20/3/19

Nosotros - Por Carlos Correa

De los elementos mejor desarrollados del último trabajo del director y guionista Jordan Peele es su banda sonora. La partitura compuesta por Michael Abels llama la atención desde los créditos iniciales y está en sintonía perfecta con las imágenes y la edición. Además, las canciones elegidas para algunos momentos particulares le dan un toque sencillamente especial.

En “Nosotros”, el director de la alabada película “Get Out” continúa con su impecable presentación de escenarios. Acá vemos una familia que regresa al hogar de infancia de la madre, Adelaide -Lupita Nyong’o- en sus vacaciones de verano. Es la costa y la playa es idílca, con juegos y multicolores veraneantes, pero lo que es aparentemente normal, esconde un episodio de su niñez y que al caer la noche se hace presente con cuatro siluetas tomadas de las manos frente a la entrada de su casa. Es una familia y son ellos mismos, es decir, “nosotros”.

Peele no va directo al terror. Más bien su relato es un suspenso que va construyendo pequeñas cimas que generan que cualquier giro o arista produzca sorpresa y temor. El juego es la hipótesis del lugar o el espacio desde donde provendrá lo imprevisto, el ataque, lo diferente, la suerte de los protagonistas y su actuación frente a lo que parece irremediablemente decidido.

Los actores, en especial Nyong’o, hacen un buen trabajo. Centrado en los cuatro principales y en sus “versiones enemigas”, la construcción de la cinta no deja mucho espacio para la aparición de muchos personajes secundarios, salvo los amigos cercanos de la familia que tienen una pequeña e interrumpida presencia en la historia. El resto casi no existe a pesar que lo que está sucediendo tiene un alcance al menos nacional y vemos sus efectos por la TV y por las calles de la pequeña y tranquila localidad costera. El padre de la familia es un punto de inflexión, aquella parte que permite soltar la tensión dirigiéndola hacia la comedia, con un toque de burla y también con más de alguna mención a la falta de delicadeza masculina.

Sin tener el alto nivel de su película anterior, Jordan Peele se las ingenia para ofrecer un cine que tiene mucha más solidez que el promedio y que no requiere usar los ultra repetidos elementos que saturan el género. Su idea central es interesante aunque nos recuerde a S. King o a más de alguna producción de Zombies. Su desarrollo técnico, cómo no, es pulcro, cuidadoso y posee terminaciones de calidad. Su forma de hacer suspenso ya tiene un estilo que comienza a ser tendencia, una configuración característica y que por supuesto amerita prestarle atención.

Ficha técnica

Título original: Us
Año: 2019
Duración: 117 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Blumhouse Productions, Universal Pictures, Monkeypaw Productions, QC Entertainment. Distribuida por Universal International Pictures (UI)
Género: Thriller. Terror | Thriller psicológico. Familia
Guion: Jordan Peele
Música: Michael Abels
Fotografía: Mike Gioulakis
Reparto: Lupita Nyong'o, Elisabeth Moss, Winston Duke, Tim Heidecker, Yahya Abdul-Mateen II, Anna Diop
Dirección: Jordan Peele

Regresa a mi - Por Carlos Correa

Ben Burns -Lucas Hedges- vuelve a casa el día antes de Navidad. Su madre Holly -Julia Roberts-, incrédula, solo atina a acogerlo en el comienzo de lo que serán las 24 horas más tensas para ella y toda la familia. Todo cuestionamiento y toda duda es vencida por la fuerza del cariño, por ese amor incondicional de madre que todo lo perdona, sin embargo la procesión va por dentro, lo que en el caso de Holly, es una tensión casi insuperable.

Julia Roberts es una actriz expresiva y sólida, no obstante en esta caracterización se le observa levemente sobreactuada. Tal vez se deba a que su rol debe asimilar que el papel construido por Lucas Hedges no logra convencer del todo. Este leve desequilibrio desencaja el foco, lo que sumado a un guion en extremo predecible, le resta fuerza dramática en especial en el último cuarto del metraje. También hay algo extraño en el formato de la filmación, en esa cámara inquieta del director Peter Hedges, en esos seguimientos de primeros planos que incomodan pero no logran cobrar pleno sentido.

Lo mejor de la cinta son las temáticas referidas a las drogas y la adicción. Se suma a ello el descubrimiento de los hechos -que paulatinamente van explicando la historia- gracias a pequeñas luces que iluminan el camino. Esto es vital, pues el peso del pasado es brutal. Se transforma en un karma, los prejuicios se acentúan y dan paso a post juicios que son totalmente demoledores.

La falta de una oportunidad -entendida como la opción real de aceptar que la recuperación de un adicto es posible- es una condicionante insoslayable. Incide en todas las actuaciones de los involucrados y por supuesto influye fundamentalmente en sus sentimientos. La culpabilidad y la responsabilidad de lo sucedido, siempre está presente en tono mayor y no entrega ninguna salida para superar el dolor. Una lucha continua y permanente contra lo que fue, no cede un ápice en favor de lo que vendrá. Solo queda flotando desesperanza, una sensación incompleta, frustrante y llena de angustia, imposible de superar y que solo debe ser aceptada.

Ficha técnica 

Título original: Ben Is Back
Año: 2018
Duración: 98 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Black Bear Pictures / 30West / Color Force. Distribuida por Roadside Attractions
Género: Drama | Drogas. Familia
Guion: Peter Hedges
Música: Dickon Hinchliffe
Fotografía: Stuart Dryburgh
Reparto: Lucas Hedges, Julia Roberts, Kathryn Newton, Emily Cass McDonnell, Courtney B. Vance, Tim Guinee, Faith Logan, Melissa Van der Schyff, Teddy Cañez
Dirección: Peter Hedges

Regresa a Mí - Por Juan Pablo Donoso

Drama familiar, muy íntimo, que sin recurrir a golpes emocionales, nos llega sutilmente al corazón.

El tema es la drogadicción juvenil, y la dificultad de sus víctimas y parientes para liberarse de sus tentáculos letales.

Su realizador, Peter Hedges, se caracteriza por narrar historias poco comunes, con personajes jóvenes cuyos mundos oscilan entre lo mágico y lo terrenal (La Extraña Vida de Timothy Green (2012) – Fragmentos de Abril (2003) - Dani, un Tipo de Suerte (2007).

Esta vez el “monstruo” es la droga que, con sus efectos asesinos, yace bajo el velo de una comunidad de apariencia inocente.

Holly (Julia Roberts) es madre de dos hijos adolescentes de un matrimonio anterior, y ahora de 2 niños pequeños. Su actual marido, Neal, es un buen esposo y padre, afroamericano, que procura lo mejor para su familia (Courtney B. Vance).

En vísperas de Navidad reciben la visita temporal de Ben, el hijo mayor, que permanecía recluido lejos, en un centro de rehabilitación. (Lucas Hedges).

Su repentina visita convulsiona tanto a la familia como al vecindario. Mientras vivió allí, además de su propia adicción traficaba con la mercadería e inducía a otros jóvenes a ingerirla. Incluso una amiga suya falleció por sobredosis.

Aunque demuestra que la terapia le ha sido beneficiosa, su presencia en el pueblo atrae a antiguos contactos que, gradualmente, intentan involucrarlo otra vez en sus redes. Llegarán a amenazar la estabilidad de su familia.

El personaje principal de este drama es la madre, Holly, quien, a pesar de la oposición de su marido, quiere disfrutar de su breve visita. Pero deberá enfrentarse a la embestida de los traficantes para proteger y salvar a su hijo.

Será una odisea siniestra, nocturna, de 24 horas, en medio de la nieve, por rescatar con vida a Ben de sus propios demonios, y mantener la seguridad de su hogar.

Julia Roberts entrega una de sus mejores actuaciones. Otro tanto hace el joven Lucas Hedge, hijo del director, quien en sus últimas películas ha destacado en diversos festivales de gran envergadura (Manchester Junto al Mar (2016) – 3 Anuncios por un Crimen (2017) – Moonrise Kingdom (2012).

Lograda participación de Kathryn Newton, como su desconcertada hermana Ivy, y de Courtney B. Vance, como Neal el buen marido incapaz de luchar contra el amor maternal de Holly y la potencia maléfica de la drogadicción y sus mafias de traficantes.

Final abierto para sensibilizarnos en la realidad del problema.

UN PROYECTO AMBICIOSO, CRUDO Y TIERNO A LA VEZ, QUE DEMUESTRA LA IMPORTANCIA DEL APOYO FAMILIAR EN EL COMBATE CONTRA LA DROGADICCIÓN.

Ficha técnico

Título Original: Ben is Back 
Drama familiar Diamond Films EE.UU. – 1,43 hrs. 
Fotografía: Stuart Dryburgh Edición: Ian Blume 
Música: Dickon Hinchliffe 
Diseño Prod.: Ford Wheeler Actores: Julia Roberts, Lucas Hedges, Courtney B. Vance Guionista y Director: Peter Hedges

16/3/19

La Misma Sangre - Por Juan Pablo Donoso

Intriga familiar psico/policial con una prolija realización, buenas actuaciones, pero con un argumento que entrega lecturas simultáneas que chocan entre sí.

Por ello su estructura tiene más de novela que de un conflicto antagónico. Si bien hay un personaje principal, el protagonismo de Elías, el padre, se debilita en las motivaciones de los demás. Es la razón de por qué habiéndolo acompañado en sus tormentos durante la trama, al cerrar la historia la premisa se nos dispara a un nivel esotérico: ¿se cierne una fatalidad sobre esta familia? ¿hay algo en el judaísmo que los condiciona? ¿hay un estigma perverso que se hereda de generación en generación? (diente del jabalí, que tenía el abuelo y ahora tiene el nieto).

Elías (Oscar Martínez) es el padre de un grupo social medio-alto, propietario de tierra e industria lacta de búfala. La familia parece armónica y normal. 35 años de matrimonio. Pero las deudas de él, y su iluso optimismo, le han acarreado la enemistad de su esposa (Paulina García) quien se niega a financiarlo y sólo desea el divorcio. La muerte accidental de ella levantará sospechas sobre la secreta culpabilidad del marido.

Y la duda tomará cuerpo influyendo en la conducta de los demás integrantes, incluido un ex amante de su mujer (Luis Gnecco), hasta bordear la neurosis.

Los flashbacks sirven para aclarar lo que ocurrió y por qué ocurrió.

Al final del día, nadie es quien los demás creen que es. Las mentiras gestan rencor, desconfianza y errores irreparables que culminarán en desquicio asesino.

Este tipo de relato seudo policial – atmosférico, con personajes multiangulares, y final ambiguo – fue muy habitual en el cine francés de los años 60 y 70. Sus principales cultores, entre otros, fueron Claude Chabrol (Inocentes con las Manos Sucias) y Louis Malle (Ascensor para el Cadalso). La fascinación de misterio que lograban se debía a ese rasgo cínico y amoral que lucían sus integrantes. Factor ausente en este caso.

Si bien el argumento es fácil de entender, y echa mano a varios recursos de aquella narrativa gala, estos personajes son más honestos y vulnerables, y con más opciones para resolver el embrollo. Sus comportamientos, por tanto, y las funestas consecuencias, nos parecen más antojadizas por parte de los guionistas, en miras a un simbolismo superior.

Se siente así una dispersión en los comportamientos y un exceso en sus reacciones. Sólo cerca del final pareciera justificarse el rol de Lautaro (Luis Gnecco), y en ningún momento la presencia carismática del emérito Norman Briski como el anciano padre al comienzo del filme. Hay un fallido intento de nuestra laureada Pali García por hablar con acento argentino cuando su personaje es chileno, cosa que con buen criterio evitó Gnecco.

POR INTENTAR INTRIGA SIMBÓLICA, LOGRAN MÁS UNA ATMÓSFERA DE MISTERIO QUE UN CONFLICTO REAL.

Ficha técnica

Drama familiar, misterio, suspenso Cinecolor Films Argentina, EE.UU. – 1,53 hrs. 
Edición: Soledad Salfate 
Música: Luca D'Alberto 
Diseño Prod.: Jean Paul Gaucher 
Guionistas: Miguel y Ana Cohan 
Actores: Oscar Martínez, Paulina García, Dolores Fonzi, Diego Velazquez, Luis Gnecco 
Director: Miguel Cohan

14/3/19

Venganza - Por Juan Pablo Donoso

Esta vez, las aventuras de Liam Neeson combinan la violencia con el humor negro. El resultado es ameno, claro en su complejidad, y efectivo en su género de acción.

El galardonado director noruego Hans Petter Moland, experto en comerciales de TV, narra con precisión, luce paisajes invernales nocturnos y obtiene estupendas actuaciones de sus personajes secundarios. Es una nueva versión de su propio filme Kraftidioten (Fuerza Idiota) 2014.

A ratos nos sentiremos culpables de reír en medio de un relato tan trágico y sangriento. Pero es el toque de sarcasmo deliberado que marca la diferencia con otras películas similares. Nos recuerda el estilo de humor cruel de Fargo (1996) de los Hnos. Coen.

Nels Cox es un tranquilo padre de familia. Su oficio es manejar un barrenieves en las montañas nevadas de Colorado. Al pueblito elegante de Kehoe acceden traficantes de drogas para abastecer turistas ricachones. Su hijo Kyle es asesinado por un grupo de matones narcos. La inconsolable madre del joven abandona el hogar. En su desolación, Nels decide vengarse de los asesinos.

Liquidará primero a los ejecutores directos del crimen, y luego iniciará una escalada de masacres por la red jerárquica hasta llegar al mandamás del cartel, un tal Trevor 'Vikingo' Calcote, magnate inescrupuloso. La trama se irá complicando. Hará creer a Vikingo que los asesinos de sus secuaces – y ladrones de su mercadería – son los miembros de otra banda capitaneada y compuesta por indios resentidos de la región. Y empezarán a vengarse entre ellos.

Entremedio, una pareja de policías locales, hombre maduro y mujer novata, son incapaces de pillar el hilo conductor de tantos delitos.

El ritmo ascendente es ágil, los mafiosos se van enredando en sus propias torpezas, y cada nuevo personaje que aparece trae un historial sólidamente justificado. Nils – parangonando su oficio - desata una gran “bola de nieve” (Cold Pursuit) cuyo final será aún más catastrófico.

El humor negro emana de la fatuidad del líder (excelente Tom Bateman), de la creciente estupidez de los esbirros, de la sabiduría de los indígenas, y de la parsimonia de los policías que terminan por ser meros espectadores del conflicto.

El realizador logró su objetivo: ir abultando una madeja demencial de venganzas cuyo atractivo está más en el proceso acumulativo que en el destino final. Tal era el propósito y lo alcanzó con una cuidadosa selección de actores secundarios.

TRAGICOMEDIA NEGRA DE ACCIÓN, SATÍRICA, MUY BIEN DIRIGIDA.

Ficha técnica


Título Original: Cold Persuit 
Acción, crimen, sátira 
BFDistribution Inglaterra, Noruega, Canadá, EE.UU., Francia – 1,59 hrs. 
Fotografía: Philip Øgaard 
Edición: Nicolaj Monberg 
Música: George Fenton 
Diseño Prod.: Jørgen Stangebye Larsen 
Guion: Frank Baldwin, Kim Fupz Aakeson 
Actores: Liam Neeson, Tom Bateman, Emy Rossum, Domenick Lombardozzi
Director: Hans Petter Moland

Parque Mágico - Por Juan Pablo Donoso

Una superproducción animada, que con bellísimo tratamiento técnico cuenta una historia compleja, muy ágil, pero que para algunos puede parecer recargada.

En efecto, a partir de una situación sencilla y emotiva, los guionistas y realizadores la fueron abultando de peripecias hasta dejarla convertida en una fábula con exceso de metáforas e incidentes laterales.

Al parecer, Paramount Animation quiso demostrar al mercado de animadores su avance en la perfección de dibujos computacionales. Además de la nitidez de miles de figuras y colores, le otorga a sus personajes centrales una expresividad en los ojos y los labios pocas veces vista con anterioridad. Por lo tanto, cumple con creces su objetivo de excelencia audiovisual. Deja una vara aún más alta en esta competencia de animaciones. ¡Felicitaciones!

Más, la quimera de perfección tecnológica los obnubiló en la estructura del argumento. Trataron de contar demasiadas cosas, y unas dentro de otras, a costa de la pureza de una historia tierna y simple.

June es una niñita pequeña, cuya gran imaginación es estimulada por su querida madre. Con los juguetes de su dormitorio es capaz de crear sueños tan vívidos que, además de compartirlos con otros niños del barrio, intenta crear un parque de diversiones en el jardín de su casa.

Cuando su mamá se enferma y debe hospitalizarse, June escapa de un campamento escolar para volver a su casa y atender a su padre en la limpieza del hogar. En el camino de regreso se pierde en un bosque, encuentra un vehículo abandonado entre las malezas, lo monta, y éste la conducirá, justamente, al parque de diversiones que ella había creado con su fantasía. Y comenzará la tarea de reactivarlo junto a sus amiguitos de peluche, desmalezarlo, protegerlo y combatir contra los gérmenes de la ruina, y ponerlo en marcha tal como siempre lo soñó.

En esta aventura, que acumula chascos e incidentes graciosos, van surgiendo reflexiones de sus animalitos compañeros, peligros, y revelaciones sobre el valor de la amistad.

Tras tantas peripecias se vislumbra un mensaje que nos invita a mantener la capacidad de seguir soñando, pero también a recordar que en las fantasías hay “agujeros oscuros” que amenazan nuestro indispensable contacto con la realidad.

UNA EXIMIA REALIZACIÓN ANIMADA, CON PERSONAJES ENCANTADORES, PERO RECARGADA EN SECUENCIAS Y PERIPECIAS.

Ficha técnica

Título Original: Wonder Park 
Animación, aventura, comedia 
Andes Films España, EE.UU. – 1,25 hrs. 
Fotografía: Juan García González 
Edición: Edie Ichioka Música: Steven Price 
Diseño Prod.: Fred Warter 
Guion: Josh Appelbaum, André Nemec

La misma sangre - Por Carlos Correa

Una sencilla e incluso rutinaria reunión familiar termina con una tragedia. Adriana -Paulina García- muere producto de un desafortunado accidente doméstico. Su esposo Elias -Oscar Martínez- es quien la encuentra y también quien le comunica la noticia a su hija Carla -Dolores Fonzi- que ya había regresado a su casa junto a su marido y a su hijo. Sin embargo hay cosas extrañas que no cuadran y que no dejan tranquilo al esposo de Carla, Santiago -Diego Velázquez-, quien observa conductas extrañas de su suegro y descubre algunos antecedentes que le hacen dudar que el impactante acontecimiento haya sido solo un desafortunado accidente.

La premisa de la historia es interesante y la trama atrapa, especialmente en la primera mitad del relato. Y claro, es una película policial y familiar, a pesar que el primer aspecto está mucho menos profundizado que el segundo. El ritmo pausado del metraje se traduce en un desarrollo lento. En su último tercio tampoco se apura, pero las situaciones que se desencadenan resultan apremiantes y exigen una pronta resolución.

El director Miguel Cohan trabaja con un guion de su autoría junto a Ana Cohan sobre una idea original de ambos elaborada en conjunto con Walter Rippel. La película tiene una excelente fotografía y logrados encuadres, con algunos primeros planos muy potentes y caracterizaciones muy bien desarrolladas, destacando especialmente las actuaciones sólidas de Oscar Martínez, Paulina García y Dolores Fonzi.

La historia es relatada con saltos temporales que permiten transitar dos veces por los hechos principales. Aquella técnica permite tener la visión de las dos caras de la moneda y obliga a adoptar una posición y un juicio al respecto. Muchas de las acciones transcurren en la comunicación no verbal de los actores. Los escasos diálogos son en general cotidianos. La profundidad la entrega el sentimiento, todo aquello que no se dice pero que se expresa en gestos y detalles. Es emotiva desde el silencio.

El retrato que la cinta muestra de la vida matrimonial de los protagonistas, sus variados problemas, el cansancios de los años, la frustración y la soledad que conduce al engaño, expone la necesidad de separar caminos, una decisión que es tomada por Adriana. Sin embargo la no aceptación de la realidad por parte de Elías, sus temores, sus apremiantes problemas económicos y los negocios poco exitosos configuran una realidad compleja y difícil de sobrellevar para él. Como contraparte, el matrimonio de Carla y Santiago, bien conformado, es puesto a prueba y comienza a tambalear producto de la desconfianza y la incredulidad que el trágico suceso agrega a sus vidas

A pesar de algunos cabos sueltos en el guión, como el desprendido inicio, la incógnita del personaje interpretado por Luis Gnneco y el desenlace que lleva al título de la cinta, junto al escaso desarrollo de los personajes secundarios -aquellos importantes roles de soporte- que carecen del dibujo necesario para contener a los protagónicos, la película logra avanzar. La idea original se impone a su desarrollo y la reflexión queda abierta, a pesar de un final que se muestra en deuda y que no está a la altura de su buena factura.

Ficha técnica

Título original: La misma sangre
Año: 2019
Duración: 113 minutos
País: Argentina
Productora: Coproducción Argentina-Canadá-Chile; AZ Films / Wildhorse Studios / Cimarrón / Rizoma Films
Género: Thriller. Drama | Familia
Guion: Ana Cohan, Miguel Cohan (Idea: Ana Cohan, Miguel Cohan, Walter Rippel)
Música: Luca D'Alberto
Fotografía: Julián Apezteguia
Reparto: Oscar Martínez, Dolores Fonzi, Paulina García, Luis Gnecco, Diego Velázquez, Malena Sánchez, Norman Briski, Emilio Vodanovich
Dirección: Miguel Cohan

Venganza - Por Carlos Correa

Una película con Liam Neeson como protagonista llama siempre la atención, sobre todo pensando en la saga “Taken” y en sus recientes roles interpretando al famoso “Garganta Profunda” o al jefe de pandilla de la estupenda “Viudas”. Sin embargo, tal vez las altas expectativas le jueguen en contra en esta nueva propuesta dado que se trata de una cinta que promete mucho más de lo que finalmente entrega.

Neeson interpreta a un conductor de barredoras de nieve -Nelson Coxman- en una alejada e idílica montaña en la que está emplazado el “Colorado Ski Resort of Kehoe”. La muerte inesperada de su hijo gatilla su obsesión por conocer la verdad de lo sucedido. La causalidad es confusa y todo lo que va encontrando en el camino es un reguero de sangre y que se transforma en lo que muy bien representa su título original, “Cold Pursuit”, una verdadera búsqueda fría.

La película es algo lenta, carente de chispa y lamentablemente no despega. Intenta ser a ratos una comedia negra pero tampoco lo consigue. No se define bien ni en forma ni estilo, ya que entre el desfile de narcos, el tráfico de drogas, el tema indígena y su odio hacia los blancos se va fundiendo y diluyendo con el correr de los minutos.

La familia se muestra como fundamental sin embargo la soledad del protagonista no tarda en aparecer. Y es contradictorio pues todo lo que él hace lo hace por su familia. Entonces la serie de acciones que siguen parecen no tener justificación porque esa búsqueda desenfrenada de la verdad se transforma no en la superación de las dificultades y el encuentro de la justicia sino en el exterminio de sus enemigos.

Mucho de lo que la película intenta mostrar ya lo hemos visto. Hay toques de diferentes realizadores y sobre todo un cierto aire a Tarantino, lógicamente sin su profundidad y buen gusto. “Venganza” es un remake que no logra valerse por si mismo y que queda en deuda especialmente con su carismático actor principal que, a pesar del esfuerzo desplegado, no consigue mantener el relato a salvo de la implacable y abundante nieve de las alturas de Colorado.

Ficha técnica

Título original: Cold Pursuit
Año: 2019
Duración: 118 minutos
País: Reino Unido
Productora: StudioCanal / Paradox Films. Distribuida por Lionsgate
Género: Acción. Thriller. Comedia | Venganza. Remake. Comedia negra
Guion: Frank Baldwin (Remake: Kim Fupz Aakeson)
Música: George Fenton
Fotografía: Philip Øgaard
Reparto: Liam Neeson, Laura Dern, Emmy Rossum, Julia Jones, William Forsythe, Elysia Rotaru, Tom Bateman, Aleks Paunovic, John Doman, Domenick Lombardozzi, Raoul Trujillo, Ben Hollingsworth, Emily Bruhn, Nathaniel Arcand, Victor Zinck Jr., Arnold Pinnock, Wesley MacInnes, Chris Logan, Bradley Stryker, Tom Jackson, Micheál Richardson, Elizabeth Thai, Loretta Walsh, Glen Gould, Jim Shield, Nels Lennarson, Dani Alvarado, Ben Sullivan, Lucy Ssuubi
Dirección: Hans Petter Moland

11/3/19

¿Podrás perdonarme? - Por Carlos Correa

Melissa McCarthy realiza una excelente caracterización de la escritora Lee Israel. Especialista en biografías, Lee pasa por un período duro en su vida. Los éxitos pasados no tienen visos de repetirse, y ahora está frustrada. Su creciente inseguridad creativa -la llamada “maldición de la página en blanco”- y su reticencia a los encuentros sociales la hacen ser una personal hostil y por ello vive sola y aislada. Con serios problemas de alcoholismo, para colmo es despedida de su trabajo, no tiene dinero, debe meses de arriendo, su gata está enferma y en la veterinaria no le ayudan pues también debe unos cuantos dólares. Todo mal.

Desesperada, Lee decide vender algunos de sus tesoros, entre ellos una carta recibida de Katharine Hepburn, sin embargo aun así el dinero no le alcanza. Su proyecto actual es escribir una biografía sobre Fanny Brice, e investigando en una biblioteca encuentra entre los libros dos cartas escritas por la autora. Las sustrae y lleva una de ellas a Anna -Dolly Wells -, una librera local, que le da poco valor literario y económico al escrito. Lee agrega una sugerente línea adicional a la segunda carta, como post scriptum, lo que si llama la atención de Anna y ciertamente le da mayor valor comercial al documento: 350 dólares.

Surge entonces la idea de falsificar nuevas cartas de escritores famosos imitando el estilo narrativo de cada uno pero agregando un leve toque personal. Y le resulta, la venta va bien, y de a poco le dan más dinero por cada carta. La natural ambición de los coleccionistas desata su propia ambición de querer más. Pero, ¿en realidad es querer más dinero o más bien sentirse reconocida -pero siempre desde el anonimato- por su talento?

Esta cinta dirigida por Marielle Heller, con guion de Nicole Holofcener y Jeff Whitty basado en las exitosas memorias de Lee Israel es una historia íntima y profundamente humana. Cuando Lee conoce en un bar a Jack Hock -Richard E. Grant en un espléndido papel- parece que su vida puede cambiar. La amistad, la cercanía, la comprensión y el acompañamiento que surge entre ambos es realmente genuino. La complicidad crece y la generosidad de Lee se encuentra de pronto con algunas acciones inesperadas de Jack. Claro, algunas voces han dado aviso sobre posibles fraudes, se ha lanzado una alerta, el FBI investiga y cierra el círculo en torno a Lee.

Lo más importante del relato es todo aquello que no está escrito y no está dicho. La cinta tiene mucho contenido implícito y en ese sentido la actuación de Melissa McCarthy es estupenda pues con lujo de detalles entrega vida al retrato más íntimo de una artista en decadencia que es incapaz de asumir su condición, con sus miedos, temores y angustias más profundas puestas en relieve. Cuesta abajo, parece que la caída no se detendrá nunca, sin embargo Lee Israel no se arrepiente de ninguno de sus actos. Ha pasado, tal vez, el mejor momento de su vida y ahora es tiempo de escribir su propia historia.

Ficha técnica

Título original: Can You Ever Forgive Me?
Año: 2018
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Fox Searchlight
Género: Drama | Biográfico. Literatura. Años 90. Homosexualidad. Alcoholismo. Amistad. Basado en hechos reales
Guion: Nicole Holofcener, Jeff Whitty (Memorias: Lee Israel)
Música: Nate Heller
Fotografía: Brandon Trost
Reparto: Melissa McCarthy, Richard E. Grant, Julie Ann Emery, Jane Curtin, Anna Deavere Smith, Marc Evan Jackson, Dolly Wells, Christian Navarro, Alice Kremelberg, Shae D'Lyn, Michael Cyril Creighton, Brandon Scott Jones, Tim Cummings, Pun Bandhu, Joanna Adler, Marcus Choi
Dirección: Marielle Heller

7/3/19

Rey de Ladrones - Por Juan Pablo Donoso

Un malogrado intento de suspenso policial con desperdicio de famosos actores ingleses de antaño.

Basándose en un hecho real, trataron de relatar a la manera – ¡ya tan trillada! – de Rififí, Misión Imposible, Topkapi, Desconocidos de Siempre, y tantas, tantísimas otras sobre un robo a las bóvedas de bancos o joyerías.

Un famoso y elegante ladrón inglés llamado Brian Reader (Sir Michael Caine), al quedar viudo decide dar su último y genial golpe delictivo. Reúne a viejos camaradas de hazañas anteriores para robar una de las más protegidas joyerías de Inglaterra.

Los ex-compañeros, ahora ancianos, diabéticos, olvidadizos, sordos y con problemas de próstata aceptan participar gracias a los datos del único más joven, un empleado de la misma empresa (Charlie Cox).

Cuando el atraco, bajo la planificación del invicto Rieder, resulta exitoso, en los ancianos brotan los virus de la codicia e intentarán timarse mutuamente.

Entonces, aprovechando que fue un hecho real, los realizadores sazonan las historia con el suspenso de las secuencias del robo mismo, y luego, con el emponzoñamiento de las relaciones entre los vetustos ladrones.

El resultado fue que ni los riesgos durante el robo logran tensión, ni tampoco las interminables discusiones y torpezas de los carcamales entre sí, resultan cómicas ni enternecedoras. Todo fluye como si el guionista hubiera omitido la médula tragicómica y sólo dejó los diálogos y circunstancias secundarias, suponiendo que el carisma de esos legendarios actores británicos aportaría la chispa necesaria.

A medida que avanza, y cuando termina la exhibición, cabe preguntarse para qué hicieron la película, hasta incluyendo a tan paradigmático actor como Michael Gambon (Harry Potter) sin revelarnos la razón de su presencia.

DESPERDICIO DE FAMOSOS ACTORES. NI RIFIFÍ NI EL FIN DEL DÍA. UN RELATO QUE NOS DEJA INDIFERENTES.

Ficha técnica

Título Original: King of Thieves 
Crimen, drama Inglaterra – 1,48 hrs. 
Fotografía: Danny Cohen 
Edición: Jinx Godfrey, Nick Moore 
Música: Benjamin Wallfisg 
Diseño Prod.: Chris Oddy Guion: John Pernhall 
Actores: Michael Caine, Charlie Cox, Michael Gambon 
Director: James Marsh

Border - Por Juan Pablo Donoso

Ejemplo de cómo un tema lúgubre puede ser poético sin caer en concesiones efectistas. Un riesgo - ¡y triunfo! - artístico que merecía afrontarse. Aclamada en Cannes y Karlovy Vary.

El ambiente es incómodo, oscuro, y tenebroso. Sin embargo nos cautiva desde el comienzo hasta el final. Se debe a la inteligencia de sus metáforas, y a las estupendas actuaciones principales.

Se llama “border” porque sus criaturas navegan la frontera entre lo humano y la monstruosidad mitológica.

Sería nefasto relatar el argumento; nos limitaremos sólo a entregar los ingredientes y el punto de partida.

Tina es una funcionaria aduanera de los barcos que viajan entre Suecia y Finlandia. Es una treintona horriblemente fea. Pero tiene el talento de olfatear, como si fuera perro, a los pasajeros que contrabandean productos prohibidos.

Es tal su deformidad facial que los viajantes abominan de su aspecto en voz alta.

En las noches y horas libres habita una choza en un bosque, se baña desnuda a la luz de la luna, es virgen y alberga a un vagabundo para evitar la desolación.

La Policía recurre a su capacidad sobrehumana de rastrear delincuentes pedófilos hasta sus domicilios. Es su oficio y lo cumple a cabalidad.

El giro de la trama se produce cuando detecta a un pasajero fuera de lo común y, por tanto, muy sospechoso. La investigación revelará que Vore es igualmente anómalo como ella. Y surgirá una mutua atracción afectiva y erótica.

La realidad es que tanto Tina como Vore son descendientes de “troles”, es decir, criaturas mitológicas, y humanoides, del folklore escandinavo, que moran en cavernas y regiones boscosas desde tiempos ancestrales.

Ella fue adoptada por el cuidador de un asilo cuando quedó huérfana de padres deformes. Lo llamará “papá” hasta conocer el origen de sus progenitores.

De ahí en adelante la historia emprende el proceso afectivo y sexual anti-natura de la pareja, mientras ella continúa con su labor policial, y él – ¡embarazado de ella! - vuelve a Finlandia a continuar su crianza de insectos y gusanos comestibles.

Una de las metáforas más evidentes de este relato dantesco, es que engendros como éstos pueden tener sentimientos más nobles que tantos humanos quienes, pareciendo normales, son aberrantes y perversos en el alma.

Queda abierta la posibilidad que estos seres de aspecto tan horrible lleguen a reemplazar a quienes se dicen éticos y civilizados.

Es inevitable aplaudir el maquillaje prostético de los troles, y en especial la actuación de Eva Melander (Tina), muy hermosa en la vida real.

UNA FÁBULA DE HORROR Y FEALDAD QUE ENCIERRA MENSAJES DE LUZ Y SABIDURÍA. SÓLO PARA PÚBLICOS SELECTOS.

Ficha técnica


Título Original: Gräns 
Drama, fantasía, romance Suecia, Dinamarca – 1,50 hrs. 
Fotografía: Nadim Carlsen 
Edición: Olivia Neergaard-Holm, Andres Skov 
Música: Christoffer Berg, Martin Dirkov 
Diseño Prod.: Frida Hoas 
Guion: Ali Bassi, John Ajvide Lindqvist (cuento) 
Actores: Eva Melander, Eero Milonoff, Jörgen Thornsson 
Director: Ali Abassi

6/3/19

Capitana Marvel - Por Carlos Correa

Esta nueva cinta del Universo Marvel es muy entretenida. Brie Larson encarna a Carol Danvers, una heroína que tiene un poder inmenso y que debe aprender a controlarlo, conteniendo también sus emociones. Producto de una pelea entre dos razas alienígenas, Carol llega al planeta Tierra. Transcurre la década de los 90 y en el escenario terrícola se sigue desarrollando el conflicto entre los Kree y los Skrull.

El guion es sencillo y sus vuelcos son bastante naturales. Un punto a favor es que no se necesita ser fan del Universo Marvel para comprenderlo. La onda retro es quizá el aspecto mejor logrado, junto a la gran cantidad de guiños de todo tipo al riquísimo mundo Marvel. Emociona el homenaje inicial a Stan Lee y también, por cierto, un infaltable cameo.

Las actuaciones son muy buenas pero en especial destaca Samuel L. Jackson como el agente Fury, que interpreta al futuro director de S.H.I.E.L.D., que en este momento es un personaje de muy bajo perfil. Las transformaciones internas de los personajes son algo extrañas. Me refiero a su desarrollo en el relato y a su evolución en la historia. La confusión que provoca que los buenos son los malos y los malos son los buenos, tampoco ayuda demasiado. Obviamente los cambios externos son muy llamativos, pues una de las razas tiene el poder de adoptar cualquier forma cercana. Pero claro, esto ya es un clásico pues no sabemos si el personaje que vemos es el original o la copia.

Capitana Marvel es frenética en su acción, no cabe duda, sin embargo resulta algo liviana en momentos que a mi modo de ver debieran ser más emotivos. Esto es curioso, sobretodo pensando en que tal vez la temática más profunda del relato tiene que ver con la emoción, el autocontrol y la estabilidad de su protagonista. El tema se esboza y queda ahí, sin mayor desarrollo, tal vez apostando a que con posteriores apariciones se pueda visualizar un poco mejor su personalidad. Tal como está presentada, Carol Danvers no logra el vuelo que realmente amerita, no obstante ya está asegurada su participación en la nueva “Avengers: Endgame”. Tal vez allí se destape y vuele alto para mayor deleite de todos los fans.

Y como Marvel ya nos tiene acostumbrados, vienen dos escenas post créditos. Paciencia, mucha paciencia y ojo con un amoroso y tímido gato que literalmente se roba la película.

Ficha técnica

Título original: Captain Marvel
Año: 2019
Duración: 130 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Marvel Studios
Género: Ciencia ficción. Fantástico | Años 90. Superhéroes. Cómic. Marvel Comics
Guion: Nicole Perlman, Meg LeFauve (Cómic: Gene Colan, Roy Thomas)
Música: Pinar Toprak
Fotografía: Ben Davis
Reparto: Brie Larson, Jude Law, Samuel L. Jackson, Ben Mendelsohn, Gemma Chan, Lee Pace, Mckenna Grace, Clark Gregg, Djimon Hounsou, Kenneth Mitchell, Annette Bening, Lashana Lynch, Rune Temte, Damon O'Daniel, Algenis Perez Soto, Colin Ford, Robert Kazinsky, Connor Ryan, DJ Jenkins
Dirección: Anna Boden, Ryan Fleck

Un ladrón con estilo - Por Carlos Correa

Forrest Tucker, un elegante ladrón de bancos, es el protagonista de esta película dirigida por David Lowery. Y el actor que lo interpreta es nada menos que Robert Redford quien se apresta a dejar décadas de actuación luego de este último trabajo.

Forrest es un caballero, educado y seductor. Sin ningún atisbo de violencia y con extrema tranquilidad roba bancos. Los atracos salen bastante bien, sin embargo y de tanto en tanto, es capturado y enviado a prisión. Tanto es así que ha pasado más tiempo en la cárcel que disfrutando de la libertad.

Redford está realmente magnífico. Cautivante y absolutamente magnético, llena la pantalla con su carisma y su sonrisa. Forrest roba para vivir, está en su ADN y no lo puede abandonar. Sin embargo la película no es sobre los robos sino que es una historia de vida; de amor y de vida. Aborda las motivaciones profundas y la intención más genuina de una persona que tal vez no se ha podido adaptar a las circunstancias. O tal vez si, pero a su particular manera.

La historia de siempre, la del perro y el gato, la del gato y el ratón, fluye en el trasfondo de los delitos pero que no son el centro del relato. Y por cierto, hay un detective que persigue al ladrón y que se frustra cuando llega tarde o es apartado del caso.

Lo cierto es que mientras Robert Redford está en pantalla, su impronta nos cautiva. Cuando desaparece, el relato cae y la tensión también. Por suerte son pocos momentos y el galán logra recuperar los puntos perdidos mientras lentamente y casi sin quererlo se va enamorando. Junto a ello y simultáneamente sigue con su técnica de los robos delicados, sin aspavientos y que, es muy curioso decirlo, encanta a sus víctimas.

Ficha técnica

Título original: The Old Man and the Gun
Año: 2018
Duración: 93 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Identity Films / Wildwood Enterprises / Endgame Entertainment / Conde Nast Entertainment / Sailor Bear. Distribuida por Fox Searchlight
Género: Drama. Comedia | Biográfico. Crimen. Robos & Atracos. Vejez. Basado en hechos reales
Guion: David Lowery, David Grann (Artículo: David Grann)
Música: Daniel Hart
Fotografía: Joe Anderson
Reparto: Robert Redford, Sissy Spacek, Casey Affleck, Danny Glover, Tika Sumpter, Elisabeth Moss, Tom Waits, Isiah Whitlock Jr., Robert Longstreet, Keith Carradine, Jordan Trovillion, John David Washington, Augustine Frizzell, Barlow Jacobs, Gene Jones, Leah Roberts, Kevin McClatchy, Patrick Newall, Todd Terry, James Siderits, Christine Dye, Toby Halbrooks
Dirección: David Lowery

La voz de la igualdad - Por Carlos Correa

Inspirada en hechos reales, esta cinta cuenta la historia de Ruth Bader Ginsburg, nombrada en 1993 por el Presidente Bill Clinton para integrar la Corte Suprema de Justicia de los Estados Unidos. Felicity Jones caracteriza ejemplarmente a esta icónica mujer, su etapa de estudiante en Harvard y sus inicios en el ejercicio de la abogacía defendiendo casos de discriminación de género.

La película es fascinante si se disfruta del mundo de las leyes y en especial del sistema legal estadounidense que basa gran parte de sus decisiones en la jurisprudencia. Acá está en juego el conservar la tradición o bien avalar el cambio, en una evolución que se visualiza poco posible a corto y mediano plazo.

Mimi Leder dirige un guión de Daniel Stiepleman el que, junto con oportunos escapes, logra captar la esencia del cambio social radical que se incuba en Estados Unidos en los años 50. La discriminación sin sentido y sin argumentaciones sólidas, hace que los alegatos parezcan totalmente fuera de lugar a los ojos de hoy. Claro, ahora lo vemos como inconcebible, sin embargo mucho debió pasar para derribar un sistema instalado, cómodo y tremendamente machista para trazar un camino paulatino y lleno de dificultades que con el tiempo ha permitido avances en emparejar la cancha en algunos aspectos y sentidos.

El ninguneo intelectual al que es sometida la protagonista es de horror. Hay mucha incredulidad ante el valor y fortaleza de esta mujer decidida y portadora de un coraje envidiable. Sabemos que los cambios son lentos y difíciles, pero sin personas como Ruth Bader Ginsburg probablemente lo serían aún más demorosos y las nuevas generaciones no tendrían las oportunidades actuales, que por cierto aun están lejos de ser equilibradas.

El cambio está instalado y no hay vuelta atrás. La libertad es la principal bandera de lucha y tal como se señala en la cinta, dicha palabra no está presente en la Constitución de Estados Unidos. Tampoco está la palabra mujer, sin embargo de la misma forma en que no dudamos que la libertad es esencial, tampoco tenemos dudas, hoy día, del rol que debe cumplir la mujer y de la plenitud de sus derechos, asunto crucial en el que Ruth Bader Ginsburg contribuyó con honestidad y esfuerzo.

Ficha técnica

Título original: On the Basis of Sex
Año: 2018
Duración: 120 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Participant Media / Focus Features / Amblin Partners. Distribuida por Universal Pictures
Género: Drama | Basado en hechos reales. Biográfico. Años 90. Feminismo. Drama judicial
Guion: Daniel Stiepleman
Música: Mychael Danna
Fotografía: Michael Grady
Reparto: Felicity Jones, Armie Hammer, Kathy Bates, Sam Waterston, Justin Theroux, Jack Reynor, Stephen Root, Cailee Spaeny, Francis X. McCarthy, Gabrielle Graham, Angela Galuppo, John Ralston, Dawn Ford, Gary Werntz, Callum Shoniker, Paul Spera, Holly G. Frankel, Karl Graboshas, Michael Dickson, Joe Cobden, Arlen Aguayo-Stewart, Stephanie Costa
Dirección: Mimi Leder

27/2/19

El repostero de Berlín - Por Juan Pablo Donoso

Sensible, inteligente, difícil de narrar y, a la vez, fácil de comprender por su transparente humanidad.

Una bella historia de amor - ¡muy atípica! - que denuncia los convencionalismos vacíos, y los prejuicios irracionales. Promueve la armonía y reconciliación de razas. Prioriza la honradez, la buena voluntad, el talento y el sincero amor entre las personas sin importar de dónde vengan, ni tampoco de la historia de sus pueblos ancestrales.

Comienza con la relación homosexual entre un empresario judío y un sencillo pastelero alemán. Oren Nachmias (Roy Miller), casado y con un hijo pequeño, debe viajar mensualmente a Berlín por asuntos de negocios. Thomas (Tim Kalkhof), joven alemán, tímido y solitario, homosexual, dueño de una tienda de pasteles, entabla una relación amorosa con el judío.

Tiempo después, Thomas, se entera que Oren falleció en un accidente de tránsito. Desconsolado decide partir a Israel para conocer – de manera anónima – a la esposa e hijito del que fuera su amante en Berlín.

La esposa, Anat (magnífica actriz Sarah Adler), para sobrevivir en la viudez, logra que el Estado le autorice instalar un restaurante en Jerusalén de comida exclusivamente kosher.

Como Thomas visita el negocio a menudo sin darse a conocer, ofrece sus servicios como lavaplatos. Al poco tiempo Anat descubre que el tímido alemán es experto en refinada pastelería. El restaurante prospera y la relación entre la viuda y el alemán se hace más estrecha, sexual y consoladora.

Los parientes fundamentalistas de Anat comenzarán a desconfiar del alemán y a instigar para su despido. Pero ya la mujer, y la suegra, se han enterado de la relación que Thomas tenía con Oren, de lo frágil que estaba su matrimonio, y de la imposibilidad de seguirlo teniendo junto a ella. Y aunque la mujer era arreligiosa se ve en la encrucijada de obedecer la tradición social, o darle a su vida un destino de auténtico y personal riesgo.

Todo está logrado en esta bellísima historia. El Jerusalén contemporáneo, las costumbres y ritos de sus habitantes, la sencillez de sus personajes, la necesidad de afecto, los vacíos de la soledad, e incluso los encantos del arte culinario, tanto alemán como judío.

Íntima, honesta, y muy bien actuada. Nadie es malo porque sí. Es un gradual amasijo de tradiciones, temores, costumbres, y sentimientos naturales que necesitan expresarse para recuperar la salud del alma.

Ópera Prima del guionista y director Ofir Raul Graizer, joven realizador israelí, que ya ha ganado importantes reconocimientos en festivales del mundo y va nominada al Oscar como Mejor Película Extranjera.

UNA ESTUPENDA PELÍCULA QUE LLAMA A LA TOLERANCIA, A LA CORDURA, Y A LA PUREZA NATURAL DE LOS SENTIMIENTOS. EXCELENTE Y MUY RECOMENDABLE.

Ficha técnica


Título Original: The Cakemaker מברלין אופה הפאי
Drama, romance, costumbrismo
Festival de Cine Israelí en Chile
Israel, Alemania – 1,53 hrs.
Fotografía: Omri Aloni
Edición: Michal Oppenheim
Música: Dominique Charpentier
Diseño Producción: Yael Bibel, Daniel Kossow
Actores: Tim Kalkhof, Sarah Adler, Roy Miller
Guionista y Director: Ofir Raul Graizer

Cafarnaúm - Por Juan Pablo Donoso

Un prodigio cinematográfico. Un impacto temático, de tratamiento y actoral.

Su guionista y directora – Nadine Labaki – libanesa de 43 años, ya figura entre las grandes realizadoras según la revista Variety (Caramel – 2007; ¿Y ahora dónde Vamos? - 2011). Ha sido miembro del Jurado de los últimos festivales del mundo.

Al ver esta película compartimos tales reconocimientos.

En la historia del cine se han hecho magníficas obras sobre la infancia, y con niños excepcionales como actores. La lista sería demasiado larga y atañe a muchos países desde América pasando por Europa, Asia y África.

Lo que logra Nadine Labaki con su cámara en este relato, es internarse en el corazón flagelado de un niño pobre, comprender sus emociones y sentimientos, presenciar cómo su inteligencia descubre los recursos más brutales para sobrevivir, y cómo emerge con una luz de esperanza, gracias a su natural instinto de compasión.

Narrada con cámara en mano – como si fuera un documental – nos sumergen en los barrios más lóbregos de una ciudad del Líbano. La miseria es tan grande que la familia del pequeño Zain – de 12 años - deben vender a su hermanita Sahar a un proxeneta para poder subsistir.

En el alma del niño brotarán los impulsos más salvajes de rencor hacia sus padres por haberlo traído al mundo y de homicidio hacia quien le arrebató la compañía de su hermana.

Mientras lo seguimos por los callejones inmundos recogiendo basura y comiendo desechos, conocerá a Rahil, una joven negra prostituta indocumentada, madre de Yonas (Boluwatife Treasure Bankole), un niño de apenas 2 años que aún se alimentaba de leche materna para vivir. Será ella quien acoja a Zain en su covacha a cambio de que el niño cuide y acompañe al negrito mientras ella busca algún trabajo más honesto.

Comprendemos que los pocos datos deprimentes que recién entregamos provoquen rechazo para ver este filme. Sin embargo, la intimidad casi maternal con que la realizadora nos acerca a estos dos niños, más otros al pasar, nos absorben con tal ternura y realismo que sólo deseamos seguir junto a ellos en las vicisitudes de cada instante para saber en qué termina.

Las reacciones espontáneas de esos niños, ante cada circunstancia, transmiten niveles de empatía pocas vistas en el cine. Y nada pudo ser forzado ni ensayado – menos con el pequeño Yonas aún lactante.

Exuda VERDAD en todo momento.

Si bien es dolorosa, la experiencia de ver este filme es inolvidable, y se nos queda latiendo bajo la piel, y emocionándonos al recordarla mucho después de verla.

OBRA MAESTRA REALIZADA POR UNA DE LAS MÁXIMAS CREADORAS CINEMATOGRÁFICAS CONTEMPORÁNEAS. IMPERDIBLE. UNA BOMBA DE AMOR.

Ficha técnica


Drama Líbano, Francia, EE.UU. - 2,06 hrs. 
Fotografía: Christopher Aoun 
Edición: Konstantin Bock, Laure Gardette 
Música: Khaled Mouzanar 
Diseño Prod.: Hussein Baydoun 
Guionistas: Nadine Labaki, Jihad Hojeily 
Actores: Zain Al Rafeea, Yordanos Shiferaw, Boluwatife Treasure Bankole 
Directora: Nadine Labaki

Nueve Premios Internacionales

La Boda - Por Juan Pablo Donoso

Una nueva tragedia contemporánea producto del choque de culturas y de férreas tradiciones familiares.

En Aix la Chapelle, histórica ciudad fronteriza de Europa, co-habitan grupos humanos provenientes de muchos países del mundo.

Nuestra protagonista, Zahira (Lina El Arabi), una muchacha de 18 años, de una familia inmigrante de Pakistán, ya termina el colegio y congenia con amistades de su edad.

Su primer drama fue quedar embarazada por accidente, exponiéndose al oprobio de su familia. Su deseo era gestar ese hijo, aunque el padre ya era irrelevante para ella. Sin embargo, su hermano y confidente, para evitar la hecatombe social, la convence de abortar.

Con ese dolor secreto en su conciencia deberá luego casarse, según la tradición de su pueblo, con un novio desconocido que sus padres habían seleccionado para desposarla. Ella deberá elegir - ¡por internet! - a uno de los tres candidatos que, además, viven en Medio Oriente.

La muchacha intenta rebelarse contra semejante imposición, incluso huyendo del hogar. Para sus parientes, este tipo de boda es la más sana y adecuada. Le señalan el ejemplo de sus padres, casados sin conocerse previamente, y que han sido siempre felices. Hasta una hermana mayor (estupenda Aurora Marion) le expone su armonía conyugal como paradigma de realización.

Zahira, quien se sentía atraída por un joven belga, abominaba de semejante destino. Pero la presión del ambiente, los ejemplos que le da su padre de lo tristes que son las vecinas solteras del barrio, y el frágil estado cardíaco de éste, la harán consentir finalmente en una pre-ceremonia nupcial – a distancia – dejando el vínculo establecido, y faltando sólo la consumación definitiva de la boda.

Zahira hará un último intento de liberarse y escapar, confiando a ciegas en su adorado hermano, que siempre la comprendió.

Los múltiples vericuetos de la trama, en que solidarizamos con el instinto de dignidad personal de la niña, y lo inesperado del desenlace, consolidan la premisa de los autores del filme: aún en nuestros días, y a pesar del inmenso cariño familiar, hay tradiciones tan hondas que resultan casi imposibles de cambiar.

DOLOROSA DENUNCIA CONTRA LA RIGIDEZ DE TRADICIONES MILENARIAS.

Ficha técnica


Título Original: Noces 
Drama cultural Bélgica, Pakistán, Luxenburgo, Francia – 1,40 hrs.
Fotografía: Grimm Vandekerckhove 
Edición: Jerome Giot y Mathilde Muyard 
Diseño Prod. Catherine Cosme 
Actores: Lina El Arabi, Sebastien Houbari, Babak Karimi, Nina Kulkarni, Aurora Marion, Zacharie Chasserlaud 
Guionista y Director: Stephan Streaker

El repostero de Berlín - Por Carlos Correa

“The Cakemaker” es un bello relato, narrado con calma, que hace una delicada descripción de una historia íntima, reflexiva y la vez profunda.

Thomas -Tim Kalkhof- trabaja como pastelero en una pequeña cafetería. Recibe visitas a diario, sin embargo una de ellas capta su atención. Se trata de Oren -Roy Miller-, un constructor israelí que por trabajo frecuenta Berlín. No sabemos detalles, pero ambos se involucran sentimentalmente, a pesar que Oren tiene a su familia, esposa e hijo, en Jerusalén. Luego de un tiempo sin tener noticias del viajero, Thomas se entera que Oren ha muerto en un accidente automovilístico y decide viajar a Israel sin tener claridad de las motivaciones que lo impulsan.

El director y guionista Ofir Raul Graizer elabora en este relato una pequeña joya. Con entornos precisos y cuidados, con una cámara exacta y planos que se notan trabajados en todos sus detalles, nos presenta las ciudades de Berlin y Jerusalén como retratos urbanos y cotidianos. La actuación del elenco es particularmente emotiva. Miradas sencillas, gestos delicados, diálogos perfectamente estructurados, breves y concisos, dan cuenta de simpleza y a la vez muestran el vasto mundo interior de los protagonistas que es enorme y rico en emociones.

Y en Jerusalén, Thomas conoce a la mujer de Oren, Anat -Sarah Adler-, que es propietaria de un café quien le ofrece un trabajo menor como asistente de limpieza. Aun no salen a relucir los talentos de este joven pastelero, sin embargo éstos quedan al descubierto cuando prepara unos bocados especiales para el cumpleaños del hijo de Anat lo que provoca una tensión entre las reglas religiosas de la comida, de conformidad con la ley judaica, y los nuevos sabores que comienzan a ser reconocidos y alabados por los cada vez más asiduos visitantes del pequeño café.

Varios temas están presentes en esta cinta. El abandono, la soledad y el cariño son particularmente importantes especialmente en la vida de Thomas. Su carencia afectiva hace aun más intrigante su actuar, que siempre es tímido y contenido. Su mirada perdida y su concentración en las tareas de la cocina se reflejan en su particular capacidad de disfrutar de las cosas más simples, a la vez de conectar profundamente con la intimidad de quienes le rodean.

La cocina es tal vez una excusa, sin embargo también se muestra como un reflejo particular y transparente de manifestación de amor y de cariño. Thomas tiene una historia de vida que vamos descubriendo lentamente durante el metraje. Cada aspecto que conocemos nos entrega un rasgo diferente de su personalidad y nos permite atisbar un poco más dentro de su interior. Pero no solo Thomas posee este magnetismo. Lo tiene Oren y también su esposa Anat, quien lentamente se va acercando a Thomas sin entender bien por qué. Nosotros, los espectadores, lo intuimos y por ello observamos sus pasos con complicidad y cierta ternura. Cuando nos involucramos con la plenitud de ambos es justamente el punto más alto del relato pues desde ese momento las piezas comienzan a ordenarse y el rumbo de la vida se define por pequeños detalles, acciones y omisiones, que llegan a lo más profundo del corazón de Anat y Thomas.

Ficha técnica

Título original: The Cakemaker
Año: 2017
Duración: 104 minutos
País: Israel
Productora: Coproducción Israel-Alemania; Film Base Berlin / Laila Films
Género: Drama | Cocina. Homosexualidad
Guion: Ofir Raul Graizer
Música: Dominique Charpentier
Fotografía: Omri Aloni
Reparto: Zohar Shtrauss, Sarah Adler, Tim Kalkhof, Roy Miller, Stephanie Stremler, Tagel Eliyahu, David Koren, Sagi Shemesh, Gal Gonen, Tamir Ben Yehuda, Sandra Sadeh, Eliezer Shimon, Iyad Msalma
Dirección: Ofir Raul Graizer

Réplicas - Por Carlos Correa

William -Keanu Reeves- es un científico especializado en desarrollar el traspaso de información del núcleo cerebral humano al cerebro sintético de un robot. Las pruebas con donantes no han resultado según lo esperado y los pocos avances, en realidad la dudosa efectividad que ha alcanzado la técnica, amenazan con cerrar el proyecto y concluir la investigación. Sin embargo, un accidente automovilístico marca la vida de este científico pues su esposa y sus tres hijos mueren. William en ese momento se obsesiona para recuperarlos a través de la clonación de sus cuerpos y posterior traspaso de su respectivos cerebros.

Esta cinta del director Jeffrey Nachmanoff tiene una premisa interesante. No solo es ciencia ficción sino también aborda temas cruciales y actuales referidos a la manipulación genética, la clonación de las cadenas de ADN y la inteligencia artificial, en este caso focalizada en la posibilidad de conservación y transferencia del cerebro humano hacia máquinas y clones.

También se hace presente en esta película el tema de los receptores de dichas transferencias -posiblemente transados en mercados ilegales- y la manipulación de los recuerdos de los cerebros a traspasar infringiendo con ello un cambio radical y profundo en su secuencia emocional.

Sin dejar de lado la vital motivación familiar, “Réplicas” también incursiona en la disyuntiva moral sobre los medios y los fines. Obviamente detrás de estas costosas investigaciones hay un negocio, un uso económico que perfectamente puede vincularse con el poder y un potencial riesgo de mal uso de los resultados obtenidos de una experiencia de esta naturaleza.

Hasta acá todo cuadra bastante bien, pero llevamos apenas veinte y algo minutos de película. De ahí en más, la cinta tiene un declive imparable hasta el final. El guion se debilita y cada vez se vuelve más delgado y carente de sentido. Las actuaciones comienzan a deambular y el rumbo, que en un principio apenas se percibía, desaparece en un mar profundo de lugares comunes y de situaciones que no logran vincularse ni racional ni emocionalmente.

No es la primera vez que una idea interesante no consigue plasmarse en un relato que tenga consistencia, interés, ritmo y tensión. “Replicas” lo intenta, la verdad sin mucho énfasis y casi como un saludo a la bandera. Pareciera que no se definiera bien en el foco del relato y en cuál historia es la que debe prevalecer. De esa forma diluye su contenido hasta, literalmente, desaparecer con los créditos finales.

Ficha técnica  

Título original: Replicas
Año: 2018
Duración: 107 minutos
País: Reino Unido 
Productora: Coproducción Reino Unido-China-Puerto Rico-Estados Unidos; Company Films / Di Bonaventura Pictures / Riverstone Pictures / Remstar Studios / Fundamental Films / Lotus Entertainment / Ocean Park Entertainment
Género: Ciencia ficción. Thriller
Guion: Chad St. John (Historia: Stephen Hamel)
Música: Mark Kilian, Jose Ojeda
Fotografía: Checco Varese
Reparto: Keanu Reeves, Alice Eve, Thomas Middleditch, John Ortiz, Emily Alyn Lind, Emjay Anthony, Nyasha Hatendi, Aria Lyric Leabu, Amber Rivera, Amber Townsend, Sunshine Logroño, Jeffrey Holsman, Omar Cruz Soto, Jean Pierre Prats
Dirección: Jeffrey Nachmanoff

21/2/19

3 Rostros - Por Juan Pablo Donoso

Nueva e inquietante película de un realizador iraní “maldito”: Jafar Panahi (Taxi Teherán - 2015).

Este guionista, director y editor está vetado desde hace tiempo por el gobierno de Irán. En sus filmes documenta, de la manera más objetiva posible, el dolor, la resignación, y las tradiciones de su pueblo aplastado por una tiranía religiosa fundamentalista.

Ahora, con un presupuesto mínimo, y con gran riesgo para su libertad, nos entrega nuevamente un relato muy simple, pero de profunda elocuencia.

La cinta comienza con el testimonio visual, grabado en celular, de una muchachita muy joven que se despide, segundos antes de ahorcarse. Lo hace en una caverna cercana a su hogar en el campo.

Una famosa actriz iraní, Behnaz Jafari – interpretándose a sí misma – recibe este mensaje telefónico y entra en pánico. Abandona el set de filmación donde estaba trabajando y – junto a su amigo, el mismo Jafar Panahi – parten en auto a la región montañesa de donde provenía la también verdadera joven Marziyeh Rezaei.

La muchachita provinciana se estranguló por la tenaz oposición de su familia para que ella ingresara al Conservatorio Dramático de Teherán.

La actriz y el director van al suroeste de Azerbaijan a dar el pésame y honrosa sepultura al cuerpo de la joven suicida. La consagrada Behnaz había patrocinado a la chica ante la Academia debido a su vocación y talento.

El trayecto es largo, escabroso, y sólo consultando a los primitivos habitantes de la zona van acercándose al villorrio de la muchacha. Una vez allí, nadie de su familia sabía del suicidio ni parecían tampoco preocuparse. Los visitantes atribuían la negativa a la vergüenza de tan ominosa determinación.

En este recorrido que duró dos días de agotadora búsqueda del cuerpo de Marziyeh, las conversaciones con diversos lugareños, y con los miembros de la misma familia de la niña, nos enteramos de su forma de ver el mundo, la vida y sus propios destinos.

Se titula 3 ROSTROS porque en este periplo enfrentamos la realidad de 3 mujeres cuyos ideales estaban en el arte de la actuación: la joven Marziyeh, frustrada por la intransigencia familiar; Behnaz, ya triunfante y famosa, y, una anciana ermitaña que fue actriz conocida tiempo atrás, y que ahora, olvidada, permanece recluida en una covacha miserable de las montañas.

Gracias al cansancio y lentitud del viaje exploratorio, somos testigos de un mundo que mezcla lo milenario con lo actual en una simbiosis sumergida en fanatismo y conformidad.

Todos los personajes son auténticos y aparecen con sus nombres reales. Sólo un gran poeta del cine, como Panahi, logra combinar con tanta sensibilidad lo documental, la denuncia muda, y despertar en nosotros una sentida conmiseración.

INEFABLE DENUNCIA CONTRA EL FANATISMO INSERTO EN UNA SENSIBLE TRADICIÓN. GRAN DILEMA CONTEMPORÁNEO POLÍTICO Y SOCIAL.

Ficha técnica

Título Original: Se rohk Drama social Irán – 1,40 hrs. 
Fotografía: Amin Jafari 
Edición: Mastaneh Mohajer, Jafar Pinahi 
Diseño Prod.:Leila Naghdi Pari 
Guion: Jafar Panahi, Nader Saeivar 
Actores: Behnaz Jafari,Jafar Panahi, Marziyeh Rezael 
Director: Jafar Panahi 
Premio Cannes Mejor Guión Extranjero 2018 (en ausencia del guionista) 

20/2/19

El Vicepresidente - Por Carlos Correa

Dick Cheney ocupó altos cargos en la Casa Blanca. Jefe de Gabinete del presidente Ford, Secretario de Defensa del presidente George H. Bush y Vicepresidente en los dos períodos -2001 al 2009- de George W. Bush. Esta película es su historia y se centra justamente en esta última posición, donde su poder e influencia se estima marcaron profundamente la historia de la primera década del siglo XXI.

Christian Bale realiza una caracterización excelente y sólida de un político que es tal vez “atípico”. Cultivando un cierto bajo perfil, callado y observador, Cheney fue avanzando en la burocracia gubernamental casi sin proponérselo. Bajo el alero de Donald Rumsfeld -Steve Carell en otro papel distinto a sus acostumbradas entregas- Cheney logra pactar con George W. Bush -un excelente Sam Rockwell- atribuciones especiales para aceptar ser su compañero de fórmula. Y vaya que acuerdo según el relato, pues juega un rol clave en una serie de eventos que están marcados a fuego: los atentados a las Torres Gemelas y al Pentágono, y la invasión a Afganistán junto con la guerra contra Irak, ambas reacciones posteriores a uno de los actos terroristas más significativos de este siglo.

La cinta desarrolla la historia con saltos temporales que nos van entregando un marco de los acontecimientos y de la historia personal del protagonista. Mucho hay de sátira y de comedia. El drama del que da cuenta tal vez no se podría narrar de otra forma porque la política es una fiel muestra de todo ello.

Fundamental en el relato es la esposa de Cheney interpretada por Amy Adams. Una mujer de armas tomar, sostiene e impulsa a su marido en todo momento y se transforma en pieza clave de la cinta. Porque del Cheney de juventud va quedando poco y nada gracias a la fortaleza que su esposa impregna a su lado.

En general, todas las actuaciones son muy buenas y contribuyen a modelar un relato que sobre todo en el primer tercio es desordenado y difícil de entender. Además, sin información previa puede ser aún más complejo, pues los pasillos de la Casa Blanca y los dobleces de la política norteamericana tienen códigos que es necesario conocer, al menos en términos globales.

La cantidad de detalles que entrega la cinta dirigida por Adam McKay es por momentos son abrumadores. Vemos como todos los temas pasan por los despachos del Ala Oeste y las decisiones se toman en poco tiempo. La templanza y sangre fría son atributos imprescindibles para sobrevivir en un mundo tremendamente especial donde la realidad parece superar a la ficción. Por momentos, da la impresión que la excelente “House Of Cards” queda relegada a segundo plano luego de observar algunas acciones que sorprenden e impactan.

Si bien esta película no es un clásico de Marvel, por favor no se retiren de la sala cuando aparezcan los primeros créditos pues viene una escena posterior que es notable. Y es que toda la cinta se desarrolla así, con giros, sorpresas, curvas y recovecos. Son los laberintos del poder que parecen inexpugnables y que sin ningún pudor son expuestos en una de las mejores cintas del año y que no solo impresiona sino que deja mucho, mucho para pensar.

Ficha tecnica

Título original: Vice
Año: 2018
Duración: 132 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Gary Sanchez Productions / Plan B Entertainment / Annapurna Pictures. Distribuida por Annapurna Pictures
Género: Drama. Comedia | Biográfico. Años 60. Política
Guion: Adam McKay
Música: Nicholas Britell
Fotografía: Greig Fraser
Reparto: Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell, Jesse Plemons, Eddie Marsan, Alison Pill, Stefania Owen, Jillian Armenante, Brandon Sklenar, Brandon Firla, Abigail Marlowe, Liz Burnette, Matt Nolan, Brian Poth, Joey Brooks, Joe Sabatino, Tyler Perry, Bill Camp, Shea Whigham, Cailee Spaeny, Fay Masterson, Don McManus, Adam Bartley, Lisa Gay Hamilton, Jeff Bosley, Scott Christopher, Mark Bramhall, Stephane Nicoli, Kirk Bovill, Naomi Watts, Alfred Molina, Lily Rabe
Dirección: Adam McKay

Mis huellas a casa - Por Carlos Correa

Basada en la novela “A Dog's Way Home” de W. Bruce Cameron, esta cinta dirigida por Charles Martin Smith encuentra su nicho en todas las personas que aman a los animales y en especial a los perros. Narra la historia de Bella, quien al verse separada de Lucas -Jonah Hauer-King-, su dueño, emprende un viaje de más de 600 kilómetros para regresar a casa.

El guion firmado por el autor de la novela junto a Cathryn Michon es fluido y sencillo. No presenta mayores sorpresas y el relato es sumamente confortable, a pesar de ciertos giros que en ningún caso provocan sobresaltos. Los temas importantes están igualmente presentes; la familia, el cariño, la acogida y el cuidado, sin embargo no logra profundizar en ellos pues se aprecia que no está en el objetivo central del filme.

Lo que más destaca de esta cinta es que logra captar a Bella y sus compañeros de ruta en ambientes que parecen muy naturales. Sin duda es un gran desafío y el rodaje, que debió ser bastante arduo, lo saca adelante con precisión. La fotografía de Peter Menzies Jr. contribuye enormemente al desarrollo de la historia pues es parte importante de la ternura que transmite la película, que con evidencia se enfoca en tocar nuestras fibras emocionales.

En lo personal me parece siempre complejo retratar a las mascotas como seres humanos. Sin desconocer su empatía, inteligencia y fidelidad me cuesta sintonizar con ello. En esta oportunidad el relato lo lleva Bella y en primera persona, por lo que me resulta aún más difícil. No obstante este punto, reconozco que para quienes logran desarrollar una relación muchísimo más cercana, especialmente con los perros, está historia sin duda les llegará de manera mucho más profunda.

“Mis huellas a casa” es pura bondad y esperanza, algo que en un mundo convulsionado, temeroso y desconfiado, siempre es algo bueno de entregar. El efecto que producen los animales, su cariño sin cálculo y sin frenos, curiosamente nos hace más humanos, más sensibles y menos calculadores. Ojalá que toda esta enseñanza la tuviéramos siempre a mano para sobrellevar lo que el día a día nos provoca y que, asimismo, pequeñas fábulas como ésta nos recuerden siempre que de nosotros depende construir un mundo más acogedor y más cariñoso.

Ficha técnica

Título original: A Dog's Way Home
Año: 2019
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Columbia Pictures. Distribuida por Sony Pictures Entertainment (SPE)
Género: Drama | Perros/Lobos
Guion: W. Bruce Cameron, Cathryn Michon (Libro: W. Bruce Cameron)
Música: Mychael Danna
Fotografía: Peter Menzies Jr.
Reparto: Ashley Judd, Jonah Hauer-King, Alexandra Shipp, John Cassini, Wes Studi, Edward James Olmos, Chris Bauer, Barry Watson, Tammy Gillis, Patrick Gallagher, Farrah Aviva, Veenu Sandhu, Lucia Walters, Spencer Drever, Jennifer Gibson, Benjamin Ratner, Leo Li Chiang, Lane Edwards, Darcy Laurie, Arielle Tuliao, Kimi Alexander, Javier Lacroix, Troy Rudolph, Sean Quan, Rolando Boyce, Cesar De León, Broadus Mattison, Jesse Miller, Gregory Tunner
Dirección: Charles Martin Smith

14/2/19

Green Book - Por Juan Pablo Donoso

Inteligente y encantadora. Denuncia la estupidez de los prejuicios étnicos en pleno siglo XX. Muy merecido el Globo de Oro a la Mejor Película de 2018.

Los Hnos. Farrelly saben hacer farsas exitosas y, por lo general, grotescas. (Dos Tontos muy Tontos – 1994; Algo Pasa con Mary – 1998; Yo, Yo Mismo e Irene -2000; Los Tres Chiflados – 2012). Pero esta vez incursionan en un tema nacional serio, que manteniendo el tratamiento humorístico y respetuoso, eleva la categoría del filme a otros niveles.

El título – GREEN BOOK – es la clave que desencadena esta tragicomedia. En 1962 era un catálogo impreso de Rutas con los hoteles y restaurantes exclusivos para negros en las regiones del sur de Estados Unidos.

Un gran pianista de color llamado Don Shirley, multimillonario, es contratado para dar una gira de conciertos por varios estados sureños. Conociendo lo conflictivo y peligroso de tal viaje, contrata a un chofer blanco famoso por ser un experto guardaespaldas del hampa: Tony Lip Villelonga. Deberán convivir en la carretera durante varias semanas. El blanco (Viggo Mortensen) alojando y comiendo en buenos hoteles, y el concertista (Marhershala Ali – Luz de Luna 2016) sólo en los ghettos para negros.

Los hechos fueron ciertos, y al final nos muestran a los personajes reales.

La convivencia fue difícil al comienzo entre el blanco, que se sentía humillado por servir a un negro, y el refinado pianista que debía soportar la vulgaridad, y malas costumbres, de su empleado de origen italiano.

Con el correr de los días se van agudizando las circunstancias de humor y las diferencias psicológicas de ambos individuos. Y cada uno se verá obligado a reconocer, aceptar y admirar las cualidades del otro.

Si el destino nunca los hubiese reunido habrían pasado el resto de sus vidas prisioneros de sus propios prejuicios.
La cinta tiene valor histórico y sociológico. Sin ser predicante es positiva y conciliadora. Un canto a la amistad.

El mensaje que nos proponen es que la mejor forma de derrumbar falsas barreras (en este caso entre blancos y negros, y otras razas) es la “proximidad” física y sentimental.

Aporta, además, una bella selección de canciones populares – y jazzísticas – de comienzos de los años 60.

ENTRETENIDA, INTELIGENTE, GRACIOSA, Y CON ESTUPENDAS ACTUACIONES.

Ficha técnica


Biografía – tragicomedia social Diamond Films EE.UU. – 2,10 hrs. 
Fotografía: Sean Porter 
Edición: Patrick J. Don Vito 
Música: Kris Bowers 
Diseño Prod.: Tim Galvin 
Guionistas: Nick Vallelonga, Brian Hayes Currie, Peter Farrelly 
Actores: Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Linda Cardellini 
Director: Peter Farrelly

13/2/19

Green Book - Por Carlos Correa

Esta preciosa historia, inspirada en hechos reales, es cercana y muy empática. Habla de la construcción de amistad entre dos personas que probablemente muy poco tengan en común. El pianista afroestadounidense Don Shirley -Mahershala Ali- y su chofer Tony Vallelonga -Viggo Mortensen- emprenden un largo y rudo viaje por el sur profundo de Estados Unidos a principios de los años sesenta. El pianista, junto a su grupo, debe dar conciertos en diferentes ciudades, tal vez al público más acaudalado de la época y en lugares donde el racismo aun es una condición inexcusable. El guion, escrito por Nick,el hijo de Vallelonga, junto a Farrelly y Brian Hayes Currie, se interna en temas trascendentes de la realidad de la época y no evade ninguna de las problemáticas que de él se desprenden.

Los diálogos son realmente deliciosos y es uno de los aspectos que más destaca en la película. Don Shirley es culto y refinado, sin embargo Tony Lip es lo opuesto, torpe y bruto. Sus orígenes son muy diferentes. Tony es italoamericano del Bronx, con una numerosa y extrovertida familia y sus modales lo describen a la perfección. Por su parte, Shirley vive solo y ha debido superar muchas situaciones para llegar a ser un virtuoso pianista con estudios en la Unión Soviética y que está de regreso en su país desarrollando su arte. ¿Qué hacen juntos y cómo pueden comunicarse estos dos mundos tan opuestos? Tony depende de su trabajo para mantener a su familia y Shirley parece tener resuelta su vida, al menos económicamente. Uno es negro y el otro blanco; ¿qué situaciones de vida podrían ser más extremas?

Las actuaciones de ambos protagonistas son excelentes, vibrantes, están llenas de sensibilidad y transitan por emociones de las más diversas índoles. Es cierto que mucho del guion puede resultar predecible, sin embargo está tan bien narrado que aquello le permite sortear incluso la aparente ausencia de un gran conflicto central. Claro, tal vez no existe un gran conflicto porque todo lo que acontece está en conflicto y tensión, en mayor o menor medida -claro está- desde el primer minuto hasta los créditos finales.

Las historias subyacentes al relato principal están muy bien tratadas. No necesitan detallar demasiado, su construcción apela a personajes secundarios que están precisos en sus intervenciones y en la conexión con los protagonistas. El drama, las dificultades de vida, el racismo y la amistad, brotan así espontáneamente durante todo el metraje. Hay momentos de lujo, como la parada en el camino frente a los trabajadores de la tierra o aquella donde Don Shirley obliga a Tony a retroceder el auto en la carretera. No son solo iconos, son algo más y vale la pena atesorarlas.

La banda sonora es preciosa. Kris Bowers logra reconstruir con canciones una época que estaba cambiando el rumbo de la sociedad norteamericana. Y por supuesto, la música es más que un mero acompañamiento. Hay un contrapunto importante que se manifiesta en el carismático pianista, una veta interior que asoma apenas durante la cinta y que tiene que ver con sus frustraciones más íntimas, sus sueños y el éxito que sin embargo ha logrado alcanzar. Lo mismo sucede con Tony, aunque a su modo, más rústico y menos refinado. Son vetas como las que tiene la madera, que si las miramos en detalle podemos observar que los caminos son múltiples y que las opciones dependen de nosotros. Por ello tal vez el título de la cinta es muy sugerente al hacer mención a aquel “Libro verde”, (“The Negro Motorist Green Book“) una guía anual para viajeros afroamericanos que señalaba hoteles, restaurantes, bares y estaciones de servicio que sí atendían a personas de color y en donde no corrían riesgos. Sin embargo, no es solo el título de la cinta pues naturalmente Don Shirley y Tony Lib no siguen al pie de la letra las indicaciones y se internan en un viaje profundo al interior de su país y también en la profundidad de sus propias vidas.

Ficha técnica

Título original: Green Book
Año: 2018
Duración: 130 minutos
País: Estados Unidos
Productora
Universal Pictures / Participant Media / DreamWorks SKG / Innisfree Pictures / Wessler Entertainment. Distribuida por Universal Pictures
Género
Drama | Basado en hechos reales. Drama sureño. Comedia dramática. Años 60. Racismo. Amistad
Guion: Brian Hayes Currie, Peter Farrelly, Nick Vallelonga
Música: Kris Bowers
Fotografía: Sean Porter
Reparto: Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Iqbal Theba, Linda Cardellini, Ricky Muse, David Kallaway, Montrel Miller, Harrison Stone, Mike Young, Jon Michael Davis, Don DiPetta, Mike Hatton, Dimiter D. Marinov, Craig DiFrancia, Gavin Lyle Foley, Randal Gonzalez, Shane Partlow
Dirección: Peter Farrelly

Battle Angel: la última guerrera - Por Carlos Correa

Futuro; sinónimo de guerra y destrucción. Han pasado años desde la crisis -“La caída”- y el mundo conocido está dividido en dos planos: arriba, una ciudad perfecta donde solo los elegidos pueden estar. Abajo, caos, desorden y ley de la selva, sometidos por el poder superior, el objetivo es sobrevivir y de alguna forma intentar escalar a la ciudad de las oportunidades. Con una historia basada en “GUNNM”, creado por Yukito Kishiro entre 1991 y 1995 y publicado en la revista Business Jump, James Cameron colabora en el guion y produce una cinta que lleva su mano, independiente que la dirección esta vez recae en el talentoso Robert Rodriguez.

En este mundo distópico que se nos presenta en pantalla, el doctor Ido -Christoph Waltz- encuentra dentro de la numerosa chatarra una cyborg destrozada y abandonada que es interpretada por Rosa Salazar. Su cerebro y corazón están milagrosamente vivos, por lo que decide repararla entregándole un nuevo cuerpo que le permite aprender a vivir nuevamente en la ciudad. Hugo -Keean Johnson- se transforma en su joven amigo y compañero de aventuras, en especial cuando Alita -que no tiene ningún recuerdo- comprende que su pasado tiene mucho que enseñarle y que posee habilidades de combate únicas que se habían perdido en el mundo desde hace cerca de 300 años. Los peligros en Iron City son crecientes y la búsqueda de esta pequeña guerrera por parte de quienes dominan la ciudad -Mahershala Ali hace un papel excelente junto a Jennifer Connelly, consolidando una pareja realmente de temer- la llevan a luchar por permanecer con vida y acercarse lentamente a conocer más de su pasado para poder salvar a su nueva familia y amigos de una destrucción casi segura.

La realización de la película es fascinante. La técnica del “Live-Action” está desarrollada de manera impecable y no hay nada que no parezca real. La combinación de animación con actores es excelente, los efectos son naturales, en ocasiones deslumbrantes, y no desvían por ello la atención principal de la historia. Las peleas, las batallas, las carreras de “Motorball” y, en general, cada uno de los escenarios en donde transcurre la acción, están perfectamente dibujados y animados, con una dosis de realismo que en ocasiones nos hace dudar si estamos viendo cuadros y escenas solo con animación.

Párrafo aparte para Christoph Waltz y para Mahershala Ali que le entregan un peso propio a la cinta. Actores de su calidad aportan bases sólidas a la construcción del relato, teniendo un protagonismo preciso para que las figuras emergentes, en este caso los dos jóvenes, crezcan junto a ellos. La cinta también explora temáticas interesantes, aunque no sean determinantes para la acción y la entretención que se desarrolla. Están presentes valores fundamentales sobre la familia, otros referidos a la discriminación, la sociedad y por supuesto al abuso de poder físico, político y económico de quienes gobiernan el mundo para su propio beneficio.

“Alita, Battle Angel” es una grata sorpresa, entretiene y refresca la cartelera del verano. Recomendada en IMAX 3D, tiene todos los elementos que logran sacar partido a la pantalla extra grande. No debemos olvidar que James Cameron tiene un gran oficio en ello y que sin duda logra constituir al cine en una experiencia que va más allá de la historia que nos narra.

Ficha técnica

Título original: Alita, Battle Angel
Año: 2019
Duración: 121 minutos
País: Estados Unidos
Productora: 20th Century Fox / Lightstorm Entertainment / Troublemaker Studios / TSG Entertainment
Productor: James Cameron
Género: Ciencia ficción. Acción. Romance. Thriller | Cyberpunk. Robots. Manga. Live-Action
Guion: James Cameron, Laeta Kalogridis, Robert Rodriguez (Novela gráfica: Yukito Kishiro)
Música: Junkie XL
Fotografía: Bill Pope
Reparto: Rosa Salazar, Christoph Waltz, Jennifer Connelly, Jackie Earle Haley, Ed Skrein, Mahershala Ali, Lana Condor, Keean Johnson, Michelle Rodriguez, Jorge Lendeborg Jr., Eiza González, Leonard Wu, Elle LaMont, Marko Zaror, Jorge A. Jimenez, Derrick Gilbert, Billy Blair, Jeff Fahey, Casper Van Dien
Dirección: Robert Rodriguez

Feliz Día de tu muerte 2 - Por Carlos Correa

Lo más interesante de esta secuela es la conexión que hace con la primera historia. Claro, la idea es la misma; revivir un día, el del cumpleaños, una y otra vez y reiniciarlo cada vez que la protagonista muere. Sin embargo en esta ocasión, se agrega un elemento que le da variación y le permite a la historia escapar de una monotonía casi asegurada.

Theresa "Tree" Gelbman -Jessica Rothe- vuelve a entrar en ese ciclo temporal sin proponérselo. Sus amigos están involucrados -en realidad son los causantes- y lo que parecía haber concluido definitivamente toma una nueva dimensión. Ahora Lori -Ruby Modine- es asesinada y Tree debe desenmascarar al asesino para poder escapar del bucle. Obviamente no todo sale bien y junto con los problemas comienzan los esfuerzos y búsquedas para tratar de resolver el puzzle del tiempo.

La cinta escrita y dirigida por Christopher Landon es entretenida aunque se alargue un poco. El guion fluye y la recapitulación a la primera historia -para explicarla o bien recordarla, según sea el caso- está muy bien hecha y no necesita forzar ningún elemento. El elenco juvenil posee mucha química y funciona perfecto en el enganche con el público. Los personajes, sin bien son caricaturas, están bien esbozados y dejan entrever varias de las problemáticas más actuales.

Volviendo a la historia, es un pié forzado muy frecuente encontrar el efecto “deja vu”. Las variaciones sobre el tema son múltiples y adquieren variadísimas perspectivas. La película vincula ese concepto y se hace cargo de agregarle una nueva dimensión, por lo que el “leitmotiv” se enriquece a pesar de mostrarnos, una y otra vez, que estamos sobre terreno más que conocido.

Con una buena realización, actuaciones frescas y grandes dosis de humor, “Feliz día de tu muerte 2” es una buena alternativa para pasar un rato sin mayores expectativas ni compromisos.

Ficha técnica

Título original: Happy Death Day 2
Año: 2019
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Blumhouse Productions / Digital Riot Media. Distribuida por Universal Pictures
Género: Terror. Intriga. Thriller | Viajes en el tiempo. Slasher. Secuela
Guion: Christopher Landon
Música: Bear McCreary
Fotografía: Toby Oliver
Reparto: Jessica Rothe, Israel Broussard, Suraj Sharma, Sarah Yarkin, Ruby Modine, Rachel Matthews, Charles Aitken, Steve Zissis, GiGi Erneta, Tenea Intriago, Laura Clifton, Sylvia Grace Crim, Blaine Kern III, Phi Vu, Cariella Smith, Rob Mello, Kenneth Israel, Kaleb Naquin, Lindsey G. Smith, Ramsey Anderson
Dirección: Christopher Landon