19/9/19

El Jilguero - Por Juan Pablo Donoso

La novela homónima de Donna Tartt ganó el premio Pulitzer de ficción 2014. Bien escrita, con amplia gama de personajes, y un drama íntimo que recorre la vida de un joven confundido.

Nos parece que el error de esta película fue ser demasiado fiel a la estructura literaria descuidando la narrativa audiovisual.

El resultado es un filme con excelente fotografía, una ambientación de lujo, algunas espléndidas actuaciones y toda la envergadura propia de un gran presupuesto.

Sin embargo, en vez de crear un filme “basado” en una gran novela, su guionista Straughan y el director John Crowley (Brooklyn, 2015) creyeron que siguiendo la misma estructura literaria repetirían en imágenes el impacto original.

El resultado - con todas sus virtudes actorales y técnicas - fue un película innecesariamente larga, con demasiados episodios secundarios intercalados, atiborrada de raccontos, y con algunos personajes que tal vez fueron gravitantes en el texto y que ahora carecen de justificación. Un ejemplo, la presencia de Nicole Kidman quien, con su talento y prestigio, se diluye en el discurso global.

Al igual que “rosebud” en El Ciudadano Kane, aquí la motivación existencial del niño - y luego adulto - Theo Decker, es el cuadro de un jilguero rescatado de una explosión terrorista en el Museo Metropolitano de Nueva York.

En esa ocasión el niño perdió a su madre, y de entre las ruinas heredó esta pintura como símbolo de su identidad afectiva. Teniendo este tesoro escondido y secreto, fue creciendo de familia en familia, conociendo a su padre semi delincuente, haciendo amigos de turbios orígenes (admirable Finn Wolfhard, como Boris), cayendo en la drogadicción, aprendiendo el oficio de anticuario, y siendo víctima de codiciosos amores femeninos.

Durante la larga exhibición - tan llena de méritos visuales y actorales - nos preguntamos a dónde conducen estos saltos narrativos. Y como la respuesta se nos escabulle, terminamos pensando que al guion le faltó concreción dramática, y sentimos el peso de su longitud.

Sólo después, cuando la rearmamos en la memoria, recién vislumbramos donde tendría la columna vertebral. Y nuevamente admiramos la actuación de Oakes Fegley, como Theo cuando pequeño.

EN UN DESPLIGUE DE LUCIMIENTO AUDIOVISUAL DESCUIDARON CENTRAR EL DISCURSO DRAMÁTICO. POR ESO QUEDÓ ERRÁTICA Y DEMASIADO LARGA.

Ficha técnica

Título Original: The Goldfinch 
Drama Warner Chile EE.UU. - 2,29 hrs. 
Fotografía: Roger Deakins 
Edición: Kelley Dixon 
Música: Trevor Gureckis 
Diseño Prod.: K.K. Barrett 
Guión: Peter Straughan 
Actores: Oakes Fegley, Finn Wolfhard, Ashleigh Cummings, Sarah Paulson 
Director: John Crowley

Infierno en la Tormenta - Por Juan Pablo Donoso

Su objetivo principal es mantenernos al borde del asiento. Y si entramos al juego, lo consigue.

Un feroz huracán azota Florida. El agua inunda rápidamente toda la zona. La población debe huir. Una muchachita (Kaya Scodelario), campeona de natación, manejando su camioneta, va sola en rescate de su padre que está en una casa de campo. Lo encuentra desmayado, y herido, en el subterráneo (Barry Pepper). ¿Qué le sucedió?

Fue atacado por un enorme cocodrilo que se filtró por del desagüe. Mientras intenta reanimarlo para escapar de ahí, nota que tiene una pierna destrozada. Deberá arrastrarlo lentamente hasta la escalera. Pero -¡horror! - hay otros lagartos pululando también por el sótano.

El resto de la película será presenciar cómo el nivel del agua sube, cómo los cocodrilos de 3 metros de largo los acechan, y cómo se las ingenian para combatirlos y escabullirse de ellos.

La situación se torna cada vez más claustrofóbica y peligrosa.

Los habitantes reales de Florida saben que en semejante situación podrían andar reptiles por las calles anegadas. Pero hay medidas precautorias. Aquí nos ponen en un caso tan extremo que, si perdonamos las inconsistencias lógicas, sufriremos a la par con sus personajes.

La joven Scodelario lleva el peso dramático del relato. Es difícil matizar tantas emociones en tan estrecho lugar, cada vez más opresivo, y rodeada de lagartos que hasta han puesto huevos en el lugar. En medio de los sobresaltos y mordiscos, nos dan breves momentos de distensión para que padre e hija conversen, y se reconcilien de antiguas disputas familiares.

A pesar de incluir un par de típicas víctimas que intentan rescatarlos, sin duda fue meritorio filmar tanto rato en un subterráneo penumbroso y sumergidos en el agua hasta el cuello. ¡Y qué decir de los cocodrilos!

ANGUSTIOSA Y ADMIRBLE REALIZACIÓN PARA MANTENERNOS EN SUSPENSO. SI PERDONAMOS SUS INCONGUENCIAS, LOGRA SU PROPÓSITO.

Ficha técnica

Título Original: Crawl 
Acción, terror, suspenso Andes Films EE.UU., Serbia, Canadá - 1,27 hrs. 
Fotografía: Maxime Alexandre 
Edición: Elliot Greenberg 
Música: Max Aruj, Steffen Thum 
Diseño Prod.: Alan Gilmore Guion: Michael Rasmussen, Shawn Rasmussen 
Actores: Kaya Scodelario, Barry Pepper, Morfydd Clark 
Director: Alexandre Aja

Chicos Buenos - Por Juan Pablo Donoso

Para disfrutarla, hay que identificarse con esos tres niños de doce años, y compartir con ellos sus inquietudes eróticas y sus peligrosas aventuras.

Si se la mira con ojos moralizantes, la comedia podría parecernos casi obscena y de mal gusto.

Pero como su propósito es hacernos reír, y recordar nuestras propias infancias y torpezas, sin duda será graciosa y bien intencionada.

Tres colegiales- preadolescentes - están despertando a la curiosidad sexual y al erotismo. Y otro tanto les ocurre a sus compañeritas de la misma edad, aunque para ellas predomina todavía lo puramente afectivo.

Ambientada en EE.UU. de hoy - con toda la tecnología al alcance de las manos, incluyendo el temprano uso de drogas - será en semejante bosque de posibilidades donde estos niños vivirán el impulso de explorar y responder a su manera de las consecuencias.

Ya conocíamos a Jacob Tremblay y lo admiramos en La Habitación (2015), y como el pequeño del rostro deformado en Extraordinario (2017). Y en esta sátira se nos revelan los otros dos jóvenes actores con mucho futuro: Keith L. Williams y Brady Noon.

Es posible que la novela entregue pormenores psicosociales más reflexivos. Más, al llevarla al cine, es inevitable que sea chocante para algunos mayores ver a niños diciendo tantas groserías y acompañarlos en descubrir, personalmente, drogadicciones y entretelones morbosos de la sexualidad de sus mayores.

COMEDIA PICARESCA QUE SE VALE DE PERSONAJES INFANTILES PARA EXPONER SECRETOS DEL MUNDO DE LOS ADULTOS.

Ficha técnica

Título Original: Good Boys 
Comedia Andes Films, Universal EE.UU. - 1,30 hrs. 
Fotografía: Jonathan Furmanski 
Edición: Daniel Gabbe 
Música: Lyle Workman 
Diseño Prod.: Jeremy Stanbridge 
Guionistas: Lee Eisenberg, Gene Stupnitsky 
Actores: Jacob Tremblay, Keith L. Williams, Brady Noon 
Director: Gene Stupnitsky

17/9/19

Durmiendo con el asesino - Por José Blanco Jiménez

Recuerdo haber dicho que Lily Collins en Sin salida (Abduction, de John Singleton, 2011) había sido escogida como partner de Taylor Lautner para no incomodar a las espectadoras. En efecto, esa flaquita no era competencia para las admiradoras y desempeñaba bien su papel. Reapareció en Tolkien (de Dome Karukoski, 2019) como una figura digna de una novela de Dickens, interpretando a la esposa del escritor, capaz de sentirse mal por no usar un sombrero en un café.

Después supe que es hija del cantante Phil Collins, pero eso no quita ni agrega nada a su capacidad dramática. En efecto, en esta película es el hilo portante de la reconstrucción de la vida de Ted Bundy, un asesino múltiple que existió verdaderamente y que fue ejecutado después de confesar 30 homicidios en siete Estados, ignorándose el número total.

El relato está planteado desde la perspectiva de su pareja, Elizabeth Kloepfer, que creyó por mucho tiempo en su inocencia y que, con pseudónimo, publicó sus memorias.

Todo empieza en la cárcel, cuando el femicida está a punto de ser condenado y la mujer recuerda cuando lo conoció siendo madre soltera, en los años ’70, colocando un disco en un jukebox. Su actitud fue respetuosa, lo invitó a pasar a su casa y durmió junto a ella y su hija. Queda preguntarse por qué ninguna de las dos mujeres fue víctima y por qué pudo mantener años de convivencia. El filme no da respuesta, pero creo que insinúa que se enterneció con la figura de la joven sola que cuida a su criatura. Tal vez así vio el reflejo de su madre y suplió la figura de su propio padre ausente.

No he leído el libro, pero – según me he informado – la actitud de Elizabeth fue mucho más proactiva de lo que muestra la película.

Debido al régimen federal norteamericano, Bundy fue llamado en causa por varios Estados, pero las telecámaras de Florida se encargaron de transformar el proceso en un espectáculo. Es así como el personaje se hizo conocido (escenas de archivo se incluyen entre los créditos finales), declarando su inocencia y teniendo mucho arrastre entre el público femenino. Además fue su vocera una ex novia. No era tan atractivo como el actor Zac Efron, que lo interpreta, pero tenía sin duda un carisma muy especial. Según él, se estaba instrumentalizando su juicio con fines políticos, porque el gobernador buscaba su reelección.

Es este último punto el que me lleva a pensar como también en Chile abundan cada vez más este tipo de argumentos: se acusa a un juez de dictaminar con miras a una promoción a la Corte Suprema, una ministra se defiende porque la quieren juzgar políticamente y no por su mal desempeño, los que acusan a un parlamentario querrían ocupar su puesto. Se trata obviamente de manipulación mediática, que redunda en una presunta manipulación personal.

Bundy era culpable y fue ejecutado. Para postergar su condena, empezó a reconocer algunos de sus crímenes, obligando a abrir nuevos expedientes. Al final, nunca se supo (y probablemente nunca se sabrá) cuántas mujeres mató en la más completa impunidad.

Dos detalles puramente cinematográficos: John Malkovich es uno de los jueces y el ahora obeso Haley Joel Osment (el niño de El sexto sentido, 1999 y A.I. – Inteligencia Artificial, 2001) es el tímido colega enamorado de Elizabeth. Ambos resultan creíbles.

(Extremely Wicked, Shockingly Evil and Vile. USA, 2019)

16/9/19

Sr. Link - Por José Blanco Jiménez

Esta stop-motion entretiene de principio a fin mezclando temáticas de aventuras ya conocidas con reflexiones de tipo ecológico propias de nuestro tiempo, a pesar de que los hechos se desarrollan a fines del siglo XIX. Y es necesario insistir en este punto, porque Sir Lionel Frost quiere formar parte, a cualquier costo, de un exclusivo Club que se distingue por sus exploraciones y descubrimientos. Sólo que su actitud pone en riesgo la visión conservadora y antiprogresista de sus miembros.

El prólogo comienza con el descubrimiento de una criatura que podría ser el Monstruo de Loch Ness y cuya dramática aventura lleva a Mr. Lind, valet de Frost, a renunciar para siempre a sus funciones. Encontrándose ahora solo, repara en una carta que le llegó de Norte América y que no había abierto. Ésta se refiere a un ser que es el último de su especie y que vive también solitario y deseoso de encontrar individuos parecidos a él. Se trata nada menos que del “Eslabón Perdido” (Missing Link, en inglés) y parte en su busca con la esperanza de ser admitido en el Club.

Resulta que la criatura en cuestión es todo menos que una bestia: habla inglés y escribe correctamente, al punto de que fue él quien escribió la carta y tiene la esperanza de conocer los Himalaya para encontrar a esos “abominables” que podrían ser sus parientes lejanos. De allí a hacerlo su valet, cambiando en los documentos el apellido de Lind por Link hay un paso. Y para llegar al Himalaya es necesario un mapa que posee Adelina, una joven viuda mexicana, que fue su novia alguna vez.

Queda establecido el trío, que recuerda La vuelta al mundo en 80 días, incluido el trayecto en elefante y un sicario enviado por el Presidente del Club para asesinar al Lord. Y las aventuras se suceden con claras alusiones a Indiana Jones (sobre todo el episodio del puente) y a otras películas de matinés de otros tiempos. Todo ilustrado por mapas sumamente didácticos.

Contar las vicisitudes no tiene sentido. Es una película para disfrutar sanamente en familia. Además que el Sr. Link, con sus más de dos metros de estatura y su peso desproporcionado, se perfila como un simpático personaje que podría seguir apareciendo en películas.

Y agrego un detalle, que me resulta simpático, porque tiene mucho de personal. Adelina, a quien le presta voz Zoe Saldaña, tiene un curioso parecido con una ex alumna mía de la Scuola Italiana y talentosa actriz chilena: Paola Volpato.

(Missing Link. Canadá/USA, 2019)

12/9/19

Ted Bundy: durmiendo con el asesino - Por Juan Pablo Donoso

Convivimos con uno de los más despiadados y carismáticos asesinos seriales de Estados Unidos.

En forma simultánea con esta película, el mismo director Joe Belinger, estrenó en TV un documental de 4 horas llamado Las Grabaciones de Ted Bundy. Fue tal su éxito que, junto con estremecer de terror, fascinó a sus televidentes.

La película la produjo Zac Efron para demostrar su calidad actoral más allá de las habituales comedias en que suelen encasillarlo (High School Musical 3, Haispray y El Gran Showman 2017).

Como los crímenes de Ted Bundy fueron exhaustivamente divulgados por los medios, nos abocaremos sólo a comentar este filme.

Lo que predomina aquí es el talento diabólico de un asesino. A pesar de todas las evidencias, manipuló a la opinión pública durante 10 años convenciendo a millones de personas de su inocencia.

La opción narrativa del director Belinger es demostrar cómo el personaje consigue maniobrarnos a nosotros también. Lo vemos encantador, enamorado, alumno estudioso de abogacía, buen padre y capaz de convencer de su bondad. Su sonrisa es tan diáfana que dan ganas de creer que se trata de un error policial y de la Justicia.

Nunca le vemos una reacción psicopática, y menos una razón para su comportamiento criminal. Junto a sus dos esposas, Liz y Carole Ann (excelentes Lily Collins y Kaya Scodelario), confiamos en su honestidad y aplaudimos su ingenio para escapar de las cárceles y defender su propia causa en los Tribunales.

Fue capaz de conquistar con la arrogancia de un político en campaña y, a la vez, pisotear la dignidad de sus víctimas e ignorar el dolor de sus familias.

Revela la dualidad de un monstruo; su talento para relacionarse con las personas y atraer simpatía hasta de los Jueces.

Vemos cómo deslumbró a la gente. Nos llaman a fijarnos en detalles más sutiles. Hay quienes son maestros en ocultar sus verdaderos instintos.

Estupenda ambientación de los juicios en la Corte de Miami. Agradecemos el buen gusto de evitar la exposición visual de las masacres. Sensible proceso emocional desde la perspectiva de sus esposas.

Al final, junto con mostrarnos a los verdaderos testigos del relato, exponen una lista con al menos 30 nombres de víctimas detectadas.

Recomendamos, en lo posible, ver antes la película que el documental. Así la disfrutarán mejor.

RETRATO DE UN BRUTAL ASESINO CAPAZ DE MANIPULAR A LAS MASAS CON TALENTO GENIAL.

Ficha técnica


Título Original: Extremely Wicked, Shockingly Evil and Vile 
Biografía, crimen drama BFDistribution EE.UU. - 1,50 hrs. 
Fotografía: Brandon Trost 
Edición: Josh Schaeffer 
Música: Marco Beltrami, Dennis Smith 
Diseño Prod.: Brandon Tonner-Connolly 
Guion: Michael Werwie,Elizabeth Kloepfer (libro) 
Actores: Lily Collins, Zac Efron, Angela Sarafyan 
Director: Joe Belinger

Mi Amigo Enzo - Por Juan Pablo Donoso

Las historias narradas desde la óptica de un niño o un animal, debido a la pureza de sus miradas, suelen ser tiernas, tristes y graciosas a la vez.

Aquí nuestro anfitrión es un perro Golden Retriever quien desde cachorro es el único compañero de Denny, un eximio piloto de autos de carrera. Lo llamará Enzo en homenaje al propietario de los veloces Ferrari.

El perrito - en la voz de Kevin Costner - irá expresando sus emociones y sus afectos por cada persona que se acerque a su amo. Lo acompañará en el encuentro con su futura esposa, Eve, y luego con el nacimiento de su única hijita, Zoe.

Y vibrará con ellos durante el ascenso profesional de Denny en las cada vez más importantes carreras automovilísticas.

Serán 17 años de fiel compañía con aquella familia en que se vivirán momentos de humor, tristeza y conflictos.

Si bien la historia fluye con naturalidad y tiene actores carismáticos, en todo momento nos trae a la memoria esas joyas de emoción que fueron La Razón de Estar Contigo 1 y 2. (2017 y 2019).

Y en la inevitable comparación, ésta resulta inferior, más plana y menos impactante.

Para colmo, en ambas el narrador es también un perro de la misma raza.

En aquella, el perro Bailey muere y se reencarna muchas veces, manteniendo la esperanza de volver a encontrarse con los miembros de su primera, y más amada, familia. Cada una de sus vidas, en distintas razas, será una nueva aventura que lo irá llenando con más sabiduría.

Quienes desconocen La Razón de Estar Contigo, disfrutarán de manera menos prejuiciada con el perrito Enzo de este filme.

En inglés se titula El Arte de Correr en Pistas Mojadas por la Lluvia. Y en ese título se incuba la idea central de esta obra: para triunfar mantén la vista fija en tu objetivo, ama de verdad y se fiel a ti mismo y a tus seres queridos.

Con un presupuesto de US$20.000.000. la cinta acertó con los actores adecuados: Milo Ventiglia, como el padre (Jefa por Accidente - Creed II); Amanda Seyufried, la madre (Cosette en Los Miserables); y con Ryan Kiera Armstrong, la hijita de aún cortos años de edad.

Es admirable cómo logran que Enzo (diferentes perros según sus edades), sin ser éste un dibujo animado, comunique con tal precisión los pensamientos y sensaciones que el narrador va entregando.

UNA HISTORIA EMOTIVA, BIEN REALIZADA, QUE ENTREGA UN MENSAJE DE AMOR Y COMPRENSIÓN POR LOS ANIMALES.

Ficha técnica


Título Original: The Art of Racing in the Rain 
Tragicomedia familiar Fox EE.UU. - 1,49 hrs. 
Fotografía: Ross Emery 
Edición: Adam Recht 
Música: Volker Bertelmann, Dustin O'Halloran 
Diseño Prod.: Brent Thomas 
Guion: Mark Bomback, Garth Stein (novela) 
Actores: Milo Ventimiglia, Amanda Seyfried, Ryan Kiera Armstrong. 
Director: Simon Curtis (Mi Semana con Marilyn2011 - La Dama de Oro 2015)

Dora y la Ciudad Perdida - Por Juan Pablo Donoso

Ameno largometraje que deleitará a niños actuales y adultos que hasta hace poco también eran niños.

Durante 19 años la TV ha entregado más de 136 episodios de la serie animada Dora la Exploradora, creada por Eric Weiner, Chris Gifford y Valerie Walsh.

Ahora, en una coproducción EE.UU. y Canadá decidieron hacer un largometraje combinando actores con dibujos animados.

Y el resultado fue feliz justificando los US$ 49.000.000 de su presupuesto.

Había que hallar a la actriz de carne y hueso que hiciera creíble a la pequeña heroína de la serie. Atinaron poniendo a Isabella Moner en el rol. Una actriz de 18 años, muy bajita, oriunda de Cleveland, Ohio, hija de peruanos y con un carisma que invade la pantalla en todo momento.

Se supone que el personaje es preadolescente; vive en la selva con sus padres arqueólogos. Su mejor amigo y compañero es un monito pequeño llamado Botas. El conflicto se desata cuando deben enviarla a estudiar Enseñanza Secundaria en la ciudad.

Al principio será objeto de “bullying” por sus costumbres selváticas, pero ella supera los obstáculos manteniéndose fiel a sus valores: “Seguiré siendo yo misma y jamás alguien diferente”.

Con esta actitud reclutará a otros 4 compañeros y partirán nuevamente a la jungla al rescate de sus padres perdidos en una misteriosa ciudad mágica repleta de oro.

Vivirán muchas aventuras y vencerán grandes peligros.

Es ingeniosa la manera en que mezclan las animaciones con los actores reales. Todo se complementa para dar fluidez, y humor, al relato.

Para quienes nunca vieron la serie de monitos animados en la TV algunas hazañas les parecerán abundantes. Pero los que cuando niños compartieron con Dora y su Monito Botas, gozarán acompañándolos en estas nuevas peripecias que incorporan a nuevos, siniestros y pintorescos personajes.

INGENIOSO LARGOMETRAJE CON UNA CARISMÁTICA DORA, CUYO MÁS AGRADECIDO PÚBLICO SERÁN LOS NIÑOS DEL SIGLO XXI.

Ficha técnica

Título Original: Dora and the Lost City of Gold 
Aventuras Andes Films, Paramount Australia, EE.UU. - 1,42 hrs. 
Fotografía: Javier Aguirresarobe 
Edición: Mark Everson 
Música: John Debney, Germaine Franco 
Diseño Prod.: Dan Hennah 
Guion: Matthew Robinson, Chris Gifford (creador de la serie) 
Actores: Isabela Moner, Eugenio Derbez, Michael Peña 
Director: James Bobin

9/9/19

IT: Capítulo 2 - Por Jackie O.

“27 años después volvemos a Derry”.

Creo y si más bien recuerdo, las películas dentro del género de terror más largas fueron Suspiria y El Resplandor. Pero IT2 se encargó de agregarle unos minutos más para romper el record de casi 3 horas.

La película podríamos decir que se divide en dos: la vida de los grandes y el recuerdo de los chicos, intercalando las historias.

Lo que quiere decir, que si no viste la 1 no te perderás en esta ya que Muschietti se encarga de contártela.

La película comienza mostrándonos a un premiado director de cine en un hecho homofóbico brutal (bueno, X.Dolan también es actor), una introducción para mi gusto muy larga.

Dando paso a que Mike convoque al grupo haciendo alusión a una antigua promesa (y es el único que recuerda el pacto).

Ahí comienza la pesadilla que algunos tenían olvidada.

Aunque en algunos momentos resulta repetitivo y puede cansar, Muschietti aminora eso con moustros de mucho CGI.

La elección de estos actores mayores funciona bien como la de los muchachitos. Hay química y son creíbles en sus roles. Pero James McAvoy siendo un excelente actor, en esta oportunidad para mi fue opacado por otros, en especial por Bill Hader.

Bill Skarsgard tiene un buen maquillaje y gran actuación, pero ya no tiene ese toque de sorpresa que impresionó la primera vez.

La película muestra buenas escenas que no pasan desapercibidas, un buen manejo de la puesta en escena. La narrativa del subconsciente de los personajes está bien detallada, y el tema de la amistad bien resuelta.

Simpático fue ver la actuación a Stephen King, lo que le da la venia a esta película.

Lo otro que me pareció bien ejecutado, es la historia de amor escondida de Richie que se trató con sutileza.

El humor y terror bien equilibrados, en momentos. Aunque cumple con los cánones de terror no te hará saltar de tu asiento.

En cuanto a elección, prefiero el IT1 pues tenía más contenido, más emoción, lo que no significa que ésta sea mala. No me aburrí. Pero con 20 minutos menos habría estado mejor ya que hay diálogos y momentos muy repetitivos. Así como, cuando crees que terminó la película pero no y sigue, después vuelves a creer que termina pero sigue de nuevo. Hasta que termina.

Aunque esperaba más de esta película, igual entretiene pero si dispones de 3 horas sin moverte.

Ficha técnica

Distribución: Warner Bros.Año 2019.
Director: Andrés Muschietti
Guión: Gary Dauberman, de la novela de Stephen King
Cinematografía: Checco Varese
Diseño de producción: Paul D. Asterberry
Editor: Jason Ballantine
Música: Benjamin Wallfisch
Reparto: Jessica Chastain, James McAvoy, Bill Hader, Isaiah Mustafa, Jay Ryan, James Ransone, Andy Bean, Bill Skarsgård, Jaeden Martell, Wyatt Oleff. Jack Dylan Grazer, Finn Wolfhard. Sophia Lillis, Chosen Jacobs, Jeremy Ray Taylor, otros.

7/9/19

IT: Capítulo Dos - Por José Blanco Jiménez

Si el espectador desea acercarse a la psicología de los personajes, debe haber visto el capítulo anterior que - en todo caso - no tenía número como si fuera un filme completo. Los hechos ahora ocurren en 2016, o sea 27 años después de lo acontecido en la pequeña ciudad de Derry, en la que una fuerza maligna, con el rostro del payaso Pennywise, mataba niños.

Los que, como yo, vieron la miniserie televisiva, dirigida por Tommy Lee Wallace en 1990), y ambientada en 1976, tienen presente que el relato se desarrollaba en la “época actual” con continuos flashbacks, que rememoraban los acontecimientos. La novela tiene más de mil páginas y los que la han leído dicen que está dividida en dos planos temporales. Es la elección de Andy Muschietti, que en 2013 dirigió Mamá (acerca de un espectro que cuida a dos niñitas que fueron abandonadas) y que dedicó el primer capítulo al Club de los Perdedores. Ahora vuelve a encontrarlos cuando Mike, el afroamericano, que permaneció en Derry, llama a reunirse al grupo porque han empezado nuevos crímenes.

Es un error pensar que It (Eso) sea Pennywise: es sólo una de sus personificaciones. De hecho, puede ser una monstruosa araña (que deja huevos) y se presenta a cada una de sus víctimas de una manera diferente: el hermanito muerto, un hombre lobo, el padre fallecido, un leproso, Paul Bunyan. En suma: todo aquello que te puede causar pavor.

La película entrega antecedentes acerca del origen de It, que es - realidad - un monstruo que existe desde antes de la formación del universo y que llegó, en forma de meteorito, durante la prehistoria al lugar en que habría de surgir Derry. Mike ha logrado descifrar el misterio investigando en libros y hablando con los habitantes autóctonos del lugar. Es así como cree haber encontrado la clave para destruirlo.

Tengo que detenerme aquí.

El director cumple con los requisitos de Hollywood al crear a los personajes: una mujer (pelirroja), un judío, un gay, un afroamericano y tres caucásicos. Se sirve de actores consagrados como James McAvoy y Jessica Chastain, pero para mi gusto siguen siendo superiores los protagonistas infantiles: Sophia Lillis como Beverly Marsh, Jaeden Martell como Bill Denbrough y Jeremy Ray Taylor como el obeso Ben Hanscom. Por un lado, la calidad de la interpretación despierta una profunda simpatía y, por el otro, King es un maestro para describir el mundo infantil. Baste un solo ejemplo: Cuenta conmigo (Stand By Me, de Rob Reiner, 1986) en la que trabajaron Casey Siemaszko, Kiefer Sutherland, Corey Feldman y el inolvidable River Phoenix.

El clown, obviamente, sigue siendo Bill Skarsgård, difícil de equiparar con Tim Curry. En este mundo perverso, los matones son eficaces y malvados; los adultos incapaces y nocivos (el padre de Beverly, por ejemplo). Al ver a la gente indiferente, la niña llega a decir que It es el Mal y forma parte de Derry. Es la insensibilidad de la sociedad ante su propia insensatez y genera monstruos como la Sra. Kersh.

Allí están las temáticas preferidas del prolífico escritor: la Amistad sincera, que permite que la unión haga la fuerza (con su emblemático contenido político); el Mal que, escondido en las alcantarillas, es un reflejo del que se vive en la superficie. Por ello pueden suscitar terror globos de colores, un laberinto de vidrios y espejos, o las galletas chinas de la suerte.

Y para concluir, debo citar algunas palabras del director, que es de nacionalidad argentina: “Derry es probablemente una metáfora del mundo de hoy, en el sentido de que el poder usa el miedo como un instrumento para controlar a las personas: ciertos gobiernos, y ciertos presidentes, la utilizan para dividir y provocar confusión, espantando a las personas para someterlas. Una cosa horrible. El aspecto positivo de la historia es que habla de esperanza, de personas que enfrentan esta situación, la combaten y comprenden que se puede hacer algo y que esos miedos no son reales, sino mentiras de los adultos”.

(It. Chapter Two. USA, 2019)

6/9/19

Yesterday - Por Carlos Correa

Dirigida por Danny Boyle -“Quién quiere ser millonario”- la cinta narra la historia de Jack Malik -Himesh Patel-, un cantautor empeñoso que no logra tener éxito ni conquistar a un público que vaya más allá de su familia o de sus fieles amigos. Malik lo intenta, con mucha ilusión, apoyado por Ellie -Lily James-, amiga y también su manager, quien hace lo imposible por posicionar al músico en otras instancias.

Decepcionado por su última actuación y abrumado por su trabajo de reponedor en un gran almacén, decide tirar la toalla y no seguir intentando más. Sin embargo, dos hechos simultáneos ocurren y cambian para siempre la vida del cantante. Un apagón eléctrico de 12 segundos a nivel mundial y un accidente que lo deja en la clínica con dos dientes menos provocan algo que para Jack es verdaderamente como un milagro. Solo él recuerda a “Los Beatles”, sus melodías y sus letras. Los registros han desaparecido de todas partes, Internet incluido. Tímidamente empieza a interpretar las canciones primero a sus amigos, luego a su familia y después en diversos eventos. Se corre la voz, son un éxito inmediato. Entonces, casi sin proponérselo, Jack hace pasar por propias las canciones famosas del gran cuarteto de Liverpool y con ello se lanza al estrellato.

Esta película es por un lado un homenaje a una banda que cambió la historia de la música y por otro una sencilla comedia romántica sostenida en la relación de Ellie con Jack. La premisa del guion es muy interesante por el escenario propuesto post accidente. Solo pensar que nadie recuerde a Los Beatles es algo que nos parece imposible y que alguien se adjudique sus temas, un acto de osadía irreverente. Jack ha buscado toda su vida tener éxito y de pronto, de golpe -literalmente- lo encuentra. Las canciones son tan hermosas que incluso mal tocadas o mal cantadas, con letras invertidas o incluso cambiadas, irrumpen con un peso propio que seducen a cualquier audiencia de inmediato. Esta es la magia del homenaje que se le hace a una música transversal y que se reconoce como imperecedera.

La película mantiene siempre un tono liviano y muchísimos toques de humor. Es notable la incursión del famoso músico Ed Sheeran que desborda sencillez y simpatía, buscando a Jack, admirando su trabajo, llevándolo de gira y presentándole a su manager, reconociendo algo que rara vez es percibido en el mundo de la música que es la solidaridad y reconocimiento hacia un colega. Esta fresca participación le da a la cinta un tono actual e increiblemente las canciones de “Los Beatles” suenan absolutamente contemporáneas.

“Yesterday” funciona libre y nunca olvida que primero es una comedia romántica. Cuando el conflicto se manifiesta, es decir llega el éxito para Jack y Ellie se ve desplazada, surge justamente ese amor oculto y silencioso que durante años se mantuvo cubierto por una profunda amistad. Es en ese momento cuando deben tomar decisiones. Jack y Ellie se enfrentan a sus propios temores, ansiedades y sueños. Deben elegir el camino a seguir. Y aunque todo resulte previsible, la amabilidad del relato deja a fin de cuentas un saldo positivo, un gusto dulce de haber visto una cinta agradable escuchando las canciones de “Los Beatles”, con actuaciones protagónicas simples y convincentes, Ed Sheeran incluido. En ocasiones uno siempre espera algo más, sin embargo este tipo de películas nos recuerda que una buena historia, por sencilla que sea, merece ser contada y la podemos disfrutar sin hacer tanto análisis.

Ficha técnica

Título original: Yesterday
Año: 2019
Duración: 116 minutos
País: Reino Unido
Productora: Working Title Films / Etalon film. Distribuida por Universal Pictures
Género: Comedia. Fantástico. Romance | Música. Comedia romántica
Guion: Richard Curtis (Historia: Jack Barth)
Música: Daniel Pemberton. (Canciones: The Beatles)
Fotografía: Christopher Ross
Reparto: Himesh Patel, Lily James, Kate McKinnon, Ed Sheeran, Lamorne Morris, Ellise Chappell, Camille Chen, Alexander Arnold, Joel Fry, Sophia Di Martino, James Corden, Robert Carlyle
Dirección: Danny Boyle

La boda - Por José Blanco Jiménez

El tema de la vida del inmigrante se suele plantear desde la perspectiva de su inserción en el país donde logra radicarse o de su convivencia con el resto de sus propios compatriotas. Además, suele teñirse de aspectos delincuenciales como es el caso de los italianos y los irlandeses en Estados Unidos o de los rusos en Gran Bretaña.

En Bélgica, el tema de la xenofobia parece ser menor, pero no basta con la buena acogida que se brinda al forastero: cada etnia conserva las costumbres y, por lo tanto, la “moral” que la rige.

Zahira es una bella muchacha pakistana, que es obligada a abortar, porque toda su familia le ordena casarse con uno de los tres candidatos que le han escogido y que le dan a conocer por Skype. La madre, incluso, le hace notar que a ella no le dieron posibilidad de elección y que ha logrado ser feliz. Lo mismo le confirma su hermana mayor, que reconoce que “todo es injusto” y que debe ser así desde el momento que son mujeres.

No hace mucho que algunos occidentales se sacaron de encima muchos prejuicios, pero sólo algunos. La “cuestión de honor” sigue existiendo en el Sur de Europa a pesar de haber dado origen incluso a más de una comedia negra, como Divorcio a la italiana, de Pietro Germi (1961). Todavía se muere por asuntos de virginidad, de “faidas” familiares y de subvaloración de la mujer. Pero en el ámbito oriental, es una cuestión antropológica. En este caso, rechazar un matrimonio o escoger a un extranjero es un estigma que daña a toda la familia.

La película logra ser paradojal en todo momento, contraponiendo la tecnología más moderna al conservadurismo más añejo: todos aceptan tecnologías altamente avanzadas como el aborto “terapéutico” y la reparación del himen, pero con la finalidad de consagrar la tradición; la ceremonia del matrimonio se ejecuta por Internet, con pétalos de flores incluidos, pero tiene una frialdad que abisma.

La mujer que no dispone de su cuerpo ni de su vida no es un tema tan lejano a nuestra realidad y los latinoamericanos en general (y los chilenos en particular) también tienden a ser ultraconservadores. Si no resulta evidente, baste con revisar las temáticas de las telenovelas y seguir el macabro escrutinio que la prensa escrita y audiovisiva lleva de los femicidios que se cometen cada año llegando al extremo de numerarlos y de irlos comparando con las estadísticas anuales anteriores.

(Noces. Bélgica / Francia / Luxemburgo / Pakistán, 2016)

¿Dónde estás, Bernadette? - Por José Blanco Jiménez

La cincuentona australiana Cate Blanchett ha hecho de todo en innumerables películas, incluso de mala en Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, de Steven Spielberg, 2008). Pero creo que hay un rol que la marcó y se siente en esta película: Blue Jasmine, de Woody Allen, 2013. En efecto, Bernadette Fox es locuaz, dispersiva e impredecible. Fue (y aún lo es) una gran arquitecta y ahora vive retirada del mundo y en litigio con el mismo. No le gusta salir y acepta con reticencia acompañar a su marido (Billy Crudup) y su hija Bee Branch (Emma Nelson) a la Antártica en vista de que ha terminado la escuela media.

Como en la primera secuencia Bernadette aparece en un kayak entre los hielos, la respuesta a la pregunta del título ya está dada. No que el espectador deberá conocer son las circunstancias que han determinado esa situación.

Basada en una exitosa novela de Maria Semple, la historia está narrada por la hija que, con una excelente interpretación, representa tanto la “edad del pavo” como el aspecto andrógino que la caracteriza y su ya decidida personalidad.

El tono de comedia está bien tratado y tiene mucho de los desastres de películas menores con una víctima recurrente, en este caso la vecina Audrey (la siempre encantadora Kristen Wiig), que sufre las consecuencias de las equivocaciones de Bernadette.

Para dar un tono de crónica televisiva, interviene también Laurence Fishburne, que aparece como su mentor y sentencia: "Las personas como tú deben crear o convertirse en una amenaza para la sociedad”.

Me detengo aquí, señalando sólo que el título original es más explícito: “¿Dónde vas, Bernadette?” Y, efectivamente, ése es el meollo del comportamiento del personaje, que trata de arreglar arquitectónicamente su mundo y se encuentra con numerosas dificultades.

(Where’d You Go, Bernadette?, USA, 2019)

5/9/19

Canción sin nombre - Por Carlos Correa

Esta película, Ganadora del Premio Signis en el SANFIC 15, es realmente conmovedora. Basada en hechos reales, la cinta se introduce en el Perú profundo del año 1988 donde se vive un conflicto social y político de envergadura. La historia corresponde a Georgina Condori, una joven andina que da a luz una bebé que desaparece misteriosamente. En medio del caos de la época, Pedro Campos, un joven periodista limeño, toma a su cargo la investigación del caso y emprende junto a ella una desesperada búsqueda.

Ópera prima de su directora Melina León, la película destaca por un magnífico trabajo de fotografía a cargo de Inti Briones. Con un blanco y negro plagado de matices, las escenas resultan intensas y elocuentes. La ausencia de sonido en puntos clave tensa aún más la narración que profundiza en muchísimos de los subtextos que se encuentran insertos en el guion.

Es desgarrador ver caminar a “Geo”. Sube y baja los cerros desde y hacia su casa. Transita junto a su marido rumbo a su informal trabajo de feriante callejera en el centro de Lima, en una travesía propia de un migrante dentro de su propio país. Visiblemente embarazada, el esfuerzo es en ocasiones el doble o el triple. Ella no alcanza a comprender lo que vive, menos entiende la situación política del país junto a las condiciones sociales que rodean esos años durísimos y complejos de Perú a fines de los años 80..

Las temáticas que aborda el relato son extensas. No solo la situación de Georgina es impactante. Hay una vulneración de la pobreza en todos los ambientes. La marginación social, sobre todo la que se muestra en forma explícita con una representante andina, se repite también en otras esferas. Los anuncios de radio ofreciendo servicios gratuitos de maternidad fácilmente son aceptados como lícitos cuando existe necesidad imperiosa de ayuda y no hay mayor información disponible. Este abuso de poder, aprovechando las pocas herramientas de educación de la población más vulnerable, facilita un ilícito que además es encubierto por el poder transversal que entrega una sociedad que se enfrenta a divisiones, violencia y también al terrorismo.

La situación del periodista no es muy distinta. Pedro, si bien trabaja en un diario reconocido, es un llanero solitario. No solo le afecta su situación personal, también sus ideales corresponden a su propia búsqueda de identidad y de verdad. El guion se interna en Pedro, en lo que vive, en su propia represión y lo desnuda a su manera, con una sutil delicadeza.

El marido de Georgina tampoco escapa al conflicto. Vive al día y de los trabajos esporádicos que le ofrecen. Pasa largas temporadas fuera de casa para intentar encontrar el sustento familiar. Por ello, cuando una nueva oferta de trabajo es oscura y difusa, la acepta sin pensar en las consecuencias de acciones que pueden poner en riesgo incluso a su propia comunidad.

La cultura indígena está también siempre presente en el relato con celebraciones, fiestas, música, danza y procesiones; hay un alma subterránea que se encuentra en la base de la historia.

La marginación es brutal, la división horrorosa y el abuso inaceptable. La cinta se basa en hechos reales, en el secuestro de bebés, hecho ampliamente difundido incluso en la prensa de la época. Y no solo se trata de una denuncia sino también una prueba innegable del sufrimiento al que están condenados quienes no suscriben al régimen imperante y de todos aquellos que de una u otra forma no encajan con el sistema.

Con toda razón esta cinta ha tenido éxito en sus primeras presentaciones. Estrenada en la Quincena de realizadores del Festival de Cannes 2019 y también reconocida a su paso en otros festivales, es una película que se transforma en necesaria. Su relato está dibujado perfectamente y el magnetismo que provoca su confección mantiene máxima tensión durante todo su metraje. Sin duda, “Cancion sin nombre” es de las mejores realizaciones del último tiempo en nuestra región y aún puede obtener otros reconocimientos, que sin lugar a dudas, tendrá ampliamente merecidas.

Ficha técnica

Título original: Canción sin nombre
Año: 2019
Duración: 97 minutos
País: Perú
Productora: Coproducción Perú-Suiza-Estados Unidos; Bord Cadre Films / La Vida Misma Films / MGC / Torch Films
Género: Drama | Años 80. Secuestros / Desapariciones
Guion: Melina León, Michael J. White
Música: Pauchi Sasaki
Fotografía: Inti Briones (B&W)
Reparto: Pamela Mendoza, Tommy Párraga, Lucio Rojas
Dirección: Melina León

It Capítulo Dos - Por Juan Pablo Donoso

Una pesadilla mal soñada.

Si la primera de 2017 ya se veía manipulada, esta secuela es definitivamente una LÁSTIMA.

Eterna de larga: casi 3 horas. Tiene 200 finales. Recargada con efectos de terror manidos. Acumulación gratuita de situaciones y monstruos ya vistos en demasiadas otras películas (escarabajo con cabeza humana, ojos en blanco, rostros con dientes de estalactitas que se abalanzan hacia la pantalla para comernos a nosotros, etc.).

Llena de metáforas pueriles. Reflexiones filosóficas forzadas: “Lo mejor de ser “perdedores” es que no tenemos nada que perder, por lo tanto acéptate como eres” (¡!).

Para ambas películas debieron comprender mejor el fondo de la novela de Stephen King. Cero lógica y sentido común. Así, da lo mismo que Pennywise sea un payaso caníbal o la Pequeña Lulú satánica.

Si estos mismos personajes en el filme de 2017 generaban a ratos algo de empatía, aquí la pierden por exceso de reiteraciones. Además de abusar de los raccontos, abundan los “screamers” anticipados por la música estridente. Escenas de homosexualidad ramplonas e innecesarias.

En las interminables secuencias finales ya nada nos asusta por abuso de efectismos y CARENCIA DE SÍNTESIS NARRATIVA. Es como el gran borrador de una historia que debió concentrar su clímax y durar la mitad. ¿Olvidaron editarla?

Creyeron que metiendo “cameos” (rostros conocidos) - del antiguo director Peter Bogdanovic y Stephen King, autor de la novela - conquistarían la simpatía del público. Lo potencial de la 1ª se chacrea con lo pretencioso de ésta. Sin duda algunos actores conocidos accedieron a quedar ensangrentados, vomitados y ensartados como anticuchos por el sueldo que recibieron. Resultan esquemáticos. Se vislumbra que - los niños o los grandes - intentan dar humanidad a sus personajes, pero con semejante guion es imposible.

SÚPERPRODUCCIÓN EFECTISTA, INSOPORTABLEMENTE LARGA, ABSURDA Y ERRÁTICA EN SU GÉNERO DE TERROR.

Ficha técnica

Terror Warner Bros. Canadá, EE.UU. - 2,49 hrs. 
Fotografía: Checco Varese 
Edición: Jason Ballantine 
Música: Benjamin Wallfisch 
Diseño Prod.: Paul D. Austerberry 
Guion: Gary Dauberman, Stephen King (novela) 
Actores: Bill Skarsgård, Finn Wolfhard, Jessica Chastain 
Director: Andy Muschietti

Vencedor - Por Juan Pablo Donoso

Es difícil que un espectador de buena voluntad desprecie esta película.

La fórmula de sus realizadores aplica todos los ingredientes probados para entretener, emocionar y bañar el relato con trascendencia espiritual.

Hay una equilibrada dosificación de suspenso deportivo, solidaridad racial, personas que se arrepienten de sus pasados vicios, y un cuadro casi estereotipado de familia feliz y bien constituida.

Es decir, puros ideales de vida que, una vez resueltos los problemas ocasionales, culminan con el esperado “final feliz”.

Para lograr esta química emotiva es necesario que sus personajes experimenten momentos de frustración - siempre superables con optimismo; que algunos leves conflictos conyugales se resuelvan con amor y arrepentimiento; que un ex drogadicto sufra las consecuencias clínicas de su vicio; y que una huerfanita negra, asmática y cleptómana, descubra que puede triunfar en el más exigente de los deportes gracias a su fe en Jesucristo.

Contar más detalles de la historia sería arruinársela a los espectadores.

A favor de este filme podemos decir que sus personajes son empáticos - aunque demasiado “ejemplares”; - que tiene un eficaz tratamiento cinematográfico hollywoodense; - que los actores de color son más conmovedores que los blancos - en especial la pequeña Aryn Wright-Thompson y su moribundo padre Cameron Arnett, capaz de transmitir emoción en tomas de largo aliento.

Al comienzo hay diálogos demasiado obvios, para preparar al público de lo milagroso que vendrá. Pero en la segunda mitad, cuando se desata lo deportivo será, al igual que Rocky y tantas otras, el suspenso lo que predomine.

Aunque a veces bordea lo predicante, lo propio de esta película es - como siempre en las obras de los hermanos Kendricks - la invitación a entregarnos con humildad a los prodigios de la fe, y muy en especial, a confiar en el amor de Jesucristo que nos rescatará cuando más lo necesitemos.

Para financiarla confluyó el apoyo de muchas iglesias evangélicas, y la participación de varios miembros de la familia Kendricks en diversas tareas.

UN FILME MUY AMENO Y EMOTIVO. SIN OCULTAR SU MENSAJE CRISTIANO LOGRA UN ECUMENISMO GRATO E INSPIRADOR PARA QUIENES CONFÍAN EN DIOS.

Ficha Técnica


Título Original: Overcomer 
Cinemark y Canzion Films EE.UU.- 1,59 hrs. 
Fotografía: Bob Scott 
Edición: Steve Hullfish, Alex Kendrick 
Música: Paul Mills 
Diseño Prod.: Trey Reynolds 
Actores: Alex Kendrick, Aryn Wright-Thompson, Camderon Arnett 
Guion: Alex Kendrick, Stephen Kendrick 
Director: Alex Kendrick

4/9/19

La Boda - Por Juan Pablo Donoso

Una nueva tragedia contemporánea producto del choque de culturas y de férreas tradiciones familiares.

En Aix la Chapelle, histórica ciudad fronteriza de Europa, co-habitan grupos humanos provenientes de muchos países del mundo.

Nuestra protagonista, Zahira (Lina El Arabi), una muchacha de 18 años, de una familia inmigrante de Pakistán, ya termina el colegio y congenia con amistades de su edad.

Su primer drama fue quedar embarazada por accidente, exponiéndose al oprobio de su familia. Su deseo era gestar ese hijo, aunque el padre ya era irrelevante para ella. Sin embargo, su hermano y confidente, para evitar la hecatombe social, la convence de abortar.

Con ese dolor secreto en su conciencia deberá luego casarse, según la tradición de su pueblo, con un novio desconocido que sus padres habían seleccionado para desposarla. Ella deberá elegir - ¡por internet! - a uno de los tres candidatos que, además, viven en Medio Oriente.

La muchacha intenta rebelarse contra semejante imposición, incluso huyendo del hogar. Para sus parientes, este tipo de boda es la más sana y adecuada. Le señalan el ejemplo de sus padres, casados sin conocerse previamente, y que han sido siempre felices. Hasta una hermana mayor (estupenda Aurora Marion) le expone su armonía conyugal como paradigma de realización.

Zahira, quien se sentía atraída por un joven belga, abominaba de semejante destino. Pero la presión del ambiente, los ejemplos que le da su padre de lo tristes que son las vecinas solteras del barrio, y el frágil estado cardíaco de éste, la harán consentir finalmente en una pre-ceremonia nupcial – a distancia – dejando el vínculo establecido, y faltando sólo la consumación definitiva de la boda.

Zahira hará un último intento de liberarse y escapar, confiando a ciegas en su adorado hermano, que siempre la comprendió.

Los múltiples vericuetos de la trama, en que solidarizamos con el instinto de dignidad personal de la niña, y lo inesperado del desenlace, consolidan la premisa de los autores del filme: aún en nuestros días, y a pesar del inmenso cariño familiar, hay tradiciones tan hondas que resultan casi imposibles de cambiar.

DOLOROSA DENUNCIA CONTRA LA RIGIDEZ DE TRADICIONES MILENARIAS.

Ficha técnica


Título Original: Noces
Drama cultural Bélgica, Pakistán, Luxenburgo, Francia – 1,40 hrs.
Fotografía: Grimm Vandekerckhove 
Edición: Jerome Giot y Mathilde Muyard 
Diseño Prod. Catherine Cosme 
Actores: Lina El Arabi, Sebastien Houbari, Babak Karimi, Nina Kulkarni, Aurora Marion, Zacharie Chasserlaud 
Guionista y Director: Stephan Streaker

La Boda - Por Jackie O.

“Cuando las tradiciones son más importantes que la felicidad”

¿Cuál es la idea de salir de la tierra natal para emprender una nueva vida, sea económica, educacional, etc. Hacia una tierra occidental, si siguen aferrándose a culturas que no se rigen en las nuevas tierras?

El conflicto de la dualidad.

Un film europeo que muestra el complicado momento que debe enfrentar una adolecente pakistaní que vive en Bélgica, donde ha sido criada. Vive con su familia compuesta por sus padres y dos hermanos (la hermana mayor casada y fuera del país), pero mantienen estrictas costumbres de su país Pakistán.

La película arranca cuando “Zahira” se entera q ue a sus 18 años está embarazada y no sabe qué hacer. Su familia está avergonzada y su novio la deja. ¿Qué hace?

Luego debe lidiar con un matrimonio arreglado por sus padres, donde tiene que elegir entre 3 fotos cual sujeto le agrada más y hablar con ellos por Skype. Eso es todo el contacto que tendrá con ellos. Pero tiene la obligación de elegir rápido. Así dice la costumbre.

Pero Zahira tiene ya una vida occidental, es rebelde, vive la pasión, las salidas nocturnas con sus amigos, es una adolecente que estudia, pretende disfrutar la vida acorde a su edad, y casarse cuando ella estime con quien dicte su corazón.

Se encuentra en un dilema entre sus costumbres, su educación occidental y lo asfixiante que se ha vuelto su familia en su vida.

Su familia es unida, sus padres adoran a sus hijos pero sus costumbres son totalmente firmes y algo arcaicas, su hermana mayor la aconseja, su otro hermano mayor la quiere demasiado y es su confidente pero no puede evitar sus costumbres machistas, y la menor escucha y observa pues le espera lo mismo cuando cumpla la edad.

Esta es una historia verídica, con costumbre algo vetustas (discúlpenme quienes están de acuerdo con dichas costumbres) pero estamos en el siglo XXI, hay costumbres que son tal vez necesarias, pero otras no, ya que no se puede decidir por otra persona, no se puede obligar a otro a hacer algo contra su voluntad.

El director sabe manejar con respeto las costumbres, pero también encara una cultural violenta hacia las mujeres.

Los personajes son creíbles, la historia está bien narrada con un estilo sobrio.

La ambientación está bien lograda, ya que muestra lo representativo de cada cultura.

Es interesante para saber cómo lidian los personajes con este conflicto cultural. Ya que las decisiones tomadas pueden sorprendernos.

En qué puede fallar; la película dura una hora y media, pero se hace más larga porque falta sentir la tensión y tragedia en los momentos cruciales. 

¿Qué sucederá con ZAHIRA al final?

Ficha técnica

Título Original: Noces. Dirección: Stephan Streker
Protagonistas: Babak Karimi, Lina El Arabi y Sébastien Houbani
Género: Drama Duración: 98 minutos
Origen: Bélgica 
Año de realización: 2016
Distribuidora: Arcadia films
Fue nominada a 5 Premios César (Incluyendo Mejor Película Extranjera)
Ganadora de 2 Premios Magritte Awards / NOMINADA a 6 Premios Magritte Awards
Nominada Mejor Película Extranjera en Lumiere Awards / Competencia Derechos Humanos en el Festival de Estambul / Mejor Director en el Festival de Rotterdam.

La Boda - Por Carlos Correa

Esta cinta belga es muy interesante. Ofrece un acercamiento cultural que, al menos en nuestra idiosincrasia latinoamericana, nos resulta tremendamente distante.

Zahira -Lina El Arabi-, es una joven paquistaní que vive en Bélgica junto a su familia. En cuanto se entera que ha quedado embarazada de su novio, pide ayuda a su hermano, muy cercano y confidente. Las opciones son complejas porque debe decidir sobre abortar o seguir adelante pese al nulo apoyo de su circunstancial pareja. A pesar que la relación con su familia es normal, Zahira sabe que la decisión no es solo de ella pues les compromete a todos.

En paralelo está la tradición paquistaní que se refiere a la forma de elegir un marido. En este caso, Zahira no tiene prácticamente ninguna opción, pues lo que dicta el rito es que su padre concreta el matrimonio y ella, en el mejor de los casos, puede decidir entre tres jóvenes a quienes ni siquiera conoce en persona, solo por entrevistas vía Skype.

La vida de Zahira es la de una joven adolescente normal, se divierte con sus amigos, vive en un país muy diferente a las costumbres familiares y ello sin duda le permite tener una perspectiva diferente de la manera cómo deben ser las cosas. La rebeldía aparece y también la contención familiar, que evidentemente no es suficiente en ningún momento.

Su padre y su madre quieren lo mejor para ella pero dentro de lo conocido y tradicional. Además, si aquello no se cumple, cualquier acción se considera desprecio y trae consecuencias negativas insospechadas para el apellido de la familia. La tradición manda, y solo resta obedecer. Sin embargo Zahira no está dispuesta a ceder. Descubre que puede seguir su camino a pesar de ir en contra de la línea familiar. Su padre sufre, su madre no sabe qué hacer, su hermana mayor, que ya ha cumplido con el rito, viaja desde España a tratar de convencerla y su hermano se debate entre el amor que le tiene y la lealtad familiar. Una serie de hechos acontecen y llevan el relato a un punto de no regreso. La tensión es máxima y parece que el conflicto mayor no tiene solución.

Esta cinta del director Stephan Streker tiene un particular estilo de narración. Llama la atención porque carece totalmente de banda sonora. No hay música en ninguna escena, algo que podría parecer anormal pero se transforma en un recurso. Escuchamos el silencio, los pequeños sonidos de las cosas e incluso la respiración de los personajes. Es muy tenso porque no estamos acostumbrados a esta ausencia total. El efecto es casi similar al blanco y negro de una filmación, entregando relevancia a otros elementos que asumen protagonismo, primeros planos cerrados, mucho desplazamiento y también escenas completas donde solo existe un seguimiento a los actores.

Dentro del contexto de las temáticas que aborda, “La Boda” sorprende por lo directo de su mensaje y por la claridad con que muestra una cultura muy diferente. Las actuaciones añaden un valor importante al filme pues representan de forma clara la personalidad de cada miembro de la comunidad. En ese sentido, el desarrollo de los personajes es preciso y no da pie a dobles lecturas; los vemos y sentimos empoderados en cada uno de sus roles.

“La Boda”, a pesar de ciertas debilidades referidas a su ritmo o tal vez a una leve tendencia a alargar algunas escenas, tiene su principal fortaleza en una historia basada en hechos reales. Esto conmueve y nos hace empatizar con la protagonista, más por el relato presentado que por la manera de desarrollarlo. A pesar de esta limitación en lo formal, el interés no se pierde nunca y cuando podemos pensar que todo ha concluido tomamos conciencia que no es así y que las distintas posiciones pugnan por imponerse, incluso más allá de toda fraternidad familiar.

Ficha técnica

Título original: Noces
Año: 2016
Duración: 98 minutos
País: Bélgica
Productora: Coproducción Bélgica-Paquistán-Luxemburgo-Francia; Daylight Films / Formosa Productions / Tarantula
Género: Drama | Familia
Guion: Stephan Streker
Fotografía: Grimm Vandekerckhove
Reparto: Lina El Arabi, Sébastien Houbani, Babak Karimi, Nina Kulkarni, Olivier Gourmet, Alice de Lencquesaing, Zacharie Chasseriaud, Aurora Marion, Rania Mellouli, Harmandeep Palminder, Sandor Funtek, Bilel Ghommidh, Qari Ikram Nabi Kailany, Hervé Sogne, Édith Le Merdy, Fayçal Safi
Dirección: Stephan Streker

1/9/19

Entrega del Premio SIGNIS a la película "Canción sin nombre"


El pasado martes 27 de agosto, en la Embajada del Perú en Santiago de Chile, se entregó el Premio SIGNIS a la película "Canción sin nombre", ganadora de este galardón por su destacada participación en el reciente SANFIC 15.

Esta coproducción Perú-Suiza-Estados Unidos, seleccionada para ser exhibida en la sección Quincena de Realizadores del Festival de Cannes 2019, recibió el reconocimiento de SIGNIS por ser una profunda y conmovedora denuncia social latinoamericana. 

La película narra la historia de Georgina Condori, una joven andina que da a luz una bebé que desaparece misteriosamente. En medio del caos político y social de la época, Pedro Campos, un joven periodista limeño toma a su cargo la investigación del caso y emprende con ella una desesperada búsqueda.

El diploma, fue entregado por el Presidente de SIGNIS Chile, Juan Pablo Donoso al Sr. Ministro, Jefe de Cancillería del Perú, Renato Reyes Tagle.

Junto con la gratitud por el Premio SIGNIS recibido, la misión diplomática se comprometió a hacérselo llegar a la directora del filme, Melina León.

Fuente: SIGNIS Chile

29/8/19

Mejor que nunca - Por Jackie O.

Primero que todo debo señalar que el nombre es muy bien atinado, en vez de su título original “Poms”, que no expresa nada.

Según lo que supe por ahí, la directora británica Zara Hayes se interesó en hacer un proyecto sobre porristas cuando encontró una foto de un grupo conformado por mujeres de 60 y 70 años. Pronto descubrió que había decenas de grupos formado por mujeres mayores.

Así nació “Mejor que nunca”, el primer largometraje de ficción de su carrera.

Martha (Diane Keaton) es una mujer sola, sin hijos ni amigos ni familiares, y tiene cáncer. Agotada de los tratamientos decide vender todas sus pertenencias e irse a una comunidad de gente mayor acomodada, para vivir tranquila sus últimos días.

Martha es una persona pesimista, que espera prácticamente la muerte, cuando se instala en esta comunidad le agobia tanto positivismo que existe entre los adultos, que prefiere aislarse. Pero no sabe que cuenta con su vecina que es lo opuesto a ella. Y quien la incentiva a “vivir con alegría”.

Debido a ello, Martha le cuenta un sueño frustrado, el de haber sido porrista. Por lo que ambas crear un grupo, donde con altos y bajos lo conforman con septuagenarias y octogenarias vecinas.

La relación entre Diane Keaton, nuestra protagonista, y el resto del elenco de destacadas actrices como Jacki Weaver, Rhea Perlman, Pam Grier y Alisha Boe se convierten en lo más rescatable de esta cinta, pero sus roles no logran profundizarse.

El guion toca excelente temas como la vejez, la muerte, los sueños frustrados y la amistad, temas que conectan al espectador y puede llegar a identificarse, ya que todos vamos para allá, y además tenemos familiares de esa edad. Pero no desarrolla un hilo narrativo fijo, sino que tiene altos y bajos.

La comedia solo tiene momentos divertidos, pero a veces tiende a ridiculizarlas.

Una película que a pesar de sus falencias debería ver un público de todas las edades, para generar conciencia de que las personas viven cada vez más, incentivándolos a realizar diversas actividades, y compartir con ellos ya que merecen vivir bien hasta sus últimos días.

LO BUENO: Los temas tratados para concientizar a las personas. Y el casting, es total.

LO MALO: La dirección, no supo la directora guiar a moustros de la actuación. Y el guion tenía altos y bajos sin profundizar los temas que son muy buenos.

Ficha técnica

Título original Poms
País: EEUU y Reino Unido
Dirección: Zara Hayes
Guion: Shane Atkinson
Género: Comedia 
Duración: 91 minutos
Música: Pedro Bromfman
Reparto: Diane Keaton, Jacki Weaver, Pam Grier, Celia Weston, Rhea Perlman, Charlie Tahan, Bruce McGill, Alisha Boe, Phyllis Somerville
Productores: Rose Ganguzza, Kelly McCormick, Celyn Jones, Alex Saks, Sean Marley, Ade Shannon, Andy Evans

El Hombre del Futuro - Por Juan Pablo Donoso

Uno de los mejores largometrajes del reciente SANFIC 15 (Santiago Festival Internacional de Cine). Y nos enorgullece que sea chileno.

Co-producción con Argentina. La acción transcurre en nuestra Patagonia con deslumbradores paisajes naturales.

Pertenece al sub género de los filmes “ruteros” - todo sucede durante un trayecto - donde gradualmente nos vamos familiarizando con los viajeros, sus familias, sus recuerdos, sus tristezas y sus dolencias.

El personaje central es un camionero anciano y enfermo llamado Michelsen. Ha pasado su vida transportando carga en las regiones de Cochrane, Villa O´Higgins, Tortel, Paso Mayer y tantas otras.

Lo acompañamos en su último viaje antes de acogerse a retiro por motivos de salud.

Recoge en el camino a una muchachita argentina bastante aguerrida que, al acompañarlo, le recuerda a su hija Elena, de edad similar. A su vez, Elena (Antonia Giesen) decide abandonar el colegio en Cochrane, dejar atrás a su madre y a su pareja lesbiana, para ir a competir como boxeadora a un campeonato argentino. Y para ello viaja junto a otro camionero llamado Cuatro Dedos (Roberto Farías), antiguo camarada de su padre.

Durante los trayectos se van revelando los caracteres, circunstancias y valores de vida de todos estos personajes, incluyendo a los anfitriones habituales de las rutas.

Madura, serena, lenta pero inmensamente humana y grata de seguir. Extraordinarios subtextos; grandes silencios cargados de elocuencia.

El realizador Luis Felipe Ríos, junto al Director de Fotografía, E. Bunster, irradian amor por sus personajes y por los panoramas sureños.

Difícil y admirable producción para aprovechar los diversos estados climáticos y horarios lumínicos.

La actuación protagónica de nuestro conocido actor José Soza es una de las más logradas de su extensa carrera. Cada silencio, frase, mirada o primer plano nos transmite una honesta emoción. Otro tanto comunica Roberto Farías con la fluida espontaneidad y nobleza del trabajador de nuestras tierras. Las muchachas y demás personajes secundarios contribuyen al friso actoral.

Aunque es difícil deducir a qué se debe el título, este sentido viaje plantea el tema del desarraigo familiar debido al tipo de trabajo de los solitarios camioneros y sus familias.

Un canto a la reconciliación con el pasado.

BELLÍSIMO Y LOGRADO FILME NACIONAL CON EXIMIAS ACTUACIONES E INOLVIDABLES PAISAJES. MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica

Drama rutero Chile - 1,36 hrs. 
Fotografía: E. Bunster 
Edición: Nicolás Goldbart 
Diseño Prod.: Amparo Baeza 
Actores: José Soza, Antonia Giesen, Roberto Farías 
Guionista y Director: Felipe Ríos Fuentes

El Bailarín - Por Juan Pablo Donoso

En inglés se llama El Cuervo Blanco - y con ello el actor y director inglés Ralph Fiennes alegoriza la vida y el temperamento del bailarín ruso Rudolf Nureyev.

Basada en la biografía escrita por Julie Kavangh, esta versión fílmica destaca sólo determinados aspectos de su vida y, discretamente, encubre otros.

En todo caso, es una superproducción con deslumbrantes momentos de ballet, con secuencias que nos permiten saber mucho de su vida y, en especial, va orientada a su espectacular escape de la compañía rusa para exiliarse en Francia durante la Guerra Fría.

Lo identifican con un “cuervo blanco” por su carácter rebelde a permanecer subyugado a la Unión Soviética. Un cuervo de color distinto a los demás.

Era un insurrecto tanto a su vida artística como afectiva, ya que la homosexualidad era severamente castigada en la URSS de aquellos tiempos.

Sólo aquí, en Occidente, podría realizarse como bailarín y persona.

Las cinco semanas triunfales que Nureyev vivió en París van barajadas con raccontos de su infancia de niño pobre campesino, y de sus inicios en la famosa Compañía de Ballet de Leningrado.

Allí pudo ser acogido paternalmente por su profesor Alexander Ivanovich Pushkin (Ralph Fiennes), su esposa (Chulpan Khamatova), y desarrollar las técnicas de su talento natural.

Quienes exijan un retrato integral de la personalidad e inclinaciones de Nureyev verán frustradas sus expectativas. La película privilegia otros aspectos que, de por sí, son también dignos de elogio.

La pasión de Fiennes por el ballet colman este filme con hermosura, solidaridad y buen gusto.

El alto presupuesto - 5 millones de euros - otorgado por el Instituto Fílmico Serbio permitió dar la magnificencia de una superproducción.

El joven actor Oleg Ivenko, además de eximio bailarín fue muy bien escogido para interpretar los tormentos emocionales de un artista que se sentía encarcelado para expresar su vocación.

Adecuados personajes secundarios - desde su maestro y la debilidad de su esposa, sus compañeros, su madre pobre y hermanitas campesinas, los burócratas y, muy especialmente, su amiga chilena Clara Saint (Adèle Exarchopoulos) quien fue pieza fundamental en su fuga.

Todos estos ingredientes culminan en una muy lograda secuencia de suspenso para su famoso escape del aeropuerto Le Bourget de París.

La cinta es un largo y glamoroso relato que resalta la amistad, el coraje y el tesón con que el joven prodigio luchó para alcanzar la cumbre de su carrera.

BIOGRAFÍA PARCIAL DE NUREYEV QUE, SIN MENTIR, SÓLO DESTACA VALORES DE CORAJE, SOLIDARIDAD Y HERMOSOS MOMENTOS DE BALLET.

Ficha técnica

Título Original: The White Crow 
Biografía, drama, ballet 
Cine-Arte Patricia Ready Inglaterra, Francia, Serbia - 2,07 hrs. 
Fotografía: Mike Eley 
Edición: Barney Pilling 
Música: Ilan Eshkeri 
Diseño Prod.: Anne Seibel 
Guion: David Hare 
Actores: Oleg Ivenko, Ralph Fiennes, Louis Hofmann 
Director: Ralph Fiennes

28/8/19

El hombre del futuro - Por Carlos Correa

Felipe Ríos Fuentes es el autor y director de esta cinta chilena que participó en el SANFIC 15. La película narra la historia de Michelsen -José Soza-, un veterano camionero austral que está al borde del retiro. Los años no han pasado en vano, Michelsen está enfermo y viejo, su jefe le acaba de anunciar su último viaje -que es en rigor su despido- y parece que el ciclo de la vida se vierte sobre él. Elena -Antonia Giesen- su hija, no quiere saber nada de su padre, rehuye de él, lo rechaza y también emprende un viaje al sur para participar en una pelea de boxeo. Y hablamos del sur de Chile, muy muy al sur, Cochrane, Villa O Higgins y Caleta Tortel.

La fotografía de Eduardo Bunster es maravillosa. Retrata el Chile austral con una mirada artística y llena de sutilezas. Asimismo, los encuadres a los protagonistas son muy acertados y precisos. Podemos percibir sus rostros en detalle, primeros planos arrebatadores muestran la vejez de Michelsen, su historia, sus reproches, su sufrimiento interior, el ocaso de su vida. También se centran en la juventud de Elena, su rebeldía, su opresión, sus ansias de vislumbrar nuevos rumbos. Ambos personajes están en extremos opuestos, tanto por su edad como por la situación que la vida les ha deparado.

Ríos compone un relato que se soporta mayormente en la actuación de José Soza. Cuando él está presente, la pantalla se llena. Cuando sale, hay un bajón natural hasta que regresa. Los personajes secundarios también tienen un ligero desbalance. El mejor, sin duda, y tal vez el mejor actor secundario de las películas del SANFIC 15, es Roberto Farias que interpreta a un colega camionero que lleva al sur a Elena. Su mirada es aguda, sus comentarios justos y su mensaje extremadamente claro. Otros secundarios, como la joven turista argentina que se sube al camión de Michelsen, no logra convencer. Tampoco demasiado la madre de Elena y en cierta medida las dos mujeres -madre e hija- que reciben al protagonista en su tránsito austral.

“El hombre del futuro”, título extraño y motivo de debate del Jurado SIGNIS en el SANFIC15, es una propuesta diferente e interesante. Plantea más interrogantes que respuestas. Posee un guion inteligente -aunque tal vez a ratos con un ritmo muy cadencioso- que nos transporta directo a lo sentimientos de los protagonistas en un viaje que puede ser interpretado de muchas formas. Aquello es lo más valioso de la cinta, el recorrido ascendente y descendente de sus protagonistas, su interioridad profunda y la vital conexión padre-hija. Un acierto para una de las películas más destacadas del SANFIC 15 y que ya está en nuestra cartelera.

Ficha técnica

Título original: El hombre del futuro
Año: 2019
Duración: 96 minutos
País: Chile
Género: Drama
Guion: Felipe Ríos Fuentes
Fotografía: Eduardo Bunster
Reparto: María Alché, Roberto Farias, Giannina Fruttero, Antonia Giesen, Amparo Noguera, José Soza
Dirección: Felipe Ríos Fuentes

Boda sangrienta - Por José Blanco Jiménez

Hace ya muchos años que intenté definir el cine de horror para distinguirlo del cine de misterio y de los géneros splatter ygore. En síntesis, me interesa recordar que su principal característica es la de producir situaciones que estremezcan al espectador, lo hagan saltar en su butaca y le ericen los cabellos. Para conseguir esos efectos, debe haber una atmósfera de pesadilla y situaciones irracionales, producidas por personajes inquietantes y/o monstruosos.

Si no se cumple con estos requisitos, se corre el riesgo de producir una comedia de terror y la mejor comparación se encuentra en el Frankenstein de James Whale (1931) y la reinterpretación Frankenstein Junior de Mel Brooks (1974).

La película tiene dos directores que, por desgracia, no hacen uno: Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin. Su labor tiene gusto a televisivo, acentuando ciertos aspectos rayanos en lo risible, como insistir con la música de 1812 de Tchaikosky o de otros temas clásicos que no vienen al caso. Sin olvidar una vieja canción dedicada al juego del escondite (Hide and Seek), que es la base de la temática de la película.

En resumen: Grace, una rubiecita que va para los 30 años, se casa con el joven componente de una familia millonaria y debe someterse a un rito antes de partir a vivir con su esposo. Los suegros y cuñad@s se comportan de manera extraña y aun más extraño es el rito, que consiste en sacar un naipe de una caja misteriosa, que ha sido heredada de un inquietante antepasado y que indica el juego que se deberá llevar a efecto.

A la jovencita le sale la carta “Hide and Seek” y deberá jugar al escondite. Sólo que, si la encuentran, la matarán. Es nada más que el comienzo de la película. De ahí para adelante, la joven será “cazada” por el resto de la familia, a pesar de la oposición del flamante marido.

Similar a otras películas por el estilo, no consigue el suspenso de clásicos como La mansión siniestra (House on Haunted Hill, de William Castle, 1959) y ciertos episodios – que deberían ser trágicos, como la muerte de las sirvientas – mueven a risa. Pero se supone que no es una comedia, a pesar de lo inverosímil.

La protagonista es la australiana Samara Weaving, que tuvo un rol secundario en 3 anuncios por un crimen (Three Billboards Outside Edding, Missouri, de Martin McDonagh, 2017), es sobrina de Hugo (el Agent Smith de Matrix) y tiene el mismo “look” de Amanda Seyfried o de Emma Stone. Y ya que de “look” hablamos, creo que Andie MacDowell (que hace lo que puede con el papel de la “suegra”) con su aspecto hará dudar a más de alguna espectadora si hizo bien en usar los cosméticos que publicitaba hace algunos años.

(Ready or Not. USA, 2019)

Presidente bajo fuego - Por José Blanco Jiménez

El escocés Gerard Butler ha protagonizado muchísimas películas, incluso de corte romántico, pero ha quedado marcado con el personaje del espartano Leónidas que se enfrenta a los persas en las Termópilas (300, de Zack Snyder, 2006). No es un superhéroe, sino un héroe que no tiene poderes y se vale sólo de su inteligencia y de su fuerza muscular.

Ėse es precisamente Mike Banning, el que ya ha salvado dos veces al Presidente de los Estados Unidos en Ataque a la Casa Blanca (Olympus Has Fallen, de Antoine Fuqua, 2013) y Londres bajo fuego (London has Fallen, de Babak Naiafi, 2016). Siguiendo con los juegos de palabras, ya no son el Olimpo ni Londres los que caen, sino un “ángel”, esto es el mismísimo Banning que – acusado de atentar contra el Presidente y el gobierno – deberá enfrentarse a sus ex amigos del Servicio Secreto y al FBI. La historia tiene un desarrollo previsible a través de grandes persecuciones, balaceras y el infaltable enfrentamiento final cuerpo a cuerpo con puñal en mano.

Hasta ahí la fábula. En cuanto al relato, todo está en cómo desarrollar un argumento tan frágil. Pero resulta que Banning tiene todavía alguien a quien recurrir: su padre, que lo abandonó cuando era niño y al que siempre le ha seguido la pista. Lo interpreta Nick Nolte y es el elemento simpático de la película, aunque muy caricaturesco.

Calificar todo lo dicho de “increíble” me parece inútil, porque hay que aceptar que el cine es así. La camioneta me recordó el trineo con motor que Steven Seagal (en uno de sus bodrios cinematográficos) encuentra en un nevado despoblado para salir del paso. Sin contar con que se va al traste la presunción de inocencia, porque todos dan por culpable al protagonista, menos el herido Presidente (un Morgan Freeman, que parece divertirse con su rol), que impone su autoridad para permitirle actuar.

El director Ric Roman Waugh trabajó como stuntman y se nota. Banning es un taumaturgo capaz de ejecutar todo tipo de acrobacias a pesar de sus heridas de guerra y de estar aplastado por sus recuerdos. El resto de los actores son verdaderas maquetas: Danny Huston es un “malo” predecible; Tim Blake Nelson un vicepresidente de opereta; Jada Pinkett Smith, con 1,52 metros, una inclaudicable jefa del FBI (¿pretendían generar una nueva Jodie Foster?); Lance Reddick, el correcto recepcionista de John Wick, intenta dar ambigüedad a su personaje de agente de seguridad. Y – por si algunos no se han dado cuenta – la esposa de Mike ya no es Radha Mitchell, sino Piper Perabo. A decir verdad, yo no me había dado cuenta.

En suma: entretención de cliffhanger al más puro estilo de los años ’50, con efectos especiales del siglo XXI, que incluyen un ataque con drones y la destrucción de un gigantesco recinto hospitalario.

¿Y el “jovencito”? Se le puede ver también en un “bonus track” de dudosa comicidad.

(Angel Has Fallen. USA, 2019)

27/8/19

El ángel en el reloj - Por Jackie O.

“Vivir aquí y ahora”

Cáncer, una palabra que solo escucharla nos provoca rechazo, tristeza y hasta rabia. Pues acarrea mucho sufrimiento, no solo el paciente sino su entorno en general.

La palabra cáncer en ningún momento se menciona en esta cinta animada. Pero sí te muestra lo suficiente para identificarla.

La pequeña Amelia que solo desea disfrutar su edad, a sus padres y a no tomar más medicinas, tiene una obsesión con los relojes, pues desea con todo su corazón detener el tiempo.

¿Pero qué pasa cuando su deseo se vuelve realidad?

Se transforma en una aventura tal como Dorothy en el Mago de Oz, donde se embarca nuestra querida Amelia y conoce a su ángel llamado Malachi, a dos pequeñas especies de hadas, al Capitán Manecillas y Balzac, quienes deberán unirse y luchar contra el “No tiempo”.

“El ángel en el reloj”, comienza como drama pero luego se trasforma en una aventura, haciéndola atractiva tanto a adultos como a los niños.

El tipo de animación de esta película se acerca más al japonés que al americano.

Su narrativa es simple y divertida. Con unos colores muy vivos para atraerte más, con personajes graciosos y emotivos, dejándote un mensaje muy positivo.

Su guion es entendible y acorde a lo que te está mostrando, pero puede que sea confuso para los más pequeñitos. Por lo que el adulto debe interferir en explicarle algunos de esos mensajes positivos.

Tomar una enfermedad catastrófica y llevarla a la animación con mensajes usando el reloj como fuente crucial: el control del tiempo. Fue una forma muy inteligente de abordarlo por parte del Director y su equipo.

Una productora que está trabajando películas donde se abordan temas sociales, de una forma que captará nuestra total atención, con la empatía y respeto que se merecen los temas tratados, sin perder la atención para el público más pequeño.

Dejemos de pensar en el pasado, no nos angustiemos por el futuro… lo importantes es el aquí y el ahora.

Ficha técnica

2018 - México
Director: Miguel Ángel Uriegas
Música compuesta por: Manuel Vázquez Terry
Guion: Miguel Ángel Uriegas, Miguel Bonilla, Rosana Curiel
Productores: Miguel Ángel Uriegas, Jaime Romandía.
Fotosíntesis Media.

24/8/19

“Cancion sin nombre”, premio SIGNIS en el SANFIC 15

El largometraje debut de la directora peruana Melina León, fue distinguido con el premio SIGNIS a la película más destacada en la Competencia Internacional del SANFIC 15.

Esta coproducción Perú-Suiza-Estados Unidos, seleccionada para ser exhibida en la sección Quincena de Realizadores del Festival de Cannes 2019, recibió el galardón por ser una profunda y conmovedora denuncia social latinoamericana. La película narra la historia de Georgina Condori, una joven andina que da a luz una bebé que desaparece misteriosamente. En medio del caos político y social de la época, Pedro Campos, un joven periodista limeño toma a su cargo la investigación del caso y emprende con ella una desesperada búsqueda.

La cinta, inspirada en hechos reales, con un guion de Melina León y Michael J. White, tiene una magnífica fotografía a cargo de Inti Briones, desarrollada en un blanco y negro lleno de matices y gradientes. El cielo plomizo de Lima se repliega en la vida gris de una familia nativa que no logra adaptarse a la vida urbana hostil a sus costumbres. La historia se desarrolla en un contexto de violencia político social que degrada, ayer como hoy, en un genocidio físico y cultural del origen mismo de nuestros pueblos.

La competencia internacional del SANFIC 15 abarcó nueve cintas de excelente nivel, entre las que destacaron la vietnamita “The Third Wife”, la chilena “El hombre del futuro”, la alemana “System Crasher” y la francesa “Amanda”.

El jurado SIGNIS estuvo integrado por Adrián Baccaro, directivo y Secretario Ejecutivo de Signis Argentina, Industria Más Cultura y Coordinador de Redes del proyecto Cine Mundo Chico, además de docente, especialista e investigador en temas de Educomunicación, Cine y Educación, Industria de la animación e Industrias Culturales; Juan Pablo Donoso, presidente de SIGNIS Chile, reconocido actor, director y dramaturgo de Teatro, Cine y TV con más de 15 documentales y 110 programas de TV y Radio; y Carlos Correa Acuña, presidente del Círculo de Críticos de Arte de Chile.

Al dar a conocer públicamente el premio Juan Pablo Donoso, presidente de SIGNIS Chile, resumió la misión de esta organización internacional como la necesidad imperiosa de “reflexionar sobre los valores humanitarios de la sociedad contemporánea a través de los medios de comunicación”

SIGNIS organiza jurados ecuménicos e interreligiosos en más de 30 festivales de todo el mundo, desde los más conocidos, incluyendo Cannes, Berlín y Venecia, a los festivales más especializados, incluyendo Mar del Plata, Zanzíbar, Hong Kong, Fajr (Teherán) y Brisbane. En ese sentido, también ofrece a sus miembros diferentes oportunidades profesionales para formar parte de estos jurados, lo que implica que, en las actividades de los festivales, las diferentes organizaciones ofrecen espacios de diálogo permanente con católicos, protestantes, ortodoxos, judíos, hindúes, musulmanes y miembros de otras religiones.
SIGNIS, como defensor de la diversidad cultural en los medios de comunicación, es consciente de la importancia de promover el cine y la producción audiovisual de aquellos países o aquellas minorías que están ausentes o pasan inadvertidos en los medios de comunicación globales buscando ayudar a dar rostro a los sin rostro, a la creatividad y a las historias de aquellos que son invisibles.

Fuente: SIGNIS Chile