario. Son tres meses en los que debe seguir cualquier pista, cualquier indicio, algo sobre lo que pueda existir alguna duda razonable. Pero la investigación finalmente se torna sobre él; se descubre a si mismo, reconoce su propia situación. La misión le permite sentirse útil, sentirse vivo, valorizar su condición actual, reconocer a su familia y por supuesto reflexionar sobre su vida.

¿Estamos en presencia de una realidad o una ficción? Por momentos, la respuesta puede resultar equívoca. El hogar es real, quienes residen allí son adultos mayores reales, Sergio es real, la investigación es real, las conversaciones son reales pero, ¿la historia es real? No lo sabemos. ¿Importa acaso? Tal vez, desde lo formal. Ficción y realidad se funden en este trabajo de Maite Alberdi. Los límites entre un género y otro son difusos pero no confunden. Al contrario, yo diría que agregan valor a una obra cuyo centro es visibilizar un tema que tal vez relegamos a un segundo plano. Al relevarlo, Alberdi nos impulsa a reflexionar desde la emoción que nos provoca lo que observamos. Al conmovernos, nos involucra y realmente nos interpela. Y al retratarlo, con delicadeza y finos trazos, nos hace sentir parte y así nos convoca.

La revelación que hace “El Agente Topo” va mucho más allá del mensaje de una cinta que emerge de una pantalla grande, mediana o chica; es la pantalla de nuestra propia vida la que tenemos delante; por eso resulta imprescindible.

Ficha técnica

Título original: El agente topo
Año: 2020
Duración: 90 minutos
País: Chile
Productora: Coproducción Chile-Alemania-España-Países Bajos (Holanda)-Estados Unidos; Micromundo Producciones, Motto Pictures, Sutor Kolonko, Volya Films, Malvalanda
Género: Documental | Vejez
Guion: Maite Alberdi
Música: Vincent van Warmerdam
Fotografía: Pablo Valdés
Reparto: Documental (intervenciones de: Sergio Chamy, Rómulo Aitken, Marta Olivares, Berta Ureta, Zoila González, Petronila Abarca, Rubira Olivares)
Dirección: Maite Alberdi

Pájaros de Verano - Por José Blanco Jiménez

Película basada en un hecho histórico: el nacimiento del narcotráfico colombiano y los estragos que produce en una pacífica comunidad wayúu, en la Guajira colombiana. Con estructura de antiguo poema épico, muestra cómo la codicia todo lo destruye. 


Las películas western tenían (y tienen) el atractivo de que aparecían (aparecen) como fantasiosas y alejadas de la realidad nacional. Y cuando supe que las personas no morían de verdad me quedé más tranquilo y me acostumbré a esa violencia ficticia.

Lo mismo ocurrió (ocurre) con las películas sobre la mafia, que han creado verdaderos íconos de la delincuencia, como “El Padrino”.

Pájaros de verano presenta una realidad que, hasta hace poco, parecía lejana de Chile y que – sin embargo – ahora, a través de la emigración, se está haciendo cada vez más amenazadora.

Se trata de una realidad histórica (la Bonanza Marimbera y la guerra entre narcotraficantes), pero no es la típica producción de Hollywood, escabrosa y sobreactuada.

Tiene en cambio, un estilo de poesía épica, con un rapsoda homérico que canta la historia de Rapayet, un joven que se casó con una adolescente de la comunidad wayúu, en la península colombiana de la Guajira y tuvo que pagar un precio muy alto. Úrsula, la matriarca de los Pushaina, le exigió como dote 30 cabras, 20 reses, dos mulas y cinco collares. Para adquirirlos, el joven decidió traficar marihuana a través de los norteamericanos miembros del Cuerpo de Paz, que distribuía propaganda contra el comunismo. ¡Sí! Ese mismo Cuerpo de Paz que se presentó en “Sábados Gigantes” a fines de los años ’60.

Es el primer Canto (Hierba salvaje, 1968): todo empieza con el fin de la reclusión por un año de Zaida para que pase del estado de niña a mujer y sea – de alguna forma – “puesta a la venta” a través un baile bellísimo, que la hace parecer un pájaro.

Y es que las aves tienen una gran importancia en el relato. Al igual que los antiguos pueblos mediterráneos, se observa a los pájaros (latín avispicium, que da origen a auspicio, significa “mirar a las aves”) para “augurar” el futuro, junto con los sueños. Y los volátiles aparecen en diversas oportunidades en el filme, en especial esa ave zancuda cuyas patas recorren los lugares más impensados.

De tantas frases que se recuerdan, está la siguiente: “Lo difícil es mantener a la familia unida”. Y para recordarlo se empieza con describir el símbolo de los dedos de la mano, que compendian a sus miembros: abuela, madre, tío, sobrino y nieto.

Hablada casi completamente en lengua indígena, la película da acceso a un mundo mágico y resistente dentro de su sencillez. Los wayúus habían resistido a los piratas, los ingleses, los españoles y los colombianos. Pero el dinero fácil pudo más: las nuevas generaciones olvidarán los códigos de honor, el alcohol y la soberbia llevarán a episodios disgustosos (como el hombre que come heces de perro con tal de llevarse un montón de dinero), lo que no se da voluntariamente se toma con la fuerza (no es necesario ver una violación para entender que ésta ha ocurrido).

Los siguientes Cantos de esta trágica epopeya tienen nombre significativos: II. Las turbas, 1971; III. La bonanza, 1979; IV. La guerra, 1980; V. El limbo. Los versos cantados por el anciano ciego sirven de coro a esta poesía dramática de alta categoría: la civilización no ha avanzado nada en estos últimos 28 siglos.

Como ya lo hizo con El abrazo de la serpiente (2015), Ciro Guerra es particularmente cuidadoso en la realización, contando además con la codirección de Cristina Gallego, que se documentó en profundidad sobre los pueblos de la Guajira y sus costumbres. Además de la ceremonia inicial, véase el desempeño de las plañideras y el rito de exhumación de un cadáver para su segundo velorio. Una vez más es la explotación de las plantas la que trae la muerte y la desolación. En la otra película era el caucho; aquí es la Cannabis sativa. Se pasa del mulo a la avioneta, de la choza a la mansión moderna, pero no es el bienestar material el que ayuda a la supervivencia. El riesgo no está en la lucha contra la autoridad, sino en la codicia que destruye lo establecido. Úrsula (que me recuerda a la Mamá Grande de Gabriel García Márquez) sostiene que es respetada, “porque soy capaz de cualquier cosa para mi familia y mi clan”.

Pero, en un mundo violento, el respeto sin armas está destinado sólo a un destino: la muerte. Y los seres humanos, como los pájaros veraniegos, vienen y se van.

¡Muy buena!

(Pájaros de verano. Colombia/Dinamarca/México/Alemania/Suiza/Francia, 2018).

Las aventuras de Sammy - Por Jackie O.

“El valor de la amistad y conciencia por la naturaleza”.

Sinopsis: Sammy es una tortuguita que nació junto a sus hermanos en una hermosa playa donde se enfrenta en sus primeros minutos de vida a unas gaviotas que lo atrapan y lo escupen. Comenzando a vivir en solitario hasta encontrar a otros como él, y humanos para compartir. Al pasar los años vemos sus aventuras, en especial como los océanos van cambiando.


Sammy nació en una hermosa playa, y producto del ataque de una gaviota quedó a la deriva en el océano, donde pasó varios años con su amigo Ray. Vivían en un océano hermoso, donde disfrutaban de las bellezas y alimentos que le proporcionaba la naturaleza. Hasta que son atrapados por la redes de los humanos comerciantes.

Ahí conoce a unos humanos convirtiéndose en su mascota, conociendo al gato Misifú y otra tortuga mayor llamada Vera. En esa época le sirvió para conocer los hábitos que tenemos los humanos. Hasta que vuelve al mar para seguir con nuevas aventuras y conocer a nuevos personajes.

Pero Sammy quiere buscar un lugar llamado “pasaje secreto”, algo que lo escuchó de los humanos, un lugar supuestamente bello. En su búsqueda con una vieja amiga de infancia, se va enfrentando a las aguas contaminadas por los seres humanos, basura, desperdicios, de todo encuentra nuestro amiguito en su travesía.

Ya no hay aguas cristalinas, cambian a un espesor donde nada sobrevive.

Pero él sigue, y logra encontrar algunos lugares donde el hombre no ha llegado aún, paraísos que aún existen y que esperemos no interfiera el hombre en ellos.

Sammy da la vuelta al mundo durante 50 años, tiempo en que recorremos los océanos y vemos aves, peces y otros que salen en el camino ayudando o interfiriendo en la aventura de nuestro amigo. Pero, por sobre todo, nos muestra al hombre con sus barcos que contaminan el ambiente y las pescas ilegales.

Vemos una clase de ecología, que mantiene un guion simple y predecible, pero narrado con gran sensibilidad.

Buena banda sonora con canciones conocidas y muy pegajosas.

Con buena técnica de animación.

Una simple, básica pero linda película que principalmente está hecha para los niños de la casa, pero bien pueden verla los adultos, ya que no abusa con el infantilísimo y no tiene situaciones sosas.

En donde nos habla de los cuidados del medio ambiente, el valor de la amistad rodeándote de los seres adecuados que te brinden amor.

Una educativa película animada.

Y tiene una secuela titulada, “Sammy 2: El gran escape” de 2012. Habrá que verla.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Título original: Sammy's Avonturen
Otros título: Las aventuras de Sammy: Un viaje extraordinario y Sammy en el pasaje secreto.
Dirección: Ben Stassen
Guion: Domonic Paris
Música: Ramin Djawadi
País: Bélgica 
Año: 2010
Género: Animación y comedia infantil.
Duración: 85 minutos
Reparto:
Sammy: Yuri Lowenthal
Shelly: Jenny McCarthy
Ray: Anthony Anderson
Misifus, el gato francés: Idzi Dutkiewicz

El abrazo de la serpiente - Por José Blanco Jiménez

Dos estudiosos, en dos momentos diferentes (1909 y 1940) se internan en la selva amazónica guiados por el mismo chamán. Ambos buscan la yakruna y ambos son testigos del mal que aportan los que “exploran” el ecosistema, como asimismo el valor de los sueños. 


Lo primero que llama la atención de la película es que fue filmada en blanco y negro. El cineasta Ciro Guerra ha dado la siguiente explicación: “Siempre tuvimos en claro que debía ser en blanco y negro, pues es imposible representar el color de la selva con fidelidad en el cine. Es imposible mostrar lo que tales tonos significan para los habitantes de ahí, que pueden tener 50 palabras para el color verde. Con el blanco y negro, en cambio, cada espectador puede formarse en su mente su propia película”.

Para ser sincero, no me convence y – en vez de buscar justificaciones al estilo de Ingmar Bergman o Woody Allen – yo creo que es una elección estética, trata de presentar el filme como una filmación antigua, anterior al uso del color.

La trama está basada en los diarios del alemán Theodor Koch-Grünberg (Theo von Martius, en la cinta) y el estadounidense Richard Evans Schultes. Ambos buscaban la yakruna, una planta con propiedades medicinales, y ambos en la película son guiados por Karamakate, un chamán, que es el último sobreviviente de su tribu. Se considera un chullachaqui, esto es un cascarón humano sin vida interna. Sin embargo, a pesar de su renuencia inicial, acepta acompañarlos y se expresa también a través de dibujos que reproducen sus sueños.

Y es ese mundo onírico el que permite la trascendencia, mientras que la selva es invadida por los depredadores del caucho. Los niños sobrevivientes son albergados en una misión, que cuenta con un solo monje capuchino. Y éste, además, impone la ley católica de la “disciplina” a través de latigazos. Lo pagará caro y, casi 30 años después, no habrá mayor progreso puesto que los colombianos son los depredadores que arrasan con todo. A ello se suma un portugués demente, que se cree Jesucristo y promueve orgías.

Los alucinógenos amazónicos están de moda. Incluso en una pésima película, protagonizada por Ben Stiller y Naomi Watts (While We’re Young - Mientras seamos jóvenes, de Noah Baumbach, 2015) se burlan de la ayahuasca (con vómitos incluidos), cuyo consumo se ha transformado en un juego de salón. En Chile, conocemos la trágica experiencia de una secta en Colliguay, que quemó viva a una guagüita.

La película, en cambio, tiene mucho de El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad (ya inmortalizado por el Apocalypsis Now de Francis Ford Coppola). La búsqueda de la planta se transforma en una justificación de la existencia misma y el chamán asumirá que no todos pueden compartir lo que no comprenden.

Un dato importante es el plurilingüismo de la cinta, ya que en ésta se habla en castellano, alemán, portugués, latín, catalán, cubeo, wanano, tikuna y uitoto.

Hermosa metáfora de la verdadera Torre de Babel que encierra el Amazonas y que pone en evidencia que, si nuestros sueños pueden ser comunes, para darlos a conocer tenemos que usar algún tipo de lenguaje, o gráfico o articulado.

(El abrazo de la serpiente. Colombia/Venezuela/Argentina, 2015)

Kubo y las cuerdas mágicas - Por Jackie O.

“Aventura, amor, magia y amistad”. 


El estudio Laika nos vuelve a sorprender con esta película estadounidense de animación en stop motion en 3D, la cual nos cuenta una hermosa historia japonesa.

KUBO es un niño de 12 años que vive solo con su madre la cual está enferma, en una cueva en lo alto de una montaña. Él sale a trabajar todos los días a la aldea pero debe llegar antes del anochecer, no entiende mucho el porqué de esta regla que le impuso su madre, pero la obedece.

Este niño tiene una magia especial, y es que sus hojas se transforman en origamis con vida y al compás de las cuerdas de su Shamisen, mientras les narra historias a los aldeanos los origamis actúan, la gente queda fascinada.

Un día Kubo descubre que en un festival de la aldea hay una ceremonia donde los miembros de las familias se pueden comunicar con sus seres queridos. Kubo no conoció a su padre, pero su madre le ha contado bellas historias de él, por lo que le gustaría ir al cementerio para poder hablar con su padre. Y un día una anciana lo persuade de quedarse después del atardecer para asistir a una alegre noche festivalera y hablar con el espíritu de su padre.

Kubo, no haciendo caso a la advertencia de su madre de no salir al anochecer, se ve enfrentado a la maldad de una familia que no conocía. Sus malvadas tías lo buscan para sacarle el único ojo que tiene este niño (ya le habían arrancado uno cuando nació) y es para dárselo al malvado abuelo ciego, ¿porque sus ojos? Ya lo sabremos en el transcurso de la historia.

En el instante en que Kubo será fuertemente atacado por sus tías, llega su madre a rescatarlo y enviándolo muy lejos usando su magia, diciéndole que busque la armadura mágica de su padre que lo ayudara a protegerse.

A partir de aquí comienza sus andanzas en su constante enfrentamiento con las fuerzas del mal que su madre siempre trató de mantenerlo alejado, de todo este inevitable conflicto, pero también conociendo a nuevos personajes que lo ayudaran. 

Una bella película llena de aventuras y eventos inesperados.

No la recomiendo a infantes porque se aburrirán, ya que la manera de contar la historia parece una teleserie, con un guion bien elaborado que cautiva donde la emotividad e incluso las partes graciosas funcionan bien en el tiempo adecuado.

Con técnica de ejecución en la animación muy buena, que nos muestra la esperanza y oscuridad con la misma intensidad.

Aventuras, peleas, tradiciones y amor filial, nos tendrán atentos.

Mantiene varios premios y nominaciones como mejor película, diseño de animación y otros.

Totalmente recomendada.

Disponible en YouTube.

Ficha técnica

Título original: Kubo and the Two Strings, Kubo y la búsqueda del samurái.
País: EEUU 
Año: 2016
Género: Animación, aventura y fantasía
Duración: 102 minutos
Dirección: Travis Knight
Guion: Marc Haimes y Chris Butler (Historia: Shannon Tindle, Marc Haimes)
Música: Dario Marianelli
Reparto:
Art Parkinson como Kubo.
Charlize Theron como Simio/Sariatu.
Matthew McConaughey como Escarabajo/Hanzo.
Rooney Mara como Karasu y Washi, las hermanas de Sariatu.
Ralph Fiennes como Raiden, el Rey de la Luna.
George Takei como Hosato.
Cary-Hiroyuki Tagawa como Hashi.
Brenda Vaccaro como Kameyo.

25/11/20

La vida ante sí - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix. 


Basada en la novela “La Vie devant soi” -La vida por delante-, del escritor francés Romain Gary, esta cinta narra la historia de Momo -Ibrahima Gueye-, un niño senegalés de 12 años que debe sobrevivir en la calle de una ciudad italiana. “Dicen que todo está escrito, que no se puede cambiar nada; yo quiero cambiar todo”, son palabras que escuchamos “en off” y que reflejan la rebeldía del pequeño protagonista.

Momo roba a transeúntes y también trafica drogas, subsiste apenas. Una ventana de esperanza se genera cuando su custodio lo encarga con Madama Rosa -Sophia Loren-, una mujer judía, sobreviviente del holocausto, y que a sus 86 años aun cuida de hijos prostitutas, abandonados o huérfanos. “Solo dos meses, ni un minuto más”, señala perentoria ante el médico que le suplica para que cuide al menor.

No es fácil esta nueva relación. Poco antes, Momo había robado a Madama Rosa unos artículos valiosos en la calle. De entrada, peor no podría ser, sin embargo ella lo acoge, le abre las puertas de su casa y le ofrece una oportunidad.

Ambientada en la ciudad de Bari, la película enfatiza la tragedia de Momo. Madama Rosa, reconocida por su refugio (o pocilga, como dice el niño), tiene carácter fuerte. No se guarda nada y señala lo que considera es la realidad. “Es malo por dentro, no es un niño normal”, dice, sin embargo, pasan los días y lentamente surge un vínculo difícil de describir, un vínculo que cambia sus vidas; la amistad, el amor, la compañía y la esperanza aparecen con fuerza, cobran vigor con el correr del metraje.

El director Edoardo Ponti -hijo de Loren-, es cuidadoso. Sus enfoques son certeros en mostrar a Madama Rosa y a Momo como los extremos que son. La amabilidad no es la principal virtud de la mujer, tampoco el niño es paciente. Agua y aceite, varias características impiden que congenien, no obstante la magia surge de pronto cuando ambos comprenden que ambos son vulnerables; Ella, con una marca indeleble, él, reflejo del abandono, la soledad y la miseria.

La conexión tarda en llegar. Son las miradas, dejando entrever una leve apertura, las que comienzan a producir esa acogida, esa aceptación mutua, el respeto. La línea del amor comienza a trazar su camino. No es delicada, más bien es brusca, las más veces tosca. El corazón de ambos está endurecido, curtido y a la vez indefenso. No basta la intención, debe existir la acción. Compartir espacios tampoco es suficiente, debe existir una mínima complicidad. Madame Rosa lo sabe, Momo lo intuye.

Sophia Loren, con este regreso a la pantalla, muestra lo vigente que se encuentra su estrella. Es capaz de transmitir sentimientos con pequeños gestos, con miradas profundas y rostro señero. Ella expresa vida, brilla cada vez que la cámara advierte su presencia, llena la escena de una forma magnífica y solo con mirarla nos queda claro su papel. ¡Qué decir del pequeño Ibrahima Gueye! Resulta un complemento perfecto. No solo se roba el corazón de Madama Rosa, el nuestro también. Su actuación deslumbra y augura que lo mejor está por venir.

La canción final, interpretada por Laura Pausini y compuesta especialmente para la película, funciona como toque de gracia. Conmueve su letra y música. Recomiendo revisar un video clip especial que se encuentra en YouTube, pues depara una emotiva sorpresa.

“La vida ante sí” se sumerge en lo sustantivo de la vida, en lo más vital, en la esencia humana. A través de dos miradas diferentes apreciamos la importancia de los valores en juego, la urgencia de tratar al otro como persona, de hacerlo visible, de reconocerlo verdadero. Y eso emociona, porque sin lugar a dudas, nos llega al alma.

Ficha técnica

Título original: La vita davanti a sé
Año: 2020
Duración: 94 minutos
País: Italia
Productora: Palomar. Distribuida por Netflix
Género: Drama | Inmigración
Guion: Ugo Chiti, Romain Gary, Fabio Natale, Edoardo Ponti (Libro: Romain Gary)
Música: Gabriel Yared
Fotografía: Angus Hudson
Reparto: Sophia Loren, Ibrahima Gueye, Renato Carpentieri, Babak Karimi, Abril Zamora, Massimiliano Rossi, Francesco Cassano
Dirección: Edoardo Ponti

The Crown - Por Alejandro Caro

Sinopsis: Basada en la obra de teatro de Peter Morgan "The Audience", cuenta la historia de la relación entre dos conductores del poder inglés : el Palacio de Buckingham (La Corona inglesa) y el número 10 de Downing Street, (El Primer Ministro), las intrigas, amores y manipulaciones detrás de los eventos que formaron la segunda mitad del siglo XX. Dos casas, dos cortes, una monarquía y un poder político. Cada temporada tratará las rivalidades políticas e intrigas personales durante una década del reinado de la Reina Isabel II y explorará el delicado equilibrio entre su vida privada y la vida pública.


Es una excelente serie de televisión, con Cuatro Temporadas y con más de 20 premios, lo cual, es ya un indicador de su éxito de audiencia. ¿Pero qué la hace tan exitosa esta serie? En primer lugar tiene un guión que siempre te mantiene atrapado y una puesta en escena de gran factura, donde el vestuario, la fotografía y finalmente la música, surgen en el momento preciso, con un relato muy prolijo, tratando de no dejar escapar nada. Las interpretaciones son magnificas, ayudan a los personajes que representan, aunque en cada temporada van cambiando a medida que los personajes aumentan en edad, representándolos como los hemos visto en la vida real de manera consistente.

Hay que dejar claro que es un drama de ficción que mezcla y da pinceladas de momentos históricos que ocurrieron en algún momento en la Inglaterra del siglo XlX y XX, pero no es un documental.
Las tres primeras temporadas son excelentes y la cuarta, se supera a sí misma, manteniendo su estética, donde el relato se fortalece, haciendo que la historia crezca y no sepamos qué es ficción o realidad. La actuación de Emma Corrin en el rol de Diana, sobresaliente.

Pero finalmente, ¿qué podemos sacar como conclusión de The Crown? Estos personajes tomados de la vida real y representados en la historia, son humanos como nosotros y su vida ha sido marcada por cómo fueron educados por su familia y entorno, arrastrando sus conflictos emocionales y espirituales. Por otra parte, está el juego del poder, político, económico, religioso, y cómo éste los atrapa e influye en todos los individuos, con consecuencia en la sociedad. Hay que leer entre líneas, a veces, esta historia, porque más allá de lo fastuoso del relato, también se deja entrever la historia de un país colonialista y que siempre ha deseado mantener su "status quo"  en varios continentes, donde dejó muchos daños en la etnias locales y también de extractivismo. Algo de eso deja ver "The Crown". Es una visión desde el imperio, que está claro, no es una “inocente corona”.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: The Crown (TV Series) 
Año: 2016-2020
Duración: 4 temporadas 10 cap. c/u de 60 min. Aprox. 
País: Reino Unido 
Dirección: Peter Morgan (Creador), Stephen Daldry, Philip Martin, Julian Jarrold, Benjamin Caron 
Guion: Peter Morgan, Tom Edge 
Música: Rupert Gregson-Williams 
Fotografía: Adriano Goldman, Ole Bratt Birkeland 
Reparto: Claire Foy, Matt Smith, John Lithgow, Olivia Colman, Vanessa Kirby, Ben Miles, Jared Harris, Gillian Anderson, Imelda Staunton, Lesley Manville, Emma Corrin, Victoria Hamilton, Jeremy Northam, Alex Jennings, Eileen Atkins, Pip Torrens. 
Género: Serie de TV. Drama, Historia, Política, Religión. 
Productora: Netflix, Left Bank Pictures, Sony Pictures Television International 

Premios 

2019: Globos de Oro: Mejor actriz serie drama (Colman). 4 nominaciones 
2017: Globos de Oro: Nominada a mejor serie drama y actriz (Foy) 
2016: 2 Globos de Oro: mejor serie drama y actriz (Foy). Nom actor sec. (Lithgow) 
2020: Emmy: 6 nominaciones incluyendo mejor serie drama y actriz (Colman) 
2018: Emmy: Mejor dirección y actriz (Claire Foy). 7 nominaciones 
2017: Emmy: Mejor actor (John Lithgow). 5 nominaciones

Pájaros de Verano - Por Jackie O.

“Familia, tradición y narcotráfico”.


La película dice que se basa en un hecho real que ocurrió entre las décadas de 1960 y 1980.

Tiene lugar en una región donde la autoridad estatal es débil y corrupta, en una región gobernada por los propios idiomas de las tribus y sus reglas. Un drama criminal que sigue específicamente a una familia de la tribu Wayúu de La Guajira en el norte de Colombia. En una época donde el auge del comercio de marihuana entre Colombia y EEUU se contraponen con el honor y la ambición, las cuales amenazan con desbordarse en balas y sangre.

Todo comienza cuando Rapayet pide la mano de Zaida, quien proviene del orgulloso linaje Pushain liderado por la madre de la niña, Úrsula. Pero él no es muy querido, por lo que le exigen una dote casi imposible, pero Rapayet tiene buenas habilidades para hacer negocios, y con la ayuda de un amigo de raza negra, comienzan a comercializar cannabis. Un clan la cultiva y cosecha, y el otro clan la comercializa. Ambos se benefician económicamente.

En la cinta, como era de esperarse, nace la desconfianza, la codicia y por sobretodo el crimen que un miembro de una familia, Leonidas, quien por estupidez, efectúan sobre la otra familia con la cuales son socios, un hecho criminal haciendo que los conflictos crezcan destruyendo su viejo mundo.

La película mantiene escenas fantásticas de baile al comienzo, durante la cual se observan algunas costumbres y rituales. Coloridos trajes tradicionales, música y lenguaje le dan atmosfera poética. El colorido mundo espiritual de los Wayúu, con canciones y sueños poéticos, lucha constantemente con una influencia oscura, violenta y modernizadora que llegó para quedarse.

La mezcla de mixturas que se contraponen logran un buen resultado en diseño de arte principalmente. El uso del idioma wayúu que, en casi toda la cinta predomina al español, le da un buen toque.

Interesante ver, o no ver, los típicos escenarios de los narcotraficantes llenos de excesos.

Los escenarios de desierto en su mayoría, se contrastan con lo verde. Identifica a cada clan, uno siembra y cosecha, y el otro la vende. Peligro y desolación.

Vemos mucho drama, algo de romance, mucha ira y codicia, y a pesar de que la historia es muy buena se pudo haber trabajado muy bien un estilo gansteril por el tema de las disputas de clanes y el tráfico. Se fue por la parte más reflexiva, o más bien una canción, porque todo se divide en canciones (mantiene 5 cantos, como 5 capítulos contándonos la historia).

Estas canciones que nos cuenta sobre el destino de la familia, la cual es cantada por un pastor indio.

Como ven tiene muchas situaciones que dan pie para verla. Pero tiene, según yo, algunas situaciones que pueden aminorar su interés; es una cinta muy larga y lenta que hace que la trama sea muy aletargada en momentos. Y no trabajaron bien la parte tipo gansteril que mencioné en su momento, habría sido un recurso muy bueno si lo hubieran sabido explotar, habría dado tensión y el clímax que a veces faltó. 

Interesante cinta para ver.

Disponible desde el 26 de Noviembre en Cine Arte Normandie.

Ficha técnica

Dirección; Ciro Guerra y Cristina Gallego

Guion Ciro Guerra

Música Leonardo Heiblum

Fotografía David Gallego

País Colombia Año 2018

Género: Drama Duración: 125 minutos

Distribuye: Arcadia Films

Reparto:

Carmiña Martínez - Úrsula

Natalia Reyes - Zaida

José Acosta - Rapayet

John Narváez - Moisés

José Vicente Cotes - Peregrino (El Palabrero)

Juan Bautista - Aníbal

Greider Meza - Leonidas

24/11/20

Si algo me pasa, los quiero - Por Jackie O.

“No hacen falta palabras para conmover”. 


Morir es algo cierto, pero “el cuándo” es lo incierto. Hay personas a las que les detectan graves enfermedades y tienen una fecha próxima que saben morirán. Pero están (estamos) los otros, que salimos de casa y no sabemos si volveremos.

Esta es una historia contada con un estilo minimalista que nos muestra el dolor de un matrimonio que debe lidiar con la muerte de su hija de 10 años.

Es un corto con una historia terrible, pero necesaria para ver y de alguna forma pensar en aquellas familias que viven la pérdida repentina de alguien muy cercano, y poder empatizar. Acercarnos al otro y no vivir fríamente. Que la vida se nos puede escapar de un momento a otro.

Es un corto el cual, en su mayoría, está en blanco y negro con el fin de simbolizar el dolor de la familia. A la vez contrasta con algunas pinceladas de color que aparecen cuando se recuerdan los tiempos felices.

Sin palabras, solo simples movimientos o a veces momentos estáticos hablan, y sus sombras tratan de ayudarnos a entender más lo que pasa esta pareja.

Detalles como ruidos, olores o el gato de la casa, hacen que el sufrimiento y contradictoriamente la esperanza luchan para unirlos.

Es imposible no conmoverse ante la pena de esta familia por la pérdida de su hija. Pero de alguna forma deben salir adelante como pareja. ¿Se podrá?

No hay necesidad de dibujar abiertamente la violencia. El lugar, el sonido, y el mensaje que le da nombre a la película lo dice todo. 

Un cortometraje que nos hace recordar las tragedias recurrentes en el mundo (más conocido en Estados Unidos) sobre los tiroteos escolares.

Se dice que en el tiroteo en Parkland, de Florida en el 2018, muchos estudiantes alcanzaron a escribirles a sus familiares algunos simples, cortos y emotivos mensajes.

La trama no pasa inadvertida, obligadamente nos hace reflexionar.

La historia fue escrita y dirigida por Michael Govier y Will McCormack, quien ha trabajado en proyectos como Toy Story 4, Celeste y Jesse Forever. Además, está producido por las actrices Rashida Jones, esposa de McCormack, y Laura Dern, entre otros.

El equipo de animación, en general, está compuesto casi completamente por mujeres, y también contó con la participación de la ONG “Everytown for Gun Safety”, organización que busca hacer que las personas tomen conciencia sobre el peligro de las armas, donde Laura Dern se asoció con dicha organización ya que para ella era algo importante, más por ser parte de la narrativa del cortometraje.

Disponible en Netflix.

Ficha técnica

Título original: If Anything Happens I Love You (S)
Año: 2020
Género: Cortometraje animado. Drama. Familia.
Duración: 12 minutos

23/11/20

Vilas: Serás lo que debas ser o no serás nada - Por Carlos Correa

Disponible en Netflix.


Este documental dirigido por Matías Gueilburt se interna en la vida del gran ídolo del tenis argentino, Guillermo Vilas. Tomando como centro el trabajo investigativo de Eduardo Puppo, el relato recorre instantes de la vida del campeón, sus históricos triunfos, la relación con su familia, con su padre, su diario personal, sus audios grabados en casetes y por cierto, su frustración por no ser reconocido como el tenista número uno del mundo.

La investigación de Puppo es increíble. Su propósito de reconstruir las 280 semanas donde Vilas pudo rozar el número 1 se muestra como una tarea titánica. Doce años de su vida, de su familia, apoyado por estadísticas, publicaciones, e incluso por un matemático extranjero, dan cuenta de la pasión con que el periodista asume el desafío. Para él se trata de una reivindicación, de la reparación de una injusticia, algo que requiere de la mayor muestra de convicción y perseverancia.

Por otro carril corre la vida de Guillermo Vilas, que el trabajo documenta con imágenes que nos llevan a momentos clave de su vida. La pasión de Vilas es contagiosa y su sacrificio extremo, en un deporte de elite que lo obliga a llevar una vida solitaria, llena de dificultades.

El documental funde ambas vertientes en un proceso natural, cuando Vilas conoce a Eduardo y comienzan a forjar una amistad cercana y entrañable. Aquí está lo más emocionante de la cinta, una cercanía y unión casi espiritual donde se conjuga el esfuerzo de ambos por lograr aquel esquivo reconocimiento.

¿Por qué sería tan importante la figuración de Vilas como número uno del mundo? ¿Hay algo más? Vilas es reconocido como un ídolo. Más cercano o más lejano, él se sabe el mejor, lo dice y lo escribe. ¿Algo arrogante? Es posible, pero a su nivel, con sus logros y triunfos, parece que no cabe ninguna duda.

Las imágenes de su paso por numerosos torneos son elocuentes. Vilas marca una generación de tenistas de todos los continentes que reconocen en él a un ganador, un atleta de excepción, un gigante de Argentina, de América y del mundo. Los recuerdos son imborrables, hacen justicia, hablan de su vocación por el deporte y su gran contribución a la difusión del tenis, principalmente en su natal Argentina.

En otro punto se encuentra el revisionismo al que apela la investigación periodística. Vilas no quiere recompensa económica, solo quiere lo que para él sería un acto de justicia. Emociona aquello, porque Puppo desea lo mismo, una reparación por algo que aparece negado sin mayores antecedentes, con datos parciales, con situaciones al menos poco transparentes que siembran dudas.

El documental deja abierta la puerta porque el proceso sigue a pesar de años de sistemática negativa. Prosigue, eso si, por vías judiciales. ¿Existirán las bases para revisar todo? ¿Hay errores o bien el no reconocimiento de Vilas obedece a un hecho intencional? Las dudas se acrecientan, se pone en tela de juicio la fidelidad del ranking en esos años (1985-1988), tal vez hubo manos negras, abuso de posición dominante o simple conveniencia. No lo sabemos.

“Vilas: Serás lo que debas ser o no serás nada” es un homenaje a un deportista de brillo indiscutido y que, independiente de que se le reconozca su superioridad en un momento de la historia, ya tiene ganado su lugar en el podio entre los mejores de todos los tiempos. El trabajo de Puppo, más el guion de Matías Gueilburt, Nicolas Gueilburt y Gianfranco Quattrini lo destacan y lo relevan. ¿Y Vilas? Aun se emociona y sueña con que sea posible que le consideren oficialmente como el número uno que fue. El partido aun no termina, ¡Vilas no se rinde!

Ficha técnica

Título original: Vilas: Serás lo que debas ser o no serás nada
Año: 2020
Duración: 94 minutos
País: Argentina
Productora: Distribuida por Netflix
Género: Documental | Documental deportivo. Biográfico. Tenis
Guion: Matías Gueilburt, Nicolas Gueilburt, Gianfranco Quattrini
Reparto: Documental (intervenciones de: Guillermo Vilas, Eduardo Puppo, Gabriela Sabatini, Boris Becker, Björn Borg, Roger Federer, Rod Laver, Rafa Nadal, Mats Wilander)
Dirección: Matías Gueilburt

Algunas Bestias - Por Jackie O.

“El ser humano puede llegar a descontrolarse y ser una real bestia”.


De qué trata esta película, tenemos a un matrimonio con sus 2 hijos adolescentes que se instalan con entusiasmo en una isla deshabitada en la costa sur de Chile con el sueño de construir un hotel turístico en el lugar. Invitan a los padres de ella a pasar un fin de semana.

Cuando el hombre que los cruzó del continente y quien está a cargo de los cuidados del sector desaparece repentinamente, la familia queda desamparada en la isla. Con frío y sin agua, los ánimos y la buena convivencia comienzan a diluirse, dejando al descubierto las bestias que esconde la familia.

La película fue rodada en el hermoso sur de Chile, específicamente en la Isla de Chaullín, frente a Calbuco. Lo que nos da unos parajes ideales de belleza, de libertad ante tanto espacio, pero también de incontrolable soledad. 

Vemos como Antonio y Dolores llegan de visita a disfrutar de la invitación de su hija Consuelo a dicho lugar. Su esposo, Alejandro, no es muy querido por sus suegros, y se lo hacen notar cada vez que pueden. Pero la intención principal de este joven matrimonio es que su madre les preste dinero para poder ejecutar su proyecto.

Los adolescentes están sumidos en el aburrimiento, sus padres están pendientes de sus proyectos, por lo que el único consuelo de estos chicos es estar juntos, y a veces de forma muy cercana.

Las discusiones salen a flote principalmente por dinero, y en un juego de cartas como si fuera algo metafórico, comienzan todos a mostrar sus propias cartas. A mostrar que viven sumidos en sus problemas psicológicos, en actitudes bestiales e irreprochables.

Es una familia tóxica.

Me pregunto, ¿El aislamiento voluntario en muy poco tiempo puede hacer que tus locuras y amoralidades salgan a flote?

No estamos en esta cinta ante personas que nacieron en una isla sin conocer el mundo, o que estuvieron en cautiverio mucho tiempo tipo “la laguna azul”, o “Robinson Crusoe” o el mismo Tom Hank en “Naufrago”, para nada. Pero actúan como tal.

Lo que me hace pensar en la exageración del contexto ya que fue solo un fin de semana en que pasó esto, o ¿realmente es una familia con sus facultades mentales totalmente perturbadas y al estar juntos como iguales de enfermos, detonaron?

Vivimos este año un aislamiento obligado, unos más que otros, donde el estrés, la violencia y otras situaciones salieron a flote, lo que generó desesperanza y más.

¿Las enfermedades psicológicas están ahí escondidas, y necesitan un detonador para aparecer?

Solo es necesario luchar para controlarlas y pedir ayuda para no transformarnos en unas bestias.

Lo bueno:
Es un thriller pausado con diálogos intensos, y con unos parajes hermosos.
Las actuaciones son muy bien logradas, entregan el dramatismo requerido.

Lo malo:
No profundiza la historia del cuidador Nicolás, es como si hubiera sido un accesorio más en la película, y pudo haber sido muy interesante haberlo explotado.
A veces muy pausada que puede aburrir al comienzo, contradictorio a lo dicho antes.

Disponible en www.puntoticket.cl

Ficha técnica

Dirección: Jorge Riquelme Serrano 
Guion: Jorge Riquelme Serrano y Nicolás Diodovich
País: Chile 
Año 2019
Género: Drama. Thriller 
Duración: 97 min.
Música: Carlos Cabezas
Sonido: Isaac Moreno y Peter Rosenthal
Fotografía: Eduardo Bunster
Montaje: Jorge Riquelme Serrano y Valeria Hernández
Reparto:
Paulina García, como Dolores.
Alfredo Castro, como Antonio.
Consuelo Carreño, como Consuelo.
Gastón Salgado, como Alejandro.
Andrew Bargsted, como Máximo.
Millaray Lobos, como Ana.
Nicolás Zárate, como Nicolás.