30/6/19

Annabelle 3 - Por José Blanco Jiménez

La muñeca Annabelle apareció por primera vez en El conjuro (The Conjuring, de James Wan, 2013), donde debutó también la pareja Ed y Lorraine Warren (interpretadas por Patrick Wilson y Vera Farmiga), dos expertos en situaciones demoníacas y paranormales que existían realmente. De hecho, Lorraine falleció a los 92 años el pasado 19 de abril de 2019 y a ella está dedicada esta película. Su esposo, en cambio, murió el 23 de agosto de 2006, a los 79.

La muñeca tuvo su propia película en 2014 – con su nombre – dirigida por John R. Leonetti y el guión de Gary Dauberman (que también participó en el guión de la nueva versión de It, de Andy Muschietti, 2017). La temática tenía un cariz de Clan Mason y dejó en claro que Annabelle era realmente peligrosa.

Luego de El conjuro 2 (The Conjuring 2, de James Wan, 2016) - que trataba del famoso caso de Endfield en Inglaterra, que recordaba el Horror de Amityville y que introducía el personaje de la monja Valak -  vino Annabelle 2: La creación (Annabelle 2: Creation de David F. Sandberg, 2017), una precuela escrita por Dauberman, que relataba su origen y su “tránsito” hacia la maldad.

La monja (The Nun, de Corin Hardy, 2018) es un spin-off, que cuenta con la actuación de Taissa Farmiga, hermana menor de Vera, que también aparece casi en un bonus track. La historia es de Dauberman y Wan, lo que deja en claro que éste es un Universo equivalente al de los superhéroes Marvel, pero en el filón del terror.

Annabelle 3 está escrita y dirigida por Dauberman, transcurre en la mismísima casa de los Warren y la protagoniza Judy (McKenna Grace), la pequeña hija que queda a cargo de una quinceañera babysitter (Madison Iseman), mientras ellos se ausentan por una noche. El problema es que en la casa irrumpe otra jovencita (Katie Sarife), que intrusea en el Museo de los Objetos Malignos y desata el terror.

La película es previsible, pero atrapa. Por la presencia juvenil, tiene un sabor a splatter y deja una enseñanza con respecto a los riesgos de la inmadurez y la irresponsabilidad. Tiene además un prólogo inquietante, en una noche de niebla junto a un cementerio, que deja en claro un detalle substancial para la serie: la muñeca no está poseída, porque los demonios no poseen objetos, sino que atrae fuerzas malignas y las proyecta sobre las personas para procurarse un alma. Continuará…

Ficha técnica

Título Original: Annabelle Comes Home
Terror, misterio Warner EE.UU. - 1,45 hrs.
Fotografía: Michael Burgess
Música: Joseph Bishara
Diseño Prod.: Jennifer Spence
Guion: James Wan, Gary Dauberman
Actores: Mckenna Grace, Madison Iseman, Katie Sarife
Director: Gary Dauberman

27/6/19

Annabelle 3 - Por Juan Pablo Donoso

Nueva secuela de la saga de los Conjuros y las Annabelles anteriores. El propósito es asustar al espectador con todos los recursos audiovisuales posibles.

Los Warren ahora se llevan la muñeca a la casa, con bendición sacerdotal incluida, para evitar que siga haciendo hecatombes. Los objetos malditos de tragedias previas están guardados en una pieza del subterráneo. La muñeca Annabella - con su grotesca sonrisa - los preside encerrada bajo llave en una vitrina especial.

Judy, la hijita de 11 años, es víctima de bullying en el colegio porque ve la figura fantasmal de un sacerdote en pasillos y patios de recreo.

Y como hay que desatar el conflicto, los padres dejan a la niñita a cargo de una baby-sitter llamada Mary Ellen, adolescente y muy poco mayor que Judy.

Mary Ellen invita a alojar de otra amiga, Daniela, igual de adolescente, quien sufre cargo de conciencia por involuntaria culpa en un accidente en que murió su papá.

En vez de disfrutar de la TV, comer golosinas, o conversar, el guion obliga a la curiosa Daniela que se inmiscuya en la pieza prohibida del subterráneo, cometa torpezas y, sin darse cuenta, permita que la muñeca Annabella salga de la vitrina.

Con esto se liberan los demonios encerrados turnándose para aterrar sin clemencia a las 3 muchachitas durante la noche de neblina. Hasta el joven pretendiente de Mary Ellen - Bob Recoge Pelotas - también será perseguido por un monstruo en el patio nocturno. Para su fortuna, la bestia sólo se comerá a una pobre gallina blanca que quiso dar un paseo.

Cuando vuelven los padres se enteran de los horrores vividos. Pero como mamá Warren (Vera Farmiga) es psíquica consolará a Daniela afirmándole que el espíritu de su papá ya le perdonó el descuido. Y así terminarán todos felices celebrando el cumpleaños de Judy… mientras la siniestra muñeca Annabelle, nuevamente encerrada en la vitrina del subterráneo, sonríe esperando el próximo episodio.

El realizador cree que basta acumular efectos visuales y sonoros para asustar al público. Hay una lamentable ausencia de terror PSICOLÓGICO, factor fundamental en este género: realidades coherentes que se tornan inexplicables.

Lo mejor es la ambientación con luces, la utilería, y los sonidos estereofónicos en una sala bien equipada, de preferencia IMAX.

La actriz de Daniela tiene las mayores posibilidades de lucimiento actoral.

MÁS EFECTISMOS QUE AUTÉNTICO TERROR PSICOLÓGICO. POCA EMPATÍA CON LOS PERSONAJES.

Ficha técnica

Título Original: Annabelle Comes Home 
Terror, misterio Warner EE.UU. - 1,45 hrs. 
Fotografía: Michael Burgess 
Música: Joseph Bishara 
Diseño Prod.: Jennifer Spence 
Guion: James Wan, Gary Dauberman 
Actores: Mckenna Grace, Madison Iseman, Katie Sarife 
Director: Gary Dauberman

Annabelle 3 - Por Jackie O.

Sí volvió, para ser encerrada bajo más llaves y mucha agua bendita.

Sexta de esta saga y la N° 3 de esta muñeca, la cual creo que ya deberían dejarla en su cajita sagrada, solo para no agotar la historia.

Es la primera película como Director de Gary, aunque ha participado en varias como It, La Monja y La Llorona. Y está película creo que es la mejor de las 3, pero aun así no es excelente.

A Annabelle la vemos desde el minuto 1 en esta cinta, cuando los Warren se la llevan a su hogar y esta muñequita hace sus travesuras por el camino. Para posteriormente guardarla en una caja de cristal sagrada. Lo que no es suficiente ya que esta “chica” se las rebuscará para salir.

No es una película de terror pues no provoca ese miedo, repugnancia o incomodidad respecto de lo que vez, sí es un suspenso sobrenatural y algo de drama.

Que pasa, los Warren deben efectuar un trabajito y dejan a la niñera MARY a cargo de su hija JUDY, y esta niñera bajo amenaza de su mejor amiga, DANIELA, la deja entrar al hogar ya que esta amiga desea saber cómo es el interior de la casa de los Warren debido a lo que se dice de ellos.

Además estas chicas celebrarán el cumpleaños de Judy por adelantado, así que Daniela le regala unos patines a la pequeña la que sale con sus niñera a probarlos, quedándose la curiosa, mejor dicho la entrometida de Daniela sola, buscando las llaves e ingresando al museo Warren. Ahí toca y revisa todo, hasta que Annabelle como dije antes, se las ingenia para que Daniela la deje salir. Y lo hace.

Ahí comienza todo el escándalo sobrenatural, vemos cosas moverse y nuevos demonios incorporados inteligentemente con el fin de que esta saga se siga extendiendo.

Los efectos son buenos, pero no te causan pavor. No sé si saltes de tu asiento aunque cuenta con todos los elemente conocidos para hacerlo.

Las actuaciones de las 3 chicas son buenas, lo que abre la puerta para el futuro de Judy donde tal vez se las ingenien para hacerle su propia película, ya que cuenta con los “poderes” de su madre.

LO BUENO: -Entretiene. -Buenos efectos, salvo uno que más abajo comento. –Los momentos de oscuridad, es una puesta en escena que funciona. –Aceptables actuaciones. –La incorporación de los nuevos espíritus y demonios. -100 minutos de duración estuvo bien, no daba para más. –Acertado incluir a Vera y Patrick en esta película.

LO MALO: -No es de terror, lamentable ya que tiene buena premisa. Así que no gritarás, no dormirás con la luz encendida, ni tendrás pesadillas. -Un efecto especial demasiado exagerado: La típica niebla, era tanta que curiosamente ellos no la veían y que el espectador sí. Aparecía de repente y mucha.

Ficha técnica

Título Original: Annabelle Comes Home 
Terror, misterio Warner EE.UU. - 1,45 hrs. 
Fotografía: Michael Burgess 
Música: Joseph Bishara 
Diseño Prod.: Jennifer Spence 
Guion: James Wan, Gary Dauberman 
Actores: Mckenna Grace, Madison Iseman, Katie Sarife 
Director: Gary Dauberman

El Collar Rojo - Por Juan Pablo Donoso

Un bello amor entre campesinos, estropeado por la estulticia de la guerra.

Disfrutamos del reposo y madurez narrativa del director Jean Becker de 85 años, al filmar esta película (Mis Tardes con Margarita (2010) - El Jardinero (2007).

Basada en la novela de Jean-Christophe Rufin, predominan los sentimientos de hermandad y cordura en estos inocentes personajes.

El título corresponde al collar con que condecoran a un fiel perro negro en señal de oprobio contra la fatuidad de los poderosos. Valiéndose de la nobleza de este animal, su propietario, el condenado a muerte Lantier, denunciará públicamente la farsa de oropeles venales con que se revisten y pavonean los grandes políticos y gobernantes del mundo.

A la mentecatez de reclutar campesinos inocentes para que mueran en la guerra - por un supuesto patriotismo - se opone la lealtad de un perro negro por su amo.

Ambientada en la campiña francesa a comienzos del siglo XX, sin estridencias, y dejando que sus criaturas evolucionen naturalmente, surgirá un romance entre un labrador joven con una muchacha culta que escapó de la ciudad para vivir en contacto más directo con la tierra y sus frutos.

Vendrá la 1ª Guerra Mundial con su propaganda nacionalista, y ante la carencia de más soldados, reclutarán a todo joven provinciano en condiciones de luchar por su patria.

La pareja de Lantier con Valentina deberá separarse, deseando que sea por corto tiempo. Y el perro se filtrará entre las tropas, junto a su amo, para acompañarlo en el campo de batalla.

Pero la confrontación será más larga, cruel y dolorosa de lo imaginado. La decepción ante tanto horror y muerte, afectará la moral de los soldados que luchan por ambos bandos. Crecerá la sinrazón de las masacres, el deseo de congeniar entre ellos y volver a sus hogares.

Muy buenas escenas de combates bélicos, excelente recreación del ambiente pueblerino y rural en la campiña francesa.

Becker logró que cada personaje principal, y también los secundarios, emanaran la autenticidad de sus orígenes, desde los más rústicos aldeanos, pasando por los jóvenes enamorados entre sí y de su tierra, como del alto Juez Militar (François Cluzet - Amigos Intocables 2011) quien a través de la investigación comprenderá la inhumanidad de aquel momento histórico tan inútil y devastador.

UN CLAMOR ANTIBÉLICO QUE RIDICULIZA EL FALSO HONOR PATRIO Y CONDENA EL MERCANTILISMO DE LAS GUERRAS MUNDIALES.

Ficha técnica

Título Original: Le Collier Rouge Drama, guerra y romance 
Cine-arte Patricia Ready Francia - 1,23 hrs. 
Fotografía: Yves Angelo 
Edición: Franck Nakache 
Música: Johan Hoogewijs 
Guion: Jean-Cristophe Rufin 
Actores: François Cluzet, Nicolas Duvauchelle, Sophie Verbeeck 
Director: Jean Becker

24/6/19

Doubles vies - Por José Blanco Jiménez

Dos parejas interactúan y – con un estilo muy francés – cometen adulterio sin que éste al final derive en una tragedia y tanto menos en un crimen pasional.

Alain (Guillaume Canet), con una eterna sonrisa, es un editor de libros que ama a su esposa Selena (Juliette Binoche), actriz de teatro que trabaja en una teleserie policial, pero la engaña con su asistente Laure (Christa Théret), que es bisexual.

Por su parte, Léonard (Vincent Macaigne), inquieto e inseguro, es un escritor que ama a su esposa Valérie (Nora Hamzawi), asesora de un político de izquierda, pero la engaña con Selena desde hace seis años.

Digo de inmediato (y no soy un spoiler) que son las mujeres las que se dan cuenta de inmediato de todo y las que deciden cuándo se empieza y cuándo se termina.

Pero todos ésos son detalles en una película que, al mejor estilo de Luis Buñuel (La Vía Láctea, El discreto encanto de la burguesía, El fantasma de la libertad) aprovecha cada encuentro social, hogareño, laboral o sexual para entregar información dialogada acerca de la dependencia de los “motores de búsqueda”, la posverdad, las fakes news, los audiobooks y la Espresso Book Machine.

En todo caso, la evaluación final es más bien optimista: el libro impreso se reafirma y se compra a pesar de la competencia despiadada de las nuevas tecnologías.

Léonard ha escrito una novela “de ficción”, que en realidad se basa en hechos reales. Es más: da una serie de pistas, que permitirían reconocer a los protagonistas. Y Selena, que es uno de ellos, convence a su marido que lo publique, venciendo su renuencia.

El director Olivier Assayas no se detiene un minuto y presenta su película como un juego incansable en el que para cada golpe hay una respuesta. Además, en cada momento, intertextualiza con el cine. Por ejemplo, en la inclusión de la película La cinta blanca de Michael Haneke para ambientar una felatio dentro de una sala de cine o en el recuerdo de la crisis existencial del pastor de Luz de invierno de Ingmar Bergman).

Uno de los mejores estrenos de este año. Sólo el título podría inducir a error con respecto a la temática de la película.

(Doubles vies/No fiction. Francia, 2018)

19/6/19

Dolor y Gloria - Por Juan Pablo Donoso

Una de las obras más puras y emotivas de Almodóvar. Menos bombástica que las anteriores. Por su diáfana y sencilla narrativa nos llega al corazón.

Título muy bien escogido. Casi autobiográfica. Personal y sincera. Un retrato de sí mismo crudo y hermoso como nunca le habíamos visto. Honesto, frágil y espontáneo en todo momento.

Ya cerca de cumplir 70 años, bastante achacoso, y luego de una brillante carrera artística, comienza a recordar a las personas que han sido importantes en su vida.

Revivirá momentos claves de su infancia, junto a su madre (Penélope Cruz), vecinas, maestros y amigos que determinaron su carácter como hombre y su vocación por el arte.

Vendrán reencuentros ya vencidos de pasados amores (Federico = Leonardo Sbaraglia), y reconciliaciones con antiguos enemigos que florecen con nueva savia creativa (Alberto = Asier Etxeandia).

Como si leyera un viejo diario de vida, el autor se pregunta qué le ofrece el futuro luego de haber experimentado tanto el dolor como la gloria. Cuando se alejan los aplausos y sólo quedan los recuerdos y las enfermedades, emerge la incondicional figura femenina, Mercedes (Nora Navas), como suplente de su madre, para sostenerlo desde la sombra. 

Seguirá filmando, como siempre lo hizo, pero ahora desde sus propias vivencias, más que desde la fantasía de sus extravagantes personajes.

Antonio Banderas ha sido para Almodóvar lo que Mastroianni fue para Fellini, un alter ego de sus instancias creativas. Y lo encarna con cálida honestidad.

Del amplio friso de este filme destacamos tres aspectos magistrales: las jóvenes madres que lavan ropa junto al río en la campiña castellana; la elección del pequeño Asier Flores como Almodóvar cuando niño - de transparencia prodigiosa; y las escenas de Banderas con Julieta Serrano (Entre Tinieblas- 1983), cuya interpretación de la madre anciana y casi moribunda desbordan ternura y pureza emocional.

Las películas de Almodóvar serán siempre apasionantes, ya sea por lo provocativas, irónicas, trasgresoras, o genialmente disparatadas. Y esta vez, con sus diálogos directos y precisos, nos inspira también cariño y compasión hacia él, como criatura más vulnerable y humilde.

AGRIGULCE EVOCACIÓN DE LAS RAÍCES DE ALMODÓVAR, COMO PERSONA Y COMO CREADOR.

Ficha técnica


Drama autobiográfico Andes Films España - 1,47 hrs. 
Fotografía: José Luis Alcaine 
Edición: Teresa Font 
Música: Alberto Iglesias 
Diseño Prod.: Antxón Gómez 
Actores: Antonio Banderas,Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia, Asier Etxeandia, Julieta Serrano
Guionista y Director: Pedro Almodóvar

Toy Story 4 - Por Juan Pablo Donoso

La mejor secuela de todas. Amena, muy graciosa, llena de valores y sentimientos de amistad.

Argumento sustentado en la relación afectiva entre los juguetes y sus dueños, los niños.

Guion muy redondo y coherente, con varios niveles de lectura, que divertirá a los pequeños y permitirá a los padres comprender mejor a su familia.

Como el hijo mayor, Andy, ya creció y está lejos, en la universidad, sus juguetes fueron regalados a una niñita pequeña, llamada Bonnie. Pero como son, mayoritariamente, muñecos de niño hombre, ella fabrica uno nuevo en su primer día de kindergarten. Se llamará Forky porque es un tenedor plástico tirado a la basura que ella recoge junto a otros cachivaches inútiles.

Cuando la familia emprende un viaje de vacaciones en auto, botan en el camino a Forky porque es un desecho. Será entonces cuando nuestro héroe de la saga - el vaquero Woody - se lance a la carretera para devolverle a la niña su disparatado tenedorcito.

De ahí en adelante se desatarán múltiples aventuras en que tanto los muñecos antiguos, como los nuevos, se unirán para que Bonnie recupere la felicidad.

Enorme progreso en el tratamiento animado de Pixar; música incidental y canciones adecuadas para cada situación; los juguetes, que son muchos, tanto de antiguos cuentos infantiles, de la prehistoria, como modernos superhéroes de comics, tienen muy claras sus personalidades, y cada cuál aporta a la aventura aquel talento que lo caracteriza. Tiene un bellísimo desenlace.

Es una original reflexión sobre el significado de la “basura” cuando para un niño significa un “juguete”. Hay carencia absoluta de discriminación entre los muñecos cuando uno de ellos proviene de los desechos. Lo importante es el amor que cada niño le tiene, y la lealtad que cada uno - por pobre que haya sido su origen - siente por sus amos.

Esta epopeya se basa en cuánto los juguetes aman y sienten nostalgia por los niños que los poseyeron. Y cómo ellos, los muñecos, a su vez, son también poseedores de sus amos infantiles.

GRACIOSO Y ÁGIL NUEVO CAPÍTULO DE UNA SAGA QUE PARECÍA HABER TERMINADO SU CICLO. EXCELENTE Y MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica


Animación, aventuras, comedia Cinecolor Films - Disney EE.UU. - 1,40 hrs. 
Edición: Axel Geddes 
Música: Randy Newman 
Diseño Prod.: Bob Pauley 
Guion: Andrew Stanton (historia original), Stephany Folsom 
Actores (voces en inglés): Keanu Reeves, Christina Hendricks, Tom Hanks 
Director: Josh Cooley

La Desaparición - Por Juan Pablo Donoso

Tensa ficción sobre un incidente real acaecido en un faro al norte de Escocia.

Tres fareros - Thomas Marshall, James Ducat y Donald MacArthur - desaparecieron misteriosamente en diciembre de 1900.

Se tejieron leyendas desde que se hubieran escapado con un tesoro, que los hubieran secuestrado, que un barco con fantasmas se los llevó e, incluso, que se los comió una serpiente marina.

Como nunca se supo de su destino, los guionistas Joe Bone y Celyn Jones, crearon una supuesta tragedia de los motivos de su desaparición. Y le entregaron la dirección a Kristoffer Nyholm, experto en teleseries de terror.

Con una eximia fotografía de Jorgen Johansson y un elenco de pocos, pero eficientes, actores lograron el ambiente de claustrofobia, crímenes y demencia que necesitaban.

Thomas (Peter Mullan - Westworld 2016), el mayor, delira por la muerte de su esposa e hijitas gemelas; James (Gerard Butler - 300 - 2006), enloquece por haber asesinado por error a un niño de la misma edad de su hijito; Donald (Connor Swindells - Sex Education 2019), el más joven, huye del estigma de ser señalado como bastardo en su aldea.

Así, estos personajes atormentados se aprontan a pasar seis semanas lejos del mundo en un faro remoto. Pero la llegada de un náufrago moribundo y asesino, portador de un tesoro, que la marea trajo al islote, desencadenará una sucesión de crímenes motivados por la codicia de unos piratas, por el instinto de sobrevivencia, y por el aguijón de conciencias culpables.

El ritmo es lento, minucioso, y se va poniendo gradualmente más tenso a medida que estos tranquilos fareros van siendo forzados a defenderse y a tomar decisiones cruciales para sobrevivir ahora, y en un hipotético futuro.

Los tres personajes principales, movidos por amenazas inesperadas, entran en una espiral de angustias que los llevará a un clímax existencial máximo.

Gracias al paisaje y a la ambientación, nos haremos familiares con los rincones interiores del faro, con el oleaje en los roqueríos, con sus comidas y pasatiempos. Se logra contrastar la claustrofobia con la inmensidad del horizonte marino, y la anhelada calma del aislamiento con los tormentos del crimen involuntario y el remordimiento.

RELATO ANGUSTIOSO Y BIEN AMBIENTADO SOBRE LA POSIBLE CAUSA DE UN MISTERIO REAL QUE NUNCA SE RESOLVIÓ.

Ficha técnica


Título Original: The Vanishing Crimen, intriga, misterio 
Cinetopia Inglaterra - 1,47 hrs. 
Fotografía: Jorgen Johansson 
Edición: Morten Højbjerg 
Música: Benjamin Wallfisch 
Diseño Prod.: Jacqueline Abrahams 
Guion: Joe Bone, Celyn Jones 
Actores: Gerard Butler, Peter Mullan, Connor Swindells 
Director: Kristoffer Nyholm

BIA - Por Juan Pablo Donoso

El lunes 24 de junio, se estrena mundialmente en Disney Channel TV esta nueva serie juvenil realizada con actores argentinos y brasileños.

Es alegre, imaginativa, irradia frescura y emoción.

Con sus fiestas y reuniones nos presentan a un conjunto de post adolescentes cuyas historias personales, familiares, de amistad y recuerdos se van alternando a lo largo de cada capítulo.

Bia es una chica con gran imaginación. Transforma la realidad que la rodea con su talento por el dibujo. Se embarcará en un viaje creativo por las redes sociales colaborando en la producción de videos. Se enamorará, aprenderá a superar los obstáculos más difíciles y descubrirá la importancia de disfrutar la vida.

Lo que pudo caer en algo burdo y superficial, tiene un tejido de anécdotas que, así como integra lo alegre, musical y festivo, también incluye tristezas, duelos y nostalgias.

Los realizadores narran las escenas aplicando los mismos juegos de imágenes, trucos y consignas tecnológicas que usan los personajes. Los temas humanos y el lenguaje computacional quedan lúdicamente integrados.

Si los siguientes episodios conservan y desarrollan estas virtudes estarán muy lejos de un panorama sólo juguetón. Tocarán fibras emotivas más profundas de lo que aparentan a primera vista.

Las muchachas fueron elegidas por la diversidad de sus bellezas, talentos y caprichos. Y los muchachos exponen un abanico de igual variedad en temperamentos y aficiones.

Ojalá esta serie - tan cuidadosamente elaborada - les genere valores a nuestros jóvenes espectadores, y también estímulos de superación personal.

Las sagas estadounidenses tan exitosas como HIGH SCHOOL MUSICAL y HANNAH MONTANA, fueron importantes precursoras de esta moderna y optimista narrativa latinoamericana.

PAMORAMA TECNOLÓGICO, INTELIGENTE Y ALEGRE, DE COMO ENFRENTAN LA VIDA NUESTROS ADOLESCENTES DE HOY. RECOMENDABLE.

Ficha técnica

Teleserie juvenil, familia, música 
Cinecolor Films - Disney Channel TV Argentina - 0,42 hrs. cada capítulo 
Guionistas: Ignacio Campón, Marina Efron, Carmen López-Areal 
Actores: Isabela Souza, Julio Peña, Guido Messina 
Directores: Jorge Bechara, Daniel de Filippo

Dolor y gloria - Por Carlos Correa

“Dolor y gloria”, tal vez la película más personal del director español Pedro Almodóvar, se llenó de elogios en el Festival de Cannes y le valió el premio a Antonio Banderas como mejor actor. La cinta narra la intimidad de un director de cine que vive sus días entre el recuerdo del éxito pasado, los severos dolores físicos que le aquejan y la desilusión de no poder escribir y filmar nuevamente.

Salvador Mallo -Banderas- no la tiene fácil. Físicamente está hecho un desastre, sus dolencias aumentan, la crisis de los años recorridos se hace patente y además vive una soledad que es abrumadora. No solo le atormenta este ingrato presente; la incertidumbre del futuro y el recuerdo de un glorioso pasado se funden y también le incomodan de sobremanera. Los recuerdos vivos, su vida de niño, su madre y su padre en busca de mejores oportunidades, su educación, sus inicios en el canto y su particular gusto por el cine, asoman permanentemente en sus estados más puros y conscientes. A raíz de los 32 años del estreno de su gran éxito cinematográfico surge la necesidad de reencontrarse con el actor principal de la película con quien no se habla desde esa fecha. Salvador solo ve incertidumbre, no hay destino ni menos una meta clara que deba conquistar o cumplir. Su vida, así, no tiene sentido y solo toma una parcial conciencia entre el dolor y la gloria, como acertadamente Almodóvar titula este conmovedor filme.

Pareciera que el afamado director manchego se filmara a si mismo. Antonio Banderas construye un papel magistral al vestirse de Almodóvar y encarnar a un hombre que desde sus gestos, miradas y posturas, transmite incomodidad y frustración a pesar de convivir también con el reconocimiento y la aclamación por un pasado que se diluye en sus diferentes recuerdos. Los tonos de voz, las inflexiones y la forma de ser del protagonista toman cuerpo en una caracterización que por momentos llega a estremecer. La necesidad de sanar heridas, de reencontrarse consigo mismo y con los demás, junto con un genuino deseo de cerrar capítulos que aun están abiertos, supone para Salvador un esfuerzo mayor. Por ello, cuando aparece como un niño, todo parece cobrar sentido en una alternancia que Almodóvar filma delicadamente componiendo un relato que lleva impreso su sello.

“Dolor y gloria” roza la depresión, no solo la física sino también la intelectual y creativa. Es una película que va cuesta abajo y que nada parece ser capaz de detenerla. Solo las luces de los recuerdos, esos primeros descubrimientos, el primer deseo y también las frustraciones, ponen de manifiesto una humanidad desbordante en contraposición a la preocupación actual por la salud y el porvenir. Banderas no repara en transmitir emociones, se entrega a un personaje que probablemente perdure en el tiempo porque no solo es quien representa, sino probablemente refleja muchísimas realidades actuales en distintas situaciones y circunstancias. Es un personaje que tiene una cuota de universalidad, que posee una intimidad cercana y sensible que es compartida tal vez por muchas personas, y que cobra vida gracias a un guion que se ve sencillo en apariencia, incluso improvisado por momentos, pero que es tremendamente complejo y profundo.

Párrafo aparte para la música de Alberto Iglesias. Ya nos tiene acostumbrados a bellas partituras, sin embargo esta vez da otro paso al explícitamente tomar motivos de una música que no resulta tan sencilla y fácil de comprender. Hay algo de Alban Berg y también de Arnold Schönberg, con trazos y dibujos que hablan de procesos de descubrimiento y exploración hacia caminos no tradicionales. Algo hay de homenaje tal vez, y lo podemos asimilar a lo que Almodóvar realiza en la película con la madre de Salvador -tal vez su propia madre-, tanto de joven como ya mayor, con este emotivo racconto de una vida que le cobra cuentas pasadas y que a la vez se transforma en un impulso vital, de luz, de sentido y de esperanza.

Ficha técnica

Título original: Dolor y gloria
Año: 2019
Duración: 108 minutos
País: España
Productora: El Deseo. Distribuida por Sony Pictures Entertainment (SPE)
Género: Drama | Cine dentro del cine. Drogas. Años 60. Infancia
Guion: Pedro Almodóvar
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: José Luis Alcaine
Reparto: Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia, Julieta Serrano, Nora Navas, Asier Flores, César Vicente, Raúl Arévalo, Neus Alborch, Cecilia Roth, Pedro Casablanc, Susi Sánchez, Eva Martín, Julián López, Rosalía, Francisca Horcajo
Dirección: Pedro Almodóvar

La desaparición - Por José Blanco Jiménez

Thomas, James y Donald eran los cuidadores del faro de Eilan Mòr, en el archipiélago Flannan al largo de la costa de Escocia, y desaparecieron misteriosamente.

Sobre la base de estos hechos reales, los guionistas Joe Bone y Celyn Jones entregaron al director danés Kristoffer Nyholm un argumento que se pierde en la noche de los tiempos, que Geoffrey Chaucer incluyó como el cuento del bulero en The Canterbury Tales, que reescribió Eça de Queiros con el título de El tesoro y que ha estado también en el cine en películas como El tesoro de la Sierra Madre (The Treasure of the Sierra Madre, de John Huston, 1948).

Es decir, un relato que pone en guardia acerca de la codicia y sus consecuencias.

La soledad del islote y la rutina de mantener el faro en funciones se ve interrumpida por el naufragio de un bote, que trae consigo una caja dentro de la cual hay lingotes de oro. Y aquí me detengo para no ser un spoiler, a pesar de que los acontecimientos de ahí para adelante son previsibles.

Además de la fotografía impecable, que presenta una sobrecogedora tierra fría y estéril ubicada fuera del mundo civilizado, está la caracterización de los personajes, entre los que sobresale Peter Mullan, como un patriarca que arrastra consigo errores irreparables. Gerard Butler logra liberarse de la maqueta de héroe indestructible (le oponen al gigantón Ólafur Darri Ólafsson de 1.94 m que contrasta con su “apenas” 1.88 m) y su acento escocés le da aun mayor credibilidad, sobre todo cuando regrede a un comportamiento casi animalesco. Finalmente, Connor Swindells es un debutante que promete con su estampa de adolescente inexperto y temeroso, pero capaz de defenderse.

En suma, una buena película que excluye las explicaciones sobrenaturales y que deja en claro que – a fin de cuentas – como aseguró Thomas Hobbes “el hombre es el lobo del hombre”.

17/6/19

Tolkien - Por Jackie O.

Una historia de amistad y amor.

Quien es JRR Tolkien. Todos quieren saber de dónde y cómo nacieron esas magníficas obras que muchos han deleitado devorando las hojas de sus libros o mirando las adaptaciones al cine.

Todo comienza con él, un joven Ronald en las trincheras en plena Primera Guerra Mundial, y mientras sufría de la llamada “fiebre de las trincheras” comenzó a imaginar vagamente entre el humo y el fuego de la batalla lo que serían sus personajes de estos libros, y a tener recuerdos de su infancia de cómo forjó amistad con sus compañeros de colegio, su afición por las lenguas, el dibujo y el amor.

Esta historia muestra la vida del Tolkien desde más menos lo 12 años hasta los veintitantos. Que se mezclan entre sus recuerdos y las trincheras.

La película como historia de amor y respecto de la amistad que forjó con sus 3 amigos es bella y bien construida, con un buen guion, hermosa fotografía, cada detalle de época bien construido, realmente bien hecha viéndola desde ese punto de vista.

Pero si quieres saber realmente como construyó las historias que conoces, le falta mucho detalle. Queda al debe, por lo que no hay que hacerse mucha expectativa en cuanto a eso. Solo hay que disfrutarla como una bella historia de amistad, una amistad inquebrantable de mucha lealtad. Y sobre del amor de su vida y quien sería su cónyuge hasta la muerte.

Y por abarcar unos pocos años de la vida de este afamado escritor, filólogo, poeta y profesor por que se da vuelta en los mismos temas de amistad, amor y las lenguas (que no es malo), no será posible saber sobre sus creencias, pensamientos políticos, la importancia de la religión en su vida, su amistad con CS Lewis y hasta el cuestionado racismo que se le atribuyó, entre otras cosas. Menos como forjó sus grandiosas novelas y poemas.

La película está totalmente embellecida para darnos un momento agradable y poder suspirar de amor. Pero biográfica nos quedó debiendo.

No trata de la creación de sus afamados libros que es lo que todos esperábamos.

Las actuaciones de Nicolas Hoult y Lily Collins son realmente soberbias y traspasan esa química a todo el espectador, el resto del elenco cada uno muy bien en sus roles. Muestra la amistad y la lealtad de forma muy enriquecedora.

La película es correcta en cuanto a estética y tomándola como una historia de amistad y amor quedas totalmente encantado. Es totalmente familiar y comercial. Vista de esa forma, me encantó.

Pero si deseas ver la biografía de este gran escritor acá no la verás, queda debiendo la profundidad de sus pensamientos como escritor de esas maravillosas fantasías.

Así que a leer libros biográficos de él.

Ficha técnica

Tolkien
Dirección Dome Karukoski
Producción Peter Chernin, David Ready, Kris Thykier y Jenno Topping
Guion David Gleeson y Stephen Beresford
Música Thomas Newman
Fotografía Lasse Frank Johannessen
Montaje Harri Ylönen
Protagonistas: Nicholas Hoult, Lily Collins, Colm Meaney, Tom Glynn-Carney, Craig Roberts
Harry Gilby, Laura Donnelly, entre otros.
Distribuye Fox Chile

Ella es Cristina - Por Jackie O.

Machismo, egocéntrico, aventuras y desventuras.

Cristina es ilustradora y cuenta con una gran amiga (Susana) que no tiene pelos en la lengua pero muy leal, y tanto la quiere que detesta verla sufrir con su ex, y en una cena enfrenta a este sujeto (el ex), perdiendo la amistad con Cristina.

Ambas son las protagonistas de esta historia y en forma separada se enfrentan a la vida con aciertos y desaciertos, y a los hombres en sus vidas.

Cristina es una mujer separada con la idea de reconquistar a su ex, creyendo que lo logró debido a un encuentro sexual con él, pero no resulta ya que él quiere el divorcio.

Está mujer sólo busca la tranquilidad, la compañía y el amor, pero se fija en "pelmazos", en donde ella se esfuerza y da todo lo que más puede.

En realidad está película muestra a casi todos los hombres como pelmazos, cachos, estorbos y dan ganas de mejor quedarse sola.

Cristina primero se le ve con su ex, un ególatra que ignora al resto y requiere sólo la atención hacia él. Después con un seudo intelectual de las artes que conoce en un taller, con carácter explosivo, pero que lamentablemente se embarazada de él. Viviendo prácticamente sola dicho proceso, y sin su amiga del alma, solo por una pelea por un sujeto que no lo valía.

Paralelamente Susana, la amiga de Cristina, trata de vivir su vida con su amigo al cual aleja por su carácter débil y fome, versus el de ella más empoderado. Agregándole que debe lidiar con el disperso y chanta de su padre.

Actores y actrices con gran trayectoria, con un guion que tiene muchos “baches”, es decir se salta de un momento a otro sin explicación, no ahonda en la vida de Cristina nuestra protagonista, quien es, que hace aparte de dibujar, etc. Además es algo plana sin toques de humor. Incluso hay escenas un tanto sobreactuada y poco creíbles.

No aburrida para quienes le gustan disfrutar del cine chileno y estar una tarde tranquilos. Además es corta.

Un punto interesante es ver actuar o los intentos de actuación de Sebastian Lelio, en un pequeño rol.

Otros puntos a favor, es que no está ese exceso de garabatos que realmente molesta. Y una linda fotografía en blanco y negro.

Cine chileno al que de todas formas hay que apoyar.

Ficha técnica

Nombre original: Ella es Cristina
País: Chile
Dirección: Gonzalo Maza
Año: 2019
Duración: 72 min
Género: Ficción
Clasificación: Mayores de 14 años
Elenco: Mariana Derderián, Paloma Salas, Roberto Farías, Néstor Cantillana, Daniela Castillo Toro, Alejandro Goic, Claudia Celedón, Sebastián Lelio, Lucas Balmaceda, Paola Lattus, Elsa Poblete, Bernardo Quesney, Natalia Cuéllar, Nona Fernández, Antonia Bravo, Moira Miller.
GUIÓN: Gonzalo Maza
Música: Cristóbal Carvajal
Fotografía: Benjamín Echazarreta (B&W) Producción Ejecutiva: Salma Hayek y Siobhan Flynn

15/6/19

Tolkien - Por José Blanco Jiménez

La biografía de J. R.R. Tolkien parece extraída de una novela de Charles Dickens y, para ser más precisos, de Grandes Esperanzas. Y la película reconstruye ambientación y personajes con el más genuino espíritu victoriano. Nacido en Bloemfontein (Estado Libre de Orange) en 1892, huérfano de padre y después de madre, se educó en un high college (el King Edward’s School of Birmingham) gracias a la intervención de un sacerdote católico y se hizo de amigos en la alta sociedad. Con ellos constituyó un grupo – el Tea Club in Barrovian Society – que se reunía para dedicarse al arte y a la escritura. Se enamoró de Edith, una jovencita tres años mayor, que tocaba el piano y admiraba a Wagner, conquistó su corazón y lograron constituir una familia en 1913.

Fue la Primera Guerra Mundial la que lo marcó y lo llevó a imaginar el mundo de El Hobbit y El señor de los anillos, con lanzallamas que asemejaban a dragones. Estas novelas fueron escritas muchos años después: la primera entre fines de los años ’20 y principios de los ’30 (y publicada recién en 1937); la saga fue impresa entre 1954 y 1955. En realidad, las había escrito para entretención de sus niños. Su consagración sería con la serie de películas iniciada en 2001, dirigidas por Peter Jackson.

Tolkien, como profesor de lingüística, fue creador de nuevos mundos y de nuevas lenguas que – dentro de una estructura estrictamente lógica – se han transformado en universos paralelos plenamente creíbles dentro de su fantástica existencia.

Las actuaciones de Nicholas Hoult y Lily Collins son correctas, como asimismo la dirección del finlandés Dome Karukoski. Por su factura y ambientación, me recordó Tierra de sombras(Shadowlands, 1003), de Richard Attenborough que, interpretada por Anthony Hopkins, reconstruía parte de la vida del irlandés C. S. Lewis. Y no es una simple coincidencia, puesto que Clive Staples, creador de Las crónicas de Narnia y John Ronald Reuel fueron amigos en la vida real y son dos de creadores de literatura infantil del siglo XX.

Ficha técnica

Biografía, fraternidad, literatura Fox EE.UU., Inglaterra, Irlanda - 1,52 hrs. 
Fotografía: Lasse Frank Johannessen 
Edición: Chris Gill, Harri Ylönen 
Música: Thomas Newman 
Diseño Prod.: Grant Montgomery 
Guion: David Gleeson, Stephen Beresford 
Actores: Nicholas Hoult, Lily Collins, Colm Meaney 
Director: Dome Karukoski

Ni en tus sueños - Por José Blanco Jiménez

Una pareja disímil: Charlotte Field es Secretaria de Estado y candidata a Presidenta de la Estados Unidos, puesto que su jefe le ha confidenciado que no irá a la reelección, porque quiere regresar al mundo del cine desde donde proviene; Fred Flarsky es un periodista con una actitud autodestructiva y una inestabilidad económica fruto de su posición antisistema.

Pero estos personajes tienen algo en común: ella fue la babysitter de él cuando tenían 16 y 13 años respectivamente. Y la verdad es que, a pesar de su carrera exitosa, Charlotte es una postadolescente que siente que está dejando atrás a la juventud sin haberla disfrutado. Mientras tanto, Fred sigue enamorado de ella sabiendo que es imposible conquistar a la mujer que tiene más poder en el mundo.

La película está construida para el lucimiento de una adorable Charlize Theron, que ha sido perversa asesina (Monster, 1993), superheroína con poderes especiales (Hancock, 2008), jefa de la expedición de Prometheus (2012), guerrera futurista manca de un brazo (Mad Max: Fury Road, 2015), adulta joven que busca resolver un crimen (Dark Places/ Lugares obscuros, 2015) madre aproblemada (Tully, 2017), peligrosa y lésbica agente secreta (Atomic Blonde/Atómica, 2017), entre tantas otras caracterizaciones.

Y aquí también desarrolla varias a la perfección: desde una elegante modelo de vestuario carísimo a una jovencita inmadura necesitada de cariño, desde una habilísima ingeniera política hasta una desatada “lolosauria teenager” drogadicta. Además, baila un tango con Alexander Skarsgård, que hará morir de celos a todos los espectadores enamorados de ella.

La acompaña un equipo caricaturesco: una secretaria que parece ama de llaves del siglo XIX (June Diane Raphael), un indio experto en informática (Ravi Patel) y un gigantesco guardaespaldas de aspecto risible (Tristan D. Dalla).
Seth Rogen, en cambio, evidencia en todo momento su condición de judío (en Argentina recuerda que “¡aquí están los que mataron a mis abuelos!”), improvisa una gag tras otra, metiendo la pata, y contrasta ideas con su amigo cristiano afro (O'Shea Jackson Jr.). Además, en todo momento, me recordó a un colega chileno periodista del que voy a dar las puras iniciales: A.J. ¡Ver para creer!

Ficha técnica

Título Original: Long Shot 
BFDistribution Comedia EE.UU. - 2 hrs. 
Fotografía: Yves Bélanger 
Edición: Melissa Bretherton, Evan Henke 
Música: Marco Beltrami, Miles Hankins 
Diseño Prod.: Kalina Ivanov 
Guion: Dan Sterling, Liz Hannah 
Actores: Charlize Theron, Seth Rogen, June Diane Raphael 
Director: Jonathan Levine

13/6/19

La Viuda - Por Jackie O.

“Con Greta se quitan las ganas de ser buen samaritano”.

Una mujer sola y una joven que perdió a su madre se encuentran y desarrollan una bonita y dependiente amistad. Más bien una amistad tóxica.

Todo comienza cuando Frances una joven que comparte departamento con su amiga Erica, va en metro y encuentra una hermosa cartera, la toma y se la lleva a su hogar donde la revisa con su amiga y luego decide devolverla ya que encontró la dirección de su dueña casualmente adentro de la cartera. La dueña de dicha cartera es Greta, una adorable mujer que vive sola, entablando ambas una amistad que en un comienzo las une la pérdida que ambas sufrieron.

Pero Frances comienza a darse cuenta que Greta no es muy normal que digamos y se aleja de ella. Greta efectivamente no es normal, sacando a relucir su obsesión y locura.

Existen muchos hombres en el cine como psicópatas y pocas las mujeres, pero cuando las hay locas, vaya que las hay: Atracción fatal, mujer soltera busca, La mano que mece la cuna, Misery, etc. Donde comienzan lindas y suaves para terminar el asunto alocado.

Isabelle Huppert es quien hace de Greta y le quedan muy bien los papeles de mujer atormentada y extrañas, acá saca a relucir todo su potencial. Choe Grace Moretz se presenta como la indefensa Frances, la cual no me convence del todo, ya que a veces sentí que sobreactuaba un poco, pero eso no le quita la emoción a la película. Que por lo general va acompañada de una música que te alerta de que algo va a pasar.

En momentos es inquietante y atrapante. No saltaras de tu asiento por que no es terror, es un thriller psicológico. Donde Neil Jordan le da características de estilo noventero en cuanto a guion y ambiente.

Antiguamente se veían las películas ese acoso donde el malo seguía a todos lados al bueno, ahora basta un click para atormentar a la gente. Y es igual o peor de estresante. Neil Jordan usa ambos estilos en esta película, y es efectivo.

El guion no es nada original y con un final que te quedas pensando, pero muy interesante para ver y disfrutarla.

Es una película donde te hará además pensar si ser o no un buen samaritano, si ver algo y mejor hacerse el desentendido. O ir dejarlo al cuartel policial más cercano y que ellos se hagan cargo.

Por último pregunto: ¿Crees que la soledad y/o la pena te pueden llevar a la locura? ¿O es un estado que se encuentra arraigado en algunas personas y lo desarrollan con algún detonante? Quién sabe, pero de que existe gente loca, vaya que las hay.

Ficha técnica

Título original: Greta Año: 2018
Duración: 98 min. País: Irlanda
Dirección: Neil Jordan Guion: Ray Wright, Neil Jordan
Música: Dominik Scherrer Fotografía: Seamus McGarvey
Reparto: Isabelle Huppert, Chloë Grace Moretz, Maika Monroe, Stephen Rea, Colm Feore,Zawe Ashton

Hombres de Negro - Por Jackie O.

“Buen momento para usar el neutralizador”

Todos esperábamos esta nueva producción debido a que cuenta con un casting excepcional y la historia de MIB está en nuestra memoria como una buena y entretenida saga.

Pero que tenemos acá: exceso de malos CGI, chistes forzados casi todos fomes y guion totalmente disperso, por decir lo menos.

Es resumen esta es la peor película de la saga.

La trama, no sé… lo mismo que se conoce pero mal presentado, escrito y dirigido. Es decir acá están todos decayendo, a que me refiero, por ejemplo su Director Felix Gary Gray (El mediador o Negociador de 1998 –Tómalo con calma 2005 – Rápido y furioso 2017) menciono algunas películas que tuvieron buena recepción, pero ésta cae dentro de sus malas direcciones. El guionista Matt Holloway (Transformer 2017 – El Castigador 2008) está sumando fracasos a su curriculum. No sé en que estaban pensando, esto se les ocurrió en un día de juerga… no sé.

Chris le está tomando gusto a las comedias (ver en última Avengers y cazafantasmas) y quisieron ponerle el toque cómico tipo Marvel, pero no está funcionando creo yo.

Los CGI de esta cinta son muy malos, se notaban todos y hubo exageración en ellos, tal vez es a propósito para tapar la mala historia que nos querían presentar.

Extraño a Tommy y Will, pero sí hay que darle cabida a nuevos rostros para refrescar las tramas, y Tessa con Chris son buenas opciones y puedo decir que tienen buena química. El resto de actores como Liam Neeson o Emma Thompson le dan el toque serio, elegante y a veces simpático.

Trama, no hay ya que todo es disperso y algo plano a veces. No sé ni cómo catalogarlo.

Y los antagonistas, son muy malos hasta ridículos.

Se viene MIB 5 así que espero mejoren. O tal vez se viene “Mujeres de negro”, quien sabe. Solo espero algo digno para no olvidar.

Esta vez activo el neutralizador… y ya la olvidé.

LO MALO:

-No darle más cabida al despliegue actoral a Liam, Rebbeca y Emma.

-CGI que caen en lo burdo por la notoriedad y el exceso, que creo fue para esconder la mala trama. –Nada original, muy predecible.

–Los antagonistas. –Chistes tipo show de estand-up malos.

-En realidad casi todo.

LO BUENO:

-Casting. –El personaje del pequeño PEÓN (Pawney) destaca.

–Buena química entre Tessa y Chris.

La película la puedo catalogar de aceptable a mala. Tal vez algo entretenida, pero lo mínimo.

Espérala mejor a que la den por TV.

Ficha técnica

Título original: Men in Black: InternationalCómica/Ciencia Ficción.
Director: F. Gary Gray
Actores: Chris Hemsworth, Tessa Thompson, Rebecca Ferguson y Liam Neeson
País de origen: Estados Unidos
Año 2019.
Duración: 114 minutos

La Viuda - Por Juan Pablo Donoso

Esperábamos más de Neil Jordan - El Juego de las Lágrimas 1992, Entrevista con un Vampiro 1994” y también otros notables como Mona Lisa 1986.

Repite las atmósferas de claroscuros interiores y días nublados de sus grandes filmes. También la dirección de actrices demuestra su oficio. Y más cuando alude al tema del acoso enfermizo sobre una criatura débil e inocente.

Aquí es una viuda solitaria que conquista la confianza de una muchachita huérfana de provincia que trabaja en Nueva York.

La joven Frances (Chloë Grace Moretz) encuentra una cartera de mujer olvidada en un Metro y decide devolvérsela a la propietaria Greta (Isabelle Huppert). Se entablará una relación afectiva entre ellas. Una carece de mamá. La otra perdió a una hija.

Más, gradualmente Frances hallará signos sospechosos en el hogar de Greta, e intentará alejarse de ella. Pero todo será inútil porque la viuda la perseguirá de manera cada vez más demencial.

Si bien el fenómeno ha sido tratado antes con éxito (Atracción Fatal, por ejemplo), ahora, por ser entre mujeres, pudo tener aristas más sutiles y distintas. En especial teniendo como Greta a la excelente actriz francesa Isabelle Huppert, ya consagrada en roles desquiciados como La Profesora de Piano (2001) y Elle (2016).

Sin embargo, por deficiencias del guion, la intriga se va llenando de contrasentidos y clichés. Greta pudo habernos engañado a nosotros también si hubiese manejado su personaje con mayor contención y dulzura sostenida. La Huppert puede hacer eso y mucho más. Al mostrar su juego tan temprano limitó sus matices actorales y dejó que sólo Frances viviera el tormento y la indefensión.

Entre los personajes secundarios destacamos a Maika Monroe, como Erica, la compañera de cuarto de Frances. Con carismática presencia y economía gestual va viviendo de manera paralela la pesadilla de su amiga.

Estaban dados todos los elementos para una gesta de gran suspenso. Con tan paradigmáticas actrices, Jordan junto al guionista Ray Wright, tuvieron en sus manos un final más europeo, siniestro y amoral. Pero culminaron con los archiconocidos finales populistas.

El desarrollo que también pudo ser más sibilino se vino abajo sin remedio con un remache tan burdo como ese.

Así, en vez de una joyita de perversión psicótica nos quedamos con el burdo mensaje de evitar devolver objetos de valor hallados en la calle y, peor aún, encariñarnos con los supuestos propietarios.

DRAMA DE SUSPENSO PSICOLÓGICO DESPERDICIADO POR OPCIONES FACILISTAS.

Ficha técnica

Título Original: Greta 
Drama, misterio, suspenso Diamond Films Irlanda, EE.UU. - 1,38 hrs. 
Fotografía: Seamus McGarvey 
Edición: Nick Emerson 
Música: Javier Navarrete 
Diseño Prod.: Anna Rackard 
Guion: Ray Wright, Neil Jordan 
Actores: Isabelle Huppert, Chloë Grace Moretz, Maika Monroe 
Director: Neil Jordan

Hombres de Negro Internacional - Por Juan Pablo Donoso

Parece una competencia entre las productoras por superar cuál invierte más millones de dólares, pone más efectos especiales, recorre más el mundo, acumula más combates, y cuál logra mayor velocidad. Si la historia se entiende o tiene lógica, es lo de menos.

Los Hombres de Negro de las sagas anteriores protegen la Tierra de los parásitos perversos del Universo. Ya hay otros gorgojos muy feos, pero son inofensivos y, supuestamente, más simpáticos o sensuales en el caso de las féminas (Rebecca Ferguson).

En este nuevo capítulo es tal la acumulación de aventuras, elementos supersónicos, mutantes, alienígenas, efectos psicodélicos, países diferentes y estrellas famosas del cine que, todo comprimido en 115 minutos, desafía la resistencia de cualquier espectador mayor de 30 años.

Si alguien quiere disfrutar de esta superproducción de US$110.000.000 deberá verla 2 o 3 veces para desentrañar la maraña de intrigas internacionales, criaturas estrambóticas, seguir el acopio de acontecimientos, y reír a veces con los chistes insertados en la vorágine.

Ahora se integra a los “hombres de negro” una heroica “muchachita de negro” llamada Agente M (Tessa Thompson), y a un minúsculo duende llamado Pawny encargado de decir las chirigotas.

Y todo para combatir la amenaza de una tal Colmena, que vendrá del espacio, y cuyos heraldos son dos mulatos flacuchentos que cuando se enojan, les sale luz por los ojos y con las manos derriten el pavimento de las calles.

MULTIMILLONARIA SECUELA DE ACCIÓN DONDE TIRAN DE TODO A LA PARRILLA PARA SUPERAR A LA COMPETENCIA. ABRUMADORA Y RECARGADA.

Ficha técnica


Título Original: Men in Black: International 
Acción, aventuras, comedia Andes Films y Sony Pictures Inglaterra, EE.UU. - 1,55 hrs. 
Fotografía: Stuart Dryburgh 
Edición: Zene Baker, Christian Wagner, Matt Willard 
Música: Chris Bacon, Danny Elfman 
Diseño Prod.: Charles Wood 
Guion: Matt Holloway, Art Marcum 
Actores: Tessa Thompson, Chris Hemsworth, Rebecca Ferguson 
Director: F. Gary Cray

Tolkien - Por Juan Pablo Donoso

Una biografía del escritor inglés JRR Tolkien lograda plenamente, en fondo y forma.

Quienes admiren sus obras más emblemáticas - El Hobbit y El Señor de los Anillos - disfrutarán de la inteligencia y delicadeza con que este filme nos sumerge en los orígenes - y en las raíces creativas - de este genial escritor y filólogo.

Así como en 2014 aplaudimos El Código Enigma y La Teoría del Todo, ahora volveremos a hacerlo con esta semblanza de un hombre notable.

Su vida fue un testimonio de amor, compañerismo a toda prueba y profundos desgarros, que incluyeron su participación en los horrores de la 1ª Guerra Mundial.

Estupenda recreación de épocas, buen guion y actuaciones conmovedoras de Nicholas Hoult (La Favorita 2018) como Tolkien adulto, de Lily Collins como su amada Edith y de Laura Donnelly como su madre. A las que se suman la de todos los personajes que influyeron en su vida: maestros, tutores y, muy especialmente, a cada uno de sus compañeros universitarios con los cuales se creó la cofradía de los TCBS (sus iniciales), cuya férrea lealtad perduraría hasta más allá de la muerte.

Mérito especial del director Dome Karukoski, de origen chipriota/finlandés quien, gracias a los guionistas y a todo el equipo, equilibró de manera tan clara la enorme cantidad de factores de la vida, obra y sentimientos de este gigante de la literatura inglesa del siglo 20.

Es de aquellas películas tan logradas, en fondo y forma, que hablan por sí mismas más allá de cualquier comentario nuestro.

Sin duda, después de verla, muchos querrán leer sus libros, o volver a ver los filmes inspirados en ellos.

BIOGRAFÍA QUE NOS ACERCA COMO POCAS AL ALMA DE J.R.R. TOLKIEN Y A SUS OBRAS. IMPERDIBLE.

Ficha técnica


Biografía, fraternidad, literatura Fox EE.UU., Inglaterra, Irlanda - 1,52 hrs. 
Fotografía: Lasse Frank Johannessen 
Edición: Chris Gill, Harri Ylönen 
Música: Thomas Newman 
Diseño Prod.: Grant Montgomery 
Guion: David Gleeson, Stephen Beresford 
Actores: Nicholas Hoult, Lily Collins, Colm Meaney 
Director: Dome Karukoski

Ni en tus Sueños - Por Juan Pablo Donoso

Comedia romántica demasiado predecible. Pareciera concebida para serie de TV.

Desarrolla la relación sentimental entre una importante Ministra de Estado y candidata a la Presidencia de EE.UU., con un periodista judío cesante. Llena de incidentes políticos, financieros y de intrigas protocolares.

Charlize Theron, estupenda actriz como siempre, produjo esta comedia rosa/política para su lucimiento personal.

Son tantas las circunstancias equívocas, ceremonias oficiales e irreverencias del asesor judío, que cada una de ellas daría para capítulo de una larga y elegante teleserie nocturna...

Y decimos “nocturna” porque TODOS los personajes hablan con obscenidades (en inglés), además de picarescas escenas sexuales bastante subidas de color: como publicitar la masturbación del periodista en Instagram para favorecer la campaña presidencial de la candidata.

Por mucho que se muestren escenarios de la Casa Blanca y abunden personajes prominentes, la ridiculez con que se los trata impide que esta farsa tenga algo siquiera interesante que denunciar.

El guion patina para todos lados sin hallar la médula.

Por lo vulgar, ni siquiera es muy graciosa. Sólo para elegirla en el menú de vídeos durante un largo y aburrido vuelo en avión.

DESPERDICIO DE UNA COMEDIA SEUDO POLÍTICA Y ROMÁNTICA.

Ficha técnica


Título Original: Long Shot 
BFDistribution Comedia EE.UU. - 2 hrs. 
Fotografía: Yves Bélanger 
Edición: Melissa Bretherton, Evan Henke 
Música: Marco Beltrami, Miles Hankins 
Diseño Prod.: Kalina Ivanov 
Guion: Dan Sterling, Liz Hannah 
Actores: Charlize Theron, Seth Rogen, June Diane Raphael 
Director: Jonathan Levine

Las Flores de la Guerra - Por Juan Pablo Donoso

Tema sensible, aunque bastante novelesco.

Extraordinaria y prolija realización, especialmente en las escenas de guerra.

Demasiado larga. Pudo decir lo mismo de manera más compacta para lograr mayor dramatismo en los elementos humanitarios.

Personajes irregularmente diseñados, aunque los actores son talentosos.

Un aventurero estadounidense, embalsamador, se ve atrapado en los combates entre chinos y japoneses en Nanjing en 1937. Se refugia en un convento católico con muchachitas novicias que aspiran a monjas. También se filtra allí un grupo de prostitutas del pueblo. El vagabundo, presionado por las circunstancias, adoptará la responsabilidad paternal del párroco que escapó para proteger y salvar a las adolescentes de la barbarie de las tropas niponas cuando ingresan al templo. Serán la rameras quienes, en un acto sublime de inmolación, permitirán que se salven las muchachitas de ser mancilladas.

Una hermosa anécdota vista en su globalidad, pero… se hace pesada.

TEMA MUY SENSIBLE QUE DEBIÓ SER MÁS COMPACTO. LE FALTÓ “CONCRECIÓN DRAMÁTICA”.

Ficha técnica


Título Original: Jin ling shi san chai Historia, guerra, romance 
Cine-arte Patricia Ready China, Hong Kong - 2,29 hrs. 
Fotografía: Xiaoding Zhao 
Edición: Peicong Meng 
Música: Qi Gang Chen 
Diseño Prod.: Yohei Taneda 
Guion: Heng Liu, Geling Yan (novela)
Actores: Christian Bale – Ni Ni – Xingi Zhan
Director: Yimou Zhang

Ella es Cristina - Por Juan Pablo Donoso

Historia de los motivos por los cuales dos amigas desde la infancia - ahora treintonas - llegan a casarse y a convivir como pareja. Son Cristina y Susana.

Así comienza y así termina. El resto es la minuciosa acumulación de antecedentes que las llevaron a tomar esa resolución.

Primera película chilena que dirige Gonzalo Maza, guionista de las premiadas GLADYS y UNA MUJER FANTÁSTICA.

Lo mejor es la hermosa fotografía en blanco y negro de Benjamín Echazarreta y las actuaciones naturalistas de los actores. Se ven cómodos en sus diversas situaciones tan cotidianas.

Ignoramos el porqué del blanco y negro (hoy día es más caro que el color). La temática y el tratamiento nos recuerdan algunas obras de Jean-Luc Goddard de los años 60: MASCULINO/FEMENINO (1966) y algo de VIVIR SU VIDA (1962).

El argumento - dividido en 3 capítulos - se desarrolla con extrema lentitud y minimalismo. Ambas amigas tuvieron desilusiones amorosas previas con hombres inmaduros. Incluso pelean entre sí por nimiedades, para luego reconciliarse.

Sin tapujos hay una constante denuncia al subdesarrollo afectivo de los hombres. Los hay inseguros (Nestor Cantillana), histéricos y bipolares (Roberto Farías), descarados e irresponsables (Alejandro Goic) o simplemente “fomes” (Bernardo Quesney).

Los desengaños de ambas mujeres son muy habituales en el mundo de hoy. Nada muy especial ni dramático - ¡ni menos trágico! - sucede a ninguna de ellas. Sólo refleja un mundo actual de personas de clase media acomodada, comunes y corrientes, que intentan practicar sus hobbies o llenar sus soledades.

Asisten a fiestas, se emborrachan, participan en talleres neurótico/intelectuales, adoptan un perrito abandonado, culpan a los “karmas” cuando sucede un accidente callejero, ceden al sexo casual y practican natación en estado de gravidez.

Sin duda “ella es Cristina” (Mariana Derderián, panelista de matinales), y la otra es Susana (Paloma Salas, comediante stand-up), y como ellas hay millones de clase media, de bajo perfil, en casi todos los países del mundo urbano.

Para reiterar la petulancia del profesor de dramaturgia, resulta extemporáneo un espectáculo teatral Butoh dentro del relato general. ¿Sólo un capricho estético?

Nos amenazan con un patetismo social de fondo que nunca revienta. Se resuelve tranquilamente.

UN INTENTO DE “CINE-VERDAD” A LA CHILENA, PERO SIN EL AURA RUPTURISTA QUE TUVO LA “NOUVELLE VAGUE” EN SU MOMENTO.

Ficha técnica


Crónica cotidiana Storyborad Media Chile - 1,22 hrs. 
Fotografía: Benjamín Echazarreta 
Edición: Andrea Chignoli 
Música: Cristóbal Carvajal 
Diseño Prod.: Lamari Ascui 
Actores: Mariana Derderián, Paloma Salas, Roberto Farías 
Guionista y Director: Gonzalo Maza

Dobles vidas - Por Jackie O.

Una junta intelectual de Doubles Vies.

Alain un editor está casado con la actriz Selena, son una pareja que se reúne de vez en cuando con sus amigos, y en esta oportunidad y a pesar de no ser tan mayores, a Alain y otros le cuesta adaptarse y aceptar los nuevos tiempos de la era digital y tienen largas conversaciones de literatura en reuniones sociales que mantienen en grupo casi en toda la película, pero en diferentes espacios.

La película a pesar de hablar de situaciones reales y actuales es muy relajada, más para quienes les gusta el estilo intelectualoide con mucha verborrea y quieran descansar de los efectos especiales, superhéroes o violencia.

Los personajes se muestran vacíos sin demostrar tantos sus emociones, ni siquiera cuando son infieles, no demuestran nada. No tiene momentos graciosos que puedan hacer un pequeño quiebre a tantos diálogos lo que puede en algún momento parecer tedioso.

A pesar de que su guion es interesante por los temas tratados y unos actores geniales se muestran de una forma plana, por lo ya dicho antes: no muestran emociones en sus diálogos o actos.

La doble vida que mantienen todos nuestros protagonistas es lo que hacen escondidos sin que el resto del grupo se entere. Lo que no resulta tan interesante como lo presentan, pero son cosas que en la realidad si suceden.

Esta película nos habla y muestra hechos que están en boga hoy en día como la era digital, los blogs, las películas, libros digitales, las infidelidades, el narcisismo y más, son conversaciones de corte interesante para una parte del público.

LO BUENO: guion ágil y de temas contingentes.

LO MALO: nada de comedia y mucha verborrea.

Actualmente en cartelera.

Ficha técnica

Título original: Doubles vies
Año: 2018
Género: Drama. Comedia
Duración: 107 min.
Reparto: Juliette Binoche, Guillaume Canet, Olivia Ross, Christa Theret, Antoine Reinartz,Pascal Greggory, Violaine Gillibert, Vincent Macaigne, Nora Hamzawi.
País: Francia
Dirección: Olivier Assayas
Guion: Olivier Assayas
Fotografía: Yorick Le Saux

7/6/19

Dobles Vidas - Por Juan Pablo Donoso

De preferencia para públicos selectos de Cine-artes. Predomina lo intelectual por sobre lo dramático.

El tema y el tratamiento será poco interesante para muchos espectadores chilenos.

Muestra el mundo parisino de los editores de novelas. Reúne a parejas francesas de clase media relacionadas con la literatura, el cine, el teatro y la política.

Viven los avatares de la competencia entre los libros impresos en papel versus el acceso a los mismos por vía electrónica digital. Expone la insatisfacción artística para algunas actrices de trabajar en películas y TV versus interpretar roles clásicos en el teatro.

Es experimentado por un grupo de personas amigas que se reúnen a conversar de tales asuntos mientras, simultáneamente, esconden amoríos extramatrimoniales entre ellos mismos.

En síntesis, inquietudes laborales, y pecadillos lujuriosos, de profesionales burgueses y acomodados.

Con el oficio habitual del director Olivier Assayas (Personal Shopper 2016 - El Otro Lado del Éxito 2014), seleccionó a un equipo de buenos actores para que durante 1,48 hrs. hablen, hablen y hablen de sus trabajos literarios alternándolos con furtivos encuentros sexuales destinados a tener corta vida.

Lo que más se discute, entre tragos y petites bouchés, es la cultura como “negocio”, y de cómo adaptarse a los cambios que trae la tecnología.

El guionista y los actores parecen disfrutar del tema más que los espectadores. Pareciera encaminarse a un clímax dramático que nunca llega. Tampoco incursiona más a fondo en cada personaje; se limita a esbozarlos y a contar sus historias paralelas, que tampoco desembocan en nada impactante.

Sólo al final hay una tibia reconciliación que, más que gozosa se siente forzada en contraste con todo el cúmulo de onanismo intelectual del relato previo.

Si escarbáramos alguna premisa hallaríamos una metáfora comparativa entre la infidelidad conyugal y cómo la literatura se utiliza para disfrazar la realidad.
Ojalá complazca a ciertos espectadores cansados de tantos filmes de súper héroes y efectos pirotécnicos.

TÍPICA PELÍCULA FRANCESA CONTEMPORÁNEA CON ESCASO CONFLICTO PERO ELEGANTE, PROLIJA, ERÓTICA E INTELECTUAL.

Ficha técnica



Títulos Originales: Doubles Vies o Non-fiction 
Tragicomedia, romance CDIFilms Francia - 1,48 hrs. 
Fotografía: Yorick Le Saux 
Edición: Simon Jacquet 
Diseño Prod.: François-Renaud Labarthe 
Actores: Guillaume Canet, Juliette Binoche, Vincent Macaigne 
Guionista y Director: Olivier Assayas

6/6/19

El Último Traje - Por Juan Pablo Donoso

Grata, conmovedora, bien escrita, bien dirigida y actuada magistralmente.

Para quienes ya estén cansados de ver filmes sobre las víctimas del holocausto nazi, esta será una bella excepción.

Relato claro y directo, donde el protagonista nos invita a acompañarlo y compartir sus decisiones, esperanzas, recuerdos e imprevistos.

Abraham Burztein, un sastre judío argentino de 88 años, enfermo de una pierna, patriarca de una gran familia, se entera que venderán su casa en Buenos Aires para internarlo en un asilo geriátrico. Pero en su conciencia tiene una deuda que nunca cumplió.

Con un poco de dinero, decide escaparse de la tutela de sus parientes y volver a su Polonia natal a devolver un terno que le prestaron cuando joven.

El origen está en el número tatuado en un brazo de cuando huyó de un campo de exterminio nazi en 1946. Agónico, lo recogió en la calle otro joven amigo suyo, Piotrek, quien lo escondió en el subterráneo para alimentarlo, sanar sus heridas, y regalarle un terno para que pudiera viajar a Sudamérica.

Abraham le juró que algún día regresaría a devolverle aquel "último traje". Y después de 70 años de exilio en Argentina partió a cumplir su promesa.

Vivirá experiencias agridulces en Madrid, donde deberá reconocer su soberbia. El paso del tren por territorio alemán, y sus pasajeros, rebrotará en él los más siniestros recuerdos. En Varsovia, por fin, una compasiva enfermera polaca lo llevará en su auto al pequeño pueblito de su infancia.

¿Vivirá aún su amigo Piotrek en el viejo barrio de la niñez? ¿ Tuvo algún sentido la larga odisea que vivió en el viaje por tres países, para morir solitario en una Polonia actual donde ya nadie lo recuerda ni lo conoce?

Las ciudades recorridas fueron cuidadosamente seleccionadas. Así mismo cada uno de los personajes secundarios: argentinos, españoles, alemanes y polacos. Todos consecuentes con sus nacionalidades y cálidos en sus contactos con el viejo y enfermo Abraham.

Sin duda, este es uno de los roles más profundos y acabados de la exitosa carrera del actor argentino Ángel Miguel Solá. Con apenas 66 años - apoyado por el admirable maquillaje de Almudena Fonseca - transmite con absoluta verdad las emociones más sutiles de su personaje.

UN FILME ESPLÉNDIDO EN TODO SENTIDO. NOS RECONCILIA CON LA BONDAD NATURAL DE MUCHAS PERSONAS QUE SE CRUZAN EN NUESTRO CAMINO.

Ficha técnica


Drama Argentina, España, Alemania, Polonia - 1,30 hrs.
Fotografía: Juan Carlos Gómez 
Edición: Antonio Frutos 
Música: Federico Jusid 
Maquillaje: Almudena Fonseca 
Diseño Prod.: Federico García Cambero 
Actores: Miguel Ángel Solá, Ángela Molina, Martín Piroyansky, Julia Beerhold, Olga Boladz, Jan Mayzel 
Guionista y Director: Pablo Solarz

X-Men: Dark Phoenix - Por Juan Pablo Donoso

Sin duda Stan Lee habría aplaudido este reciente filme de sus X-Men de Marvel. Culminación de 20 años de la serie.

De las más logradas en su género. La dirigió Simon Kinberg, productor de toda la saga anterior de X-Men y también de Logan.

Quienes carezcan de mayores antecedentes sobre los X-Men, con este capítulo comprenderán mucho de los anteriores, y de las motivaciones de sus héroes.

Ahora, la familia de los mutantes - que hemos llegado a conocer y amar con el tiempo - deberá enfrentar al enemigo más devastador que han conocido hasta la fecha…, los alienígenas codiciosos de otra galaxia en extinción llamados los Dark Phoenix.

Nuestra heroína Jean Grey (Sophie Turner - Game of Thrones), al quedar huérfana muy pequeña, fue adoptada y acondicionada por el Prof. Charles Xavier (James McAvoy - Glass 2019) para compartir los superpoderes de los X Men y ser una privilegiada más entre ellos: telepatía, telekinésis y trasposición en el espacio. Atributos para proteger y salvar al mundo.

El conflicto se desata cuando son enviados a la estratósfera para rescatar a los tripulantes de una nave espacial fuera de control. Durante la maniobra, Jean Grey es golpeada por una fuerza cósmica que le transforma y desconfigura sus virtudes. Queda poseída mentalmente por los poderes maléficos de los Dark Phoenix.

Ahora nuestros mutantes deberán decidir si la sobrevivencia de una integrante de su equipo es más valiosa que toda la humanidad de nuestro planeta.

Antes de librar las batallas finales recurrirán a antiguos maestros, de gestas anteriores, buscando recursos extremos de salvación para rescatar la psiquis de Jean de la dominación de los perversos.

Guion muy bien elaborado en su género de Marvel. Tal vez el más intenso y emotivo de toda la serie.

15000 personas trabajaron en la realización que tomó 2 años de labor. Mucho personal originario de la India, Japón y Corea.

Nos reencontraremos con Raven/Mystique (Jennifer Lawrence - Juegos del Hambre 2012), Erik Lehnsherr / Magneto (Michael Fassbender - Alien: Covenant 2017), Jessica Chastain (La Noche Más Oscura 2012-Interestelar 2014) como la principal antagonista de Jean Grey.

En el combate culminante entre las dos féminas súper poderosas surgirá el diálogo decisivo y redentor: Chastain: “Te venceré porque tus emociones te debilitan”. Jean Grey: “Jamás, porque precisamente las emociones me han hecho más fuerte”.

Y aunque haya rumores de que este sería el último capítulo de la saga, en la última escena, en el cielo de París, parpadea la luz anaranjada de un objeto mágico que podría ser el anuncio de una nueva aventura posterior.

UNO DE LOS MEJORES Y MÁS EMOTIVOS CAPÍTULOS DE X-MEN DE MARVEL.

Ficha técnica


Acción, aventuras, ciencia ficción 
Fox EE.UU., Canadá, Australia - 1,53 hrs. 
Fotografía: Mauro Fiore 
Edición: Lee Smith 
Música: Hans Zimmer 
Diseño Prod.: Claude Paré 
Guion: John Byrne, Chris Claremont 
Actores: Sophie Turner, Jennifer Lawrence, James McAvoy 
Director: Simon Kinberg

Mi Mascota es un León - Por Juan Pablo Donoso

Habla sobre el amor a los animales salvajes, y de cómo protegerlos. Se centra en una familia que desea tener una Hostería Turística como Centro Cultural en que haya educación, convivencia y sensibilización con la vida silvestre.

Es aquí donde llega un cachorro albino de león que conquistará el corazón de Mía, la hija de esa familia, y con la cual crecerán juntos en bella hermandad, a pesar del constante temor de los padres.

Y el conflicto vendrá cuando un venal traficante de safaris intenta despojarlos de Charlie, el león blanco, para destinarlo a ser trofeo de caza por motivos comerciales.

Nos enteraremos de la milenaria leyenda sud-africana de que existe un territorio aborigen exclusivo donde, cada cierto número de años, esperan la llegada de un león albino para que viva y se reproduzca libremente en sus estepas protegidas.

Será la epopeya de Mía tratar de salvar a su mascota llevándola hasta ese territorio sagrado sin que los depredadores humanos logren liquidarla.

Hay que destacar las actuaciones de Daniah De Villiers, como Mía, a quien vemos actuar desde muy niñita hasta llegar a la adolescencia, y de la actriz francesa Mélanie Laurent, como Alice, la madre de Mía, cuyo carisma sirve de pivote para todo el proceso de aquella familia.

Un testimonio de la manipulación de animales salvajes en Sud-África. Existen, por un lado, las granjas para criar leones en cautiverio y luego venderlos a zoológicos del mundo, y por otro, safaris de ricachones que sólo van a cazarlos por deporte pagando gruesas sumas a quienes comercian con el exterminio.

Admirable convivencia y contacto físico cercano de la actriz Daniah De Villiers con el león albino Charlie.

Como en BOYHOOD, demoraron varios años en filmar la película para dejar que los actores y el felino blanco avanzaran en edad.

Aunque con algunas concesiones de cliché, entrega su mensaje con claridad y deja al público conmovido. Y eso ya es un gran mérito.

EMOCIONANTE, ECOLÓGICA Y EDUCATIVA. RECOMENDABLE PARA NIÑOS, PERO ACOMPAÑADOS DE SUS PADRES.

Ficha técnica


Título Original: Mia and the White Lion Aventura Familia 
BFDistribution Francia, Alemania, Sudáfrica - 1,38 hrs. 
Fotografía: Brendan Barnes 
Edición: Julien Rey 
Música: Armand Amar 
Supervisores de Prod.: Marie Krommes, Sophie Vermersch 
Guion: Prune de Maistre, William Davies 
Actores: Daniah De Villiers, Mélanie Laurent, Langley Kirkwood 
Director: Gilles de Maistre

Un Panda en Apuros - Por Juan Pablo Donoso

Dibujo animado gracioso, ameno y con simpáticos personajes.

Con este filme los rusos demuestran que pueden deleitar a chicos y grandes con una historia tierna y valores positivos.

Una cigüeña distraída le trae por error un panda bebé a un oso soltero y gruñón llamado Mik Mik. La ternura y los llantos del pequeño son tan perturbadores que, junto a otros animalitos, deciden llevarlo a un lejano bosque de la China donde habitan sus padres verdaderos.

Así, se forma un equipo compuesto por la cigüeña (que los dobladores llaman pelícano), por un lobo que se desmaya ante cualquier peligro, por un conejo fantasioso y un tigre sentimental. Juntos emprenden un aventurado y largo viaje hasta la China.

Viven arriesgadas y cómicas aventuras. Cada personaje tiene una personalidad claramente definida y distinta. Al igual que los animalitos secundarios que aparecen por el camino.

Nos trae recuerdos de Madagascar (2005) y La Edad del Hielo (2002) donde también había que emprender un largo y tortuoso viaje para realizar su sueño.

ENCANTADORA ANIMACIÓN RUSA, CON MUCHO HUMOR, SIMPATÍA Y CANCIONES POPULARES CONOCIDAS. MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica


Título Original: Панда в беде Animación, aventuras, comedia 
Andes Films Rusia, EE.UU. - 1,30 hrs. 
Guion: Billy Frolik

Pesadilla al Amanecer - Por Juan Pablo Donoso

Un nuevo, y poco feliz, intento ruso por hacer una película de terror. Al igual que con LA NOVIA - 2017 de Svyatoslav Podgayevskiy (SIGNIS 25/5/17), en vez de aprovechar una sólida premisa se diluyen en efectismos pretenciosos.

La idea matriz era interesante. Someterse a una terapia psicológica para superar las pesadillas recurrentes. Se requería provocar el sueño - bajo control médico - y enfrentar el trauma personal desde el interior del mismo universo onírico.

El Laboratorio Somnológico escogido incluyó la modalidad de hacerlo en forma colectiva. Así, serían 4 los soñadores insertos en una pesadilla común. Y en conjunto, interactuando vivencias, resolverían sus obsesiones demoníacas. Pero todo se sale de control hasta la demencia y el crimen.

La gran falla de la película es que tanto los momentos de vigilia, como los de subconsciencia, están tratados con el mismo lenguaje surrealista de los sueños. Entonces, se hace imposible diferenciar los niveles de percepción. El relato entero queda como una enorme y confusa pesadilla.

Aunque siempre sabemos cuál es el trauma específico de cada soñador, es tal la sucesión de peripecias horripilantes que ni siquiera el director P. Sidorov, ni los guionistas, supieron cómo terminarlas.

Ni los golpes musicales, ni los “screamers” (sorpresas súbitas), ni las imágenes infernales logran emocionarnos.

Faltó una premisa central para darle coherencia verosímil al relato, y poder empatizar con el drama de sus personajes.

Al parecer, los nuevos realizadores eslavos deberían aprender de los grandes maestros rusos sobre cómo crear atmósferas mágicas y penetrar con poesía en las mentes atormentadas de sus criaturas.

¡Qué lejos están aún de Tarkovsky (Stalker), Eisenstein (Ivan el Terrible) y Pudovkin (Suvorov ), Dovzhenko (La Tierra), Kozintsev (Hamlet y Rey Lear) e Ivan Pyrev (El Idiota)!

MAJAMAMA RUSA DE TERROR ENREDADA EN SUS PROPIAS PESADILLAS

Ficha técnica


Título Original: Rassvet Terror 
Diamond Films Chile Rusia - 1,30 hrs. 
Música: Garry Judd 
Guión: Evgeny Kolyadintsev 
Actores: Alexandra Drozdova, Alexandr Molochnikov y Anna Slyu 
Director Pavel Sidorov

Ma - Por Juan Pablo Donoso

La anuncian como de terror y suspenso. Muy poco tiene de aquello. Más bien hablemos de intriga, imprudencia y venganza.

Lo mejor de la película es la actriz de color Octavia Spencer (La Forma del Agua 2017 - Talentos Ocultos 2016) talentosa y carismática como siempre.

Tétrica denuncia de cómo el “bullying” escolar deja traumas profundos en la psiquis de personas que, al crecer, parecen normales y generosas.

Es el caso de una mujer, en apariencia alegre y maternal, que facilita el sótano de su casa para que un grupo de jóvenes escolares realicen ahí sus fiestas con alcohol, sexo y marihuana.

Poco a poco, irán sospechando de las verdaderas intenciones de esta Sue Ann, que para ellos se apoda Ma (por “mamita”). Y durante el desarrollo del filme nosotros, los espectadores, iremos conociendo por medio de raccontos, la historia de esta anfitriona desde que era adolescente hasta ahora.

La historia se mira desde los ojos de Maggie (Diana Silvers - Glass), una de las nuevas alumnas del colegio que, junto a su madre (Juliette Lewis) vuelven a instalarse en este pueblito de la infancia.

La gradual aparición de detalles misteriosos mantiene nuestro interés por saber qué hay detrás de tanta gentileza. Los diversos personajes adultos del pueblo también van tejiendo la trama.

Hay remanencias de antiguos filmes paradigmáticos como Carrie (1976) y Misery (1990) que esta vez desmerecen dejando imperdonables cabos sueltos (el atropello de la casquivana Mercedes, por ejemplo). Pero nos mantiene intrigados esperando algún giro sorprendente.

Más, en los últimos 15 minutos el conflicto cae en las típicas resoluciones moralizantes, tal vez para dejar complacidas a las masas puritanas de EE.UU..

Si consideramos la crudeza de ciertas alusiones sexuales, esperábamos algo mucho más provocativo y cínico con lo que, sin duda, habría culminado un filme europeo.

CASO POLICIAL DE ABERRACIÓN PSICOLÓGICA CUYO PRINCIPAL MÉRITO DESCANSA EN LA ACTUACIÓN DE OCTAVIA SPENCER.

Ficha técnica


Intriga, desquicio, venganza 
Universal EE.UU. - 1,37 hrs. 
Fotografía: Christina Voros 
Edición: Lucy Donaldson, Jin Lee 
Música: Gregory Tripi 
Diseño Prod.: Marc Fisichella 
Guion: Scotty Landes 
Actores: Octavia Spencer, Diana Silvers, Juliette Lewis 
Director: Tate Taylor