20/9/18

Locamente Millonarios - Por Juan Pablo Donoso

Panegírico al consumismo materialista. Ahora en el Jet Set oriental.

Le pronosticamos inmenso éxito de taquilla. ¿La razón? Multitudes de espectadores, en todo el mundo, gracias al cine o TV, sueñan con ser tan millonarios y sibaritas como estos personajes ficticios.

Como película unitaria tiene todos los ingredientes de una extensa teleserie internacional. Las secuencias, y sus muchos personajes, dan tema para alargarlos y constituir con ellos innumerables capítulos.

Una muchacha asiática, de humilde origen en Nueva York, ha llegado a ser una eminencia universitaria en Economía. Junto a su prometido, también oriental, viaja a Singapur a conocer a sus futuros suegros y parientes. Más, al llegar allá, descubrirá que su novio es el codiciado heredero de una multimillonaria dinastía. Y sufrirá las humillaciones de una Cenicienta contemporánea.

Con este filme comenzó el estrellato de Henry Golding para convertirse en el galán de moda. De origen malasio, y criado en Inglaterra, se inició como modelo masculino; y por medio de encuestas logró inusitada popularidad entre el público femenino. Su porte, facciones orientales, aterciopelada voz y acento británico lo catapultaron rápidamente como el nuevo símbolo de sex-appeal. De hecho, pronto lo veremos nuevamente en Chile protagonizando otra historia de torcidos amores llamada UN PEQUEÑO FAVOR.

Hay tomas espectaculares de Singapur y de otras grandes urbes de Asia. Destacamos las actuaciones de consagradas actrices como Michelle Yeoh (la suegra Eleanor), Gemma Chan (la cuñada) y Liza Lu (la abuela Ah Ma, de larga trayectoria como heroína oriental en filmes de EE.UU.). La joven protagonista - Constance Wu – si bien de origen asiático nació y se educó en EE.UU. donde ha participado en varios filmes previos. Tanto el director Jon M. Chu, alumno premiado en su Academia de Cine, como los productores, se lanzaron con esta película “rosa”, derrochando glamour y sabiendo que, narrada convencionalmente, recuperarían mucho más dinero que el invertido en su realización (US$ 30.000.000).

UNA CENICIENTA ASIÁTICA AMBIENTADA A TODO LUJO EN UNA PELÍCULA “ROSA” CONTEMPORÁNEA. ÉXITO DE TAQUILLA FRIAMENTE CALCULADO.

Ficha técnica


Título Original: Crazy Rich Asians 
Tragicomedia romántica y fastuosa Warner Bros. EE.UU. – 2 hrs. 
Fotografía: Vanja Cernjul 
Edición: Myron I. Kerstein 
Música: Brian Tyler 
Diseño Prod. : Nelson Coates 
Guion: Peter Chiarelli, Adele Lim, Kevin Kwan (novela) 
Actores: Constance Wu, Henry Golding, Michelle Yeoh 
Director: Jon M. Chu

Hotel de Criminales - Por Juan Pablo Donoso

Una idea potencialmente interesante, poco aprovechada.

Trataron de meter demasiados elementos en un solo relato.

Parece la secuela de gestas anteriores. Constantemente aluden a pasados eventos de sus múltiples personajes. Tal vez vienen de algún comic que desconocemos. Se limitan a esbozarlos más que a motivar sus acciones.

Todo sucede en el llamado Hotel Artemis, un hospital clandestino destinado a sanar sólo a delincuentes prófugos.

Lo regenta una rigurosa Nurse, enfermera paramédica, protagonizada por Jodie Foster (desde pequeña una excelente actriz, pero aquí lamentamos verla tan envejecida y arrugada). Sólo atiende enfermos forajidos y peligrosos.

¿Por qué sólo a ellos? Porque en 2028 la ciudad de Los Ángeles, EE.UU. es un caos de guerra civil, fuera de control, donde mafias luchan a muerte entre sí. Aunque alcohólica, y con un triste pasado maternal, su pasión es ayudar a otros, siendo incapaz de ayudarse a sí misma. Jodie es el único personaje que proyecta más humanidad.

Aparte de las matanzas, es difícil deducir la premisa central. En su género carece de sustancia. Hay demasiados clichés, y son casi todos superficiales.

Para dar más glamour insertan una especie de sensual “gatúbela” (Sofia Boutella) que pega patadas mortales. Aunque tiene ojos biónicos, anchas espaldas, piernas tatuadas, y dice que ella sólo mata a “gente importante”, nunca logra integrarse plenamente al argumento. Se siente embutida a la fuerza.

Hay buena utilización de colores primarios, juxtaposición de avanzadas tecnologías, impresoras en 3D, escenografías retro, pasajes secretos y ascensores destartalados.

Intentan que parezca importante, futurista y espectacular, pero termina vacía y esquemática. Por ahí tiran alguna frase supuestamente reflexiva, pero que se pierde en la polvareda de excesos y confusión.

AMBICIOSA Y RECARGADA. TRATA DE DECIR MUCHO Y QUEDA A MEDIO CAMINO EN TODO. 

Ficha técnica  

Título Original: Hotel Artemis 
Diamond Films Acción, crimen, futurismo EE.UU., Inglaterra – 1,34 hrs. 
Fotografía: Chung-hoon Chung 
Edición: Gardner Gould, Paul Zucker 
Música: Cliff Martinez 
Diseño Prod.: Ramsey Avery 
Actores: Jodie Foster, Sofia Boutella, Dave Bautista 
Guionista y Director: Drew Pearce

La Casa con un Reloj en sus Paredes - Por Juan Pablo Donoso

Imposible olvidarse de Harry Potter: un niño huérfano que aprende magia, pero en casa de su tío brujo.

Las novelas de John Bellairs son apasionantes y gatillan la fantasía. Más, para este filme metieron demasiados sucesos del libro. Y quedó recargada, primando los efectos especiales por sobre el encanto y humanidad de sus personajes.

La película carece de la ternura del relato literario original. Aunque contaron con excelentes y adecuados actores – Cate Blanchett, Jack Black, Lorenza Izzo y el pequeño Owen Vaccaro – el guion quedó abultado con tantas peripecias.

Así, los personajes/actores nos impiden acceder a sus matices personales más íntimos. Se limitan a informar por textos sobre quiénes son, de sus historias pasadas, y sólo galopan por la sucesión de fenómenos mágicos.

Tanto director como guionista debieron seleccionar los acontecimientos centrales y las fantasías para dar a sus personajes el reposo que nos permitiera una mayor identificación con ellos.

Tal vez para dar un respiro introducen las secuencias del niño en el colegio y su interacción con otros compañeros. Aunque el título dice “UN reloj de pared”, en realidad son demasiados los relojes y otros elementos estrambóticos en aquel museo de hechiceros.

EXCESO DE PARAFERNALIA EN DESMEDRO DE BUENAS ACTUACIONES Y SIMPATÍA DE LOS PERSONAJES.

Ficha técnica


Título Original: The House with a Clock in its Walls 
Andes Films Fantasía, comedia familiar EE.UU. – 1,44 hrs. 
Fotografía: Rogier Stoffers 
Edición: Andrew S. Eisen,Fred Raskin 
Música: Nathan Barr 
Diseño Prod.: Jon Hutman 
Guion: Eric Kripke, John Bellairs (novela) 
Actores: Cate Blanchett, Jack Black, Lorenza Izzo, Owen Vaccaro 
Director: Eli Roth

19/9/18

Locamente millonarios - Por Carlos Correa

Basada en la novela de Kevin Kwan, “Crazy Rich Asians” presenta la historia de una joven de Nueva York, Rachel Chu -Constance Wu-, invitada por su novio Nick Young -Henry Golding- a la boda de su mejor amigo en Singapur, oportunidad propicia para que ella conozca a su familia.

Jon M. Chu logra escenificar con desplante el guion de Pete Chiarelli y Adele Lim, poniendo énfasis en el exceso de lujo y en cómo el dinero afecta todo tipo de relaciones.

La historia es simple pues Rachel no conoce detalles ni antecedentes de la historia familiar de Nick por lo que ésta, su primera y alucinante aventura asiática, pasa muy rápidamente de ser un sueño ideal a transformarse en una auténtica pesadilla. La cantidad de personajes secundarios que dan vida a esta comedia romántica aparecen como perfectas caricaturas de todo lo que rodea la opulencia y el refinado gusto de una de las familias más rica de Singapur. Rachel no solo es discriminada por el entorno social. Eleanor, la madre de Nick, simplemente la ignora.

El elenco asiático actúa con mucha soltura y solidez y la química entre sus dos protagonistas es graciosamente natural. Y por cierto, Eleanor Young -Michelle Yeoh- destaca ampliamente en su papel antagónico gracias a su gran carisma y prestancia.

“Locamente millonarios”, su título en español, es una película entretenida, colorida y luminosa. Eso si, resulta extraña la particular sensibilidad de Nick que lo hace tan distinto a su familia de origen. Es difícil cuadrar esta característica siendo él uno de los solteros más codiciados de Asia. Tampoco es fácil entender la sencillez y humildad de Rachel, sobre todo cuando se ve sobrepasada y aún más discriminada por una situación de vida que ella misma desconoce.

“Crazy Rich Asians”, tal vez no tiene el atractivo cautivante que podría tener una historia original o novedosa, sin embargo se las arregla para, con todos los elementos conocidos, elaborar 120 minutos de romanticismo y comedia que fluyen naturalmente y que cumplen con la expectativa de entretener.

Ficha técnica

Título original: Crazy Rich Asians
Año: 2018
Duración: 120 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Warner Bros. / Color Force / SK Global
Género: Romance. Comedia | Bodas. Comedia romántica
Guion: Pete Chiarelli, Adele Lim (Novela: Kevin Kwan)
Música: Brian Tyler
Fotografía: Vanja Cernjul
Reparto: Constance Wu, Michelle Yeoh, Henry Golding, Gemma Chan, Awkwafina, Chris Pang, Sonoya Mizuno, Jing Lusi, Pierre Png, Fiona Xie, Kheng Hua Tan, Harry Shum Jr., Ken Jeong, Jimmy O. Yang, Nico Santos, Amy Cheng, Steph Jack, Selena Tan, Janice Koh, Karanbir Hundal
Dirección: Jon M. Chu

La esposa - Por Carlos Correa

La cinta comienza con la tensa espera de una llamada decisiva. Si el teléfono no suena, es mejor perderse en un lugar apartado. En cambio, si efectivamente el aparato timbra eso significa todo: Joe Castleman -Jonathan Pryce- es el nuevo Premio Novel de Literatura. Acompañado por su esposa Joan -Glenn Close- la alegría y el festejo de Joe comienza en cuanto termina la ansiada comunicación.

Basada en la novela de Meg Wolitzer, “The Wife” relata la historia en tiempo presente, con el viaje del matrimonio a Estocolmo y la preparación para recibir el galardón, intercalando escenas de juventud, cuando ambos se conocen siendo alumna y profesor, se enamoran y deciden continuar su vida juntos y unidos por la pasión de las letras.

Esta cinta del director Björn Runge tiene su mayor atractivo en la magnífica actuación de Glenn Close. El metraje está sostenido por su excelente caracterización, por el ritmo que le imprime a su personaje, por sus primeros planos, sus pequeñas intervenciones y mayormente aquellos silencios llenos de nostalgia y emoción. Es posiblemente de las mejores actuaciones de Close del último tiempo, muy bien acompañada por un sólido Jonathan Pryce que interpreta a sus anchas al galardonado escritor.

“La esposa” no solo presenta la particular historia de este matrimonio a punto de ser abuelos por su hija y con una complicada relación con quien heredó el amor por escribir, el hijo que les acompaña a la premiación. También recrea, en las escenas de juventud, el machismo y la discriminación hacia las escritoras, asunto tan presente en el mundo de la literatura.

Si bien la cinta no es profunda en su forma, el fondo del relato si lo es. Runge solo logra algunas pinceladas de aquello, dejando abierta la puerta para reflexionar sobre la creación artística, los procesos de elaboración, las distintas formas de abordar los desafíos y por supuesto la particularidad con la que cada quien lo asume y lo lleva a cabo. También nos muestra fielmente aquello que rodea a estas figuras de culto, aduladas por el público y donde la familia que está siempre un paso detrás debe postergarse en pro del “astro creado”.

“The Wife” debemos verla no solo por la actuación de Glenn Close. Es necesaria desde lo artístico también, no por la elaboración misma del filme sino por la historia que narra que expone un dilema no fácil de resolver y qué tal vez está mucho más presente de lo que podríamos imaginar.

Ficha técnica 

Título original: The Wife
Año: 2017
Duración: 100 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Suecia-Estados Unidos; Tempo Productions Limited / Anonymous Content / Meta Film
Género: Drama | Literatura
Guion: Jane Anderson (Novela: Meg Wolitzer)
Música: Jocelyn Pook
Fotografía: Ulf Brantas
Reparto: Glenn Close, Jonathan Pryce, Logan Lerman, Christian Slater, Harry Lloyd, Max Irons, Annie Starke, Alix Wilton Regan, Karin Franz Körlof
Dirección: Björn Runge

Nosotros en la noche - Por Carlos Correa

Esta delicada película, basada en la novela de Kent Haruf, relata la historia de dos viudos que han sido vecinos por décadas sin embargo nunca han tenido especial cercanía. Ambos viven solos desde el fallecimiento de sus respectivos cónyuges y sus hijos ya están lejos de casa. Addie Moore -Jane Fonda- da el primer paso. Visita a Louis Waters -Robert Redford- para hacerle una audaz propuesta: compartir las noches para hablar y acompañarse en el momento de mayor nostalgia que una persona sola puede tener.

La actuación de ambos es maravillosa y sutil. La cámara solo los sigue, capta con cercanía sus gestos, miradas y movimientos, lo que es suficiente para dejar traslucir infinidad de sentimientos y pensamientos que brotan desde el interior de los protagonistas. Existe una química natural, junto a años de experiencia, y una naturalidad asombrosa que parece ser verdaderamente auténtica y no una actuación.

Mediante sus diálogos vamos conociendo una parte de su historia, sus sueños y dificultades, los traumas que han vivido, junto con las buenas y malas decisiones que han tomado a lo largo del camino. La llegada del nieto de Addie pasa de ser una amenaza a esta nueva amistad a transformarse en una nueva oportunidad que ambos tienen de rejuvenecer y reaprender a vivir compartiendo la vida en su esencia fundamental. Sus hijos, en papeles muy distintos, también aportan a la configuración de este nuevo escenario de sus padres, con sus propias vidas, demandas y requerimientos. Y por supuesto, este pequeño pueblo de Colorado donde residen hace honor al dicho “pueblo chico, infierno grande”, pues sin duda todo lo que acontece es comentario obligado de todos sus habitantes.

“Nosotros en la noche” puede ser tan dulce y refinada como también un toque de alerta ante una soledad creciente que puede ser muy difícil de llevar en los adultos mayores. Con oficio, el director Ritesh Batra logra elaborar un drama consistente y que con sus actuaciones de lujo permite ver más allá de lo que se muestra en pantalla.

Ficha técnica

Título original: Our Souls at Night
Año: 2017
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Netflix
Género: Romance | Vejez. Drama romántico
Guion: Kent Haruf, Scott Neustadter
Reparto: Jane Fonda, Robert Redford, Bruce Dern, Matthias Schoenaerts, Judy Greer, Iain Armitage
Dirección: Ritesh Batra

13/9/18

El Depredador - Por Juan Pablo Donoso

Advertimos que si alguien pretende hallar inteligencia en esta catarata de combates pierde su tiempo y su dinero. Pero si sólo se deja llevar por aventuras descocadas saldrá satisfecho.

Vibrará con la llegada de unos horribles alienígenas, muy perversos, que se han perfeccionado mamando el ADN de los humanos en años anteriores, y ahora vienen a destruir, y reemplazar, nuestra raza humana.

Para mantener el dinamismo – y justificar el presupuesto – tiran a la olla todos los ingredientes de ciencia ficción posibles: efectos especiales a granel, un héroe francotirador invencible, una doctora experta en astronomía genética y ametralladoras, un niño genio capaz de manipular los códigos extraterrestres, un grupo de soldados locos dispuestos a cualquier disparate suicida, escuadrones de militares imbéciles, y feroces perros intergalácticos que traen de vuelta los palitos que les lanzan.

Chorros de sangre, chistes obscenos de hombres y mujeres, muchos descuartizados, y una sucesión vertiginosa de hazañas inverosímiles que, al final, anuncian continuar en una próxima secuela.

DEMENCIAL SÚPER-ACCIÓN EN UNA SÚPER-PRODUCCIÓN TAMBIÉN DEMENCIAL

Ficha técnica

Título Original: The Predator 
Acción, aventura, ciencia ficción Fox Canadá, EE.UU. – 1,47 hrs. 
Fotografía: Larry Fong 
Edición: Harry B. Miller III 
Música: Henry Jackman 
Diseño Prod.: Martin Whist 
Guion: Fred Dekker, Shane Black, Jim y John Thomas 
Actores: Boyd Holbrook, Trevante Rhodes, Jacob Tremblay 
Director: Shane Black

Mr. Klein - Por Juan Pablo Donoso

¿Cómo juega el instinto de LIBERACIÓN en la conciencia culpable de un individuo?

Un filme de nivel superior – en fondo y forma -que nunca llegó a exhibirse comercialmente en nuestro país.

Los títulos cumbres de su director Joseph Losey hablan por sí solos: El Sirviente (1963) – Galileo (1975) – Asesinato de Trotsky (1972) – Niño de Cabellos Verdes (1948) – El Merodeador (1951). Cuando pudo expresar sus inquietudes personales denunció “cómo la codicia, las guerras, los prejuicios y dogmatismos puede alienar las mentes humanas”.

El galán de moda de aquellos tiempos, Alain Delon, financió y protagonizó magníficamente esta historia. Un parisino burgués, millonario y vividor, durante la ocupación nazi en Francia, profita comprando a bajo precio pinturas valiosas de los judíos que necesitan escapar del país. Lo hace sin remordimiento, y porque siendo francés nada teme a los invasores germanos. Su nombre es Robert Klein.

Un día recibe un periódico judío dirigido a otro hombre también llamado Robert Klein. Se pone en campaña para demostrar a la policía que es sólo un alcance de nombres, y que entre sus antepasado nunca hubo un hebreo. Pero junto con alejar cualquier sospecha en su contra, se obsesiona por descubrir quién es este homónimo, y si la usurpación de nombres fue deliberada para perjudicarlo.

Iniciará su propia investigación hasta dar con el destartalado departamento del semita, pero sin hallarlo. Aprovechará la invitación extramatrimonial a un elegante castillo en el campo para hacerse pasar por el otro, y allí, detectar de lejos a su elusivo doble. Rastreará sus pasos conversando con bataclanas y obreras de pasados amoríos, sin lograr jamás hallarlo.

Y mientras más lo busca y conoce pormenores de su vida, más se comienza a identificar con el otro y, a la vez, a sentirse personalmente víctima también de la persecución. Es como si su conciencia de explotador – que permanecía sin escrúpulos – comenzara a despertar. Y por medio de esta búsqueda se va haciendo él mismo más sospechoso ante la policía.

En alemán llaman “doppelganger” a este doble fantasmagórico de una persona viva. Donde parecieran jugar al gato y al ratón por hallarse.

Atmósfera siniestra y hermosísima. Mucha cámara en mano. Ambientes refinados. Vestuarios exquisitos. Admirable recreación de época – 1942, invierno en París. Colores fríos que generan un ámbito kafkiano, recordándonos los contrastes surrealistas de Buñuel. Admirables reconstrucciones de calles con transeúntes, lujosos restaurantes y, también, multitudes de judíos franceses, niños, mujeres y ancianos, siendo apresados y trasladados a campos de concentración.

Galería de actores importantes de la época (1976). Jeanne Moreau, Francine Bergé, Michel Longsdale, Juliet Berto, Massimo Girotti, Roland Bertin.

Joseph Losey logra un relato de misterio cada vez más enajenante de duplicidad. Aunque Klein podría salvarse porque su abogado obtuvo las pruebas de que carecía de sangre judía, es tal su pasión por conocer al “otro” que podría seguirlo hasta el infierno si fuese necesario.

UN LABERINTO DE CONCIENCIA MAGISTRALMENTE LOGRADO, EN IMÁGENES Y EN ACTUACIÓN.

Ficha técnica


Título Original: Mr. Klein
Cine Arte Galería Patricia Ready
Drama, Misterio, Guerra 
Francia, Italia – 2,03 hrs. 
Fotografía: Gerry Fisher 
Edición: Marie Castro-Vázquez,Henri Lanoë, Michèle Neny 
Música: Egisto Macchi, Pierre Porte 
Diseño Prod.: Alexandre Trauner 
Guionistas: Franco Solinas, Fernando Morandi, Costa-Gavras 
Actores: Alain Delon, Jeanne Moreau, Francine Bergé 
Director: Joseph Losey

9/9/18

La telenovela errante - Por Carlos Correa

Siete días, siete historias. Raúl Ruíz, en una cinta que se encontraba perdida, filma en el año 1990 al Chile de ese tiempo, un país que está retornando lentamente a la democracia. Los nombres de cada uno de los capítulos es sugerente: “La gente nos mira”, “Chile fértil provincia”, “El inglés en las zonas sensibles”, “Alma C. Ríos Guzmán”, Los con H”, “Más allá de las montañas” y “Si te portas mal en esta vida, en la otra vida te conviertes en chileno”.

Ruíz dibuja el paisaje de un Chile que él no reconoce. Su relato es onírico y absurdo en la mayor parte del metraje. Los diálogos, en su mayoría inconexos, provocan bastante desconcierto. Se me viene a la memoria algunas de las mejores improvisaciones de Andrés Rillón y Julio Young, o el teatro del absurdo de Ionesco. Ruiz no teme conducir al borde de lo ridículo. Lo suyo es representar algo que en sí mismo lo es.

En un guion que irremediablemente es difícil de seguir y de encuadrar, ya sea por el paso de los años o por el estilo del director, se observa una pérdida de realidad. Esto de concebir la idea que toda la vida está dentro de una telenovela y que por momentos aquellas se pueden cruzar, dialogar e interferir, resulta un continuo que le da una cierto hilo narrativo a las historias.

Pero, ¿hay una pérdida de realidad o en verdad Ruíz filma algo extremadamente realista? Para el Chile de los noventa ambas opciones son posibles. Por un lado es cierto que las teleseries permiten a las personas vivir otras vidas y así tal vez olvidar las carencias propias. También se habla de sueños colectivos, ideales a alcanzar y sobre todo un ánimo creciente a progresar, dejando atrás los años más duros de la dictadura.

“La telenovela errante” es un trabajo premonitorio de Ruíz muy bien rescatado y concluido por su viuda, la directora Valeria Sarmiento. Tanto es así, que se adelanta casi dos décadas a lo que Vargas Llosa llama hace un par de años “La civilización del espectáculo”, definiendo lo que sucede actualmente con un fenómeno contemporáneo y vigente, que moldea el actuar de miles de personas.

Esta cinta póstuma, la número 121 del director chileno, es suspensiva. No concluye ni tampoco comienza, solo transcurre, y allí radica quizá su mayor valor, porque está hecha con el compromiso de un coro de actores que se dejan llevar por la mano de Ruíz. Confían en él y entregan fragmentos que incluso por separado podrían funcionar perfectamente. Todo esto se complementa perfectamente con el montaje y la edición de Sarmiento, que le da sustancia y unidad a un recuerdo fílmico no solo de Raúl Ruíz sino de un Chile que no podremos olvidar.

Ficha técnica

Título original: La telenovela errante
Año: 2017
Duración: 90 minutos
País: Chile
Productora: Poetastros / RR Producciones
Género: Drama. Comedia. Fantástico
Guion: Raúl Ruiz
Música: Jorge Arriagada
Fotografía: Leo Kocking
Reparto: Luis Alarcón, Patricia Rivadeneira, Francisco Reyes, Consuelo Castillo, Roberto Poblete, Liliana García, Mauricio Pesutic, Leticia Garrido, Marcial Edwards, Fernando Bordeu, Maria Erica Ramos, Carlos Matamala, Marcela Arroyave, Mario Lorca, Roberto Chignoli
Dirección: Raúl Ruiz, Valeria Sarmiento

8/9/18

The Party - Por Carlos Correa

Estupenda película de la realizadora Sally Potter. Tiene tantos detalles en sus escasos 71 minutos que sorprende realmente. Desde el blanco y negro, la cámara de Potter no escatima en finas texturas, primeros planos acentuados y un seguimiento de gestos que en sí mismo generan gran tensión dramática. ¡Qué decir del guion! Astuto, inteligente, irreverente y por momentos absurdo, con toques hilarantes, un humor especialmente ácido, revistiendo un drama profundo que se sostiene gracias a la excelente elaboración de la comedia negra que lo envuelve.

Un grupo de amigos se reúnen para celebrar a Janet -Kristin Scott Thomas- en su casa pues ha sido nombrada ministra. Los siete protagonistas de la cinta entran a escena en secuencia. El estilo teatral está permanentemente presente, en forma y fondo. Janet y su marido Bill -una actuación de lujo de Timothy Spall- esperan a sus invitados, ella en la cocina y él escuchando discos de vinilo, cada uno en su mundo y espacio, ideal y material. Llegan April -Patricia Clarkson- y su pareja alemana Gottfried -Bruno Ganz- , ella una mujer práctica y bastante cínica, él un versado y locuaz parlante de frases cliché. Se suman Jinny -Emily Mortimer- con su pareja Martha -Cherry Jones-, cuyo centro está en el embarazo triple de Jinny producto de fertilización “in vitro”. Cierra el círculo Tom -Cillian Murphy- un joven y acelerado hombre de finanzas que se adelanta a su esposa Marianne quien es subordinada de Janet y llegará más tarde.

Este es el cuadro general que distribuye el guion de Sally Potter. Las personas en escena comienzan un verdadero juego de ajedrez donde confluyen temas profundos de vida, sueños, ideales y fracasos, codicia, ambición de poder y euforia, todo cruzado por nostalgia, tristeza y desesperanza. Los giros dramáticos son notables, y las actuaciones excelentes. Cada una de las interpretaciones hace creíble su carácter. La secuencia, en tiempo real, una cuidada edición y una banda sonora delicada y escogida con muy buen gusto, hacen que esta joya sea deliciosa, sugerente, impactante, divertida y profundamente cuestionadora, todo esto en un poco más de una hora.

“The Party”, ¿la fiesta de celebración o “el partido”?. El juego es notable, propio de una guionista y directora atrevida, que sin hacer concesiones nos embarca en un viaje memorable y actual que vale la pena ver, degustar y disfrutar.

Ficha técnica

Título original: The Party
Año: 2017
Duración: 71 minutos
País: Reino Unido
Productora: Adventure Pictures
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Comedia negra
Guion: Sally Potter
Fotografía: Aleksei Rodionov (B&W)
Reparto: Patricia Clarkson, Bruno Ganz, Cherry Jones, Emily Mortimer, Cillian Murphy, Kristin Scott Thomas, Timothy Spall
Dirección: Sally Potter

6/9/18

Ya Veremos - Por Juan Pablo Donoso

Aplican en esta película los elementos exitosos ya comprobados comercialmente durante muchos años en las teleseries caribeñas.

Hay médicos jóvenes y apuestos que ganan buen dinero en clínicas lujosas. Están casados con bellas mujeres bien vestidas. Las otras féminas también son bonitas aunque solteras, impúdicas y libertinas. Los cómicos son menos agraciados, ineptos, pero simpáticos.

Para que haya un conflicto que resolver, el pequeño hijo de la pareja separada es diagnosticado con glaucoma juvenil. Corre peligro de quedar ciego en poco tiempo.

El niño, para conservar en su memoria las cosas lindas del mundo antes de perder la vista, solicita a sus padres que le den unas vacaciones sin escatimar gastos.

El viaje sirve también de pretexto para que marido y mujer se reconcilien y aborden juntos el albur de la operación oftalmológica del pequeño Santi.

La fórmula con los ingredientes de amores rotos, mucho turismo por los balnearios de México, un niño casi ciego, y gratas canciones tiene pocas posibilidades de fallar.

La virtud de los realizadores está en que nunca caen en el mal gusto, lo procaz y ni la chabacanería.

MELODRAMA MEXICANO BIEN DOSIFICADO, ELEGANTE, Y CON TODOS LOS INGREDIENTES PARA EMOCIONAR AL PÚBLICO FEMENINO.

Ficha técnica


Tragicomedia BFDistribution México – 1,37 hrs 
Fotografía: Martín Boege 
Edición: Eduardo Guillén, Diego Macho Gómez, Julio Hernández 
Música: Manuel Riveiro 
Diseño Prod.: Christopher Lagunes 
Guion: Alberto Bremer 
Actores: Mauricio Ochmann, Fernanda Castillo, Emiliano Aramayo
Director: Pitipol Ybarra

La Esposa - Por Juan Pablo Donoso

Lo mismo que en este filme le critican a la mala literatura lo cometen con el guion.

Sólo la enorme calidad de los actores principales - Glenn Close y Jonathan Pryce - permite vislumbrar el drama que corre por debajo de esta hermosa idea.

En vez de aprovechar ese talento, navegan sobre las cáscaras con diálogos prescindibles y explicaciones obvias.

El montaje cinematográfico – fotografía, sonido y edición – rubricado por excelentes actuaciones, resulta más sugerente y poderoso que las palabras y jueguitos de relleno.

En manos de otros grandes directores también escandinavos desde Victor Sjöström (Korkärlen 1921), Mauritz Stiller, Vilgot Sjoman, Billy August, Bo Widerberg, y Bergman habría sido un poema íntimo de amor, abnegación y lealtad.

Es extraño que Björn Runge, y miembros colaboradores de su familia, siendo suecos, prescindieran de ejemplos fílmicos de tantos maestros compatriotas anteriores.

En vez de sumergir se con finura en el alma de Joan, la esposa, y en la conciencia evasiva de Joe, el marido, lo dispersan en anécdotas secundarias que, siendo referenciales, sólo trivializan el conflicto central.

Este es un drama de abnegación y de lealtad matrimonial versus el afán de prestigio y de frívolos oropeles. Debieron aprovechar la enjundiosa materia prima que proponía la novela de Meg Wolitzer.

Un escritor mediocre que, acompañado de su esposa, viaja a Suecia a recibir el Premio Nobel, esconde en su conciencia un secreto que, durante la estadía, se irá revelando poco a poco, a pesar de la discreción de su mujer y de la rebeldía de su hijo.

Una bella historia torpemente relatada.

DRAMÓN PEDESTRE QUE PUDO SER UNA JOYITA.

Ficha técnica

Título Original: The Wife 
BFDistribution Drama Suecia, EE.UU., Inglaterra – 1, 40 hrs. 
Fotografía: Ulf Brantås 
Edición: Lena Runge 
Música: Jocelyn Pook 
Diseño Prod.: Mark Leese 
Guion: Jane Anderson, Meg Wolitzer (novela) 
Actores: Glenn Close, Jonathan Pryce, Christian Slater, Max Irons 
Director: Björn Runge

La Monja - Por Juan Pablo Donoso

Lamentable precuela de los CONJUROS anteriores.

Si se intenta evaluarla como una fábula gótica de misterios sobrenaturales, sólo entrega incoherencias carentes de toda lógica. Son tantas las gratuidades que ni siquiera nos identificamos con las víctimas.

Si pretendió ser una sátira chistosa, sólo consigue un par de discretas carcajadas ante el absurdo de los diálogos.

Las actuaciones, cuando las hay, son acartonadas y primarias. Sólo la frágil heroína (Taissa Farmiga), a costa de primeros planos, logra expresar miedo cuando la situación buenamente se lo permite.

Y si los espectadores buscan terror, les aconsejamos verla en algún cine equipado con todos los adelantos de proyección: pantalla IMAX, 3D, y para mayores experiencias epidérmicas en 4D, donde hasta le sacudirán el asiento y le tirarán agua.

Con la expectativa de tener un éxito comercial echaron mano a todos los clichés de terror de la historia del cine, desde la época de películas mudas (heroína que sale de noche, a pie descalzo, iluminada sólo con una velita a desenterrar muertos a un cementerio abandonado), pasando por monjas endemoniadas con dientes de tiburón y encías con piorrea, hasta tragarse, y después escupir, la supuesta sangre de Cristo guardada en una reliquia del siglo 1°, como arma de exorcismo. Y, por supuesto, rostros horribles que aparecen de golpe acompañados por estruendos cuadrafónicos (¡!).

Y como colofón, notar que todas las monjas jóvenes, prisioneras por siglos en un convento maldito de Rumania, están glamorosamente depiladas y maquilladas… hasta con pestañas crespas…

UNA TREMENDA CHACOTA MALOGRADA.

Ficha técnica


Título Original: The Nun 
Terror, misterio, suspenso 
Warner Bros. Chile EE.UU. – 1,36 hrs. 
Fotografía: Maxime Alexandre 
Edición: Michel Aller, Ken Blackwell 
Música: Abel Korzeniowski 
Diseño Prod.: Jennifer Spence 
Guion: Gary Dauberman y James Wan 
Actores: Taissa Farmiga, Bonnie Aarons, Jonny Coyne 
Director: Corin Hardy

Historia de Abril - Por Juan Pablo Donoso

Hay que ser japonés, sensible y muy masculino para meterse tan profundo en el corazón de una mujer. Hay que admirar y empatizar demasiado con el sexo opuesto para atreverse a contar así una historia. Sería muy raro que una realizadora se expresara con tan tierna finura. Hay que amar a las mujeres hasta el punto de idealizarlas sin envidias ni celos: desde afuera, con amor y respeto.

Una muchachita muy joven, que recién termina su enseñanza escolar, deja su pueblo de provincia para estudiar en una Universidad de Tokio. Viaja absolutamente sola. Lleva el dinero suficiente para arrendar un pequeño departamento y pagarse la comida. Ni ella misma tiene clara la disciplina en que intenta especializarse. Lo único importante es radicarse en Tokio, asistir a clases, hacer algunas amistades y comprar libros en una tienda muy determinada.

Durante las 5/6 partes del filme ignoramos adónde conduce este seguimiento tan minimalista de la joven Nireno. Sólo en la última secuencia se nos amarran y justifican los detalles anteriores, logrando conmovernos sin sensacionalismo.

La historia, de poco más de una hora de duración, carece de violencia, peligro o angustia. Todo se desliza con fluidez cotidiana, con momentos de silencios y otros acompañados con una simple melodía de piano. El único contraste lo entrega, deliberadamente, el director cuando la muchacha asiste a un cine y nos comparte un antiguo filme japonés protagonizado por Toshiro Mifune con un sangriento combate entre samuráis. Sin duda Shunji Iwai lo insertó para que, con mayor razón, nos preguntemos qué pretende aquel seguimiento con tan bajo perfil de la tímida Nireno.

Recomendamos recibirla con paciencia, disfrutarla como si fuéramos turistas en Japón, y esperar el revelador secreto del final.

DELICADA, MUY FEMENINA Y ENCANTADORA 

Ficha técnica

Título Original: Shigatsu Monogatari 
Romance Cine Arte Galería Patricia Ready Japón – 1,07 hrs. 
Fotografía: Noboru Shinoda 
Diseño Prod.: Yuji Tsuzuki 
Actores: Takako Matsu, Seiichi Tanabe, Kaori Fujii 
Editor, Guionista y Director: Shunji Iwai

5/9/18

La Monja - Por Carlos Correa

Una antigua abadía en Rumania esconde un misterio. Parece abandonada, sin embargo hay vida al interior. Les llevan provisiones semanalmente pero ninguna de sus moradoras se deja ver. Un incidente, la muerte de una joven monja, abre las compuertas y el Vaticano toma cartas en el asunto. Envía a un sacerdote con experiencia en exorcismos junto a una joven novicia que está ad portas de tomar sus votos a investigar los extraños sucesos.

Como Spin-off de la exitosa “El conjuro”, esta cinta dirigida por Corin Hardy contiene todos los elementos de su género. Incluso la secuencia inicial genera bastantes expectativas, sin embargo su plano guion e inoficiosa trama son el gran obstáculo para un desarrollo adecuado. Todo está al servicio de las percepciones, hay un suspenso contenido y uno que otro efecto clásico, de esos que nos mueven del asiento. El resto es adivinable y esperable, sin lograr mayores sorpresas hacia su desenlace.

Debemos reconocer que la película está bien iluminada, hay buenos planos fotográficos y la oscuridad del interior del lugar provoca temor. Todo esto, acompañado de una campaña publicitaria bastante generosa, augura un morboso interés en la película, sobre todo en los tiempos que actualmente vive la Iglesia.

Aún siendo obvia, los 96 minutos pasan rápido y si bajamos la vara de exigencia, “La Monja” funciona aceptablemente. ¿Pudo ser más? Sin duda alguna, la idea resulta interesante aunque el enlace que tiene con la saga sea más delgado que el hilo.

Corin Hardy conduce la cinta correctamente a pesar de las negativas condicionantes del relato firmado por Gary Dauberman, basado en la historia del mismo Dauberman y del productor de filmes de terror James Wan. Se notan expectativas por verla y el trailer provoca. Veremos qué sucede y cómo la reciben los seguidores del genero -y en especial los de “El Conjuro”- porque bien sabemos que la taquilla habitualmente no va necesariamente de la mano con la calidad.

Ficha técnica

Título original: The Nun
Año: 2018
Duración: 96 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Warner Bros / Atomic Monster / New Line Cinema / The Safran Company. Productor: James Wan
Género: Terror | Spin-off
Guion: Gary Dauberman (Historia: James Wan, Gary Dauberman)
Música: Abel Korzeniowski
Fotografía: Maxime Alexandre
Reparto: Taissa Farmiga, Demian Bichir, Bonnie Aarons, Charlotte Hope, Ingrid Bisu, Jonas Bloquet,  Jonny Coyne, Manuela Ciucur, Jared Morgan, Sandra Teles, Boiangiu Alma, Laur Dragan
Dirección: Corin Hardy

El infiltrado del KKKlan - Por Carlos Correa

Este notable trabajo del director Spike Lee está basado en hechos reales, específicamente en el libro de Ron Stallworth, el primer detective de color del departamento de policía de Colorado Springs. Stallworth -un convincente John David Washington- logra ser admitido y aún siendo novato se las ingenia para proponer y liderar una operación arriesgada que consiste en infiltrarse en el mismísimo Ku Klux Klan para intentar detener las violentas acciones que se avecinan.

La misión no es fácil. Ron es negro y solo puede hacer contacto con los mandamases del Klan por teléfono, por ello el plan involucra tener otro Ron Stallworth pero blanco, que se encuentre cara a cara con sus miembros. Adam Driver es el policía encargado de personalizar a este agente que debe sufrir el rigor de la agrupación y la mayoría de los peligros asociados a la misión.

Spike Lee nos regala una cinta que es brutal y delicada a la vez. Tiene excelentes actuaciones, planos finos y una gestualidad sorprendentemente natural. Con su brío característico, Lee compone un thriller con humor negro y algo de comedia que fluye y atrapa más y más mientras avanza el metraje.

La película transcurre en los sesenta sin embargo es muy actual y merecida. Muestra una dolorosa descripción de la violencia, discriminación, odio y venganza de esos años. Se exacerban las agitaciones sociales y la lucha por los derechos civiles, sin embargo nos muestra que incluso hoy, y precisamente desde la llegada de Trump a la Presidencia de Estados Unidos, no se hubiera avanzado mucho en el tema.

“BlacKkKlansman”, su título en inglés, es una originalidad que describe mucho mejor el espíritu de la cinta. Es tan contradictoria como resultan ser la discriminación a los afroamericanos y la persistente injusticia en el tema racial que aún, en pleno siglo XXI, existe y daña el tejido social de la nación que se autodenomina como “la más poderosa del mundo”. Otra paradoja. Set y match para el excelente Spike Lee.

Ficha técnica

Título original: BlacKkKlansman
Año: 2018
Duración: 128 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Blumhouse Productions / Monkeypaw Productions / QC Entertainment / Perfect World Pictures. Distribuida por Focus Features
Género: Drama. Comedia | Basado en hechos reales. Biográfico. Racismo. Años 70. Comedia negra. Crimen
Guion: Spike Lee, Kevin Willmott, David Rabinowitz, Charlie Wachtel (Libro: Ron Stallworth)
Música: Terence Blanchard
Fotografía: Chayse Irvin
Reparto: John David Washington, Adam Driver, Topher Grace, Laura Harrier, Ryan Eggold, Corey Hawkins, Robert John Burke, Paul Walter Hauser, Craig muMs Grant, Michael J. Burg, Chris Banks, Tom Stratford, Jasper Pääkkönen, Ashlie Atkinson, Ken Garito
Dirección: Spike Lee