viernes, 31 de agosto de 2018

Puerto Montt lanza primera versión de Festival de Cine

La Ilustre Municipalidad de Puerto Montt, a través de su Corporación Cultural -en alianza con otros municipios chilenos y argentinos- convoca a cineastas y audiovisualistas nacionales e internacionales al primer Festival de Cine de Puerto Montt 2018 (postulaciones hasta el 01 de octubre), que se realizará entre el 12 y el 17 de noviembre.

Puerto Montt apuesta a implementar una agenda cultural distintiva en la macro región sur, que incluya actividades de alto impacto en relación a la música popular (Festival Sentados Frente al Mar), las artes escénicas (Temporales Internacionales de Teatro), la literatura (Feria del Libro), la actividad artesanal (Feria Puerto Montt Invita), y viene acariciando hace algún tiempo organizar una actividad similar en el área audiovisual.

Parece tan lejano que apenas hace 5 años a la fecha, la única estética que el público ávido de cine podía apreciar era la posibilidad de asistir a las salas del multicine local, y si nos vamos un poco más atrás aún parece mentira que Puerto Montt, la capital de la región de Los Lagos permaneciera por espacio de prácticamente un lustro privado de la magia de la pantalla grande, tras la desaparición del recordado Cine Rex.

Pero el público siempre estuvo ahí, lo que justificó que la Corporación Cultural asumiera el desafío de hacer regresar el cine al tradicional Diego Rivera (nuestra Casa del Arte), siendo así como durante 2017 la CCPM programó más de 180 exhibiciones organizadas en ciclos constantes de cine Chileno, Infantil, Alemán y Documental lo que permitió que más de 18.000 personas pudieran acceder a contenido de calidad que no se programan en otros espacios, la mayoría de ellas con acceso gratuito o a muy bajo costo, haciendo carne nuestra misión institucional: derribar barreras de acceso a los bienes culturales para la mayor parte de la población.

Puerto Montt, en alianza con otros municipios chilenos y argentinos, se han propuesto liderar la promoción, desarrollo y puesta en valor del territorio que nos resulta común, la Patagonia y lo hace desde la generación de diversas estrategias de acción, entre las cuales se encuentra la organización de eventos de alta convocatoria, la visualización de oportunidades de comercialización, la promoción del turismo y de nuestros respectivos destinos locales, esfuerzo en el que se enmarca el festival de cine de Puerto Montt, que en su primera versión se desarrollará entre el 12 y 17 de noviembre de 2018.

- Descargar las bases

jueves, 30 de agosto de 2018

El Ángel - Por Juan Pablo Donoso

Aunque estaba fuera de competencia, fue una estupenda idea inaugurar SANFIC14 - 2018 con esta película.

Es una oda al nihilismo.

Se refiere a un personaje verdadero: Carlos Robledo Puch, asesino serial argentino, uno de los mayores sociópatas y criminales de la historia del país. Lleva más de 45 años en prisión tras ser condenado a cadena perpetua por 11 homicidios. La prensa lo llamó El Ángel de la Muerte por su aspecto infantil, inofensivo y casi femenino.

La estructura del guion, la tridimensionalidad de los personajes, y la fluidez del ritmo nos mantiene atentos durante 1,58 hrs. Esperamos el momento en que tanta delincuencia y asesinatos serán descubiertos y sancionados. Por suerte, y muy al final, la obra se salva de ser contagiosamente inmoral.

Excelente dirección de actores; muy bien escogidos. Todos actúan bien: los protagónicos, los famosos (Cecilia Roth y Mercedes Morán), y los secundarios. Además del joven Lorenzo Ferro, destacamos las caracterizaciones de Peter Lanzani (Miguel) y Daniel Fanego (José) por su radical compromiso con el mundo interno de sus personajes. Muy acertada selección musical (Moondog), propia del año 1971.

La única crítica que nos merece está en la concepción dramática central del caso, por muy real que haya sido. Carece por completo de antagonista, por lo tanto, es una fascinante acumulación de maldades, todas ingeniosas, pero sin fuerza que se le oponga. Se salva por la calidad narrativa. Será tal vez por eso que para muchos espectadores se siente demasiado larga, sin serlo. Sin una fuerza dramática opositora podría haber seguido acumulando delitos, o reducirlos a la mitad. Tampoco queda claramente propuesta la motivación de Carlos, el joven y casi andrógino protagonista. Pero su desempeño interpretativo es tan honesto y lúdico que, al igual que a los otros, nos vincula en una perversa complicidad.

El verdadero Robledo Puch quedó indignado cuando vio la película. Desmintió enfáticamente su inclinación homosexual y cómo muestran la relación con sus padres. Éstos, (Luis Gnecco y Cecilia Roth) sólo se ven desconcertados e impotentes ante lo indómito del hijo, por lo tanto, serían un débil polo antagónico. Dramáticamente insuficientes. Sólo predomina la maldad, e inescrupulosidad, intrínsecamente puras. He ahí el punto flaco de esta apasionante biografía.

AUNQUE AMORAL, ESTÁ LLENA DE MÉRITOS ARTÍSTICOS Y TÉCNICOS. SE HACE ADMIRABLE MIENTRAS LA VEMOS.

Ficha técnica

Biografía, crimen, drama Argentina, España – 1,58 hrs. 
Fotografía: Julián Apezteguia 
Edición: Guille Gatti 
Música: Moondog 
Diseño Prod.: Julia Freid 
Guionistas: Sergio Olguín, Luis Ortega, Rodolfo Palacios 
Actores: Lorenzo Ferro, Chino Darín, Daniel Fanego, Rodolfo Palacios 
Director: Luis Ortega

Cleo de 5 a 7 – 1962 - Por Juan Pablo Donoso

Para quienes vimos nacer, culminar y decaer la Nouvelle Vague, esta película es un deleite de nostalgia y admiración.

Como la mayoría de los movimientos renovadores en el arte, después de su apogeo se saturan, se vuelven torpemente imitados, y desaparecen. Pero contribuyen a dar un paso adelante en la narrativa, y las nuevas expresiones llevan sus aportes incorporados en el ADN.

Sus grandes exponentes iniciales fueron Francois Truffaut ( Los 400 Golpes), Jean-Luc Godard (Sin Aliento), Eric Rohmer (La Rodilla de Clara), George Rivette (L´Amour Fou) Claude Chabrol (Los Primos) , Alain Resnais (Hiroshima Mon Amour) y sobre todos ellos su precursor Jean Pierre Melville.

En 1962, la realizadora Agnes Varda incursionó en la modalidad desde su visión femenina, y logró una película exquisita.

Agnes Varda, hoy octogenaria, que cuenta entre sus éxitos títulos tales como LA FELICIDAD (1965), ha incursionado en más de 30 obras posteriores incluyendo cortos, documentales e historias de aguda inteligencia. Ha sido la esposa de aquel otro insigne director francés, Jacques Demý (Los Paraguas de Cherburgo) con una estética tan diferente, llena de dulzura y ensueños.

En CLEO, nos hace acompañar a una hermosa cantante (Corinne Marchand) durante 2 horas por barrios de París, mientras espera los resultados clínicos de un posible diagnóstico de cáncer. Recorrerá calles, visitará amigas y quirománticas, tendrá un fugaz encuentro con su novio, recibirá la visita de sus amigos músicos, quienes le traen un nuevo tema, y, finalmente, hará amistad con un joven militar desconocido con cuya compañía se atreverá a enfrentar el resultado médico de su examen.

La cámara la sigue a distancia como un agente indiscreto, y escucha sus conversaciones, generalmente triviales, pero que van trasluciendo su angustia interior.

En el más típico tratamiento de Nouvelle Vague, Agnes Varda incluye cameos de otros artistas de la época como Michel Legrand (muy joven), Jean-Luc Godard, Anna Karina, Claude Brialy, Eddie Constantine…

La diferencia con el neorrealismo italiano, es que los franceses jamás descuidan la belleza plástica, especialmente en interiores. Recurren ostensiblemente al “high key” cromático; y los diálogos, en vez de ser casi improvisados, redundan en un manierismo rayante en lo poético. Pero siempre manteniendo aquella atmósfera de lo casual.

Recomendamos ver CLEO DE 5 a 7 hoy día para gozar de una obra lograda en su tiempo, que mantiene su encanto, y comparar las riquezas de aquel lenguaje con las virtudes del actual.

PARA VOLVER A DISFRUTAR DE UNA RELIQUIA DE LA NOUVELLE VAGUE.

Ficha técnica

Tragicomedia, música 
Cine Arte Galería Patricia Ready Francia -1,30 hrs. 
Fotografía: Paul Bonis, Alain Levent, Jean Rabier 
Edición: Pascale Laverrière, Janine Verneau 
Música: Michel Legrand 
Diseño Prod.: Jean-François Adam 
Actores: Corinne Marchand, Antoine Bourseiller, Dominique Davray 
Guionista y Directora: Agnes Varda

miércoles, 29 de agosto de 2018

El Ángel - Por Carlos Correa

Inspirada en la historia de Carlos Robledo Puch, el joven criminal argentino que en 1980 fue condenado a cadena perpetua por diez homicidios calificados, un homicidio simple, una tentativa de homicidio y diecisiete robos, entre otros delitos, esta cinta se centra en el período que va desde mayo de 1971 a febrero de 1972 cuando suceden la mayoría de estos hechos delictivos.

Carlitos -excelentemente interpretado por Lorenzo Ferro- es un joven que no distingue lo propio de lo ajeno. Robar le es natural y simple. Cuando en su nueva escuela conoce a Ramón -Chino Darín- y a su familia -caracterizados por Mercedes Morán y Daniel Fanego-, la vocación de Robledo Puch simplemente se encausa hacia un camino sin retorno. Los rizos rubios y su cara de bebé le valen el apodo mediático de “el ángel de la muerte” o “el ángel negro”, por la ferocidad y violencia de sus accciones llevadas a cabo a tan corta edad.

Esta película dirigida por Luis Ortega y que participó en la sección “Un Certain Regard” del Festival de Cannes del 2018, es amarga, cruda e intrigante. Desde un comienzo nos muestra a un desprendido protagonista, prácticamente sin sentimientos, con una libertad extrema y absoluta naturalidad. El soporte para el personaje que realiza el debutante Lorenzo Ferro es notable. Tanto es así que los secundarios aparecen con poca profundidad, en especial Luis Gnecco y Cecilia Roth quienes caracterizan a los padres del novel asesino.

Con un prolijo uso de cámaras y ángulos cercanos, la cinta es lineal y enfocada. Los textos del guion son precisos y la banda sonora es sólida. Uno de los aspectos más destacados del tratamiento del relato es la construcción de escenas, varias de ellas bastante extensas, que solo tienen sonido ambiente y que generan altísima tensión. ¿Qué es ficción y que es realidad? No queda claro, sin embargo el propio director se encarga de aclarar que la película no es la sobre la vida de Robledo Puch sino una historia original inspirada en el joven criminal.

A pesar de tener una sección intermedia donde el metraje abandona el ritmo trepidante y decae en intensidad, “El Angel” se desarrolla de manera progresiva, agregando elementos cargados de drama y una extraña forma de humor negro. Da la sensación que al protagonista nada le afecta verdaderamente, que robar y asesinar es casi un deporte y que la violencia es algo absolutamente natural. Aparece siempre imbuido en sí mismo, duerme sin mayores problemas y no se observa que sienta culpa alguna por ninguno de sus actos. Solo hay una escena donde profusamente le brotan lágrimas de los ojos y que quizá podría abrir una interrogante. ¿Quién es realmente y qué siente Carlos Robledo Puch? Ortega, hábilmente, lo deja abierto y con ello alimenta aún más el mito del criminal argentino que más tiempo lleva preso -ya van extensos 46 años- y que por el momento no tiene posibilidades de ser liberado pues todos los recursos que ha presentado han sido denegados.

Ficha técnica 

Título original: El ángel
Año: 2018
Duración: 117 minutos
País: Argentina
Productora: Coproducción Argentina-España; K&S Films / Underground Contenidos / El Deseo / Telefé
Género: Thriller. Drama | Basado en hechos reales. Años 70
Guion: Luis Ortega, Rodolfo Palacios, Sergio Olguín
Fotografía: Julián Apezteguia
Reparto: Lorenzo Ferro, Chino Darín, Mercedes Morán, Daniel Fanego, Luis Gnecco, Peter Lanzani, Cecilia Roth, William Prociuk, Malena Villa
Dirección: Luis Ortega

Mamma Mía: vamos otra vez - Por Carlos Correa

Como continuación de la producción del 2008, “Mamma Mía: vamos otra vez” retoma la historia con Sophie -Amanda Seyfried- preparando una gran reapertura del hotel de su madre Donna, fallecida un año antes. La fiesta debe ser total, es un merecido homenaje a su progenitora, por tanto hay invitados que vienen desde todas las latitudes a visitar esta idílica isla griega. Sky, el marido de Sophie -Dominic Cooper-, está en Nueva York y no podrá acompañarle. Además se vislumbran problemas en la relación. Y para mayor pesar, Harry y Bill, dos de los tres posibles padres de la protagonista no han podido ser ubicados. Solo la acompaña Sam -Pierce Brosnan- que hace sus mejores esfuerzos para contenerla y animarla.

Esta cinta escrita y dirigida por Ol Parker es entretenida y lentamente va tomando vuelo. La producción alcanza una excelente altura y las locaciones están muy bien filmadas. Desde el punto de vista musical, las canciones de ABBA son inconfundibles y a pesar de ser mayoritariamente de las menos conocidas, los grandes éxitos tienen su espacio reservado, lo que es una delicia.

La cinta tiene también un elenco de lujo, aunque en ocasiones algunos de sus principales actores parecen ser poco aprovechados. Las coreografías están muy bien elaboradas y las tomas aéreas son armoniosas y estéticamente muy bien logradas.

Esta secuela logra conmover por la nostalgia que representa. Desde el punto de vista argumental y narrativo, Parker acierta en presentar a Donna joven -Lily James-, intercambiando los tiempos y explicando la historia en forma paralela. Este recurso resulta interesante y le da a la película un ritmo particular, complementando los números musicales con momentos de cercanía afectiva, recuerdos, sueños, añoranzas y aventuras.

“Mamma Mía: vamos otra vez” funciona bien, no solo como un atractivo y colorido musical sino también como una comedia que contiene romance, drama y diversión que fluyen naturalmente. Además, graciosamente nos depara sorpresas con como la presencia de Meryl Streep, la especial participación de Fernando -Andy García- y la majestuosa aparición de Cher, hacia el final, que adorna el relato con el cierre de un círculo insospechado que aún estaba sin completar.

Ficha técnica

Título original: Mamma Mia: Here We Go Again!
Año: 2018
Duración: 108 minutos
País: Reino Unido
Productora: Universal Pictures / Legendary Pictures
Género: Musical. Comedia. Romance | Secuela. Precuela
Guion: Ol Parker
Música: Benny Andersson, Anne Dudley, Björn Ulvaeus
Fotografía: Robert D. Yeoman
Reparto: Amanda Seyfried, Lily James, Christine Baranski, Julie Walters, Pierce Brosnan, Colin Firth, Stellan Skarsgard, Dominic Cooper, Andy García, Cher, Meryl Streep, Jeremy Irvine, Alexa Davies, Jessica Keenan Wynn, Josh Dylan, Hugh Skinner, Togo Igawa, Naoko Mori, Omid Djalili
Dirección: Ol Parker

domingo, 26 de agosto de 2018

“Doubtful”, premio SIGNIS en el SANFIC 14

Este primer largometraje del joven director israelí Eliran Elya fue distinguida por el premio SIGNIS a la película más destacada en la Competencia Internacional de SANFIC 14 por ser un relato contemporáneo, poético y descarnado de una tragedia existencial.

El premio fue recibido por Jonatan Bar-El, Jefe de Misión Adjunto de la Embajada de Israel en Chile, de manos del Presidente de SIGNIS Chile, Juan Pablo Donoso, acompañado por Carlos Correa Acuña, también miembro del jurado SIGNIS.

En las palabras de presentación del premio, Juan Pablo Donoso agradeció a SANFIC 14 por incluir a SIGNIS como Jurados en el Festival. Además, resumió la misión de esta organización internacional como la necesidad de “reflexionar sobre los valores humanitarios de la sociedad contemporánea a través de los medios de comunicación”. Asimismo, Donoso se refirió a la película distinguida como “una ópera prima impactante y madura, que denuncia la incapacidad y desconcierto de los adolescentes -que carecen de figura paterna por efecto de las guerras- para diferenciar la realidad de la confusión existencial, así como los sueños de la vigilia.”

Jonatan Bar-El, al recibir el galardón en representación de los realizadores de la película, señaló que “este Festival Internacional de Cine es una gran oportunidad para conocer otras culturas, otros países y mundos, pero no solo para entender las diferencias, sino para entender que al fin somos todos parecidos, somos todos iguales.”

“Doubtful”

Esta cinta impactante y madura del director israelí Eliran Elya, muestra el errático comportamiento social de hijos carentes de figuras paternas, producto de las guerras.

El síndrome que comparten, en distintos niveles, tanto adultos como adolescentes, su incapacidad y desconcierto para diferenciar la Realidad de la Confusión Existencial, y el sueño de la vigilia, constituyen un magnífico trabajo con auténticos jóvenes y muchachas, en sus diálogos y reacciones.

La trama, aparentemente cotidiana en sus detalles, lleva un discurso subliminal progresivo hacia un clímax final desgarrador, entregando una tragedia juvenil, contemporánea de penetrante fuerza poética y magistral realización.

“Doubtful”también recibió como premio una mención especial del Jurado Internacional del Festival SANFIC 14 en el que participaron nueve producciones, muestra en la que resultó ganadora la película "El Motoarrebatador" del director argentino Agustín Toscano, protagonizada por Sergio Prina y Liliana Juárez quienes también compartieron el premio por la Mejor Actuación.

- Video de la Ceremonia

Fuente: SIGNIS Chile

jueves, 23 de agosto de 2018

Cairo Time - Por Juan Pablo Donoso

Los méritos de este cuentecito romántico son: bellísimos paisajes de El Cairo y sus alrededores; el talento y simpatía de Patricia Clarkson; los bellos vestuarios de la protagonista, y el reposado aplomo del galán sudanés Alexander Siddig.

Lo demás es una historia dulzona mejor tratada en películas anteriores: BREVE ENCUENTRO (1945) y después en 1975 con Richard Burton y Sofía Loren; INDISCRECIÓN DE UNA ESPOSA (1952) de Vittorio de Sica; LA ANGUSTIA DE UN QUERER (1955); KOROTKIE VSTRECHI (1968) soviética; LOS PUENTES DE MADISON – 1995; y otras más recientes que tratan el mismo tema que siempre conmueve al público femenino de tercera edad.

La circunstancia en que una mujer casada desde hace tiempo se encuentra sola, con el marido distante, y conoce a un hombre maduro y también solitario, con el cual comienzan a enamorarse.

Tal vez porque evoca el cuasi romance que algunas espectadoras mayores vivieron, que nunca se consumó, y quedó incrustado en sus memorias. Lo que PUDO SER y guardaron para siempre secretamente escondido en sus fantasías.

En lo demás es una película muy lenta, sin conflicto, salvo el tedio ante la soledad esperando que su marido viniera a reunírsele, a la incomodidad frente a los aaudaces piropos callejeros de los hombres, al calor de la ciudad, y al natural coqueteo de la protagonista frente al único hombre encargado de protegerla.

Sin duda la guionista y directora Ruba Nadda (NCIS, Los Angeles) y Patricia Clarkson (La Librería 2017 – Amigos con Beneficios 2011 Dogville 2003) se afiataron emocionalmente haciendo esta obra en un país lejano, tan diferente a EE.UU. y lleno de historia milenaria.

Expresó la directora en una entrevista: “Disfrutamos haciendo este cuento romántico tan delicioso, sereno, lánguido y moralmente inofensivo”. Y lo lograron a costa de la paciencia de la mayoría de los espectadores masculinos.

UN CUASI ROMANCE LENTO, CON BELLOS ESCENARIOS, QUE FUE SUPERADO EN MUCHOS FILMES ANTERIORES.

Ficha técnica


Romance, turismo 
Cine Arte Galería Patricia Ready 
Canadá, Irlanda, Egipto – 1,30 hrs. 
Fotografía: Luc Montpellier 
Edición: Teresa Hannigan 
Música:Niall Byrne 
Diseño Prod.: Tamara Conboy, Hamed Hemdan 
Actores: Patricia Clarkson, Alexander Siddig, Elena Anaya 
Directora y Guionista: Ruba Nadda

Mi Ex es un Espía - Por Juan Pablo Donoso

Simpática y feminista, en el grato sentido de la palabra.

Un par de amigas solteras, Audrey y Morgan, que recién cumplieron 30 años, sienten que ya sus vidas ofrecen pocas emociones. Peor aun cuando Drew, el novio que recién le ha dado calabazas, resulta muerto a tiros por asesinos que escapan.

Moribundo, el novio le confía a Audrey (Mila Kunis) una misteriosa misión de espionaje para evitar peores masacres.

Ambas amigas deciden cumplir el encargo del fallecido Drew, viajar a Viena y entrevistarse con un tal Sebastián, y sentirse participando en una excitante aventura.

Pero en el mismo distinguido restaurante vienés los hechos se precipitarán cuando se inicie una balacera entre bandos enemigos.

De ahí en adelante, y en posesión de una controversial estatuilla, las amigas deberán escapar y – en especial – desconfiar de toda persona con que tomen contacto, por muy protector que parezca. En la figurita hay un chip que esconden donde sólo la mujeres pueden hacerlo...

Las persecuciones tendrán lugar en ciudades tan diversas como Praga, Amsterdam, Londres y otras.

Como de todas partes surgen fieros agresores, hasta una supuesta oficina del FBI en Europa es una potencial amenaza.

Lo que comenzó como un jueguito de seudo espionaje tomará ribetes de epopeya internacional. Y las dos amigas descubrirán que son más astutas de lo que creían, y capaces de hazañas dignas de los más osados agentes secretos, tipo James Bond.

La inteligencia de los periplos, la agilidad del montaje, las constantes sorpresas y la simpatía de ambas actrices nos involucran junto a ellas en estos episodios demenciales.

A Mila Kunis ya lo conocíamos en filmes como Cisne Negro (2010) y El Club de las Madres Rebeldes (2016), pero con entusiasmo destacamos el carisma y talento de Kate McKinnon como Morgan. Es una comediante estadounidense, famosa por imitar personajes prominentes. Celebrada es su caracterización de Hilary Clinton. Cultiva la especialidad de nuestro compatriota Stefan Kramer.

En las correrías insertan chistes ingeniosos y algo subidos de tono. Hasta incluyen, para resolver emergencias, la presencia de Edward Snowden, el ex-hacker de fama mundial, consultor tecnológico, y empleado de la CIA y de la NSA (Agencia de Seguridad Nacional).

Entre los sicarios hay una exótica réplica de Nadja Comaneci (Ivanna Sakhno) quien, previas sofisticadas escenas, protagoniza un duelo de trapecios cerca del clímax final.

La directora y guionista Susanna Vogel (Life Partners – 2014) domina su oficio y, más aún, cuando crea vorágines de mujeres, cuyos talentos van a la par con sus locuras.

Desde su perspectiva femenina los hombres somos unos simplotes forzudos, más dignos de ser amados que admirados.

Ideal para un vuelo largo en avión. Hará más corta la travesía.

LOGRADA COMEDIA DE ESPIONAJE CON UN MARCADO HUMOR FEMENINO.

Ficha técnica     

Título Original: The Spy who Dumped Me 
Comedia, acción BFDistribution EE.UU. – 1,57 hrs. 
Fotografía: Barry Peterson 
Edición: Jonathan Schwartz 
Música: Tyler Bates 
Diseño Prod.: Marc Homes 
Guion: Susanna Fogel, David Iserson 
Actores: Mila Kunis, Kate McKinnon, Justin Theroux, Ivanna Sakhno 
Directora: Susanna Fogel

miércoles, 22 de agosto de 2018

Madame - Por Musia Rosa

Un matrimonio norteamericano, Ann (Toni Colette) y Bob (Harvey Keitel), se instala en París y decide celebrar una cena con invitados de la alta sociedad parisina y americana. Madame, la dueña de casa, al darse cuenta que serán 13 en la mesa, decide incorporar a María, una de sus empleadas domésticas, haciéndola pasar por una rica dama española, pero advirtiéndole que se mida en el comer, beber y hablar, para pasar desapercibida.

María (Rosy de Palma) no cumple con el pedido de Madame y se entusiasma en su nuevo rol y atrae a uno de los importantes invitados, David Morgan (Michael Smiley) aristócrata británico, quien se deslumbra con ella y la invita a salir.

La dueña de casa, molesta con esta situación, se esfuerza por impedir el inesperado romance, suscitando la siguiente frase que María le espeta a Madame “soy una mujer, no una empleada, valgo lo mismo que usted”.

El nudo del filme se centra en las dos mujeres, al confrontarse la hipocresía y disconformidad de Ann (Toni Colette) la madame, con la sencillez y espontaneidad de María (Rosi de Palma), en una comedia de enredos, dramática, entretenida e ingeniosa, donde la musa de Almodóvar, deslumbra con su simpatía y solvencia actoral.

La correcta ambientación se luce con la hermosa fotografía, en tanto, la adecuada banda musical de Matthieu Gonet acompaña con mesura y elegancia la atmósfera que necesita la historia.

En un final sublime, todo lo acontecido se capta y evapora, con la suave sonrisa de María….alejándose del lugar.

Un guiño a La Cenicienta de Charles Perrault, con gusto a poco, pero que embelesa igual.

Ficha técnica

País: Reino Unido
Año: 2017
Distribuidor:
Duración: 91 minutos
Calificación:
Género: Drama y Comedia
Elenco: Harvey Keitel, Rossy de Palma, Tom Hughes, Toni Colette.
Música: Matthieu Conet
Dirección y Guión: Amanda Sthers

jueves, 16 de agosto de 2018

Secretos Ocultos - Por Carlos Correa

Ópera prima escrita y dirigida por Sergio G. Sánchez, esta película española del año 2017 cuenta la historia de una madre y sus cuatro hijos que llegan a una granja abandonada en Estados Unidos en 1969 luego de un largo viaje desde Europa. Los cuatro hermanos Marrowbone, Jack, Billy, Jane y Sam han decidido permanecer escondidos tras la repentina muerte de su madre a poco tiempo de haberse instalado en su nuevo hogar. Quieren dejar atrás el pasado, olvidar definitivamente a su padre y recomenzar desde cero, sin embargo los acecha una extraña presencia que los atormenta día y noche.

La cinta está construida en base al misterio de esta familia. No sabemos los detalles, desconocemos su historia y solo vamos atando los cabos en la medida que el metraje avanza y se develan ciertos aspectos que son bastante mínimos por lo demás. Logramos adivinar algunos movimientos, sin embargo la mayor parte del relato nos oculta el trasfondo de los personajes.

El guion de Sánchez es débil. Solo una certera cámara, algunos primeros planos y actuaciones diligentes permiten mantener algún grado de tensión. La película se hace extensa ya que mayormente su realización es en base al desarrollo de movimientos, lugares y escasos diálogos que más que nada dan cuenta del entorno más que de la profundidad de sus personajes.

Hay mucha similitud con cintas destacadas y temáticas que recordamos. “El orfanato” resulta extremadamente familiar y claro, Juan Antonio Bayona su director, es ahora productor. También, varios de los movimientos clásicos del género están presentes en “Marrowbone”, lo que sin duda no va a decepcionar a los fans de estos thriller.

No obstante su evidente planicie narrativa, la película se encarga de sostener un interés que la hace avanzar lentamente. Los 109 minutos de duración se hacen largos, sobre todo cuando el conflicto aparece explícitamente y su desarrollo argumental se configura con una lentitud asombrosa.

“Secretos Ocultos” se observa como una película inmadura, que no logra cuajar correctamente. Es como si su cocción se hubiera apresurado y con ello los elementos no terminaron de encajar adecuadamente. Esto es aun más palpable al encontrarnos con una idea que no resulta original, con un desarrollo previsible y con un final que puede sorprender solo si no estamos lo suficientemente atentos a las luces que en el transcurso de la trama fueron claramente entregadas.

Ficha técnica

Título original: El secreto de Marrowbone
Año: 2017
Duración: 109 minutos
País: España
Productora: Telecinco Cinema / Lions Gate International
Género: Terror. Thriller. Drama | Familia. Años 60. Vida rural (Norteamérica)
Guion: Sergio G. Sánchez
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Xavi Giménez
Reparto: George MacKay, Mia Goth, Charlie Heaton, Anya Taylor-Joy, Matthew Stagg, Kyle Soller, Nicola Harrison, Tom Fisher
Dirección: Sergio G. Sánchez

Secretos Ocultos - Por Juan Pablo Donoso

La realización audiovisual y las actuaciones son mejores que el guion. El español Sánchez debió tener co-autores.

La idea del argumento es cálida y sugerente. Además, tuvo el buen criterio de evitar los habituales “screamers” (estruendos súbitos e imágenes monstruosas), hechos para que el espectador salte en la butaca sin previo aviso.

Lo que comienza como un doloroso planteamiento familiar se va enredando a tal punto de cansarnos tratando de armar un rompecabezas innecesario.

Cuatro hermanos - tres adolescentes y un niño - hijos de un asesino prófugo en Inglaterra, juran ante su madre moribunda jamás separarse. Viajan a EE.UU. y se instalan en una vieja casona de campo en lo alto de una colina. Permanecerán así hasta que el hijo mayor, Jack, alcance la mayoría de edad y disponga del dinero familiar escondido.

Poco a poco comenzarán extraños fenómenos paranormales en la casa. Un abogado codicioso los amedrenta con desalojarlos a cambio de que paguen un elevado seguro.

Durante gran parte del desarrollo nada trascendental ocurre. Sólo se acumulan pequeños incidentes subliminales. Nos mantienen a la espera de que, por fin, reviente algo claro y espeluznante. Cuando ello ocurre, cerca del final, han sido tantos los raccontos confusos y los diálogos ambiguos, que la resolución nos deja con más dudas sobre lo que fue real o pura esquizofrenia del hermano mayor.

Valoramos el carisma de tres actores: el niño Sam (Matthew Stagg, de muy corta edad); Jane, la hermana adolescente (Mia Goth – Wallander), que actúa más por presencia que con acciones; y, la inclusión de Allie (Anya Taylor-Joy – Fragmentado), una especie de novia/vecina del protagonista quien, dotada de unos inmensos ojos negros, dice más con ellos que con su errático significado final en la trama.

FILME DE TERROR PARA LOS QUE GUSTEN DESCIFRAR CLAVES CONFUSAS. DEMASIADO OCULTOS LOS SECRETOS. LE FALTÓ COCCIÓN.

Ficha técnica

Título Original: Marrowbone 
Drama, terror, suspenso 
Cinecolor Films España – 1,50 hrs. 
Fotografía: Xavi Giménez 
Edición: Elena Ruiz 
Música: Fernando Velázquez 
Diseño Prod.: Patrick Salvador 
Actores: George MacKay, Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton 
Guionista y Director: Sergio G. Sánchez

La Última Princesa - Por Juan Pablo Donoso

Para quienes recuerden EL ULTIMOS EMPERADOR (1987) de Bernardo Bertolucci, este filme coreano resultará inferior.

Sin embargo, tiene muchos méritos y también algunas lamentables concesiones.

Sus virtudes son enseñar un drama histórico que muy pocas personas en Occidente conocen: la ocupación de Corea por el Imperio Japonés a comienzos del siglo 20. La prolija y hermosa recreación de época, de los palacios imperiales y profusión de fastuosos vestuarios. Algunas conmovedoras actuaciones como la de Ye-jin Son, en diversas edades), su madre, la dama de compañía (Mi-ran Ra), y algunos personajes masculinos cuando jóvenes (Hae-il Park como Jang-han), el amor platónico de la protagonista.

La realización es cuidada y experta. El ritmo es fluido y se sigue con interés a pesar de las 2, 07 horas de duración. El acertado uso de raccontos ayuda a la variedad del relato, que cubre más de 40 años de sumisión. Se entienden con claridad también los avatares políticos, a pesar de excluir por completo el período de la Guerra de Corea de los años 50.

Donde pierde nivel la película es en la opción maniquea del guion. Episodios que, por darle más acción a la trama, caen en recursos casi de filmes de matinée. El Primer Ministro, además de traicionar a su patria con canalladas diplomáticas, dispara armas como el peor de los vaqueros de EE.UU. y gesticula como “malvado” caricaturesco de principio a fin.

Pero cuando las secuencias aluden al dolor verdadero de aquella Princesa Deok-hye (1912 – 1989) y su hermano, que fueron “protocolarmente” raptados y humillados por el Imperio invasor, el filme adquiere el nivel emotivo que nunca debió condescender.

Por su valor histórico, y por tantos momentos de tortura emocional de esos príncipes y de sus súbditos, el argumento tiene elementos de sobra para constituir una teleserie de gran categoría.

El mérito culminante del filme es que hace llorar a gran parte del público femenino.

UN TROZO POCO CONOCIDO DE HISTORIA, CON EXCELENTE REALIZACIÓN, PERO QUE BORDEÓ EL FACILISMO TAQUILLERO.

Ficha técnica

Título Original: Deokhyeongju 
Cine Arte Galería Patricia Ready
Biografía, drama, acción y romance 
Corea del Sur – 2,07 hrs. 
Fotografía: Tae-yun Lee 
Edición: Na-young Nam 
Música: Yong-rak Choi, Sung-woo Jo 
Diseño Prod.: Hwa-seong Jo 
Guion: Jin-ho Hur, Bi-Young Kwon 
Actores: Ye-jin Son, Hae-il Park, Mi-ran Ra 
Director: Jin-ho Hur

miércoles, 15 de agosto de 2018

Dios no está muerto 3 - Por Carlos Correa

El pastor Dave -David A.R. White- se encuentra ante un gran dilema. Su iglesia está adosada a un Campus Universitario y es el centro de las críticas por parte de quienes no quieren que siga estando allí señalando que la religión nada tiene que ver con el mundo de la academia. Es tanta la resistencia que la construcción resulta quemada y en el incendio muere su amigo, el recientemente nombrado co-pastor de la iglesia.

Es inevitable comparar esta tercera parte con la idea original del 2014. La distancia es demasiado grande y la verdad es que de aquella ya no queda nada, salvo el título. El relato de la historia es bastante plano, con un ritmo que no alcanza un recorrido que logre capturar la atención. Incluso el conflicto y sus detonantes están bastante contenidos, lo que no entrega herramientas suficientes para que la película despegue.

Es cierto que el mensaje es importante y para quienes creemos en Dios, ello nos puede regocijar. Sin embargo, la pregunta de siempre es si esta forma de contar historias con contenido cristiano es la adecuada para llegar a un público cada vez más distante y que ante los primeros signos de beatería sale huyendo.

Si lo interesante de la primera entrega era un disputa intelectual sobre las convicciones personales, en esta cinta dirigida por Mike Mason el centro está puesto netamente en lo emocional. En ese sentido todas las relaciones personales marcan la historia: los hermanos distanciados, los novios separados, la comunidad universitaria en conflicto, los grupos contrarios y a favor de la iglesia en su interior, el poder autoritario de la junta directiva, la amistad-enemistad rector-pastor, etc.

La expectativa con que llegamos a presenciar “Dios no está muerto 3” se diluye rápidamente. A pesar de ser una producción bien hecha, con buena filmación, actuaciones correctas y música adecuada, la historia es difícil que trascienda en comunidades no cristianas. El contenido es súper claro, está nítidamente expuesto, pero difícilmente logre conmover en un mundo donde los sentidos están mucho más dirigidos hacia los gestos y hacia las acciones más que en los discursos, los sermones o las simples palabras.

Hay un debe en esta cinta. Cierra una saga y por lo mismo nos puede hacer reflexionar sobre la mejor manera de contar historias cristianas. Aún estamos haciéndolo desde la propia centralidad, mirando desde dentro hacia afuera, o en el mejor de los casos desde mundos completamente separados. La realidad es actualmente compleja y ello nos obliga a leerla de muy diferente manera para poder expresar convicciones profundas como lo que significa la fe en la persona de Jesucristo. Espacio existe, las posibilidades están. La idea es que estas cintas no sean solamente para un público interno sino que tiendan puentes con otros mundos, con otros pensamientos y que en conjunto impulsen a una reflexión más profunda. Esto es sin duda un tremendo desafío, sin embargo estimo que se puede lograr, con audacia, creatividad y atrevimiento.

Ficha técnica

Título original: God's Not Dead: A Light in Darkness
Año: 2018
Duración: 106 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Pure Flix Productions. Distribuida por Pure Flix Entertainment [USA]
Género: Drama
Guion: Howard Klausner, Mike Mason
Música: Pancho Burgos-Goizueta
Fotografía: Brian Shanley
Reparto: Jennifer Taylor, John Corbett, Ted McGinley, Tatum O'Neal, Shane Harper, David A.R. White, Anne Leighton, David Maldonado, Barry Clifton, Mark Sivertsen, Cissy Houston, Dean Denton, Buddy Campbell, Frederick Keeve, Rhonda Johnson Dents, Jude S. Walko, Kay Smith, Angela Sherrill Merriott, David Slayter, Greg Fallon, Lance J. Gosnell, Rick Vyper, Justin Garton, Robert Babcock, Trey Gibson, Nancy Carter, Alyson Courtney, V. Duwane Ledbetter, Toby L. Wilson, Leslie Dianne, Becky Bartlett, Adam Marsden, Misty Jezierski, Jacqueline Baker, Sir Salonis, Vaughn Collar, Emily Mullins, Lesa Wolfe, Dawn Slayter Rogers, Berkeley Courtney-Moore, Tina Riley Johnson, Tina Jones, Kevin Lemar Riley
Dirección: Mike Mason

sábado, 11 de agosto de 2018

SIGNIS Chile entregará premio en SANFIC 14

La Asociación de Comunicadores chilenos, SIGNIS Chile, volverá a tener un jurado especializado de cine en la decimocuarta edición de Santiago Festival Internacional de Cine, SANFIC 14, organizado por Fundación CorpArtes y producido por Storyboard Media, que tendrá lugar entre el 19 y 26 de agosto.

La exhibición tendrá cerca de 100 producciones, entre las que destacan atractivos estrenos de cine nacional e internacional, entre los que se encuentran 7 estrenos mundiales y 25 premieres latinoamericanas.

El jurado de SIGNIS Chile, conformado por su Presidente Juan Pablo Donoso y por Carlos Correa entregará el premio SIGNIS en la Competencia Internacional que cuenta con nueve producciones: Doubtful (Israel), de Eliran Elya; Dovlatov (Rusia), de Aleksey German; Dry Martina (Chile – Argentina), de Che Sandoval; El motoarrebatador (Argentina – Uruguay – Francia), de Agustín Toscano; La música de las esferas (Cuba – Estados Unidos), de Marcel Beltrán; Las herederas (Paraguay – Alemania – Brasil – Uruguay – Noruega – Francia), de Marcelo Martinessi; Marilyn (Argentina-Chile), de Martín Rodríguez Redondo; Sauvage (Francia), de Camille Vidal-Naquet; The Cleaners (Alemania Brasil), de Hans Block y Moritz Riesewieck.

El Premio SIGNIS está representado por jurados acreditados en los más importantes festivales del mundo: Cannes, Berlín, Montecarlo, Venecia, San Sebastián, Mar del Plata, La Habana. Esta presencia activa y constante en el cine, busca principalmente promover y fomentar la presencia en el cine de valores artísticos, culturales, sociales, éticos, y de solidaridad, valores humanos universales que permiten la promoción humana.

La muestra de SANFIC 14 será exhibida en Cine Hoyts Plaza Egaña, Los Domínicos e Imperio, en la Cineteca Nacional y en CorpArtes. La entrada general tiene un valor de $3.000, y, desde el 3 de agosto, se pondrán a disposición abonos para estudiantes y tercera edad a $9.000 (5 entradas), y abonos para público general a $12.500 (5 entradas).

Fuente: SIGNIS Chile

jueves, 9 de agosto de 2018

Lo que de verdad importa - Por Carlos Correa

¡Qué difícil es rescatar y reconocer lo positivo hoy en día! Y esto es lo primero que hace esta cinta pues es 100% benéfica. Dona toda su recaudación a los niños enfermos de cáncer a través de Fundaciones especializadas en cada país de exhibición.

Este largometraje del director español Paco Arango se propone, además, algo especial. Nos invita a conmovernos y a transformarnos a través de la historia de Alec -Oliver Jackson-Cohen-, un ingeniero mecánico inglés que vive desenfrenadamente y que está a punto de perder su tienda de reparaciones eléctricas. De la nada aparece un tío -Jonathan Pryce- que le ofrece un trato que no puede dejar pasar: pagar todas sus deudas a cambio de trasladarse a Canadá, específicamente a Nueva Escocia, la tierra de sus antepasados, por el lapso de un año. Alec acepta, no muy convencido, este viaje que cambiará su vida.

El guion escrito por el mismo Arango no entrega muchas sorpresas ya que indudablemente lo que sucede es previsible. El realismo mágico se hace presente en cada una de las interacciones del protagonista con su nuevo entorno. Lo recibe una chica guapa -Camilla Luddington- que le ayuda a publicar un aviso para establecer el negocio que autodenomina “el curandero” -igual nombre del que tenía en Inglaterra- ya que él es capaz de reparar cualquier artefacto electrónico descompuesto. Sin embargo el aviso no especifica esto de “aparato”, por lo que al día siguiente hacen fila en su casa varias personas que acuden a este recién llegado curandero porque confían en curarse de dolencias y enfermedades. A la sorpresa inicial, a Alec le sobreviene un incómodo descubrimiento. Al parecer es poseedor de un don que efectivamente logra sanar a las personas que acuden a él y a poco andar su tío le entrega detalles al respecto. Esto corresponde a una tradición de familia, desde tiempos ancestrales, y Alec debe tomar la posta. ¿Lo hará?

La cinta tiene un bello mensaje sin ninguna duda. No obstante aquello, falla en su construcción y en el desarrollo del relato. En varios momentos se aprecian ciertas desconexiones que hacen perder continuidad, los conflictos no alcanzan a expresarse correctamente y todo se va resolviendo sin mayor tensión. El fondo argumental es encomiable, sin embargo la composición dramática no sustenta una historia que merece un tratamiento más profundo y elaborado. El nivel de producción es bueno y es otra de las razones por las que el metraje se percibe liviano. Los elementos están en su lugar pero algo falta, algo que genere un pulso vital, que capture de otra forma nuestra atención.

A pesar de sus ripios, “Lo que de verdad importa” se las arregla para transmitir su mensaje. Dedicada a Paul Newman, la cinta es un aporte para intentar comprender la realidad de una enfermedad que aún está asociada a una muerte casi segura. También podemos percibir lo importante que es la lucha contra esta enfermedad y lo vital que significa para ello una actitud positiva y los deseos de salir adelante, superarla y sobrevivir. De hecho, es justamente este íntimo convencimiento de las personas de que efectivamente pueden ser curadas y salvadas, el valor más destacado de la película. Es un llamado a mirar en positivo, a tener una actitud diferente frente a la adversidad y a transformarnos en agentes de vida. Esto último, sumado a su carácter benéfico, ya es razón suficiente para ir a verla en el cine. No dejemos pasar la oportunidad de colaborar y de dejarnos tocar por un mensaje positivo en medio del mundo actual donde lo negativo, los desastres, la violencia y la desconfianza no nos dan tregua.

Ficha técnica

Título original: Lo que de verdad importa
Año: 2017
Duración: 113 minutos
País: España
Productora: ESP-62 Producciones / Topsail Entertainment
Género: Drama. Comedia. Fantástico | Realismo mágico. Religión. Enfermedad
Guion: Paco Arango
Música: Nathan Wang
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Reparto: Oliver Jackson-Cohen, Camilla Luddington, Kaitlyn Bernard, Jonathan Pryce, Jorge Garcia, Adrian G. Griffiths, Brian Downey, Suresh John, Richard Donat, Glenn Lefchak, Pasha Ebrahimi, Jackie Torrens, Nikki Barnett, Gay Hauser
Dirección: Paco Arango

Luis y sus Amigos del Espacio - Por Juan Pablo Donoso

Filme animado simpático, ágil y gracioso, con un guion bien escrito.

Técnica de animación muy perfeccionada. A pesar de lidiar con alienígenas la historia es sencilla y clara. Cada personaje justifica su presencia. Ningún comportamiento es gratuito ni caprichoso. Incluso los malvados. Sólo en la secuencia final, en el clímax, incursiona en un terreno más fantasmagórico, para volver finalmente al tono cotidiano y juguetón del relato general.

Su discurso audiovisual es alegre y comprensible. Recomendamos dejarse llevar por la anécdota como lo hacen los niños espectadores, y disfrutaremos igual que ellos.

Es admirable como los animadores trabajan la movilidad de los ojos para expresar emociones.

Luis es un niño de 11 años, víctima de bullying escolar, cuya mamá falleció cuando era pequeño. Vive sólo con su padre en un hogar descuidado. El papá está obsesionado con una supuesta invasión extraterrestre. Vigila de noche con su telescopio y duerme de día. El niño será visitado por un trío de alienígenas locos que desde su nave captaron un aviso comercial terrestre en que ofrecían un colchón vibratorio. Aterrizan en la casa de Luis, revolucionan el barrio, el colegio, el súper mercado y, sin proponérselo, traen cordura y reconciliación al vecindario.

Los niños espectadores se sentirán fácilmente identificados con Luis y sus amiguitos.

Nos demuestran que los alienígenas pueden ser más ingenuos, infantiles, alegres y lúdicos que los humanos. Aunque también hay otros perversos capaces de camuflarse entre las personas.

ENTRENIDA Y GRACIOSA AMISTAD ENTRE UN NIÑO Y UNOS LOCOS E INOFENSIVOS ALIENÍGENAS.

Ficha técnica


Título Original: Luis and the Aliens 
Animación, aventuras, comedia 
Andes Films Alemania, Luxenburgo, Dinamarca – 1,26 hrs. 
Edición: Peter Mirecki 
Música: Martin Lingnau, Ingmar Süberkrüb 
Dirección de Arte: Florian Westermann 
Guionistas y Directores: Christoph Lauenstein, Wolfgang Lauenstein, Sean McCormack

Graduación - Por Juan Pablo Donoso

Cristian Mungiu, rumano, es uno de los grandes directores, relativamente jóvenes, del momento. Su obra más consagrada es 4 MESES, 3 SEMANAS, 2 DÍAS - Palma de Oro en Cannes 2007. En 2013 recibió La Orden de las Artes y Letras francesas por su contribución al cine. Y fue nombrado Caballero de la Legión de Honor por sus servicios a Francia.

Sus filmes se ambientan en la Rumania durante y post-comunista. Sus habitantes aún ignoran cómo mirar la vida y las costumbres en democracia. Necesitan olvidar los cánones marxistas, pero aún están desorientados para concebir un nuevo esquema existencial. Son personajes sencillos que aún sienten un miedo latente, inefable.

Y en este caldo sociológico Mengiu obliga a sus personajes a resolver problemas cotidianos y familiares. Tal fue el caso desgarrador de una muchacha que debió abortar en 4 MESES, 3 SEMANAS, 2 DÍAS, con los abusos bestiales de que fue víctima. Y en GRADUACIÓN son los dilemas que enfrenta un médico de provincia, para responder como padre de familia a su hija, esposa, a su amante, a sus pacientes y a la policía venal.

El tema reincidente sigue siendo la jerarquía de los Valores, la conciencia moral y los callejones sin salida de la corrupción.

Su lenguaje cinematográfico es de tomas largas, cámara en mano, pocas escenas, y diálogos tan espontáneos que parecieran improvisados. El ángulo del director es como el de un intruso que, por medio de momentos aparentemente inocuos, va revelando el dolor de sus criaturas. Si bien trabaja con buenos actores, ellos, frente a la cámara, parecieran estar recién escudriñando sus emociones y pensamientos.

En un pequeño pueblo de Transilvania, el doctor Aldea estimula a su hija adolescente para que rinda un buen Bachillerato y logre puntaje para estudiar en una universidad de Inglaterra. Que salga de Rumania en busca de mejores horizontes. Pero la muchacha, Eliza, es víctima de un intento de violación por parte de un desconocido. La niña queda traumatizada para afrontar el examen con plenas facultades mentales. El padre, usando sus influencias como médico, iniciará un lobby de maniobras poco honestas para que los resultados académicos alcancen el nivel requerido de una beca. Esto en medio de una situación matrimonial agónica, de los requerimientos de su amante por una condición de mayor dignidad, y del chantaje de la policía por encubrir los delitos de sus pacientes moribundos.

Durante el desarrollo del drama nos preguntamos cuáles serán las opciones de conciencia que tomarán los personajes para alcanzar sus sueños de superación personal y afectiva.

Y Mengiu entrega una respuesta final, consecuente, para una disyuntiva que suele atormentar a millones de padres de familia y jóvenes del mundo.

UN FILME SERENO, PROFUNDO, QUE REVELA DILEMAS PERSONALES DE CONCIENCIA EN UNA SOCIEDAD CORRUPTA Y CONFUNDIDA.

Ficha técnica

Título Original: Bacalaureat 
Drama familiar y ético 
Cine Arte Patricia Ready Rumania – 2,08 hrs. 
Fotografía: Tudor Vladimir Panduru 
Edición: Mircea Olteanu 
Diseño Prod.: Simona Paduretu 
Actores: Adrian Titieni, Maria Dragus, Lia Bugnar 
Guionista y Director: Cristian Mungiu

Megalodón - Por Juan Pablo Donoso

Esta vez el monstruo es un Carcharodón Megalodonte, el mayor predador marino que ha existido. Su nombre significa "diente grande", derivado de los términos griegos μέγας y ὀδούς; una especie extinta de tiburón que vivió hace entre 19,8 y 2,6 millones de años, durante el Cenozoico. Medía casi 25 metros de largo.

Nuestro héroe submarinista, el Capitán Jonas Taylor (Jason Statham), cinco años antes intentó explorar una profundidad desconocida del Pacífico. Pero su batiscafo fue atacado por una criatura misteriosa, donde pereció la mayoría de la tripulación, incluyendo a su esposa. Taylor fue desvinculado de la Marina yendo a vivir ocioso a las playas de Tailandia.

Será reclutado nuevamente por un equipo multinacional de investigadores que, desde un sofisticado laboratorio necesitan volver a explorar esa profunda cuenca marina. Sólo pueden acceder a ella traspasando una nebulosa que la aísla del océano superior. Y Jonas (alusión bíblica) tiene la pericia para liderar la expedición.

Al ingresar en este universo sumergido son atacados por un megalodón del cual logran escapar ilesos. Sin embargo, al emerger abrieron un boquete en la nebulosa divisoria. Por ahí asciende el monstruo marino que, en adelante, demolerá los barcos pesqueros y buscará presas entre los bañistas de las playas asiáticas.

Ese es el conflicto central.

Podemos dividir la trama entre las relaciones de los científicos y las secuencias marinas, con megalodones incluidos (porque también ascendieron otros después).

Lo más logrado son las secuencias acuáticas y submarinas. Lo más pedestre son las escenas de convivencia de los científicos entre sí.

Los guionistas elaboraron una historia que recurre, y acumula, elementos exitosos de películas clásicas anteriores: tiburones, inmersiones profundas en sofisticados batiscafos, grandes instalaciones científicas o petroleras en alta mar y, por supuesto, coqueteos entre asiáticas y occidentales del equipo, técnicos chistosos, médicos resentidos, una niñita china superdotada hija de la principal exploradora, y una sucesión de aventuras, riesgos, y personas devoradas por los escualos,… o de estos devorándose entre sí.

Los diálogos son obvios y simplotes. Sirven como intermedios sentimentales entre las grandes escenas de acción.

Al finalizar nos sugieren que el peligro sigue latente en las profundidades, por lo tanto, vendrán nuevas secuelas.

Sugerimos minimizar los clichés actorales y verla preferentemente en cines con pantalla IMAX para disfrutar de la fotografía, los sonidos estereofónicos y del suspenso.

TREMENDA PRODUCCIÓN DE AVENTURAS CON MONSTRUOS MARINOS Y CON LOS INGREDIENTES PARA SER UN ÉXITO DE TAQUILLA.

Ficha técnica

Título Original: The Meg Acción, suspenso, ciencia ficción 
Warner Bros.C Chile China,EE.UU. – 1,53 hrs. 
Fotografía: Tom Stern
Edición: Steven Kemper, Kelly Matsumoto 
Música: Harry Gregson-Williams 
Diseño Prod.: Grant Major 
Guionistas: Dean Georgaris, Jon Hoeber, Erich Hoeber, Steve Allen (novela) 
Actores: Jason Statham, Bingbing Li, Ruby Rose, Rainn Wilson 
Director: Jon Turteltaub

Megadolón - Por Carlos Correa

Esta súper mega producción sale a flote solo mientras se mantiene sumergida. Tanto es así que cuesta bastante clasificarla porque en rigor son varias películas en una, las más de las veces desconectadas entre sí y que deambulan sin un horizonte claro. Vamos por parte.

Un ambicioso proyecto de exploración submarina financiado por un excéntrico ultra archi millonario está a punto de descubrir algo increíble. Se trata de un mundo submarino mucho más extenso, bajo la capa del subsuelo de las fosas Marianas que se creía el lugar más alejado de la superficie, superando los 11.000 metros de profundidad. Durante esta exploración, el vehículo sumergible de última tecnología que encabeza la misión sufre el ataque inesperado de una criatura totalmente desconocida y brutalmente gigante. Allí entra en escena un experto buceador quien es llamado de urgencia para salvar a la tripulación. Jonás Taylor -Jason Statham- es un tipo especial y rudo que debe lidiar con los tormentos de su pasado y sacar adelante un rescate que parece imposible. Hasta allí, todo va relativamente bien, sin embargo la cinta se estira aún más y con ello el metraje se diluye en aguas profundas y en una superficialidad -con banales imitaciones- que la hunden definitivamente.

Hay que reconocer que no todo es negativo en esta película. La fotografía de Tom Stern del mundo submarino es bella. También los entornos del laboratorio de investigación y varias de las tomas aéreas que nos acercan al lugar están muy bien logradas. La acción también está bien filmada, nos sumerge en ese clima de amplitud oceánica y de vulnerabilidad humana ante la amenaza de lo desconocido. Los problemas más serios se presentan con los personajes debido a su escaso desarrollo, diálogos inútiles y vacíos y en gestos que definitivamente enturbian la fluidez de un relato que no encaja y que es forzado por el timón de un guion plano y flojo que lo deja a la deriva.

“Megalodón” de todas maneras entretiene a pesar de estar llena de clichés. Claro, hay que tener paciencia y aguantar la respiración cuando se trata de las escenas en superficie. Una vez que volvemos al interior del océano la filmación de Jon Turteltaub es mucho más natural porque se encuentra en un hábitat menos complejo de construir desde lo argumental y más claro de exponer desde lo visual.

Si aún no la ha visto, recomiendo no seguir con esta lectura. Las caricaturas de los personajes son tan básicas que podemos adivinar la suerte -o desgracia- del multimillonario, y la cantidad de muertes que asoman al equipo explorador. También podemos aventurar que el héroe logrará su cometido, no sin antes rescatar a su comprensiva ex mujer y también a su futura prometida. Lo de la bahía está absolutamente de más... ni si quiera funciona como guiño a la original “Tiburón”. Y por si lo anterior fuera poco, podemos comprobar que existe algo más terrible que un Megalodón: dos megalodones. ¿No será mucho?

Ficha técnica

Título original: The Meg
Año: 2018
Duración: 113 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Apelles Entertainment / Gravity Pictures / Maeday Productions / Flagship Entertainment Group. Distribuida por Warner Bros.
Género: Acción. Thriller. Ciencia ficción | Tiburones. Monstruos
Guion: Belle Avery, Dean Georgaris, Erich Hoeber, Jon Hoeber, James Vanderbilt (Novela: Steve Alten)
Música: Harry Gregson-Williams
Fotografía: Tom Stern
Reparto: Jason Statham, Bingbing Li, Rainn Wilson, Ruby Rose, Winston Chao, Cliff Curtis, Robert Taylor, Masi Oka, Ólafur Darri Ólafsson, Jessica McNamee, Page Kennedy
Dirección: Jon Turteltaub

lunes, 6 de agosto de 2018

El Cuento de la Princesa Kaguya - Por Juan Pablo Donoso

Bellísima versión del cuento folclórico japonés LA HISTORIA DEL CORTADOR DE BAMBÚ.

A diferencia de otras animaciones, esta recurre a los antiguos dibujos clásicos japoneses, con la técnica de acuarela y tinta china. Fantasía visual realizada por 214 animadores. Con trazos esenciales cuidan cada mínimo detalle. Simbiosis musical entre oriente y occidente.

Es la obra final del célebre animador japonés Isao Takahata fallecido este 2018 a los 82 años. Fue uno de los fundadores del Ghibli (スタジオジブリ, empresa de animación considerada por la crítica como uno de los mejores estudios de animación del mundo: El Viaje de Shihiro (2001), La Tumba de las Luciérnagas (1988) entre decenas de otras.

El nombre Ghibli fue elegido por Hayao Miyazaki y deriva de la palabra italiana que denomina al viento cálido del desierto que sopla en Libia.

¿Quién es Kaguya? ¿De dónde viene? ¿Y qué quiere? Son las preguntas que Isao Takahata busca responder en esta fábula nipona.

Alude a la visión personal sobre la muerte de su creador. Sus percepciones de los ciclos de la vida, la felicidad, los desencantos y el Más Allá. De los valores familiares y las brechas del tiempo y la edad. Todo se desliza con fluidez. Funde la esperanza con lo trágico. Nos aleja de lo superfluo y de lo políticamente correcto de nuestro mundo actual.

Con un relato aparentemente sencillo narra una leyenda alegórica. Inspirada en una profunda concepción poético/budista. Logra una experiencia asombrosa.

Desde el interior de un brote de bambú resplandeciente, florece una miniatura humana vestida de kimono. El campesino y su mujer que la descubren toman el hecho como una bendición celestial. La criatura abre los ojos, sonríe y bosteza. Para ellos es una princesa que trae una dote millonaria. Crecerá rápidamente, amará y será candidata a esposa de poderosos señores.

Pero Kaguya es una Princesa selenita que prefiere vivir las alegrías, tristezas y amor terrenales más que habitar el Nirvana. Y luego de muchas experiencias deberá regresar, fatalmente, a la Luna.

La zona intermedia es larga. Lo más emotivo son las primeras y últimas secuencias. En especial cuando se reencuentra con el joven amor de su niñez.

Tal vez un poco extensa para niños muy pequeños, pero fascinante para otros más grandes y también para adultos.

UNA SIMBÓLICA FÁBULA DE AMOR, FAMILIA Y TRASCENDENCIA ESPIRITUAL ILUSTRADA CON MILENARIA TÉCNICA DE PINTURAS JAPONESAS.

Ficha técnica

Título Original: Kaguyahime no monogatari 
Animación, aventuras, romance Cinemark Chile Japón – 2,17 hrs. 
Fotografía: Keisuke Nakamura 
Edición: Toshihiko Kojima 
Música: Joe Hisaishi 
Diseño Prod.: Kazuo Oga 
Guionistas: Isao Takahata, Riko Sakaguchi 
Director: Isao Takahata

domingo, 5 de agosto de 2018

Misión Imposible: Repercusión - Por Carlos Correa

Sexta entrega de la saga y lo primero que parece imposible lo logra. Seguir plenamente vigente y construir una cinta de acción que no pierde atractivo a pesar de usar todos los elementos clásicos de sus predecesoras.

Ethan Hunt -Tom Cruise- recibe una nueva misión que decide acepta (¿habrá alguna que no acepte?, se esboza en una parte de la cinta). Esta vez se trata de interceptar un intercambio de plutonia que si resulta exitoso y cae en manos criminales desencadenará una serie de explosiones nucleares en diversos puntos del planeta. Hunt y su equipo planean la misión al detalle pero algo sale mal. En una emboscada poco previsible, el agente debe decidir entre tomar el plutonio o salvar a su equipo, decisión sobre la que no duda ni un instante, privilegiando a sus compañeros por sobre la misión. Comienza entonces la remontada, el ir siempre detrás, luchando contra poderes gigantes para recuperar lo perdido y con ello evitar una debacle de proporciones insospechadas.

La película es lineal y su trama es, dentro de todo, bastante sencilla. No tiene exceso de vueltas y revueltas argumentales por lo que su centro es únicamente la sólida voluntad del protagonista de poder cumplir la misión. Y es aquí donde aparecen los elementos que ya son marca registrada de la franquicia. Las persecuciones, las escenas de extrema acción, peligro y audacia son sus pilares fundamentales. A pesar de un reconocido esfuerzo por incorporar diálogos y reflexiones que de alguna manera construyan líneas argumentales con las cintas anteriores, cada una de esas ramas se presenta en su justa medida, aportando al metraje y siempre dejando en primer lugar el particular desarrollo de esta versión.

Hay puntos altos en Misión Imposible, repercusión. Uno de ellos es una secuencia de acción donde el sonido ambiente es suprimido y solo es acompañada por música incidental. Es notable, se transforma en una coreografía perfecta donde cada movimiento va unido al sonido de forma inseparable. Otro punto altísimo es la partitura original de Lorne Balfe. Bien conocemos el motivo musical característico de Misión Imposible. Balfe logra crear unas variaciones tan limpias que, sin perder originalidad, entregan nuevos horizontes rítmicos y armónicos que “suenan a” y que además funcionan como una apertura hacia otros universos sonoros.

Algo característico de esta saga del agente Ethan Hunt es la filmación de las escenas de acción. Tom Cruise nos ha acostumbrado a estar él mismo en estas secuencias y esta vez no es la excepción. Incluso el rodaje se debió suspender un tiempo por un accidente del protagonista en el set de Londres. Estas escenas son deslumbrantes, no solo por lo bien filmadas y editadas que están, sino porque logran verdaderamente crear la sensación de estar ahí, sobre los actores, seguidos de cerca en las calles de Paris y en la urbanidad de un Londres prístino y moderno.

Fotografía y diseño de producción están también en un altísimo nivel, acompañando un guion ágil que pone acento en lo sustantivo para dejar en relieve solamente lo que venimos a ver en la pantalla grande. Nada sobra en 147 minutos que pasan volando, entretenidos de principio a fin, donde lo imposible es alcanzable y Tom Cruise está intratable. Nada lo doblega, nada lo detiene y nada parece tener la capacidad suficiente para interponerse en su camino con alguna posibilidad de éxito. Larga vida a Ethan Hunt y a sus imposibles misiones que, mientras las siga aceptando, podremos verlas y seguirlas con fantástica admiración.

Ficha técnica

Título original: Mission: Impossible - Fallout
Año: 2018
Duración: 147 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Paramount Pictures / Skydance Productions
Género: Thriller. Acción | Espionaje. Secuela
Guion: Christopher McQuarrie, Bruce Geller
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Rob Hardy
Reparto: Tom Cruise, Rebecca Ferguson, Henry Cavill, Simon Pegg, Ving Rhames, Vanessa Kirby, Michelle Monaghan, Alec Baldwin, Angela Bassett, Sian Brooke, Sean Harris, Wes Bentley, Frederick Schmidt, Liang Yang, Kristoffer Joner
Dirección: Christopher McQuarrie

miércoles, 1 de agosto de 2018

Los oportunistas - Por Carlos Correa

Este interesante relato del director italiano Paolo Genovese tiene una puesta en escena íntima y minimalista. Lo que está filmado transcurre al interior de un bar llamado “The Place”, sin embargo la acción no se remite solo a dicho lugar y aquello es parte fundamental de la magia que tiene la cinta.

Partimos de una premisa que es enigmática e inquietante. Un hombre -Valerio Mastandrea- se sienta todo el día en la misma mesa y recibe la visita de diversas personas, todas con algo en común: quieren hacer realidad un sueño, piden un milagro o algo que ven muy difícil de conseguir como por ejemplo la recuperación de una enfermedad terminal, ser más bella, volver a tener fe, encontrar un botín, reanimar un rutinario matrimonio o salvar a un hijo de una muerte inminente. Este hombre promete cumplir el deseo siempre y cuando quien lo solicita realice algo a cambio y esta petición no es nada de fácil. Asesinar, robar, perpetrar un atentado, violar a alguien, golpear a un desconocido, pero también cuidar a un niño de ser violentado. No hay explicación, solo un deseo por persona y la condición de hacer algo específico a cambio.

En una dinámica teatral, Genovese filma un juego de ajedrez mental. Las piezas, difusas e inconexas, a veces cuadran como un perfecto juego de Tetris y otras veces toman rumbos de acción que obligan a modificar los planes iniciales. Si hacemos un paralelo con el fútbol, acá hablamos de la táctica fija, la jugada preparada y el análisis de cada uno de los movimientos, algo que funciona en la teoría pero que en la práctica sin duda puede fallar.

El relato nos lleva a imaginar los entornos y lo que hace cada una de las personas que acuden a este extraño “hombre” para cumplir su encargo. Él pide detalles y a través de aquello vamos construyendo una historia que transcurre mucho más en nuestra imaginación que en las imágenes que visualizamos.

Uno de sus requirentes le dice que “lo que hace es alimentar monstruos”, sin embargo la réplica no tarda: “siempre hay alguien dispuesto a hacerlo”. Y allí está la clave, pues el corazón humano tiene la disponibilidad de hacer algo -aún perverso- por una motivación fundamental y vital. Los valores se trastocan, se pueden incluso invertir y la moralidad pasa a ser totalmente subjetiva. Los ejemplos que la película entrega son extremos y obligan a una reflexión profunda.

No es fácil sostener una cinta de este tipo ni menos darle vuelo a nuestra imaginación como espectadores utilizando tan pocos elementos. Genovese lo logra al plantear este enigma y a través de sus conexiones y códigos. Es un notable trabajo, bien filmado, bien actuado y que se sitúa como un punto alto dentro de una cartelera que no se despega de las súper historias y de los súper héroes.

En esta película que data del año 2017 y que recién llega a nuestro país, lo único que podríamos reprocharle es que no mantenga el título original. Su nombre en español no tiene nada que ver con la historia, ni con el relato ni con nada. El título es “The Place”, que no es solo el nombre del bar sino que representa efectivamente lo que es su centro: es, efectivamente, “el lugar”.

Ficha técnica

Título original: The Place
Año: 2017
Duración: 105 minutos
País: Italia
Productora: Leone Film Group / Lotus Productions
Género: Drama
Guion: Paolo Genovese, Isabella Aguilar
Música: Maurizio Filardo
Fotografía: Fabrizio Lucci
Reparto: Valerio Mastandrea, Marco Giallini, Alessandro Borghi, Silvio Muccino, Alba Rohrwacher, Vittoria Puccini, Sabrina Ferilli, Silvia D'Amico, Rocco Papaleo, Giulia Lazzarini, Vinicio Marchioni
Dirección: Paolo Genovese

Mentes poderosas - Por Carlos Correa

Anunciada como una película de los productores de la intrigante “Strangers Things”, las expectativas son altas pero lamentablemente se vienen abajo a los pocos minutos de comenzar.

La cinta es una clásica distopía adolescente que tiene un escaso relato y que parte de una idea central misteriosa. Un extraño suceso mata a la mayoría de los niños de Estados Unidos y los que se salvan son llevados a grandes campos de concentración. Lo acontecido les ha entregado a los sobrevivientes diversos súper poderes que se clasifican por colores según su grado de profundidad y también de letalidad. Este inicio no dura demasiado, entrega pocos elementos y luego la cinta deambula predeciblemente en las relaciones de los jóvenes que se encuentran, en sus características, en el cómo se reconocen y el afán común de conocer algo más de lo que les sucede mientras deben protegerse de los cazadores que están permanentemente tras sus pasos.

El bien y el mal, las dudas permanentes en las otras personas, la desconfianza extendida, erráticos comportamientos y no saber definitivamente en quien confiar es parte del menú ofrecido durante largos 105 minutos.

Hay, por supuesto, búsqueda de poder, abusos brutales, un complot del gobierno, ocultamiento y una naciente rebelión juvenil a todo aquello. La discriminación, el aislamiento y los malos tratos que sufren los protagonistas hacen que empaticemos con ellos, sin embargo no alcanza a configurar una tensión suficiente para dotar a la historia de un genuino interés. Y luego de todos esos caminos ya conocidos la cinta queda abierta a nuevas sagas...

Claro, todo es esperable, sin embargo lo mejor tal vez sería que “The Darkest Minds” no avance salvo que tenga algo realmente mejor que mostrar.

Ficha técnica

Título original: The Darkest Minds
Año: 2018
Duración: 105 minutos
País: Estados Unidos
Productora: 20th Century Fox / 21 Laps Entertainment
Género: Ciencia ficción. Romance. Fantástico | Distopía. Young Adult. Adolescencia. Pandemias
Guion: Chad Hodge (Novela: Alexandra Bracken)
Música: Benjamin Wallfisch
Fotografía: Kramer Morgenthau
Reparto: Amandla Stenberg, Mandy Moore, Gwendoline Christie, Harris Dickinson, Miya Cech, Skylan Brooks, Mark O'Brien, Wallace Langham, Golden Brooks, Patrick Gibson, Catherine Dyer, Peyton Wich, Sammi Rotibi, Deja Dee, Lidya Jewett, Connor Murdock, Kaleigh Rivera, Allie McCulloch, Charles Green, Kassidy Slaughter, Audrey Hope, Carson Holmes, Jonnah-Blaine Bowling, Blake Bertrand, McCarrie McCausland, Curtis Gammage
Dirección: Jennifer Yuh

Los Oportunistas - Por Juan Pablo Donoso

Preferimos el título original, THE PLACE, porque es el nombre del café donde todo ocurre.

Viene de un programa televisivo estadounidense llamado The Booth at the End (El Cubículo del Fondo) que tuvo 10 exitosos capítulos en 2011.

En una mesa del fondo hay un hombre solitario con una libreta. Pasa largas horas allí consumiendo lo necesario para justificar su presencia.

Cada cierto tiempo recibe personas, de diferentes sexos y edades, que se sientan frente a él, y que luego de escucharlo salen con rostros preocupados.

¿Quiénes son estas personas, de qué hablan, y por qué vuelven donde él?

La garzona, intrigada por este misterioso consejero psicológico, se propone escudriñarlo.

El ámbito es casi exclusivamente interior. De vez en cuando la cámara sale y muestra la esquina, en algún lugar céntrico de la ciudad.

Nos enteramos, sólo por conversaciones, de lo que cada visitante le plantea. Vienen a pedir ayuda para cumplir sus deseos. El Hombre, luego de tomar notas, les promete acceder a sus anhelos bajo la condición de que ellos hagan algo deliberadamente malvado. Son libres de aceptar o rechazar sus condiciones.
Luego de vacilar, más temprano que tarde, todos aceptan el trato renunciando a sus valores morales.

De a poco nos enteramos del mundo de cada cliente, de sus penas y angustias.

Jamás sabemos quién es este Hombre, ni tampoco de su vida personal. Trasluce un pasado solitario y doloroso.

Los visitantes, voluntariamente sometidos a las maldades propuestas, llegan a preguntarle si acaso es el mismísimo Demonio. A lo que él responde que nada más le interesan los “pequeños detalles”. Pero en verdad, pareciera estar poniendo a prueba la vulnerabilidad de estas personas y su capacidad para ejercer la vileza a cambio de sus deseos.

Nunca los vemos fuera del café. Sólo conocemos sus acciones por lo que relatan.

Es maquiavélico cómo el Hombre logra que estas 10 personas terminen interactuando entre sí, ignorando que son todos parroquianos del mismo consejero.

A pesar de ser puros diálogos, la cinta nos mantiene expectantes por conocer la evolución de cada caso. Y para ello, el guionista y el director elaboraron palabras precisas, intimidad de los rostros y varias ubicaciones de cámara. Somos testigos impotentes de aquello que parece ser una monstruosidad pero que, al final, sugiere que en el fondo de los corazones hay todavía esperanza de amor y de consuelo.

Actores muy bien escogidos para cada caso. La música incluye al famoso conjunto Stag, y una bella canción de cierre; pero creemos que con mayores silencios la premisa de los autores habría sido aún más impactante.

Ideal para espectadores de Cine-Artes.

MISTERIOSA PRUEBA DE CONCIENCIA ANTE LA MALDAD.

Ficha técnica

Título Original: The Place 
Diamond Films Drama, intriga Italia – 1,45 hrs. 
Fotografía: Fabrizio Lucci 
Edición: Consuelo Catucci 
Música: Maurizio Filardo 
Diseño Prod. : Chiara Balducci 
Guionista: Christopher Kubasik (guionista original), Paolo Genovese, Isabella Aguilar 
Actores: Valerio Mastandrea, Marco Giallini, Alessandro Borghi
Director: Paolo Genovese (Perfectos Desconocidos – 2016)

Animal - Por Juan Pablo Donoso

El tema de este filme argentino es el instinto animal de SOBREVIVENCIA.

A diferencia de los relatos de aventura – este ocurre en un medio “civilizado” de burguesía.

El título alude al Animal Humano que pierde lo “humanitario” cuando está al borde de la muerte, y es extorsionado por “in-humanos” depravados e inescrupulosos.

Cuando Antonio Decuod (Guillermo Francella), devoto padre de familia y ejecutivo de un importante matadero en Mar del Plata, se entera que las diálisis ya son insuficientes para sus riñones, inicia la búsqueda angustiosa de algún donante.

El único candidato dispuesto a venderle uno de los suyos es un vagabundo drogadicto (Federico Salles) que se aprovecha de la situación para extorsionarlo hasta el extremo.

Y el tejido de estos extremos es el tormento que deberá vivir Antonio arrastrando consigo a toda su familia.

La idea del argumento es muy buena. Permite una patética construcción de personajes que avanzan hacia un clímax difícil de predecir.

Se requerían actores talentosos y carismáticos. Y los tuvieron.
Sin embargo, los guionistas – Bo y Giacobonne – carecieron de síntesis. Con diálogos más precisos y menos obvios, habrían ganado en sutileza. La trama y las motivaciones de los personajes, menos explícitos, ya eran lo suficientemente claras.

Este mismo equipo de guionistas obtuvo un Oscar por BIRDMAN en 2014. Y aquella película, al igual que esta, con sus méritos de factura, adoleció también de un exceso de elementos narrativos que, por recargados, debilitaban la médula dramática.

La falta de rigor al editar las escenas, hace que este filme quede más largo y pesado de lo necesario. Por algo los europeos, especialmente franceses, recurren a escritores especialistas en “diálogos”, para fortalecer el discurso integral de la acción.

La insistencia en bañar toda la pantalla con mares de sangre, y a ratos con imágenes interiores de las arterias, pudo ser un símbolo eficaz, pero su abuso bordeó lo guiñolesco sin aportar mucho tampoco.

La publicidad la anuncia como de humor negro. Es más bien una reflexión sobre la ausencia de moralidad cuando se llega a situaciones límites de impotencia.

Hay una buena idea, con oficio audiovisual, buenos actores (algunos nuevos muy promisorios como Mercedes de Santis y Federico Salles), vago coqueteo con el humor negro (especialmente al final), y temas musicales eclécticos que son oportunos sólo en ciertos momentos.

El director, Armando Bo III, es nieto del homónimo que cuando niño protagonizó el clásico PELOTA DE TRAPO (1948) y, años después, como director fue más famoso por lucir a su mujer, Isabel Sarli, desnuda que por la riqueza de sus argumentos.

PUDO SER MÁS IMPACTANTE CON MAYOR RIGOR SELECTIVO. INNECESARIAMENTE LARGA. DE DULCE Y DE AGRAZ.

Ficha técnica


Drama, suspenso 
BFDistribution Argentina – España – 1,52 hrs.– 
Fotografía: Javier Juliá 
Edición: Pablo Barbieri Carrera 
Música: Pedro Onetto 
Diseño Prod.: Pablo Bordenabe, Carlos Carnota 
Guionistas: Armando Bo II, Nicolás Giacobone 
Actores: Guillermo Francella, Carla Peterson, Gloria Carrá 
Director: Armando Bo III

La Decisión del Rey - Por Juan Pablo Donoso

Excelente drama histórico, de principio a fin.

Un ejemplo sobrecogedor de responsabilidad moral; de lo que significa el verdadero liderazgo político.

Como toda gran tragedia, es el caso de una gran DECISIÓN.

Narra el poco conocido episodio de aquellos tres días en que Alemania nazi intentó invadir Noruega, que se mantenía neutral.

Puso a Haakon VII contra la espada y la pared para que se rindiera, como ya lo había hecho su hermano el rey de Dinamarca. Pero el soberano, elegido y amado por su pueblo, optó por la independencia, incluso contra la voluntad de su hijo el príncipe Olav, del Parlamento y del Gabinete de ministros.

Aunque la derrota era inevitable, él se la jugó por la dignidad de su patria.

La madurez del guion y la mano certera del director Erik Poppe (Mil Veces Buenas Noches – 2003), unidas a las actuaciones, nos mantienen atentos durante las 2,13 hrs., empatizando con los sentimientos valóricos de ese monarca anciano y enfermo, solitario en su dilema de responsabilidad moral ante su pueblo.
Inolvidables las caracterizaciones de los tres personajes centrales: Jesper Christensen como el rey; Anders Baasmo Christiansen como el Príncipe, y Karl Markovics como Curt Bräuer el Embajador alemán.

Cabe destacar el difícil rol de Markovics quien, sin caricatura, demuestra la ardua misión de verse obligado, directamente por Hitler, a presionar al rey mientras él, como eximio diplomático, sabía que su misión ética era respetar la decisión del monarca noruego. Debió incluso vivir una crisis familiar debido al pundonor de su cargo.

Todos los ángulos merecen elogios en este filme: las actuaciones femeninas, de los pequeños nietos reales, y de los jóvenes soldados dispuestos a morir por el patriotismo de su rey.

Aunque estrenada en el mundo en 2016, esta película debería exhibirse en nuestros cines comerciales, incluyendo las salas de Cine-Arte de todo el país. Sería un aporte cultural, artístico y educativo de cómo enfrentar los dilemas políticos de una nación en peligro.

DESCONOCIDA Y EJEMPLAR BIOGRAFÍA HISTÓRICA NORUEGA DURANTE LA 2ª GUERRA MUNDIAL

Ficha técnica


Título Original: Kongens nei 
Biografía, drama, historia 
Cine Arte Galería Patricia Ready Noruega – 2,13 hrs. 
Fotografía: John Christian Rosenlund 
Edición: Einar Egeland 
Música: Johan Söderqvist 
Diseño Prod. : Peter Bävman 
Guion: Harald Rosenløw-Eeg, Jan Trygve Røyneland 
Actores: Jesper Christensen, Anders Baasmo Christiansen, Karl Markovics 
Director: Erik Poppe