29/3/19

En Guerre - Por Carlos Correa

Estupenda película del realizador francés Stéphane Brizé. La forma de abordar el relato es abrumador porque el director le imprime un tinte de reportaje de televisión, de documental, de filmación cercana, con primeros planos permanentes. En sus 45 minutos iniciales, que no tienen tregua alguna, la historia se despliega por completo con múltiples matices y enlaces.

La fábrica industrial Perrin tiene una planta de operación en una ciudad francesa y su rubro, la fabricación de partes y piezas para la industria automotriz, pasa por momentos complicados en el mercado. Es por ello que la empresa, afiliada al grupo alemán Schäfer, ha decidido bajar los costos a como de lugar. Sus 1.100 empleados firmaron un acuerdo hace dos años donde aceptaran una rebaja de salarios para rescatar la compañía y así proteger sus puestos de trabajo durante los siguientes cinco años. Ahora, la fabrica ha decidido cerrar sin respetar el acuerdo, lo que naturalmente es resistido por los trabajadores, liderados por Eric Laurent -notable actuación de Vincent Lindon-, quienes se niegan a aceptar el destino de la empresa e intentan recuperar su trabajo.

Este conflicto laboral es filmado con un realismo y una preocupación por los detalles que merece máxima atención. No solo vemos el resultado de la paralización, de posiciones intransigentes y de falta de diálogo. Observamos también cómo ambas posturas se aferran a lo conocido y endurecen sus puntos de vista. Podemos comprender el enojo y rechazo de los trabajadores por argumentos que parecen insuficientes, sobre todo si la fábrica presenta públicas ganancias en el último tiempo. Menos clara es la postura de la dirección de la empresa que apela a las condiciones externas y al esfuerzo que todos deben hacer, especialmente los trabajadores, para participar en un mercado cada vez más complejo, donde los márgenes se reducen y competir se hace cada vez más difícil.

Como en todo conflicto, la radicalización amenaza con romper toda posibilidad de entendimiento y en ello son clave los intermediarios. Una vez que los fusibles de la empresa local se queman, Laurent apela a reunirse con el mandamás del grupo internacional para expresarle el sentir de sus representados. Sin embargo, transcurridas algunas semanas ya han aparecido conflictos personales entre los trabajadores, divisiones internas y separación de bandos. La situación es cada vez más compleja y se torna insostenible en la medida que pasa y pasa el tiempo.

La cinta posee un gran realismo gracias a lo confusa e incómoda que resulta ser. La cámara, testigo privilegiado de las discusiones y revueltas, está inserta en pequeños espacios que ahogan al espectador. La tensión y la fuerza del relato avanzan cada minuto -los movimientos permanentes son inquietantes- y no parece existir ninguna luz que avizore una salida.

La determinación y constancia del líder de los trabajadores es la piedra angular del relato pero aquello no asegura, ni cerca, que la historia pueda tener alguna resolución. En ese sentido, el guion de Stéphane Brizé y Olivier Gorce es muy acertado al poner de relieve y destacar los puntos más importantes de una lucha que escala cada vez con más fuerza y violencia. Y, por supuesto, la filmación está a la altura de ese contenido medular pues logra capturar la esencia de un conflicto actual y vigente que incluso puede ser extrapolado a cualquier industria y a cualquier país.

Ficha técnica

Título original: En guerre (At War)
Año: 2018
Duración: 113 minutos
País: Francia
Productora: Nord-Ouest Films / France 3 Cinéma
Género: Drama | Trabajo/empleo
Guion: Stéphane Brizé, Olivier Gorce
Música: Bertrand Blessing
Fotografía: Eric Dumont
Reparto: Vincent Lindon, Jacques Borderie, Bruno Bourthol, Valérie Lamond, Guillaume Draux, Mélanie Rover
Dirección: Stéphane Brizé

28/3/19

Dumbo - Por Carlos Correa

Tim Burton vuelve al ruedo filmando este clásico de Disney. La cuarta película animada de los estudios, original del año 1941, es muy sencilla y esta nueva versión, con actores reales, cambia partes de la historia manteniendo la premisa inicial y agrega mensajes actuales sobre el maltrato animal, el abuso de poder y la distorsión del dinero.

El escenario es el Circo de los hermanos Medici. Bueno, en realidad es uno solo, Max Medici -Danny DeVito, vital y jocoso-, quien es el plenipotenciario -pero siempre escaso de recursos- dueño de la compañía. Al iniciar una extensa gira están buscando con afán un número que sea atractivo y distinto. Por ello el nacimiento de la cría de una elefante hembra los tiene a todos muy esperanzados. El regreso del jinete Holt Farrier -Colin Farrel- después de estar en la guerra también alegra a sus hijos Milly -Nico Parker- y Joe -Finley Hobbins- que se han quedado sin su madre. Holt ha perdido un brazo y su papel en el circo está en entredicho. Entonces nace el tan esperado elefantito pero no cumple con las numerosas expectativas. Es algo deforme porque tiene unas orejas tan, tan grandes que decepciona a todos menos a Milly y a Joe quienes se encariñan con él y descubren que tiene una especial particularidad: bajo ciertas condiciones puede usar esas enormes y extrañas orejas para volar.

La cinta es muy tierna. Aborda la tristeza de la post guerra pues está situada en 1919. Y se nota la mano de Burton, en la melancolía de las imágenes, el color y textura del filme y en la construcción del relato. La familia circense es especial y muy unida. Viven juntos, se trasladan como una sola unidad y son un gran grupo humano que colabora y se acompaña en las buenas y en las malas. Por ello, el reencuentro de Holt con sus hijos también es un mensaje en ese sentido, una familia que debe salir adelante ahora sin la presencia de su madre.

La bienvenida que le dan a “Dumbo” no es tan agraciada, sin embargo el descubrimiento de su posibilidad de volar lo convierten en una atracción que pronto se transforma en potencial dinero, fama y, por cierto, aprovechamiento comercial. Y claro, aparece un empresario persuasivo, V.A. Vandevere -Michael Keaton- dueño de Dreamland, quien convence a Max Medici de asociarse -en realidad le compra el circo- solo interesado en el novel elefante y sin considerar ninguno de los otros espectáculos de la compañía.

En una historia sensible donde vemos la separación y el reencuentro, observamos también ese aire de sobreprotección que Holt tiene con sus hijos. Esa desconfianza paternal parece no dejarlos avanzar ni crecer, sin embargo lentamente aquello va cambiando cuando Holt descubre que sus hijos si pueden enfrentar desafíos y con ello su potencial de desarrollo es enorme. La maldad no debe primar. La misión es sobreponerse, resistir y vencer, algo que compromete a toda la familia de este Circo que mágicamente es conducida con gran ternura y amor por Dumbo.

Ficha técnica

Título original: Dumbo
Año: 2019
Duración: 115 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Walt Disney Pictures / Tim Burton Productions / Infinite Detective / Secret Machine Entertainment / MPC. Productor: Tim Burton
Género: Aventuras. Fantástico | Circo. Cine familiar. Remake
Guion: Ehren Kruger (Guion original: Joe Grant, Dick Huemer)
Música: Danny Elfman
Fotografía: Ben Davis
Reparto: Colin Farrell, Michael Keaton, Danny DeVito, Eva Green, Alan Arkin, Nico Parker, Finley Hobbins, Deobia Oparei, Joseph Gatt, Sharon Rooney, Michael Buffer, Frank Bourke, Jo Osmond, Douglas Reith, Roshan Seth, Philip Rosch, Lucy DeVito, Sandy Martin, Lars Eidinger, Zoe Scott, Bern Collaco, Zak Holland, Bernardo Santos, Sarah Bennani, Jessie Vinning, Joakim Skarli, Richard Price, Erick Hayden, Amerjit Deu, Harry Taylor, Ian Porter, Phil Zimmerman, Eleanor Ham, Philips Nortey, Alfie Allen, Clive Brunt, Nick Bartlett, Jason Shillingford, Arthur Wilde, Ragevan Vasan, Joseph Macnab, Christian Wolf-La'Moy, Matthew David McCarthy, Chris Rogers, Craig Thomas Lambert, Ndongo Faye, Jackson Kai, Stephen Samson, Mickey Lewis, Tim Ingall, Georgie-May Tearle, Ken Byrd, Scott Haney, Mark Cross, Tomasz Dabrowski, Kamil Lemieszewski, Hugh O'Brien, Stuart Whelan
Dirección: Tim Burton

El mayor regalo - Por Carlos Correa

Juan Manuel Cotelo es incansable, contagia entusiasmo y su tesón es admirable. Regresa ahora con un documental sobre un tema espinoso y delicado: el perdón. Y no se trata solo de la acción profunda de pedir perdón sino también de la otra parte importantísima y dificilísima que es concederlo.

Abordando temáticas muy diferentes, el realizador español hace un recorrido por realidades tremendamente complejas de asimilar y comprender. Hay relatos que son crudísimos sobre el combate y la guerrilla en Colombia, los atentados terroristas del IRA y el genocidio de Ruanda, mostrando testimonios de sobrevivientes con historias de vida que son realmente inimaginables.

Temas así de distintos son contrastados con historias de conversión y de matrimonio. Situarlos juntos no solo es complejo sino que, en una primera lectura, se puede llegar a minimizar alguno solo por la propia percepción que cada uno tenga sobre la historia que más le afecta o que eventualmente sienta más cercana.

Cotelo entrega una forma documental distinta en apariencia. Desde la ingenuidad de una comedia sobre vaqueros, que a mi modo de ver esta vez quita peso a la temática, el director se nota demasiado ansioso por comunicar el mensaje. Su presencia permanente en el metraje así lo confirma pues Juan Manuel Cotelo sigue el guion de sus anteriores trabajos donde él es el hilo conductor y eje de los relatos escogidos. Tal vez aquello amerite una revisión de las ocaciones y oportunidades en las que debería marcar presencia en pantalla porque de alguna u otra forma puede perder el atributo de la novedad.

En ocasiones, durante sus casi 100 minutos, presenciamos historias que aparecen más como una enseñanza. Es difícil la realización de películas basadas en el tema de la fe. Los espacios, tiempos, y la voz de los protagonistas requieren de una profundidad en la que cada uno tiene necesidades diferentes. Es por ello que, además de la dificultad que implica el transformarse, sin quererlo, en una referencia moral o en un texto guía, un enfoque amplio como el que entrega Cotelo en este trabajo tiende a diluir la fuerza intrínseca de algunos testimonios que son, cada uno en particular, un mundo completo, un tema central y potente que puede dar vida a un relato especial y dedicado.

“El mayor regalo” sin duda tiene más virtudes que defectos. Observar historias que si solamente se relataran en tercera persona, o incluso fueran interpretados por actores, no es lo mismo que tener la oportunidad de conocerlas de primera fuente. Ver y escuchar a los protagonistas relatar sus testimonios tiene un valor incalculable que logra dejarnos con la sensación que, independiente de nuestras creencias profundas, si realmente pensamos en el bien común, entre todos podemos conseguir y habitar un mundo mejor.

Ficha técnica

Título original: El mayor regalo
Año: 2018
Duración: 90 minutos
País: España
Productora: Infinito Más Uno
Género: Documental. Drama. Comedia
Guion: Juan Manuel Cotelo, Alexis Martínez
Fotografía: Alexis Martínez
Reparto: Documentary, Carlos Aguillo, Charo Gabella, Paco Estellés, Carlos Chamarro, Juan Manuel Cotelo
Dirección: Juan Manuel Cotelo

Dumbo - Por Juan Pablo Donoso

Quienes vieron, amaron y recuerdan el DUMBO animado de Walt Disney de 1941, quedarán encantados también con esta nueva versión de Tim Burton.

Hay varias diferencias con la historia original, pero también similitudes infaltables. Hasta incorpora algunos temas musicales de aquella para mantenernos lo más cerca posible de nuestras nostalgias.

Ahora, en vez de animaciones, la magia se logra combinando actores conocidos de carne y hueso, con efectos especiales que le dan consistencia real a nuestro elefantito de ojos azules y enormes orejas voladoras. Es un actor más expresando emociones con su rostro.

Se incorporan a la trama un padre – ex jinete acrobático - que vuelve al circo lisiado de la guerra (Colin Farrell), a reunirse con sus dos pequeños hijos – Milly y Joe – huérfanos de madre. Serán ellos quienes salven y eduquen al pequeño Dumbo para las aventuras que vendrán.

La película baraja todos los elementos estéticos y mágicos de las obras anteriores de Tim Burton: su habilidad para crear atmósferas semi-góticas, manejar el ritmo y mantenernos atentos a cada nueva sorpresa que surgirá. Sus personajes adultos se mantienen en la frágil frontera de la caricatura: los buenos, los malos, y los que descubren la bondad. Y en todo momento las emociones básicas de ternura, tristeza, alegría, ira y miedo se combinarán entre sí para encanto de todas las familias del mundo.

Es el sello de las grandes películas de Disney, ahora conducido por la batuta de otro consagrado mago de sueños como Tim Burton.

AMENA, DESLUMBRANTE Y EMOTIVA, SIN DESMERECER AL CLÁSICO DE NUESTRA INFANCIA. ABSOLUTAMENTE RECOMENDABLE.

Ficha técnica

Familiar, fantasía Walt Disney Studios distribuido por Cinecolor Films 
EE.UU. – 1,52 hrs. 
Fotografía: Ben Davis 
Edición: Chris Lebenzon
Música: Danny Elfman - Frank Churchill, Oliver Wallace (originales) 
Diseño Prod.: Rick Heinrichs
Guion: Ehren Kruger - Aberson y Pearl (autores) 
Actores: Colin Farrell, Danny De Vito, Eva Green, Michael Keaton 
Director: Tim Burton

21/3/19

Nosotros - Por Juan Pablo Donoso

Pareciera que el éxito de su filme anterior – ¡HUYE! (Get Out! 2017) - le subió tanto los humos a su realizador, Jordan Peel, que ahora se dio el lujo de hacer una película que sólo él entiende.

Dispuso del presupuesto necesario para demostrar que sabe crear suspenso y contar con buenos actores. Pero su relato – que empieza bien – se va complicando con elemento espurios sin justificación, hasta finalizar de un modo aún más caprichoso y críptico.

Una familia afroamericana, de clase media acomodada, arrienda una cabaña junto a un lago, y cercana a la playa, para pasar sus vacaciones. La madre (Lupita Nyong'o – Pantera Negra 2018 ) tuvo cuando pequeña una experiencia traumática en el Palacio de Espejos de un parque de diversiones.

El agrado se interrumpe cuando una noche reciben la visita de otra familia – idéntica a ellos – pero vestida de rojo y cuyos miembros manifiestan rasgos monstruosos y siniestros. Estos grotescos visitantes traen el propósito de exterminar a la familia normal. Hasta ahí lo intrigante de la trama. Después todo se transformará en persecuciones, escapes, sangrientas matanzas y resurrecciones gratuitas. Incluso los amables vecinos blancos serán víctimas de clones malditos similares.

De aquí en adelante comenzamos a preguntarnos por el motivo de este fenómeno y por el origen de semejantes criaturas asesinas. Y las posibles respuestas brillan por su confusión. Más aún, se van poniendo más enigmáticas y simbólicas.

Para entretenernos descifrando el puzzle nos avisan que en EE.UU. hay incontables túneles subterráneos abandonados; que existe un laboratorio llenos de conejos enjaulados en una sala de clases; que en los luminosos pasillos de ese laboratorio (¿subterráneo?) hay clones de negritas bailarinas, y por donde pululan sueltos también cientos de conejos blancos en libertad; que el niño Jason tiene un encendedor que jamás funciona, pero que su clon es el mismo Jason con la cara quemada. Y así sucesivamente van surgiendo pistas que sólo contribuyen a confundirnos más, repletas de cabos sueltos.

¿Hay metáforas políticas? Si los negros son la sombra de los blancos, ¿de quién son las sombras vengativas de los mismos negros? ¿Es un intento fallido de gore chistoso? ¿Es la cara sombría y perversa de todos nosotros, animada con canciones de los Beach Boys? Ya, de acuerdo. Y ahora ¿qué hacemos con esos datos? (¡Plop!).

Cuando el autor ya necesita terminar esta pesadilla inserta nuevamente un espantapájaros playero, cuyos dedos chorrean sangre, encabezando una infinita fila inmóvil de clones zombies vestidos de rojo que copan el horizonte para invadir la tierra y el mar en el futuro.

La buena factura audiovisual es insuficiente para disimular una premisa turbia, recargada y mal resuelta.

TERROR CUCARRO Y PRETENCIOSO, SEUDO-SIMBÓLICO, QUE OJALÁ SÓLO SU AUTOR ENTIENDA. SOBREVALORADO. POUR ÉPATER LES BOURGEOIS.

Ficha técnica

Título Original : Us Terror, suspenso, simbolismo 
Andes Films EE.UU. – 1,56 hrs. 
Fotografía: Mike Gioulakis 
Edición: Nicholas Monsour 
Música: Michael Abels 
Diseño Prod.: Ruth De Jong 
Actores: Lupita Nyong'o, Elisabeth Moss, Anna Diop 
Guionista y director: Jordan Peele

A Dos Metros de Ti - Por Juan Pablo Donoso

Las leyendas de amor imposible entre adolescentes son paradigmáticas desde Romeo y Julieta, Paolo y Francesca, y los amantes de Teruel.

Ahora quien les impide amarse - a diferencia de las antiguas familias - serán las bacterias contagiosas.

Will y Stella están internados en el Claire's Place Foundation de EE.UU. Ella, con fibrosis quística espera un trasplante de pulmón; él, con una variante similar llamada Burkholderia Cepacia espera resultado de los experimentos médicos.

Por las bajas defensas les está prohibido acercarse el uno al otro y, peor aún “tocarse”.

A partir de una áspera relación inicial – debido al fuerte carácter de Stella – Will, con ingeniosos subterfugios, irá captando su interés, hasta enamorarla.

La relación evolucionará manteniéndose separados por un palo de billar, del que cada uno sujeta un extremo. Es la máxima cercanía posible.

Serán testigos – y cómplices – de este romance platónico Joe, otro enfermo joven y gay (Moisés Arias), y la enfermera de color, Bárbara (Kimberly Hebert Gregory), quien ya cargaba con la culpa de haber permitido un fatal contacto anterior entre jóvenes pacientes.

El proceso amoroso se sigue a la par con el desarrollo de los diagnósticos médicos. Y el desenlace, que será de dulce y agraz, hallará consuelo en la belleza que fue aquel amor tan puro, destinado a perdurar para siempre en sus recuerdos.

El tema, siempre conmovedor, ha tenido importantes antecesores como David y Liza -1962, Un Amor para Recordar – 2002, y Bajo la Misma Estrella – 2014.

Este filme destaca la importancia del TACTO en la tierna comunicación de las personas. A medida que avanza la historia se nos transmite el tormento de esos jóvenes ante la imposibilidad de realizar algo tan básico como “tocarse”.

Somos testigos impotentes del drama que está En Juego: el nacimiento de un amor, y la imposibilidad de realizarlo ya que un contacto físico sería mortal para ambos.

El filme fue hecho con cariño y oficio. Los síntomas de la enfermedad están fielmente ilustrados. Los actores llevan la trama con sinceridad y buen humor cuando corresponde. Y destacamos el talento de la joven Haley Lu Richardson (Fragmentado – 2016), como la aguerrida Stella. Si mantiene ese nivel de espontaneidad y fuerza emotiva llegará muy lejos en su carrera actoral.

TRAGICOMEDIA DE AMOR IMPOSIBLE ENTRE ADOLESCENTES REALIZADA CON SIMPATÍA Y BUEN GUSTO.

Ficha técnica

Título Original: Five Feet Aparte Drama, romance 
BFDistribution EE.UU. – 1,54 hrs. 
Fotografía: Frank G. DeMarco 
Edición: Angela M. Catanzaro 
Música: Brian Tyler, Breton Vivian 
Diseño Prod.: Tony Fanning Guionistas: Mikki Daughtry, Tobias Iaconis 
Actores: Haley Lu Richardson, Cole Sprouse, Kimberly Hebert Gregory 
Director: Justin Baldoni

Viviendo con el Enemigo - Por Juan Pablo Donoso

El título en inglés Aftermath significa “periodo que sigue a un desastre”. Y en ese ambiente sucede esta historia romántica y dolorosa.

Recién termina la 2ª Guerra Mundial. Los ingleses han triunfado y ocupan la ciudad de Hamburgo, completamente en ruinas. Los sobrevivientes son llevados a campamentos. Grupos terroristas nazis subrepticios buscan la manera de dañar a los invasores.

Al coronel Lewis Morgan ((Jason Clarke – La Noche más Oscura – 2012) le asignan una elegante mansión en el campo. El oficial trae a su esposa a vivir con él (Keira Knightley – Orgullo y Prejuicio). La casa pertenece a un arquitecto alemán llamado Stephan Lubert. El coronel le permite seguir habitando el tercer piso de la heredad junto a su hija adolescente Freda. Lo hace en atención a que Lubert está recién viudo.

En un comienzo, Rachel, la esposa británica abomina de la presencia del aristócrata por ser germano y, que en un bombardeo nazi a Londres, pereció su pequeño hijito.

Mientras en la ciudad demolida buscan cadáveres entre los escombros tenemos, entonces, a tres personas profundamente dolidas por la pérdida de sus seres más queridos compartiendo el mismo domicilio. Ese es el ámbito de la película.

La gradual atracción que surgirá entre Rachel y Lubert se fundará primordialmente en la desolación de cada uno. El marido de Rachel debe dedicar gran tiempo a los desposeídos hamburgueses dejándola sola en la casa junto al prisionero.

Entretanto Freda, la hija adolescente, acompaña a su enamorado terrorista en los planes para asesinar a los ingleses ocupantes.




Algunos espectadores tomarán este relato como un habitual melodrama de triángulo amoroso de posguerra. Pero si penetramos en el subtexto comprenderemos la invitación humanitaria que nos hace el autor y sus realizadores.

Así como son impactantes las imágenes de la que fue una bella ciudad reducida a escombros, cada uno de sus personajes – vencidos y vencedores – tiene también su corazón en ruinas.

Y todo lo que sucede en tales circunstancias – por muy elegantes que sean sus escenarios y ropajes – lleva el duelo de heridas abiertas y sangrantes. Las acciones serán producto de la impotencia, la sinrazón y la soledad.

Habrá que pasar por el tormento de cada uno de estos personajes, incluidos los secundarios, para que el proceso culmine con un atisbo de cordura. Y así podremos comprenderlos, y perdonar sus conductas, de la que todos, por culpa de la guerra, fueron víctimas inocentes.

Excelentes actuaciones, prolija reconstitución de época y escenarios, y un desliz amoroso que sólo requería un proceso de paciente MADURACIÓN.

RELATO DE AMOR Y POSGUERRA REALIZADO CON RESPETO, FINURA Y CONTENIDAS ACTUACIONES.

Ficha técnica


Título Original: The Aftermath Drama, guerra, romance 
FOX Inglaterra, Alemania, EE.UU. – 1,48 hrs. 
Fotografía: Franz Lustig Edición: Beverley Mills 
Música: Martin Phipps 
Diseño Prod.: Sonja Klaus Guion: Joe Shrapnel, Anna Waterhouse 
Actores: Keira Knightley, Alexander Skarsgård, Jason Clarke 
Director: James Gray

20/3/19

Nosotros - Por Carlos Correa

De los elementos mejor desarrollados del último trabajo del director y guionista Jordan Peele es su banda sonora. La partitura compuesta por Michael Abels llama la atención desde los créditos iniciales y está en sintonía perfecta con las imágenes y la edición. Además, las canciones elegidas para algunos momentos particulares le dan un toque sencillamente especial.

En “Nosotros”, el director de la alabada película “Get Out” continúa con su impecable presentación de escenarios. Acá vemos una familia que regresa al hogar de infancia de la madre, Adelaide -Lupita Nyong’o- en sus vacaciones de verano. Es la costa y la playa es idílca, con juegos y multicolores veraneantes, pero lo que es aparentemente normal, esconde un episodio de su niñez y que al caer la noche se hace presente con cuatro siluetas tomadas de las manos frente a la entrada de su casa. Es una familia y son ellos mismos, es decir, “nosotros”.

Peele no va directo al terror. Más bien su relato es un suspenso que va construyendo pequeñas cimas que generan que cualquier giro o arista produzca sorpresa y temor. El juego es la hipótesis del lugar o el espacio desde donde provendrá lo imprevisto, el ataque, lo diferente, la suerte de los protagonistas y su actuación frente a lo que parece irremediablemente decidido.

Los actores, en especial Nyong’o, hacen un buen trabajo. Centrado en los cuatro principales y en sus “versiones enemigas”, la construcción de la cinta no deja mucho espacio para la aparición de muchos personajes secundarios, salvo los amigos cercanos de la familia que tienen una pequeña e interrumpida presencia en la historia. El resto casi no existe a pesar que lo que está sucediendo tiene un alcance al menos nacional y vemos sus efectos por la TV y por las calles de la pequeña y tranquila localidad costera. El padre de la familia es un punto de inflexión, aquella parte que permite soltar la tensión dirigiéndola hacia la comedia, con un toque de burla y también con más de alguna mención a la falta de delicadeza masculina.

Sin tener el alto nivel de su película anterior, Jordan Peele se las ingenia para ofrecer un cine que tiene mucha más solidez que el promedio y que no requiere usar los ultra repetidos elementos que saturan el género. Su idea central es interesante aunque nos recuerde a S. King o a más de alguna producción de Zombies. Su desarrollo técnico, cómo no, es pulcro, cuidadoso y posee terminaciones de calidad. Su forma de hacer suspenso ya tiene un estilo que comienza a ser tendencia, una configuración característica y que por supuesto amerita prestarle atención.

Ficha técnica

Título original: Us
Año: 2019
Duración: 117 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Blumhouse Productions, Universal Pictures, Monkeypaw Productions, QC Entertainment. Distribuida por Universal International Pictures (UI)
Género: Thriller. Terror | Thriller psicológico. Familia
Guion: Jordan Peele
Música: Michael Abels
Fotografía: Mike Gioulakis
Reparto: Lupita Nyong'o, Elisabeth Moss, Winston Duke, Tim Heidecker, Yahya Abdul-Mateen II, Anna Diop
Dirección: Jordan Peele

Regresa a mi - Por Carlos Correa

Ben Burns -Lucas Hedges- vuelve a casa el día antes de Navidad. Su madre Holly -Julia Roberts-, incrédula, solo atina a acogerlo en el comienzo de lo que serán las 24 horas más tensas para ella y toda la familia. Todo cuestionamiento y toda duda es vencida por la fuerza del cariño, por ese amor incondicional de madre que todo lo perdona, sin embargo la procesión va por dentro, lo que en el caso de Holly, es una tensión casi insuperable.

Julia Roberts es una actriz expresiva y sólida, no obstante en esta caracterización se le observa levemente sobreactuada. Tal vez se deba a que su rol debe asimilar que el papel construido por Lucas Hedges no logra convencer del todo. Este leve desequilibrio desencaja el foco, lo que sumado a un guion en extremo predecible, le resta fuerza dramática en especial en el último cuarto del metraje. También hay algo extraño en el formato de la filmación, en esa cámara inquieta del director Peter Hedges, en esos seguimientos de primeros planos que incomodan pero no logran cobrar pleno sentido.

Lo mejor de la cinta son las temáticas referidas a las drogas y la adicción. Se suma a ello el descubrimiento de los hechos -que paulatinamente van explicando la historia- gracias a pequeñas luces que iluminan el camino. Esto es vital, pues el peso del pasado es brutal. Se transforma en un karma, los prejuicios se acentúan y dan paso a post juicios que son totalmente demoledores.

La falta de una oportunidad -entendida como la opción real de aceptar que la recuperación de un adicto es posible- es una condicionante insoslayable. Incide en todas las actuaciones de los involucrados y por supuesto influye fundamentalmente en sus sentimientos. La culpabilidad y la responsabilidad de lo sucedido, siempre está presente en tono mayor y no entrega ninguna salida para superar el dolor. Una lucha continua y permanente contra lo que fue, no cede un ápice en favor de lo que vendrá. Solo queda flotando desesperanza, una sensación incompleta, frustrante y llena de angustia, imposible de superar y que solo debe ser aceptada.

Ficha técnica 

Título original: Ben Is Back
Año: 2018
Duración: 98 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Black Bear Pictures / 30West / Color Force. Distribuida por Roadside Attractions
Género: Drama | Drogas. Familia
Guion: Peter Hedges
Música: Dickon Hinchliffe
Fotografía: Stuart Dryburgh
Reparto: Lucas Hedges, Julia Roberts, Kathryn Newton, Emily Cass McDonnell, Courtney B. Vance, Tim Guinee, Faith Logan, Melissa Van der Schyff, Teddy Cañez
Dirección: Peter Hedges

Regresa a Mí - Por Juan Pablo Donoso

Drama familiar, muy íntimo, que sin recurrir a golpes emocionales, nos llega sutilmente al corazón.

El tema es la drogadicción juvenil, y la dificultad de sus víctimas y parientes para liberarse de sus tentáculos letales.

Su realizador, Peter Hedges, se caracteriza por narrar historias poco comunes, con personajes jóvenes cuyos mundos oscilan entre lo mágico y lo terrenal (La Extraña Vida de Timothy Green (2012) – Fragmentos de Abril (2003) - Dani, un Tipo de Suerte (2007).

Esta vez el “monstruo” es la droga que, con sus efectos asesinos, yace bajo el velo de una comunidad de apariencia inocente.

Holly (Julia Roberts) es madre de dos hijos adolescentes de un matrimonio anterior, y ahora de 2 niños pequeños. Su actual marido, Neal, es un buen esposo y padre, afroamericano, que procura lo mejor para su familia (Courtney B. Vance).

En vísperas de Navidad reciben la visita temporal de Ben, el hijo mayor, que permanecía recluido lejos, en un centro de rehabilitación. (Lucas Hedges).

Su repentina visita convulsiona tanto a la familia como al vecindario. Mientras vivió allí, además de su propia adicción traficaba con la mercadería e inducía a otros jóvenes a ingerirla. Incluso una amiga suya falleció por sobredosis.

Aunque demuestra que la terapia le ha sido beneficiosa, su presencia en el pueblo atrae a antiguos contactos que, gradualmente, intentan involucrarlo otra vez en sus redes. Llegarán a amenazar la estabilidad de su familia.

El personaje principal de este drama es la madre, Holly, quien, a pesar de la oposición de su marido, quiere disfrutar de su breve visita. Pero deberá enfrentarse a la embestida de los traficantes para proteger y salvar a su hijo.

Será una odisea siniestra, nocturna, de 24 horas, en medio de la nieve, por rescatar con vida a Ben de sus propios demonios, y mantener la seguridad de su hogar.

Julia Roberts entrega una de sus mejores actuaciones. Otro tanto hace el joven Lucas Hedge, hijo del director, quien en sus últimas películas ha destacado en diversos festivales de gran envergadura (Manchester Junto al Mar (2016) – 3 Anuncios por un Crimen (2017) – Moonrise Kingdom (2012).

Lograda participación de Kathryn Newton, como su desconcertada hermana Ivy, y de Courtney B. Vance, como Neal el buen marido incapaz de luchar contra el amor maternal de Holly y la potencia maléfica de la drogadicción y sus mafias de traficantes.

Final abierto para sensibilizarnos en la realidad del problema.

UN PROYECTO AMBICIOSO, CRUDO Y TIERNO A LA VEZ, QUE DEMUESTRA LA IMPORTANCIA DEL APOYO FAMILIAR EN EL COMBATE CONTRA LA DROGADICCIÓN.

Ficha técnico

Título Original: Ben is Back 
Drama familiar Diamond Films EE.UU. – 1,43 hrs. 
Fotografía: Stuart Dryburgh Edición: Ian Blume 
Música: Dickon Hinchliffe 
Diseño Prod.: Ford Wheeler Actores: Julia Roberts, Lucas Hedges, Courtney B. Vance Guionista y Director: Peter Hedges

16/3/19

La Misma Sangre - Por Juan Pablo Donoso

Intriga familiar psico/policial con una prolija realización, buenas actuaciones, pero con un argumento que entrega lecturas simultáneas que chocan entre sí.

Por ello su estructura tiene más de novela que de un conflicto antagónico. Si bien hay un personaje principal, el protagonismo de Elías, el padre, se debilita en las motivaciones de los demás. Es la razón de por qué habiéndolo acompañado en sus tormentos durante la trama, al cerrar la historia la premisa se nos dispara a un nivel esotérico: ¿se cierne una fatalidad sobre esta familia? ¿hay algo en el judaísmo que los condiciona? ¿hay un estigma perverso que se hereda de generación en generación? (diente del jabalí, que tenía el abuelo y ahora tiene el nieto).

Elías (Oscar Martínez) es el padre de un grupo social medio-alto, propietario de tierra e industria lacta de búfala. La familia parece armónica y normal. 35 años de matrimonio. Pero las deudas de él, y su iluso optimismo, le han acarreado la enemistad de su esposa (Paulina García) quien se niega a financiarlo y sólo desea el divorcio. La muerte accidental de ella levantará sospechas sobre la secreta culpabilidad del marido.

Y la duda tomará cuerpo influyendo en la conducta de los demás integrantes, incluido un ex amante de su mujer (Luis Gnecco), hasta bordear la neurosis.

Los flashbacks sirven para aclarar lo que ocurrió y por qué ocurrió.

Al final del día, nadie es quien los demás creen que es. Las mentiras gestan rencor, desconfianza y errores irreparables que culminarán en desquicio asesino.

Este tipo de relato seudo policial – atmosférico, con personajes multiangulares, y final ambiguo – fue muy habitual en el cine francés de los años 60 y 70. Sus principales cultores, entre otros, fueron Claude Chabrol (Inocentes con las Manos Sucias) y Louis Malle (Ascensor para el Cadalso). La fascinación de misterio que lograban se debía a ese rasgo cínico y amoral que lucían sus integrantes. Factor ausente en este caso.

Si bien el argumento es fácil de entender, y echa mano a varios recursos de aquella narrativa gala, estos personajes son más honestos y vulnerables, y con más opciones para resolver el embrollo. Sus comportamientos, por tanto, y las funestas consecuencias, nos parecen más antojadizas por parte de los guionistas, en miras a un simbolismo superior.

Se siente así una dispersión en los comportamientos y un exceso en sus reacciones. Sólo cerca del final pareciera justificarse el rol de Lautaro (Luis Gnecco), y en ningún momento la presencia carismática del emérito Norman Briski como el anciano padre al comienzo del filme. Hay un fallido intento de nuestra laureada Pali García por hablar con acento argentino cuando su personaje es chileno, cosa que con buen criterio evitó Gnecco.

POR INTENTAR INTRIGA SIMBÓLICA, LOGRAN MÁS UNA ATMÓSFERA DE MISTERIO QUE UN CONFLICTO REAL.

Ficha técnica

Drama familiar, misterio, suspenso Cinecolor Films Argentina, EE.UU. – 1,53 hrs. 
Edición: Soledad Salfate 
Música: Luca D'Alberto 
Diseño Prod.: Jean Paul Gaucher 
Guionistas: Miguel y Ana Cohan 
Actores: Oscar Martínez, Paulina García, Dolores Fonzi, Diego Velazquez, Luis Gnecco 
Director: Miguel Cohan

14/3/19

Venganza - Por Juan Pablo Donoso

Esta vez, las aventuras de Liam Neeson combinan la violencia con el humor negro. El resultado es ameno, claro en su complejidad, y efectivo en su género de acción.

El galardonado director noruego Hans Petter Moland, experto en comerciales de TV, narra con precisión, luce paisajes invernales nocturnos y obtiene estupendas actuaciones de sus personajes secundarios. Es una nueva versión de su propio filme Kraftidioten (Fuerza Idiota) 2014.

A ratos nos sentiremos culpables de reír en medio de un relato tan trágico y sangriento. Pero es el toque de sarcasmo deliberado que marca la diferencia con otras películas similares. Nos recuerda el estilo de humor cruel de Fargo (1996) de los Hnos. Coen.

Nels Cox es un tranquilo padre de familia. Su oficio es manejar un barrenieves en las montañas nevadas de Colorado. Al pueblito elegante de Kehoe acceden traficantes de drogas para abastecer turistas ricachones. Su hijo Kyle es asesinado por un grupo de matones narcos. La inconsolable madre del joven abandona el hogar. En su desolación, Nels decide vengarse de los asesinos.

Liquidará primero a los ejecutores directos del crimen, y luego iniciará una escalada de masacres por la red jerárquica hasta llegar al mandamás del cartel, un tal Trevor 'Vikingo' Calcote, magnate inescrupuloso. La trama se irá complicando. Hará creer a Vikingo que los asesinos de sus secuaces – y ladrones de su mercadería – son los miembros de otra banda capitaneada y compuesta por indios resentidos de la región. Y empezarán a vengarse entre ellos.

Entremedio, una pareja de policías locales, hombre maduro y mujer novata, son incapaces de pillar el hilo conductor de tantos delitos.

El ritmo ascendente es ágil, los mafiosos se van enredando en sus propias torpezas, y cada nuevo personaje que aparece trae un historial sólidamente justificado. Nils – parangonando su oficio - desata una gran “bola de nieve” (Cold Pursuit) cuyo final será aún más catastrófico.

El humor negro emana de la fatuidad del líder (excelente Tom Bateman), de la creciente estupidez de los esbirros, de la sabiduría de los indígenas, y de la parsimonia de los policías que terminan por ser meros espectadores del conflicto.

El realizador logró su objetivo: ir abultando una madeja demencial de venganzas cuyo atractivo está más en el proceso acumulativo que en el destino final. Tal era el propósito y lo alcanzó con una cuidadosa selección de actores secundarios.

TRAGICOMEDIA NEGRA DE ACCIÓN, SATÍRICA, MUY BIEN DIRIGIDA.

Ficha técnica


Título Original: Cold Persuit 
Acción, crimen, sátira 
BFDistribution Inglaterra, Noruega, Canadá, EE.UU., Francia – 1,59 hrs. 
Fotografía: Philip Øgaard 
Edición: Nicolaj Monberg 
Música: George Fenton 
Diseño Prod.: Jørgen Stangebye Larsen 
Guion: Frank Baldwin, Kim Fupz Aakeson 
Actores: Liam Neeson, Tom Bateman, Emy Rossum, Domenick Lombardozzi
Director: Hans Petter Moland

Parque Mágico - Por Juan Pablo Donoso

Una superproducción animada, que con bellísimo tratamiento técnico cuenta una historia compleja, muy ágil, pero que para algunos puede parecer recargada.

En efecto, a partir de una situación sencilla y emotiva, los guionistas y realizadores la fueron abultando de peripecias hasta dejarla convertida en una fábula con exceso de metáforas e incidentes laterales.

Al parecer, Paramount Animation quiso demostrar al mercado de animadores su avance en la perfección de dibujos computacionales. Además de la nitidez de miles de figuras y colores, le otorga a sus personajes centrales una expresividad en los ojos y los labios pocas veces vista con anterioridad. Por lo tanto, cumple con creces su objetivo de excelencia audiovisual. Deja una vara aún más alta en esta competencia de animaciones. ¡Felicitaciones!

Más, la quimera de perfección tecnológica los obnubiló en la estructura del argumento. Trataron de contar demasiadas cosas, y unas dentro de otras, a costa de la pureza de una historia tierna y simple.

June es una niñita pequeña, cuya gran imaginación es estimulada por su querida madre. Con los juguetes de su dormitorio es capaz de crear sueños tan vívidos que, además de compartirlos con otros niños del barrio, intenta crear un parque de diversiones en el jardín de su casa.

Cuando su mamá se enferma y debe hospitalizarse, June escapa de un campamento escolar para volver a su casa y atender a su padre en la limpieza del hogar. En el camino de regreso se pierde en un bosque, encuentra un vehículo abandonado entre las malezas, lo monta, y éste la conducirá, justamente, al parque de diversiones que ella había creado con su fantasía. Y comenzará la tarea de reactivarlo junto a sus amiguitos de peluche, desmalezarlo, protegerlo y combatir contra los gérmenes de la ruina, y ponerlo en marcha tal como siempre lo soñó.

En esta aventura, que acumula chascos e incidentes graciosos, van surgiendo reflexiones de sus animalitos compañeros, peligros, y revelaciones sobre el valor de la amistad.

Tras tantas peripecias se vislumbra un mensaje que nos invita a mantener la capacidad de seguir soñando, pero también a recordar que en las fantasías hay “agujeros oscuros” que amenazan nuestro indispensable contacto con la realidad.

UNA EXIMIA REALIZACIÓN ANIMADA, CON PERSONAJES ENCANTADORES, PERO RECARGADA EN SECUENCIAS Y PERIPECIAS.

Ficha técnica

Título Original: Wonder Park 
Animación, aventura, comedia 
Andes Films España, EE.UU. – 1,25 hrs. 
Fotografía: Juan García González 
Edición: Edie Ichioka Música: Steven Price 
Diseño Prod.: Fred Warter 
Guion: Josh Appelbaum, André Nemec

La misma sangre - Por Carlos Correa

Una sencilla e incluso rutinaria reunión familiar termina con una tragedia. Adriana -Paulina García- muere producto de un desafortunado accidente doméstico. Su esposo Elias -Oscar Martínez- es quien la encuentra y también quien le comunica la noticia a su hija Carla -Dolores Fonzi- que ya había regresado a su casa junto a su marido y a su hijo. Sin embargo hay cosas extrañas que no cuadran y que no dejan tranquilo al esposo de Carla, Santiago -Diego Velázquez-, quien observa conductas extrañas de su suegro y descubre algunos antecedentes que le hacen dudar que el impactante acontecimiento haya sido solo un desafortunado accidente.

La premisa de la historia es interesante y la trama atrapa, especialmente en la primera mitad del relato. Y claro, es una película policial y familiar, a pesar que el primer aspecto está mucho menos profundizado que el segundo. El ritmo pausado del metraje se traduce en un desarrollo lento. En su último tercio tampoco se apura, pero las situaciones que se desencadenan resultan apremiantes y exigen una pronta resolución.

El director Miguel Cohan trabaja con un guion de su autoría junto a Ana Cohan sobre una idea original de ambos elaborada en conjunto con Walter Rippel. La película tiene una excelente fotografía y logrados encuadres, con algunos primeros planos muy potentes y caracterizaciones muy bien desarrolladas, destacando especialmente las actuaciones sólidas de Oscar Martínez, Paulina García y Dolores Fonzi.

La historia es relatada con saltos temporales que permiten transitar dos veces por los hechos principales. Aquella técnica permite tener la visión de las dos caras de la moneda y obliga a adoptar una posición y un juicio al respecto. Muchas de las acciones transcurren en la comunicación no verbal de los actores. Los escasos diálogos son en general cotidianos. La profundidad la entrega el sentimiento, todo aquello que no se dice pero que se expresa en gestos y detalles. Es emotiva desde el silencio.

El retrato que la cinta muestra de la vida matrimonial de los protagonistas, sus variados problemas, el cansancios de los años, la frustración y la soledad que conduce al engaño, expone la necesidad de separar caminos, una decisión que es tomada por Adriana. Sin embargo la no aceptación de la realidad por parte de Elías, sus temores, sus apremiantes problemas económicos y los negocios poco exitosos configuran una realidad compleja y difícil de sobrellevar para él. Como contraparte, el matrimonio de Carla y Santiago, bien conformado, es puesto a prueba y comienza a tambalear producto de la desconfianza y la incredulidad que el trágico suceso agrega a sus vidas

A pesar de algunos cabos sueltos en el guión, como el desprendido inicio, la incógnita del personaje interpretado por Luis Gnneco y el desenlace que lleva al título de la cinta, junto al escaso desarrollo de los personajes secundarios -aquellos importantes roles de soporte- que carecen del dibujo necesario para contener a los protagónicos, la película logra avanzar. La idea original se impone a su desarrollo y la reflexión queda abierta, a pesar de un final que se muestra en deuda y que no está a la altura de su buena factura.

Ficha técnica

Título original: La misma sangre
Año: 2019
Duración: 113 minutos
País: Argentina
Productora: Coproducción Argentina-Canadá-Chile; AZ Films / Wildhorse Studios / Cimarrón / Rizoma Films
Género: Thriller. Drama | Familia
Guion: Ana Cohan, Miguel Cohan (Idea: Ana Cohan, Miguel Cohan, Walter Rippel)
Música: Luca D'Alberto
Fotografía: Julián Apezteguia
Reparto: Oscar Martínez, Dolores Fonzi, Paulina García, Luis Gnecco, Diego Velázquez, Malena Sánchez, Norman Briski, Emilio Vodanovich
Dirección: Miguel Cohan

Venganza - Por Carlos Correa

Una película con Liam Neeson como protagonista llama siempre la atención, sobre todo pensando en la saga “Taken” y en sus recientes roles interpretando al famoso “Garganta Profunda” o al jefe de pandilla de la estupenda “Viudas”. Sin embargo, tal vez las altas expectativas le jueguen en contra en esta nueva propuesta dado que se trata de una cinta que promete mucho más de lo que finalmente entrega.

Neeson interpreta a un conductor de barredoras de nieve -Nelson Coxman- en una alejada e idílica montaña en la que está emplazado el “Colorado Ski Resort of Kehoe”. La muerte inesperada de su hijo gatilla su obsesión por conocer la verdad de lo sucedido. La causalidad es confusa y todo lo que va encontrando en el camino es un reguero de sangre y que se transforma en lo que muy bien representa su título original, “Cold Pursuit”, una verdadera búsqueda fría.

La película es algo lenta, carente de chispa y lamentablemente no despega. Intenta ser a ratos una comedia negra pero tampoco lo consigue. No se define bien ni en forma ni estilo, ya que entre el desfile de narcos, el tráfico de drogas, el tema indígena y su odio hacia los blancos se va fundiendo y diluyendo con el correr de los minutos.

La familia se muestra como fundamental sin embargo la soledad del protagonista no tarda en aparecer. Y es contradictorio pues todo lo que él hace lo hace por su familia. Entonces la serie de acciones que siguen parecen no tener justificación porque esa búsqueda desenfrenada de la verdad se transforma no en la superación de las dificultades y el encuentro de la justicia sino en el exterminio de sus enemigos.

Mucho de lo que la película intenta mostrar ya lo hemos visto. Hay toques de diferentes realizadores y sobre todo un cierto aire a Tarantino, lógicamente sin su profundidad y buen gusto. “Venganza” es un remake que no logra valerse por si mismo y que queda en deuda especialmente con su carismático actor principal que, a pesar del esfuerzo desplegado, no consigue mantener el relato a salvo de la implacable y abundante nieve de las alturas de Colorado.

Ficha técnica

Título original: Cold Pursuit
Año: 2019
Duración: 118 minutos
País: Reino Unido
Productora: StudioCanal / Paradox Films. Distribuida por Lionsgate
Género: Acción. Thriller. Comedia | Venganza. Remake. Comedia negra
Guion: Frank Baldwin (Remake: Kim Fupz Aakeson)
Música: George Fenton
Fotografía: Philip Øgaard
Reparto: Liam Neeson, Laura Dern, Emmy Rossum, Julia Jones, William Forsythe, Elysia Rotaru, Tom Bateman, Aleks Paunovic, John Doman, Domenick Lombardozzi, Raoul Trujillo, Ben Hollingsworth, Emily Bruhn, Nathaniel Arcand, Victor Zinck Jr., Arnold Pinnock, Wesley MacInnes, Chris Logan, Bradley Stryker, Tom Jackson, Micheál Richardson, Elizabeth Thai, Loretta Walsh, Glen Gould, Jim Shield, Nels Lennarson, Dani Alvarado, Ben Sullivan, Lucy Ssuubi
Dirección: Hans Petter Moland

11/3/19

¿Podrás perdonarme? - Por Carlos Correa

Melissa McCarthy realiza una excelente caracterización de la escritora Lee Israel. Especialista en biografías, Lee pasa por un período duro en su vida. Los éxitos pasados no tienen visos de repetirse, y ahora está frustrada. Su creciente inseguridad creativa -la llamada “maldición de la página en blanco”- y su reticencia a los encuentros sociales la hacen ser una personal hostil y por ello vive sola y aislada. Con serios problemas de alcoholismo, para colmo es despedida de su trabajo, no tiene dinero, debe meses de arriendo, su gata está enferma y en la veterinaria no le ayudan pues también debe unos cuantos dólares. Todo mal.

Desesperada, Lee decide vender algunos de sus tesoros, entre ellos una carta recibida de Katharine Hepburn, sin embargo aun así el dinero no le alcanza. Su proyecto actual es escribir una biografía sobre Fanny Brice, e investigando en una biblioteca encuentra entre los libros dos cartas escritas por la autora. Las sustrae y lleva una de ellas a Anna -Dolly Wells -, una librera local, que le da poco valor literario y económico al escrito. Lee agrega una sugerente línea adicional a la segunda carta, como post scriptum, lo que si llama la atención de Anna y ciertamente le da mayor valor comercial al documento: 350 dólares.

Surge entonces la idea de falsificar nuevas cartas de escritores famosos imitando el estilo narrativo de cada uno pero agregando un leve toque personal. Y le resulta, la venta va bien, y de a poco le dan más dinero por cada carta. La natural ambición de los coleccionistas desata su propia ambición de querer más. Pero, ¿en realidad es querer más dinero o más bien sentirse reconocida -pero siempre desde el anonimato- por su talento?

Esta cinta dirigida por Marielle Heller, con guion de Nicole Holofcener y Jeff Whitty basado en las exitosas memorias de Lee Israel es una historia íntima y profundamente humana. Cuando Lee conoce en un bar a Jack Hock -Richard E. Grant en un espléndido papel- parece que su vida puede cambiar. La amistad, la cercanía, la comprensión y el acompañamiento que surge entre ambos es realmente genuino. La complicidad crece y la generosidad de Lee se encuentra de pronto con algunas acciones inesperadas de Jack. Claro, algunas voces han dado aviso sobre posibles fraudes, se ha lanzado una alerta, el FBI investiga y cierra el círculo en torno a Lee.

Lo más importante del relato es todo aquello que no está escrito y no está dicho. La cinta tiene mucho contenido implícito y en ese sentido la actuación de Melissa McCarthy es estupenda pues con lujo de detalles entrega vida al retrato más íntimo de una artista en decadencia que es incapaz de asumir su condición, con sus miedos, temores y angustias más profundas puestas en relieve. Cuesta abajo, parece que la caída no se detendrá nunca, sin embargo Lee Israel no se arrepiente de ninguno de sus actos. Ha pasado, tal vez, el mejor momento de su vida y ahora es tiempo de escribir su propia historia.

Ficha técnica

Título original: Can You Ever Forgive Me?
Año: 2018
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Fox Searchlight
Género: Drama | Biográfico. Literatura. Años 90. Homosexualidad. Alcoholismo. Amistad. Basado en hechos reales
Guion: Nicole Holofcener, Jeff Whitty (Memorias: Lee Israel)
Música: Nate Heller
Fotografía: Brandon Trost
Reparto: Melissa McCarthy, Richard E. Grant, Julie Ann Emery, Jane Curtin, Anna Deavere Smith, Marc Evan Jackson, Dolly Wells, Christian Navarro, Alice Kremelberg, Shae D'Lyn, Michael Cyril Creighton, Brandon Scott Jones, Tim Cummings, Pun Bandhu, Joanna Adler, Marcus Choi
Dirección: Marielle Heller

7/3/19

Rey de Ladrones - Por Juan Pablo Donoso

Un malogrado intento de suspenso policial con desperdicio de famosos actores ingleses de antaño.

Basándose en un hecho real, trataron de relatar a la manera – ¡ya tan trillada! – de Rififí, Misión Imposible, Topkapi, Desconocidos de Siempre, y tantas, tantísimas otras sobre un robo a las bóvedas de bancos o joyerías.

Un famoso y elegante ladrón inglés llamado Brian Reader (Sir Michael Caine), al quedar viudo decide dar su último y genial golpe delictivo. Reúne a viejos camaradas de hazañas anteriores para robar una de las más protegidas joyerías de Inglaterra.

Los ex-compañeros, ahora ancianos, diabéticos, olvidadizos, sordos y con problemas de próstata aceptan participar gracias a los datos del único más joven, un empleado de la misma empresa (Charlie Cox).

Cuando el atraco, bajo la planificación del invicto Rieder, resulta exitoso, en los ancianos brotan los virus de la codicia e intentarán timarse mutuamente.

Entonces, aprovechando que fue un hecho real, los realizadores sazonan las historia con el suspenso de las secuencias del robo mismo, y luego, con el emponzoñamiento de las relaciones entre los vetustos ladrones.

El resultado fue que ni los riesgos durante el robo logran tensión, ni tampoco las interminables discusiones y torpezas de los carcamales entre sí, resultan cómicas ni enternecedoras. Todo fluye como si el guionista hubiera omitido la médula tragicómica y sólo dejó los diálogos y circunstancias secundarias, suponiendo que el carisma de esos legendarios actores británicos aportaría la chispa necesaria.

A medida que avanza, y cuando termina la exhibición, cabe preguntarse para qué hicieron la película, hasta incluyendo a tan paradigmático actor como Michael Gambon (Harry Potter) sin revelarnos la razón de su presencia.

DESPERDICIO DE FAMOSOS ACTORES. NI RIFIFÍ NI EL FIN DEL DÍA. UN RELATO QUE NOS DEJA INDIFERENTES.

Ficha técnica

Título Original: King of Thieves 
Crimen, drama Inglaterra – 1,48 hrs. 
Fotografía: Danny Cohen 
Edición: Jinx Godfrey, Nick Moore 
Música: Benjamin Wallfisg 
Diseño Prod.: Chris Oddy Guion: John Pernhall 
Actores: Michael Caine, Charlie Cox, Michael Gambon 
Director: James Marsh

Border - Por Juan Pablo Donoso

Ejemplo de cómo un tema lúgubre puede ser poético sin caer en concesiones efectistas. Un riesgo - ¡y triunfo! - artístico que merecía afrontarse. Aclamada en Cannes y Karlovy Vary.

El ambiente es incómodo, oscuro, y tenebroso. Sin embargo nos cautiva desde el comienzo hasta el final. Se debe a la inteligencia de sus metáforas, y a las estupendas actuaciones principales.

Se llama “border” porque sus criaturas navegan la frontera entre lo humano y la monstruosidad mitológica.

Sería nefasto relatar el argumento; nos limitaremos sólo a entregar los ingredientes y el punto de partida.

Tina es una funcionaria aduanera de los barcos que viajan entre Suecia y Finlandia. Es una treintona horriblemente fea. Pero tiene el talento de olfatear, como si fuera perro, a los pasajeros que contrabandean productos prohibidos.

Es tal su deformidad facial que los viajantes abominan de su aspecto en voz alta.

En las noches y horas libres habita una choza en un bosque, se baña desnuda a la luz de la luna, es virgen y alberga a un vagabundo para evitar la desolación.

La Policía recurre a su capacidad sobrehumana de rastrear delincuentes pedófilos hasta sus domicilios. Es su oficio y lo cumple a cabalidad.

El giro de la trama se produce cuando detecta a un pasajero fuera de lo común y, por tanto, muy sospechoso. La investigación revelará que Vore es igualmente anómalo como ella. Y surgirá una mutua atracción afectiva y erótica.

La realidad es que tanto Tina como Vore son descendientes de “troles”, es decir, criaturas mitológicas, y humanoides, del folklore escandinavo, que moran en cavernas y regiones boscosas desde tiempos ancestrales.

Ella fue adoptada por el cuidador de un asilo cuando quedó huérfana de padres deformes. Lo llamará “papá” hasta conocer el origen de sus progenitores.

De ahí en adelante la historia emprende el proceso afectivo y sexual anti-natura de la pareja, mientras ella continúa con su labor policial, y él – ¡embarazado de ella! - vuelve a Finlandia a continuar su crianza de insectos y gusanos comestibles.

Una de las metáforas más evidentes de este relato dantesco, es que engendros como éstos pueden tener sentimientos más nobles que tantos humanos quienes, pareciendo normales, son aberrantes y perversos en el alma.

Queda abierta la posibilidad que estos seres de aspecto tan horrible lleguen a reemplazar a quienes se dicen éticos y civilizados.

Es inevitable aplaudir el maquillaje prostético de los troles, y en especial la actuación de Eva Melander (Tina), muy hermosa en la vida real.

UNA FÁBULA DE HORROR Y FEALDAD QUE ENCIERRA MENSAJES DE LUZ Y SABIDURÍA. SÓLO PARA PÚBLICOS SELECTOS.

Ficha técnica


Título Original: Gräns 
Drama, fantasía, romance Suecia, Dinamarca – 1,50 hrs. 
Fotografía: Nadim Carlsen 
Edición: Olivia Neergaard-Holm, Andres Skov 
Música: Christoffer Berg, Martin Dirkov 
Diseño Prod.: Frida Hoas 
Guion: Ali Bassi, John Ajvide Lindqvist (cuento) 
Actores: Eva Melander, Eero Milonoff, Jörgen Thornsson 
Director: Ali Abassi

6/3/19

Capitana Marvel - Por Carlos Correa

Esta nueva cinta del Universo Marvel es muy entretenida. Brie Larson encarna a Carol Danvers, una heroína que tiene un poder inmenso y que debe aprender a controlarlo, conteniendo también sus emociones. Producto de una pelea entre dos razas alienígenas, Carol llega al planeta Tierra. Transcurre la década de los 90 y en el escenario terrícola se sigue desarrollando el conflicto entre los Kree y los Skrull.

El guion es sencillo y sus vuelcos son bastante naturales. Un punto a favor es que no se necesita ser fan del Universo Marvel para comprenderlo. La onda retro es quizá el aspecto mejor logrado, junto a la gran cantidad de guiños de todo tipo al riquísimo mundo Marvel. Emociona el homenaje inicial a Stan Lee y también, por cierto, un infaltable cameo.

Las actuaciones son muy buenas pero en especial destaca Samuel L. Jackson como el agente Fury, que interpreta al futuro director de S.H.I.E.L.D., que en este momento es un personaje de muy bajo perfil. Las transformaciones internas de los personajes son algo extrañas. Me refiero a su desarrollo en el relato y a su evolución en la historia. La confusión que provoca que los buenos son los malos y los malos son los buenos, tampoco ayuda demasiado. Obviamente los cambios externos son muy llamativos, pues una de las razas tiene el poder de adoptar cualquier forma cercana. Pero claro, esto ya es un clásico pues no sabemos si el personaje que vemos es el original o la copia.

Capitana Marvel es frenética en su acción, no cabe duda, sin embargo resulta algo liviana en momentos que a mi modo de ver debieran ser más emotivos. Esto es curioso, sobretodo pensando en que tal vez la temática más profunda del relato tiene que ver con la emoción, el autocontrol y la estabilidad de su protagonista. El tema se esboza y queda ahí, sin mayor desarrollo, tal vez apostando a que con posteriores apariciones se pueda visualizar un poco mejor su personalidad. Tal como está presentada, Carol Danvers no logra el vuelo que realmente amerita, no obstante ya está asegurada su participación en la nueva “Avengers: Endgame”. Tal vez allí se destape y vuele alto para mayor deleite de todos los fans.

Y como Marvel ya nos tiene acostumbrados, vienen dos escenas post créditos. Paciencia, mucha paciencia y ojo con un amoroso y tímido gato que literalmente se roba la película.

Ficha técnica

Título original: Captain Marvel
Año: 2019
Duración: 130 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Marvel Studios
Género: Ciencia ficción. Fantástico | Años 90. Superhéroes. Cómic. Marvel Comics
Guion: Nicole Perlman, Meg LeFauve (Cómic: Gene Colan, Roy Thomas)
Música: Pinar Toprak
Fotografía: Ben Davis
Reparto: Brie Larson, Jude Law, Samuel L. Jackson, Ben Mendelsohn, Gemma Chan, Lee Pace, Mckenna Grace, Clark Gregg, Djimon Hounsou, Kenneth Mitchell, Annette Bening, Lashana Lynch, Rune Temte, Damon O'Daniel, Algenis Perez Soto, Colin Ford, Robert Kazinsky, Connor Ryan, DJ Jenkins
Dirección: Anna Boden, Ryan Fleck

Un ladrón con estilo - Por Carlos Correa

Forrest Tucker, un elegante ladrón de bancos, es el protagonista de esta película dirigida por David Lowery. Y el actor que lo interpreta es nada menos que Robert Redford quien se apresta a dejar décadas de actuación luego de este último trabajo.

Forrest es un caballero, educado y seductor. Sin ningún atisbo de violencia y con extrema tranquilidad roba bancos. Los atracos salen bastante bien, sin embargo y de tanto en tanto, es capturado y enviado a prisión. Tanto es así que ha pasado más tiempo en la cárcel que disfrutando de la libertad.

Redford está realmente magnífico. Cautivante y absolutamente magnético, llena la pantalla con su carisma y su sonrisa. Forrest roba para vivir, está en su ADN y no lo puede abandonar. Sin embargo la película no es sobre los robos sino que es una historia de vida; de amor y de vida. Aborda las motivaciones profundas y la intención más genuina de una persona que tal vez no se ha podido adaptar a las circunstancias. O tal vez si, pero a su particular manera.

La historia de siempre, la del perro y el gato, la del gato y el ratón, fluye en el trasfondo de los delitos pero que no son el centro del relato. Y por cierto, hay un detective que persigue al ladrón y que se frustra cuando llega tarde o es apartado del caso.

Lo cierto es que mientras Robert Redford está en pantalla, su impronta nos cautiva. Cuando desaparece, el relato cae y la tensión también. Por suerte son pocos momentos y el galán logra recuperar los puntos perdidos mientras lentamente y casi sin quererlo se va enamorando. Junto a ello y simultáneamente sigue con su técnica de los robos delicados, sin aspavientos y que, es muy curioso decirlo, encanta a sus víctimas.

Ficha técnica

Título original: The Old Man and the Gun
Año: 2018
Duración: 93 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Identity Films / Wildwood Enterprises / Endgame Entertainment / Conde Nast Entertainment / Sailor Bear. Distribuida por Fox Searchlight
Género: Drama. Comedia | Biográfico. Crimen. Robos & Atracos. Vejez. Basado en hechos reales
Guion: David Lowery, David Grann (Artículo: David Grann)
Música: Daniel Hart
Fotografía: Joe Anderson
Reparto: Robert Redford, Sissy Spacek, Casey Affleck, Danny Glover, Tika Sumpter, Elisabeth Moss, Tom Waits, Isiah Whitlock Jr., Robert Longstreet, Keith Carradine, Jordan Trovillion, John David Washington, Augustine Frizzell, Barlow Jacobs, Gene Jones, Leah Roberts, Kevin McClatchy, Patrick Newall, Todd Terry, James Siderits, Christine Dye, Toby Halbrooks
Dirección: David Lowery

La voz de la igualdad - Por Carlos Correa

Inspirada en hechos reales, esta cinta cuenta la historia de Ruth Bader Ginsburg, nombrada en 1993 por el Presidente Bill Clinton para integrar la Corte Suprema de Justicia de los Estados Unidos. Felicity Jones caracteriza ejemplarmente a esta icónica mujer, su etapa de estudiante en Harvard y sus inicios en el ejercicio de la abogacía defendiendo casos de discriminación de género.

La película es fascinante si se disfruta del mundo de las leyes y en especial del sistema legal estadounidense que basa gran parte de sus decisiones en la jurisprudencia. Acá está en juego el conservar la tradición o bien avalar el cambio, en una evolución que se visualiza poco posible a corto y mediano plazo.

Mimi Leder dirige un guión de Daniel Stiepleman el que, junto con oportunos escapes, logra captar la esencia del cambio social radical que se incuba en Estados Unidos en los años 50. La discriminación sin sentido y sin argumentaciones sólidas, hace que los alegatos parezcan totalmente fuera de lugar a los ojos de hoy. Claro, ahora lo vemos como inconcebible, sin embargo mucho debió pasar para derribar un sistema instalado, cómodo y tremendamente machista para trazar un camino paulatino y lleno de dificultades que con el tiempo ha permitido avances en emparejar la cancha en algunos aspectos y sentidos.

El ninguneo intelectual al que es sometida la protagonista es de horror. Hay mucha incredulidad ante el valor y fortaleza de esta mujer decidida y portadora de un coraje envidiable. Sabemos que los cambios son lentos y difíciles, pero sin personas como Ruth Bader Ginsburg probablemente lo serían aún más demorosos y las nuevas generaciones no tendrían las oportunidades actuales, que por cierto aun están lejos de ser equilibradas.

El cambio está instalado y no hay vuelta atrás. La libertad es la principal bandera de lucha y tal como se señala en la cinta, dicha palabra no está presente en la Constitución de Estados Unidos. Tampoco está la palabra mujer, sin embargo de la misma forma en que no dudamos que la libertad es esencial, tampoco tenemos dudas, hoy día, del rol que debe cumplir la mujer y de la plenitud de sus derechos, asunto crucial en el que Ruth Bader Ginsburg contribuyó con honestidad y esfuerzo.

Ficha técnica

Título original: On the Basis of Sex
Año: 2018
Duración: 120 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Participant Media / Focus Features / Amblin Partners. Distribuida por Universal Pictures
Género: Drama | Basado en hechos reales. Biográfico. Años 90. Feminismo. Drama judicial
Guion: Daniel Stiepleman
Música: Mychael Danna
Fotografía: Michael Grady
Reparto: Felicity Jones, Armie Hammer, Kathy Bates, Sam Waterston, Justin Theroux, Jack Reynor, Stephen Root, Cailee Spaeny, Francis X. McCarthy, Gabrielle Graham, Angela Galuppo, John Ralston, Dawn Ford, Gary Werntz, Callum Shoniker, Paul Spera, Holly G. Frankel, Karl Graboshas, Michael Dickson, Joe Cobden, Arlen Aguayo-Stewart, Stephanie Costa
Dirección: Mimi Leder