18/7/19

Toy Story 4 - Por Carlos Correa

En esta cuarta entrega de la exitosa y tierna historia de los juguetes animados que siempre nos sorprenden y regocijan con sus divertidas aventuras, Pixar ha logrado un nivel excepcional en la producción lo que se traduce en una gran fluidez que la mayor parte del tiempo nos hace olvidar la forma para concentrarnos solo en el fondo del relato.

Bonnie, en su primer día de orientación en el jardín infantil, confecciona un nuevo juguete hecho con restos de basura. Se trata de Forky, quien junto con transformarse en el preferido e inseparable de su dueña, lentamente se va integrando al grupo. Las aventuras se destapan en un viaje familiar que trae abundantes sorpresas y mucha acción, ya que Woody casi no puede controlar a Forky y ni siquiera la ayuda de Buzz parece ser suficiente. El sorpresivo reencuentro con Bo Peep y sus ovejas, más la aparición de la muñeca Gabby Gabby, añaden un toque de locura a la ya intensa actividad del protagonista, quien no descansa un solo segundo.

Esta nueva cinta pone mucho más énfasis en la acción y en el seguimiento más cercano de Forky y de Woody. El foco cambia porque si bien tenemos escenas emotivas, son algo menores en proporción a las películas anteriores. En esta ocasión parece que todo está mucho más orientado al público infantil dejando menos referencias para los adultos acompañantes. De todas formas, las temáticas abordadas son igualmente importantes y gracias a ello mantiene intacto el carácter de fábula animada, sello característico de toda la saga. Nota aparte para la banda sonora de Randy Newman que por momentos se roba la película. Es tan apropiada y certera que en muchos pasajes me hizo recordar a “Tom y Jerry”, una animación que basaba gran parte de sus escenas de acción en la solidez de una partitura que le entregaba un color especial a cada secuencia.

Toy Story 4 viene a cerrar un ciclo virtuoso. Podrá haber muchas más aventuras, con los mismos personajes y también con otros nuevos, sin embargo el paso de los años no solo se hace presente con el crecimiento de Andy y Bonnie sino también con aquello que los juguetes van desarrollando en su propia evolución. Tan importante como la primera misión que tiene cada uno, que es cuidar de su dueño o dueña, también lo es el encontrar tanto el espacio como el lugar que le corresponde a cada cual en el transcurso de la historia. Observamos en ello una lección importante pues la solución no es desechar sino transformar, algo que Woody solo es capaz de comprender luego de hacer consciente todo lo que ha disfrutado y todo lo que hasta el momento ha vivido, es decir, transformar el conocimiento previo en experiencia para tomar mejores decisiones.

Ficha técnica

Título original: Toy Story 4
Año: 2019
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Pixar Animation Studios. Distribuida por Walt Disney Pictures
Género: Animación. Fantástico. Aventuras. Comedia. Infantil | Muñecos. Cine familiar. Secuela. Pixar. 3-D
Guion: Andrew Stanton, Stephany Folsom (Historia: John Lasseter, Andrew Stanton, Josh Cooley, Valerie LaPointe, Rashida Jones, Will McCormack, Martin Hynes, Stephany Folsom)
Música: Randy Newman
Fotografía: Animation, Jean-Claude Kalache
Reparto: Animation
Dirección: Josh Cooley

Los Papeles de Aspern - Por Juan Pablo Donoso

Una historia de rencor y nostalgia, con dos estupendas actrices, frustrada por un director principiante, un guion ambiguo, y un lamentable actor principal.

Basada en la novela corta homónima de Henry James, uno de los grandes escritores de habla inglesa (EE.UU. 1843 – 1916). Figura transicional entre el realismo literario y el modernismo. Por el fino misterio de sus temas y la fragilidad de sus personajes, muchas de sus obras se han adaptado al teatro y al cine. (Los Inocentes, Daisy Miller, La Heredera, Las Alas de la Paloma, etc.)

La dirigió Julien Landais, actor y director francés cuyo prestigio data de sus cortos comerciales para Bulgari, Dolce & Gabbana, Dior, Yves Saint Laurent, Boucheron, Chopard y otros. Su pericia queda demostrada en la bella fotografía, en los escenarios externos e internos de Venecia y en la ambientación de fines del siglo 19.

Sin embargo, la médula dramática del relato se diluye en el oropel de la forma y en secuencias espurias.

Gracias al talento de las dos actrices centrales - Vanessa Redgrave y Joely Richardson - que en la vida real son madre e hija, podemos vislumbrar lo que James quiso comunicarnos sobre ellas. Pero el flujo narrativo se desvía con personajes laterales - mujeres jóvenes secundarias - cuya gravitación en la historia es prácticamente nula, sólo decorativa de la plasticidad y el boato.

Un ambicioso editor estadounidense (Jonathan Rhys Meyers - Los Tudores - Elvis) desea publicar vida y obra de un olvidado poeta llamado Jeffrey Aspern. Para ello se infiltra como arrendatario en una vieja mansión ubicada en una isla de Venecia. Se supone que la anciana propietaria (Vanessa Redgrave) fue amante y prometida del escritor. Vive recluida en una silla de ruedas, a cargo de una sobrina soltera y treintona (Joely Richardson) que ha dedicado su vida al cuidado de la tía.

El joven editor, que también oficia como jardinero voluntario del palacete, va cortejando sutilmente a la sobrina con el objetivo de acceder a las cartas de amor de su tía con el poeta. Y con ello conocer el desenlace de aquel romance que quedó incrustado en el corazón de la anciana. En síntesis, además de las cartas, develar el misterio de aquella relación.

Un tema como este - tan lleno de secretos y frustraciones - requería de un guion centrado en sutilezas y en diálogos cargados de subtextos. Las actrices así lo entendieron e intentaron. Pero la indefinición de un lazo antagónico dejó al personaje de Morton Vint (Rhys Meyers) a la deriva, oscilando entre la exageración externa y la rigidez cínica sin atinar al dilema ético que, sin duda, tenía el personaje original.

En otras manos, el guion y la dirección pudieron crear un impacto de mayor emoción y profundidad. Quedó más pretenciosa que conmovedora.

UNA TRISTE HISTORIA DE AMOR Y FRUSTRACIÓN MEDIANAMENTE LOGRADA EN SU ESENCIA POÉTICA.

Ficha técnica

Título Original: The Aspern Papers Drama
Arcadia Films Inglaterra, Alemania - 1,30 hrs. 
Fotografía: Philippe Guilbert 
Edición: Hansjörg Weißbrich 
Música: Vincent Carlo 
Diseño Prod.: Livia Borgognoni 
Guion: Jean Pavans, Julien Landais 
Actores: Jonathan Rhys Meyers, Vanessa Redgrave, Joely Richardson 
Director: Julien Landais

El Bosco: El jardín de las delicias - Por Juan Pablo Donoso

Una estupenda lección para saber más del pintor flamenco Jerónimo Bosch, conocido como El Bosco (1450 a 1516).

Por medio de su famoso cuadro El Jardín de las Delicias (o los Sueños) un conjunto de 39 expertos analizan la obra desde sus respectivas especialidades.

El enorme tríptico – ubicado en el Museo del Prado – sigue fascinando al público después de 500 años, tanto como lo hizo en su época, en que incluso Felipe II de España lo tenía colgado en su dormitorio de El Escorial.

La pintura, exuberante en imágenes de personas mezcladas con animales, plantas y frutas, es una síntesis que va desde la Creación del Mundo pasando por los caprichos de la Naturaleza, las virtudes y debilidades del alma, el Cielo, Purgatorio e Infierno, y figuras enigmáticas de infinitos significados según lo que sugieran a cada espectador.

Si consideramos la época en que fue realizado, es innegable su influencia en creadores contemporáneos surrealistas como Dalí, Gaudí, Picasso y Matisse hasta nuestro coterráneo Roberto Matta, entre mucho más.

Cada experto entrega reflexiones relativas a sus propias áreas: poetas, pintores, compositores, cantantes, novelistas, historiadores, etc., y para cada uno hay una respuesta reveladora en el cuadro.

Después de ver esta película quedamos mejor preparados para entender y disfrutar de esa obra. Y para ver en ella resonancias de nuestras propias inquietudes y misterios existenciales.

Hasta exploraron –mediante rayos ultra-violeta – lo que había debajo de la pintura, Es decir, los bosquejos y fases con que el pintor fue sobreponiendo colores y figuras, y también suprimiendo otras que merecían omitirse. Junto con recibir la Génesis conceptual planteada, accedemos también a la génesis de la realización misma del tríptico.

Hay dos pintores flamencos de aquel período que incursionaron con intuición casi profética en la historia pasada y futura del hombre. El otro fue Pieter Brueghel,​ el Viejo (1525 - 1569), con lienzos atestados de figuras en diversas actitudes cotidianas que permiten leer la historia de las humanidad de manera casi más elocuente que un libro, una historieta o, incluso, un filme de nuestros tiempos. Son obras que pueden contemplarse sin descanso y seguir descubriendo tesoros de convivencia. Con Jan Van Eyck, el Bosco y Pedro Pablo Rubens, Brueghel es considerado como una de las grandes figuras de la pintura flamenca.

UN DOCUMENTAL QUE NOS ABRE LA CAPACIDAD DE PERCIBIR Y COMPRENDER LA OBRA DE UN PINTOR GENIAL Y VISIONARIO.

Ficha técnica

Documental, pintura, filosofía España y Francia - 1,30 hrs. 
Edición: Pablo Blanco Guzmán 
Guionistas: Reindert Falkenburg y Cristina Otero 
Invitados: Orhan Panuk, Salman Rushdie, Renee Flemming, Ludovico Einaudi, Guo-Qiang Cai, y muchos más. 
Fotografía y Dirección: José Luis López-Linares

12/7/19

Leto - Por Juan Pablo Donoso

Un lúdico viaje musical a la Rusia de los años 80, junto a jóvenes rockeros rebeldes, en pleno régimen comunista de Leonid Brezhnev.

Su director, Kirill Serebrennikov, también provocativo opositor al gobierno de Vladimir Putin, ganó en 2015 el Premio Una Cierta Mirada en el Festival de Cannes por su película El Estudiante. Y ello le costó reclusión domiciliaria.

Realizó el proyecto de este filme - LETO - desde su casa, y por su tratamiento y semi veladas denuncias, ha vuelto a llamar la atención del público y los críticos extranjeros.

“Leto” significa “verano” en ruso. Y es durante un verano, en una playa junto al Mar Báltico, donde se conocen dos jóvenes rockeros que, uniendo sus talentos, crearon conjuntos musicales que arrasaron con el entusiasmo juvenil de aquellos años. Movimiento que despertó el desagrado de las autoridades por su fuerte inspiración en intérpretes occidentales tales como Sex Pistols, Bowie, T-Rex, Lou Reed, The Beatles, etc.

Este filme presenta muchos niveles de lectura, siendo todos ellos claros en su contenido y, a la vez, muy eclécticos y juguetones en su tratamiento audiovisual.

En la forma, combina secuencias realistas en blanco y negro con injertos humorísticos de animación sobrepuesta, más evocaciones musicales en color con pantalla dividida y letras en cirílico.

En la temática, plantea niveles de convivencia juvenil con intimidades familiares, romances, borracheras y conciertos de rock con multitudes de jóvenes ansiosos por romper barreras de estilo y rigidez política.

Como también salta a la época actual, manteniendo los interiores con luz sombría y los exteriores siempre nublados, hay una crasa denuncia a que el régimen de Vladimir Putin conserva mucho del carácter decadente de los soviéticos.

El eje de la historia es simple: un triángulo amoroso que emerge entre jóvenes artistas rockeros cuyas carreras van en ascenso. Y ello enmarcado en un panorama socio/político que, para evitar lo obvio, recurre al humor y a caricaturas audiovisuales.

A menudo, uno de los muchachos interrumpe secuencias grotescas mostrándonos un cartel que dice “esto no sucede”, para luego seguir con la trama de fondo.

Basada en las memorias de Natalia Naumenko, la bella bisagra del triángulo amoroso y musical.

UNA CRÓNICA INTELIGENTE Y SARCÁSTICA DEL NACIMIENTO DEL ROCK PROTESTA EN LA UNIÓN SOVIÉTICA.

Ficha técnica

Biografía, Música, Romance 
Rusia y Francia: 126 minutos 
Fotografía: Vladislav Opelyants 
Edición: Yuriy Karikh 
Música: Roman Bilyk 
Diseño de Prod.: Andrey Ponkratov 
Guion: Mikhail Idov, Lili Idova 
Actores: Teo Yoo, Irina Starshenbaum, Roman Bilyk 
Director: Kirill Serebrennikov

Mathilda - Por Juan Pablo Donoso

Fastuosa súper producción rusa ambientada en el crepúsculo del Imperio zarista. US$ 15.000.000.

Drama de realezas que, una vez más, plantea el dilema de un príncipe heredero que deberá optar entre el amor por una mujer o el “onus” (responsabilidad como monarca ante su pueblo).

Tal fue el caso verídico del entonces gran duque Nicolás y la “prima ballerina” Mathilda Krzesińska, del Teatro Imperial de San Petersburgo.

El futuro zar Nicolas II era aún inmaduro cuando tuvo como amante a la coqueta Matilda - de sólo 17 años - cuyo corazón disputaban también otros dos grandes duques.

A la muerte de su padre el Zar Alejandro III, por protocolo ya le habían asignado como esposa a la Princesa Alix von Hesse-Darmstadt— próxima Emperatriz Alexandra Fyodorovna—en 1894. Junto a ella y sus hijos acabarían los 300 años de la dinastía Romanov bajo los fusiles de la Revolución Bolchevique.

Durante los 3 años que duró el romance, el enamorado Nicolás tuvo que debatirse entre los cánones oficiales de nobleza, la imposición de su madre, la Emperatriz María Fiódorovna Románova, y los caprichos de la ambiciosa, y rompe corazones, Mathilda.

Quién sabe si Nicolás hubiera abdicado para casarse con la bailarina, la tragedia histórica de ese pueblo habría tenido otro desenlace.

Aunque este relato, con todas sus intrigas, tenga licencias de cuento de hadas, los personajes, lugares y principales eventos fueron verídicos.

El prestigioso director y productor Aleksey Uchitel logra una recreación fascinante de seguir por su trama y contemplar en sus detalles. Fue filmada en palacios y teatros legendarios (Mariinsky) que aún existen. Reconstruyeron las escenografías del Palacio junto al río, de la Catedral de la Coronación, incluyendo cientos de extras vestidos y maquillados a la usanza de aquel boato y solemnidad; desfile de los primeros automóviles, carruajes dorados, y el interior de los vagones del tren imperial.

Así como la caracterización del viejo zar Alejandro es admirable, las de la futura zarina y la reina madre pudieron ser más fieles físicamente. Más, el nivel general de actuaciones, los momentos de ballet, detalles exquisitos en la utilería y en las atmósferas, hacen de este filme un deleite cinematográfico.

A quienes hayan disfrutado de esta fantasía histórica recomendamos investigar detalles de los orígenes, carrera artística, matrimonios y vejez de tan polifacética mujer como fue Mathilda Feliksovna Kschessinskaya, fallecida a los 99 años en París.

Consideramos una ridiculez la mojigatería con que la Iglesia Ortodoxa protestó contra esta película por exponer detalles tan íntimos y comprensibles en la juventud del último Zar de Rusia.

DESLUMBRANTE FANTASÍA HISTÓRICA DEL AMOR PREMATRIMONIAL DEL FUTURO ZAR NICOLÁS II DE RUSIA.

Ficha técnica

Biografía, historia, romance 
Cine-Arte Patricia Ready Rusia - 130 minutos 
Fotografía: Yuriy Klimenko 
Edición: Dasha Danilova 
Música: Marco Beltrami 
Diseño Prod: Vera Zelinskaya, Elena Zhukova 
Guion: Michael Katims, Aleksandr Terekhov 
Actores: Michalina Olszanska, Lars Eidinger, Luise Wolfram 
Director: Aleksey Uchitel

9/7/19

El cuaderno negro - Por José Blanco Jiménez

En una entrevista, publicada por el diario “El País”, Raúl Ruiz declaró: “Me interesa tanto su pasado que quiero filmar una precuela de Misterios de Lisboa, que se llamaría El libro negro del padre Dinis”.

El prolífico director (Puerto Montt, 25 de julio de 1941 – Paris, 19 de agosto de 2011) no alcanzaría a realizarla, pero sí su viuda Valeria Sarmiento, que utilizó el guión preparado por Carlos Saboga y llevó a cabo El cuaderno negro enfatizando la perspectiva femenina ante la Historia.

Hasta donde yo sé, en la novela el protagonista es el huérfano misterioso que Laura cuida y que se transformará en un soldado. En la película, es Laura, una muchacha que expresa su amor sobreponiéndose a todos los eventos, que son superiores a ella y que no puede cambiar. De hecho, nada es lo que parece ser y el relato se desarrolla como una serie de cajas de sorpresas: dentro de cada una hay otra que cambia la tipología del personaje y prepara un nuevo cambio.

En el caso de Laura, el espectador piensa que el niño es hijo suyo y que es una madre soltera. Cuando el conde que lo protegía muere y deja a ambos a cargo del marqués Lusault, perderá la virginidad con éste y se ilusionará con ser su amante. Pero el noble se casará y la hará a un lado, siendo rescatada por un cardenal que resulta ser su padre, mientras que su madre – una lavandera – era en realidad una princesa.

Me detengo aquí y es sólo el comienzo. Camilo Castelo Branca (Mártires, Lisboa, 1825 - São Miguel de Seide, 1890) escribió una trama que – como en Los misterios de Lisboa (Mistérios de Lisboa, 2010) – es el típico folletín del siglo XIX, que tiene ilustres representantes en otros países, como Alejandro Dumas, Eugenio Sue y Xavier de Montépin en Francia o Charles Dickens en Inglaterra. Y así como menciona a Pío VI, que fue papa entre 1775 y 1799, es decir en los últimos años de Antiguo Régimen Francés, mezcla a los personajes imaginarios con otros históricos, como María Antonieta, Charlotte Corday y Napoleón Bonaparte. Además, es una época en la que el clero maneja el veneno y la espada con particular destreza.

Lou de Laâge, la intérprete principal, nació en Bordeaux (Francia) en 1991 y ya fue la doctora que - en Las inocentes (The Innocents, de Anne Fontaine, 2016) - se encontraba en un convento con el espeluznante destino de monjas embarazadas por violación y de los desdichados recién nacidos. El resto del reparto es desconocido en Chile.

Y un detalle anecdótico: una jovencita para “amenizar” una lúgubre cena canta una “filastrocca” napolitana del siglo XVIII: A cammessella, que trata de un recién casado que pide a su mujer que se quite prenda por prenda de vestir (mantesino, vesticciola, suttanino, curzetto y cammessella). Es decir, un “striptease vintage” permitido porque los “implicados” están unidos en sacrosanto matrimonio.

Finalmente, el cuaderno negro del título es aquél en el que está escrita toda la historia del niño. Lo entrega el conde agonizante al marqués y la abandonada esposa de éste lo muestra al cardenal. Su contenido, como casi todo en esta trama, queda en el misterio.

(O Caderno Négro / Le cahier noir. Francia/Portugal, 2018)

8/7/19

Leto - Por José Blanco Jiménez

Esta coproducción franco-rusa me hizo recordar Trainspotting de Danny Boyle (1996), por presentar una juventud sin mayores horizontes, proclive al alcohol y la droga, y a la que se le rinde homenaje con Perfect Day, de Lou Reed, cantada por una mujer mayor borracha bajo la lluvia. No falta tampoco el ya clásico homenaje a Abbey Road.

Pero tiene también mucho de otras producciones “occidentales”, tales como La La Land, de Damien Chazelle (2016) o Sin City, de Frank Miller, Quentin Tarantino y Robert Rodriguez (2005). Es así como combina números musicales (en el tren, en el trolleybus) con dibujos de cómics en colores, acompañados de música e intervención de las comparsas. Podría haber, incluso, algo de La máscara (The Mask, 1994), de Charles Russell. Y se advierte: “Esto nunca ocurrió”.

El filme, que tiene un claro contenido político, relata la formación del grupo rock Kino durante un “verano” (“leto”, en ruso) musical antes del fin de la Unión Soviética. En efecto, todo transcurre en esa Leningrado que volvería a ser San Petersburgo y que, en un determinado momento, ubica al espectador cronológicamente, cuando una voz en off informa acerca de la hora oficial en cada uno de los husos de la extensísima confederación de repúblicas socialistas.

La búsqueda de la “libertad” acerca a los protagonistas al medio que mejor la expresa: la música. El director Kirill Serebrennikov muestra esta vía de escape junto con la emancipación sexual representada por el triángulo que surge entre Mike (Roman Bilyk), Nastasha, su esposa y madre de su hijo (una encantadora Irina Starshenbaum, que me recuerda a Sophie Marceau y Anna Karina) y Vikor Tsoi (el coreano alemán Teo Yoo). Este último es presentado con gran delicadeza, con secuencias como el rito del beso adúltero que abre la puerta a la relación promiscua.

La exaltación de los ideales, que aparentemente se materializan más allá de la “Cortina de Hierro”, tiene ese sabor revolucionario de cierto cine que conocí en mi adolescencia. Y es que la película, filmada casi completamente en blanco y negro, tiene mucho de la nouvelle vague de los años ’60. Ello se aprecia en el montaje, en el estilo narrativo y en la conclusión: al final, queda la melancolía de los sueños de la juventud que no regresarán.

(Leto. Rusia / Francia, 2018)

3/7/19

La Vida Secreta de tus Mascotas 2 - Por Juan Pablo Donoso

Muy graciosa, entretenida e inteligente.

Un nuevo acierto de Ilumination McGuff, compañía de animaciones francesa, y división de Universal Pictures.

Quienes nunca vieron la N° 1 disfrutarán con lo novedoso de esta, de principio a fin.

Los animalitos provienen de tres o cuatro hogares, y son cómicos en cada uno de ellos. Las historias, siendo paralelas, se van asociando entre sí gracias al objetivo común de rescatar a un cachorro de tigre blanco maltratado por su amo.

La ternura y el humor de los protagonistas quedan garantizados desde el comienzo. Sin embargo, hasta los malvados resultan pintorescos por el carácter de bobos con que se comportan.

En medio de todas las aventuras - tan bien barajadas - hay incluso una secuencia de logrado suspenso cuando nuestro héroe principal, el perrito Max, debe salvar a una díscola ovejita que cuelga de la rama de un precipicio.

A pesar de ser muchos personajes, cada uno tiene su encanto y sus propias características. Algunos son caricaturas de tipos humanos de películas taquilleras. Hasta una abuelita, dueña de muchos gatos, aporta su dosis de sorprendente hilaridad.

El guion es tan preciso, variado y fluido que los 90 minutos se pasan volando. La banda sonora, con antiguas canciones populares, calza a la perfección con el ritmo de la trama.

Deja en claro que los niños y sus mascotas tienen un lenguaje común que los enriquece, y que los animalitos superan a los humanos en sus códigos de nobleza e hidalguía.

Recomendamos permanecer sentados durante los créditos finales porque siguen apareciendo simpáticas sorpresas.

UN BANQUETE ANIMADO DE HUMOR Y TERNURA QUE, ESTA VEZ, INCLUYE GRACIOSAS CRIATURAS DEL CAMPO. MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica


Título Original: The Secret Life of Your Pets 2 
Animación, aventuras, comedia Universal Pictures Francia, Japon, EE.UU. - 1,26 hrs. 
Edición: Tiffany Hillkurtz 
Música: Alexandre Desplat 
Diseño Prod.: Jeannine Berger, Elizabeth Malpelli 
Guion: Brian Lynch 
Voces (en inglés): Patton Oswalt, Kevin Hart, Harrison Ford 
Directores: Chris Renaud, Jonathan del Val

La vida secreta de tus mascotas 2 - Por Carlos Correa

Esta secuela de la exitosa película del año 2016 nos trae de regreso a Max y sus amigos. Producida por Illumination Entertainment, dirigida por Chris Renaud, codirigida por Jonathan del Val y escrita por Brian Lynch, la cinta contiene algunos cambios respecto a su predecesora. Si la primera estaba centrada en el descubrimiento de las mascotas mientras sus dueños no estaban en casa, esta segunda parte tiene mucho más de acción y aventura al exterior de los respectivos hogares.

Katie, la dueña de Max se ha casado y ahora tiene un hijo. ¡Ups! Max y Duke han sido desplazados por un bebé que ahora es el centro de atención del hogar y rivaliza con ellos por el cariño de sus padres. Un viaje de vacaciones aparece como el panorama ideal para que la familia logre convivir y superar este cambio de estado que los ha afectado a todos y le ha ocasionado un extremo estrés a Max. Por otra parte, Gidget ha quedado a cargo de cuidar el juguete favorito de su novio Max, sin embargo por un descuido “Busy Bee” ha ido a parar a un departamento repleto de gatos. Y Snowball, el conejo súper héroe, se debe lanzar a una arriesgada misión para liberar de sus captores a un tigre blanco llamado Hu y naturalmente para ello cuenta con la ayuda de muchos de sus amigos en persecuciones llenas de adrenalina.

“La vida secreta de las mascotas 2” se diluye en estos tres relatos. El foco que tiene la primera entrega no se repite en esta segunda, tal vez por el conocimiento previo de los protagonistas y también por la necesidad de marcar un punto que le permita diferenciarse. Los personajes son adorables y las voces encantadoras. El doblaje mexicano, eso si, nos deja “pillos” algunas veces debido a algunos modismos que no alcanzamos a comprender. Pero esos son detalles pues la espléndida animación, la música y secuencias llenas de color y vértigo configuran 88 minutos llenos de vibrante entretención.

Deberemos tal vez esperar una tercera parte para poder ver cuál es el derrotero de la saga. Debo reconocer que en mi opinión personal, me gustó más la primera, sin desmerecer los méritos de esta secuela de la que tenía muchas expectativas las que suelen jugar en contra cuando uno se forma una ilusión, porque naturalmente espera más desarrollo de una idea que en su lanzamiento pareció genial. El conflicto esta vez es más sencillo. Tiene que ver con situaciones simples, la pérdida de un juguete y el rescate de un tigre blanco. La problemática mayor, esa que refleja a Max y Duke con la presencia del bebé, el paseo familiar y la sabiduría campestre de Rooster, a mi modo de ver no logran profundizar el conflicto y el peso es naturalmente menor a lo que más nos llamaba la atención de la propuesta inicial.

Con más altos que bajos, la película entretiene y mantiene en vilo a los espectadores pequeños y a los que ya no lo somos tanto. Da gusto ver películas así, donde grandes y chicos pasamos un momento agradable gracias a una fábula animada hecha con dedicación, calidad y muchísimo talento artístico.

Ficha técnica 

Título original: The Secret Life of Pets 2
Año: 2019
Duración: 98 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Illumination Entertainment / Universal Pictures
Género: Animación. Aventuras. Comedia | Animales. Secuela. 3-D
Guion: Brian Lynch
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Animation
Reparto: Animation
Dirección: Chris Renaud, Jonathan del Val

2/7/19

Tolkien - Por Carlos Correa

Esta cinta del director Dome Karukoski relata momentos de la vida de J. R. R. Tolkien. Escrita por David Gleeson y Stephen Beresford, la película narra varios períodos y los alterna para configurar una visión más amplia del autor de "El hobbit" y "El Señor de los Anillos" entre otras obras.

“Tolkien” no define un inicio y un término. Podemos advertir que es una exploración a los diferentes impulsos que van configurando su personalidad. La escuela y el grupo de estudiantes que le rodean cobran un papel fundamental luego de un inicio algo difícil. La pobreza y precariedad de su familia, la muerte de su madre y la no aceptación social son obstáculos que parecen insalvables, sin embargo es justamente allí, en la escuela, y gracias al apoyo de un brillante profesor, Joseph Wright -Derek Jacobi- quien reconoce su extremo talento y le entrega la oportunidad de continuar su formación pese a sus dificultades económicas, donde surge una gran inspiración artística al poder relacionarse con pares que desarrollan diferentes disciplinas, también con mucho brío y entusiasmo. ¡Cambiar el mundo a través del arte! es la consigna. La amistad naciente que luego se fortalece, conforma una fraternidad, una comunidad creativa que potencia el talento del joven genio junto a la música y la poesía de sus compañeros.

El escenario bélico producto de la Primera Guerra Mundial interrumpe con fuerza la vida del joven Tolkien y también provoca cambios en él. No solo su vida está en peligro al concurrir al frente de batalla sino también la de sus amigos. Hay un antes y un después, una forzosa maduración debido a las circunstancias y a las pérdidas, tanto las humanas como las de su propia dignidad.

El amor está transversalmente presente a lo largo de la cinta. Es quizá el elemento más fuerte y profundo que recorre su intimidad y que sopla con fuerza al interior de su espíritu. Posiblemente la fuente máxima de inspiración para el protagonista -interpretado por Nicholas Hoult- es el apoyo permanente de Edith Bratt -Lily Collins- el amor de su vida y posteriormente su esposa, una musa en el sentido más amplio de la palabra, y que le entrega a Tolkien una llama viva de pasión incombustible para ser transmitida en sus relatos sobre Tierra Media.

Es tremendamente complejo hacer una película sobre un creador y visionario como J.R.R. Tolkien. Incluso sin tomar en cuenta sus obras es un trabajo arduo y difícil. Ahora bien, si agregamos ese elemento, es aun más complicado retratar a una persona que es capaz de inventar todo un idioma, crear un mundo nuevo y situar allí historias y leyendas de una enorme magnitud. Viajes, aventuras, hermandad y magia, elementos fundamentales en los relatos de Tolkien, aparecen en esta travesía por su vida pero pierden fuerza con los giros predecibles del guion en que descubrimos tal vez los orígenes de las primeras e innovadoras semillas, giros que no logran tomar vuelo a pesar de una fotografía y una música que si aciertan durante todo el metraje.

Este “biopic” del escritor, lingüista y profesor universitario no está a la altura de la persona a quien retrata. Aquello es imposible. Sin embargo, arremete de otra manera, creando un ambiente y una atmósfera que nos permite visualizar de manera más cercana al genio, percibir su dimensión y originalidad y situarlo también en la humanidad que le corresponde vivir y que constituye la génesis de sus trabajos más admirados y aclamados.

Ficha técnica

Título original: Tolkien
Año: 2019
Duración: 112 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Fox Searchlight / Chernin Entertainment
Género: Drama | Biográfico. I Guerra Mundial. Literatura
Guion: David Gleeson, Stephen Beresford
Música: Thomas Newman
Fotografía: Lasse Frank Johannessen
Reparto: Nicholas Hoult, Lily Collins, Genevieve O'Reilly, Colm Meaney, Tom Glynn-Carney, Patrick Gibson, Anthony Boyle, Craig Roberts, David Puckridge, Pam Ferris, Derek Jacobi, Laura Donnelly, Mimi Keene, Harry Gilby, Albie Marber, Aaron Neil, Joel Phillimore, Jack Riley
Dirección: Dome Karukoski

30/6/19

Annabelle 3 - Por José Blanco Jiménez

La muñeca Annabelle apareció por primera vez en El conjuro (The Conjuring, de James Wan, 2013), donde debutó también la pareja Ed y Lorraine Warren (interpretadas por Patrick Wilson y Vera Farmiga), dos expertos en situaciones demoníacas y paranormales que existían realmente. De hecho, Lorraine falleció a los 92 años el pasado 19 de abril de 2019 y a ella está dedicada esta película. Su esposo, en cambio, murió el 23 de agosto de 2006, a los 79.

La muñeca tuvo su propia película en 2014 – con su nombre – dirigida por John R. Leonetti y el guión de Gary Dauberman (que también participó en el guión de la nueva versión de It, de Andy Muschietti, 2017). La temática tenía un cariz de Clan Mason y dejó en claro que Annabelle era realmente peligrosa.

Luego de El conjuro 2 (The Conjuring 2, de James Wan, 2016) - que trataba del famoso caso de Endfield en Inglaterra, que recordaba el Horror de Amityville y que introducía el personaje de la monja Valak -  vino Annabelle 2: La creación (Annabelle 2: Creation de David F. Sandberg, 2017), una precuela escrita por Dauberman, que relataba su origen y su “tránsito” hacia la maldad.

La monja (The Nun, de Corin Hardy, 2018) es un spin-off, que cuenta con la actuación de Taissa Farmiga, hermana menor de Vera, que también aparece casi en un bonus track. La historia es de Dauberman y Wan, lo que deja en claro que éste es un Universo equivalente al de los superhéroes Marvel, pero en el filón del terror.

Annabelle 3 está escrita y dirigida por Dauberman, transcurre en la mismísima casa de los Warren y la protagoniza Judy (McKenna Grace), la pequeña hija que queda a cargo de una quinceañera babysitter (Madison Iseman), mientras ellos se ausentan por una noche. El problema es que en la casa irrumpe otra jovencita (Katie Sarife), que intrusea en el Museo de los Objetos Malignos y desata el terror.

La película es previsible, pero atrapa. Por la presencia juvenil, tiene un sabor a splatter y deja una enseñanza con respecto a los riesgos de la inmadurez y la irresponsabilidad. Tiene además un prólogo inquietante, en una noche de niebla junto a un cementerio, que deja en claro un detalle substancial para la serie: la muñeca no está poseída, porque los demonios no poseen objetos, sino que atrae fuerzas malignas y las proyecta sobre las personas para procurarse un alma. Continuará…

Ficha técnica

Título Original: Annabelle Comes Home
Terror, misterio Warner EE.UU. - 1,45 hrs.
Fotografía: Michael Burgess
Música: Joseph Bishara
Diseño Prod.: Jennifer Spence
Guion: James Wan, Gary Dauberman
Actores: Mckenna Grace, Madison Iseman, Katie Sarife
Director: Gary Dauberman

27/6/19

Annabelle 3 - Por Juan Pablo Donoso

Nueva secuela de la saga de los Conjuros y las Annabelles anteriores. El propósito es asustar al espectador con todos los recursos audiovisuales posibles.

Los Warren ahora se llevan la muñeca a la casa, con bendición sacerdotal incluida, para evitar que siga haciendo hecatombes. Los objetos malditos de tragedias previas están guardados en una pieza del subterráneo. La muñeca Annabella - con su grotesca sonrisa - los preside encerrada bajo llave en una vitrina especial.

Judy, la hijita de 11 años, es víctima de bullying en el colegio porque ve la figura fantasmal de un sacerdote en pasillos y patios de recreo.

Y como hay que desatar el conflicto, los padres dejan a la niñita a cargo de una baby-sitter llamada Mary Ellen, adolescente y muy poco mayor que Judy.

Mary Ellen invita a alojar de otra amiga, Daniela, igual de adolescente, quien sufre cargo de conciencia por involuntaria culpa en un accidente en que murió su papá.

En vez de disfrutar de la TV, comer golosinas, o conversar, el guion obliga a la curiosa Daniela que se inmiscuya en la pieza prohibida del subterráneo, cometa torpezas y, sin darse cuenta, permita que la muñeca Annabella salga de la vitrina.

Con esto se liberan los demonios encerrados turnándose para aterrar sin clemencia a las 3 muchachitas durante la noche de neblina. Hasta el joven pretendiente de Mary Ellen - Bob Recoge Pelotas - también será perseguido por un monstruo en el patio nocturno. Para su fortuna, la bestia sólo se comerá a una pobre gallina blanca que quiso dar un paseo.

Cuando vuelven los padres se enteran de los horrores vividos. Pero como mamá Warren (Vera Farmiga) es psíquica consolará a Daniela afirmándole que el espíritu de su papá ya le perdonó el descuido. Y así terminarán todos felices celebrando el cumpleaños de Judy… mientras la siniestra muñeca Annabelle, nuevamente encerrada en la vitrina del subterráneo, sonríe esperando el próximo episodio.

El realizador cree que basta acumular efectos visuales y sonoros para asustar al público. Hay una lamentable ausencia de terror PSICOLÓGICO, factor fundamental en este género: realidades coherentes que se tornan inexplicables.

Lo mejor es la ambientación con luces, la utilería, y los sonidos estereofónicos en una sala bien equipada, de preferencia IMAX.

La actriz de Daniela tiene las mayores posibilidades de lucimiento actoral.

MÁS EFECTISMOS QUE AUTÉNTICO TERROR PSICOLÓGICO. POCA EMPATÍA CON LOS PERSONAJES.

Ficha técnica

Título Original: Annabelle Comes Home 
Terror, misterio Warner EE.UU. - 1,45 hrs. 
Fotografía: Michael Burgess 
Música: Joseph Bishara 
Diseño Prod.: Jennifer Spence 
Guion: James Wan, Gary Dauberman 
Actores: Mckenna Grace, Madison Iseman, Katie Sarife 
Director: Gary Dauberman

Annabelle 3 - Por Jackie O.

Sí volvió, para ser encerrada bajo más llaves y mucha agua bendita.

Sexta de esta saga y la N° 3 de esta muñeca, la cual creo que ya deberían dejarla en su cajita sagrada, solo para no agotar la historia.

Es la primera película como Director de Gary, aunque ha participado en varias como It, La Monja y La Llorona. Y está película creo que es la mejor de las 3, pero aun así no es excelente.

A Annabelle la vemos desde el minuto 1 en esta cinta, cuando los Warren se la llevan a su hogar y esta muñequita hace sus travesuras por el camino. Para posteriormente guardarla en una caja de cristal sagrada. Lo que no es suficiente ya que esta “chica” se las rebuscará para salir.

No es una película de terror pues no provoca ese miedo, repugnancia o incomodidad respecto de lo que vez, sí es un suspenso sobrenatural y algo de drama.

Que pasa, los Warren deben efectuar un trabajito y dejan a la niñera MARY a cargo de su hija JUDY, y esta niñera bajo amenaza de su mejor amiga, DANIELA, la deja entrar al hogar ya que esta amiga desea saber cómo es el interior de la casa de los Warren debido a lo que se dice de ellos.

Además estas chicas celebrarán el cumpleaños de Judy por adelantado, así que Daniela le regala unos patines a la pequeña la que sale con sus niñera a probarlos, quedándose la curiosa, mejor dicho la entrometida de Daniela sola, buscando las llaves e ingresando al museo Warren. Ahí toca y revisa todo, hasta que Annabelle como dije antes, se las ingenia para que Daniela la deje salir. Y lo hace.

Ahí comienza todo el escándalo sobrenatural, vemos cosas moverse y nuevos demonios incorporados inteligentemente con el fin de que esta saga se siga extendiendo.

Los efectos son buenos, pero no te causan pavor. No sé si saltes de tu asiento aunque cuenta con todos los elemente conocidos para hacerlo.

Las actuaciones de las 3 chicas son buenas, lo que abre la puerta para el futuro de Judy donde tal vez se las ingenien para hacerle su propia película, ya que cuenta con los “poderes” de su madre.

LO BUENO: -Entretiene. -Buenos efectos, salvo uno que más abajo comento. –Los momentos de oscuridad, es una puesta en escena que funciona. –Aceptables actuaciones. –La incorporación de los nuevos espíritus y demonios. -100 minutos de duración estuvo bien, no daba para más. –Acertado incluir a Vera y Patrick en esta película.

LO MALO: -No es de terror, lamentable ya que tiene buena premisa. Así que no gritarás, no dormirás con la luz encendida, ni tendrás pesadillas. -Un efecto especial demasiado exagerado: La típica niebla, era tanta que curiosamente ellos no la veían y que el espectador sí. Aparecía de repente y mucha.

Ficha técnica

Título Original: Annabelle Comes Home 
Terror, misterio Warner EE.UU. - 1,45 hrs. 
Fotografía: Michael Burgess 
Música: Joseph Bishara 
Diseño Prod.: Jennifer Spence 
Guion: James Wan, Gary Dauberman 
Actores: Mckenna Grace, Madison Iseman, Katie Sarife 
Director: Gary Dauberman

El Collar Rojo - Por Juan Pablo Donoso

Un bello amor entre campesinos, estropeado por la estulticia de la guerra.

Disfrutamos del reposo y madurez narrativa del director Jean Becker de 85 años, al filmar esta película (Mis Tardes con Margarita (2010) - El Jardinero (2007).

Basada en la novela de Jean-Christophe Rufin, predominan los sentimientos de hermandad y cordura en estos inocentes personajes.

El título corresponde al collar con que condecoran a un fiel perro negro en señal de oprobio contra la fatuidad de los poderosos. Valiéndose de la nobleza de este animal, su propietario, el condenado a muerte Lantier, denunciará públicamente la farsa de oropeles venales con que se revisten y pavonean los grandes políticos y gobernantes del mundo.

A la mentecatez de reclutar campesinos inocentes para que mueran en la guerra - por un supuesto patriotismo - se opone la lealtad de un perro negro por su amo.

Ambientada en la campiña francesa a comienzos del siglo XX, sin estridencias, y dejando que sus criaturas evolucionen naturalmente, surgirá un romance entre un labrador joven con una muchacha culta que escapó de la ciudad para vivir en contacto más directo con la tierra y sus frutos.

Vendrá la 1ª Guerra Mundial con su propaganda nacionalista, y ante la carencia de más soldados, reclutarán a todo joven provinciano en condiciones de luchar por su patria.

La pareja de Lantier con Valentina deberá separarse, deseando que sea por corto tiempo. Y el perro se filtrará entre las tropas, junto a su amo, para acompañarlo en el campo de batalla.

Pero la confrontación será más larga, cruel y dolorosa de lo imaginado. La decepción ante tanto horror y muerte, afectará la moral de los soldados que luchan por ambos bandos. Crecerá la sinrazón de las masacres, el deseo de congeniar entre ellos y volver a sus hogares.

Muy buenas escenas de combates bélicos, excelente recreación del ambiente pueblerino y rural en la campiña francesa.

Becker logró que cada personaje principal, y también los secundarios, emanaran la autenticidad de sus orígenes, desde los más rústicos aldeanos, pasando por los jóvenes enamorados entre sí y de su tierra, como del alto Juez Militar (François Cluzet - Amigos Intocables 2011) quien a través de la investigación comprenderá la inhumanidad de aquel momento histórico tan inútil y devastador.

UN CLAMOR ANTIBÉLICO QUE RIDICULIZA EL FALSO HONOR PATRIO Y CONDENA EL MERCANTILISMO DE LAS GUERRAS MUNDIALES.

Ficha técnica

Título Original: Le Collier Rouge Drama, guerra y romance 
Cine-arte Patricia Ready Francia - 1,23 hrs. 
Fotografía: Yves Angelo 
Edición: Franck Nakache 
Música: Johan Hoogewijs 
Guion: Jean-Cristophe Rufin 
Actores: François Cluzet, Nicolas Duvauchelle, Sophie Verbeeck 
Director: Jean Becker

24/6/19

Doubles vies - Por José Blanco Jiménez

Dos parejas interactúan y – con un estilo muy francés – cometen adulterio sin que éste al final derive en una tragedia y tanto menos en un crimen pasional.

Alain (Guillaume Canet), con una eterna sonrisa, es un editor de libros que ama a su esposa Selena (Juliette Binoche), actriz de teatro que trabaja en una teleserie policial, pero la engaña con su asistente Laure (Christa Théret), que es bisexual.

Por su parte, Léonard (Vincent Macaigne), inquieto e inseguro, es un escritor que ama a su esposa Valérie (Nora Hamzawi), asesora de un político de izquierda, pero la engaña con Selena desde hace seis años.

Digo de inmediato (y no soy un spoiler) que son las mujeres las que se dan cuenta de inmediato de todo y las que deciden cuándo se empieza y cuándo se termina.

Pero todos ésos son detalles en una película que, al mejor estilo de Luis Buñuel (La Vía Láctea, El discreto encanto de la burguesía, El fantasma de la libertad) aprovecha cada encuentro social, hogareño, laboral o sexual para entregar información dialogada acerca de la dependencia de los “motores de búsqueda”, la posverdad, las fakes news, los audiobooks y la Espresso Book Machine.

En todo caso, la evaluación final es más bien optimista: el libro impreso se reafirma y se compra a pesar de la competencia despiadada de las nuevas tecnologías.

Léonard ha escrito una novela “de ficción”, que en realidad se basa en hechos reales. Es más: da una serie de pistas, que permitirían reconocer a los protagonistas. Y Selena, que es uno de ellos, convence a su marido que lo publique, venciendo su renuencia.

El director Olivier Assayas no se detiene un minuto y presenta su película como un juego incansable en el que para cada golpe hay una respuesta. Además, en cada momento, intertextualiza con el cine. Por ejemplo, en la inclusión de la película La cinta blanca de Michael Haneke para ambientar una felatio dentro de una sala de cine o en el recuerdo de la crisis existencial del pastor de Luz de invierno de Ingmar Bergman).

Uno de los mejores estrenos de este año. Sólo el título podría inducir a error con respecto a la temática de la película.

(Doubles vies/No fiction. Francia, 2018)

19/6/19

Dolor y Gloria - Por Juan Pablo Donoso

Una de las obras más puras y emotivas de Almodóvar. Menos bombástica que las anteriores. Por su diáfana y sencilla narrativa nos llega al corazón.

Título muy bien escogido. Casi autobiográfica. Personal y sincera. Un retrato de sí mismo crudo y hermoso como nunca le habíamos visto. Honesto, frágil y espontáneo en todo momento.

Ya cerca de cumplir 70 años, bastante achacoso, y luego de una brillante carrera artística, comienza a recordar a las personas que han sido importantes en su vida.

Revivirá momentos claves de su infancia, junto a su madre (Penélope Cruz), vecinas, maestros y amigos que determinaron su carácter como hombre y su vocación por el arte.

Vendrán reencuentros ya vencidos de pasados amores (Federico = Leonardo Sbaraglia), y reconciliaciones con antiguos enemigos que florecen con nueva savia creativa (Alberto = Asier Etxeandia).

Como si leyera un viejo diario de vida, el autor se pregunta qué le ofrece el futuro luego de haber experimentado tanto el dolor como la gloria. Cuando se alejan los aplausos y sólo quedan los recuerdos y las enfermedades, emerge la incondicional figura femenina, Mercedes (Nora Navas), como suplente de su madre, para sostenerlo desde la sombra. 

Seguirá filmando, como siempre lo hizo, pero ahora desde sus propias vivencias, más que desde la fantasía de sus extravagantes personajes.

Antonio Banderas ha sido para Almodóvar lo que Mastroianni fue para Fellini, un alter ego de sus instancias creativas. Y lo encarna con cálida honestidad.

Del amplio friso de este filme destacamos tres aspectos magistrales: las jóvenes madres que lavan ropa junto al río en la campiña castellana; la elección del pequeño Asier Flores como Almodóvar cuando niño - de transparencia prodigiosa; y las escenas de Banderas con Julieta Serrano (Entre Tinieblas- 1983), cuya interpretación de la madre anciana y casi moribunda desbordan ternura y pureza emocional.

Las películas de Almodóvar serán siempre apasionantes, ya sea por lo provocativas, irónicas, trasgresoras, o genialmente disparatadas. Y esta vez, con sus diálogos directos y precisos, nos inspira también cariño y compasión hacia él, como criatura más vulnerable y humilde.

AGRIGULCE EVOCACIÓN DE LAS RAÍCES DE ALMODÓVAR, COMO PERSONA Y COMO CREADOR.

Ficha técnica


Drama autobiográfico Andes Films España - 1,47 hrs. 
Fotografía: José Luis Alcaine 
Edición: Teresa Font 
Música: Alberto Iglesias 
Diseño Prod.: Antxón Gómez 
Actores: Antonio Banderas,Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia, Asier Etxeandia, Julieta Serrano
Guionista y Director: Pedro Almodóvar

Toy Story 4 - Por Juan Pablo Donoso

La mejor secuela de todas. Amena, muy graciosa, llena de valores y sentimientos de amistad.

Argumento sustentado en la relación afectiva entre los juguetes y sus dueños, los niños.

Guion muy redondo y coherente, con varios niveles de lectura, que divertirá a los pequeños y permitirá a los padres comprender mejor a su familia.

Como el hijo mayor, Andy, ya creció y está lejos, en la universidad, sus juguetes fueron regalados a una niñita pequeña, llamada Bonnie. Pero como son, mayoritariamente, muñecos de niño hombre, ella fabrica uno nuevo en su primer día de kindergarten. Se llamará Forky porque es un tenedor plástico tirado a la basura que ella recoge junto a otros cachivaches inútiles.

Cuando la familia emprende un viaje de vacaciones en auto, botan en el camino a Forky porque es un desecho. Será entonces cuando nuestro héroe de la saga - el vaquero Woody - se lance a la carretera para devolverle a la niña su disparatado tenedorcito.

De ahí en adelante se desatarán múltiples aventuras en que tanto los muñecos antiguos, como los nuevos, se unirán para que Bonnie recupere la felicidad.

Enorme progreso en el tratamiento animado de Pixar; música incidental y canciones adecuadas para cada situación; los juguetes, que son muchos, tanto de antiguos cuentos infantiles, de la prehistoria, como modernos superhéroes de comics, tienen muy claras sus personalidades, y cada cuál aporta a la aventura aquel talento que lo caracteriza. Tiene un bellísimo desenlace.

Es una original reflexión sobre el significado de la “basura” cuando para un niño significa un “juguete”. Hay carencia absoluta de discriminación entre los muñecos cuando uno de ellos proviene de los desechos. Lo importante es el amor que cada niño le tiene, y la lealtad que cada uno - por pobre que haya sido su origen - siente por sus amos.

Esta epopeya se basa en cuánto los juguetes aman y sienten nostalgia por los niños que los poseyeron. Y cómo ellos, los muñecos, a su vez, son también poseedores de sus amos infantiles.

GRACIOSO Y ÁGIL NUEVO CAPÍTULO DE UNA SAGA QUE PARECÍA HABER TERMINADO SU CICLO. EXCELENTE Y MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica


Animación, aventuras, comedia Cinecolor Films - Disney EE.UU. - 1,40 hrs. 
Edición: Axel Geddes 
Música: Randy Newman 
Diseño Prod.: Bob Pauley 
Guion: Andrew Stanton (historia original), Stephany Folsom 
Actores (voces en inglés): Keanu Reeves, Christina Hendricks, Tom Hanks 
Director: Josh Cooley

La Desaparición - Por Juan Pablo Donoso

Tensa ficción sobre un incidente real acaecido en un faro al norte de Escocia.

Tres fareros - Thomas Marshall, James Ducat y Donald MacArthur - desaparecieron misteriosamente en diciembre de 1900.

Se tejieron leyendas desde que se hubieran escapado con un tesoro, que los hubieran secuestrado, que un barco con fantasmas se los llevó e, incluso, que se los comió una serpiente marina.

Como nunca se supo de su destino, los guionistas Joe Bone y Celyn Jones, crearon una supuesta tragedia de los motivos de su desaparición. Y le entregaron la dirección a Kristoffer Nyholm, experto en teleseries de terror.

Con una eximia fotografía de Jorgen Johansson y un elenco de pocos, pero eficientes, actores lograron el ambiente de claustrofobia, crímenes y demencia que necesitaban.

Thomas (Peter Mullan - Westworld 2016), el mayor, delira por la muerte de su esposa e hijitas gemelas; James (Gerard Butler - 300 - 2006), enloquece por haber asesinado por error a un niño de la misma edad de su hijito; Donald (Connor Swindells - Sex Education 2019), el más joven, huye del estigma de ser señalado como bastardo en su aldea.

Así, estos personajes atormentados se aprontan a pasar seis semanas lejos del mundo en un faro remoto. Pero la llegada de un náufrago moribundo y asesino, portador de un tesoro, que la marea trajo al islote, desencadenará una sucesión de crímenes motivados por la codicia de unos piratas, por el instinto de sobrevivencia, y por el aguijón de conciencias culpables.

El ritmo es lento, minucioso, y se va poniendo gradualmente más tenso a medida que estos tranquilos fareros van siendo forzados a defenderse y a tomar decisiones cruciales para sobrevivir ahora, y en un hipotético futuro.

Los tres personajes principales, movidos por amenazas inesperadas, entran en una espiral de angustias que los llevará a un clímax existencial máximo.

Gracias al paisaje y a la ambientación, nos haremos familiares con los rincones interiores del faro, con el oleaje en los roqueríos, con sus comidas y pasatiempos. Se logra contrastar la claustrofobia con la inmensidad del horizonte marino, y la anhelada calma del aislamiento con los tormentos del crimen involuntario y el remordimiento.

RELATO ANGUSTIOSO Y BIEN AMBIENTADO SOBRE LA POSIBLE CAUSA DE UN MISTERIO REAL QUE NUNCA SE RESOLVIÓ.

Ficha técnica


Título Original: The Vanishing Crimen, intriga, misterio 
Cinetopia Inglaterra - 1,47 hrs. 
Fotografía: Jorgen Johansson 
Edición: Morten Højbjerg 
Música: Benjamin Wallfisch 
Diseño Prod.: Jacqueline Abrahams 
Guion: Joe Bone, Celyn Jones 
Actores: Gerard Butler, Peter Mullan, Connor Swindells 
Director: Kristoffer Nyholm

BIA - Por Juan Pablo Donoso

El lunes 24 de junio, se estrena mundialmente en Disney Channel TV esta nueva serie juvenil realizada con actores argentinos y brasileños.

Es alegre, imaginativa, irradia frescura y emoción.

Con sus fiestas y reuniones nos presentan a un conjunto de post adolescentes cuyas historias personales, familiares, de amistad y recuerdos se van alternando a lo largo de cada capítulo.

Bia es una chica con gran imaginación. Transforma la realidad que la rodea con su talento por el dibujo. Se embarcará en un viaje creativo por las redes sociales colaborando en la producción de videos. Se enamorará, aprenderá a superar los obstáculos más difíciles y descubrirá la importancia de disfrutar la vida.

Lo que pudo caer en algo burdo y superficial, tiene un tejido de anécdotas que, así como integra lo alegre, musical y festivo, también incluye tristezas, duelos y nostalgias.

Los realizadores narran las escenas aplicando los mismos juegos de imágenes, trucos y consignas tecnológicas que usan los personajes. Los temas humanos y el lenguaje computacional quedan lúdicamente integrados.

Si los siguientes episodios conservan y desarrollan estas virtudes estarán muy lejos de un panorama sólo juguetón. Tocarán fibras emotivas más profundas de lo que aparentan a primera vista.

Las muchachas fueron elegidas por la diversidad de sus bellezas, talentos y caprichos. Y los muchachos exponen un abanico de igual variedad en temperamentos y aficiones.

Ojalá esta serie - tan cuidadosamente elaborada - les genere valores a nuestros jóvenes espectadores, y también estímulos de superación personal.

Las sagas estadounidenses tan exitosas como HIGH SCHOOL MUSICAL y HANNAH MONTANA, fueron importantes precursoras de esta moderna y optimista narrativa latinoamericana.

PAMORAMA TECNOLÓGICO, INTELIGENTE Y ALEGRE, DE COMO ENFRENTAN LA VIDA NUESTROS ADOLESCENTES DE HOY. RECOMENDABLE.

Ficha técnica

Teleserie juvenil, familia, música 
Cinecolor Films - Disney Channel TV Argentina - 0,42 hrs. cada capítulo 
Guionistas: Ignacio Campón, Marina Efron, Carmen López-Areal 
Actores: Isabela Souza, Julio Peña, Guido Messina 
Directores: Jorge Bechara, Daniel de Filippo

Dolor y gloria - Por Carlos Correa

“Dolor y gloria”, tal vez la película más personal del director español Pedro Almodóvar, se llenó de elogios en el Festival de Cannes y le valió el premio a Antonio Banderas como mejor actor. La cinta narra la intimidad de un director de cine que vive sus días entre el recuerdo del éxito pasado, los severos dolores físicos que le aquejan y la desilusión de no poder escribir y filmar nuevamente.

Salvador Mallo -Banderas- no la tiene fácil. Físicamente está hecho un desastre, sus dolencias aumentan, la crisis de los años recorridos se hace patente y además vive una soledad que es abrumadora. No solo le atormenta este ingrato presente; la incertidumbre del futuro y el recuerdo de un glorioso pasado se funden y también le incomodan de sobremanera. Los recuerdos vivos, su vida de niño, su madre y su padre en busca de mejores oportunidades, su educación, sus inicios en el canto y su particular gusto por el cine, asoman permanentemente en sus estados más puros y conscientes. A raíz de los 32 años del estreno de su gran éxito cinematográfico surge la necesidad de reencontrarse con el actor principal de la película con quien no se habla desde esa fecha. Salvador solo ve incertidumbre, no hay destino ni menos una meta clara que deba conquistar o cumplir. Su vida, así, no tiene sentido y solo toma una parcial conciencia entre el dolor y la gloria, como acertadamente Almodóvar titula este conmovedor filme.

Pareciera que el afamado director manchego se filmara a si mismo. Antonio Banderas construye un papel magistral al vestirse de Almodóvar y encarnar a un hombre que desde sus gestos, miradas y posturas, transmite incomodidad y frustración a pesar de convivir también con el reconocimiento y la aclamación por un pasado que se diluye en sus diferentes recuerdos. Los tonos de voz, las inflexiones y la forma de ser del protagonista toman cuerpo en una caracterización que por momentos llega a estremecer. La necesidad de sanar heridas, de reencontrarse consigo mismo y con los demás, junto con un genuino deseo de cerrar capítulos que aun están abiertos, supone para Salvador un esfuerzo mayor. Por ello, cuando aparece como un niño, todo parece cobrar sentido en una alternancia que Almodóvar filma delicadamente componiendo un relato que lleva impreso su sello.

“Dolor y gloria” roza la depresión, no solo la física sino también la intelectual y creativa. Es una película que va cuesta abajo y que nada parece ser capaz de detenerla. Solo las luces de los recuerdos, esos primeros descubrimientos, el primer deseo y también las frustraciones, ponen de manifiesto una humanidad desbordante en contraposición a la preocupación actual por la salud y el porvenir. Banderas no repara en transmitir emociones, se entrega a un personaje que probablemente perdure en el tiempo porque no solo es quien representa, sino probablemente refleja muchísimas realidades actuales en distintas situaciones y circunstancias. Es un personaje que tiene una cuota de universalidad, que posee una intimidad cercana y sensible que es compartida tal vez por muchas personas, y que cobra vida gracias a un guion que se ve sencillo en apariencia, incluso improvisado por momentos, pero que es tremendamente complejo y profundo.

Párrafo aparte para la música de Alberto Iglesias. Ya nos tiene acostumbrados a bellas partituras, sin embargo esta vez da otro paso al explícitamente tomar motivos de una música que no resulta tan sencilla y fácil de comprender. Hay algo de Alban Berg y también de Arnold Schönberg, con trazos y dibujos que hablan de procesos de descubrimiento y exploración hacia caminos no tradicionales. Algo hay de homenaje tal vez, y lo podemos asimilar a lo que Almodóvar realiza en la película con la madre de Salvador -tal vez su propia madre-, tanto de joven como ya mayor, con este emotivo racconto de una vida que le cobra cuentas pasadas y que a la vez se transforma en un impulso vital, de luz, de sentido y de esperanza.

Ficha técnica

Título original: Dolor y gloria
Año: 2019
Duración: 108 minutos
País: España
Productora: El Deseo. Distribuida por Sony Pictures Entertainment (SPE)
Género: Drama | Cine dentro del cine. Drogas. Años 60. Infancia
Guion: Pedro Almodóvar
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: José Luis Alcaine
Reparto: Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia, Julieta Serrano, Nora Navas, Asier Flores, César Vicente, Raúl Arévalo, Neus Alborch, Cecilia Roth, Pedro Casablanc, Susi Sánchez, Eva Martín, Julián López, Rosalía, Francisca Horcajo
Dirección: Pedro Almodóvar

La desaparición - Por José Blanco Jiménez

Thomas, James y Donald eran los cuidadores del faro de Eilan Mòr, en el archipiélago Flannan al largo de la costa de Escocia, y desaparecieron misteriosamente.

Sobre la base de estos hechos reales, los guionistas Joe Bone y Celyn Jones entregaron al director danés Kristoffer Nyholm un argumento que se pierde en la noche de los tiempos, que Geoffrey Chaucer incluyó como el cuento del bulero en The Canterbury Tales, que reescribió Eça de Queiros con el título de El tesoro y que ha estado también en el cine en películas como El tesoro de la Sierra Madre (The Treasure of the Sierra Madre, de John Huston, 1948).

Es decir, un relato que pone en guardia acerca de la codicia y sus consecuencias.

La soledad del islote y la rutina de mantener el faro en funciones se ve interrumpida por el naufragio de un bote, que trae consigo una caja dentro de la cual hay lingotes de oro. Y aquí me detengo para no ser un spoiler, a pesar de que los acontecimientos de ahí para adelante son previsibles.

Además de la fotografía impecable, que presenta una sobrecogedora tierra fría y estéril ubicada fuera del mundo civilizado, está la caracterización de los personajes, entre los que sobresale Peter Mullan, como un patriarca que arrastra consigo errores irreparables. Gerard Butler logra liberarse de la maqueta de héroe indestructible (le oponen al gigantón Ólafur Darri Ólafsson de 1.94 m que contrasta con su “apenas” 1.88 m) y su acento escocés le da aun mayor credibilidad, sobre todo cuando regrede a un comportamiento casi animalesco. Finalmente, Connor Swindells es un debutante que promete con su estampa de adolescente inexperto y temeroso, pero capaz de defenderse.

En suma, una buena película que excluye las explicaciones sobrenaturales y que deja en claro que – a fin de cuentas – como aseguró Thomas Hobbes “el hombre es el lobo del hombre”.

17/6/19

Tolkien - Por Jackie O.

Una historia de amistad y amor.

Quien es JRR Tolkien. Todos quieren saber de dónde y cómo nacieron esas magníficas obras que muchos han deleitado devorando las hojas de sus libros o mirando las adaptaciones al cine.

Todo comienza con él, un joven Ronald en las trincheras en plena Primera Guerra Mundial, y mientras sufría de la llamada “fiebre de las trincheras” comenzó a imaginar vagamente entre el humo y el fuego de la batalla lo que serían sus personajes de estos libros, y a tener recuerdos de su infancia de cómo forjó amistad con sus compañeros de colegio, su afición por las lenguas, el dibujo y el amor.

Esta historia muestra la vida del Tolkien desde más menos lo 12 años hasta los veintitantos. Que se mezclan entre sus recuerdos y las trincheras.

La película como historia de amor y respecto de la amistad que forjó con sus 3 amigos es bella y bien construida, con un buen guion, hermosa fotografía, cada detalle de época bien construido, realmente bien hecha viéndola desde ese punto de vista.

Pero si quieres saber realmente como construyó las historias que conoces, le falta mucho detalle. Queda al debe, por lo que no hay que hacerse mucha expectativa en cuanto a eso. Solo hay que disfrutarla como una bella historia de amistad, una amistad inquebrantable de mucha lealtad. Y sobre del amor de su vida y quien sería su cónyuge hasta la muerte.

Y por abarcar unos pocos años de la vida de este afamado escritor, filólogo, poeta y profesor por que se da vuelta en los mismos temas de amistad, amor y las lenguas (que no es malo), no será posible saber sobre sus creencias, pensamientos políticos, la importancia de la religión en su vida, su amistad con CS Lewis y hasta el cuestionado racismo que se le atribuyó, entre otras cosas. Menos como forjó sus grandiosas novelas y poemas.

La película está totalmente embellecida para darnos un momento agradable y poder suspirar de amor. Pero biográfica nos quedó debiendo.

No trata de la creación de sus afamados libros que es lo que todos esperábamos.

Las actuaciones de Nicolas Hoult y Lily Collins son realmente soberbias y traspasan esa química a todo el espectador, el resto del elenco cada uno muy bien en sus roles. Muestra la amistad y la lealtad de forma muy enriquecedora.

La película es correcta en cuanto a estética y tomándola como una historia de amistad y amor quedas totalmente encantado. Es totalmente familiar y comercial. Vista de esa forma, me encantó.

Pero si deseas ver la biografía de este gran escritor acá no la verás, queda debiendo la profundidad de sus pensamientos como escritor de esas maravillosas fantasías.

Así que a leer libros biográficos de él.

Ficha técnica

Tolkien
Dirección Dome Karukoski
Producción Peter Chernin, David Ready, Kris Thykier y Jenno Topping
Guion David Gleeson y Stephen Beresford
Música Thomas Newman
Fotografía Lasse Frank Johannessen
Montaje Harri Ylönen
Protagonistas: Nicholas Hoult, Lily Collins, Colm Meaney, Tom Glynn-Carney, Craig Roberts
Harry Gilby, Laura Donnelly, entre otros.
Distribuye Fox Chile

Ella es Cristina - Por Jackie O.

Machismo, egocéntrico, aventuras y desventuras.

Cristina es ilustradora y cuenta con una gran amiga (Susana) que no tiene pelos en la lengua pero muy leal, y tanto la quiere que detesta verla sufrir con su ex, y en una cena enfrenta a este sujeto (el ex), perdiendo la amistad con Cristina.

Ambas son las protagonistas de esta historia y en forma separada se enfrentan a la vida con aciertos y desaciertos, y a los hombres en sus vidas.

Cristina es una mujer separada con la idea de reconquistar a su ex, creyendo que lo logró debido a un encuentro sexual con él, pero no resulta ya que él quiere el divorcio.

Está mujer sólo busca la tranquilidad, la compañía y el amor, pero se fija en "pelmazos", en donde ella se esfuerza y da todo lo que más puede.

En realidad está película muestra a casi todos los hombres como pelmazos, cachos, estorbos y dan ganas de mejor quedarse sola.

Cristina primero se le ve con su ex, un ególatra que ignora al resto y requiere sólo la atención hacia él. Después con un seudo intelectual de las artes que conoce en un taller, con carácter explosivo, pero que lamentablemente se embarazada de él. Viviendo prácticamente sola dicho proceso, y sin su amiga del alma, solo por una pelea por un sujeto que no lo valía.

Paralelamente Susana, la amiga de Cristina, trata de vivir su vida con su amigo al cual aleja por su carácter débil y fome, versus el de ella más empoderado. Agregándole que debe lidiar con el disperso y chanta de su padre.

Actores y actrices con gran trayectoria, con un guion que tiene muchos “baches”, es decir se salta de un momento a otro sin explicación, no ahonda en la vida de Cristina nuestra protagonista, quien es, que hace aparte de dibujar, etc. Además es algo plana sin toques de humor. Incluso hay escenas un tanto sobreactuada y poco creíbles.

No aburrida para quienes le gustan disfrutar del cine chileno y estar una tarde tranquilos. Además es corta.

Un punto interesante es ver actuar o los intentos de actuación de Sebastian Lelio, en un pequeño rol.

Otros puntos a favor, es que no está ese exceso de garabatos que realmente molesta. Y una linda fotografía en blanco y negro.

Cine chileno al que de todas formas hay que apoyar.

Ficha técnica

Nombre original: Ella es Cristina
País: Chile
Dirección: Gonzalo Maza
Año: 2019
Duración: 72 min
Género: Ficción
Clasificación: Mayores de 14 años
Elenco: Mariana Derderián, Paloma Salas, Roberto Farías, Néstor Cantillana, Daniela Castillo Toro, Alejandro Goic, Claudia Celedón, Sebastián Lelio, Lucas Balmaceda, Paola Lattus, Elsa Poblete, Bernardo Quesney, Natalia Cuéllar, Nona Fernández, Antonia Bravo, Moira Miller.
GUIÓN: Gonzalo Maza
Música: Cristóbal Carvajal
Fotografía: Benjamín Echazarreta (B&W) Producción Ejecutiva: Salma Hayek y Siobhan Flynn

15/6/19

Tolkien - Por José Blanco Jiménez

La biografía de J. R.R. Tolkien parece extraída de una novela de Charles Dickens y, para ser más precisos, de Grandes Esperanzas. Y la película reconstruye ambientación y personajes con el más genuino espíritu victoriano. Nacido en Bloemfontein (Estado Libre de Orange) en 1892, huérfano de padre y después de madre, se educó en un high college (el King Edward’s School of Birmingham) gracias a la intervención de un sacerdote católico y se hizo de amigos en la alta sociedad. Con ellos constituyó un grupo – el Tea Club in Barrovian Society – que se reunía para dedicarse al arte y a la escritura. Se enamoró de Edith, una jovencita tres años mayor, que tocaba el piano y admiraba a Wagner, conquistó su corazón y lograron constituir una familia en 1913.

Fue la Primera Guerra Mundial la que lo marcó y lo llevó a imaginar el mundo de El Hobbit y El señor de los anillos, con lanzallamas que asemejaban a dragones. Estas novelas fueron escritas muchos años después: la primera entre fines de los años ’20 y principios de los ’30 (y publicada recién en 1937); la saga fue impresa entre 1954 y 1955. En realidad, las había escrito para entretención de sus niños. Su consagración sería con la serie de películas iniciada en 2001, dirigidas por Peter Jackson.

Tolkien, como profesor de lingüística, fue creador de nuevos mundos y de nuevas lenguas que – dentro de una estructura estrictamente lógica – se han transformado en universos paralelos plenamente creíbles dentro de su fantástica existencia.

Las actuaciones de Nicholas Hoult y Lily Collins son correctas, como asimismo la dirección del finlandés Dome Karukoski. Por su factura y ambientación, me recordó Tierra de sombras(Shadowlands, 1003), de Richard Attenborough que, interpretada por Anthony Hopkins, reconstruía parte de la vida del irlandés C. S. Lewis. Y no es una simple coincidencia, puesto que Clive Staples, creador de Las crónicas de Narnia y John Ronald Reuel fueron amigos en la vida real y son dos de creadores de literatura infantil del siglo XX.

Ficha técnica

Biografía, fraternidad, literatura Fox EE.UU., Inglaterra, Irlanda - 1,52 hrs. 
Fotografía: Lasse Frank Johannessen 
Edición: Chris Gill, Harri Ylönen 
Música: Thomas Newman 
Diseño Prod.: Grant Montgomery 
Guion: David Gleeson, Stephen Beresford 
Actores: Nicholas Hoult, Lily Collins, Colm Meaney 
Director: Dome Karukoski

Ni en tus sueños - Por José Blanco Jiménez

Una pareja disímil: Charlotte Field es Secretaria de Estado y candidata a Presidenta de la Estados Unidos, puesto que su jefe le ha confidenciado que no irá a la reelección, porque quiere regresar al mundo del cine desde donde proviene; Fred Flarsky es un periodista con una actitud autodestructiva y una inestabilidad económica fruto de su posición antisistema.

Pero estos personajes tienen algo en común: ella fue la babysitter de él cuando tenían 16 y 13 años respectivamente. Y la verdad es que, a pesar de su carrera exitosa, Charlotte es una postadolescente que siente que está dejando atrás a la juventud sin haberla disfrutado. Mientras tanto, Fred sigue enamorado de ella sabiendo que es imposible conquistar a la mujer que tiene más poder en el mundo.

La película está construida para el lucimiento de una adorable Charlize Theron, que ha sido perversa asesina (Monster, 1993), superheroína con poderes especiales (Hancock, 2008), jefa de la expedición de Prometheus (2012), guerrera futurista manca de un brazo (Mad Max: Fury Road, 2015), adulta joven que busca resolver un crimen (Dark Places/ Lugares obscuros, 2015) madre aproblemada (Tully, 2017), peligrosa y lésbica agente secreta (Atomic Blonde/Atómica, 2017), entre tantas otras caracterizaciones.

Y aquí también desarrolla varias a la perfección: desde una elegante modelo de vestuario carísimo a una jovencita inmadura necesitada de cariño, desde una habilísima ingeniera política hasta una desatada “lolosauria teenager” drogadicta. Además, baila un tango con Alexander Skarsgård, que hará morir de celos a todos los espectadores enamorados de ella.

La acompaña un equipo caricaturesco: una secretaria que parece ama de llaves del siglo XIX (June Diane Raphael), un indio experto en informática (Ravi Patel) y un gigantesco guardaespaldas de aspecto risible (Tristan D. Dalla).
Seth Rogen, en cambio, evidencia en todo momento su condición de judío (en Argentina recuerda que “¡aquí están los que mataron a mis abuelos!”), improvisa una gag tras otra, metiendo la pata, y contrasta ideas con su amigo cristiano afro (O'Shea Jackson Jr.). Además, en todo momento, me recordó a un colega chileno periodista del que voy a dar las puras iniciales: A.J. ¡Ver para creer!

Ficha técnica

Título Original: Long Shot 
BFDistribution Comedia EE.UU. - 2 hrs. 
Fotografía: Yves Bélanger 
Edición: Melissa Bretherton, Evan Henke 
Música: Marco Beltrami, Miles Hankins 
Diseño Prod.: Kalina Ivanov 
Guion: Dan Sterling, Liz Hannah 
Actores: Charlize Theron, Seth Rogen, June Diane Raphael 
Director: Jonathan Levine

13/6/19

La Viuda - Por Jackie O.

“Con Greta se quitan las ganas de ser buen samaritano”.

Una mujer sola y una joven que perdió a su madre se encuentran y desarrollan una bonita y dependiente amistad. Más bien una amistad tóxica.

Todo comienza cuando Frances una joven que comparte departamento con su amiga Erica, va en metro y encuentra una hermosa cartera, la toma y se la lleva a su hogar donde la revisa con su amiga y luego decide devolverla ya que encontró la dirección de su dueña casualmente adentro de la cartera. La dueña de dicha cartera es Greta, una adorable mujer que vive sola, entablando ambas una amistad que en un comienzo las une la pérdida que ambas sufrieron.

Pero Frances comienza a darse cuenta que Greta no es muy normal que digamos y se aleja de ella. Greta efectivamente no es normal, sacando a relucir su obsesión y locura.

Existen muchos hombres en el cine como psicópatas y pocas las mujeres, pero cuando las hay locas, vaya que las hay: Atracción fatal, mujer soltera busca, La mano que mece la cuna, Misery, etc. Donde comienzan lindas y suaves para terminar el asunto alocado.

Isabelle Huppert es quien hace de Greta y le quedan muy bien los papeles de mujer atormentada y extrañas, acá saca a relucir todo su potencial. Choe Grace Moretz se presenta como la indefensa Frances, la cual no me convence del todo, ya que a veces sentí que sobreactuaba un poco, pero eso no le quita la emoción a la película. Que por lo general va acompañada de una música que te alerta de que algo va a pasar.

En momentos es inquietante y atrapante. No saltaras de tu asiento por que no es terror, es un thriller psicológico. Donde Neil Jordan le da características de estilo noventero en cuanto a guion y ambiente.

Antiguamente se veían las películas ese acoso donde el malo seguía a todos lados al bueno, ahora basta un click para atormentar a la gente. Y es igual o peor de estresante. Neil Jordan usa ambos estilos en esta película, y es efectivo.

El guion no es nada original y con un final que te quedas pensando, pero muy interesante para ver y disfrutarla.

Es una película donde te hará además pensar si ser o no un buen samaritano, si ver algo y mejor hacerse el desentendido. O ir dejarlo al cuartel policial más cercano y que ellos se hagan cargo.

Por último pregunto: ¿Crees que la soledad y/o la pena te pueden llevar a la locura? ¿O es un estado que se encuentra arraigado en algunas personas y lo desarrollan con algún detonante? Quién sabe, pero de que existe gente loca, vaya que las hay.

Ficha técnica

Título original: Greta Año: 2018
Duración: 98 min. País: Irlanda
Dirección: Neil Jordan Guion: Ray Wright, Neil Jordan
Música: Dominik Scherrer Fotografía: Seamus McGarvey
Reparto: Isabelle Huppert, Chloë Grace Moretz, Maika Monroe, Stephen Rea, Colm Feore,Zawe Ashton

Hombres de Negro - Por Jackie O.

“Buen momento para usar el neutralizador”

Todos esperábamos esta nueva producción debido a que cuenta con un casting excepcional y la historia de MIB está en nuestra memoria como una buena y entretenida saga.

Pero que tenemos acá: exceso de malos CGI, chistes forzados casi todos fomes y guion totalmente disperso, por decir lo menos.

Es resumen esta es la peor película de la saga.

La trama, no sé… lo mismo que se conoce pero mal presentado, escrito y dirigido. Es decir acá están todos decayendo, a que me refiero, por ejemplo su Director Felix Gary Gray (El mediador o Negociador de 1998 –Tómalo con calma 2005 – Rápido y furioso 2017) menciono algunas películas que tuvieron buena recepción, pero ésta cae dentro de sus malas direcciones. El guionista Matt Holloway (Transformer 2017 – El Castigador 2008) está sumando fracasos a su curriculum. No sé en que estaban pensando, esto se les ocurrió en un día de juerga… no sé.

Chris le está tomando gusto a las comedias (ver en última Avengers y cazafantasmas) y quisieron ponerle el toque cómico tipo Marvel, pero no está funcionando creo yo.

Los CGI de esta cinta son muy malos, se notaban todos y hubo exageración en ellos, tal vez es a propósito para tapar la mala historia que nos querían presentar.

Extraño a Tommy y Will, pero sí hay que darle cabida a nuevos rostros para refrescar las tramas, y Tessa con Chris son buenas opciones y puedo decir que tienen buena química. El resto de actores como Liam Neeson o Emma Thompson le dan el toque serio, elegante y a veces simpático.

Trama, no hay ya que todo es disperso y algo plano a veces. No sé ni cómo catalogarlo.

Y los antagonistas, son muy malos hasta ridículos.

Se viene MIB 5 así que espero mejoren. O tal vez se viene “Mujeres de negro”, quien sabe. Solo espero algo digno para no olvidar.

Esta vez activo el neutralizador… y ya la olvidé.

LO MALO:

-No darle más cabida al despliegue actoral a Liam, Rebbeca y Emma.

-CGI que caen en lo burdo por la notoriedad y el exceso, que creo fue para esconder la mala trama. –Nada original, muy predecible.

–Los antagonistas. –Chistes tipo show de estand-up malos.

-En realidad casi todo.

LO BUENO:

-Casting. –El personaje del pequeño PEÓN (Pawney) destaca.

–Buena química entre Tessa y Chris.

La película la puedo catalogar de aceptable a mala. Tal vez algo entretenida, pero lo mínimo.

Espérala mejor a que la den por TV.

Ficha técnica

Título original: Men in Black: InternationalCómica/Ciencia Ficción.
Director: F. Gary Gray
Actores: Chris Hemsworth, Tessa Thompson, Rebecca Ferguson y Liam Neeson
País de origen: Estados Unidos
Año 2019.
Duración: 114 minutos

La Viuda - Por Juan Pablo Donoso

Esperábamos más de Neil Jordan - El Juego de las Lágrimas 1992, Entrevista con un Vampiro 1994” y también otros notables como Mona Lisa 1986.

Repite las atmósferas de claroscuros interiores y días nublados de sus grandes filmes. También la dirección de actrices demuestra su oficio. Y más cuando alude al tema del acoso enfermizo sobre una criatura débil e inocente.

Aquí es una viuda solitaria que conquista la confianza de una muchachita huérfana de provincia que trabaja en Nueva York.

La joven Frances (Chloë Grace Moretz) encuentra una cartera de mujer olvidada en un Metro y decide devolvérsela a la propietaria Greta (Isabelle Huppert). Se entablará una relación afectiva entre ellas. Una carece de mamá. La otra perdió a una hija.

Más, gradualmente Frances hallará signos sospechosos en el hogar de Greta, e intentará alejarse de ella. Pero todo será inútil porque la viuda la perseguirá de manera cada vez más demencial.

Si bien el fenómeno ha sido tratado antes con éxito (Atracción Fatal, por ejemplo), ahora, por ser entre mujeres, pudo tener aristas más sutiles y distintas. En especial teniendo como Greta a la excelente actriz francesa Isabelle Huppert, ya consagrada en roles desquiciados como La Profesora de Piano (2001) y Elle (2016).

Sin embargo, por deficiencias del guion, la intriga se va llenando de contrasentidos y clichés. Greta pudo habernos engañado a nosotros también si hubiese manejado su personaje con mayor contención y dulzura sostenida. La Huppert puede hacer eso y mucho más. Al mostrar su juego tan temprano limitó sus matices actorales y dejó que sólo Frances viviera el tormento y la indefensión.

Entre los personajes secundarios destacamos a Maika Monroe, como Erica, la compañera de cuarto de Frances. Con carismática presencia y economía gestual va viviendo de manera paralela la pesadilla de su amiga.

Estaban dados todos los elementos para una gesta de gran suspenso. Con tan paradigmáticas actrices, Jordan junto al guionista Ray Wright, tuvieron en sus manos un final más europeo, siniestro y amoral. Pero culminaron con los archiconocidos finales populistas.

El desarrollo que también pudo ser más sibilino se vino abajo sin remedio con un remache tan burdo como ese.

Así, en vez de una joyita de perversión psicótica nos quedamos con el burdo mensaje de evitar devolver objetos de valor hallados en la calle y, peor aún, encariñarnos con los supuestos propietarios.

DRAMA DE SUSPENSO PSICOLÓGICO DESPERDICIADO POR OPCIONES FACILISTAS.

Ficha técnica

Título Original: Greta 
Drama, misterio, suspenso Diamond Films Irlanda, EE.UU. - 1,38 hrs. 
Fotografía: Seamus McGarvey 
Edición: Nick Emerson 
Música: Javier Navarrete 
Diseño Prod.: Anna Rackard 
Guion: Ray Wright, Neil Jordan 
Actores: Isabelle Huppert, Chloë Grace Moretz, Maika Monroe 
Director: Neil Jordan

Hombres de Negro Internacional - Por Juan Pablo Donoso

Parece una competencia entre las productoras por superar cuál invierte más millones de dólares, pone más efectos especiales, recorre más el mundo, acumula más combates, y cuál logra mayor velocidad. Si la historia se entiende o tiene lógica, es lo de menos.

Los Hombres de Negro de las sagas anteriores protegen la Tierra de los parásitos perversos del Universo. Ya hay otros gorgojos muy feos, pero son inofensivos y, supuestamente, más simpáticos o sensuales en el caso de las féminas (Rebecca Ferguson).

En este nuevo capítulo es tal la acumulación de aventuras, elementos supersónicos, mutantes, alienígenas, efectos psicodélicos, países diferentes y estrellas famosas del cine que, todo comprimido en 115 minutos, desafía la resistencia de cualquier espectador mayor de 30 años.

Si alguien quiere disfrutar de esta superproducción de US$110.000.000 deberá verla 2 o 3 veces para desentrañar la maraña de intrigas internacionales, criaturas estrambóticas, seguir el acopio de acontecimientos, y reír a veces con los chistes insertados en la vorágine.

Ahora se integra a los “hombres de negro” una heroica “muchachita de negro” llamada Agente M (Tessa Thompson), y a un minúsculo duende llamado Pawny encargado de decir las chirigotas.

Y todo para combatir la amenaza de una tal Colmena, que vendrá del espacio, y cuyos heraldos son dos mulatos flacuchentos que cuando se enojan, les sale luz por los ojos y con las manos derriten el pavimento de las calles.

MULTIMILLONARIA SECUELA DE ACCIÓN DONDE TIRAN DE TODO A LA PARRILLA PARA SUPERAR A LA COMPETENCIA. ABRUMADORA Y RECARGADA.

Ficha técnica


Título Original: Men in Black: International 
Acción, aventuras, comedia Andes Films y Sony Pictures Inglaterra, EE.UU. - 1,55 hrs. 
Fotografía: Stuart Dryburgh 
Edición: Zene Baker, Christian Wagner, Matt Willard 
Música: Chris Bacon, Danny Elfman 
Diseño Prod.: Charles Wood 
Guion: Matt Holloway, Art Marcum 
Actores: Tessa Thompson, Chris Hemsworth, Rebecca Ferguson 
Director: F. Gary Cray