18/5/19

John Wick 3: Parabellum - Por Jackie O.

Si en la parte 2 te enseñó a utilizar un lápiz, ahora te enseña a usar un libro.

¿Podría ser un nuevo James Bond en cuanto a sagas? Algunos estarán escandalizados por lo que acabo de escribir. Pero quien sabe…

Cuando conocimos a John éste sacó de una caja unas monedas de oro que mantenía ocultas para no tomarlas más junto a otras especies, ahí nos dio indicios de que esto no sería una película pasajera.

Excomulgado de este mundillo luego de matar a un miembro de la “Alta Mesa” u Orden Suprema, agregándole a eso que lo hizo dentro del Hotel Continental que es un terreno sagrado, una especie de Olimpo de este submundo, Winston le dio una hora para huir ya que a su cabeza se le puso precio por la módica suma para eliminarlo de US$ 14 millones, cifra que va en aumento con el correr de las horas. Esta parte 3 comienza justo ahí: huyendo por Nueva York mojado y herido, lo cual encontré bastante bueno.

Chad Stahelski, ha estado dirigiendo esta trilogía con bastante éxito, y nuevamente de guionista a Derek Kolstad, creando junto al resto del equipo un mundo y varios personajes de él. Además no resta mencionar que Chad no es primera vez que trabaja con Keanu, fue su doble de riesgo en Matrix.

En esta oportunidad, Keanu quiso hacer casi todas las escenas de riesgo él.

Puedo atreverme a decir que en los últimos tiempos esta película tiene dentro de las mejores escenas de acción las cuales fluyen una tras otra, las cuales comienzan desde los primeros minutos así que no llegues tarde a verla.

Con imágenes potentes, buenos personajes en su mayoría. Hasta ahora están armando una franquicia genial y ojalá no se les escape de las manos.

No es un guion espectacular, pero tiene ciertos diálogos muy buenos incluso sin diálogos está bien, ya que las miradas y gestos hablan por sí solos. Hasta su humor negro me encantó

En cuanto a los personajes que nos presentan en esta historia, puedo decir que: Halley Berry como Sofia es un buen personaje que deben seguir explotando, pero hay momentos en que ella sobreactuaba un poco, un poquito, y sus perros fabulosos, me encantaron.

Jerome Flynn me encantó verlo y desarrolló bien su rol como uno de los cabecillas de este submundo.

La adjudicadora, Achia Kat Dillon, la idea del personaje es buena pero mal ejecutada, como una de las antagonistas que nos presentan.

El personaje de Saïd Taghmaoui debió haber sido otro actor, alguien con más nivel actoral, con mayor prestancia. Él es buen actor, pero no para esta película, ya estamos a otro nivel y más exigentes. Ya que la mitología de este mundo mafioso va creciendo. Y acá, a pesar de no ser un gran guion, igual le da un sentido y explicación a toda esta saga. Y vamos conociendo un poco más de los orígenes de Jardanis.

Que me gustó y que no:

Un SI: Me encanta el estilo que se maneja, las coreográficas peleas son espectaculares. Una buenísima banda sonora (me obligó a quedarme hasta el final, hasta que se apagó la pantalla), un diseño de producción bien logrado, gran sonido, buen vestuario, fotografía, ósea visualmente te tiene sin pestañear. En cuanto a efectos, muy buenos la mayoría.

Las telefonistas, esa idea de antiguas operadoras de teléfonos tipo Suicide Girls me encantó la idea.

Las peleas, cuchillos, balas, sangre, con un John prácticamente flagelado que sigue sin parar, te atrapan.

Un NO: Varios CGI se notaban, pero pasan ya que la acción te atrapa. Aun así creo, que se merece un reconocimiento a fines de año en alguna de las premiaciones que se realizan.

Algunos personajes desarrollados como por ejemplo, Achia Kat Dillon y Saïd Taghmaoui, no me convencieron para nada.

El guion un poco flojo, pero se lo perdonamos esta vez, no… siempre.

Para finalizar me pregunto, ¿Quién puede matar a John Wick…?

Bueno, creo que solo John Wick.

Las hijas del fuego - Por Jackie O.

Pornografía IN: Insoportable, Inútil, Incongruente.

Radical, política, provocadora y pornográfica, así se presenta esta película Argentina.

Una película arriesgada, un género que va enfocado a un circulo reducido y específico de público.

Cuál es la trama, no en realidad la palabra es muy amplia para esto. Cuál es la historia mejor dicho: Una pareja de chicas se encuentran en Tierra del Fuego luego de mucho tiempo sin verse, quienes comienzan a tener sexo explícito, sin pudor, ni escondiendo el acto. Un acto largo que no se limita a acortar, sino que a mostrarlo todo.

Luego estas dos chicas van a un bar y en una pelea conocen a otra mujer que antes de saludarse comienzan a besarse para luego intimar las 3. Y así seguimos en la monotonía sexual, las 3 deciden tomar un vehículo robado para irse al sur, una especie de vacaciones donde una de ellas aprovechara para grabar su película porno, un viaje “liberador” dicen.

Por el camino no conocen solo a una chica, si no que después se suman 2 y luego otras más, para llegar a la casa de la séptima que se hace partícipe de este enredo sexual. Todas lesbianas y sin conocerse mantienen relaciones sexuales, sexo por que sí en el momento: dentro de una iglesia, a campo abierto, habitación, etc. sexo sin razón aparente, solo porque sí.

Acá se muestra el acto igual que los animales que se olfatean el ano para aparearse.

No hay tiempo para mucho dialogo, una película totalmente de mujeres, salvo una pequeña aparición con un breve dialogo del esposo de la última mujer que se une a esta historia. AH! Y los sujetos del bar de la pelea que mencioné en un comienzo.

La película no tiene ninguna coherencia de nada, no hay trama, estética, efectos de sonido, banda sonora, nada. Es solo mostrar sexo sin tapujos y porque sí, con cámara en primeros plano de zonas genitales o planos amplios para ver todo el espectáculo de orgías que se muestran. Se agrega que una de las protagonistas hace de voz en off relatando lo que quieren disfrazar como poesía, un dialogo sexual sin sentido. Podría por lo menos ser sensual su voz o el texto enardecedor, pero nada.

Las mujeres somos hermosas, el cuerpo de una mujer es bello, pero lamentablemente en esta película se muestra grosero y vulgar.

No importa la talla, es la sensualidad y la delicadeza de nuestro cuerpo al cual debemos cuidar, mostrar y disfrutar.

Algunas personas señalan que a quienes no les gusta el porno lésbico o LGBT en general, son homofóbicos o prejuiciosos, pero a esas personas les digo no. No es nada de aquello. Quieren presentar algo, preséntalo como porno al 100% pero no disfrazarlo con que “esto es radical, político, liberador, poético, feminista…” o lo que sea. Esto fue porno sin sentido, sin delicadeza, SIN ARTE.

Explorar la sexualidad es de lo más normal, es parte del ser humano disfrutar del cuerpo. Pero si lo van a pasar a la pantalla grande que sea artístico, armonioso, cosa que ha carecido esta película que de seguro va a terminar en algún motel para tal vez provocar a sus pasajeros.

La moraleja de esta película es que las lesbianas y todo el sector LGTB son promiscuos, y la promiscuidad conlleva a una serie de enfermedades de transmisión sexual, ya que no se veía ningún cuidado. Todas con todas como sea. ¿Ese es el mensaje que se quiere dejar?.

La película cumple con su objetivo de no dejar indiferente y que hablemos de ella. Para que los curiosos se embarquen a verla. Una película que aprovecha los tiempos del feminismo y el poliAmor que está de moda. Pero si esto es parte del feminismo, no me considero feminista, me ofenden y ofenden a quienes sí trabajan por la causa feminista.

Algo bueno de todo esto, sí: El corto que se presentó al comienzo, “Aurora”, muy bien realizado. El cual me engañó ya que creí que venía después algo bueno.

17/5/19

John Wick 3: Parabellum - Por José Blanco

Muchos esperaban la continuación de las aventuras de este asesino altamente especializado, al que sacaron de su letargo cuando le mataron el perrito regalón que le recordaba a su difunta esposa.

Después de un intermedio de lucha contra mafiosos italianos y haber cometido un crimen imperdonable (matar a un criminal en el lujoso hotel Continental, donde los principales criminales del mundo debería disfrutar de inmunidad). Ahora, Winston, el director del establecimiento (Ian McShane) ha puesto precio a su cabeza y le ha dado una hora de tiempo para ponerse a salvo.

Con todo el mundo en contra estimulado por los millones de dólares que se ofrecen, Wick tiene los minutos exactos para encontrar un libro en una biblioteca dentro del cual están los objetos que le permitirán seguir con vida.

No se puede contar la película, porque – por sobre todo – es un extenuante videogame con los personajes ya conocidos (el conserje de Lance Reddick; el Bowery King de Laurence Fishburne y sus palomas mensajeras) y otros nuevos y fascinantes como la Sofia de Halle Berry, peligrosos como el Zero de Mark Dacascos o la inquietante Adjudicadora de Asia Kate Dillon. Y no hay que olvidarse de los perros, que cumplen con su trabajo a la perfección.

El “parabellum” del subtítulo significa “prepárate para la guerra” y está tomado de la frase proverbial “se vis pacem para bellum” (“si quieres la paz prepárate para la guerra”) que - no todos lo saben - es una adaptación de la frase “Igitur qui desiderat pacem, praeparet bellum“, escrita por Publius Flavius Vegetius Renatus (siglo IV d.C.) en su Epitoma Rei Militaris.

John Wick está en una guerra perenne y se está siempre reciclando, sin dejar de lado jamás su ambo obscuro y su corbata. Pero puede escabullirse de la muerte no sólo por las artes marciales y el uso indiscriminado de medios de todo tipo (armas blancas y de fuego, caballos). No se trata sólo de fuerza y de inteligencia. En este mundo delincuencial, en el que la policía y la autoridad constituida no existen, siempre hay algo o alguien que está por encima del jefe. Se trata de una estructura piramidal en la que acceder a los estratos más altos es casi imposible. Pero no para John Wick, que conoce todo y a todos. Para los amantes de la violencia, la entretención está asegurada.

Ficha técnica

Título Original: John Wick 3 : Parabellum 
Acción, crimen, violencia BFDistribution EE.UU. - 2,10 hrs. 
Fotografía: Dan Laustsen 
Edición: Evan Schiff 
Música: Tyler Bates, Joel J. Richard 
Diseño Prod.: Kevin Kavanaugh 
Guion: Derek Kolstad, Shay Hatten 
Actores: Keanu Reeves, Halle Berry, Ian McShane, Mark Dacascos, Asia Kate Dillon 
Director: Chad Stahelski

16/5/19

El Sol también es una Estrella - Por Carlos Correa

Clásica historia de chico-conoce-chica que no cree en el amor; él la desafía, ella permite una pequeña posibilidad y él realiza sus mejores esfuerzos. Entonces, ¿qué es lo diferente de esta nueva versión de una historia que tal vez hemos visto ya muchas veces? Veamos.

Natasha Kingsley -Yara Shahidi- es la chica. Su familia es inmigrante, proceden de Jamaica, y acaban de ser deportados como ilegales y por ello obligados a abandonar Estados Unidos dentro de 24 horas. Daniel Bae -Charles Melton- es el chico. Su familia también es inmigrante, proceden de Corea, sin embargo ya están asentados y su permanencia en territorio norteamericano no está en peligro. Ella está por graduarse, su mundo es la física cuántica. Él está por ingresar a la Universidad para estudiar medicina. Ella es práctica, él un soñador. Ella no cree en el destino, ni en las coincidencias, ni en los sueños porque nunca se cumplen. Él sí cree en el destino y en esas circunstancias mágicas que pueden unir incluso dos almas tan diametralmente diferentes como ellos.

Basada en la novela del mismo nombre escrita en el año 2017 por Nicola Yoon, esta cinta dirigida por Ry Russo-Young sostiene su relato basado en numerosos elementos que rodean la historia central. El primero y tal vez más evidente es el entorno. Nueva York es la ciudad donde se desarrolla el metraje lo que permite desplegar con lucidas tomas y ángulos el aura de esta ciudad cosmopolita, sus barrios y distritos, el Metro, sus famosos edificios e iconos, desde algunas perspectivas diferentes a las que observamos en otras cintas. El segundo es un elemento muy actual y se relaciona con los inmigrantes, esta vez en dos condiciones; los establecidos y los deportados, asumiendo las últimas condiciones que se han endurecido en el actual gobierno de Donald Trump. El tercer elemento es el carisma de los dos jóvenes protagonistas. Dueños de una natural desenvoltura, ella destaca por la capacidad de transmitir emociones profundas solo con gestos y miradas. Él, por su parte, posee un talento especial para transmitir sencillez sin exagerar ni complicarse. Ambos representan a dos jóvenes comunes y corrientes, que viven mundos diferentes, que por accidente coinciden y gracias a ello se conocen.

Si volvemos al centro de la historia de amor tal vez no descubramos nada diferente. Aquello está nuevamente en la periferia, en la relación de ambos con sus familias, en sus historias personales de vida y en los vínculos que ambos han generado y construido en un país y una ciudad que no es propia pero que se ha transformado en su casa, en su hogar, y en donde -especialmente Natasha-quieren desarrollar su vida.

La fórmula clásica funciona y logra momentos que, aunque predecibles, cautivan por su delicadeza, por la belleza de las tomas y también gracias a una selección de canciones que acompaña muy bien cada momento del día y la noche que pasan juntos.

“El Sol también es una estrella” logra reinventarse, se nutre de actualidad y avanza tal como lo que es, honesta y sin mayores pretensiones. Una bella historia de amor que se abre paso en una ciudad siempre interesante, con protagonistas que se alejan de los moldes típicos y con mucho cuidado y preocupación por los detalles lo que se aprecia a lo largo de sus precisos 100 minutos.

Ficha técnica

Título original: The Sun Is Also a Star
Año: 2019
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Alloy Entertainment / Metro-Goldwyn-Mayer / SuperMarioLogan / Warner Brothers
Género: Drama
Guion: Tracy Oliver (Novela: Nicola Yoon)
Música: Herdís Stefánsdóttir
Fotografía: Autumn Durald
Reparto: Yara Shahidi, Charles Melton, Gbenga Akinnagbe, Faith Logan, Jake Choi, Cathy Shim, Anais Lee, Camrus Johnson, Keong Sim, Miriam A. Hyman, Assibey Blake, Jordan Williams
Dirección: Ry Russo-Young

La Razón de Estar Contigo, un Nuevo Viaje - Por Juan Pablo Donoso

En 2017 se estrenó LA RAZÓN DE ESTAR CONTIGO, dirigida por el sueco Lasse Hallström, y fue un éxito mundial.

Ahora nos llega la secuela homónima con el anexo de UN NUEVO VIAJE, dirigida por Gail Mancuso. Y nuevamente es un acierto de emoción y humanidad.

Ambas tratan de un perro que se reencarna una y otra vez en razas y hogares diferentes. En cada una de sus vidas posee el mismo espíritu, y nos va narrando sus memorias, sentimientos, aventuras y reflexiones.

A través de cada una de sus vidas y muertes, evaluamos el comportamiento de las personas con las cuales convive. Su mirada es siempre ingenua y amorosa. Somos nosotros, los humanos, quienes a menudo les fallamos en los valores más esenciales.

En la primera película predominaban las vivencias del perrito en las sucesivas etapas de su regreso al mundo. En esta segunda cinta sus reencarnaciones se entretejen con los dramas de los miembros de una misma familia.

Ahora, cada una de sus presencias, ayudará a la maduración de las personas que lo han poseído y lo han amado.

Nos invita, una vez más, a preguntarnos, ¿qué pensarían los animales del comportamiento de sus amos?

Escuchando sus reflexiones sobre los seres humanos llegamos a dudar quién es, en verdad, la mascota de quién.

En la naturaleza intuitiva hay más sabiduría que en la gélida razón.

A menudo el perrito se refiere a nosotros como “la manada”; y acierta al juzgarnos como una defectuosa manada familiar que aún tiene mucho que aprender sobre la convivencia y la armonía universal.

Cada personaje humano, con sus errores y sentimientos, está bien caracterizado por los actores. Sus flaquezas y encantos nos generan compasión y tolerancia.

La pregunta de fondo – leit motiv – es sobre el verdadero sentido de volver a nacer y vivir bajo diversas circunstancias. Respuesta feliz que, al menos este perrito, logra encontrar al final de ambas películas.

UN CANTO DE AMOR Y COMPRENSIÓN PARA TODOS LOS SERES VIVOS. TOCARÁ EL CORAZÓN Y LA MENTE DE NIÑOS Y ADULTOS.

Ficha técnica


Título Original: A Dog´s Way Tragicomedia familiar 
Andes Films EE.UU. - 1,48 hrs. 
Fotografía: Rogier Stoffers 
Edición: Robert Komatsu 
Música: Mark Isham 
Diseño Prod.: Eric Fraser 
Novela y Guion: W. Bruce Cameron 
Actores: Kathryn Prescott, Henry Lau, Betty Gilpin, Dennis Quaid 
Directora: Gail Mancuso

El Sol También es una Estrella - Por Juan Pablo Donoso

Grata historia de un amor neoyorkino que parecía imposible. Él, hijo de emigrantes coreanos, ella, negra e hija de jamaicanos que deberán irse del país.

El romance de estos dos jóvenes tan diferentes parecía provenir desde la creación del Universo.

Sin saberlo, eran piezas predestinadas por el Deus Ex Machina. Es decir, por la fuerza inevitable del Destino que supera toda lógica y razón.

Mientras la familia de Natacha debía abandonar EE.UU. y volver a Jamaica al día siguiente, los padres de Daniel lo presionan para que postule a Medicina. Pero ella quería ser astrónoma, y él quiere ser poeta.

Hay un millón de futuros posibles. ¿Cuál se cumplirá?

A pesar del pragmatismo inicial de Natacha, en las atestadas calles de Nueva York comenzarán a suceder accidentes y coincidencias que fascinarán a Daniel con ella hasta convencerla de que el Amor es una realidad más poderosa que cualquier idea o circunstancia.

Las galaxias, los barrios de inmigrantes en Manhattan, los enormes rascacielos, parques y museos serán, durante 24 horas, las incubadoras de un romance destinado a ser eterno.

Recomendamos disfrutar del carisma de la actriz Yara Shahidi. Es una joven mezcla de iraní y afro-americana. Aún cursa Enseñanza Media y tiene cinturón negro en artes marciales Tang Soo Do. Ganó el Premio Próxima Generación de actrices negras en 2017. Se la puede ver en la serie televisiva Black-ish. Casi sin gestos, sólo con la mirada, transmite más emociones que mil palabras.

ROMÁNTICA, ESOTÉRICA Y TURISTICA DE UN NUEVA YORK FASCINANTE Y MULTIFACÉTICO. UNA MÁGICA HISTORIA DE AMOR.

Ficha técnica


Título Original: The Sun is Also a Star 
Drama, romance Warner Chile EE.UU. -1,40 hrs. 
Fotografía: Autumn Durald 
Edición: Joe Landauer 
Música: Herdís Stefánsdóttir 
Diseño Prod.: Wynn Thomas 
Guion: Tracy Oliver 
Actores: Yara Shahidi, Charles Melton, Gbenga Akinnagbe 
Directora: Ry Russo-Young

En tu Piel - Por Juan Pablo Donoso

Una vez más, el director chileno Matías Bize (La Vida de los Peces 2010 - La Memoria del Agua 2015), nos entrega una historia de amor osadamente íntima, lenta y minimalista.

Sólo tiene dos actores: Eva Arias, actriz y modelo - Miss República Dominicana 2010; y Josué Guerrero, también dominicano (Amigo D y Rubirosa 2, ambas de 2018).

Lo que comienza como una fogosa atracción de sexo extramarital, se irá transformando con el paso de los furtivos encuentros en un sentimiento más profundo, que obligará a tomar la decisión de unirse rompiendo sus hogares, o separarse para siempre.

El ritmo tan lento del relato nos permite acompañarlos en su proceso de maduración emocional. La intensidad de sus relaciones sexuales - en apariencia los momentos más felices - irán revelándose sólo como instancias para escapar - y aturdirse - de las verdades agridulces de sus realidades cotidianas.

El tema se ha tratado innumerables veces en el cine y el teatro por artistas de muchos países.

El valor de este filme radica en el control del pulso rítmico que caracteriza las obras de Bize. Hay meticulosidad en su tratamiento audiovisual, honestidad con que sus dos actores expresan - mediante sutiles gestos faciales y pocas palabras - la evolución de sus sentimientos.

Un discurso fílmico muy peligroso, porque oscila entre el aburrimiento por vacuidad y la compenetración con el drama de sus personajes. Y este director chileno logra salir airoso con la eficacia de sus imágenes, y la poesía latente del guion de Julio Rojas.

UNA NUEVA HISTORIA DE AMOR EN LA QUE MATÍAS BIZE CONSOLIDA SU ESTILO ÍNTIMO, MINIMALISTA Y EROTICAMENTE AUDAZ.

Ficha técnica


Drama, romance 
Market Chile y Larimar Films Chile y República Dominicana - 1,05 hrs. 
Fotografía: Arnaldo Rodríguez 
Edición: Valeria Hernández 
Diseño de Prod.: Ruy Dos Santos 
Guion: Julio Rojas 
Actores: Eva Arias y Josué Guerrero 
Director: Matías Bize 

John Wick 3: Parabellum - Por Juan Pablo Donoso

Deleite sádico para los fanáticos de la saga de John Wick.

Parabellum ("Si vis pacem, para bellum") = Si quieres Paz, prepárate para la Guerra.

El conflicto y los villanos provienen de los capítulos anteriores. Como la trama ya venía muy complicada, nos limitaremos a opinar sobre el tratamiento, la producción y sus actores más famosos.

Keanu Reeves, galán de aventuras esotéricas (Matrix - Máxima Velocidad - El Pequeño Buda), es ahora un fugitivo avaluado en US$14 millones por haber violado la regla central de una de las organizaciones criminales que gobiernan el país. Inmundo, herido y despeinado huye por las calles de N.Y. conservando su terno, corbata y zapatos mojados. Contra él se ensañarán los ejércitos de chinos y otros mercenarios. Y contra ellos se defenderá con artes marciales, espadas, hachas y armas de fuego.

Así es el resto de la película. Un combate tras otro, interrumpidos sólo por breves encuentros - estériles - con los jefes de las diversas mafias. Y vamos enfrentando de nuevo, en la noche eterna, a las hordas asesinas que sucumben como moscas gracias a su pericia imbatible de guerrero urbano.

Le disparan en un hombro, se lo cosen, y sigue combatiendo. Lo abandonan en el desierto. Lo obligan a cortarse un dedo de la mano. Lo flagelan sin misericordia. Y él seguirá venciendo hasta llegar al encuentro culminante… pero todo será inútil porque los líderes supuestamente muertos habrán resucitado para seguir persiguiéndolo.

Hasta habrá una jauría de perros feroces para despedazar a quien corresponda en cada momento.

El relato es así de somero. Serán las largas y brutales peleas, unidas a la perversión de las y los líderes, lo que mantenga funcionando esta carnicería de 2,10 hrs. de duración.

Sólo resta mencionar a algunas de las estrellas contratadas. Laurence Fishburne (Matrix, Río Místico, Otelo). Halle Berry (Gatúbela, Gothika, Frankie & Alice), sensual mulata que también tuvo a su cargo el entrenamiento de los perros (mascota rottweilwer incluida). El veterano Ian McShane (Deadwood, Piratas del Caribe, Blanca Nieves y el Cazador). Y para nuestra cultura nos presentan a Asia Kate Dillon, como la cruel Adjudicadora. Su personaje coincide con su naturaleza en la vida real: es una “genderqueer” = “no binaria”, es decir, distinta a los géneros binarios (masculino y femenino); queda, por lo tanto, fuera de la “cisnormatividad”. ¡Sin duda una extravagancia como actriz/personaje!

El director de toda la saga, Chad Stahelski, experto en artes marciales, asume él mismo como doble de Keanu Reeves en las escenas más salvajes de combate.

Tal vez por tradición preferimos los viejos filmes de Bruce Lee, Steven Segal, Chuck Norris y Jackie Chan.

ELABORADA PRODUCCIÓN DE VIOLENCIA EXTREMA, CARENTE DE LÓGICA, MORALIDAD Y EMPATIA HUMANITARIA.

Ficha técnica


Título Original: John Wick 3 : Parabellum 
Acción, crimen, violencia BFDistribution EE.UU. - 2,10 hrs. 
Fotografía: Dan Laustsen 
Edición: Evan Schiff 
Música: Tyler Bates, Joel J. Richard 
Diseño Prod.: Kevin Kavanaugh 
Guion: Derek Kolstad, Shay Hatten 
Actores: Keanu Reeves, Halle Berry, Ian McShane, Mark Dacascos, Asia Kate Dillon 
Director: Chad Stahelski

13/5/19

La Culpa - Por Jackie O.

Hasta cuanto te puedes involucrar sin saber toda la verdad. 

The Guilty, es una película danesa que trata de un policía que se encuentra relegado en la oficina de emergencia por haber cometido un hecho por el cual se le está investigado, por lo que por el momento debe estar en la central telefónica, una especie de 133 de Carabineros o 911 de EEUU. Acá es el n° 112 al que llaman las personas por diferentes tipos de problemas y él como el resto de telefonistas debe dar la orientación necesaria.

La ambientación es simple: una habitación con un par de telefonistas contestando las llamadas de rutina, muebles, iluminación artificial, encierro algo claustrofóbico y poca interacción entre funcionarios ya que deben estar pendientes del fono emergencia.

Asger no le gusta estar ahí pero está obligado, hasta que recibe la llamada de una mujer en donde él por su experticia como policía puede dilucidar a los minutos que está secuestrada, de esa forma trata de brindarle el apoyo necesario para que pueda ser rescatada. Él solo con su teléfono y un GPS tratará de buscar a esta mujer.

Es un thriller que genera tensión, ya que Asger ni nosotros vemos nada, solo escuchamos e imaginamos. ¿Cómo ayudar? ¿Qué pasa?

Hemos visto un sinnúmero de películas norteamericanas de este tipo, pero ahora estamos ante una película europea que nada tiene que envidiarle a Hollywood. Jakob Cedergren (Asger) nuestro protagonista, sabe cómo generar los tiempos y los momentos de tensión con su voz o solo su mirada. Una historia que te va envolviendo y tienes la necesidad de saber su desenlace.

Pero su desenlace tendrá un giro inimaginable…

La Culpa, ese sentimiento que atormenta cuando sabes que hiciste algo y debes de alguna forma para vivir tranquilo redimirte, pedir perdón, hablar con la verdad… ¿Y quien tiene esa culpa en sus hombros?

En trabajos de índole social, hasta cuanto te puedes o debes involucrarte con el usuario? en aquellos trabajos donde se trata de escuchar y/o solucionar problemas cuando decir basta, esto no me concierne, no debo llevar esto a casa, no debo involucrarme? Es difícil mantener un margen. Se puede, generalmente sí.

El guion está bien escrito, genera la tensión necesaria con los tiempos de silencio o diálogos. Y hay muchos silencios, incluso hacemos el esfuerzo junto a nuestro protagonista de escuchar cualquier ruido que nos ayude al otro lado del teléfono.

En que puede fallar, y es contradictorio, en esos mismos silencios que para algunas personas puede abrumarles, pero son parte de la trama y muy necesarios.

Ficha técnica

Título original: Den skyldige
Dinamarca, 2018
Dirección: Gustav Möller
Duración: 85 minutos
Guion: Emil Nygaard Albertsen, Gustav Möller
Producción: Nordisk Film
Fotografía: Jasper Spanning
Música: Carl Coleman, Caspar Hesselager
Reparto: Jakob Cedergren, Jessica Dinnage, Omar Shargawi, Johan Olsen, Maria
Gersby, Jakob Ulrik Lohmann, Laura Bro, Katinka Evers-Jahnsen.

12/5/19

La Culpa - Por Carlos Correa

Asger Holm -Jakob Cedergren- es operador en el Servicio de Emergencias de Copenhague, el 112, similar al 911 norteamericano. Es de noche, Asger está por concluir su turno y entre las llamadas habituales entra una que capta su atención: al otro lado del teléfono está una mujer aterrada, de nombre Iben, y que Holm descubre que ha sido secuestrada. Comienza entonces la búsqueda, los detalles del procedimiento, la localización de su ubicación, los despliegues policiales, el contacto con su familia y todo lo relacionado con el caso que nos mantiene en alerta máxima durante los 85 minutos del metraje.

El guion de “La Culpa” está tan bien escrito que, gracias a sus numerosos aciertos, literalmente vemos todo lo que la pantalla no nos muestra. Un delicado trabajo de cámara dentro de la central de emergencias sigue constantemente al protagonista, desde diferentes ángulos, con movimientos lentos, algunas sorpresas y un solo cambio de sala de trabajo. Todo lo que realmente observamos en pantalla está allí, entre cuatro paredes, con los otros operadores de fondo incluido el cambio de turno.

La magia que produce este filme de Gustav Möller es que desafía nuestra imaginación. Las múltiples llamadas telefónicas y conexiones nos permiten armar los distintos escenarios y visualizarlos perfectamente. Cada uno de los personajes que intervienen, Iben, su hija Mathilde, su exmarido Michael, el oficial amigo y ex compañero de Asger y los otros operadores que coordinan el despliegue policial, tienen un perfil claro y definido. Solo escuchamos sus voces pero sabemos perfectamente quienes son y nos parece verlos actuar.

Es cierto, tal vez por presupuesto o sencillamente por decisión, la cinta es totalmente minimalista en cuanto a los elementos filmados. Pero hay que tener una máxima claridad para elaborar y filmar una película de este tipo, sosteniendo toda la tensión en una actuación principal con sus interacciones telefónicas. El mérito es enorme, tal vez por ello todos los reconocimientos y premios que ha obtenido y que no son pocos.

“La Culpa” es un thriller apasionante, que desde el comienzo atrapa y no suelta nunca. No solo queremos saber el desenlace, también nos vamos introduciendo en lo que cada personaje representa y lo que sucede en su interior. Las voces no son neutras, nos dan la clave en más de una oportunidad. Y por supuesto, a medida que transcurren los minutos, comprendemos quién es el policía, qué está haciendo en el servicio de emergencia, los errores del pasado, sus temores y añoranzas y finalmente percibimos aquella culpa interior de la que da cuenta el título de esta excelente película danesa.

Ficha técnica

Título original: Den skyldige
Año: 2018
Duración: 85 minutos
País: Dinamarca
Productora: Nordisk Film
Género: Thriller | Secuestros / Desapariciones
Guion: Emil Nygaard Albertsen, Gustav Möller
Música: Carl Coleman, Caspar Hesselager
Fotografía: Jasper Spanning
Reparto: Jakob Cedergren, Jessica Dinnage, Omar Shargawi, Johan Olsen, Maria Gersby, Jakob Ulrik Lohmann, Laura Bro, Katinka Evers-Jahnsen, Jeanette Lindbæk, Simon Bennebjerg, Morten Suurballe, Guuled Abdi Youssef, Caroline Løppke, Peter Christoffersen, Nicolai Wendelboe, Morten Thunbo, Anders Brink Madsen
Dirección: Gustav Möller

Enamorado de mi mujer - Por Carlos Correa

Daniel Auteuil dirige y actúa en esta comedia francesa que también tiene como protagonistas a Gérard Depardieu, Sandrine Kiberlain y a la bella española Adriana Ugarte.

Daniel -Auteuil- se encuentra con su amigo Patrick -Depardieu- quien hace poco ha dejado a su esposa por una mujer muy atractiva y también mucho más joven que él llamada Emma, interpretada por Adriana Ugarte. Daniel invita a la nueva pareja a su casa a cenar, donde su esposa Isabelle -Kiberlain- no está a gusto porque la ex de Patrick es una buena amiga que ha sido desplazada por la reciente y novel conquista. En la incómoda cena, Daniel queda deslumbrado con Emma y a su ya particular imaginación agrega ahora una desbordante fantasía con la joven pareja de su amigo que lo hace soñar innumerables veces durante la velada.

Auteuil es sin duda el foco del relato. Se roba la película con su actuación, con sus confusiones lingüísticas y también con las escenas que imagina porque nunca sabemos si son o no realidad. Este cruce permanente entre la realidad y la ficción, permite que la cinta avance y que gracias a los enredos generados estemos alertas a pesar que en verdad no sucede mucho.

Esta comedia francesa no es tan clásica como pudiera parecer a primera vista. Además de la química entre sus protagonistas, el drama que contiene es mayor. No solo se trata de una madurez cohibida y reprimida que se ve atraída por una joven novedad y con ello la promesa de una nueva vida sino que también aporta un par de visiones desde la otra realidad. La inseguridad se vuelve lo central, como asimismo se revela una visión del peligro que viene de la mano con la nueva relación. Las fantasías de Daniel no sabemos si son sus propias profecías o una forma de adelantarse al futuro como si fueran jugadas en el partido de ajedrez de su vida.

“Enamorado de mi mujer” si bien no tiene gran altura, es agradable por sus actuaciones -que parecen más propias de una obra escénica que de una película- y también sorprende, porque tiene un toque distinto a lo acostumbrado. Esa singularidad tal vez le da un giro a la interpretación de su título y, junto a la ácida crítica a un tipo de actuar masculina, añade un elemento a tomar en cuenta -una moraleja poco común en la actual comedia francesa- al aventurar un resultado para luego regresar a un punto tal que permita tomar un camino diferente.

Ficha técnica

Título original: Amoureux de ma femme
Año: 2018
Duración: 84 minutos
País: Francia
Productora: Curiosa Films / France 3 Cinéma / Versus Production / Zack Films / France Télévisions / Cinémage 12 / OCS / A Plus Image 8
Género: Comedia. Romance
Guion: Florian Zeller (Obra: Florian Zeller)
Música: Thomas Dutronc
Fotografía: Jean-François Robin
Reparto: Sandrine Kiberlain, Adriana Ugarte, Gérard Depardieu, Daniel Auteuil, Brigitte Aubry
Dirección: Daniel Auteuil

Nadando por un sueño - Por Jackie O.

"O chapoteas o te hundes. Una historia de superación". 

Hace aproximadamente 1 año que 6 hombres de 38 a 50 años más menos se reúnen en una piscina a tomar clases de natación con una ex campeona de nado. 

Hasta que deciden crear un equipo de nado sincronizado masculino, ahí aparece Bertrard un sujeto que hace mucho no tiene trabajo y está sumido en una tremenda depresión. En realidad no mencioné que esos 6 hombres están sumidos en su propia miseria, llenos de problemas, refugiados en la droga, la pena, la amargura, soledad, alcohol... Y una larga lista de problemas. Pero Bertrard ve en la natación una forma de ayudarse.
Así comienza la aventura de estos 7 sujetos que ya no tienen nada que perder, no les da miedo el ridículo del cual todos les indican. Ya los han humillado por años sus amigos y familiares, que más da si otros lo hacen. No importa.
La entrenadora no está ajena de los problemas y debe alejarse un tiempo. Así que deja a su amiga invalida que los entrene. La cual es muy ruda, temida y odiada por estos varones.
Luego de ir conociendo la vida de la mayoría de nuestros nadadores, vamos queriéndolos y empatizando con ellos. Se entiende el esfuerzo que ponen en cada clase.
Unos más entusiastas que otro deciden participar de una competencia internacional de nado sincronizado masculino, una locura para muchos pero no para ellos.
No estamos ante atletas, para nada. Hombres comunes y corrientes llenos de problemas. Con unos cuerpos flojos y nada trabajados. Pero que en el fondo quieren superarse. Ellos saben que están mal, y se ayudan. Ya que además encontraron en este grupo una nueva familia.
Pero uds ven en la fotografía promocional a 8 sujetos, bueno, el octavo apareció por una necesidad de encontrar "el pilar" para su coreografía. Y no podía ser alguien diferente al grupo, es el más joven, un drogadicto trabajador en un hogar de ancianos.
Esta película no sabría decirles si prima más el drama ante la comedia o al revés. Una película de personas comunes y corrientes, llenas de problemas pero que nos enseña a que sí podemos superar esos estados que nos botan, que sí podemos levantarnos, que muchos se burlarán y dirán "no puedes".
Es la desesperación de salir de ese hoyo. Nos enseña a que se puede ser feliz, y que nunca es tarde para recuperar el tiempo perdido.
Un guión que no es una obra maestra pero sí inteligente, con actuaciones realmente buenas, una edición bien lograda y su musicalización acorde.
Una película que es interesante ver, recomendada para salir del cine comercial.

Ficha técnica

Título original: Le grand bain
Título internacional: Sink or Swim
Guion y Dirección: Gilles Lellouche
Música: Jon Brion
Fotografía: Laurent Tangy
Empresas Productoras:
Les Productions du Trésor / Chi-Fou-Mi Productions
Género: Comedia
Año: 2018
Duración: 110 min.
País: Francia
Distribuye: Impacto Cine
Reparto: Mathieu Amalric, Guillaume Canet, Benoît Poelvoorde, Jean-Hugues Anglade, Virginie Efira, Leïla Bekhti, Philippe Katerine, Alban Ivanov, Mélanie Doutey, Jonathan Zaccaï, Noée Abita, Erika Sainte. 

10/5/19

La Culpa - Por Juan Pablo Donoso

Un ejemplo de cómo lograr una película apasionante de suspenso, con bajísimo presupuesto, sin violencia explícita ni efectos especiales.

Todo sucede en un Centro Policial de Llamadas telefónicas, y con prácticamente un solo actor, Jakob Cedergren.

Este magnífico filme danés supera en virtuosismo a un similar antecesor estadounidense - LOCKE (2013) - en que todo el drama se desarrolla también sólo a través de voces.

Anger Holm es un policía suspendido de sus tareas habituales bajo del cargo de matar a un delincuente. Mientras lo investigan ejerce como telefonista nocturno en el Centro de Llamadas de Urgencia. Su tarea es rutinaria ya que debe atender consultas de fácil solución.

Todo cambia cuando, a punto de terminar su turno, recibe el pedido de socorro de una mujer, madre de dos hijos pequeños, que ha sido violentamente secuestrada por su ex marido.

Anger inicia, por medio del rastreo computarizado, un complejo operativo con otras unidades móviles para interceptar el vehículo del raptor que, supuestamente, pretende asesinar a su esposa.

La cámara en ningún momento abandona al telefonista. Gracias a sus conversaciones debemos imaginarnos a los interlocutores, incluyendo a la pequeña hijita Matilde de seis años, que describe la forma brutal en que el marido arrebató a su madre de la casa.

El suspenso y la angustia aumentan mientras más se cierra el círculo en torno a Iben, la víctima, quien con dificultad sigue comunicándose con Anger.

El desarrollo de la pesquisa nos va deparando sorpresas y giros insospechados sobre los motivos del secuestro.

Hasta aquí sólo sería un caso típico de emergencia policial. Más, como la cámara permanece en encuadres cerrados sobre el rostro de Anger, nos permite conocer su drama íntimo, sus culpas anteriores y su miedo ante la audiencia judicial del día siguiente.

La forma admirable en que el guion entrecruza el terror de la mujer secuestrada (voz de Jessica Dinnage), los pormenores del caso que se van revelando, y el tormento personal del telefonista, hacen de esta película un relato que nos mantiene al borde del asiento durante 82 minutos.

Tal vez para enriquecer la tensión dramática existan ciertas concesiones sobre la realidad de estos procedimientos. Es improbable que un hombre solo deba afrontar semejante delito sin que toda la Prefectura se ponga al servicio de la situación. Pero valga la licencia en beneficio de un caso como éste, en que lo policial se combina con la locura y con los dilemas personales del protagonista.

ESTUPENDO FILME DE SUSPENSO POLICIAL, CON GIROS INESPERADOS Y DILEMAS DE CONCIENCIA. MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica


Título Original: Den skyldige 
Crimen, suspenso CDI Films Dinamarca - 1,22 hrs. 
Fotografía: Jasper Spanning 
Edición: Carla Luffe Heintzelmann 
Música: Carl Coleman, Caspar Hesselager 
Diseño Prod.: Gustav Pontoppidan 
Guion: Emil Nygaard Albertsen Emil Nygaard y Gustav Möller 
Actores: Jakob Cedergren, Jessica Dinnage, Omar Shargawi 
Director: Gustav Möller

8/5/19

Nadando por un Sueño - Por Juan Pablo Donoso

Es difícil que alguien se disguste con esta simpática e inteligente película belga/francesa.

Si bien su argumento trata - una vez más - el tema del esfuerzo humano por competir en un torneo deportivo, ahora el encanto radica en sus patéticos personajes.

Nueve hombres maduros, con diversas frustraciones, descubren una terapia psicológica en la práctica del nado sincronizado.

Hacen caso omiso de las burlas por ser esta una destreza principalmente femenina; disfrutan al principio de una grata amistad y, más tarde, el amor propio los envalentona para inscribirse en una competencia internacional.

Se pondrán, al comienzo, bajo las instrucciones de una antigua nadadora quien les enseña los rudimentos iniciales. Y, más adelante, cuando ya se atreven a competir, lo harán bajo el flagelo de otra implacable ex-nadadora inválida, que los somete a un despiadado entrenamiento.

La riqueza de este filme radica en cómo llegamos a conocer la historia y el carácter de cada uno de esos hombres tan grises. Y también de las flaquezas íntimas de sus dos entrenadoras.

Empatizamos con cada uno de ellos, cuyo instinto los hace luchar contra la mediocridad y dar un mayor sentido de sus vidas.

No invita a reflexionar - con mucho humor - sobre los prejuicios de lo que se supone “masculino” en nuestros tiempos. Se nos propone, sin pudor, “hallar la mujer que tenemos dentro”, precisamente para consolidar nuestra hombría.

El título en inglés - Sink or Swim (Húndete o Nada) - es el acicate que junto con motivar a sus personajes, hace guiños a tantos espectadores aún indecisos ante los desafíos más inocentes de la vida diaria.

Resaltamos la presencia de Mathieu Amalric como Bertrand, el depresivo personaje principal. En un rol muy distinto a sus filmes anteriores - La Escafandra y la Mariposa 2007 - El Gran Hotel Budapest 2014 - Munich 2005 - aquí hace alarde de sutiles matices de su personalidad.

Por el ángulo novedoso de su tema, por la atinada elección de sus actores, por el ritmo y su ágil dirección, esta cinta integró la selección Oficial del Festival de Cannes 2018.

ENTRETENIDA, GRACIOSA Y EMPÁTICA. REALIZADA CON LA FINA AGUDEZA DEL BUEN CINE GALO.

Ficha técnica


Título Original: Le grand bain 
Tragicomedia, deportes 
Impactocine Bélgica, Francia - 2,02 hrs. 
Fotografía: Laurent Tangy 
Edición: Simon Jacquet 
Música: Jon Brion 
Diseño Prod.: Florian Sanson 
Guion: Ahmed Hamidi, Julien Lambroschini 
Actores: Mathieu Amalric, Guillaume Canet, Benoît Poelvoorde 
Director: Gilles Lellouche

Maestras del Engaño - Por Juan Pablo Donoso

Tenía los ingredientes para ser una comedia sofisticada, ingeniosa y bien actuada.

Y aunque sus actrices hacen lo posible por mantener el humor, la carencia de antagonistas en el guion impide que este filme despegue y alcance un clímax eficaz.

Comienza con la presentación de dos mujeres expertas en estafar a millonarios bobos y libidinosos. Una muy elegante - Anne Hathaway (Los Miserables 2012 - El Diablo Viste a la Moda 2006); la otra, Penny, una gorda australiana, más pobretona, pero igualmente astuta - Rebel Wilson (Damas en Guerra 2011).

Cuando se conocen coinciden en que juntas serán capaces de extraer las fortunas que deseen de los cándidos ejemplares del sexo masculino.

El conflicto surge cuando ambas compiten por seducir y timar a un magnate de la computación - Alex Sharp (UFO 2018), joven actor ganador del Premio Tony por su actuación en Broadway de "The Curious Incident of the Dog in the Night-Time".

De ahí en adelante, y como venía ocurriendo con anterioridad, la trama sólo se sustenta en pequeños chistes verbales - algunos bastante obscenos en inglés - para irse desinflando hacia los dos o tres falsos finales que nunca logran remachar la comedia.

Hermosa presentación animada de los créditos iniciales; personajes secundarios que prometían una ingeniosa participación posterior - Ingrid Oliver como la Inspectora lesbiana y Douggie McMeekin como el viejo mayordomo - cuya participación se diluye hasta casi desaparecer.

La comediante de stan-up Rebel Wilson produjo esta película con gran boato, sin escatimar escenarios, locaciones europeas, vestuarios ni actores. Hace ostentación de su obesa simpatía y, para consuelo, esta farsa mantendrá entretenidas a las pasajeras de un vuelo en avión.

UNA ELEGANTE DECEPCIÓN POR UN GUION DEFICIENTE.

Ficha técnica

Título Original: The Hustle 
Comedia Andes Films EE.UU. – 1,34 hrs 
Fotografía: Michael Coulter 
Edición: Anthony Boys 
Música: Anne Dudley 
Diseño Prod.: Ashley Lamont 
Guion: Stanley Shapiro, Paul Henning 
Actores: Anne Hathaway, Rebel Wilson, Tim Blake Nelson 
Director:Chris Addison

Nadando por un sueño - Por Carlos Correa

“El gran baño” es el título original de esta comedia francesa dirigida por Gilles Lellouche que trata sobre un grupo de hombres que integran un equipo poco convencional de nado sincronizado que debe luchar contra discriminaciones y estereotipos en una disciplina que es predominantemente femenina.

Cada uno de los integrantes del equipo trae su propia historia. Con un promedio de edad en torno a los cuarenta años, visualizamos diversas situaciones de vida en cada uno de ellos. Crisis de madurez, depresión y diversos problemas personales se unen en esta aventura que comienza como relax y diversión y lentamente va tomando forma cuando se observa en el horizonte la perspectiva de representar al país, Francia, en una competición mundial.

Superando el sentido del ridículo y mucha incomprensión de su entorno, el grupo integrado por Bertrand -Mathieu Amalric- quien está pasando por una depresión al llevar tiempo sin trabajo, Laurent -Guillaume Canet- un jefe malhumorado, Thierry -Philippe Katerine-, empleado de la piscina, Simon -Jean-Hugues Anglade- trabajador de una cafetería con un pasado de acróbata, Marcus -Benoît Poelvoorde-, vendedor de piscinas, más otros compañeros, intenta progresar bajo la guía de su entrenadora, situación que cambia en forma radical cuando se hace cargo de ellos una exigente reemplazante -que además está en silla de ruedas- quien los obliga a entregar el máximo esfuerzo y dedicación hasta llegar incluso al borde de sus propias fuerzas.

La cinta transcurre mayormente como una comedia, no obstante presentar elementos de drama y también de superación personal. El tratamiento es bastante predecible en cuanto a la estructura del guion por lo que en sus 110 minutos no tenemos mayores sorpresas. Los personajes son muy distintos y los actores los encaran adecuadamente, sin sobresalir ninguno más que otro, creando un elenco coral que destaca por su carisma conjunto.

Esta película funciona como una fábula, es decir pone de relieve el trabajo en equipo genuino y esforzado que, no sin tener y pasar dificultades, logra rédito gracias a la renuncia de los personalismos y la unión de todas las voluntades en torno a un objetivo común.

Ficha técnica 

Título original: Le grand bain
Año: 2018
Duración: 110 minutos
País: Francia
Productora: Les Productions du Trésor / Chi-Fou-Mi Productions / TF1 Films Production / Canal+
Género: Comedia | Natación
Guion: Gilles Lellouche, Ahmed Hamidi, Julien Lambroschini
Música: Jon Brion
Fotografía: Laurent Tangy
Reparto: Mathieu Amalric, Guillaume Canet, Benoît Poelvoorde, Jean-Hugues Anglade, Virginie Efira, Leïla Bekhti, Philippe Katerine, Alban Ivanov, Mélanie Doutey, Jonathan Zaccaï, Noée Abita, Erika Sainte, Marina Foïs, Félix Moati
Dirección: Gilles Lellouche

6/5/19

Dios: una visita incómoda - Por Carlos Correa

Veinte realizadores y tres directores participan en este proyecto de MAFI -Mapa Fílmico de un País, “organización sin fines de lucro dedicada al registro documental con el objetivo de contribuir a la memoria audiovisual del país y fomentar la reflexión social en base a imágenes”- un colectivo que luego de su primer trabajo, “Propaganda”, sobre las campañas presidenciales del año 2013, ofrece ahora su segundo largometraje documental esta vez centrado en la religiosidad chilena con la visita que el Papa Francisco realizara en enero del año 2018 a Santiago, Temuco e Iquique como telón de fondo.

“Dios” se estructura en tres secciones: la preparación de la vista, los días del Papa en Chile y lo que sucede tras su despedida del país. No obstante la importancia que el guion le entrega al viaje, la composición no se queda solo en ese acontecimiento. Haciendo una analogía con una forma musical, este trabajo es parecido a un “Rondó”, es decir, un tema principal -la visita- junto a muchos otros temas que se van presentando durante su recorrido pero siempre volviendo de manera recurrente al tema central. Así, se alternan con el eje principal imágenes de algunos cultos evangélicos, otros ritos católicos públicos y privados, el conflicto mapuche en el sur del país, la discusión legislativa sobre los derechos reproductivos y el aborto, el tema de la identidad sexual, protestas y manifestaciones callejeras, coberturas de prensa y declaraciones, entre muchos otros. En palabras de uno de sus directores, Christopher Murray, se trata de “un viaje por las complejidades que el fenómeno religioso trae, desde los fanatismos más extremos hasta la resistencia más dura”.

En 63 minutos se exponen una serie de clips de distinta duración que van construyendo el relato a partir de las perspectivas que cada uno de ellos entrega. Algunos corresponden a planos estáticos, una cámara que registra lo que sucede en un cuadro fijo al que entran y salen sus protagonistas y otros son el seguimiento de comunidades o bien de personas o grupos específicos que nos hace enfocar aquello que cada realizador decide poner en relieve.

Los cuadros e imágenes que presenta este material tienen numerosos aciertos fílmicos. Son imágenes distintas, algunas con perspectivas exclusivas y que presentan algo así como “lo que no se vio...” y otras ponen incluso mayor énfasis en el entorno y en las reacciones que en el suceso principal que la misma escena contiene. Este tratamiento hace que cada espectador fije su atención en lo que le resulte más interesante y así construya su propia interpretación. Volviendo a la analogía con la música, la forma “Rondó” corresponde a una exposición de temas más que a un desarrollo en profundidad de los mismos. Y justamente esto es lo que sucede con “Dios”, porque no hay un juicio vertido sobre las imágenes o sobre lo que sucede en ellas. Se presenta este material fílmico -cuidadosamente seleccionado y con un claro criterio editorial- pero corresponde a cada uno de nosotros hacer el discernimiento para luego formarnos nuestra propia opinión.

Es interesante observar cómo este trabajo colectivo de tan diversos realizadores toma la forma de un proyecto integrado, con unidad y estilo propio, que además logra desafiarnos, independiente de las opciones, creencias, ideologías o dogmas que cada uno tenga. Este registro documental permite acceder a un nivel de observación diferente que se transforma en “observación activa” pues no nos deja indiferentes. Nos obliga a pensar y a reflexionar sobre las temáticas expuestas a lo largo de este interesante y al mismo tiempo poco previsible metraje aunque el subtítulo señale que es "una visita incómoda".

Ficha técnica

Título original: Dios
Año: 2019
Duración: 63 minutos
País: Chile
Productora: MAFI
Género: Documental
Guion: Antonio Luco, Israel Pimentel, Josefina Buschmann
Fotografía: Adolfo Mesías
Reparto: Documentary
Dirección: Christopher Murray, Israel Pimentel, Josefina Buschmann

2/5/19

Gloria Bell - Por Juan Pablo Donoso

Nueva versión – estadounidense – del galardonado filme chileno GLORIA, dirigido nuevamente por Sebastián Lelio y protagonizada ahora por Julianne Moore.

Argumento diseñado para lucimiento de la actriz principal. En 2013 nuestra compatriota Paulina García obtuvo el León de Plata en el Festival de Berlín, además de importantes premios nacionales por este rol.

La estrella Julianne Moore (Las Horas-2002, Siempre Alice-2014, Mi Familia-2016) nominada muchas veces, era admiradora de las obras anteriores de Sebastián Lelio (Una Mujer Fantástica y Gloria). Fue por ello que se ofreció para financiar esta nueva versión de GLORIA.

Quienes comparen las dos producciones hallarán diferencias y similitudes. Es posible que muchos prefieran la chilena por su tratamiento más intimista y visceral. La segunda exhibe una producción más elaborada y hollywoodense, pero mantiene la médula del drama y entrega con calidez su mensaje: “más vale estar sola que mal acompañada”.

Una mujer madura, separada, madre de hijas adultas, se siente sola y necesitada de afecto masculino. En una discoteque conoce a un hombre sesentón, separado, y padre también de hijas grandes. Inician un romance que, a partir del sexo casual, comienza a echar raíces más sentimentales.

Serán los grados de coraje y madurez emocional los que determinen el futuro de esta relación.

En Chile se “escapan” sólo a Viña del Mar. En EE.UU. viajan a Las Vegas con la consiguiente suntuosidad.

Aunque John Turturro (Barton Fink-1991) es un excelente actor que admiramos desde hace muchos años, sentimos que el desempeño de nuestro compatriota Sergio Hernández caló con más sutileza en los subtextos e indecisiones de su personaje.

Mantiene buen ritmo, ni muy lento ni acelerado. Logra una duración justa gracias a un guion simple y provocativo que, para esta ocasión contó con la colaboración de Alice Johnson Boher, manteniendo la historia original de Gonzalo Maza.

Julianne Moore declara que se sintió a sus anchas en este personaje. Le permitió barajar los matices de erotismo en su soledad, enamoramiento, inteligencia intuitiva, dignidad femenina y, a pesar del desencanto, seguir optando por la alegría de vivir.

Aunque la metáfora del porfiado gato siamés que la visita resulte algo obvia, nos recuerda que las relaciones familiares pueden ser obstáculos cargantes, y que tampoco la vida diaria ni el amor son miel sobre hojuelas.

GRATA Y ELEGANTE VERSIÓN ESTADOUNIDENSE DE UNA ESTUPENDA PELÍCULA CHILENA ANTERIOR. TAL VEZ MÁS COMERCIAL QUE LA NUESTRA.

Ficha técnica


Tragicomedia, romance Andes Films EE.UU.,Chile – 1,42 hrs. 
Fotografía: Natasha Braier 
Edición: Soledad Salfate 
Música: Matthew Herbert 
Dir. de Arte: Shannon Walsh 
Guion: Alice Johnson Boher, Sebastián Lelio 
Actores: Julianne Moore, John Turturro, Brad Garrett, Jeanne Tripplehorn 
Director: Sebastián Lelio

1/5/19

Gloria Bell - Por Carlos Correa

Para quienes vimos y alabamos “Gloria” (2013), este remake de su autor y director Sebastián Lelio es especial. En primer lugar, el recuerdo es muy reciente y ha pasado poco tiempo, por lo que la extraordinaria actuación de “Paly” García -ganó el Oso de Plata en el Festival Internacional de Cine de Berlín- está aún muy fresca. En segundo lugar, se trata esta vez de una versión en inglés, pero no es solamente por el idioma de la película, va un poco más allá. También corresponde a otra sociedad, a otros modelos y a otra idiosincrasia que, sin alterar el corazón del relato, lo sitúan en un entorno diferente, aunque naturalmente mantenga el sello original de ser una historia local y al mismo tiempo universal. Y en tercer lugar es especial por la elección de su protagonista. La siempre sólida Julianne Moore se entrega a su personaje en cuerpo y alma, logrando una “Gloria” a su medida, adueñándose de sus temores y ansiedades, arriesgando sus sueños y profundizando entrañablemente en esa mujer cuyo vasto mundo interior es el centro de la historia.

Gloria Bell -Moore- trabaja día a día en una compañía aseguradora. Por las noches su afición al baile la lleva recorrer variados lugares. Sus dos hijos están grandes, ya no viven con ella, y si bien representan siempre un punto de conexión, cariño y comprensión, no se ve una dependencia que le amarre o que le obligue a seguir determinadas conductas.

El corazón de Gloria es entonces un alma libre y en permanente búsqueda, sin embargo cuando conoce a Arnold -John Turturro-, su vida cambia repentinamente. El tiempo se detiene, el romance la embriaga y reaparece la ilusión. Este hombre la hace renacer, se vuelve a sentir una mujer atractiva y se despiertan en ella naturales deseos de emprender con él no solo una aventura sino tal vez algo más duradero.

Lelio pone mucho cuidado en la formulación del relato. La estructura es la misma que tiene el guion original, sin embargo hay algunos matices que sin duda entregan perspectivas muy distintas. La construcción de personajes es diferente y, aunque parezca de perogrullo, cada actor nutre con su esencia cada interpretación. Así vemos a Gloria quizá algo más contenida en determinados momentos y también observamos que su pareja responde a otros códigos que revelan detalles particulares referidos a la vida norteamericana.

Es muy difícil -casi imposible diría yo- presenciar “Gloria Bell” sin compararla con la original. Como señalaba anteriormente, su recuerdo está aún demasiado presente en la retina. Es tan natural e involuntario esto de buscar semejanzas y diferencias que cuesta mucho dejar de hacerlo durante la proyección de la película. Y por supuesto que es tremendamente injusto, porque esta segunda versión de “Gloria” es una cinta nueva que entrega una experiencia diferente aunque esté basada en el mismo relato que ya conocemos. La irresistible tentación de comparar se da al presenciar la película pero finaliza cuando ésta concluye y en mi caso, al tener la oportunidad de analizarla posteriormente desde un aspecto crítico.

Sebastián Lelio posee un estilo definido. Su gran atención por los detalles y su sensibilidad para filmar lo femenino de sus personajes principales ha sido una de las características más destacadas en sus trabajos anteriores. Y “Gloria Bell” no es la excepción y agrega un plus que llama la atención porque profundiza un poco más en la construcción de Arnold. Se observa una mayor intimidad en dicho personaje, algo que levemente se advertía en cintas anteriores pero tal vez no de forma marcada o que destacara. En esta ocasión, Lelio denota una preocupación mayor en esta contraparte masculina y que, a mi modo de ver, equilibra más el relato sin afectar ni dejar de lado ningún aspecto esencial de la mujer -y el entorno- que esta historia presenta con entrañable cercanía y natural empatía.

Ficha técnica

Título original: Gloria Bell
Año: 2018
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Chile; Filmnation Entertainment / Fabula
Género: Drama. Romance | Remake. Amistad
Guion: Sebastián Lelio, Alice Johnson Boher
Fotografía: Natasha Braier
Reparto: Julianne Moore, John Turturro, Michael Cera, Jeanne Tripplehorn, Holland Taylor, Brad Garrett, Caren Pistorius, Sean Astin, Cassi Thomson, Tyson Ritter
Dirección: Sebastián Lelio

29/4/19

Enamorado de mi mujer - Por José Blanco

Santa Teresa de Jesús (siglo XVI) escribió que “la imaginación es la loca de la casa”, refiriéndose a que era como el ruido de un molino que nunca se detiene. Es lo mismo que los lectores de Marcel Proust, James Joyce o Italo Svevo llaman ahora “el constante flujo de la conciencia”.

Esta película – dirigida y actuada por Daniel Auteuil (1950) – es una anécdota desde el punto de vista narrativo. Junto a su esposa (Sandrine Kiberlain, 1968) reciben la visita del amigo Gérard Depardieu (1948) y de su nueva pareja (Adriana Ugarte, actriz porno española en la vida real, 1985). Éste acaba de dejar a su mujer de siempre por esta treintañera, que para el protagonista se transforma de inmediato en una obsesión.

El relato dura pocas horas, pero la imaginación lo expande en el tiempo y en el espacio. No sólo el espectador ve desnuda a la jovencita (sus hermosas nalgas en exposición, mientras está tendida en la cama, me recordaron a la Brigitte Bardot de los años ’50), sino que acompaña el pretendido adulterio a las Islas Baleares, a Venezia y a la representación teatral de Tío Vania de Anton Chekhov.

Está todo dentro de la cabeza del vejete, que por lo demás ya está casado con una mujer casi dos décadas más joven. Es así como se suceden escenas “reales” con escenas “ficticias” (aunque, en verdad, en el cine todo es ficticio), que – incluso – podrían hacer pensar en una moraleja respecto de los riesgos de iniciar relaciones etarias descompensadas. Los flashforwards se cargan de sensualidad justamente por los deseos inapagados y los despertares son siempre desilusionantes.

Pero ni siquiera es eso. Simplemente se trata de una anécdota que se cubre de nostalgia por los tiempos idos y que termina transformada casi en una comedia negra.

Auteuil ya había participado en una trama que lo relacionaba con una extraña muchacha, pero que tenía un corte policial: Antes del frío invierno (Avant l’hiver, de Philippe Claudel, 2013). Aquí nada puede (ni debe) tomarse en serio.

Ficha técnica

Título original: Amoureux de ma femme
Año: 2018
Duración: 84 minutos
País: Francia
Productora: Curiosa Films / France 3 Cinéma / Versus Production / Zack Films / France Télévisions / Cinémage 12 / OCS / A Plus Image 8
Género: Comedia. Romance
Guion: Florian Zeller (Obra: Florian Zeller)
Música: Thomas Dutronc
Fotografía: Jean-François Robin
Reparto: Sandrine Kiberlain,  Adriana Ugarte,  Gérard Depardieu,  Daniel Auteuil,  Brigitte Aubry
Dirección: Daniel Auteuil

Tarde para morir joven - Por José Blanco

Hace más de 60 años que voy al cine y medio siglo que comento películas, así es que no puedo evitar advertir intertexualidades cuando me toca ver una nueva. En este caso, Tarde para morir joven (título que es anfibológico, puesto que tarde puede ser un adverbio, pero también un substantivo) me trae a la memoria dos producciones totalmente disímiles entre ellas. Una es Un domingo en el campo (Un dimanche à la campagne, de Bertrand Tavernier, 1984), por su ambientación escénica y fotografía, y la otra es La aldea (The Village, de M. Night Shyamalan. 2004) por su atmósfera claustrofóbica a pesar de transcurrir al aire libre.

Pero, sobre todo, el principal corte extra-hollywoodense lo da el tema de la incomunicación al mejor estilo del Michelangelo Antonioni de La noche (La notte, 1961) o el Ingmar Bergman de A través de un vidrio obscuro (Såsom i en spegel, 1961). En medio de tanto slang chileno ininteligible, el silencio y los planos secuencia constituyen un lenguaje universal.

La comunidad ecológica donde transcurre la “acción” tiene mucho de presidiario o de jardín zoológico. Una discusión acerca de si instalar o no la electricidad, los robos que quedan impunes o la substracción del agua comunitaria son sólo algunos aspectos de los problemas que conlleva a una falsa libertad que se quiere obtener sólo con replantear los términos de “el contrato social”.

Son los niños los que por ahora disfrutan de esta forma de vivir sus vacaciones. Los adultos rehúyen sus responsabilidades en el alcohol y la música, dejando en evidencia que no tienen mayores problemas económicos. Pero los adolescentes piensan en que su existencia es algo más que vegetar o participar en una fiesta de Año Nuevo.

El ejemplo vivo de la insatisfacción de estos últimos es Sofía que – con una madre ausente y un padre indiferente - quiere escapar de ese lugar, mientras empieza a sentir el acicate del sexo en su cuerpo que se desarrolla. Y el transgénero Demian Hernández entrega a la perfección la ambigüedad efébica de la adolescencia, cuando aún no están definidos los rasgos masculinos ni femeninos.

Los símbolos de la virilidad y de la adultez (la resistencia etílica, la motocicleta, el cigarrillo) acompañan la búsqueda de la imposible realización personal en un espacio tan reducido. Al final, la libertad es la de la perrita que huye de la prisión dorada.

Ficha técnica

Drama 
Storyboard Media Chile, Brasil, Argentina, Holanda y Qatar – 1,50 hrs. 
Fotografía: Inti Briones 
Edición: Catalina Marín Duarte 
Diseño Prod.: Estefanía Larraín 
Actores: Demian Hernández, Antar Machado, Magdalena Tótoro Antonia Zegers, Alejandro Goic Guionista y Directora: Dominga Sotomayor Castillo

28/4/19

Avengers: Endgame - Por Jackie O.

Vaya que hemos disfrutado de esta saga, 21 películas anteriores que son obligación verlas.
Cuántas emociones vividas en esta última entrega: risas, aplausos, tensión, asombro y también llanto. Todos vivimos aunque sea uno de esos sentimientos mientras la veíamos.

Hay algo que siempre me resulta curioso con gente que va a ver películas de Marvel o de otra saga o personajes determinados, me pregunto si saben lo que ven ya que apenas aparecen los primeros créditos se van, yo lo he hecho cuando ando muy apurada y sé que por el tipo de película que no viene nada extra, y hasta el momento he acertado (por ejemplo en Hellboy, la mayoría se quedó y vio la primera escena post crédito y ahí se retiraron, pero fanáticos del personaje seguimos mirando la pantalla. Y hubo otra escena más) en fin sigo... 

Los Vengadores: 6 principales. 2 de ellos no cuentas con poderes sobrenaturales ni trajes especiales, solo su valentía. Serán por ello más héroes que el resto?
Si me dicen: No hay "escena" post créditos, lo encontraría raro pero puede ser, más que mal dicen que es la última de la saga y digo "dicen" porque no se, cuantos cantantes dicen es mi último show y pasa un tiempo y salen con otra gira? Pero aun así, aunque todos me lo confirmen soy una fanática y como tal soy una nostálgica, y me retiro cuando las luces se encienden y la pantalla se apaga. Por nostalgia miro la última letra, por nostalgia escucho la última nota musical, por nostalgia miro por última vez el logo en la pantalla grande. Le estoy poniendo mucho? No! Soy una ñoña emotiva.
No soy seguidora de cómics, leo muy poco de ello, y es por un tema de tiempo nada más (me pasó con Shazam). Pero en algunas oportunidades hago la tarea y me interiorizo.
Y aplaudo a aquellos que se saben todo lo relacionado a los cómics. Pues no faltan las referencias en las películas. Obvio.

Siempre hay detalles en este tipo de películas en donde debemos tener nuestros sentidos alerta. Se que la emoción nos nubla, por eso la fanáticada va por segunda o tercera vez a verla, por que sabemos que se nos pudo haber pasado algo debido a la emoción embargada. El año pasado vi 4 o 5 veces Los Vengadores en el cine. Y con esta haré lo mismo: lo más probable es que me reiré en las mismas escenas, mi tensión será la misma aunque sepa lo que viene, agradeceré ver a Stan Lee (nuff said), me reiré de "aquellos" cameos, leeré (si ando con lentes) los créditos finales de nuevo donde aparecen nombres interesantes (que por wasapear desesperado no veo), no saldré de la sala en ningún momento de la película, no sacaré mi celular para molestar al resto o distraerme, miraré fijo la pantalla hasta el final. Hasta que la luz se encienda y la pantalla se apague.
Porque las sorpresas nunca se acaban. Quisiera decir más, y lo haré, pero no ahora. La he visto una vez hasta ahora que escribo esta reseña, y pude fijarme en muchos detallitos que la mayoría lamentablemente no vio, por lo que creo hay más que los encontraré a medida que vuelva a repetirla.

Disfrútenla aunque les hayan contado final. Y sé que la disfrutarán igual. Porque verán a todos los personajes principales de estos 11 años, cameos a muchos otros, música conocida, guiños a nuevos personajes y escenas repetidas (por eso es importante haber visto las 21 anteriores).

Qué les espera: bueno en la primera parte hay tristeza y alejamientos, la segunda parte de reencuentros y desiciones, y la última parte con una guerra formidable. Con una paleta de colores muy llamativa y hermosa, vestuario bellísimo, música necesaria y acorde. Pero respecto del maquillaje no me gustó del todo. En el humor para algunos funcionó, para otros no tanto y el CGI estuvo en su mayoría genial. Pero ya estoy hilando muy fino.
Solo puedo decir que la película fue bien hecha, la edición estuvo bien "ensamblada" que hace que se vivamos la magia y la emoción.

Y para finalizar, no la recomiendo a infantes porque es algo violenta para ellos, así que padres controlen lo que ven los más pequeñitos.
Después de todo lo dicho, creo que los obligaré a ir al cine de nuevo. Y si lo hacen, no sólo miren también escuchen.
Espero vuestros comentarios".
Ficha técnica

Acción, aventura, fantasía 
Walt Disney Studios y Cinecolor Films S.A. EE.UU. – 3,01 hrs. 
Fotografía: Trent Opaloch 
Edición: Jeffrey Ford, Matthew Schmidt 
Música: Alan Silvestri 
Diseño Prod.: Charles Wood 
Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely 
Actores: Robert Downey Jr., Chris Evans, Brie Larson, Scarlett Johansson, Karen Gillan 
Directores: Anthony y Joe Russo

26/4/19

Avengers: Endgame - Por José Blanco

Gracias a esta película, el cine vuelve a ser el gran espectáculo que siempre fue y – en particular – en los años ’50 y ’60. Vi Avengers: Endgame junto a los otros críticos y a una muchedumbre de invitados, que me hicieron recordar las funciones de mi niñez y de mi adolescencia. Este multitudinario “focus group” tenía las mismas reacciones que el público de esa “época” y que, de manera magistral, describieron Giuseppe Tornatore en su Nuovo Cinema Paradiso (1988) y Ettore Scola con su Splendor (1989). No sólo risas y llantos, sino también intervenciones como gritos y aplausos en el momento que aparecen los héroes. Sinceramente, me parecía haber retrocedido un siglo.

No puedo, no quiero ni debo referirme al relato. No puedo ser un spoiler con esta megaproducción que sus realizadores han sabido “marketear” a la perfección: mucho anuncio de prensa, trailers que no entregaban mayor información, andanzas de los intérpretes de los personajes.

La motivación partió en el momento mismo que terminó Avengers: Infinity War y con el bonus track en el que se desintegraba Nick Fury. Tony Stark quedaba prisionero sin esperanza en el espacio, la mitad de la población terrícola desaparecía, los Vengadores y los Guardianes eran derrotados.

Son los seis miembros originales, que han sobrevivido, los que vuelven a reunirse con la esperanza de sobreponerse a esta realidad. A ellos se unen (no es spoiler porque está en todos los carteles) la Capitana Marvel y Ant-Man, que acaban de aparecer en sus propias películas y que – cada cual a su manera – ayudan a preparar “la Resistencia”.

Harry Potter y El Señor de los Anillos tuvieron un final anunciado, porque ya estaba en los libros. Este capítulo, en cambio, viene a ser un epílogo de las últimas cuatro películas y – de alguna manera – de todo el ciclo de las 22 que se han ido acumulando en más de una década.

Hay una buena dosis de humor, referencias filmográficas y un sinnúmero de “cameos” como los de La vuelta al mundo en 80 días (Around the World in Eighty Days, de Michael Anderson, 1956) y El día más largo del siglo (The Longest Day, de Ken Annakin-Andrew Marton-Bernhard Wicki, 1962). En suma: ¡no se han fijado en gastos!(Avengers:Endgame, USA 2019)

Ficha técnica

Acción, aventura, fantasía 
Walt Disney Studios y Cinecolor Films S.A. EE.UU. – 3,01 hrs. 
Fotografía: Trent Opaloch 
Edición: Jeffrey Ford, Matthew Schmidt 
Música: Alan Silvestri 
Diseño Prod.: Charles Wood 
Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely 
Actores: Robert Downey Jr., Chris Evans, Brie Larson, Scarlett Johansson, Karen Gillan 
Directores: Anthony y Joe Russo

El Sembrador - Por Juan Pablo Donoso

Historia de amor verídica acaecida en insólitas circunstancias. Una obra sobre mujeres realizada por otra talentosa mujer.

En diciembre de 1851, el gobierno de Napoleón III aplastó la sublevación republicana. Y ordenó apresar a todos los sospechosos.

En una aldea montañosa de Francia, los militares tomaron prisioneros a todos los campesinos del lugar. En el villorrio quedaron sólo las mujeres y los niños pequeños.

Ignorando qué destino correrían, y a dónde serían trasladados, les correspondió a ellas hacerse cargo de las tareas del hogar, y abocarse a las faenas del campo: regar la tierra, sembrar y cosechar el trigo, y molerlo para hacer pan.

Como pasó mucho tiempo y ninguno regresó, las extenuadas mujeres de la comarca comprendieron que sería imposible subsistir en tales condiciones. La presencia masculina era indispensable.

De común acuerdo se juramentaron solicitar al primer hombre que apareciera, que las fecundara para así incrementar la exigua población.

Al cabo de un tiempo apareció un prófugo de la justicia que escapaba hacia la frontera por bosques y quebradas. Era un herrero cuarentón que, a cambio de comida y alojamiento, les colaboraría temporalmente en las tareas del campo.

Destinaron a la joven Violette, única que sabía leer, para que lo atendiera. Jean traía consigo algunos libros que interesaron a la muchacha. Y con la lectura en las noches de poemas de Víctor Hugo surgió una atracción entre ellos.

Enamorada por primera vez, le entregó gustosa su virginidad. Y con ello el consecuente embarazo. Las demás mujeres del pueblo, de diversas edades, le exigieron que lo compartiera con ellas según lo juramentado.

Y así Jean, con la resignación de Violette, debió también cumplir con las que aún estaban en edad de gestar.

Cuando después de un tiempo retornaron sólo dos aldeanos que habían sobrevivido, Jean debió seguir su camino rumbo al exilio prometiéndole a Violette que volvería por ella y por su hijito recién nacido.

Esta sencilla historia de amor y procreación está narrada con sobrecogedora belleza visual. El director de fotografía, Alain Duplantier, siguió los padrones estéticos de los grandes pintores franceses del realismo post-romántico del siglo 19. Es como si las pinturas de Camille Corot, Theodore Rousseau, Julien Dupré y, muy especialmente Gustave Courbet tomaran movimiento, y las humildes campesinas revivieran incluyéndonos en sus cuitas cotidianas, con sus pies descalzos, pesares de viudez y apetitos sexuales insatisfechos.

Si bien el relato carece de un conflicto progresivo, ya que a todo responde con inevitable naturalidad, el filme es un banquete visual de paisajes, claroscuros interiores, y del encanto primitivo que despliegan en todo momento aquellas rústicas aldeanas analfabetas.

Ópera prima de su guionista y directora Marine Francen, quien se fogueó durante años como asistente de grandes directores como Michael Haneke y de Olivier Assayas. Sin duda, una alumna aventajada.

FEMENINA POR EXCELENCIA. IMPACTANTE BELLEZA VISUAL. BASADA EN “LA MUCHAHCHA QUE SABÍA LEER” DE VIOLETTE AILHAUD.

Ficha técnica


Título Original: Le Semeur 
Drama, romance 
Cine-Arte Patricia Ready Francia, Bélgica – 1,38 hrs. 
Fotografía: Alain Duplantier 
Edición: Minori Akimoto 
Música: Frédéric Vercheval 
Diseño Prod.: Mathieu Menut 
Guion: Marine Francen, Jacqueline Surchat 
Actores: Pauline Burlet, Géraldine Pailhas, Alban Lenoir 
Directora: Marine Francen

25/4/19

Avengers: Endgame - Por Juan Pablo Donoso

Súper-súperproducción de Marvel Studios. Dura tres horas. Para ella se fusionó Disney con Fox. Aquí culmina la saga de las 21 películas anteriores.

Los adictos a los súper héroes de Marvel (Stan Lee y Jack Kirby, creadores) serán los más felices con este reencuentro final de ellos, y CON ellos.

Converge también una pléyade de actores y actrices famosos; hasta vemos pasar a Michael Douglas y a Robert Redford entre muchos(as) prominentes cameos.

Los pocos Vengadores sobrevivientes vuelven a reunirse para salvar, y restituir, lo que quedaba después de que en AVENGERS, INFINITY WARS (2018) la mitad del cosmos quedó en ruinas por la acción del malvado titán loco, Thanos (Josh Brolin).

Para ello deberán recuperar las 6 gemas mágicas dispersas en diferentes planetas y tiempos del Universo. Una vez halladas habría que volver a incrustarlas en el Guante del Infinito: única arma capaz de salvar y reconstruir el orden del Firmamento.

Mediante una máquina cuántica del Tiempo, volverán al pasado y al futuro, pasarán por planetas y épocas, y lucharán por recuperar cada gema con su respectivo poder.

Todo esto antes que las obtenga Thanos, y las vuelva a insertar en el Guante del Infinito para formar un nuevo Universo propio, con súbditos de su propia voluntad y conveniencia. Entre ellas está la Gema de la Mente, con la que puede controlar a otras personas.

Multitudes de naves espaciales y monstruos prehistóricos bregando juntos. Habrá un gigantesco – y sangriento - combate final entre las horadas “buenas” vs. las “malas” de historias anteriores.

Se supone que con esta inmensa epopeya final los Avengers sobrevivientes se jubilan y retornan a sus vidas normales y familiares.

Los saltos en el tiempo han servido para darles - ¡por fin! - a cada uno su lugar y edad definitivos.

Quienes conocen las 21 odiseas anteriores constatarán que los hermanos Anthony y Joe Russo, con esta película, ponen un “supuesto” punto final a una leyenda que ha deleitado a millones de seguidores en todo el mundo durante muchos años.

Recomendamos - además de ir al baño antes del comienzo - verla en IMAX para compartir los sonidos y efectos especiales en toda su magnitud.

TITÁNICA Y MILLONARIA SÚPERPRODUCCIÓN QUE, A PESAR DE SU ENORME LONGITUD, NOS MANTIENE ENTRETENIDOS Y CON CHISPAZOS DE HUMOR.

Ficha técnica

Acción, aventura, fantasía 
Walt Disney Studios y Cinecolor Films S.A. EE.UU. – 3,01 hrs. 
Fotografía: Trent Opaloch 
Edición: Jeffrey Ford, Matthew Schmidt 
Música: Alan Silvestri 
Diseño Prod.: Charles Wood 
Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely 
Actores: Robert Downey Jr., Chris Evans, Brie Larson, Scarlett Johansson, Karen Gillan 
Directores: Anthony y Joe Russo

Tarde para Morir Joven - Por Juan Pablo Donoso

Sucesión atmosférica de pequeños momentos familiares, fluida y expectante.

Minimalismo bien logrado, en especial por los detalles más nimios y cotidianos.

Hermoso y poco común tratamiento del color.

Loable fotografía e iluminación de interiores de Inti Briones, sonido impecable, y espontaneidad de los niños.

Logra un osado naturalismo al combinar la correcta composición visual con permitir que los personajes entren y salgan de cuadro de manera aleatoria.

Para evaluar con justicia este filme chileno es imprescindible remitirse a su guionista y directora, Dominga Sotomayor Castillo. Al conocer sus películas anteriores - DE JUEVES A DOMINGO (2012) y MAR (2014) – notamos los factores recurrentes en sus argumentos, y el manejo que hace de sus actores.

La continuidad de sus obras va revelando un estilo definido. Y así podemos evaluarla bajo sus propias claves. De lo contrario, sus relatos perecerán vacíos de contenido, erráticos en la forma, e incluso aburridos.

Dicho esto, ¿qué nos mantiene interesados esperando alguna resolución, en medio de tan aparente banalidad y lentitud?

Honestidad y valentía. Ella se atreve a denunciar por el comportamiento de sus personajes que, por muy cotidianos y reconocibles que parezcan, están todos – jóvenes y adultos – desorientados con respecto a sí mismos, a sus anhelos y a sus emociones básicas.

Aunque son muchos los veraneantes de aquella comunidad, la directora lo ilustra acompañando los instintos, devaneos, y confusiones afectivas de su adolescente principal, la hermosa Sofía (Demien Hernández). La relación con su padre, sus hermanos menores y amistades sólo le aportan mayores contradicciones existenciales.

Sotomayor evita deliberadamente dar soluciones. Deja reaccionar a sus personajes minuto a minuto, con lo que cada día traiga. Hay en esto, sin duda, una expresión de su propia sensación de vida. Y la transmite con oficio a través de sus criaturas.

Y esta sinceridad artística y artesanal le ha valido el Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Locarno 2018. Mejor Dirección y Mejor Fotografía en el Festival de Gijón (España) y el premio KNF en el Festival de Rotterdam, del Círculo de Periodistas Holandeses de Cine.

Es una realizadora que aún va puliendo su oficio. Esperamos que llegue pronto a tocar una médula dramatúrgica más electrizante en el futuro. El lenguaje, al menos, ya lo tiene.

Otros ya han alcanzado mayor madurez por estas misma aguas. De Suecia vimos TODOS JUNTOS (2000) de Lukas Moodysson, con los problemas de una comunidad ante la llegada de una esposa golpeada junto a sus hijos pequeños. Y con el símbolo que expone aquí de la perrita Frida que intenta escapar, quedó mejor la metáfora del lobo en FELIZ COMO LÁZARO (2018), italiana, de la realizadora Alicia Rohrwacher, donde un inocente campesino es manipulado por sus patrones.

También el título nos resulta críptico a la luz de los eventos de esta fábula.

LA VIDA ES UN MISTERIO ABSURDO Y ABURRIDO PODRÍA SER EL LEMA DE ESTE FILME.

Ficha técnica

Drama 
Storyboard Media Chile, Brasil, Argentina, Holanda y Qatar – 1,50 hrs. 
Fotografía: Inti Briones 
Edición: Catalina Marín Duarte 
Diseño Prod.: Estefanía Larraín 
Actores: Demian Hernández, Antar Machado, Magdalena Tótoro Antonia Zegers, Alejandro Goic Guionista y Directora: Dominga Sotomayor Castillo

24/4/19

Avengers: Endgame - Por Carlos Correa

La espera de la nueva entrega de los Vengadores ha llegado a su fin y el resultado es que “Avengers: Endgame” es sencillamente espectacular.

Después de los sucesos de “Avengers: Infinity War”, una cinta que sobreexplotó elementos innecesariamente, no era fácil continuar con la historia. Por un lado, el malvado Thanos había conseguido, literalmente, borrar de la faz de la tierra a la mitad de la población, liquidar a muchos de los superhéroes y de paso sembrar caos, destrucción, pesadumbre y desesperanza máxima. Por otro lado, la película, a pesar de su éxito comercial, no lograba cautivar del todo debido probablemente a un exceso de relatos y de personajes que parecían todos dentro de una licuadora a alta velocidad de la que salían algunos destellos fugaces.

Pues bien, “Avengers: Endgame” es algo muy distinto a lo que hasta ahora habíamos visto en las anteriores 21 películas del Universo Cinematográfico de Marvel. Y es diferente por muchas razones que, sin caer en ningún adelanto innecesario, quisiera esbozar a continuación, siempre tomando en cuenta que probablemente muchos detalles queden fuera y que, sin duda, hablaremos de esta cinta durante un buen tiempo.

Luego de la devastación provocada por Thanos, los Vengadores que han sobrevivido están dispersos. Cual más, cual menos, han recibido un golpe tan profundo que prácticamente los ha dejado a todos en estado de shock. Sin embargo, una luz se abre en el horizonte, hay una posibilidad aun no explorada, un camino riesgoso que no tiene el éxito asegurado pero que deberían intentar si quieren enmendar de alguna manera el rumbo de las cosas.

Con un guion espléndido de Christopher Markus y Stephen McFeely, los hermanos Anthony y Joe Russo esta vez aciertan medio a medio con una adecuada y precisa dirección. Primero, apuestan con una duración poco habitual para una película en estos tiempos: 182 minutos. Y la verdad es que se entiende perfecto este riesgo, porque esta vez no se apuran ni condensan el relato y entregan a cada acción y a cada personaje el tiempo que necesitan para su desarrollo y evolución. También, la extensa duración de la cinta permite construirla en base a al menos tres momentos significativos, verdaderas columnas sobre las que se sostiene la historia y que fijan puntos de soporte sólidos dentro del desarrollo dramático de la narración.

Un segundo punto que se destaca es el notable reparto y el elenco que encarna a los Vengadores. Cada uno tiene su historia, sus atributos, sus temores y fortalezas, junto a una personalidad única que en esta oportunidad no está reducida ni amenazada por constantes apuros o exageradas presiones. Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Mark Ruffalo y Jeremy Renner brillan en sus roles, cada uno en su estilo, en actuaciones que tal vez sean las mejor logradas de toda la saga hasta el momento.

Un tercer aspecto que sobresale, en mi apreciación, es la forma de componer el relato. No solo es ágil y entretenido sino que también es capaz de capturarnos cada minuto sin que afloje un ápice la tensión. Claro, porque cuando baja un poco esa tensión sube entonces la emoción; y cuando bajan juntas, la acción se encarga de devolvernos nuevamente a puntos altos. El ritmo no es frenético, al contrario, podría decirse que está un par de revoluciones por debajo de las anteriores, sin embargo tiene una fuerza interna, un pulso y una rigurosidad en la edición que es realmente notable. Nunca pensé que podría pasar 182 minutos frente a la pantalla sin desconcentrarme o sin pararme siquiera. Y la verdad es que si uno quisiera hacer una pausa, no existe un momento para hacerlo porque la sensación es que a cada instante sucederá algo importante y trascendente y no lo podemos dejar de ver.

Adelantos no conviene hacer, y de ningún tipo, porque ver esta película es una experiencia. Por eso hay que vivirla, porque es única y especial para cada uno. Ojalá poder asistir con la menor cantidad de adelantos posibles para así dejarse sorprender, a pesar que aunque se sepa bastante, la sorpresa igualmente es monumental. Y por supuesto dispuesto a disfrutar, porque Marvel sorprende incluso a sus más fanáticos; surgen aplausos espontáneos, las carcajadas florecen y las lágrimas brotan gracias a un trabajo delicado, bien ejecutado e increíblemente coordinado de todos y cada uno de quienes han participado de este cierre de ciclo único, profundamente humano, épico y conmovedor.

Ficha técnica

Título original: Avengers: Endgame
Año: 2019
Duración: 182 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Marvel Studios
Género: Ciencia ficción. Fantástico. Acción | Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. Secuela
Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely (Cómic: Jack Kirby, Jim Starlin)
Música: Alan Silvestri
Fotografía: Trent Opaloch
Reparto: Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Mark Ruffalo, Jeremy Renner, Brie Larson, Karen Gillan, Paul Rudd, Danai Gurira, Josh Brolin, Gwyneth Paltrow, Don Cheadle, Jon Favreau, Benedict Wong, Tessa Thompson, Bradley Cooper, Katherine Langford, Evangeline Lilly, Pom Klementieff, Elizabeth Olsen, Dave Bautista, Sebastian Stan, Chadwick Boseman, Letitia Wright, Benedict Cumberbatch, Anthony Mackie, Samuel L. Jackson, Zoe Saldana, Chris Pratt, Paul Bettany, Vin Diesel
Dirección: Anthony Russo, Joe Russo